Kurichev Andrei

Lucrarea educațională și de cercetare a fost scrisă ca parte a studiului suplimentar al artei contemporane. Subiectul este foarte interesant pentru această vârstă. Elevul a încercat să exploreze la nivelul său istoria apariției unui astfel de tip de artă plastică precum „fotografie”. Un adolescent răspunde la întrebări precum „Fotografia reflectă realitatea în mod obiectiv? Fotografia este artă? Și de ce arta plastică nu a încetat să existe după apariția fotografiei? Elevul și-a prezentat proiectul, precum și rezultatele interesante ale unui studiu asupra adolescenților pe această temă, s-a făcut o analiză.

Lucrarea este ușor de citit și interesantă, materialul este structurat și prezentat logic. Elevul a subliniat relevanța temei, a stabilit în mod clar scopurile și obiectivele studiului.

Principalele aspecte pozitive ale lucrării sunt:

1. O privire asupra fotografiei ca formă de artă plastică din punctul de vedere al unui adolescent.
2. Dobândirea de către studenți a cunoștințelor necesare asupra problemelor de interes pentru ei, dezvoltarea propriei gândiri și autoperfecționarea în continuare.

Descarca:

Previzualizare:

Instituție de învățământ bugetar municipal

gimnaziu nr. 10, Pavlovo

Departamentul - Umanitar

Sectiunea - istoria artei

Lucru făcut:

Kurichev Andrey, 15 ani

elev 9 clasa „B”.

Consilier științific: Shitova Olga Konstantinovna,

Profesor de cultura artistică mondială

Pavlovo

februarie 2015

1. Menținerea…………………………………………………………………………..3
2. Partea principală……………………………………………………… .4-12

„Este fotografia o artă?”

• Nașterea și semnificația fotografiei………………………………………. ….4-6
• Fotografia reflectă realitatea în mod obiectiv?………………………………………………………….. …………7-8
• Fotografia este artă? Și de ce artele plastice nu au încetat să existe după apariția fotografiei? ..................................8-9
• Cercetare…………………………………………………………………10-12

1. Concluzie. Concluzii…………………………………………………………………..12
2. Literatură………………………………………………………………………….13

1. Introducere

În zilele noastre, totul există de dragul

pentru a termina cu o fotografie.

Fotografia mumifică timpul.

Henri Bazin

Cred că spre deosebire de artele tradiționale fotografie are aplicatii practice. Este util în multe domenii ale vieții umane: în știință, în procesul de învățământ, în criminalistică (fotografie a scenelor crimei, probe lăsate în urmă etc.), în afacerile publicitare, în cărți de identitate, în design etc. Și dacă da, atuncifotografia este o artă?

Ţintă:

Aflați dacă fotografia este o formă de artă?

Sarcini:

• Aflați istoria nașterii și semnificația fotografiei.
• Aflați dacă fotografia reflectă realitatea în mod obiectiv?
• Aflați de ce, după apariția fotografiei, arta plastică nu a încetat să existe?

Ipoteza mea:

Fotografia este un concept mai larg decât arta fotografică: nu tot ce este filmat cu o cameră (precum și o cameră de film) va fi artă.

Metode de cercetare

2. Corpul principal

2.1. Nașterea și sensul fotografiei

Cuvântul „fotografie” este tradus din greacă ca „pictură în lumină”. Lumina este elementul principal al creării imaginii în fotografie. Originile tehnicii fotografice se află într-un fenomen optic cunoscut încă din antichitate: dacă un fascicul de lumină intră într-un mic orificiu dintr-o cameră obscura (lat. „cameră întunecată”), atunci o imagine inversată a obiectelor iluminate sub cameră va apărea pe peretele opus.

Prima persoană care a capturat o imagine reală a fost Nicéphore Niépce. S-a întâmplat în anii 20 ai secolului al XIX-lea. La câțiva ani după experimente. S-a întâmplat în anii 20 ai secolului al XIX-lea. La câțiva ani după experimentele lui Niepce, Louis Jacques Daguerre a obținut o imagine fotografică folosind o placă subțire de cupru acoperită cu un strat de argint într-o casetă. Aceste plăci se numesc dagherotipuri. În 1839, Academia Franceză de Științe a recunoscut meritele lui Daguerre și a făcut din descoperirea savantului francez proprietatea omenirii.

1839 este anul oficial al nașterii fotografiei.

Dagherotipurile erau copii unice, adică era imposibil să se facă copii ale acestora, iar fotografia, după cum știți, se descompune în două operații - obținerea unui negativ și realizarea unui pozitiv. Tehnica de realizare a unui negativ a fost descoperită de Fox Tabol în 1840.

De atunci s-au schimbat multe: a apărut filmul, s-au dezvoltat tehnologii de realizare a fotografiilor color și nu cu mult timp în urmă a apărut imprimarea digitală, bazată pe tehnologia electronică care transformă o imagine optică într-un semnal electric.

Nașterea fotografiei nu poate fi explicată doar prin dezvoltarea tehnologiei.

Anii 30-40 ai secolului al XIX-lea marchează nașterea unei astfel de tendințe în artă precum realismul critic. Unul dintre postulatele realismului poate fi formulat astfel: orice principiu uman este absolut. Faptul că fiecare persoană are propria fotografie (chiar dacă doar în pașaport) demonstrează că fiecare dintre noi este egal unul cu celălalt de fapt. Fotografia ne afirmă implicarea în viață și eternitate.

În lucrările de realism, viața umană este considerată într-un context istoric (eroul este întotdeauna dat în raport cu epoca).

Atenție la viața de zi cu zi, detalii - toate acestea caracterizează atât o lucrare realistă, cât și fotografia.

Fotografia este păstrătoarea trecutului: studiem epocile istorice, viața de familie și așa mai departe. prin fotografii. R. Arnheim a formulat proprietățile generice ale fotografiei astfel: „Inextricabil legată de natura fizică a peisajului și a așezărilor umane, de animale și de oameni, de isprăvile, suferința și bucuriile noastre, fotografia este înzestrată cu privilegiul de a ajuta o persoană să studiază singur. Extindeți-vă și păstrați-vă experiența, faceți schimb de mesaje vitale ... ”(Arnheim R. Noi eseuri despre psihologia artei - M., 1994, p. 132).

2.2. Fotografia reflectă realitatea în mod obiectiv?

Studiind diferite surse, am aflat că oamenii de știință evaluează potențialul realist al fotografiei în moduri diferite. De exemplu, omul de știință francez A. Bazin a susținut că imaginea fotografică a unui obiect „este acest obiect însuși”. Fotografia, potrivit cercetătorului, este obiectivă, întrucât „nu există nimic între un obiect și imaginea lui, cu excepția unui alt obiect... Toate artele se bazează pe prezența unei persoane și doar în fotografie ne putem bucura de absența lui. Fotografia ne afectează ca un fenomen „natural”, ca o floare sau un cristal de zăpadă ... ”(Bazen A. Ce este cinematograful? - M., 1972. - p. 44). Posibilitățile estetice ale fotografiei stau în dezvăluirea realului, care apare direct fără mediatori verbali și artificiali. Obiectivul camerei „eliberează subiectul de ideile și prejudecățile obișnuite”, iar cinematograful „apare în fața noastră ca desăvârșire a obiectivității fotografice în dimensiunea temporală... Pentru prima dată, imaginea lucrurilor devine și o imagine a existenței lor în timp. …” (Bazin A., p. 45).

Există și un punct de vedere opus. „Știm cu toții”, scrie Yu.M. Lotman, - cât de diferite, cât de distorsionate pot fi fotografiile. Cu cât cunoaștem mai aproape o persoană, cu atât găsim mai multe diferențe în fotografii. Pentru fiecare persoană a cărei față o cunoaștem cu adevărat, vom prefera un portret al unui artist bun unei fotografii de aceeași îndemânare. În ea vom găsi mai multe asemănări. Dar dacă ni se oferă un portret și o fotografie a unei persoane necunoscute nouă și ni se cere să alegem altele mai de încredere, nu vom ezita să ne oprim la o fotografie, așa este farmecul naturii „documentare” a acestui tip de text. ”(Lotman Yu.M. Despre art. - Sankt Petersburg, 2000. - p. 297).

Concluzii: Acest sondaj ne face să înțelegem că majoritatea (66,7%) consideră că fotografia reflectă realitatea în mod obiectiv, iar restul

(33,3%) nu cred.

2.3. Fotografia este artă? Și de ce arta plastică nu a încetat să existe după apariția fotografiei?

Multe dintre imagini sunt trecătoare, zilnice, mai precis, inexpresive, non-artistice, adică sunt o simplă „copie a realității”. Desigur, în fotografiile noastre de acasă (destul de zi cu zi), obiectul imaginii va fi cel mai interesant pentru noi: noi înșine, rudele noastre, cei dragi, prietenii etc. Aceste fotografii vor fi artă? Pentru noi – fără îndoială: câte emoții, amintiri trezesc. Și pentru alți oameni, străini pentru noi, va fi interesant obiectul înfățișat în fotografia noastră? Aici e mai greu.

Ce condiții sunt necesare pentru ca o „copie luată din realitate” să devină artă? Aparent, la fel ca pentru toate celelalte arte. „Arta ... este singura activitate care îndeplinește sarcina de a descoperi, exprima și comunica sensul personal al activității, realității” (Leontiev A.N. Lucrări psihologice alese. - M., 1983. - p. 237).

Asemenea maeștri remarcabili ai secolului al XX-lea precum A. Rengener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholi-Nagy, Mann Ray și alții au făcut din fotografia o artă.

Am facut un experiment cu prietenul meu:a pus două fotografii în fața lui.

Privind la ele, prietenul meu, bazându-se pe simțul său intuitiv, l-a identificat pe unul drept „artistic”, iar celălalt drept „non-artistic”. La întrebarea mea: „De ce a ajuns la concluzia asta?” - urmat de un răspuns oarecum vag: „Ei bine, e clar, e doar priveliștea care era în fața camerei, dar aici se adaugă ceva, un fel de dispoziție, fotograful a vrut să exprime ceva, să spună de la sine, să transmite, vezi tu, ce sentiment...”

Am încercat să exprim aceste gânduri într-un mod mai specific.

În producția de fotografie non-artistică, doi participanți au fost numiți prieteni: peisaj și aparat de fotografiat; în producția de fotografie artistică, a numit trei participanți: peisaj, aparat, fotograf.

În primul caz, fotografia a surprins automat ceea ce a căzut în câmpul vizual al obiectivului, în al doilea, ceva a fost adăugat peisajului real.

De fapt, iată acele semne care se numesc de obicei evidențierea trăsăturilor distinctive ale artei: prezența subiectivității autorului, ... introducerea gândurilor în obiectul reprezentat, reconstrucția obiectului în legătură cu înțelegerea generală a lumea de către artist. Adică, „devenind un fapt de artă, lumea materială devine umanizată și spiritualizată, primește sens” (Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialog with the screen, - Talin, 1994. - p. 19-20.)

Când fotografiem, intervenim în mi-ul din jur, „decupăm” din el o „bucată” de realitate care cumva ne-a plăcut, sau pur și simplu ne-a trebuit, sau a coincis cu un fel de experiență noastră, a exprimat un gând.

Desigur, fotografia ca artă are propriile mijloace de exprimare. Când ne uităm la o fotografie, acordăm atenție nu numai intrigii, ci și planului, unghiului, compoziției cadrului, luminii, culorii. Folosindu-le în mod creativ, folosind cutare sau cutare optică, film alb-negru sau color, și acum și capacitățile uriașe ale computerului, putem interpreta obiectele lumii în felul nostru, cream imagini artistice complexe. Cu toate acestea, cunoașterea arsenalului de mijloace expresive nu garantează o imagine artistică de înaltă calitate. Ca în orice artă, aici ai nevoie de un fler, inspirație și gust deosebit.

Primul sondaj: De ce arta plastică nu a încetat să existe după apariția fotografiei?

Concluzii: Pe baza acestui sondaj, pot concluziona că 84% dintre cei chestionați cred că fotografia a devenit una dintre artele plastice, iar 16% cred că fotografia este mult mai tânără decât arta plastică și probabil că o va înlocui în viitor.

Concluzii: 32 la sută dintre respondenți cred că pentru a deveni un fotograf bun trebuie să ai echipamentul cel mai modern și de înaltă calitate, iar 64 la sută încă cred că principalul lucru nu este tehnologia, ci cine o folosește.

Concluzii: Această întrebare rămâne controversată și pentru mine. Numărul de susținători și oponenți ai utilizării Photoshop în fotografie a fost împărțit în două tabere identice, iar această întrebare va rămâne fără răspuns pentru noi.

Concluzii: Pe baza acestui sondaj, putem aprecia că 80% dintre respondenți cred că fotografia este artă, 4% au răspuns negativ, iar 16% nu știu răspunsul la această întrebare. Ce crezi?

Concluzie

Ipoteza mea a fost confirmată - fotografia nu este întotdeauna artă.

Toți cei care iubesc fotografia, admiră capodoperele profesioniștilor, creează el însuși lucrări unice, de înaltă calitate și, în același timp, nu își propune să-și vândă creația - pentru aceasta răspunsul este evident: fotografia este artă!!! Iar pentru cei care pur și simplu fac poze pentru ei înșiși, pentru memorie, fotografia este pur și simplu un beneficiu pentru viață, o condiție necesară.

Ei bine, cred că întrebarea dacă fotografia este artă sau nu este poate la fel de greu de răspuns ca întrebarea despre sensul existenței noastre. Unii oameni cred că dacă îți place o fotografie și îți dorești să nu o faci, atunci este artă. Dar, după părerea mea, nu tot ceea ce îți place este artă și invers, arta nu ar trebui să-ți placă întotdeauna. La urma urmei, frumusețea și urâțenia, binele și răul - aceste lucruri sunt inseparabile, prin urmare ar trebui să umple în mod egal arta. Dacă vedem doar frumusețe, nu o vom percepe. Răul și urâțenia sunt la fel de necesare ca și oxigenul pentru plămânii noștri. Oamenii care visează la fericire absolută greșesc mai degrabă, nu înțeleg că dacă nu ar fi război, nu ar fi pace, că nu ar ști despre fericire nici un gram, dacă nu ar experimenta durere. Viața în sine ar fi plictisitoare, și-ar pierde orice sens. Este mult mai interesant să trăiești într-o lume plină de contrarii care fac din viața unei persoane cea mai intensă și mai diversă.

Literatură

1. Arnheim R. Noi eseuri despre psihologia artei. - M., 1994, p.132
2. Bazin A. Ce este cinematograful? - M., 1972. - p.44
3. Leontiev A.N. Lucrări psihologice alese. - M., 1983. - p. 237
4. Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialog cu ecranul, - Talin, 1994.- de la 19-20.
5. http://www.adme.ru/tvorchestvo-fotografy/reshayuschij-moment-546455/
6. http://pics2.pokazuha.ru/p442/s/w/7897210hws.jpg

Fotografia de astăzi nu este doar o modalitate de a surprinde un moment important de viață. Datorită unei cantități uriașe de echipamente de ultimă generație și programe speciale, toată lumea are ocazia să facă din fotografie hobby-ul lor. Fotografia artistică ca formă de artă este destul de multifațetă. Chiar și un începător își va putea exprima imaginația după pofta inimii. În acest caz, fiecare își va găsi genul preferat.

Un pic de istorie

Astăzi, o cameră digitală este în fiecare casă. Dar acum o sută de ani, fotografia era un adevărat lux. Puțini oameni știu că o fotografie obișnuită este o imagine pictată cu lumină. O astfel de descoperire unică a venit datorită mai multor oameni de știință. Înainte să apară fotografia în forma în care mulți o cunosc, s-a lucrat mult. Istoria fotografiei este interesantă și incitantă.

Încercările de a obține fotografii au fost înregistrate încă din secolul al XVII-lea. Dar nu pot fi numite reușite. Fotografia artistică datează din 1839. Omul de știință francez Louis Daguerre a reușit pentru prima dată să obțină o imagine clară a unei persoane. În acest caz, timpul de expunere nu a depășit un minut. De atunci fotografia a fost îmbunătățită de multe ori. Astăzi avem ocazia să creăm adevărate capodopere cu timp minim.

Cum să creezi o fotografie unică?

Toată lumea poate lua o cameră și fotografia totul fără setări prealabile. În același timp, cel mai probabil, nu veți putea obține o imagine frumoasă. Cei care doresc să devină un adevărat fotograf ar trebui să învețe mai întâi cum să selecteze corect conținutul cadrului. Lumina trebuie selectată corect, lentila ajustată. Aceste reguli sunt aceleași pentru orice tehnică, indiferent dacă trebuie să fotografiați cu un Zenith vechi sau cu cea mai recentă cameră digitală.

Este imposibil să devii fotograf profesionist din primele zile. Va trebui să faci un număr mare de poze înainte de a se naște o adevărată capodoperă. În acest sens, tehnologia digitală are multe avantaje. Un cadru nereușit poate fi șters în orice moment. Fiecare fotograf începător ar trebui să identifice pentru el însuși genurile artei fotografice, cărora le va acorda atenție în primul rând. Pentru a deveni profesionist, nu poți pulveriza. Este rar să găsești un specialist care să fie bine versat în toate ramurile unui anumit domeniu de activitate.

Portret

Fotografia de portret s-a născut deja când oamenii au învățat cum să facă primele fotografii. Aici, artiștii au încercat să repete imaginile picturii. Primele portrete au fost destul de scumpe. Numai aristocrații își puteau permite. Au făcut poze atât singuri, cât și cu membrii familiei. Unele fotografii vechi au supraviețuit până în zilele noastre și sunt acum în muzee din întreaga lume.

Un portret nu este doar o imagine a unei fețe. Dacă o persoană este înfățișată în plină creștere, aceasta este, de asemenea, considerată o fotografie portret. Orice școală de fotografie include în primul rând acest gen în cursul său. Modelele pot fotografia atât în ​​aer liber, cât și în interior. Este important ca

Accentul principal era pe individ. Niciun detaliu nu ar trebui să distragă atenția.

Separat, merită remarcată filmările în studio. Acest tip de fotografie de portret este relativ tânăr. Anterior, vedetele erau împușcate în acest fel pentru revistele de modă. Astăzi, toată lumea se poate mulțumi cu o ședință foto în studio. Fotografia artistică în acest caz constă în selectarea corectă a fundalului și organizarea luminii.

Natură moartă

Acest gen de fotografie a evoluat și din pictură. Artiștii au înfățișat fructe și legume frumos aranjate în picturile lor. Imaginea a fost completată cu țesături și vase frumoase. De îndată ce a apărut prima școală de fotografie, natura moartă a început să fie și ea populară. Din franceză „nature morte” înseamnă literal „natura neînsuflețită”. Fotografii profesioniști, ca și artiștii, sunt capabili să transmită frumos privitorului sensul existenței anumitor obiecte neînsuflețite.

Multă vreme, natura moartă a aparținut unui gen nerevendicat. Tehnica și arta fotografiei au fost predate în școli doar în scop informativ. Odată cu dezvoltarea tehnologiei informației, natura moartă a devenit foarte populară. Cu el, fotografi își perfecționează abilitățile profesionale. În plus, cum vă puteți aminti un magazin online fără fotografii ale produselor? La urma urmei, imaginea unui produs este o natură moartă.

Astăzi, natura moartă ocupă unul dintre primele locuri între toate genurile. Istoria fotografiei ne spune că puterea emoțională a imaginilor obiectelor nu a fost inferioară fotografiilor de înainte. În acest moment, această tendință este pierdută. Dar fără natură moartă, existența magazinelor online ar fi imposibilă.

Decor

Genul clasic care implică fotografierea naturii se numește peisaj. Această ramură a industriei fotografice poate fi numită cea mai emoționantă. Fiecare fotograf aspirant se poate inspira din natură. Și unele dintre imagini sunt atât de uimitoare încât este greu să-ți iei ochii de la ele.

Este dificil pentru un începător să stăpânească peisajul încă din primele zile. Oricine poate face fotografii ale peisajului. Dar ideea nu este să surprindem momentul. Starea de spirit a fotografului trebuie transmisă prin imagine. Procesul de a găsi o lovitură bună poate fi complicat de diverse fenomene naturale. Spre deosebire de studio, soarele strălucitor, ploaia sau vânturile puternice pot interfera cu munca în aer liber. Uneori, un fotograf trebuie să lucreze săptămâni întregi pentru a obține o fotografie foarte bună.

Arhitectură

La fel ca genurile anterioare de fotografie, arhitectura s-a născut aproape imediat. Există o mare asemănare cu peisajul. Singura diferență este că obiectele sunt diferite clădiri și structuri. Există, de asemenea, caracteristici distinctive. Se acordă o mare atenție alegerii corecte a punctului de tragere. Cel mai avantajos este să închiriezi o clădire de pe un deal. De exemplu, o casă poate fi fotografiată de pe acoperișul alteia.

Arhitectura este unul dintre cele mai complexe genuri. Găsirea poziției potrivite este adesea complicată de trafic și condițiile meteorologice. În plus, nu este întotdeauna posibilă transmiterea detaliilor prin obiectivul camerei. Arhitectura de filmare necesită echipamente scumpe.

filmare de reportaj

Astăzi, acest gen este destul de comun. Și filmările de reportaje au început să devină populare abia în a doua jumătate a secolului al XX-lea. Puțini oameni știu că imaginile cu diverse evenimente și sărbători sunt un reportaj.

Se crede că fotograful pur și simplu filmează cutare sau cutare eveniment. De fapt, raportarea este o oportunitate de a transmite nu numai esența anumitor acțiuni, ci și atitudinea față de acestea. Dacă luăm în considerare diversele genuri de fotografie, atunci reportajul transmite cel mai exact natura fotografului, starea sa emoțională și profesionalismul. Dacă se filmează un protest, de exemplu, este în puterea fotografului să arate ambele părți într-o lumină pozitivă. O viziune obiectivă asupra lucrurilor este una dintre cele mai importante trăsături de caracter pe care ar trebui să le aibă un fotojurnalist adevărat.

Fotografie de uz casnic sau de gen

Transmisia cu ajutorul camerei din viața de zi cu zi aparține fotografiei de gen. Destul de des, imaginile au o bază documentară. Fotografiile de gen sunt în mod inerent foarte asemănătoare cu fotografiile de reportaj. Un profesionist trebuie să transmită viața exact așa cum este. Imaginea poate arăta copii care se joacă, o bunica care face curățenie în curte, un cerșetor care cerșește etc.

Diferența dintre o fotografie de gen este capacitatea de a transmite starea emoțională nu numai a fotografului, ci și a subiecților înșiși. În imagine puteți vedea bucurie, lacrimi, dezamăgire și furie. Poate fi atât o fotografie de stradă, cât și o fotografie de interior.

Filmare la interior

Acest gen de fotografie este indispensabil astăzi, deși este destul de tânăr. Un interior gata făcut, creat de un designer profesionist, are propria sa încărcătură emoțională. În același timp, sarcina fotografului este să transmită ideea complet fără distorsiuni. Fotografia de interior este strâns legată de design. Niciun profesionist nu ar putea să-și creeze un portofoliu al muncii lor fără ajutorul unui fotograf cu experiență.

Unghiul este foarte important în fotografia de portret. Punctul potrivit determină cum va arăta camera în imagine. În plus, un element vă permite să decorați întregul spațiu. Prin urmare, fotograful ar trebui să acorde o atenție deosebită celor mai avantajoase detalii ale interiorului.

Reproducere

Acest gen de fotografie nu este artistic. În ciuda acestui fapt, este important. Există un număr mare de scanere cu caracteristici tehnice diferite. Dar fotograful va putea transmite mai corect esența imaginii. În plus, multe imagini vechi necesită un tratament special. Vopseaua nu trebuie atinsă din nou. Fotografia este capacitatea de a transfera cu acuratețe o imagine pe hârtie. Iar unele imagini sunt realizate de o calitate atât de înaltă încât poate fi destul de dificil să distingeți o fotografie de originală.

Fotografie nud

Corpul uman gol este un subiect popular al filmărilor astăzi. De fapt, acest gen există de mult timp. Toată lumea știe că artiștilor le plăcea să-și înfățișeze femeile fără haine. Imediat ce a apărut prima fotografie artistică, s-a născut stilul Nu. Acest gen a ocupat unul dintre cele mai importante locuri de multe secole.

Cel mai adesea, obiectul fotografiei sunt fetele. Poate fi atât fotografie de stradă, cât și fotografie de studio. Un corp gol în imagini nu poate provoca decât emoții pozitive. Fără furie sau dezgust.

Stilul nud este adesea împletit cu fotografia de zi cu zi. Aceste genuri de fotografie coexistă perfect. De exemplu, o fată goală poate fi înfățișată făcându-și treburile zilnice sau făcând plajă pe plajă.

avangardă

Ca în orice altă sferă a vieții, fotografia poate fi abordată într-un mod non-standard. Avangardismul este un gen special de fotografie. Se caracterizează prin depășirea esteticii general acceptate. Pentru a-și atinge obiectivele, fotograful poate folosi cele mai nestandardizate mijloace.

Avangarda nu are trăsături specifice, ca și alte genuri de fotografie. Prin urmare, profesionalismul imaginii este adesea destul de dificil de urmărit. Fotograful poate înfățișa o „a doua realitate”, care nu are nicio legătură cu lumea reală. În acest caz, subiectul fotografierii poate fi oameni, animale, obiecte de uz casnic și plante. Și vor fi reprezentați într-o formă neobișnuită pentru alții.

fotografie macro

Acest gen este foarte popular în rândul fotografilor începători. Implică obținerea unei imagini la o anumită scară. Mulți consideră fotografia macro ca fiind o oportunitate de a face fotografii la o distanță mică de subiect. Dar nu este așa. O imagine de înaltă calitate poate fi obținută cu lentile speciale. Tehnica de transfer de obiecte pe scară largă este destul de costisitoare.

Fotografia macro vă permite să surprindeți viața insectelor, animalelor mici, precum și a microorganismelor. Cu ajutorul unui obiectiv scump, poți chiar să fotografiezi un țânțar sau un purice.

Genuri non-standard de fotografie

Există tipuri de filmări care nu pot fi numite general acceptate în cercurile profesionale. În primul rând, acestea includ un autoportret. Nici un singur fotograf nu poate să-și facă o fotografie bună. Acest gen este mai potrivit pentru amatori. Odată cu dezvoltarea tehnologiei informației, autoportretul a început să se bucure de o mare popularitate. În același timp, pentru a crea o imagine, cel mai adesea folosesc un telefon mobil obișnuit.

De asemenea, puteți fotografia peisaje cu smartphone-ul dvs. Fotografiile sunt bune pentru un album de acasă. Imaginile profesionale de înaltă calitate ar trebui create folosind echipamente adecvate, care nu sunt ieftine. Totuși, este recomandabil să începeți cunoștințele cu fotografia cu o cameră SLR semi-profesională din categoria de preț mediu. Un astfel de echipament permite unui fotograf începător să-și facă o idee despre genurile de fotografie, precum și să învețe elementele de bază.

La momentul nașterii fotografiei, estetica era dominată de opinia că doar o lucrare realizată manual poate fi artă. Imaginea realității, obținută cu ajutorul metodelor tehnice, fizice și chimice, nici nu putea pretinde un asemenea statut. Și deși primii fotografi, care au gravitat către arta imaginii, au dat dovadă de o ingeniozitate compozițională considerabilă pentru a înfățișa realitatea (uneori schimbând-o dincolo de recunoaștere), fotografia nu s-a încadrat în sistemul de valori și priorități sociale ca una dintre muzele pentru o perioadă lungă de timp. Cu toate acestea, toate tipurile moderne de „arte tehnice” - fotografia, cinematografia, televiziunea - au cunoscut o evoluție similară: la începutul existenței lor erau un fel de atracții amuzante, apoi mijloace tehnice de transmitere a informațiilor și numai în procesul de creând un nou limbaj artistic în cadrul acestor sisteme de informare și comunicare a avut loc o tranziție către funcțiile comunicative și artistice. Aceasta nu înseamnă însă că problema relației dintre fotografie și artă nu a fost discutată. Pictorul francez Delaroche (1797-1856), subliniind posibilitățile oferite de fotografie, scria: „Pictura a murit din această zi”. În schimb, o revistă germană a argumentat contrariul: „... Descoperirea fotografiei este de mare importanță pentru știință și foarte limitată pentru artă”. În 1913, revista Riga de fotografie practică și artistică „Rays” („Stari”) a publicat un articol special „Fotografie și artă”, discutând întrebarea dacă fotografia este o artă sau doar o deprindere practică, aplicată, în care principalul rolul este jucat de posesia tehnologiei. Autorul acestui articol a ajuns la concluzia că întrebarea dacă fotografia este artă va rămâne valabilă atâta timp cât fotografia există. Problema laturii tehnice nu este nouă pentru artă, doar în fotografie s-a manifestat dintr-o latură istoric nouă. Posesia unui echipament fotografic, stăpânirea abilității aici par o sarcină mai ușoară decât, de exemplu, stăpânirea tehnicii de a cânta la un instrument muzical. Această lejeritate este ceea ce îi induce în eroare pe criticii fotografiei ca artă. Artistul Delaroche a văzut în noul fenomen trăsăturile sale artistice și potențialul său artistic puternic.

În primii ani de la apariție (perioada dagherotipului), fotografia a fost clasificată de opinia publică și experții din diverse domenii ale culturii drept bibelouri amuzante. Fotografia din această perioadă nu poseda încă nici calitate documentară, nici informativă, nici libertate de soluții și descoperiri luminoase, adică nici una dintre acele trăsături pe care teoria de astăzi le consideră definitorii pentru fotografie. Dezvoltarea fotografiei a fost determinată în mare măsură de nevoile sociale. Ascensiunea industriei ziarelor a propulsat fotografia în curentul principal al reportajelor. Pe vremea când primele „imagini în mișcare” (cinema) au apărut pe baza fotografiei, fotografia în sine era o dovadă documentară modestă, inferioară ca expresivitate și sofisticare picturii și graficii. În jurul fotografiei au apărut constant dispute teoretice: este posibil să comparăm fotografia cu pictura din punct de vedere al valorii artistice? Nu este fotografia o pictură degenerată, pentru care tehnică înlocuiește priceperea artistului? Și invers, nu este fotografia un tip modern de pictură care preia și își adâncește funcțiile, o modificare a picturii într-o civilizație tehnică care schimbă semnificația culturală și estetică a picturii tradiționale? Dar aceasta nu este altceva decât o juxtapunere a două fenomene ale vieții artistice, două tipuri de artă, care gravitează în mod clar unul spre celălalt și interacționează unul cu celălalt. Fotografia a eliberat pictura de funcția sa utilitară - fixarea picturală a faptului, care, chiar și în Renaștere, a fost una dintre cele mai importante sarcini ale picturii. Se poate spune că fotografia a ajutat la dezvoltarea picturii, a contribuit la identificarea deplină a specificului său unic. Dar fotografia a absorbit foarte mult din experiența de secole în dezvoltarea artelor plastice. Însăși viziunea asupra lumii „în cadru” este o moștenire a picturii. Rama este primul storyboard al realității din istoria culturii. Scurtând și construind perspectiva, capacitatea privitorului de a „citi” o fotografie ca o imagine plană a spațiului tridimensional – toate acestea alcătuiesc marea moștenire culturală pe care fotografia a moștenit-o din pictură. Influența picturii asupra fotografiei este enormă. În același timp, sarcina fotografiei este ambiguă, bidimensională: pe de o parte, să se separe cât mai complet posibil de pictură și să-și determine propriile limite și posibilități, specificul ei, pe de altă parte, să stăpânească cât mai pe deplin. experiența artistică a picturii pe bază proprie.

Una dintre problemele centrale ale identificării oricărui tip de artă este problema limbajului acesteia. Analizând istoria limbajului vizual al fotografiei, se disting mai multe perioade ale dezvoltării acesteia. La început, din cauza duratei inevitabile a expunerii în trecut, fotografi au preferat să fotografieze monumentalul, imobilul (munti, case). Pentru portrete, modelele au fost nevoite să înghețe mult timp. Cei portretizați în fotografiile de atunci sunt încordați, concentrați. Această primă perioadă a început în 1839 și a continuat ca una majoră timp de puțin peste un deceniu. A doua perioadă este asociată cu apariția noii tehnologii fotografice, care a făcut posibilă reducerea timpului de expunere de la zeci de minute la secunde și, în același timp, a extins posibilitățile de a reflecta o gamă tot mai largă de obiecte ale realității. Fotografii au încercat să facă din întreaga lume din jurul lor obiectul filmării. Fotografii călători au călătorit în multe țări, au început să exploreze nu numai spațiile, ci și profunzimile vieții publice, pentru a prezenta publicului portrete psihologice perspicace ale contemporanilor lor din diverse pături sociale în imagini generalizate. Naturalitatea și ingeniozitatea fotografiei au creat o prospețime a percepției, fascinată de simplitatea ei.

La sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX. în fotografie se dezvoltă o metodă asociată cu intervenția deliberată a mâinii în realizarea unei opere – pictorialismul. Este inseparabilă de inovația tehnică - tehnologia uscată. Dezavantajul acestei tehnologii (lipsa bogăției tonalităților) a fost compensat prin aplicarea de cerneală în timpul tipăririi. Atunci când creează o lucrare, fotograful și artistul s-au combinat cel mai adesea într-o singură persoană. Materialul fotografic a fost considerat ca fiind un „interliniar” pentru traducere, necesitând prelucrare artistică. Intonația manuală a estompat imediatitatea imaginii fotografice. O încercare de a depăși contradicțiile pictorialismului a fost făcută de artiști care au contracarat dizarmonia și reprezentarea cu o bogăție de tonalități, muzicalitate interioară, care este organic inerentă realității însăși, și nu impusă ei în mod artificial. Un sentiment uman profund a fost introdus în relația de forme fără nici un montaj.

Fotografia nu este o oglindă nepasională a lumii, artistul în fotografie este capabil să-și exprime atitudinea personală față de fenomenul surprins în imagine prin unghiul de fotografiere, distribuția luminii, clarobscurul, transmiterea originalității naturii, capacitatea pentru a alege momentul potrivit pentru fotografiere etc. Fotograful nu este mai puțin activ în raport cu obiectul stăpânit estetic decât artistul în orice altă formă de artă. Tehnica fotografiei facilitează și simplifică reprezentarea realității. În acest sens, o imagine satisfăcătoare și fiabilă poate fi obținută cu un timp minim petrecut pentru stăpânirea procesului de fotografiere. Nu același lucru se poate spune despre pictură.

Mijloacele tehnice ale fotografiei au redus la minimum costul efortului uman pentru a obține o imagine de încredere: fiecare poate surprinde obiectul ales. Latura tehnologică a filmării este responsabilă de echipamentul fotografic. Există tradiții și parametri specifici ai măiestriei aici. Cu toate acestea, scopul tehnicii este altul: nu asigurarea efectului deplin al „imitării”, ci, dimpotrivă, o invazie, o deformare intenționată a afișajului pentru a evidenția natura și semnificația relației umane cu afișat.

Argumentele despre natura artistică a fotografiei sunt posibile în principal în ceea ce privește găsirea și afirmarea asemănărilor fundamentale cu formele de artă tradiționale (fotografie este o inovație sintetică a culturii artistice a secolului XX) și în ceea ce privește recunoașterea trăsăturilor fundamentale ale fotografiei, fundamentale ale acesteia. diferență față de formele de artă tradiționale (fotografia este o cultură specifică inovației secolului XX). Fiecare dintre aceste aspecte ale studiului are propria sa logică internă, și doar combinarea lor armonioasă, și nu absolutizarea unuia prin ignorarea celuilalt, permite determinarea mai mult sau mai puțin obiectivă a posibilităților artistice și a naturii fotografiei. Arta lucrării este evidențiată de experiența frumuseții, a armoniei, a simțului plăcerii, a efectului influenței personale și educaționale (aceasta din urmă, însă, este destul de greu de izolat și fixat momentan și concret). Specificul fotografiei ca formă de artă este documentar, autenticitatea imaginii, capacitatea de a perpetua momentul. Prin concentrarea atenției asupra unei lucrări fotografice, se pot evidenția o serie de caracteristici semnificative care dezvăluie trăsăturile fotografiei. Fiecare dintre caracteristicile identificate ale fotografiei poate fi însoțită de un comentariu detaliat. Sarcina definirii esenței fotografiei ca formă de artă este, în primul rând, de a identifica cât de mult este posibil să se abstragă de la natura materialului și să direcționeze percepția „frontală” pentru a crea o imagine artistică și, în al doilea rând, ce fel de social și funcția culturală pe care o îndeplinește cutare sau cutare formă artistică, combinată cu un anumit material, adică cât de pur și adecvat este fixată o operă artistică de conștiința de sine a artistului, precum și de opinia publică și formele teoretice de înțelegere a vieții artistice. Specificul imaginii artistice în fotografie constă în faptul că este o imagine picturală cu semnificație documentară. Fotografia oferă o imagine care îmbină expresivitatea artistică cu autenticitatea și întruchipează un moment esențial al realității într-o imagine înghețată. Celebrele fotografii care îl înfățișează pe comandantul batalionului ridicând soldați pentru a ataca, întâlnirea eroilor apărării Cetății Brest, îmbină puterea artistică și semnificația unui document istoric.

Imaginea fotografică, de regulă, este un iso-eseu. Faptele de viață în fotografie sunt transferate din domeniul de activitate în sfera artei aproape fără procesări și modificări suplimentare. Cu toate acestea, fotografia este capabilă să preia material vital și, parcă, să inverseze realitatea, forțându-ne să o vedem și să o percepem într-un mod nou. Modelul notat operează la intersecția sensurilor sale informativ-comunicativ și comunicativ-artistic: un fapt simplu poate fi atribuit sferei informative, dar interpretarea sa artistică va fi deja un fenomen de alt ordin. Și atitudinea estetică a fotografului față de faptul că este filmat este cea care determină rezultatul final și efectul imaginii.

Luând în considerare fotografia din punct de vedere artistic, este necesar să ne oprim asupra caracterului ei documentar. Fotografia include atât un portret artistic al unui contemporan, cât și fotografii de presă de moment (document) și reportaje foto. Desigur, este imposibil să ceri artă înaltă de la fiecare imagine de informare oficială, dar este, de asemenea, imposibil să vezi doar informații video și un document fotografic în fiecare lucrare extrem de artistică. Documentar, autenticitate, realitate - acesta este principalul lucru în fotografie. În această proprietate fundamentală se află motivul influenței globale a fotografiei asupra culturii moderne. Alte calități ale fotografiei, trăsăturile sale, semnificația lor pentru cultură în ansamblu, se cristalizează când se compară fotografia și tipurile individuale de artă. Documentalismul este o calitate care a pătruns pentru prima dată în cultura artistică odată cu apariția fotografiei. Fiind folosită în diferite tipuri de artă, această calitate, de fiecare dată fiind refractată prin specificul lor, a format un nou derivat de la sine. Din alte forme de artă, aceste derivate, îmbogățind documentarul, au revenit la fotografie, extinzând și îmbogățind nu numai fondul culturii artistice, ci și posibilitățile practicii estetice a fotografiei ca formă de artă. Fotografia non-artistică, adică documentară în ceea ce privește tehnicile utilizate și jurnalistică în ceea ce privește funcționalitatea, pe lângă încărcătura informațională, poartă și una estetică. Fotojurnalismul, după cum știți, apelează direct la documentar, inerent fotografiei și tuturor varietăților sale încă de la naștere. Cu toate acestea, această proprietate este utilizată diferit în funcție de sarcină. În cazurile în care vorbim despre o cronică foto - informații conștiincioase, cuprinzătoare, exacte de protocol despre un eveniment - individualitatea autorului imaginii nu se dezvăluie. Este în întregime subordonată fixării faptului, fiabilității supreme a reflectării acestuia. Un alt lucru este fotojurnalismul. Aici fotograful se ocupă și de faptele realității, însă prezentarea lor se realizează fundamental în viziunea autorului, ele sunt colorate de aprecierea personală a autorului. Documentarul și arta din domeniul fotografiei se îmbină, se suprapun. În general, fotografia modernă există în unitatea tuturor aspectelor sale - ideologic și artistic, semantic și expresiv, social și estetic.

Anumite aspecte ale fotografiei ca formă de artă se manifestă în alegerea culorii, a stilului artistic, a genului, a limbajului pictural, a tehnicilor specifice de prelucrare a materialelor fotografice, a atitudinii personale a fotografului față de lucrarea creată etc. Culoarea este una dintre cele mai importante componente ale fotografiei moderne. A apărut în fotografie sub influența dorinței de a aduce imaginea fotografică mai aproape de formele reale ale obiectelor. Culoarea face ca imaginea foto să pară mai autentică. Acest factor a provocat mai întâi nevoia de rame de colorat, iar mai târziu a dat impuls dezvoltării fotografiei color. Semnificativ aici este influența tradițiilor picturii, în care utilizarea de formare a sensului a crescut istoric. În cele mai înalte realizări ale sale, fotografia artistică a respins în repetate rânduri teza că imaginile sale sunt statice. Iar culoarea joacă un rol important în această negare a imobilității. Pe baza experienței fotografiilor color, putem formula regulile de utilizare a culorii în fotografie. Prima dintre ele este de a fotografia în culoare doar atunci când este de o importanță fundamentală, când fără culoare este imposibil să transmiteți ceea ce se intenționează. A doua regulă: simbolismul culorii, luminii, jocul de tonuri și nuanțe, acumulat și acumulat de tendința culturală anterioară, experiența artelor mai vechi - pictura, teatrul și cele tehnice conexe ulterior - cinema și televiziune, poate fi eficient. folosit în fotografie. A treia regulă: utilizarea contrastului de culoare pentru a crea un contrast semantic. Fotografia nu a stăpânit încă deloc culoarea. Ea va trebui să absoarbă mai complet întreaga paletă de culori a lumii. Culoarea ar trebui să fie stăpânită de fotografie din punct de vedere estetic și să devină un mijloc nu numai al imaginii, ci și al înțelegerii conceptuale a realității.

Stilul artistic este o problemă deosebită în teoria și practica fotografiei. Nu se rezolvă în cadrul chestiunii genurilor. Sub aspect empiric, stilul este atât pastel, rame acuarele, cât și lucrări fotografice stricte din punct de vedere grafic, cât și în general imagini „în ulei”, până la imitarea completă a picturii pe pânză prin mijloace fotografice. Teoretic, problema stilului în estetică este evident insuficient dezvoltată, și totuși poate fi identificată în raport cu fotografia. În fotografie, atât prezența, cât și absența stilului artistic sunt foarte evidente. O filmare naturalista si documentara va demonstra cu scrupulozitate toate lucrurile mici si detaliile care au intrat in spatiul obiectivului. Dar va fi un haos de viziune neorganizat. Dacă o astfel de imagine este luată din unghiul viziunii autorului, artistic, decorat stilistic, atunci se va dovedi o lucrare complet diferită. Direcția, natura și forța abaterii autorului de la „oglindă”, fotografia naturalistă, pur reflectivă determină stilul în opera fotografică. Poate fi pur individual sau corespunzător unei anumite școli, tradiții, program artistic. Caracteristica stilului foto poate fi asociativă și artistică.

Strâns legată de problema stilului este problema identității naționale a artei fotografice. Diferite tendințe în fotografie, în grade diferite, dezvăluie dependența lor de tradițiile culturale naționale. Deci, de exemplu, fotografia de reportaj sau etnografie-reportaj este direct legată de viața culturală a poporului, de ritmul vieții cotidiene, de sufletul poporului în manifestările sale cotidiene. Alte tendințe, precum artistice și constructive sau decorative, reproduc conținutul național în forme artistice și estetic abstracte. Toate stilurile și genurile de fotografie, toate școlile sale naționale se bazează pe asimilarea specifică de către maestru a artei lumii.

Timpul într-un cadru nu este clar, unidimensional. Aici se disting două straturi principale, care sunt, parcă, îmbinate sintetic. Aceste straturi sunt instantanee și monumentale, care, în ciuda corelației polare, sunt interdependente. Lumea artistică este unită în unitatea armonioasă a tuturor componentelor, a tuturor detaliilor fotografiei artistice.

Fotografia presupune prezența unui fotograf-artist. Este nevoie de o selectivitate atentă, o „viziune” personală specială care să îți permită să distinge ceea ce merită atenție de exteriorul, aleatoriu, incomplet. Nu orice cadru capturat devine o operă de artă și, evident, nu orice film face o lucrare fotografică de succes. Așa cum un artist face în mod constant, zilnic schițe, un artist foto își antrenează ochiul, viziunea sa foto asupra lumii. Munca zilnică permite lustruirea tehnicii de performanță și dezvoltarea unor principii stabile de atitudine morală, etică și estetică față de eventualele obiecte de artă fotografică. Un fotograf trebuie să aibă multe calități. El trebuie să fie psiholog, să înțeleagă caracterul persoanei care este portretizată, să surprindă momentul autodezvăluirii, să poată găsi o expresie secretă de sine în postură, expresii faciale, expresii faciale, fundal și unghi de prezentare, pentru a putea dezvăluie pe deplin lumea sa interioară și atitudinea lui față de el. Fotograful trebuie să aibă o cunoaștere profundă a vieții, a diferitelor ei aspecte. Este imposibil să fotografiați turnarea oțelului într-un magazin cu vatră deschisă într-o manieră extrem de artistică fără a vă imagina, cel puțin în termeni generali, tehnologia acestui proces. Fotograful trebuie să fie cercetător. Lucrând sistematic și consecvent asupra temei, creând un ciclu de lucrări, maestrul nu numai că surprinde momente documentare care în cele din urmă se transformă în valoare istorică, nu doar creează o bancă informativă de date picturale, care, în funcție de natura sociologică, etnografică, istorică. , poate fi folosit în diferite moduri, nu numai că creează o operă de artă, dar acționează și ca cercetător al unui anumit subiect, folosind o formă epistemologică atât de interesantă și bogată precum fotografia. În același timp, se transformă într-o metodă de cunoaștere artistică și de evaluare a fenomenului filmat.

În fața unui fotograf, un om de tehnică și estetică, un om care iubește acuratețea, claritatea și un om prins de un val de inspirație, un om de simțire și contemplare, capabil să vadă imagini și armonie, trebuie să fie uniți. si sintetizat. Fotograful acționează ca un cronicar al epocii, ceea ce îi atribuie o responsabilitate deosebită. Cronica îl obligă pe artist să fie conștiința civică a vremii și a poporului său, să fie filosof și istoric într-o singură persoană. Un artist foto este atât un artist, cât și un publicist, satisfăcând atât nevoile estetice ale publicului, cât și nevoia acestuia de conținut și informații semnificative din punct de vedere social. Datorită tinereții fotografiei, fotograful este fondatorul caracteristicilor și tradițiilor genului. În fața lui se deschide un câmp nedezvoltat, în care este necesar să se așterne poteci și poteci, să contureze zone delimitate de diferitele funcționalități ale fotografiei. Estetica nu dă artistului o rețetă și nu garantează succesul. Oferă doar linii directoare pentru căutare, rezultatul căruia depinde în cele din urmă de talentul și munca autorului. În etapa finală a procesului de creație, estetica ajută la dezvoltarea aprecierii artistice a imaginii.

Critica joacă un rol important în dezvoltarea fotografiei, inclusiv în gândirea teoretică și critică a fotografilor înșiși. Critica și teoria, cu condiția ca acestea să fie autoritare și competente, pot opri disputele amatoriale care interferează și distrag atenția atât fotografilor, cât și spectatorilor. Pentru fotocritică, este important să se considere cuprinzător fotografia ca un fenomen socio-artistic. Unele aspecte ale analizei critice includ: sociologia fotografiei (fotografie ca document al epocii, fotojurnalismul, o metodă de comunicare interpersonală și un mijloc de comunicare în masă, un început jurnalistic în fotografie; pe această bază, se pot găsi și dezvolta criterii). pentru semnificația socială a unei opere fotografice); studii culturale ale fotografiei (fotografie ca fenomen al culturii moderne și locul ei în sistemul de valori culturale; în acest domeniu se determină criteriile de semnificație culturală a unei opere fotografice); psihologia fotografiei (fotografie ca memorie vizuală fixă ​​și factor de „prezență” a absentului; acest aspect ajută la elaborarea unui criteriu de semnificație personală); epistemologia fotografiei (alegerea unui obiect și specificul reflectării acestuia în fotografie, necondiționat și condiționat în fotografie, „apropiere” și „distanță” de realitate în fotografie; problemele de asemănarea vieții sunt legate de aceasta - criteriile adevărului artistic) ; axiologia fotografiei (posibilitatea unei atitudini subiective față de obiect în fotografie, problemele evaluării celui reprezentat; la acest nivel se formează criteriile de evaluare a artisticității); semiotica fotografiei (limbajul fotografiei, alfabetul acesteia, morfologia, sintaxa, gramatica; aici se determină criteriile de conținut informațional); estetica fotografiei (fotografie ca fenomen estetic, posibilitățile figurative și artistice ale fotografiei, bogăția estetică a lumii și dezvoltarea ei artistică în fotografie; aceasta este expresia criteriilor de semnificație estetică).

Luând în considerare diverse aspecte ale fotografiei artistice, se poate formula esența acesteia, încerca să definească fotografia. Arta foto este crearea prin mijloace chimice și tehnice a unei imagini vizuale de valoare documentară, expresivă artistic și surprinzând în mod autentic un moment esențial al realității într-o imagine înghețată. În fotografie s-au cristalizat mai multe tendințe destul de clar definite: etnografic-sociologic, reportaj, afiș-reclamă, artistic-constructiv, decorativ, simbolic-conceptual, impresionist. Fiecare dintre aceste direcții își îndeplinește propria funcție culturală și comunicativă specifică, clar definită. Aceste direcții nu se exclud reciproc. Același fotograf, de regulă, lucrează în mai multe dintre ele. Este foarte important să ținem cont de semifuncționalitatea fotografiei artistice, astfel încât, de exemplu, funcția ei artistică și constructivă să nu o excludă pe cea etnografică și sociologică și invers, astfel încât conceptualitatea fotoviziunii să meargă mână în mână. cu traditia nationala. Ca orice fel de artă, fotografia este supusă legilor generale ale dezvoltării conștiinței artistice și viziunii artistice asupra lumii. Imaginea artistică crește din punct de vedere istoric pe baza realității percepute empiric și reflectă formarea și dezvoltarea medierii culturale și semantice între artist și lumea exterioară.

Dezvoltarea oricărui tip de artă poate fi privită ca conștiința de sine a propriei sale funcții culturale, adică ca formarea conștiinței de sine artistice în cadrul unui anumit tip de artă. Pentru fotografie, aceasta înseamnă că, în contact cu realitatea modernă în concordanță cu fotografia etnografică-sociologică, de reportaj, de afiș, artistul-fotograf continuă în mod necesar să dezvolte și să aprofundeze imaginea artistică în cadrul fotografiei simbolico-conceptuale. În acest sens, fotografia conceptuală este, parcă, rezultatul acelei vieți artistice și experiențe personale, datorită cărora fotograful devine un maestru și creează valori durabile. Dar altceva decurge din aceasta: toate direcțiile și genurile de fotografie artistică alcătuiesc specificul integral al fotografiei ca formă de artă și numai prin înțelegerea caracteristicilor și posibilităților artistice ale fiecăruia dintre ele este posibil să se creeze o idee cumulativă și integrală a fotografia ca o formă nouă, modernă de artă, în unele moduri tipică pentru înțelegerea existentă a artei și, într-un fel, introducând propriile ajustări istorice și semantice la înțelegerea sistemului, relațiilor și funcțiilor formelor de artă atât în ​​cadrul cadrul culturii artistice și în cadrul culturii moderne în general.

Rezumat după disciplină:
Arta Folk

Subiect
„Fotografia este o formă de artă modernă”.

Completat de: Zakharova M.S.
Student 529 - 3 GRUPE
Verificat de: E. Streltsova

MOSCOVA

2010
Conţinut:

1. Nașterea fotografiei

2. Maeștri ai fotografiei

3. Fotografi ruși

4. Tipuri de fotografie

Concluzie

1. Nașterea fotografiei

Fotografie(fr. fotografie din altul grecesc ??? / ???? - lumina si - scris; pictura in lumina – tehnica desenuluiușoară ) - obținerea și salvarea unei imagini staticematerial fotosensibil (film fotografic sau matrice fotografică ) cu ajutor camere de luat vederi .
De asemenea, o fotografie sau o fotografie, sau pur și simplu un instantaneu, este numele dat imaginii finale rezultată dinproces fotografic și vizualizate direct de o persoană (adică atât cadrul filmului dezvoltat, cât și imaginea în formă electronică sau tipărită).

Inițial izvorâtă ca o modalitate de a surprinde portrete sau imagini naturale, realizată mult mai rapid decât de mâna unui artist, fotografia a pătruns apoi în toate sferele activității umane. Obiectivitatea și acuratețea imaginii fotografice au făcut din aceasta una dintre cele mai eficiente modalități de reflectare a realității, cel mai important mijloc de informare și documentare. Fotografia este utilizată pe scară largă în artă, ceea ce a creat un termen precum fotografia artistică. A devenit posibil să vorbim despre diferitgenuri de fotografie . Capacitatea diferitelor materiale de a capta o imagine a devenit larg solicitată în diferite ramuri ale științei, determinând apariția fotografiei științifice. În tehnologie, nu fără participarea fotografiei, s-au dezvoltat industrii precum tipăritul și reprografia. Fotografia a ocupat un loc nu mai puțin important în viața de zi cu zi. În mai puțin de 200 de ani de existență, fotografia mondială a parcurs un drum lung și dificil de dezvoltare și îmbunătățire continuă. În același timp, toate aspectele industriei s-au dezvoltat într-o legătură organică: materiale fotografice și procese fizico-chimice, principii de obținere a imaginilor, echipamente fotografice de filmare, genuri și tehnici creative.

Data nașterii fotografiei este considerată a fi 7 ianuarie 1839, când fizicianul francez D.F. Arago (1786-1853) a informat Academia de Științe din Paris despre invenția artistului și inventatorului L.J.M. Daguerre (1787-1851) a primei metode practic acceptabile de fotografie, numită de inventator dagherotip. Cu toate acestea, acest proces a fost precedat de experimentele inventatorului francez J.V. Niépce (1765–1833) asociat cu căutarea modalităților de fixare a imaginii obiectelor obținute sub acțiunea luminii. Prima imprimare supraviețuitoare a peisajului urban, realizată cu o cameră obscura, a fost obținută de el în 1826. Ca strat sensibil la lumină aplicat pe plăci de tablă, cupru sau argint, Niepce a folosit o soluție de asfalt în ulei de lavandă. Încercând să pună în aplicare invenția, la 28 decembrie 1827, autorul a trimis o „Notă despre heliografie” și mostre din munca sa Societății Regale Britanice. În 1829, Niepce a încheiat un acord cu Daguerre privind formarea unei întreprinderi comerciale „Niepce-Daguerre” pentru a lucra împreună pentru a îmbunătăți metoda inventată de Niepce și Daguerre. Dezvoltarea lui Niepce a fost continuată de lucrările ulterioare ale lui Daguerre, care deja în 1835 a descoperit capacitatea vaporilor de mercur de a arăta o imagine latentă pe o placă expusă iodată, non-argint, iar în 1837 a reușit să stabilească o imagine vizibilă. Diferența de fotosensibilitate în comparație cu procesul Niépce folosind clorură de argint a fost de 1:120.
Perioada de glorie a dagherotipului se referă la anii 1840-1860. Aproape simultan cu Daguerre, o altă metodă de fotografiere - calotipul (talbotipul) a fost raportată de savantul englez U.G.F. Talbot (1800–1877) a obținut o fotografie în 1835 cu ajutorul „desenului fotogenic” propus anterior. Un dezavantaj semnificativ al „picturii fotogenice” a fost expunerea lungă. Asemănarea dintre metodele Daguerre și Talbot a fost limitată la utilizarea de iodură de argint ca strat fotosensibil. În rest, diferențele erau fundamentale: la dagherotip s-a obținut imediat o imagine pozitivă de argint reflectorizant, ceea ce a simplificat procesul, dar a făcut imposibilă obținerea de copii, iar la calotipul Talbot s-a realizat un negativ, cu care orice număr. de tipărituri s-a putut realiza o secvenţă negativ-pozitiv în două etape a procesului.- prototipul fotografiei moderne.
Nici Niepce, nici Daguerre, nici Talbot nu au folosit termenul de „fotografie”, care a fost legalizat și a primit dreptul de a exista abia în 1878 în Dicționarul Academiei Franceze. Majoritatea istoricilor de fotografie cred că termenul de „fotografie” a fost folosit pentru prima dată de englezul J. Herschel la 14 martie 1839. Există însă o altă versiune care acordă prioritate astronomului berlinez Johann von Madler (25 februarie 1839).
Inventatorul filmului fotografic este un fotograf amator american G.V. Goodwin (1822-1900) în 1887 a solicitat o invenție „Filmul fotografic și procesul de producție”. Introducerea filmului fotografic, și apoi dezvoltarea de către J. Eastman (1854-1933) a unui sistem fotografic folosind acest material fotografic, au dus la schimbări fundamentale în industria fotografică, au făcut fotografia accesibilă consumatorului de masă atât din punct de vedere tehnic, cât și economic.
Ulterior, echipamentul fotografic s-a schimbat semnificativ și, mai ales, în partea sa optică. Optica a făcut un pas semnificativ înainte. Mulțitipuri de lentile , care a început să fie folosit pentru diferite tipuri de filmări. Diversitatea sarcinilor artistice i-a forțat pe fotografii să adopte o abordare mai subtilă, mai diferențiată a implementării lor. Pentru fotografia de peisaje și arhitectură, pentru a obține o „capacitate mai mare” a cadrului, au început să foloseascălentile cu unghi larg , care s-a dovedit a fi inaplicabil pentru un astfel de gen de fotografie precum portretul, deoarece utilizarea acestuia din urmă provoacă o distorsiune semnificativă atunci când fotografiați la distanță apropiată. De asemenea, sunt incluse în viața de zi cu zi a fotografuluifiltre de lumină , permițându-vă să obțineți o corecție foarte fină a efectelor vizuale, un control virtuos al fixării culorii. Dar toate aceste caracteristici ale tipurilor moderne de dispozitive fotografice merită luate în considerare separat.

Dezvoltarea echipamentelor fotografice de filmare

Primele camere erau de dimensiuni și greutate considerabile. De exemplu, L.Zh.M. Daguerre a cântărit aprox. 50 kg si avea dimensiuni de 30 pe 30 pe 50 cm Designul majoritatii camerelor din aceasta perioada era o camera cutie formata dintr-o cutie cu tub in care era incorporata obiectivul si focalizarea se facea prin extinderea obiectivului, sau un camera formata din doua cutii care s-au deplasat una fata de alta (obiectivul a fost montat pe peretele frontal al uneia dintre cutii). Evoluția ulterioară a echipamentelor fotografice pentru fotografiere a fost stimulată de un larg interes pentru fotografie, ceea ce a dus la dezvoltarea unei camere mai ușoare și mai transportabile, numită cameră rutieră, precum și a altor camere de diferite tipuri și design.

Camera reflex cu un singur obiectiv a fost brevetată de englezul T. Sutton în 1861. Ulterior, dispozitivele mai multor firme străine au fost proiectate pe baza camerei sale reflex Reflex. Camera reflex cu două lentile a fost inventată de englezii R. și J. Beck (1880). În 1929, designerii germani R. Heidike și P. Franke au dezvoltat camera Rolleiflex SLR, care a fost produsă în diferite modificări timp de aproximativ 60 de ani și a devenit o etapă semnificativă în dezvoltarea construcției camerei. În 1955, a fost brevetată o cameră cutie, care putea fi pusă în reticulul unei femei sau în geanta unui medic. Pentru poliție, englezul T. Bolas a dezvoltat în 1981 două camere „detective” de mână (una dintre ele sub formă de carte), care a făcut posibilă realizarea de instantanee. Camerele de luat vederi „detective” au primit aspectul de geantă, binoclu, ceasuri.
În 1890–1950 camerele, numite camere cu box, au fost utilizate pe scară largă. Printre acestea, un loc proeminent îl ocupă aparatul foto Kodak (1888), care a marcat începutul unei noi etape în tehnologia fotografică. Camera a oferit filmarea a 100 de cadre pe un film pe hârtie. După expunere, prelucrarea filmului, imprimarea și reîncărcarea camerei au fost efectuate de către specialiștii companiei („photo finishers”). Instrucțiunile pentru cameră spuneau: „...Acum fotografia este posibilă pentru toată lumea. Apăsați butonul, noi ne ocupăm de restul.” Apariție în anii 1890 materiale fotografice cu sensibilitate ridicată la lumină, introducerea filmului bobina cu hârtie de protecție împotriva luminii a dat impuls dezvoltării ulterioare a echipamentelor fotografice, însoțită de trecerea de la aparatele foto casete relativ grele și voluminoase la camerele foto pliabile de buzunar, mai ușoare și miniaturale, cu blană ondulată. Cea mai faimoasă și perfectă din punct de vedere tehnic a fost familia de camere Ikonta (Germania), prima dintre care a fost fabricată în 1929.
În 1912, americanul J. Smith a realizat o cameră de format mic cu o dimensiune a cadrului de 24x36 mm pe film de 35 mm. Apoi camere de acest tip au fost produse în Franța („Homeos-3”, 1913), Germania („Minograph”, 1915) și altele. Cu toate acestea, ele nu au avut un impact vizibil asupra dezvoltării echipamentelor fotografice. În 1913, O. Barnak, inginer proiectant al companiei germane E. Leitz, a fabricat primul prototip de cameră de format mic, numită ulterior Pra-Laika. În 1925, a fost fabricat primul lot (1000 de bucăți) de camere de format mic Leika-1 cu obturator focal, viteze de expunere de la 1/20 la 1/500 s și un obiectiv Elmax 3,5/50. Datorită preciziei de fabricație, aspectului original, această cameră a deschis o nouă etapă în construcția camerei și fotografie.
Dezvoltarea echipamentelor fotografice a condus la crearea unor camere miniaturale (prima dezvoltare a fost camera Minox de către rezidentul din Riga V. Zappa, 1935), camere cu film de disc (D. » de către compania germană Linhof și dispozitive «Sinar» de la companie elvețiană cu același nume).
Utilizare pe scară largă în a doua jumătate a secolului XX. materialele fotografice color, precum și cele alb-negru cu rezoluție crescută, dar cu o latitudine fotografică mai mică, au necesitat producția în masă a camerelor cu dispozitive de automatizare pentru controlul procesului de fotografiere. Producția unui astfel de echipament a început în a doua jumătate a anilor 1950. După apariția camerelor cu control semi-automat (Agfa Siletta SL, 1956) și viteză automată a obturatorului (Agfa Avtomatik 66, 1956), au fost propuse modele care aveau măsurare internă a expunerii, măsurarea luminii punctuale (Pentax Spotmatic, 1960), lumină locală. măsurarea ("Lakeflex", 1965), măsurarea luminozității la deschiderea de lucru ("Asahi Pentax SP", 1964), sistem dinamic. controlul expunerii TTLDM ("Olympus OM-2", 1969).
Primele fotografii au necesitat un timp de expunere semnificativ, uneori de până la câteva ore. În 1839–1840 L. Ibbetson, care a folosit un dispozitiv care folosea efectul strălucirii de var într-o flacără de hidrogen-oxigen (lumina Drummond), a reușit să obțină un dagherotip al unei bucăți de coral în 5 minute, ceea ce necesita o expunere de peste 25 de minute când tragand in soare. În 1854, în Franța, Godin și Delamare au patentat un foc Bengal ca sursă de lumină. Amestecul combustibil era alcătuit din sulf, azotat de potasiu și antimoniu. A durat doar 2-3 secunde pentru a obține un portret. Prima încercare reușită de a folosi lumina electrică în fotografie a fost făcută de F. Talbot, care a folosit descărcarea unui borcan Leyden pentru a trage un obiect care se mișcă rapid (1851). Studiouri foto cu iluminat electric au apărut în Anglia (1877), Franța (1879), Germania (1882). Utilizarea luminii actinice strălucitoare emisă în timpul arderii sârmei de magneziu a fost stăpânită de R. Bunsen și G. Roscoe (1859). Primul portret din viață folosind această sursă a fost realizat de A. Brothers în 1864. Conceptul de „flash” a devenit larg răspândit încă din 1886, când se folosea pulbere de magneziu în amestec cu alte componente care măresc intensitatea luminii și scurtează perioada de aprindere. În 1893, Schaufer a dezvoltat o lampă blitz de magneziu cu aprindere electrică, care era o bilă de sticlă umplută cu oxigen umplută cu sârmă de magneziu. Dezavantajul său a fost posibilitatea distrugerii cilindrului ca urmare a expansiunii oxigenului la temperatură ridicată. Constructia este moderna. lămpile de siguranță au fost dezvoltate în Germania de J. Ostermeier în 1929, în care balonul a fost umplut cu folie de aluminiu.
În 1932, americanul G. Edgerton a sugerat folosirea unei lămpi electronice reutilizabile în fotografie. În 1939, el a realizat un bliț pe baza unui tub cu xenon și a dezvoltat o metodă de incendiu la o lampă de bliț de la obturatorul camerei, care a devenit apoi larg răspândită. Blițul Mecablitz 100 cu un convertor de tensiune DC tranzistorizat lansat de P. Metz a devenit începutul producției de tuburi blitz electronice (1958). Căutările pentru un control suplimentar al procesului de filmare au condus la apariția unei lămpi de blitz automat coordonate (Canon Speedlight 155A pentru camera Canon AE-1, 1976), care, atunci când este instalată într-un clip, a fost conectată funcțional la cameră printr-un control suplimentar. contacte.

2. Maeștri ai fotografiei

În perioada sa de formare (1839-1840) fotografia a fost considerată doar un mijloc de obținere a unor copii exacte din original. Reprezentanții artelor plastice au abordat mijloacele „tehnice” de fixare a imaginii în mod ambiguu. Fotografia timpurie a imitat tehnicile de pictură în genurile tradiționale de portret, peisaj și natură moartă. D. Hill, J.M. Cameron (Marea Britanie), Nadar, A.I. Denier, S.L. Levitsky, A.O. Karelin (Rusia) și alții.
D. Hill (1802-1870), numit „părintele fotografiei artistice”, a fost primul care a arătat posibilitățile specifice artei fotografice, creând imagini fotografice documentare veridice.
J. Cameron (1815-1879) - un reprezentant al tendinței romantice, autorul unor portrete minunate.
Cea mai semnificativă realizare a lui Nadar (1820-1910) a fost galeria de portrete a celebrilor săi contemporani - compozitori, artiști, scriitori și alte figuri marcante.
A.M. Denier (1820–1892), S.L. Levitsky (1819–1898), după ce a adoptat abilitatea de a analiza individualitatea umană din pictură, a făcut un pas important spre studiul diferitelor efecte de fotografiere (iluminare etc.) pentru transmiterea fiabilă a trăsăturilor de personalitate recreate documentate ale persoanei portretizate.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Progresele tehnice și științifice din domeniul fotografiei au dus la apariția unor noi tehnici care sunt unice pentru fotografie. Unul dintre inovatori a fost maestrul englez O. Reilander (1813–1875), care a asamblat compoziția alegorică Two Paths of Life (1856) din 30 de negative.
Scriitorul englez L. Carroll (autorul cărții Alice în Țara Minunilor) a fost recunoscut drept cel mai bun maestru al fotografiei portret pentru copii.
Din anii 1860 s-a răspândit tehnica fotografiei naturale. Până în anii 1920 s-a dezvoltat în spiritul imitației unui peisaj pitoresc: R. Lamar (Franța), L. Misson (Belgia), A. Cayley (Marea Britanie) ș.a.
Fotografia naturală etnografică din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. și-a stabilit scopul unei fixări fiabile a vieții oamenilor. În aceeași perioadă a apărut fotografia de reportaj, de exemplu, R. Fenton a fotografiat episoade de pe fronturile războiului din Crimeea din 1853–1856, M.B. Brady, A. Gardner - Războiul civil american 1861-1865, A.I. Ivanov, D.N. Nikitin, M.V. Revensky - Războiul ruso-turc din 1877-1878 Invenția, apoi îmbunătățirea obturatorului cu fantă cortină a făcut posibilă fotografiarea obiectelor în mișcare, ceea ce a dat impuls dezvoltării ulterioare a fotografiei de reportaj.
La începutul secolului XX. în lucrările fotografilor, influența diferitelor tendințe în pictură este încă vizibilă. În același timp, a existat un interes din ce în ce mai mare pentru fotografie în interpretarea formelor lumii reale. Lucrările reprezentanților acestei direcții (așa-numita avangardă foto) combină jocul de forme, pretenția liniilor, tranzițiile de tonuri deschise, construcțiile de perspectivă nerealiste, compozițiile neobiective. Artiștii foto care fotografiau tencuiala veche, crăpăturile în asfalt etc., schimbând scara și textura dincolo de recunoaștere, au creat compoziții în spiritul artei abstracte. Căutările pe calea avangardei nu au fost întotdeauna inutile, ele au dus la dezvoltarea propriilor mijloace specifice de exprimare în fotografie, cum ar fi, de exemplu, utilizarea unghiurilor, a prim-planurilor și a compozițiilor cu mai multe fațete. În același timp, s-au format principiile deciziilor artistice, bazate pe esența documentară a fotografiei. Puterea jurnalistică a artei foto a fost dezvăluită în multe genuri.
Reportajele de război au avut un impact semnificativ asupra trecerii fotografiei către forme documentare, asupra ascensiunii fotojurnalismului umanist.

3. Fotografi ruși

Grekov a deschis un „birou artistic” la Sankt Petersburg, iar în 1841 a publicat la Moscova o broșură „Un pictor fără pensulă și fără vopsele, filmând tot felul de imagini, portrete, peisaje etc. în lumina lor reală și cu toate nuanțe în câteva minute.” În anii 1840 celebrul fotograf rus S.L. Levitsky. Deosebit de bună este poza de grup pe care a făcut-o scriitorilor ruși. În 1849, fotograful a deschis o instituție de dagherotip „Svetopis” la Sankt Petersburg, în 1859 - un atelier la Paris, care a devenit unul dintre cele mai bune saloane de portretizare din Europa. A primit în repetate rânduri premii la expoziții internaționale. S.L. Levitsky era proprietarul unei medalii de aur eliberate pentru lucrări fotografice la Expoziția Mondială de la Paris (1851). În anii 1850 s-a remarcat A.I. Denier (1820-1892) - absolvent al Academiei de Arte, care a deschis la Sankt Petersburg „Instituția dagherotip a artistului Denier” (1851) și a publicat un album cu portrete fotografice ale unor oameni celebri din Rusia, care includea imagini ale celebrului Călători ruși, oameni de știință, medici, artiști, scriitori. Ultimul reprezentant remarcabil al fotografilor ruși din perioada timpurie a fost un alt absolvent al Academiei de Arte V.A. Carrick (c. 1827–1878). Este cunoscut pentru fotografia de gen și de peisaj a țăranilor din regiunile Rusiei Centrale. Colecțiile V.A. Carrick a fost prezentat (în afara competiției) la expoziții internaționale de la Londra și Paris. În 1876 maestrului a primit titlul de fotograf al Academiei de Arte.

4. Tipuri de fotografie

Fotografie alb-negru
Materialele fotografice negative alb-negru au o sensibilitate diferită la culori față de vederea umană. Dacă, de exemplu, obiecte de culoare violet și galben sunt fotografiate pe un film negativ nesensibilizat, atunci sub influența razelor violete imaginea devine neagră, iar sub influența razelor galbene nu apare și rămâne transparentă. La imprimarea unui pozitiv (pe hârtie fotografică), violetul va fi reprodus ca alb și galbenul ca negru, adică luminozitatea obiectului va fi distorsionată la redarea tonurilor într-o fotografie alb-negru.

Fotografie color
Spre deosebire de fotografia alb-negru, fotografia color acoperă metode de obținere a imaginilor în care luminozitatea și caracteristicile de culoare ale subiectului sunt reproduse în culori care se apropie de natural. Dezvoltarea materialelor fotografice cu trei straturi a făcut posibilă rezolvarea problemei obținerii de imagini color de înaltă calitate atât pe film, cât și pe hârtie fotografică. Se bazează pe posibilitatea obținerii tuturor culorilor prin adăugarea fluxurilor de lumină ale celor trei culori primare (roșu, verde, albastru), sau prin scăderea fluxurilor de lumină din alb folosind straturi care absorb selectiv lumina. Una dintre cele mai comune metode de fotografiere color a fost metoda de obținere a unei imagini color pe materiale fotografice multistrat.

fotografia cu halogenură de argint
Acest tip de fotografie se bazează pe utilizarea materialelor fotografice: folie fotografică, plăci fotografice și hârtie fotografică. Metoda este foarte scumpă!

Fotografie fără argint
Caracteristici ale materialelor non-argintii: fotosensibilitate scăzută, transmit slab semitonurile și au imagini „zgomotoase”; sunt imposibil sau dificil de produs imagini color. Materialele fotografice fără argint sunt folosite pentru microfilmare, copiere și duplicare a documentelor, afișare de informații etc.

fotografie plană
Arsenalul mijloacelor vizuale tradiționale ale fotografiei și obiectivitatea documentelor fotografice sunt limitate de bidimensionalitatea imaginilor fotografice. Fotografia alb-negru și color, electrografia și înregistrarea video aparțin tipurilor plane de fotografie și nu permit reprezentarea obiectului în volum - așa cum îl vede ochiul. Absența unei a treia dimensiuni în aceste imagini fotografice se datorează proprietăților luminii obișnuite (incoerente), care este folosită în practica fotografierii.

fotografie stereoscopică
Fotografia stereoscopică acoperă metode de obținere a imaginilor fotografice, care, atunci când sunt vizualizate, creează o senzație a volumului lor (stereoscopicitate). Diferența dintre o imagine stereoscopică și una obișnuită este că o imagine stereo constă din două (cel puțin) imagini conjugate.Imaginile conjugate sunt imagini obținute prin fotografiarea aceluiași obiect din punctele corespunzătoare locației ochilor, adică realizate pe același obiect. scară, cu aceeași luminozitate și conectate printr-o perspectivă comună.

Holografie
O imagine care este aproape adecvată obiectului de fotografiere este obținută folosind holografia - un mod special de înregistrare a oricărei informații folosind câmpuri de undă coerente. Spre deosebire de fotografia obișnuită, în holografie, stratul fotosensibil nu înregistrează o imagine optică a obiectului fotografiat, care caracterizează distribuția luminozității detaliilor acestuia, ci un model de interferență subțire și complex al frontului de undă al obiectului holografic, care oferă informații complete despre acesta. Spre deosebire de alte tipuri de fotografie, o hologramă transmite relații spațiale cu o acuratețe uimitoare: un grad diferit de îndepărtare a obiectelor individuale de observator, dimensiunile lor unghiulare și liniare, poziția lor relativă în spațiu; face posibilă vizualizarea imaginilor din diferite unghiuri și obținerea unei iluzii complete a obiectelor care sunt luate în considerare.

5. Genuri de fotografie

Dezvoltarea și formarea genurilor de fotografie a urmat căi similare celorlalte tipuri de creativitate artistică, folosindu-se de tradițiile acestora. Ca și în artele vizuale în general, genurile din fotografie sunt determinate de subiectul imaginii și includ natura moartă, peisaj, portret și fotografie de gen (scene de zi cu zi, situații).

Natură moartă (din franceză nature morte, literalmente - natură moartă) - o imagine a obiectelor de uz casnic neînsuflețite, atribute ale oricărei activități, flori, fructe.
Genul naturii moarte a început să prindă contur imediat odată cu apariția fotografiei.
Stăpânirea prin fotografie a propriilor mijloace vizuale specifice, diferite de pictură, a afectat și înțelegerea naturii moarte. Gama de subiecte și motive ale naturii moarte s-a extins, realitatea cotidiană din jurul artistului a pătruns din ce în ce mai mult în ea. Elemente de alte genuri au apărut în subiectele de natură moartă.
Natura moartă și-a găsit un loc demn în munca multor reprezentanți ai fotografiei mondiale.

Decor (Franceză paysage, din pays - country, area) - un gen în care obiectul imaginii este natura.
Genul peisajului, precum și natura moartă, au început să prindă contur încă din momentul nașterii fotografiei.
Pentru a crea lucrări extrem de artistice în genul peisajului, este important să înțelegeți clar caracteristicile percepției unui peisaj fotografic. După cum știți, noi percepem fauna sălbatică cu simțuri diferite, dar în principal cu viziune. Vederea binoculară este incomparabilă cu vederea fotografică fie în ceea ce privește acoperirea, fie în gama de luminozitate percepută, fie în reproducerea culorilor.
Când fotografiați peisaje, una dintre cele mai importante sarcini este să transmiteți spațiul în mod convingător. În natură, o vedem ca fiind continuă.
În fiecare peisaj există întotdeauna un element schimbător comun care are o putere excepțională asupra emoțiilor noastre: este cerul. Întreaga experiență peisagistică mondială mărturisește că pictorul peisagist trebuie să fotografieze cerul și... orice altceva.
Atunci când accentele de luminozitate nu sunt puse, micile detalii ies prea mult în evidență.
De mare importanță în fotografia monocromă este culoarea hârtiei utilizate. Poate întări sau inhiba asociațiile noastre.
Peisajul foto amator de astăzi păcătuiește adesea cu convenționalitatea nejustificată a imaginii, iar atributele moderne, înfipte în natură, îi distrug complet principiul spiritual. Această contradicție poate sta însă la baza poveștilor de mediu care nu pot lăsa contemporanul nostru indiferent.
Adesea un peisaj arhitectural, mai ales în cazul distrugerii necugetate sau distrugerii naturale a monumentelor, poate dobândi valoarea unui document istoric. Ecologia culturii este o temă foarte de actualitate și extrem de importantă pentru un artist foto, care ar trebui rezolvată, aparent, în niște forme noi, sclipitoare din punct de vedere al temperamentului.
Peisajele foto sunt de asemenea interesante, incluzând organic o persoană în toată varietatea manifestărilor sale personale.
Genul peisajului este de mare importanță pentru autoeducația vizuală. În vremurile recente, când imaginea naturii era foarte apreciată în pictură, studiile de formare, studiul pictural al naturii era o chestiune care era luată de la sine înțeles chiar și pentru marii maeștri. Acest lucru este necesar în special pentru fotografi fără educație, tradiții și școli. Ar fi naiv să credem că numai tehnologia poate face pădurea să arate ca o pădure, sau ploaia să arate ca ploaia. Natura trebuie studiată fotografic în permanență și toate stările posibile „trecute” pe natura accesibilă, realizându-și reproducerea vizuală pe pozitiv. Apoi, povestile unice prețuite, în general, rare în practica unui artist foto, vor deveni mai accesibile și mai frecvente. Atitudinea față de natură în vederea amenințării distrugerii acesteia, precum și atitudinea față de monumentele culturale, se schimbă astăzi. Aceasta este condiția prealabilă pentru o nouă renaștere a genului peisajului, în care fotografia a creat valoare artistică ca nimeni altul.
Portret a fost întotdeauna unul dintre cele mai populare tipuri de artă plastică, iar în epoca prefotografică, scrisă de mâna unui artist, era în general singura modalitate de a surprinde aspectul unei persoane, de a-l păstra în memoria lui. posteritate. Odată cu apariția dagherotipului, a devenit mai accesibil, iar fotografia în genul portretului a devenit imediat foarte populară, îndrăznind să concureze și, într-o anumită măsură, cu succes, cu pictura (totuși, primind o poreclă disprețuitoare de la artiști - „pictură pentru sărac”).
Dacă vorbim despre dezvoltarea genului de fotografie portret în ansamblu, atunci două calități - profunzimea pătrunderii în esența caracterului uman, pe de o parte, și dorința de cea mai mare fiabilitate a detaliilor recreate în imagine. , pe de altă parte, sunt fundamentale, inerente întregii istorii a fotografiei.
Soiurile acestui gen sunt larg reprezentate în fotografia de studio. M. Sherling a fost un adept al portretului expresiv: în fotografiile sale, oamenii erau prezentați cel mai adesea într-o mișcare interioară furtunoasă. Nu întâmplător acest maestru i-a ales ca modele pe cei care sunt înzestrați în mod natural cu un temperament puternic.
A. Shterenberg s-a impus ca portretist-textier. Folosind gama de lumină, a preferat super-prim-planuri din imagini: în ele vedem în cele mai multe cazuri doar capul unei persoane. Ochii joacă un rol deosebit în aceste portrete.

portret de reportaj . (eveniment, făptuitori, nunți)
Portretul de studio de astăzi este jumătate din gen. Cealaltă jumătate este dată unui portret de reportaj, care face parte din fotografia documentară. În genuri atât de populare de fotojurnalism, cum ar fi un eseu, o serie, un reportaj, există tot mai multe imagini-portrete ale participanților la evenimente din viața reală. Spre deosebire de lucrările de studio, unde autorul are posibilitatea de a transforma serios datele externe ale unei persoane prin mijloace fotografice, aici începutul este puternic documentar.
etc.................

Pe vremuri, vizitarea unui studio foto era un eveniment aproape festiv. Oamenii și-au îmbrăcat cele mai bune costume și rochii, și-au făcut părul special pentru a fi fotografiați. Fotografia a fost înrămată și atârnată pe perete. Mulți au umplut albumele de familie cu imagini ale celor dragi.

Astăzi, fiecare familie are mai multe camere sub formă de camere încorporate în telefoanele mobile. Se pare că nu este nimic mai ușor decât apăsarea unui buton și se face poza. Dar dintr-un motiv oarecare, printre multele fotografii nu sunt cele care îți plac, îți plac. Se dovedește că nu este vorba doar despre oportunitatea disponibilă de a face o poză, este nevoie de altceva.

Ca în orice profesie, mai ales în cea creativă, munca de fotograf are secretele ei. Cunoscându-le, o persoană pasionată de fotografie trebuie să decidă ce îi place cel mai mult. Poate fi fotografie de natură, oameni, animale, sport. Poate că este interesat de fotografia macro, când în cadru apare un fluture, o albină, un mugur înflorit al unei flori de măr. Înainte de a decide asupra unui subiect care să-l surprindă pe fotograf și să-l facă să petreacă ore întregi căutând cadrul potrivit, maeștrii cu experiență sfătuiesc să încerce totul.

Pentru un maestru al fotografiei, nu există subiecte ușoare sau dificile. Cu siguranță consideră că genul său este cel mai dificil lucru de făcut. În același timp, cel mai consumator de timp pentru orice maestru este împușcarea unei persoane. Mai mult decât atât, există indicații și aici. Unul este pasionat de fotografia de portret, altuia îi place să fotografieze grupuri de oameni, al treilea este o persoană de pe stradă.

Cheia este iluminarea

Cel mai important lucru este iluminarea. Opțiunea clasică atunci când fotografiați o persoană - soarele ar trebui să fie întotdeauna în spatele fotografului. Dar se întâmplă ca razele orbesc o persoană. Cu o astfel de fotografiere, trăsăturile feței sunt inutil de ascuțite, ridurile se adâncesc. În acest caz, modelul trebuie adus la umbră, iar la fotografiere, iluminați ușor fața cu un bliț sau un reflector special de lumină. Puteți folosi o foaie de hârtie albă.

Cel mai bun moment pentru a fotografia oamenii este dimineața sau seara. Soarele strălucește încet în acest moment. Fața modelului este mai expresivă decât atunci când fotografiați în mijlocul zilei. Maeștrii fotografiei fotografiază adesea împotriva soarelui. Acest lucru se face intenționat pentru a face silueta imaginii sau pentru a sublinia o coafură frumoasă. În astfel de cazuri, fața este adesea iluminată cu un bliț. Obiectivul camerei în timpul unei astfel de filmări trebuie acoperit cu o vizor, astfel încât razele soarelui să nu cadă pe el.

Mulți oameni folosesc blițul când fotografiază în interior. Pozele sunt inexpresive, parcă plate. Pentru a preveni acest lucru, trebuie să direcționați lumina către pereți, tavan, să puneți corpuri de iluminat suplimentare, astfel încât iluminarea să facă fața modelului voluminoasă.

Selectarea fundalului

Cea mai ușoară opțiune pentru a obține o fotografie expresivă este fotografierea pe fundalul frunzișului colorat de toamnă din parc. Fotografii frumoase se obțin la mare, râu sau lac, adică lângă apă. Siturile istorice, precum Catedrala Sf. Vasile din Moscova sau Cuibul Rândunicii din Crimeea, constituie un fundal minunat. Iarba verde și florile arată bine în cadru.

Trebuie să acordați atenție modului în care arată modelul. Dacă o fată sau un băiat are un bronz frumos, atunci fundalul ar trebui să fie mai închis decât acest bronz. În acest caz, fața se va dovedi a fi cea mai atractivă. Se obține un portret frumos al unei persoane în alb-negru sau cu o toleranță minimă de culoare.

Fotografie portret

Înainte de a fotografia un portret, trebuie să studiați fața modelului. Nu poți fotografia în profil o persoană cu nasul întors sau alungit sau cu o cocoașă pronunțată. O față rotundă nu arată foarte bine în față. Dar fotografiile de profil sunt mai mult ca „polițiști” documentare. Cel mai corect lucru in acest caz este sa fotografiezi un model cu fata rotunda in trei sferturi din fata, astfel incat ambii ochi sa intre in cadru.

Se obține un portret expresiv al unei persoane, a cărei privire este îndreptată în afara cadrului, de exemplu, spre partea stângă în jos. Trebuie să decupați imaginea astfel încât să existe mai mult spațiu în partea stângă a modelului decât în ​​dreapta. Este important să construiți imaginea astfel încât privirea modelului să fie la nivelul „secțiunii de aur”. Este inacceptabil să tăiați imaginea, de exemplu, o parte a capului sau a picioarelor sau, să zicem, o mână. În caz contrar, poza nu va fi profesională.

Această regulă se aplică locației subiectului fotografiat. Principalul lucru este că acest obiect nu ar trebui să fie strict centrat. Trebuie să împărțiți mental cadrul în trei părți egale orizontale și verticale. Când fotografiați un peisaj marin, trebuie să încadrați cadrul astfel încât orizontul să fie la nivelul unei treimi din cadru de sus sau de jos. Dacă o barcă cu pânze alunecă prin valuri, trebuie să tragi astfel încât să fie în dreapta pe linia care desparte o treime din cadru. Aceasta este dacă barca cu pânze navighează spre stânga, astfel încât să existe spațiu între ea și marginea cadrului.

Există o descriere mai complexă a acestei reguli, care ia în considerare diferite forme geometrice. Dar mai întâi trebuie să înțelegeți esența - ar trebui să mutați centrul obiectului care este împușcat în sus sau în jos, precum și la dreapta sau la stânga.

Fotografii neexperimentați se confruntă adesea cu o situație în care, atunci când fotografiază mai multe persoane cu un obiect situat în spate, dar parcă între ei, se dovedește că acest obiect este ascuțit, iar oamenii nu sunt ascuțiți. Camera a fost setată în modul de focalizare automată. El a stabilit că principalul lucru din cadru nu sunt oamenii, ci un obiect care stă în centru, deși mult în spatele lor. În acest caz, trebuie să setați focalizarea manuală și să setați valoarea maximă a diafragmei, spuneți „F 8” sau „F 11”.

Când fotografiați un portret, se recomandă utilizarea unui dispozitiv cu teleobiectiv. Un obiectiv cu o distanță focală de 80 mm este cel mai potrivit. În acest caz, trebuie să deschideți cât mai mult posibil diafragma setând valoarea acesteia la „F 4.5”, „F 3.5”. Diafragma este deschisă pentru a estompa fundalul. În acest caz, adâncimea spațiului descris clar este redusă. Acest lucru va ajuta ca portretul să fie mai expresiv. Dacă atât fața modelului, cât și fundalul trebuie să fie clare, setați valoarea diafragmei la „F 8”, „F 11” sau mai mult. Același lucru ar trebui făcut și atunci când fotografiați peisaje.

Când fotografiați un subiect în mișcare, cum ar fi o persoană care alergă, imaginea realizată cu „cablare” arată cel mai bine. Este necesar să reduceți viteza obturatorului, de exemplu, la 1/30 sau 1/60 și să apăsați butonul dispozitivului, conducându-l în direcția obiectului. Acesta este un proces complex. Este nevoie de practică pentru a-l stăpâni. Dar rezultatul va fi pe plac. Imaginile cu „cablare” sunt dinamice, pline de expresie.

Starea modelului

Când fotografiază oameni, fotograful trebuie să aibă niște trucuri psihologice pentru a putea elibera persoana fotografiată. Să pozezi în fața unei camere nu este ușor, nici măcar pentru un actor care a trecut printr-o școală specială. Dar omul de rând. Dar se va dovedi atrăgător în imagine numai dacă este într-o formă naturală, fără a se încorda și fără a încerca să fie mai bun.

Prin urmare, fotograful trebuie să cucerească modelul, să spună un caz amuzant din practica sa, să facă persoana să râdă cu o glumă. Este util să te joci cu copiii înainte de a trage, pentru a implica părinții în acest joc. Adică, este necesar să se creeze un mediu în care modelul de modă să primească echilibru mental.

Se pare că nu este nimic mai ușor decât fotografiarea unui peisaj. Pentru a face acest lucru, trebuie să mergeți undeva într-un loc exotic, să faceți câteva sute de fotografii și să vă bucurați de capodoperele. Nu este atât de simplu. Și, în același timp, nu este atât de greu. Pentru a obține un peisaj minunat, adesea nu trebuie să mergeți nicăieri. Merită să părăsești casa, să arunci o privire bine în jur și să încerci să discerne în obișnuit ceva care va atinge sufletul cu frumusețe și neobișnuit. De exemplu, un frumos aranjament de nori iluminați de ultimele raze ale soarelui care apune.

Pentru a vedea frumusețea într-o poiană obișnuită, trebuie să fii artist. Nu, nu, pentru asta nu este necesar să poți desena bine, deși acest lucru nu ar strica deloc un fotograf adevărat. Principalul lucru este să înveți să vezi frumusețea în obișnuit. Pentru a face acest lucru, trebuie să vizitați în mod regulat expoziții de artă, muzee. Dacă acest lucru nu este posibil, în fiecare colț al țării există biblioteci cu albume de reproduceri ale tablourilor celor mai buni pictori din lume, până la urmă există Internetul.

Mai mult decât atât, nu trebuie să privim doar reproduceri colorate, ci trebuie să încerci să înțelegi ce a vrut artistul să spună cu picturile sale. Este bine să citești literatură specială. Este foarte important să vedem cum fotografii fac fotografii de renume mondial. Toate aceste materiale pot fi găsite acum pe Internet.

Desigur, toate acestea ar trebui să fie indisolubil legate de fotografia. Este important să te încerci în diferite tipuri de peisaj. Ați putea fi interesat să filmați un peisaj de oraș care înfățișează caracteristicile arhitecturale ale clădirilor situate lângă casă. Cu siguranță mulți vor fi interesați să filmeze noaptea. Camerele SLR moderne au un astfel de mod. Și ce spațiu pentru creativitate este marea. Este generos pentru tablouri în orice perioadă a anului și pe vreme diferită. Imaginile sunt deosebit de impresionante în timpul unei furtuni, când valurile bat împotriva stâncilor de pe coastă, împrăștiind stropi pe zeci și sute de metri.

Nu este nevoie să așteptați debutul primăverii sau toamnei, acele anotimpuri în care însuși revolta de culori vă cere să luați o cameră. Orice perioadă a anului este frumoasă, dacă te uiți cu atenție. Când fotografiați un peisaj, mai ales noaptea, oameni, natură moartă, fotografie macro, trebuie să aveți echipament special.

Trepied de salvare

Un fotograf experimentat este echipat nu numai cu o cameră, ci și cu echipamente speciale. Neapărat nevoie de un trepied. Fără el, este imposibil să obții un portret bun, și cu atât mai mult un peisaj de noapte, sau o poză cu oameni seara. Fotografia macro necesită un obiectiv cu unghi larg. Este necesar pentru a captura nu doar o omidă care se târăște de-a lungul unei ramuri de copac, ci pentru a putea fi văzute labele și firele de păr de pe corp.

O lentilă cu focalizare lungă este necesară atunci când fotografiați animale sălbatice, păsări, animale care nu vor lăsa o persoană să se apropie de ele. Este important să aveți un blitz de sine stătător. Un fotograf profesionist acordă o atenție deosebită dispozitivelor de iluminat pe care le folosește atunci când fotografiază. Pe lângă bliț, acesta include lămpi speciale de iluminat, suporturi, ecrane reflectorizante, umbrele. Toate acestea pot fi achiziționate în magazine speciale care vând camere și accesorii.

Asigurați-vă că monitorizați starea echipamentului. Pentru aceasta se vând șervețele speciale, cu care se curăță ușor optica, există perii speciale pentru îndepărtarea prafului. Este necesar să încercați ca soarele să nu cadă din nou pe dispozitiv. Trebuie amintit că pătrunderea umidității pe dispozitivele moderne le poate dezactiva complet.

detergent de vase

Adesea, un fotograf începător, care și-a cumpărat un aparat foto SLR scump, are prejudecăți față de o cameră mică, așa-numita cutie de săpun. Dar nu te poți lipsi de aceste dispozitive mici și compacte atunci când călătorești de-a lungul potecilor montane, coastelor râurilor, excursii cu barca, suprafețe stâncoase. Într-un cuvânt, unde trebuie să te târâști, să-ți croiești drum prin desișuri, să cazi, în niciun caz nu trebuie să iei un aparat mare și scump. Cu ajutorul unui vas de săpun, poți obține fotografii minunate oriunde în lume. Mai mult, o cameră mică poate fi ascunsă în spatele reverului unui sacou sau pusă într-un buzunar de la piept. Și îl puteți obține rapid și îl puteți proteja cu ușurință de impact.

Luând o cameră, trebuie să te simți ca un artist, în fața căruia se deschide întreaga lume. Rămâne doar să privești atent și să îngheți în așteptarea unui miracol. Și este obligat să se întâmple. Este important să aveți timp să apăsați butonul camerei în acest moment.