Wahrscheinlich werde ich zuerst meine Eindrücke vom Stück selbst und dann von der Aufführung schreiben.

Die Geschichte ist überhaupt nicht angenehm. Beim Lesen entsteht gleich zu Beginn ein Gefühl von Übelkeit und Feindseligkeit, und am Ende fordert der Körper eindringlich die Auslösung einer natürlichen Reaktion. Daher ist es für alle Fälle besser, sich im Voraus mit Plastiktüten einzudecken.

In einer abgelegenen irischen Stadt leben zwei Grims: eine 70-jährige Mutter (Meg) und eine 40-jährige Tochter (Maureen). Und es gibt niemanden sonst zwischen ihnen. Megs andere Töchter sind seit langem verheiratet und leben getrennt, während Maureen nie eine eigene Familie hat. Und sie haben nicht einmal eine Katze oder einen Hund, die ihre Aufmerksamkeit zumindest manchmal voneinander ablenken würden. Deshalb schütten sie ihre ganze Energie, die wie ein im Laufe der Jahre zusammengefallenes Knäuel aus Liebe und Hass eng miteinander verwoben ist, aufeinander aus.
Die Mutter versucht auf jede erdenkliche Weise, ihre Tochter zu kontrollieren, aus Angst, sie zu verlieren und allein gelassen zu werden. Und als eine Bedrohung in Form eines Mannes auftaucht, der bereit ist, Maureen mit nach Amerika zu nehmen, verhindert sie dies mit allen Mitteln. Daraufhin tötet die Tochter ihre Mutter mit einem glühenden Schürhaken. Doch Maureen findet immer noch kein Glück – in Amerika, wo sie so eifrig war, wartet niemand auf sie. Mutter hat ihren Willen durchgesetzt. Hier auf den ersten Blick und die ganze Geschichte.

Ich kann nicht sagen, dass mich diese Geschichte sehr berührt hat. Es war schwer zu lesen, ja. Aber tiefe Bedeutung geschrieben – warum hat der Autor es geschrieben? - blieb mir nach der ersten Lektüre ein Rätsel. Ich erwartete, es im Theater zu lösen. Vorfreude schwirren mir Fragen durch den Kopf: Wie haben sie diesen alltäglichen Horror inszeniert, welche Akzente haben sie gesetzt, was wollten sie sagen? Schließlich ist die Leistung ein Ergebnis der Arbeit des Regisseurs und kreatives Team, ist in der Lage, die Aussage des dramatischen Stoffes zu offenbaren, künstlerisch darzustellen, was nicht auf der Oberfläche des Textes liegt.

Allerdings war ich enttäuscht. Ich sah nur eine Illustration des Stücks, das ich am Morgen las. Leider habe ich nicht verstanden, worin sich die Arbeit des Regisseurs in dieser Produktion ausdrückt. Das einzige, was dem Ergebnis der Regie zugeschrieben werden kann, ist der Versuch, die Hauptfiguren zu gewöhnlichen Frauen zu machen, in denen trotz allem mehr Liebe füreinander als Hass herrscht.

Als ich es las, hatte ich von Anfang an das Gefühl, dass Maureen ihre Mutter kaum noch ertragen kann und nicht einmal mehr versucht, ihre Negativität zu verbergen. Zu Beginn der Aufführung sehen wir eine eher zurückhaltende Maureen, die mit fast christlicher Geduld auf die Launen ihrer alten Mutter eingeht und nur gelegentlich Wutanklänge verrät.

Ich denke, dass es kein Zufall war, dass McDonagh den Schmutz, der in einem Menschen steckt, auf den Kopf gestellt hat, wodurch die Beziehung zwischen Mutter und Tochter vergröbert und verschärft wurde.
Und der Regisseur, der das grobe Material glättet und den Stil des Autors aus dem Stück herauslässt, verarmt meiner Meinung nach die Inszenierung und macht die Palette möglicher Farben dürftig.

McDonaghs Stück ist eher skizzenhaft. Es gibt keine langen, emotionalen Monologe darin, die Phrasen sind teilweise sogar zu kurz, ruckartig. Über das Schicksal der darin enthaltenen Helden gibt es nicht viele Informationen. Wenn man das Schema des Stücks grafisch darstellt, erhält man meiner Meinung nach so etwas wie die Struktur eines Kristalls, in dem anstelle von Atomen die Hauptpunkte des Stücks (Phrasen, Wörter, Ereignisse) vorhanden sind. Wenn sich Atome miteinander verbinden, bilden sie Gitterzellen, und es gibt eine ganze Reihe von Zellen. Alle Zellen sind leer.

Es ist meiner Meinung nach ein Fehler, sich nur auf den Text des Stücks zu verlassen, es wird sich als elementare Übertragung eines leeren Schemas herausstellen. Meiner Meinung nach besteht die Aufgabe des Regisseurs darin, die leeren Zellen zu füllen. Der Regisseur stellt viele Fragen und findet Antworten darauf. Er muss die Gründe für das Verhalten der Charaktere verstehen und den Schauspielern erklären, sich ihr Schicksal vorstellen, in ihre Vergangenheit zurückkehren und die Gegenwart spüren. Mir scheint, dass der Schlüssel zu diesem Stück darin besteht, das zu spielen, was nicht darin steht, was nicht darin steht, und den Text als Hilfsmaterial wahrzunehmen.

Und es gibt viele Fragen zum Stück! Je öfter ich darauf zurückkomme, desto mehr entdecke ich darin innere Schichten. Fantasie hilft, die Geschichte zu vervollständigen und umfangreicher zu machen.

Warum verlief Maureens Schicksal so? Warum haben ihre Schwestern geheiratet und sie nicht? Ich bin mir sicher, dass der Spitzname „Schönheitskönigin“ nicht von Grund auf entstanden ist, und vor zwanzig Jahren und später war sie so attraktiv, dass Männer ihr Schicksal mit ihr teilen oder zumindest eine gute Zeit haben wollten. Doch bis zu ihrem vierzigsten Lebensjahr blieb sie für alle uneinnehmbar. Warum? Es scheint, dass Pato, der Mann, der so plötzlich in ihr Leben zurückkehrte, die einzige Liebe war, die vor zwanzig Jahren in ihrem Herzen geboren wurde und die sie ihr ganzes Leben lang sorgfältig bewahrte und nicht gegen etwas anderes eintauschte.

Vor zwanzig Jahren ging Pato nach England, um dort zu arbeiten.
Vielleicht ging Maureen fünf Jahre später auch seinetwegen nach England, um dort zu arbeiten? Vielleicht nicht für das Geld? Schließlich konnte sie, wie ihre Schwestern, heiraten und sich ganz den Familienangelegenheiten widmen. Ich glaube, sie ist nach England gegangen, um nach Pato zu suchen.
Aber es scheint, dass die Suche nicht erfolgreich war. Die verächtliche Haltung ihrer Verdienstkollegen – Engländerinnen, die sich ständig über sie, eine zu Besuch kommende Irin, lustig machten, heizte das Feuer zusätzlich an. Ständige nervöse Anspannung führte zum Zusammenbruch und Maureen landete in einer psychiatrischen Klinik.

Ihre Mutter holte sie auf eigene Verantwortung aus dem Krankenhaus. darüber raten wahrer Grund Ich glaube, Meg hatte Angst vor der Krankheit ihrer Tochter und hatte Angst vor einem erneuten Auftreten. Vielleicht hat auch ihr Privatleben nicht geklappt. Ihr Ehemann, der Vater ihrer Kinder, wird in dem Stück nie erwähnt. Vielleicht hat auch er einmal Irland verlassen? Kein Wunder, dass Maureen sagt: „Oh, dieses Irland. Ständig geht jemand weg. Und vielleicht hängen sie deshalb in ihrem Haus ein Porträt, das nicht von ihrem Vater, sondern von Robert Kennedy, einem fernen Ideal, stammt. Und derjenige, der tatsächlich im Leben dieser Familie war, wurde einfach für immer gelöscht?
Und ich glaube nicht, dass Meg eine verrückte alte Frau ist. Es scheint mir, dass alle ihre Beschwerden frei erfunden sind. Und schmerzende Beine und Rücken und Entzündungen Blase. Ich glaube, sie schüttet absichtlich ihren Urin ins Waschbecken, um ihre angebliche Schwäche, Unfähigkeit zu vernünftigem Handeln und damit ihre absolute Abhängigkeit von Maureen zu demonstrieren. Und sie verbrennt Briefe von Pato, nicht weil sie nicht möchte, dass ihre Tochter glücklich ist, sondern weil sie sie vor einer Wiederholung eines psychischen Traumas bewahren will. Sie vertraut Männern nicht. Die Erfahrung hat sie das gelehrt.

Und so – Schicht für Schicht abtragen – öffnet es sich wahre Bedeutung Theaterstücke. Und seine wahre Bedeutung ist LIEBE.

Dadurch sehen wir, was passieren kann, wenn es einem Menschen nicht erlaubt ist, sich selbst zu lieben, Liebe zu geben. Die Liebe lebt in ihm, wächst, überwindet alle Hindernisse. Die zerstörerische Kraft der Liebe. Die beschützende Liebe der Mutter zerstört die Tochter, der Wunsch der Tochter, mit ihrem geliebten Mann zusammen zu sein, erweist sich am Ende als mörderisch. Liebe im Laster, Liebe ohne Segen. Wenn wir die Liebe töten, tötet die Liebe uns.

Vielleicht ein Theaterstück darüber?

Hinter der schwarzen Hülle – so ein Licht!
Aber ich denke, genau das ist es. Und es muss gespielt werden.

Die Aufführung ist die Spitze des Eisbergs und unter Wasser liegt ein riesiges Fundament der sorgfältigen Arbeit des gesamten Theaterteams.

Ich bin sicher, dass alles, was ich oben beschrieben habe, auch im Theater bei der Analyse eines Stücks gemacht wurde. Dennoch ist das BDT ein professionelles Theater und kein Amateurzirkel.
Noch eine Frage: Wie effektiv war diese Arbeit? Nach meiner subjektiven Zuschauermeinung ist noch nicht alles gelungen. Oft hat man das Gefühl, dass die Schauspieler selbst nicht verstehen, was sie spielen, sie haben die Bildgeschichte noch nicht vollständig geformt, sie haben noch nicht alles gespürt.

Aber was das Theater so gut macht, ist, dass die Arbeit am Stück, an jeder einzelnen Rolle nach der Premiere nicht aufhört. Und ich glaube wie immer, dass die Aufführung immer noch voller Säfte sein wird und den Zuschauer überraschen, begeistern und schockieren wird. Gott segne.

„Echte Sensation“, „Das Wunder der modernen Bühne“, „Der wichtigste Dramatiker des 21. Jahrhunderts“, „Tarantino aus dem Theater“ – so heißt das Moderne Irischer Dramatiker Martin McDonagh ist der schärfste Kritiker der Alten und Neuen Welt. Seine Stücke wurden mit allen erdenklichen und unvorstellbaren Theaterpreisen ausgezeichnet, darunter dem Evening Standard Award, dem Tony Award und dem Laurence Olivier Award. Er ist angestellter Dramatiker am Royal National Theatre! Sein kühner Erfolg liegt auch darin begründet, dass er der erste Dramatiker seit Shakespeare ist, der im Londoner West End vier Stücke gleichzeitig auf die Bühne bringt. Das Phänomen der Popularität McDonaghs als Theaterschauspieler kann nur mit seinen eigenen Filmexperimenten konkurrieren: dem Kurzfilm „Six Shooter“, der einen „OSCAR“ erhielt, und dem abendfüllenden Film „Lie Down in Bruges“.

Das Interesse an seiner Dramaturgie ist nicht nur mit einer Modeerscheinung verbunden. Die Stücke des Iren sind wie ein Koffer mit doppeltem Boden. Er zeichnet gekonnt Alltagssituationen, verdreht die Handlung, zeichnet Charaktere mit wenigen Strichen und würzt die Dialoge mit einer gehörigen Portion schwarzem Humor. Doch ein Haufen übereinander gestapelter Haushaltsdetails erzeugt plötzlich ein Gefühl für die Absurdität des Lebens. Und seine Charaktere, die sich gegenseitig sogar mit Beleidigungen überhäufen, tun dies distanziert, nicht ernsthaft, sondern als würden sie an einer Art Spiel teilnehmen ...

Schadrinsker Theaterbesucher können am 19. April die Arbeit dieses herausragenden Drehbuchautors und Dramatikers kennenlernen! Die Inszenierung von „Die Schönheitskönigin von Leenane“ auf der kleinen Bühne des Theaters wird von Pjotr ​​Nezluchenko, Gewinner des Gouverneurspreises der Region Swerdlowsk, beliebter Schauspieler, talentierter Regisseur und Komponist des A.P. Chekhov Serov Drama Theatre, aufgeführt.

Shadrinsky-Theaterbesucher erinnern sich sehr gut an seinen Richard in dem von Julia Baturina inszenierten Stück „Richard III“, das das Serov Drama Theatre zum Shadrinsky Goose Festival in unsere Stadt brachte. Richard, gespielt von Pjotr ​​​​Nezluchenko, ist ein Narrenkönig, ein hässlicher Narr, leicht und anmutig, mit Humor und Tränen, der kleinen Unfug und große Gräueltaten begeht und zynisch und gewöhnliche Liebe, Verrat, Blut, Wein und Wasser vermischt ...

Übrigens wurde die Rolle des Richard beim XXXII. Regionalen Theaterfestival an Pjotr ​​​​Nezluchenko übertragen die besten Werke Theater der Region und Jekaterinburg gewann „Bravo“ in der Nominierung „Bester Schauspieler in einer Theateraufführung“ und wurde zum zweiten Mal zum besten Schauspieler in der Region Swerdlowsk gekürt.

Jetzt inszeniert Pjotr ​​Neslutschenko auf der Schadrinsker Bühne eine ergreifende Aufführung über Liebe und Hass, über Familie und ihre Abwesenheit, über Träume und eine illusorische Wahrnehmung der Realität, über unerfüllte Pläne und ein verschwendetes Leben. Jedes Mädchen träumt davon, eine Prinzessin zu werden, jede Frau möchte geliebt und begehrt werden – die Königin der Schönheit. „Beauty Queen“ ist eine Geschichte über zwei Frauen, Mutter und Tochter.

Die alte irische Wohnung einer alten Frau, ganz schäbig und ungestrichen. Ein schmutziger Kühlschrank mit einer Seite der Zeitschrift Esquire und andere veraltete Geräte in Form eines mikrowellengroßen Radios und eines Schwarzweiß-Röhrenfernsehers. Der Kamin flackert und knistert schwach. Ein bis zur Schöpfkelle reichender Faden hängt wie ein Spinnennetz von der Decke. Für Freude ist hier kein Platz. Passend zur Raumstimmung prasselt Regen auf das Glas und Tropfen fließen auf die Fensterbank ...

Auftritte auf einer kleinen Bühne sind für die Wahrnehmung völlig unterschiedlich. Es gibt keine Trennung zwischen Bühne und Zuschauerraum. Hier befindet sich der Betrachter viel näher an den Figuren der Aufführung und ist eine Art unsichtbarer Mensch, der zum stillen, regungslosen Zeugen der Ereignisse in der Wohnung eines anderen wird.

Eine alte, hilflose Mutter und eine einsame, unglückliche Tochter kämpfen bis zum Tod um ihr Glück.

Das Temperament beider Heldinnen überschreitet alle erdenklichen Grenzen, sodass der Showdown wie eine Farce, mitunter wie ein echter „Küchenkrimi“ wirkt.

Es werden alle Mittel eingesetzt, von banalen Skandalen über die Vorführung von Papieren aus einer Nervenheilanstalt bis hin zum Übergießen mit kochendem Öl ...

Künstler sind mit der neuen Aufführung beschäftigt - Nadezhda Malysheva,

Lyubov Stroganova,

Ein dynamisches, actionreiches und charakterstarkes Spektakel. Die Generation, die mit der „Begleitung“ zahlreicher Veröffentlichungen der Zeichentrickserie „Tom und Jerry“ aufgewachsen ist und gelebt hat, ist in eine Zeit endgültiger und unwiderruflicher Showdowns eingetreten, die mit allen möglichen „i“ übersät ist ... – und lässt niemanden zu runter! Der schwierigste psychologische und kreative Kampf zwischen den beiden Heldinnen – Maureen (dargestellt von Varvara Babayants) und Meg (dargestellt von der Verdienten Künstlerin Russlands Marina Zhurilo) – hält Sie in Atem, geht hin und wieder auf die Nerven und macht Sie denken darüber nach, was nahestehende Menschen zu emotionalen Ausbrüchen, Anfällen unmotivierter Aggression führt, deren Folgen tödlich sind. Es sollte außerdem beachtet werden, dass die „Partner“ dieses Spiel in einem guten Ton, in einem hektischen Tempo mit traditionellen irischen Melodien spielen und, wie sie sagen, „Kopf an Kopf“ alle emotionalen Höhepunkte einer Gruselgeschichte durchlaufen. Sie balancieren am Rande ... Sie sind brutal und wehrlos, gnadenlos und verletzlich, charmant und schrecklich zugleich ... Sie können sich in ihr grausames Duell hineinversetzen, Sie lachen über ihre Witze, „Tricks“ und „Witze“, Sie fühlen ihre Einsamkeit wie die eigene ... Ein in eine schwarze Komödie verwandeltes Gesellschaftsdrama „a la Tarantino“, das deutlich die Frage nach dem Verhältnis zwischen dem Realen und dem Imaginären, dem Original und dem Stereotypen in unseren Köpfen aufwirft, nach dem, was uns verwüstet Seele und Leben. Wenn das Duell vorbei ist und alle Zeichen des Seins ruheloser Heldinnen verloren gegangen sind, ist es besonders erfreulich zu erkennen, dass die „Toten“ immer noch aufstehen und sich verneigen werden, denn es gibt etwas zu applaudieren und wem! Und die Spuren des Verbrechens werden auf jeden Fall weggewaschen und übermalt ... bis zur nächsten Show.
Die Aufführung wurde vom regionalen Festival „Theatrical Spring-2017“ in der Nominierung „Bestes weibliches Duett“ (Varvara Babayants und Maria Nestryan) ausgezeichnet.

Direktor - Timur Fairuzov, Künstler - Themistokles Atmadzas, Kostümbildnerin Olga Atmadzas, Direktor für bildende Kunst Tatjana Bezmenova

Besetzung:

Verdienter Künstler Russlands Marina Zhurilo(Meg), Varvara Babayants(Maureen) Nikolai Kaverin(Pato) Alexander Nosyrev(Strahl)

Aktionsdauer: 1 Stunde 20 Minuten

kleine Bühne

Für wen ist der Auftritt gedacht? Erwachsene

Termine anzeigen:

Es erwartet uns etwas Außergewöhnliches. Beginnen wir mit der Kreativität „Fliegender Ire“ Wir treffen zum ersten Mal den Dramatiker und Filmregisseur Martin McDonagh, obwohl sein Name in den russischen Theatern ziemlich berühmt ist, sind seine Stücke sowohl bei Experimentatoren als auch bei traditionellen Konservativen gefragt. Es heißt so „Tschechow des 21. Jahrhunderts“, Das „Tarantino aus dem Theater“, Er „der vielversprechendste Dramatiker Europas“ und darüber hinaus „Kannibalen-Geschichtenerzähler“, welche „Mit seinen Theaterstücken-Horrorgeschichten ... durch das „Böse“ lehrt er „Gutes“. Er gilt als moderner Meister „Makabra“(Es gab ein solches Genre in der mittelalterlichen europäischen Kunst, als an der Wende vom 10. zum 11. Jahrhundert alle auf das Ende der Welt warteten, über die menschliche Sterblichkeit und die Zerbrechlichkeit der Existenz sprachen und sich auf jede erdenkliche Weise beteiligten "Tanz des Todes" Er schuf Gemälde, Musik und allegorische Dramen zu diesem Thema ... Ja, sie warteten nicht auf das Ende der Welt. A "makaber" blieb. Und er machte sich Ende des 20. Jahrhunderts bemerkbar. Man kann die Position des Autors verstehen, der glaubt, dass die moderne Welt zu grausam ist, es keinen Raum für Illusionen gibt und jede Wahrheit relativ ist ... Aber gleichzeitig zeichnet das Zeichnen von Bildern der Grausamkeit (und McDonagh - „körperlich“, „Fleisch“, „blutig“, brutal Dramatiker), er ist distanziert ironisch. Und es scheint einfach, dass er in das Leben einer Provinzstadt versunken ist – eher ist er absurd und fantastisch. Seine Monster quälen sich natürlich umsonst gegenseitig (auch aus unbedeutenden Gründen), aber gleichzeitig sind sie nette, in mancher Hinsicht sogar hübsche Menschen, nicht nett, aber auch nicht so böse. Und wer am Ende Recht hat, wer schuld ist – das lässt sich nicht feststellen ... Jeder hat Recht und jeder ist schuldig ... „McDonagh ist ein unglaublicher Autor: Er hat viel Lustiges und viel Tragödie. Grausam, ergreifend und zugleich sehr menschlich kommen seine Geschichten von Gott und führen zu Gott. Regisseur Sergei Fedotov, der „Pionier“ der Arbeit des Dramatikers in Russland, definierte die Besonderheit seiner Weltanschauung auf diese Weise und betonte, dass es unmöglich sei, diese Stücke mit gewöhnlichen schauspielerischen Mitteln zu spielen. „Hier brauchen wir eine neue Ästhetik, einen neuen Ansatz – die ultimative Wahrhaftigkeit, Superpsychologismus, wie im Film.“ Es ist schwer vorherzusagen, ob unseren Regisseuren und Künstlern dies gelingen wird, aber es ist wichtig und möglich zu hoffen.

Das Stück „The Beauty Queen (Beauty of Linen)“ (1996) machte den 26-jährigen arbeitslosen Londoner weltweit bekannt: In acht Tagen geschrieben, wurde es am Broadway aufgeführt, erhielt Theaterpreise „Evening Standard“ und „Tony“. Es hat alles, was man für den Publikumserfolg braucht: eine schneidig verdrehte, unvorhersehbare Handlung, Benefizrollen, schwarzen Humor und die Möglichkeit zu vielfältigen szenischen Interpretationen (von Naturalismus bis Extravaganz). Ja, und viele waren auf die eine oder andere Weise mit häuslicher Tyrannei konfrontiert: Egal wie man die Qual der alternden Frauen Maureen und Meg versteht, die durch den Willen des Schicksals dazu gebracht wurden, sich umeinander zu kümmern, zu sorgen und zu reißen. Nach der Vorstellung des Autors sind sie Tochter und Mutter: Die erste versucht, den Hinterlassenschaften und der Leere des Daseins zu entfliehen („Nach Amerika! Nach Boston!“), die zweite hat genau davor Angst. Beide kämpfen für die Liebe – aber wie immer heiligt der Zweck nicht die Mittel, und unbrauchbare Mittel verzerren das gewünschte Ziel ... Doch nach dem Plan des Regisseurs Timur Fairuzov spielen die Heldinnen nur unter den „vorgeschlagenen Umständen“. , was den bekannten Alltagskonflikt betont außergewöhnlich, man könnte sogar sagen kreativ macht…

"-Auf dem Hügel

-Und der Hügel ist hoch

-Was für ein großer!

-und cool

„Und cool und dreckig…“

Es waren einmal Maureen und Meg. Und sie hatten ... einen Schaukelstuhl ... und einen Schürhaken ...

„-Und was brauchst du für einen Schürhaken?

- Gut und schwer

-Schwer und lang

- Solide, schwer und lang ... Man kann problemlos ein halbes Dutzend Polizisten KO schlagen, und dann noch ordentlich dazulegen, dass Blut spritzt ...

„Was wäre ein Haus ohne Schürhaken…“

„Beauty Queen“ (Absolventen der Werkstatt von Alexander Ogarev (GITIS))

„Woher wusste ich, dass die Schönheitskönigin aus Linein persönlich erscheinen würde?“

Martin McDonagh. Ein Name, der seit 10 Jahren auf den Seiten russischer Theaterzeitschriften zu finden ist. Einer der beliebtesten in moderne Welt Dramatiker. Ein Ire, der es versteht, in die verborgensten Winkel des Geistes des Zuschauers vorzudringen und dort eine gute Zeit zu verbringen. Sein Name auf dem Plakat vermag selbst dem kleinsten und unbekanntesten Theater Ruhm zu verleihen. Seine Inszenierungen verlassen nicht die Bühne lange Jahre und sind durchweg erfolgreich. Der Mann ist eine Legende, die schon zu Lebzeiten zur Ikone wurde. Ein Mann, dessen Stücke weltweit Hunderte von Preisen gewonnen haben. Regisseur des Oscar-prämierten Kurzfilms Six Shooter. Der Autor, der seine Charaktere, ihre Charaktere und so tief und gründlich vorschreibt Innere, so aufmerksam auf jedes Detail seiner Werke – egal ob Theaterstück oder Film –, dass es unmöglich scheint, etwas zu verderben. Es scheint so.
Bis gestern war ich davon überzeugt, dass McDonaghs Stücke der Gipfel der Perfektion seien und dass die Inszenierung jedes einzelnen davon der Truppe den Erfolg garantieren würde. Ein bisschen fanatisch, da stimme ich zu. Aber die Absolvententruppe der Werkstatt von Alexander Ogarev (GITIS), die auf dem Gelände des Projekts „Open Stage“ das Stück „Königin der Schönheit“ inszenierte, brachte mich erfolgreich vom Himmel auf die Erde.
Ehrlich gesagt habe ich überhaupt nicht verstanden, was es war. Ich habe noch nie so schwache und raue Leistungen gesehen. Darüber hinaus handelt es sich hier nicht um eine Studentenproduktion – nein. Alle Darsteller sind etablierte Schauspieler mit einer eigenen etablierten Truppe und einem eigenen Repertoire. Da die Aufführung noch lange nicht zum ersten Mal stattgefunden hat, kann von Premieren-„Pfosten“ keine Rede sein. Dennoch zieht die Produktion vom Niveau her ein Maximum an Kursarbeit Erstsemesterstudenten. Darüber hinaus gilt dies für alle – sowohl für Schauspieler als auch für Regisseure und Techniker.
Zunächst einmal - „Beauty Queen“ – das zweite Stück von Martin McDonagh und das erste, das ihm Weltruhm, Ruhm und sozusagen gleich zwei höchste Theaterpreise einbrachte – „Evening Standard“ und „ Tony Award". Mit diesem Stück eröffnet der Autor seine berühmte Connemara-Trilogie und stellt dem Publikum die Bewohner der Kleinstadt Linane vor, die in der Grafschaft Galway liegt. McDonaghs berühmtestes Connemara-Stück „The Lonely West“, das bereits in Dutzenden Theatern in ganz Russland aufgeführt wurde, ist beim heimischen Publikum einfach ein voller Erfolg.
In „Beauty Queen“ sprechen wir über eine nicht besonders angenehme Familie – die 40-jährige Maureen und ihre abnormale 70-jährige Mutter, die am Rande der Stadt in ewigen Streitereien leben. Bis eines Tages Maureens Ex-Freund Pato Dooley für kurze Zeit nach Linen zurückkehrt, auf den seine Mutter, die allein den Tod fürchtet, sofort grundlos eifersüchtig wird. Dadurch verschärft sich die Situation innerhalb der Familie nur noch.
Aber zurück zum Setting. Und nebenbei fange ich vielleicht mit der Kritik am Publikum an. Beim letzten Besuch auf der „Offenen Bühne“ war ich fast begeistert – der Auftritt fand auf einer großen Bühne statt, man spürte einen seriösen Ansatz, mit einem Wort – alles war praktisch auf höchstem Niveau Kammertheater. Diesmal wurde ein kleiner Bereich im Foyer für die Show eingenommen, das Publikum saß auf absolut unbequemen Stühlen im Saal ohne Gefälle, auf gleicher Höhe, und der Bereich selbst ähnelte einer Bühne, naja, ganz entfernt und deutlich nicht für die Vorführung von Aufführungen gedacht. Urteilen Sie selbst – wo haben Sie gesehen, dass das Licht während der Aufführung über einen Schalter gesteuert wurde? „Klick“ – das Licht ging dort aus, „Klick“ – ging hier aus. „Klick“ – eingeschaltet. Das ist das schlimmste Licht, das ich je in meinem Leben gesehen habe. Es gelang ihm recht erfolgreich, die Atmosphäre der Aufführung im Keim zu ersticken. Mit einem Wort: Ich gebe der Halle eine solide Note von 10. Es gab praktisch nirgendwo etwas Schlimmeres.
Es wird auch ziemlich schwierig sein, die Arbeit eines Toningenieurs zu loben. Das Pult befand sich direkt hinter dem Publikum im Saal, doch auch das trug nicht dazu bei, synchron mit den Schauspielern zu agieren, was sich auch auf den Gesamteindruck der Inszenierung auswirkte. Generell gefiel mir die Arbeit mit Ton nicht – Radio und Fernsehen funktionierten irgendwie völlig unverständlich und fielen völlig aus dem Gesamtgeschehen heraus. „Grüße“ aus dem Radio klangen völlig fremdartig und passten nicht in das Klangschema der Aufführung. Mit anderen Worten: Es gibt noch viel zu tun.
Was die Schauspieler betrifft – sie haben mich ehrlich gesagt überrascht. Es war schwer, es überhaupt als Schauspielerei zu bezeichnen – alles ist durch und durch falsch und weit hergeholt. Manchmal spielen sie zu wenig, versagen ganz offen die Szenen, dann übertreiben sie im Gegenteil, was zumindest komisch und unverständlich aussieht. Vor allem von Maria Yelsukova, die ich das Glück hatte, früher bei dem Stück „20 Minuten mit einem Engel“ zu sehen, das auf dem gleichnamigen Stück von Vampilov basiert, habe ich ein solches Spiel nicht erwartet. Und wenn Maria in Vampilovs Inszenierung höchste Klasse zeigte und auf der Bühne wirklich glänzte, dann kam sie hier überhaupt nicht ins Bild. Für den Anfang - unschlagbares Aussehen. Die Rolle der „vierzigjährigen, hässlichen, aber schlanken“ Maureen zu übernehmen, ist wirklich sehr jung schönes Mädchen- Es ist übertrieben. Wie lässt sich die Atmosphäre des Ortes und des Geschehens vermitteln, wenn die Schauspieler trotz ihres Auftretens schamlos von der Bühne lügen? Als nächstes kommt das Spiel. Wie gesagt, ich habe Maria schon einmal in Aktion gesehen und bin absolut sicher, dass sie eine großartige Schauspielerin ist. Was zum Teufel war also in „Beauty“ los? Es gibt praktisch keine Emotionen, das völlige Fehlen einer Atmosphäre der Hoffnungslosigkeit und der allgemeinen Stimmung der Heldin, eine offen verschmolzene Szene der Verzweiflung im letzten Streit mit ihrer Mutter und ein völlig unverständliches Flirtspiel mit Pato. Allerdings muss ich zugeben, dass die Szenen von Maschas Glück sehr gelungen sind, ebenso wie die Schlussszene – im Hinblick auf die emotionale Wahrnehmung der Heldin. Aber ich werde etwas später auf das Finale zurückkommen.
Anastasia Egorova passte überhaupt nicht ins Bild. Wieder ein hübsches, dünnes Mädchen in der Rolle der „siebzigjährigen, stämmigen“ alten Frau Meg? Nun, warum? Warum fragst du? Und egal wie Anastasia versuchte, die alte Frau darzustellen – mit all ihren senilen Possen und Gewohnheiten, in vielerlei Hinsicht „dank“ des Fehlens von Make-up und des „senilen Geistes“, kam nichts dabei heraus. In Anastasias Spiel gab es kein merkliches Overplay, aber in emotionaler Hinsicht gab es ein klares Defizit – völlig. Wenn Meg beim Lesen des Stücks echten Hass mit einem leichten Rest Mitleid hervorrief, dann rief sie in der Aufführung überhaupt keine Emotionen hervor. Ein eher schwaches Spiel auf dem Niveau heimischer Serien. Allerdings gab es auch hier einige Szenen, etwa mit einem Brief und einem Besuch von Ray, die es wert waren, gelobt zu werden. Aber Sie müssen zugeben, dass einige zwei gute Szenen in der gesamten Aufführung sehr frivol sind.
Doch die Darsteller der Rollen der Dooley-Brüder machten einen sehr gemischten Eindruck. Einerseits passen sie in die Bilder, wo bessere Mädchen(wenn auch weitestgehend vom Original entfernt), andererseits beide völlig schamlos übertrieben. Und es war eine tolle Ablenkung vom Geschehen und sogar ein wenig nervig. Ray, gespielt von Dzhangar Badmaev und Pato Sergey Kulikov, verhielt sich völlig untypisch und trug nicht dazu bei, die Atmosphäre eines irischen, gottvergessenen Outbacks zu schaffen. Besonders beeindruckt hat mich die Auswahl der Schauspieler. Er hatte den meisten Spaß. Nun, wie, erklären Sie, kann man die Wahl von Vertretern verschiedener Rassen für die Rolle von Verwandten (!) Brüdern wahrnehmen, ohne diese Tatsache vollständig zu verdrängen und ohne dem Betrachter etwas zu erklären? Muss ich dem Regisseur erklären, dass alles, absolut alles, was auf der Bühne passiert und erscheint, auf die eine oder andere Weise erklärt werden muss und dass jede Abweichung vom Original einen wichtigen Grund haben muss? Wenn eine kleine Szene angemessen gespielt wird, wenn es keine Requisiten gibt, dann kommt der Stil des Minimalismus zur Rettung, wenn aber nicht einer (ich bemerke: nicht einer!) der Schauspieler dem Typus seines Helden entspricht, und der Der Regisseur erklärt dies überhaupt nicht - nun ja, das führt überhaupt nicht zu positiven Gedanken mit entsprechenden Schlussfolgerungen.
Generell hat die Regisseurin Anna Gusarova die meisten Beschwerden. Weil sie in der Lage war, alles zu ruinieren, was im Stück vorkam. Keine einzige Atmosphäre dieses alten irischen Hinterlandes, für das das Publikum McDonagh so sehr liebt, wurde nicht geschaffen, kein einziger Widerspruch zum Original wurde in irgendeiner Weise überwunden. Ich hatte den Eindruck, dass die Inszenierung am letzten Abend vor der Prüfung hastig inszeniert wurde und in dieser Form auch beim Publikum ankam. Insbesondere die Detailarbeit wurde nicht perfekt ausgeführt. Die Schauspieler bewegten sich wie zufällig, ihre Bewegungen (insbesondere ihre Hände) waren nicht koordiniert, die Dialoge waren künstlich. Die Einfügung des Game of Thrones-Moments ist umso erschreckender, wenn man bedenkt, dass das Stück spielt und darin erwähnt wird. Oh ja – ich kann nicht anders, als das offen gesagt „durchgesickerte“ Ende zu erwähnen. Dies ist das stärkste Finale aller sieben McDonagh-Stücke, wirklich atemberaubend und gruselig, während es in der Aufführung fast keinen emotionalen Ausbruch hervorrief und, wie man sagt, vorbeiging. Wie es möglich war, ein solches Ende zu ruinieren, kann man nur vermuten. Und das, obwohl alle Worte des Stücks gesagt und alle Handlungen ausgeführt wurden. Aber – ohne Wirkung. Der einzig wirklich würdige Moment und ein interessanter Fund ist der Moment mit dem Fenster am Anfang. Hier waren sie überrascht, erfreut – da stimme ich zu.
Im Großen und Ganzen war ich von meinem Besuch der Aufführung sehr enttäuscht und bezeichne sie als eine offene Unvollkommenheit, eine studentische Amateurarbeit und nicht als eine vollwertige, würdige große Szene, Leistung. Es ist schade, dass bei dieser Veranstaltung Zeit und Geld verschwendet wurden. Ich denke, dass die Produktion den geforderten Betrag absolut nicht wert ist und gut abgeschlossen sein sollte. Sowohl der Regisseur als auch die Schauspieler. Meiner Meinung nach ist dies das kraftvollste und psychologisch schwierigste Stück von McDonagh, das, wenn es richtig inszeniert wird, den Verstand des Zuschauers erschüttert und ihn in einem leicht fassungslosen Zustand nach Hause gehen lässt. Während sich die „Offene Bühne“ und die Truppe der Absolventen der Werkstatt von Alexander Ogarev als eine Art emotionslose Farce entpuppten, ein eher raues Handwerk, alles in Knoten und Beulen. Und obwohl das Potenzial der Schauspieler sichtbar ist, zeigen sie es aus irgendeinem Grund in dieser Aufführung in keiner Weise.
Ich hoffe, dass sich die Autoren der Inszenierung trotz der eher harten Worte nicht durch sie beleidigt fühlen, sondern die Kommentare zur Kenntnis nehmen und versuchen werden, die Aufführung weiterzuentwickeln und zu fördern, um bei der nächsten Aufführung ein siegeswürdiges Werk zu schaffen Internationales Festival Martin McDonagh. Und ich werde gerne eine ausgereiftere und präzisere Produktion sehen.
In der Zwischenzeit rate ich definitiv niemandem, zu dieser Aufführung zu gehen. Vor allem, wenn Sie den Namen des Dramatikers noch nicht kennen.

„MEG. Es ist nicht richtig für junge Mädchen, mit Männern zu flirten!“
MEHR. Junge Mädchen! Ich bin schon vierzig, verdammt. Den Mund halten!"

Martin McDonagh

Königin der Schönheit

Figuren

Maureen Folan, vierzig Jahre alt, hässlich, aber schlank

MEG FOLAN, ihre Mutter, siebzig Jahre alt, kräftig gebaut

PATO DOOLEY, gutaussehender Mann von vierzig Jahren, kränklich aussehend

RAY DOOLEY, sein zwanzigjähriger Bruder

Leinen. Kleine Stadt in Conemar. Grafschaft Galway. Irland.

Bild eins

Wohnküche in einem ländlichen Ferienhaus im Westen Irlands. Links ist die Vordertür, ein Kamin mit einem langen schwarzen Rost, rechts ein Schaukelstuhl, an der Rückwand steht eine Kiste Torf. In der Küche an der Rückwand gibt es eine Tür zum Flur und einen neuen Herd. An der rechten Wand befinden sich ein Waschbecken und mehrere Schränke. Über dem Waschbecken, in einiger Tiefe, ein Fenster mit Blick auf das Feld, genau in der Mitte der Küchentisch mit zwei Stühlen, etwas links auf dem Nachttisch steht ein kleiner Fernseher. Auf einem der Schränke befinden sich ein Wasserkocher und ein Radio. Über der Torfkiste befinden sich ein Kruzifix und ein gerahmtes Foto von Robert Kennedy. Neben der Schachtel liegt ein großer schwarzer Schürhaken, an der Wand hängt ein wie ein Geschenk aussehendes Handtuch mit der Aufschrift: „Du wirst nicht atmen, bevor du stirbst.“ Draußen vor dem Fenster regnet es in Strömen. MEG FOLAN, mit zurückgekämmten grauen Haaren, sitzt in einem Schaukelstuhl und starrt ins Leere, leicht gähnend. Ihre rechte Hand ist rot und sieht ungesund aus. Die Haustür öffnet sich und ihre Tochter Maureen kommt herein. Sie hat Einkaufstüten in ihren Händen. Geht durch die Küche.

MEG. Also, Maureen, regnet es?

MEHR. Selbstverständlich.

Maureen zieht ihren Mantel aus und seufzt, während sie ihre Einkäufe sortiert.

Und ich habe mir einen Komplan gebraut.

MEHR. Und Gott sei Dank, dass sie es getan hat.

MEG. Erledigt. (Pause.) Zugegebenermaßen ist er etwas matschig.

MEHR. Was habe ich damit zu tun?

MEG. Nichts.

MEHR. Schreiben Sie dieser Firma und erzählen Sie ihr von den Klumpen.

MEG (nach einer Pause). Wenn man es kocht, ist es so schön zart. (Pause.) Es gibt überhaupt keine Klumpen.

MEHR. Es ist notwendig, richtig umzurühren, seien Sie nicht faul.

MEG. Ja, ich habe es richtig umgerührt, aber was soll das?

MEHR. Sie goss zu viel kochendes Wasser auf einmal ein. Und es muss schrittweise geschehen. So steht es auf der Verpackung.

MEHR. Es ist also ihre eigene Schuld. Versuchen Sie es erneut gemäß den Anweisungen.

MEG. Mm. (Pause.) Ich habe Angst vor kochendem Wasser. Ich werde plötzlich sauer.

Maureen wirft ihr einen Blick zu.

Ich habe schreckliche Angst. Plötzlich zittert und brennt meine Hand. Und was willst du dann machen?

MEHR. Das alles ist deine Hypochondrie, sonst nichts.

MEG. Ich falle einfach auf den Boden, was hat Hypochondrie damit zu tun?

MEHR. Eher wie und. Du bist so gesund wie ein Pferd.

MEG. Oder hängt diese Hypochondrie vielleicht mit einer Blasenentzündung zusammen?

MEHR. Denken Sie an eine Entzündung. Nun können Sie sich keine Suppe mehr kochen und das Haus aufräumen? Dir wird nichts passieren. Ich habe keine Zeit, ich habe Dinge zu tun.

MEG (nach einer Pause). Rücken schmerzt.

MEHR. Ja, ich weiß.

MEG. UND rechte Hand. (Hebt für eine Sekunde die Hand.)

MORIN (ruhig). Ja, du bist gegangen... (In genervtem Ton.) Okay, ich mache es selbst! „Von jetzt an und für immer und ewig!“ Sag mir, was besser ist. Kochen Anette und Margo Suppe für Sie? Kabeljau in Öl mindestens eine Woche lang versorgen?

MEG. Ja Nein.

MEHR. Das ist es. Und schleppen Sie sich nicht auf den Pisten. Sie schätzen meine Sorge nicht.

MEG. Ich weiß es zu schätzen, ich weiß es zu schätzen.

MEHR. Nein, du weißt es nicht zu schätzen.

MEG. Okay, ich werde es selbst brauen und mit aller Kraft umrühren.

MEHR. Komm schon mit deiner Suppe. Andere Fälle bis zum Hals. Ich bin ein Diener. Erbärmliche Diener sind, verdammt noch mal!

MEG. Nicht so.

Nachdem Maureen das Essen ausgelegt hat, schlägt sie die Schranktüren zu, zieht einen Stuhl an den Tisch und setzt sich. Pause.

Maureen, was ist mit meinem Brei? Wirst du kochen? Okay, gönnen Sie sich eine Verschnaufpause. Später...

Doch Maureen ist bereits von ihrem Stuhl aufgesprungen, klappert mit den Absätzen zurück in die Küche und beginnt, mit Geschirr klappernd, Haferbrei zu kochen. Pause.

Vielleicht Radio hören?

MOREAN schaltet wütend das Radio ein. Nach ein oder zwei Sekunden beginnt es laut zu schreien. Durch die Einmischung entsteht die nasale Stimme des Sängers. Pause.

Aber Anette und Margo haben uns nie ein Lied gewidmet. Ich wundere mich warum?

MEHR. Und wer weiß. Alles Geschwätz. (Er schnüffelt am Waschbecken und wendet sich dann an MEG.) Wie roch das Waschbecken? Ich wünschte, ich wusste.

MEG (rechtfertigen). Ja, was bist du.

MEHR. Besser nicht riechen.

MEG. Sie riecht nach nichts, das schwöre ich bei Gott.

Maureen spielt mit Brei herum. Pause.

Das Radio wird laut.

MEHR. Laut? (Schaltet schnell das Radio.)

Pause.

MEG. Immer noch nichts zu hören. Sie geben dummes altes Zeug weiter. Sind es Lieder?

MEHR. Sie selbst hat darum gebeten, diesen Sender einzuschalten.

MEG. Aber sie singen immer noch in ihrem keltischen Heimatdialekt. Dann sagen sie Zeit und im Allgemeinen.

MEHR. Okay, hör auf zu jammern.

MEG. Es hat sich gelohnt, für diesen Unsinn Geld auszugeben.

MORIN (nach einer Pause). Das ist kein Unsinn. Sie singen in ihrer Muttersprache, auf Irisch.

MEG. Ah, es ist immer noch Müll. Es wäre besser, wenn sie wie alle anderen Englisch sprechen würden.

MEHR. Warum muss es auf Englisch sein?

MEG. Um zu verstehen, was sie sagen.

MEHR. In welchem ​​Land lebst du?

MEG. Galway.

MEHR. Nicht im Kreis, sondern auf dem Land!

MEHR. In Irland, genau dort!

MEG. Irland.

MEHR. Warum müssen die Menschen in Irland Englisch sprechen?

MEG. Ja, ich weiß es selbst nicht.

MEHR. Jeder in Irland muss Irisch sprechen.

MEG. So wahr.

MEHR. Was?

MEG. Was was"?

MEHR. Sprechen Sie Englisch in Irland?

MEG (nach einer Pause). Englisch ist erforderlich, wenn Sie beruflich nach England gehen. Für nichts anderes.

MEHR. Und einfach etwas zu tun?

MEG. Nun ja.

MEHR. Haben uns die Engländer nicht unsere Muttersprache genommen, unser Land weggenommen und Gott weiß was noch? Zwingen sie uns nicht, sie um Arbeit und alle möglichen Almosen zu betteln?

MEG. Worum geht es.

MEHR. Jetzt ist mir klar, wohin du willst.

MEG (nach einer Pause). Das gilt auch für Amerika.

MEHR. Warum so?

MEG. Denn in Amerika muss das Betteln um Arbeit und Almosen auch auf Englisch erfolgen!

MEHR. Nur etwas zu tun?

MEG. Nun ja. Oder vielleicht irre ich mich.

MEHR. Hier sind die Kinder, wir hämmern es ein. Seit den Briten oder den Yankees bedeutet es Almosen und nichts weiter. Dort ist der Hund begraben.

MEG. Du hast recht.

MEHR. Eher richtig. Heilige Wahrheit.

MEG (nach einer Pause). Wenn Sie um Almosen aller Art betteln, ist das in Amerika besser als in England. Sie sagen, es gibt mehr Sonne. (Pause.) Oder vielleicht einfach nur chatten? Was denkst du, lüge nicht?

MORIN (legt Haferbrei auf einen Teller und serviert ihn Meg mit den Worten). Du bist ein alter Narr. Du redest Unsinn. Halt die Klappe und iss. (Geht zur Spüle und reinigt die Pfanne.)

MEG (schaut auf den Teller und wendet sich von ihm ab). Was ist mit meinem Tee? Hast du Vergessen?

Maureen greift nach den Seiten des Waschbeckens, senkt den Kopf, atmet tief ein und füllt den Wasserkocher mit kaum sich beherrschendem Wasser aus dem Wasserhahn. Pause.

(Er isst langsam und spricht.) Triffst du auf dem Weg zum Laden jemanden, den du kennst?

Keine Antwort.

Ich meine nicht heute.

Pause.

Du magst es nicht wirklich, Leuten Hallo zu sagen.

Pause.

Obwohl es manche Leute nicht nötig haben, Hallo zu sagen. Es heißt, in Dublin sei eine alte Frau völlig grundlos getötet worden. Sagten sie im Radio. Ist Ihnen bewusst?

Pause.

Für eine süße Seele erdrosselt. Es ist besser, mit so einem Mörder überhaupt nicht zu reden. Gehen Sie an ihm vorbei und kein Geräusch.

MORIN (bringt Meg Tee und setzt sich an den Tisch). Und ich würde mich freuen, mit so einem Kerl zu reden, und dann würde ich ihn hierher bringen, da er es so liebt, alte Frauen zu nähen.

MEG. Wie kannst du das sagen?

MEHR. Ich kann.

MEG (nach einer Pause). Er wird hier nicht gebraucht. Ja, nun ja, er.

MEHR. Ich benötige. Werde mir Gesellschaft leisten. Dann näht er dich. Für nichts.

MEG. Aber zuerst wird er dich nähen, bei Gott.

MEHR. Nun, lass. Hauptsache, man wird dann richtig geschlagen. Dann schlug er ihm auf den Kopf, dann hätte er ihn mit einer riesigen Axt abgehackt. Und es wäre besser, wenn er damit anfangen würde ... Ich würde mich freuen. Kein Kaffee, kein Porridge, gar nichts...

MEG (unterbricht sie mit einer Tasse). Ich habe Zucker vergessen. Gib mir etwas Zucker.

Maureen starrt sie an, nimmt die Tasse, geht zur Spüle und gießt den Tee ein. Er kommt zurück, nimmt den halbleeren Teller, geht in die Küche und wirft den Inhalt des Tellers in den Mülleimer, stellt den Teller in die Spüle und geht in den Flur, wobei er die MEG böse ansieht. Schließt die Tür hinter sich. MEG starrt genervt ins Leere.

Bild zwei

MEG sitzt am Tisch und schaut in den Spiegel. Repariert ihre Haare. Der Fernseher ist eingeschaltet. Es klopft an der Tür.

MEG (zuckt leicht zusammen). Wer... Maureen, Maureen. Es klopft an der Tür. Oh mein Gott. (Steht auf und schlurft zum Küchenfenster.)