Levitan über der Abendstille. „Über dem ewigen Frieden“ von Isaac Levitan. Sentimentalität oder ein einzigartiges Geschenk

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- (1860 1900), russischer Maler. Landschaftsmaler. Studierte an der MUZhVZ (1873-1885) bei A. K. Savrasov und V. D. Polenov; lehrte dort (seit 1898). Teilnahme an Ausstellungen der Wanderer (seit 1884; seit 1891 Mitglied des TPHV), der Münchner Secession (seit 1897), der Zeitschrift Mir ... Kunst-Enzyklopädie

Isaak Iljitsch (1860, Kibartai, Litauen – 1900, Moskau), russischer Maler und Grafiker; herausragender Landschaftsmaler. Geboren in der Familie eines Eisenbahnangestellten. 1870 trat er in die Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur (MUZHVZ) ein, wo er bei ... ... studierte. Kunst-Enzyklopädie

- (1860 1900), russischer Maler Wanderer. Der Schöpfer der „Stimmungslandschaft“, die sich durch eine Fülle poetischer Assoziationen auszeichnet, von großer („März“, 1895; „See. Russland“, 1900) oder trauriger Spiritualität des Bildes („Über dem ewigen Frieden“, 1894). ... ... Enzyklopädisches Wörterbuch

Isaac Levitan I. Levitan, Selbstporträt (1880) Geburtsdatum: 1860 Geburtsort: Kibarty, Provinz Kowno Sterbedatum ... Wikipedia

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Bücher

Isaac Levitan, . In der Regel lernen wir die Werke unserer großen Maler kennen frühe Kindheit. Ob Reproduktionen von Gemälden, die an den Wänden von Kindergärten und Schulen hängen, oder verkleinerte Versionen davon in ...
Meisterwerke von A bis Z: Ausgabe 4,. Mit dem neuen Projekt des Verlags „Galerie der russischen Malerei“ eröffnen sich Kunstliebhabern neue – wirklich einzigartige – Möglichkeiten. Wir bieten Ihnen die umfassendsten thematischen Sammlungen ...

Über ewige Ruhe. 1894

Über uns sind die gleichen
wie früher, Himmel -
Und schenke uns dasselbe ein
die Segnungen ihrer Ströme ...

V.G. Benediktov „Und jetzt...“

Malen „Über den ewigen Frieden“(1894, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau) – das drittgrößte Gemälde von Levitans „dramatischem Zyklus“. In einem Brief an Tretjakow gab er sogar zu, dass er auf diesem Bild „ganz, mit seiner ganzen Psyche, mit allem Inhalt“ sei. Indem er ein Kap mit einer heruntergekommenen Holzkapelle und einem Friedhof vor dem Hintergrund des trüben Bleiwassers eines Sees darstellte, der sich bis in die Wüstenferne erstreckt, über dem schwere dunkle Wolken am düsteren Himmel wirbeln, vermittelte Levitan sehr ausdrucksstark das Gefühl der Unbequemlichkeit dieses rauen Raums.

Das Bild lässt Sie verstehen, was der Künstler in den Momenten empfand, in denen ihn Anfälle von Todesangst und Einsamkeit überkamen. Gleichzeitig ist das Gefühl der Einsamkeit und Ohnmacht im Bild von Levitan nicht überwältigend. Damit einhergehend leben weitere Erfahrungen des Künstlers in seinem figurativen System, das der großen Leinwand im Vergleich zur Skizze eine transpersonalere, philosophisch ruhigere und mutigere emotional-figurative Bedeutung verlieh. Die Komposition der Leinwand ist streng und klar: ein höchst bemerkenswert geschriebener Himmel, dem das Kapitel mit einem Abschluss dargeboten wird, der am Ende zusammen mit einem Gefühl der Einsamkeit und des Friedens die Gräber des „Herzensgedankens“ des Künstlers „über das Licht, das nicht rät“, über den ewigen Durst nach Wärme, Hoffnung, dessen Zaun immer wieder „wie eine Kerze aus der Epoche der Epoche, wie eine Kerze aus einer Kerze aus einer Kerze aus einer Kerze aus einer Kerze aus einer Kerze aus einer Kerze aus einem.“ Kerze von einer Kerze von einer Kerze von einer Kerze von einer Kerze von einer Kerze von einer Kerze von einer Kerze von einer Kerze von einer Kerze von einer Kerze aus einem Zeitalter.“ (L. N. Tolstoi), Menschen werden angezündet.

Wladimir Petrow

Levitan begann mit der Arbeit an diesem Gemälde in der Nähe von Vyshny Volochek, in der Nähe des Udomlya-Sees, wo er 1893 mit Kuvshinnikova lebte. Das Bild endete offensichtlich bereits im Dezember 1893 und zu Beginn des Jahres 1894 in Moskau, was der Autor im Bild markierte. Das Gemälde „Über dem ewigen Frieden“ vervollständigte den Werkzyklus von 1892–1894, in dem Levitan große und tiefe Gedanken über die Beziehung der menschlichen Existenz zum Ausdruck bringen wollte ewiges Leben Natur.

Kuvshinnikova bezeugte in ihren Memoiren, dass in dem Gemälde „Über dem ewigen Frieden“ „das Gelände und im Allgemeinen das gesamte Motiv vollständig der Natur entnommen waren ... Nur die Kirche war von Natur aus anders, hässlich, und Levitan ersetzte sie durch eine gemütliche kleine Kirche aus Pljos.“ Das Arbeitszimmer dieser Pljos-Kirche ist erhalten geblieben und uns bekannt.

Die Tatsache, dass die Landschaft „Über dem ewigen Frieden“ im Grunde eine natürliche Aussicht auf den Udomlya-See ist, wurde in seinen Memoiren auch von V. K. Byalynitsky-Birulya bezeugt, dessen Anwesen „Die Möwe“ in der Nähe lag. Ihm zufolge steht im Vordergrund das Kap dieser ovalen Insel, von der Levitan „von einer großen Wasserfläche weggetragen wurde“ und von der aus er „nach einem stürmischen Sturmtag jene dunklen Wolken am Himmel über dem Wasser auftürmen sah, die so eigenartig, aber voller Spannung klingen, das Akkordhaus auf seinem Bild.“ Aber im Gegensatz zu Kuvshinnikova behauptet er, dass die Landschaft „durch das Motiv einer Kirche und eines Friedhofs am Ostrovenskoye-See ergänzt wurde“. Wie dem auch sei, der Künstler kombinierte die beiden Typen nicht zufällig, er versuchte auf diese Weise etwas Bestimmtes auszudrücken philosophische Idee. Der Künstler selbst behauptete, dass er auf diesem Bild „alles, mit meiner ganzen Psyche, mit all meinem Inhalt“ sei.

Die Idee des Matchings Menschenleben mit dem Majestätischen, seinem Eigenleben, seinem Sein, den grandiosen Elementen der Natur, erstmals geboren im Gemälde „Abend an der Wolga“ (1887-1888), entfaltet sich hier in seiner ganzen Kraft und Breite, in der ganzen Reife von Levitans Können.

In dieser Landschaft werden die grandiose Umkehrung der Wasserfläche des Sees und eine noch majestätischere Weite des Himmels mit wirbelnden, miteinander kollidierenden Wolken mit einem fragilen Kap kombiniert, auf dem eine alte Kirche und ein armer ländlicher Friedhof Schutz bieten. In diesem Jura pfeifen die Winde sie; Sie sind allein in der Weite. Aus diesem Nebeneinander von Natur und den Spuren menschlicher Existenz in ihr entsteht eine Landschaft voller erhabener Trauer und tragischen Heldentums.

Ein zerbrechliches Kap mit einer Kirche und einem Friedhof, vom Wind der Elemente gepeitscht, wirkt wie der Bug eines Schiffes, das sich in eine unbekannte Ferne bewegt. Wir sehen ein Licht im Fenster der Kirche, ein Zeugnis des menschlichen Lebens, seiner Unzerstörbarkeit und stillen Demut. Die Wärme des menschlichen Daseins und die Heimatlosigkeit der Weiten der Natur stehen sich gleichzeitig gegenüber und vereinen sich in diesem Bild. Darin vereinen sich gleichsam beide Haltungen Levitans zur Natur: Sie zeigen, dass sie vom Menschen bewohnt ist, und stellen den Menschen der Natur gegenüber – ganz wie in Tschechows Landschaften. Und was diese beiden scheinbar sich gegenseitig ausschließenden Beziehungen zur Natur vereint, ist das, was man „Stimmung“ nennt, also die Übertragung der Erfahrungen eines Menschen und durch sie seiner Gedanken im Naturzustand.

Die sowohl in den Originalzeichnungen als auch in der Ölskizze recht statische Komposition erhält im Bild einen dynamischen, asymmetrischen Charakter. Der Blick des Betrachters wird durch die Küstenlinie und das sich im Wind biegende Kap mit seinen Bäumen in die Ferne gelenkt und schließlich durch die Tatsache, dass die Küste auf der rechten Seite entfernt wurde und stattdessen das Wasser dort direkt an der Vorderkante beginnt. Die Arbeit an dem Gemälde verlief in der Richtung, den düsteren und beunruhigenden Zustand der Landschaft während eines Gewitters immer mehr offenzulegen, seinen tragischen Klang zum Ausdruck zu bringen, den Wind zu vermitteln, der über das Wasser weht, seine Oberfläche runzelt, die Bäume des Windes biegt, die Bewegung der Wolken, die Vertiefung und Erweiterung des Raums. Und gerade bei dieser Arbeit wurde es notwendig, die Kirche mit ihrem Kirchhof in die Landschaft einzubeziehen.

Die Wolken am Himmel, ihre Bewegung, die Licht- und Farbübergänge werden aufs Feinste und im Detail herausgearbeitet, um das majestätische und tragische Geschehen am Himmel bestmöglich zu vermitteln. Im Gegenteil, die Wasserfläche und die Fernpläne grüner Felder und blaue Entfernungen werden sehr allgemein interpretiert. Das in der Skizze vollständig mit Bäumen und Kreuzen bedeckte Kap liegt frei, weshalb einzelne Bäume und Kreuze, liegend oder als Silhouette vor dem Hintergrund des Wassers, an Ausdruckskraft gewinnen. Levitan reduziert das Bild auf wenige, klar und sofort wahrnehmbare Teile und entwickelt innerhalb dieser wichtigen Teile der Handlung subtil die Details weiter, auf die er die Aufmerksamkeit des Betrachters lenken möchte. Wenn also eine dreieckige Insel in der Ferne als verallgemeinerte Masse gegeben wird und das Wasser nur durch Wellen belebt wird, dann entwickelt sich im Inneren die Masse des davor liegenden Kaps. So stellt Levitan einen kaum sichtbaren Weg dar, schreibt subtil eine kleine Kirche und Kreuze. Vor uns liegt eine bekannte Technik, bei der die Landschaft mit einem Blick sofort erfasst zu werden scheint und sich dann nach und nach in ihren Details offenbart.

Letztendlich ist das Bild auf großen, verallgemeinerten Massen aufgebaut, wie dem Himmel als Ganzes, dem Kap davor, dem Wasser, der Insel, den Streifen der fernen Küste. Der Himmel selbst ist ganz klar in unten bewölkt und oben hell unterteilt. Eine solche Konstruktion auf großen verallgemeinerten Massen ist darauf zurückzuführen, dass Levitan, der eine monumental-epische raue Landschaft schafft, diese nicht nur asymmetrisch, sondern auch sehr dynamisch kompositorisch löst. Der Vergleich eines Gemäldes mit einer Skizze offenbart die Fragmentierung der Bildkomposition. Indem Levitan die rechte Uferseite abtrennte und das Wasser an den unteren Rand leitete, verlieh er der Landschaft den Charakter einer Art „Abschnitt“ aus der Natur. Diese scheinbar zufällige Fragmentierung der Landschaft verleiht ihr Unmittelbarkeit. Streng gebaut und symbolisch in der Natur, wird die Landschaft als natürliche Aussicht wahrgenommen.

Das Gesamtbild ist eine wunderbare Kombination aus Momenten lebhafter Spontaneität und strenger Bildhaftigkeit. Zieht uns der „schwebende“ und wie umfließend bis zum Bildrahmen reichende Umhang in den Bildraum hinein, so entfalten parallel zur Bildebene schwebende Wolken, eine starke Horizontlinie den Raum auf der Ebene. Wenn uns die Details am Kap davor wie ein leuchtendes Fenster in die Landschaft einführen, so eröffnet sich uns im Großen und Ganzen ein grandioses Panorama, ein majestätisches Schauspiel.

Wenn Levitan bei der Arbeit an dem Gemälde „Am Pool“ die Landschaft düsterer machte als in der Skizze und ihre Farbpalette abdunkelte, dann hat er sie bei der Arbeit an dem Gemälde „Above Eternal Peace“ im Gegenteil aufgehellt und bereichert. Die Skizze ist in einem eher eintönigen dunklen Maßstab geschrieben. Das Grün der Küste ist fast schwarz, die kleine Kirche ist dunkelgrau, das Wasser ist bleihaltig; Bleidunkle Töne dominieren auch den Himmel, obwohl hier bereits die Gelbtöne des Sonnenuntergangs und Rosatöne in der Wolke auftauchen. Diese düstere Farbpalette ist sehr ausdrucksstark. Aber es drückt nur ein Erlebnis aus, nur eine „Stimmung“ düsterer Unheilsgefahr. Die Skizze ist solider und farblich gesammelter, energischer gemalt als das Bild, das jedoch farblich reicher ist. Und dieser Reichtum an Farben trägt zu einer größeren Breite, Komplexität und Vielfalt seines Inhalts bei. Es kann nicht mehr, wie in einer Skizze, auf eine Art Gefühl, auf eine emotionale Note oder einen Gedanken reduziert werden. Im Gegenteil, es ist eine ganze Symphonie der Erlebnisse und dementsprechend eine Vielfalt an Farben und deren Schattierungen. Besonders subtil klingen sie am Himmel, wo sich der düstere, schwere Bleihimmel am Horizont, der vollständig mit Wolken bedeckt ist, von den bleiernen, aber anderen, mal helleren, mal dunkleren Wolkenschattierungen darüber unterscheidet. Und wie komplex sind die Übergänge von Gelb- und Rosatönen in den Lücken des Abendhimmels und in der Farbe einer scharfen Zickzackwolke, die durch die wirbelnden Wolken schneidet. Auch die Farbe des Grüns ist am Kap, auf der Insel und im Streifen der gegenüberliegenden Küste unterschiedlich. Levitan nutzt die Technik einer Art „Farbfluss“. So sehen wir auf dem dunklen Gras des Kaps vorne Gelbtöne, die mit der Farbe des Kirchendachs in Verbindung stehen, und dann mit Gelbtönen in der Ferne rechts und mit Gelbtönen einer dünnen Zickzackwolke.

Dennoch dominieren im Bild große Farbflächen. Besonders auffällig ist dies an den blauen Streifen jenseits der Flussstrecken. Und wenn am Kap dieser gemeinsame grüne Farbfleck durch eine detaillierte Übertragung von Architektur, Bäumen, Wegen und das Einbringen gelber Striche in die grünen Farbzonen aufgebrochen wird, dann ist die Farbe des Wassers viel eintöniger. Levitan versuchte, seine Monotonie durch die Darstellung von Wellen zu durchbrechen. Es wird teilweise durch graue und weiße Striche vermittelt, aber in größerem Maße durch die Variation der Textur als der Farbe. Levitan kratzte dann neben unterschiedlich gerichteten Strichen das Wasser „über die nasse Farbschicht“, offensichtlich mit einem Kamm. Auch der Himmel und die Wolken sind mit großer struktureller Vielfalt gemalt: von flüssiger Farbe, durch die die Leinwand sichtbar ist, bis hin zu einer sehr dichten Strichverlegung in dunklen, wirbelnden Wolken. Aber der „irdische“ Teil des Bildes ist am dichtesten geschrieben – und das Kap liegt vorne und vor allem das Wasser.

Der größte Unterschied im Dichtegrad der Farbschicht entspricht dem gleichen Reichtum an Schattierungen und Farbübergängen bei der Übertragung von Wolken, Kontrasten von Gewitterwolken mit dem Sonnenuntergangshimmel. Dies beweist einmal mehr, dass das Motiv eines Gewitters, das Motiv des majestätischen und bedrohlichen Atems der Elemente Levitan am meisten an dem Bild interessierte.

Die geringe Anzahl der im Bild dargestellten „Objekte“, ihre allgemeine Prägnanz, relativ große, teilweise entwickelte Farbflecken im Inneren – all dies entspricht sowohl der Größe der Leinwand als auch dem monumentalen Heroismus des Naturbildes.

In diesem Bild wird die Asymmetrie der Teile durch die entgegengesetzte Bewegungsrichtung jedes dieser Teile, aus denen das Bild besteht – ein Kap, eine Insel, Wasser, Wolken usw. – ausgeglichen.

Levitan schafft Poesie des Grandiosen, Majestätischen, hier haben wir eine Symphonie. Und so wie es bei einer musikalischen Symphonie keiner verbalen Nacherzählung ihres musikalischen Inhalts bedarf, so kann und sollte auch hier die Komplexität und der Reichtum an Gefühlen und Gedanken kaum auf einen einzigen Gedanken oder eine einzige Idee reduziert werden. Es handelt sich um eine komplexe Verflechtung von Trauer und Bewunderung, die dieses Bild epochal macht. Levitan gelang es in diesem Bild, seine Zeit und seine „Philosophie“ rein landschaftlich, emotional und lyrisch zu vermitteln.

Kritik nach der anderen Wanderausstellung, völlig unverständlich für die tiefe Bedeutung von Levitans Gemälde – den Gegensatz der ewigen und mächtigen Kräfte der Natur zum schwachen und kurzfristigen menschlichen Leben, den Wunsch, die Frage nach der Beziehung zwischen Mensch und Natur, nach dem Sinn des Lebens zu beantworten – naiv gesehen, anstatt die Widersprüche des Lebens aufzuzeigen, ist es einfach wie zwei Inhalte: „Dank dessen macht das Bild überhaupt keinen harmonischen und strengen Eindruck.“

Doch selbst diejenigen, die verwirrt waren, gaben manchmal zu, dass „die Idee dieses Bildes so neu und interessant ist, dass sie es verdient, erwähnt“ und analysiert zu werden, und dass, obwohl „es unmöglich ist, Perfektion in dem Versuch zu sehen, einen großen Raum zu zeichnen, es zeigt, dass der Künstler nach einem neuen Weg sucht, und wenn man seine anderen, kleineren Werke betrachtet, wird er diesen Weg wahrscheinlich finden.“ Nur V. V. Chuiko, der das Bild als erfolglos und künstlerisch unbefriedigend empfand, gab zu, dass „trotz all dieser sehr großen technischen Mängel dennoch eine Stimmung im Bild vorhanden ist: Herrn Levitan gelang es, den Eindruck einer Art Totenruhe auszudrücken, die an die Idee des Todes erinnert. Es ist nur schade, dass diese Idee so seltsam ausgedrückt wird.“

Wenn es aber immer noch Meinungsverschiedenheiten über die ideologische Konzeption und den Inhalt des Bildes, seinen Titel, gab, waren sich alle darin einig, dass es malerisch schlecht und schwach war. Die Kritiker glaubten, dass die Wolken mit zu viel Tinte geschrieben seien, dass sie „Stein“ seien, dass „der Fluss aus dem Rahmen strömen und nicht darunter durchgehen wird“, dass sie mit „völlig weißer Farbe“ geschrieben seien, dass „es keine Bewegung im Wasser gibt“, dass „der entfernte Plan stark mit Würfelfarbe bemalt ist“ und „nicht in irgendeine Übereinstimmung mit dem zuerst geplanten Dreieck gebracht wird“ usw. usw. Die Neuartigkeit der Bemalung des Bildes mit ihren dekorativen Zügen wurde für eine seltsame Exzentrizität, für Unvollständigkeit, „unbestimmte Kleckerei“ gehalten, die als besondere „Manier“ ausgegeben wurde. Neue Malmethoden, eine neue Interpretation mit ihren dekorativen Merkmalen, mit der Konstruktion des Bildes auf großen Flächen, wirkten künstlich.

Vor dem Hintergrund all dieser harschen Kritik ist es einsam, aber umso bedeutsamer positive Bewertungen IN UND. Sizov und V. M. Mikheev, die das Bild von Levitan sehr schätzten und richtig verstanden. Sizov nannte es „gut durchdacht und stark empfunden“, das sich durch „unzweifelhafte künstlerische Vorzüge“ auszeichnete. Aber V. Mikheev, der seine detaillierte Analyse lieferte, interpretierte das Bild besonders richtig. Er erfasste einfühlsam die tiefe psychologische Natur der Leinwand und nannte sie ein echtes Landschaftsbild, das zwar nicht frei von bekannten technischen und bildlichen Mängeln sei, aber aufgrund seines Inhalts und seiner „Stimmung“ bemerkenswert sei. Mikheev hat seine besondere „Musikalität“ richtig gespürt, indem er sagte: „Dieses Bild ist eine Symphonie, seltsam vom ersten Mal an, aber die Seele subtil umhüllend, man muss seinem Eindruck nur vertrauen ...“. Und im Vertrauen auf ihn verstand er, was anderen Kritikern verborgen blieb. Er verstand es als „ein Bild einer starken, tief ergriffenen Stimmung“, spürte seine Dramatik: „Das ist fast nicht einmal eine Landschaft: das ist ein Bild der menschlichen Seele in den Bildern der Natur ...“. Mikheev kommt hier dem Verständnis des Bildes nahe, das Levitan selbst in dem oben genannten Brief an Tretjakow zum Ausdruck brachte, und glaubt, dass er darin sein gesamtes Selbst, seine gesamte Psyche zum Ausdruck brachte.

Mikheevs Artikel erschien im selben Monat, in dem Tretjakow sich zum Kauf des Gemäldes entschloss, offenbar nachdem er gesehen und verstanden hatte, welch großer persönlicher und sozialer Inhalt, Erfahrung und Philosophie in diesem Gemälde enthalten war. Hier zeigte sich einmal mehr Tretjakows bemerkenswertes Gespür, seine Aufmerksamkeit für den malerischen Ausdruck großer, epochemachender Ideen und Stimmungen.

A.A. Fedorov-Davydov

Komposition nach einem Gemälde der Studentin 6A Lozinskaya Maria

Diese Landschaft gefiel mir so gut, dass ich sogar auf diesen Hügel, zu dieser kleinen, aber interessanten Kirche wollte und den ganzen Tag und Abend in Ruhe auf diese weite Fläche blicken wollte. Es scheint mir, dass I. I. Levitan dieses Bild bewusst etwas in dunklen Farben gestaltet hat, um der Natur noch mehr Bedeutung zu verleihen.

Wenn wir die Bäume auf dem Hügel betrachten, sehen wir, dass sie zur Seite geneigt sind, was bedeutet, dass der Wind auf sie weht. Aber das Wasser der Wolga scheint im Gegensatz zu den Bäumen sehr ruhig zu sein. Der Himmel war verhüllt und mit wolkigen, grauen Wolken bedeckt. Und ich mag es! Ich liebe es wirklich, wenn es dunkel wird und so eine Atmosphäre entsteht!

Wenn ich die Natur betrachte, und noch mehr, wenn ich sie betrachte, vergesse ich sofort alles und genieße die Schönheit der Natur. Levitan hat es geschafft, die Einzigartigkeit, große Schönheit und den Charme der Natur zu vermitteln. Ich glaube, er hat das Bild „ Über den ewigen Frieden“ weil er, als er auf einem Hügel saß und sein Werk zeichnete, wirklich Frieden empfand, und jeder spürt diesen Frieden, wenn er das Werk sieht, und deshalb ist er ewig.

Komposition nach einem Gemälde der Studentin 10A Vagina Yulia

Ein Schüler von Levitan Kuvshinnikov erinnerte sich: „Levitan schrieb das Gemälde „Über dem ewigen Frieden“ später, in dem Sommer, den wir in der Nähe von Vyshny Volochok, in der Nähe des Udomlya-Sees, verbrachten. Das Gelände und generell das gesamte Motiv wurden bei einer unserer Fahrten komplett der Natur entnommen. Nur die Kirche war anders, hässlich, und Levitan ersetzte sie durch eine gemütliche kleine Kirche aus Pljos. Nachdem Levitan eine kleine Skizze der Natur angefertigt hatte, machte er sich sofort an die Arbeit am Gesamtbild. Er schrieb es mit großer Begeisterung und bestand immer darauf, dass ich Beethoven für ihn spiele, am häufigsten Marche funebre. Dieses Bild ist eines davon die besten Werke Levitan. Die Landschaft erobert mit ihrer Erhabenheit, lässt den Menschen seine Bedeutungslosigkeit vor der Natur und der Zeit spüren, die die Hauptfigur des Bildes ist. Den größten Teil der Leinwand nimmt der Himmel ein. Schwere Bleiwolken machen einen deprimierenden Eindruck. Sie spiegeln sich im endlosen Urwasser des Sees. Und auf einer kleinen Insel steht eine Holzkapelle, dahinter stehen die klapprigen Kreuze des Friedhofs. Als sei sich die von Menschenhand geschaffene Kirche ihrer Ohnmacht gegenüber der Ewigkeit bewusst. Und sie hat damit Frieden geschlossen. Das Bild ist erfüllt von philosophischer Ruhe und Einsamkeit. Dank der Stimmung, mit der es geschrieben wurde, kann es den Betrachter einfach nicht gleichgültig lassen und keine einzige Saite des Herzens berühren.

Das Gemälde von Isaac Levitan „Above Eternal Peace“ ist der Abschluss der dramatischen Trilogie, die der Künstler Anfang der 1890er Jahre schuf. Es ist üblich, dieser Trilogie die Gemälde „Am Pool“ und „Wladimirka“ zuzuordnen. Viele Menschen fangen in dem Gemälde „Über dem ewigen Frieden“ nicht nur die Verherrlichung der ewigen Schönheit der Natur ein, sondern auch Philosophische Reflexionüber die Zerbrechlichkeit der menschlichen Existenz. Eine heruntergekommene Holzkirche steht am verlassenen Ufer eines riesigen Sees unter wirbelnden bleivioletten Wolken. Im Hintergrund ist ein düsterer Kirchhof zu sehen, über den sich Bäume unter scharfen Windböen beugen. Es ist keine Menschenseele zu sehen, nur das Licht, das im Fenster der Kirche flackert, gibt dem Wanderer ein wenig Hoffnung auf Erlösung. Das Bild ist erfüllt von einem Gefühl tiefer Sehnsucht, Einsamkeit und Ohnmacht. Der Künstler hat den Anzeigewinkel des Bildes nicht zufällig bestimmt. Spürbar wird der Standpunkt des Bildautors, der den Blick des Betrachters trotz der kalten Luftströmungen nach oben lenkt.

Levitans Werk „Above Eternal Peace“ ist zu Recht das auffälligste und bedeutendste Werk des Künstlers. In seinen Briefen an P. Tretjakow schrieb Levitan, dass er selbst vollständig in ihr verkörpert sei. Es entspricht inhaltlich und psychisch voll und ganz seiner Stimmung. Es ist kein Zufall, dass einer von Levitans Freunden dieses Werk „Requiem für sich selbst“ nannte. Dieses Werk entstand aus der traurigen, feierlichen Musik Beethovens, nämlich dem Trauermarsch aus der Heroischen Symphonie.

Levitan gilt als Künstler einer traurigen Landschaft. Seine Landschaften verursachen oft Schmerz und Verzweiflung. Viele verbinden damit Erinnerungen an die ferne und traurige Kindheit des Autors, denn die Landschaft ist immer traurig, wenn ein Mensch traurig ist. Es ist besser, Levitans Gemälde „Über dem ewigen Frieden“ langsam und nachdenklich zu betrachten. Wie viele andere Werke verblüfft es das Auge nicht, sondern ist im Gegenteil genau und bescheiden, wie Tschechows Geschichten, aber je tiefer man hineinschaut, desto süßer wird die Tiefe und seine Durchdringung. Der Künstler spürte den Charme des Regens und schuf die berühmten Gemälde „Nach dem Regen“ und „Über dem ewigen Frieden“. Das Gemälde „Über dem ewigen Frieden“ wurde in der Provinz Twer am Ufer des Udomlya-Sees gemalt. Darin kommt die Poesie eines regnerischen, regnerischen Tages mit großer Kraft zum Ausdruck.

Vielleicht ist es unmöglich, einen anderen Künstler als Levitan zu nennen, der die unermesslichen Weiten des russischen Unwetters mit solch trauriger Kraft vermitteln könnte. Die Größe dieses schlechten Wetters wird durch Frieden und Triumph spürbar.

Isaac Levitan Über den ewigen Frieden.1894

Das ikonische philosophische Gemälde „Above Eternal Peace“ von Isaac Levitan erregt seit langem Aufmerksamkeit.

In einem Brief an P. M. Tretjakow vom 18. Mai 1894 schrieb der Künstler über sein Gemälde: „Ich bin so unaussprechlich glücklich, dass meine Arbeit wieder zu Ihnen kommt, dass ich seit gestern in einer Art Ekstase bin.“ Und das ist in der Tat überraschend, da Sie genug von meinen Sachen haben, aber dass dieses letzte zu Ihnen kam, berührt mich so sehr, weil ich ganz darin bin, mit meiner ganzen Psyche, mit all meinem Inhalt ...“.

Es ist bekannt, dass der Künstler dieses Werk schrieb, während er Musik hörte. Die feierlichen und traurigen Klänge von Beethovens Trauermarsch inspirierten den Autor und zwangen ihn, diesem Werk eine düstere und fast tragische Atmosphäre zu verleihen. Einer seiner Freunde nannte es „ein Requiem für sich selbst“.

Levitan begann im Sommer 1893 mit der Arbeit an dem Gemälde am Udomlja-See in der Nähe von Wyschni Wolochok. Die Kirche auf dem Bild ist nach der Studie „Holzkirche in Pljos bei den letzten Sonnenstrahlen“ gemalt. Im Staat wird auch eine Skizze des Gemäldes „Über dem ewigen Frieden“ mit dem Titel „Vor dem Gewitter“ aufbewahrt Tretjakow-Galerie.

Isaac Levitan Über den ewigen Frieden.1894

Hilflosigkeit, Zerbrechlichkeit und Wehrlosigkeit – das sind die Hauptgefühle, die jeder Betrachter vor diesem Werk eines großen Künstlers verspürt.
Auf dem Gemälde „Über dem ewigen Frieden“ hängen Bleiwolken schwer über der Erde. Der weite See, der sich hinter der Klippe öffnet, wirkt düster und streng. Levitan schrieb, dass er sich „Auge in Auge angesichts einer riesigen Wasserfläche, die einfach töten kann …“ fühle.

Es gibt eine Kirche auf einer kleinen Klippe, einen vergessenen Friedhof in der Nähe, einen Kirchhof, die letzte Zuflucht ... Zerbrechliche Bäume biegen sich unter einem starken Wind, ein schmaler, unterbrochener Weg, der zur Kirche führt, ist ein Symbol für Vergessenheit, Verlassenheit und Zermürbung.

Das die Klippe umgebende Element atmet Kraft. Es scheint, als würde noch ein Moment verschwinden, und der Friedhof wird verschwinden, die Kirche wird sich über die ganze Welt zerstreuen ... Die Zerstörung scheint unvermeidlich.
Der Betrachter hört das Heulen des Windes, spürt die durchdringende Kälte, Feuchtigkeit, hört das Donnern in der Ferne.

In der Ferne sieht man eine einsame Insel, die schnell von der Klippe „wegschwebt“. Es scheint, dass die Insel die Seelen der Toten mitnimmt, so dass die Ewigkeit den Rest des menschlichen Geistes, die Erinnerungen der Verstorbenen, in sich aufnimmt.
Das menschliche Leben ist unbedeutend, flüchtig und bedeutungslos... Der weite Raum, den der Blick des Künstlers einnimmt, übt Druck auf den Betrachter aus. scharfes Gefühl Der Betrachter erlebt Einsamkeit und Schutzlosigkeit vor diesem ewigen Frieden, an den die Menschen nicht einmal denken können.

Die ewige Frage – was gibt es jenseits der Ewigkeit – quält den Autor, doch er findet keine Antwort und überlässt diese Suche dem Betrachter.
Überraschenderweise stellt die kleine Kuppel der Kirche der ganzen Kraft der Elemente entgegen. Es ist streng nach oben gerichtet und seine Farbe, die mit den metallischen Tönen des Himmels verschmilzt, erzeugt ein Gefühl von Standhaftigkeit und Stärke.

Das Bild erblickte das Licht im Moment der größten Blüte des Talents des Künstlers. Deshalb beeindruckten seine Idee, seine philosophische Tiefe und sein ausgefeiltes Können, mit denen dieses Gemälde geschrieben wurde, seine Zeitgenossen so sehr und verblüfften seine Nachkommen. Der Inhalt dieses Bildes wird für alle Generationen relevant sein.

Und im Wesentlichen ist es sein geistliches Testament, sein eigenes kreatives Programm und die umfassendste philosophische Haltung des Künstlers gegenüber der Welt und den Menschen. Das Werk wurde von russischen Dichtern und Musikern bewundert. Sie war Anstoß für die Entstehung zahlreicher musikalischer, poetischer und literarischer Werke.

ÜBER EWIGE RUHE

Hand auseinander
dunkle Büsche,
Ich habe den Geruch von Himbeeren nicht gefunden,
Aber ich habe Grabkreuze gefunden
Als er zu den Himbeeren für die Scheunen ging ...

Im Dunkeln ist es traumhaft ruhig
Es ist einsam, unheimlich und feucht,
Dort und Gänseblümchen scheinen nicht dasselbe zu sein -
Wie Wesen aus einer anderen Welt.

Und so im Nebel aus schlammigem Wasser
Der Friedhof war still, taub,
So war alles sterblich und heilig,
Dass ich mich bis zum Schluss nicht ausruhen werde.

Und diese Traurigkeit und die Heiligkeit früherer Jahre
Ich liebte so sehr in der Dunkelheit meines Heimatlandes,
Dass ich fallen und sterben wollte
Und umarme Gänseblümchen, die sterben ...

Lass mich in tausend Länder gehen
Nimmt das Leben! Lass mich tragen
Überall auf der Erde Hoffnung und Schneesturm
Was niemand mehr ertragen kann!

Wenn ich die Nähe der Beerdigung spüre,
Ich komme hierher, wo die weißen Gänseblümchen sind,
wo jeder Sterbliche
heilig begraben
Im selben weißen, traurigen Hemd ...

Rubtsov Nikolay

Text von
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Rezensionen

Vielen Dank für so ein interessantes Material. Zum ersten Mal habe ich so viel Neues und Interessantes gelesen, obwohl das Material über Russen und ausländische Künstler Ich sammle schon lange. Ich werde zurückgehen und mehr lesen.
Kreativer Erfolg für Sie.
Mit freundlichen Grüßen.