Eine kurze Beschreibung des Bildes der Freiheit, die das Volk führt. Delacroix. Freiheit führt das Volk. Detaillierte Betrachtung des Bildes

Eugène Delacroix – La liberté guidant le peuple (1830)

Beschreibung des Gemäldes von Eugene Delacroix „Freiheit führt das Volk“

Das Gemälde wurde 1830 vom Künstler geschaffen und seine Handlung erzählt von den Tagen Französische Revolution, nämlich die Straßenschlachten in Paris. Sie waren es, die zum Sturz des verhassten Restaurationsregimes Karls X. führten.

In seiner Jugend nahm Delacroix, berauscht vom Hauch der Freiheit, die Position eines Rebellen ein, er wurde von der Idee inspiriert, Leinwände zu malen, die die Ereignisse jener Tage verherrlichen. In einem Brief an seinen Bruder schrieb er: „Lass mich nicht für das Mutterland kämpfen, aber ich werde für sie schreiben.“ Die Arbeit daran dauerte 90 Tage, danach wurde es dem Publikum präsentiert. Die Leinwand hieß „Freedom Leading the People“.

Die Handlung ist recht einfach. Straßenbarrikade, historische Quellen Es ist bekannt, dass sie aus Möbeln und Pflastersteinen gebaut wurden. Die zentrale Figur ist eine Frau, die barfuß eine Steinbarriere überwindet und die Menschen zum angestrebten Ziel führt. Im unteren Teil des Vordergrunds sind die Figuren der getöteten Menschen zu sehen, auf der linken Seite ist der im Haus getötete Oppositionelle zu sehen, der Leiche ist ein Nachthemd angezogen, und auf der rechten Seite ist ein Offizier der königlichen Armee zu sehen. Dies sind Symbole der beiden Welten Zukunft und Vergangenheit. In ihrer rechten erhobenen Hand hält die Frau die französische Trikolore, die Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit symbolisiert, und in ihrer linken hält sie eine Waffe, bereit, ihr Leben für einen gerechten Zweck zu geben. Ihr Kopf ist mit einem für die Jakobiner charakteristischen Schal zusammengebunden, ihre Brüste sind nackt, was den heftigen Wunsch der Revolutionäre bedeutet, mit ihren Ideen bis zum Ende durchzugehen und keine Angst vor dem Tod durch die Bajonette der königlichen Truppen zu haben.

Dahinter sind Figuren anderer Rebellen zu sehen. Der Autor betonte mit seinem Pinsel die Vielfalt der Rebellen: Hier sind Vertreter der Bourgeoisie (ein Mann mit Melone), ein Handwerker (ein Mann im weißen Hemd) und ein Straßenkind (Gavroche). Auf der rechten Seite der Leinwand sind hinter den Rauchwolken zwei Türme von Notre Dame zu sehen, auf deren Dächern das Banner der Revolution angebracht ist.

Eugene Delacroix. „Freiheit führt das Volk (Freiheit auf den Barrikaden)“ (1830)
Leinwand, Öl. 260 x 325 cm
Louvre, Paris, Frankreich

Der größte romantische Ausnutzer des Motivs der entblößten Brust als Mittel zur Vermittlung widersprüchlicher Gefühle war zweifellos Delacroix. Die kraftvolle zentrale Figur auf dem Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“ verdankt ihre emotionale Wirkung vor allem ihren majestätisch beleuchteten Brüsten. Diese Frau ist eine rein mythologische Figur, die durch ihr Erscheinen unter den Menschen auf den Barrikaden eine völlig greifbare Authentizität erlangte.

Doch ihr zerfetztes Kostüm ist die sorgfältigste Übung im künstlerischen Zuschneiden und Nähen, damit das resultierende gewebte Produkt die Brust so gut wie möglich zur Geltung bringt und so die Macht der Göttin zur Geltung bringt. Das Kleid ist mit einem Ärmel gefertigt, so dass die Hand, die die Flagge hält, nackt bleibt. Oberhalb der Taille ist, abgesehen von den Ärmeln, eindeutig nicht genug Material vorhanden, um nicht nur die Brust, sondern auch die zweite Schulter zu bedecken.

Der freigeistige Künstler kleidete Liberty in etwas asymmetrisches Design und hielt die antiken Lumpen für passend für eine Göttin der Arbeiterklasse. Außerdem konnten ihre entblößten Brüste auf keinen Fall durch eine abrupte, unbeabsichtigte Handlung entblößt worden sein; Im Gegenteil, dieses Detail selbst – ein integraler Bestandteil des Kostüms, der Moment des ursprünglichen Entwurfs – sollte gleichzeitig Gefühle von Heiligkeit, sinnlichem Verlangen und verzweifelter Wut hervorrufen!

Am 28. Juli 1830 rebellierten die Pariser gegen die verhasste Bourbonenmonarchie. König Karl X. wurde abgesetzt und die Trikolore der Französischen Republik über dem Tuilerienpalast gehisst.
Dieses Ereignis inspirierte den jungen Künstler Eugene Delacroix zu einer großen Komposition, die den Sieg des Volkes verewigt. Aus der Tiefe bewegt sich eine dichte Menschenmenge direkt auf den Betrachter zu. Vor ihnen läuft die allegorische Figur der Freiheit auf die Barrikade zu, hisst das blau-weiß-rote Banner der Republik und ruft die Rebellen zum Gefolge auf. Im Vordergrund am unteren Bildrand sind die gefallenen Körper der Toten zu sehen. Unter le Liberty erinnert ein mit zwei Pistolen bewaffneter Teenager so sehr an heroisches Bild der Junge Gavroche, der später von Victor Hugo im Roman Les Misérables geschaffen wurde. Etwas dahinter - ein Arbeiter mit Säbel und entweder ein Künstler oder ein Schriftsteller mit einer Waffe in der Hand. Hinter diesen urzeitlichen Gestalten sieht man das von Waffen strotzende Menschenmeer. Die Ferne ist mit dicken Rauchwolken bedeckt; nur rechts ist ein Stück Pariser Landschaft mit den Türmen der Liebfrauenkathedrale zu sehen.
Das Bild ist durchdrungen von stürmischer Spannung, leidenschaftlicher Dynamik. Die Freiheit marschiert mit weitem Schritt, ihre Kleider flattern, die Fahne weht in der Luft. Im letzten Versuch streckt der Verwundete die Hand nach ihr aus; ausladende Gesten der bewaffneten Aufständischen; Gavroche schwenkte seine Pistolen. Doch nicht nur in den Posen, Gesten, Bewegungen der dargestellten Personen, nicht nur in den Pulverrauchwellen, die die Stadt umhüllten, ist die Dramatik des Geschehens spürbar. Der Rhythmus der Komposition ist ungestüm und ausdrucksstark: Die Freiheitsfigur bricht schräg aus der Tiefe in den Vordergrund. Es scheint das größte zu sein, da es oben auf der Barrikade platziert ist. Die kleine Gestalt eines Jungen neben ihr steht im Kontrast zu ihr; Der verwundete Mann und der Mann mit dem Zylinder spiegeln mit ihrer Bewegung die wirbelnde Bewegung der Freiheit wider. Ihre klangvollen gelben Kleider ziehen sie gleichsam aus der Umgebung heraus. Die scharfen Kontraste der beleuchteten und schattierten Teile lassen den Blick des Betrachters schweifen und von einem Punkt zum anderen springen. Intensive Blitze reiner Farbe, bei denen die „Trikolore“ des republikanischen Banners dominiert, leuchten vor dem Hintergrund tauber „Asphalt“-Töne noch durchdringender. Die Leidenschaft und der Zorn der Rebellion werden hier vielleicht nicht so sehr in den Gesichtern und Gesten einzelner Charaktere zum Ausdruck gebracht, sondern in der sehr visuellen Stimmung des Bildes. Das Gemälde selbst ist hier dramatisch; Die Intensität des Kampfes drückt sich in einem rasenden Wirbel aus Licht und Schatten, in der elementaren Dynamik der Formen, in einem unruhig vibrierenden Muster und vor allem in erhitzter Farbe aus. All dies verschmilzt mit einem Gefühl unbändiger Macht, die mit unausweichlicher Entschlossenheit herantritt und bereit ist, alle Hindernisse hinwegzufegen.
Die Inspiration des revolutionären Impulses fand in der Malerei von Delacroix eine würdige Verkörperung. Kapitel romantische Schule In der französischen Malerei war er genau der Künstler, der das Element des Volkszorns einzufangen hatte. Im Gegensatz zum von ihm verhassten Klassizismus der Epigonen Davids, der in der Kunst ruhige Harmonie, vernünftige Klarheit, entfremdet von allen irdischen Leidenschaften „göttlicher“ Größe suchte, widmete sich Delacroix ganz der Welt lebendiger menschlicher Leidenschaften, dramatischer Kollisionen ; Heldentum erschien vor seiner schöpferischen Vorstellungskraft nicht im Gewand erhabener Tapferkeit, sondern in der ganzen Unmittelbarkeit starker Gefühle, in der Begeisterung des Kampfes, in der Kulmination höchster Spannung der Gefühle und aller geistigen und körperlichen Kräfte.
Zwar wurden die rebellischen Menschen auf seinem Bild von der bedingten Figur der Freiheit angeführt. Barfuß, mit nackten Brüsten, gekleidet wie eine antike Tunika, ähnelt sie in gewisser Weise den allegorischen Figuren akademischer Kompositionen. Aber ihre Bewegungen sind frei von Zurückhaltung, ihre Gesichtszüge sind keineswegs antik, ihr gesamtes Erscheinungsbild ist voller unmittelbarer emotionaler Impulse. Und der Betrachter ist bereit zu glauben, dass diese Freiheit keine konventionelle Allegorie ist, sondern eine lebende Frau aus Fleisch und Blut der Pariser Vororte.
Daher spüren wir keine Dissonanz zwischen dem Bild der Freiheit und dem Rest des Bildes, in dem sich das Drama mit einer spezifischen Charakteristik und sogar mit einer gnadenlosen Glaubwürdigkeit verbindet. Das revolutionäre Volk ist auf dem Bild ohne jegliche Ausschmückung dargestellt: Das Bild atmet große, lebenswichtige Wahrheit. Delacroix zog sein ganzes Leben lang ungewöhnliche, bedeutsame Bilder und Situationen an. Die Romantik suchte in der Hitze menschlicher Leidenschaften, in starken und helle Charaktere, in den dramatischen Ereignissen der Geschichte oder in der Exotik ferner Länder, das Gegenteil der modernen bürgerlichen Realität. Die Romantiker hassten die trockene Prosa ihrer zeitgenössischen Zivilisation, die zynische Herrschaft der Chistoganer, das selbstzufriedene Spießertum der reichen Bourgeoisie. Sie sahen in der Kunst ein Mittel, der vulgären Trivialität des Lebens die Welt der poetischen Träume entgegenzusetzen. Nur gelegentlich bot die Realität dem Künstler eine direkte Quelle hoher Poesie. Dies war insbesondere bei Delacroix‘ Freiheit auf den Barrikaden der Fall. Darin liegt die Bedeutung des Bildes, in dem es dem Künstler gelang, den wahren Heldenmut der revolutionären Sache, ihre hohe Poesie, in einer hellen und aufgeregten Sprache zu verkörpern. Später schuf De Lacroix so etwas nicht mehr, obwohl er zeitlebens der Kunst treu blieb, durchdrungen von Leidenschaft, Helligkeit der Gefühle, gebrochen in der Urkraft seiner Malerei. In „Freiheit auf den Barrikaden“ ist die Farbgebung des Künstlers noch hart geschmiedet, die Kontraste von Licht und Schatten sind stellenweise trocken. In späteren Werken verkörperte er die Poesie der Leidenschaften in einem so freien Besitz der Farbelemente, dass man an Rubens, einen seiner Lieblingskünstler, denken muss.
Delacroix hasste die gestelzten Konventionen des klassischen Epigonismus. „Die größte Schande“, schrieb er in seinem „Tagebuch“, einem wunderbaren Dokument des kreativen Denkens des Künstlers, „sind nur unsere Konventionen und unsere kleinen Korrekturen an der großen und vollkommenen Natur.“ Das Hässliche sind unsere verzierten Köpfe, verzierten Falten, Natur und Kunst, aufgeräumt, um den Geschmack einiger Nichtigkeiten zu erfreuen ...“
Doch als Delacroix gegen ein falsches Verständnis von Schönheit protestierte, vergaß er nie, dass das Schicksal echter Kunst nicht in der äußerlichen Plausibilität des Naturalismus liegt, sondern in der hohen Wahrheit echter Poesie: „Wenn ich, umgeben von Bäumen und bezaubernden Orten, mit meiner Nase schreibe.“ In eine Landschaft verwandelt, erweist es sich als schwer, zu fertig, vielleicht detailgetreuer, aber nicht im Einklang mit der Handlung ... Während einer Reise nach Afrika begann ich, etwas mehr oder weniger Akzeptables zu tun, erst als er genug Kleines vergaß Details und erinnerten sich in seinen Bildern nur an die bedeutungsvolle und poetische Seite der Dinge; Bis zu diesem Moment verfolgte mich die Liebe zur Genauigkeit, die die große Mehrheit für die Wahrheit hält ...“

Arbeitsbeschreibung

Die Romantik folgt auf das Zeitalter der Aufklärung und fällt mit der industriellen Revolution zusammen, die durch das Aufkommen der Dampfmaschine, der Dampflokomotive, des Dampfschiffs, der Fotografie und der Fabrikvororte gekennzeichnet ist. Wenn die Aufklärung durch den Kult der Vernunft und der Zivilisation auf der Grundlage ihrer Prinzipien gekennzeichnet ist, dann bekräftigt die Romantik den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. In der Epoche der Romantik entstanden die Phänomene Tourismus, Bergsteigen und Picknicken, die darauf abzielten, die Einheit von Mensch und Natur wiederherzustellen.

1. Einleitung. Beschreibung des historischen und kulturellen Kontextes der Epoche.
2- Biografie des Autors.
3- Arten, Genrezugehörigkeit, Handlung, formale sprachliche Merkmale (Komposition, Material, Technik, Striche, Farbgebung), das kreative Konzept des Bildes.
4- Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“.
5- Analyse mit einem modernen Kontext (Untermauerung der Relevanz).

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Staatliche Akademie Tscheljabinsk

Kultur und Kunst.

Semester Prüfung nach Kunstbild

EUGENE DELACROIX FREIHEIT AUF DEN BARRIKADEN.

Abgeschlossen von einem Studenten im zweiten Jahr der Gruppe 204 TV

Rusanova Irina Igorevna

Geprüft von der Kunstlehrerin Gindina O.V.

Tscheljabinsk 2012

1. Einleitung. Beschreibung des historischen und kulturellen Kontextes der Epoche.

3- Arten, Genrezugehörigkeit, Handlung, formale sprachliche Merkmale (Komposition, Material, Technik, Striche, Farbgebung), das kreative Konzept des Bildes.

4- Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“.

5- Analyse mit einem modernen Kontext (Untermauerung der Relevanz).

KUNST DER LÄNDER WESTEUROPAS MITTE DES 19. JAHRHUNDERTS.

Die Entwicklung der Romantik in der Malerei verlief in scharfer Kontroverse mit den Anhängern des Klassizismus. Romantiker warfen ihren Vorgängern „kalte Rationalität“ und das Fehlen einer „Lebensbewegung“ vor. In den 1920er und 1930er Jahren zeichneten sich die Werke vieler Künstler durch Pathos und nervöse Erregung aus; in ihnen gibt es eine Tendenz zu exotischen Motiven und ein Spiel der Fantasie, das vom „düsteren Alltag“ wegführen kann. Der Kampf gegen die eingefrorenen klassizistischen Normen dauerte lange, fast ein halbes Jahrhundert. Der erste, dem es gelang, eine neue Richtung zu festigen und die Romantik zu „rechtfertigen“, war Theodore Géricault

Die historischen Meilensteine, die die Entwicklung der westeuropäischen Kunst in der Mitte des 19. Jahrhunderts bestimmten, waren die europäischen Revolutionen von 1848-1849. und die Pariser Kommune von 1871. In den größten kapitalistischen Ländern gibt es ein schnelles Wachstum der Arbeiterbewegung. Es gibt eine wissenschaftliche Ideologie des revolutionären Proletariats, deren Begründer K. Marx und F. Engels waren. Der Aufschwung der Aktivität des Proletariats erweckt den wütenden Hass der Bourgeoisie, die alle Kräfte der Reaktion um sich vereint.

Mit den Revolutionen von 1830 und 1848-1849. Damit sind die höchsten Errungenschaften der Kunst verbunden, deren Richtungen in dieser Zeit die revolutionäre Romantik und der demokratische Realismus waren. Die bedeutendsten Vertreter der revolutionären Romantik in der Kunst der Mitte des 19. Jahrhunderts. Da waren der französische Maler Delacroix und der französische Bildhauer Rude.

Ferdinand Victor Eugene Delacroix (französischer Ferdinand Victor Eugène Delacroix; 1798-1863) – französischer Maler und Grafiker, Führer der romantischen Richtung in der europäischen Malerei. Delacroix' erstes Gemälde war Dantes Boot (1822), das er im Salon ausstellte.

Das Werk von Eugene Delacroix lässt sich in zwei Perioden einteilen. Im ersten Fall war der Künstler nah an der Realität, im zweiten entfernte er sich allmählich von ihr und beschränkte sich auf Handlungsstränge aus Literatur, Geschichte und Mythologie. Bedeutendste Gemälde:

„Massaker von Chios“ (1823–1824, Louvre, Paris) und „Freiheit auf den Barrikaden“ (1830, Louvre, Paris)

Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“.

Das revolutionär-romantische Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“ wird mit der Julirevolution von 1830 in Paris in Verbindung gebracht. Der Künstler konkretisiert den Ort des Geschehens – rechts ragen die Insel Cité und die Türme der Kathedrale Notre Dame auf. Ganz konkret sind auch die Bilder von Menschen, deren soziale Zugehörigkeit sowohl durch die Beschaffenheit ihrer Gesichter als auch durch ihre Kostüme bestimmt werden kann. Der Betrachter sieht die rebellischen Arbeiter, Studenten, Pariser Jungen und Intellektuellen.

Das Bild des Letzteren ist das Selbstporträt von Delacroix. Seine Einbindung in die Komposition zeigt einmal mehr, dass sich der Künstler als Teil des Geschehens fühlt. Eine Frau geht neben dem Rebellen durch die Barrikade. Sie ist bis zur Hüfte nackt: Auf ihrem Kopf trägt sie eine phrygische Mütze, in der einen Hand eine Waffe, in der anderen ein Banner. Dies ist eine Allegorie der Freiheit, die das Volk führt (daher lautet der zweite Name des Gemäldes: Freiheit, die das Volk führt). Im Rhythmus erhobener Hände, Gewehre, Säbel, die aus der Tiefe der Bewegung aufsteigen, in den Pulverrauchwolken, in den Dur-Akkorden des rot-weiß-blauen Banners – dem hellsten Fleck des Bildes – kann man Spüren Sie das rasante Tempo der Revolution.

Das Gemälde wurde im Salon von 1831 ausgestellt, die Leinwand löste einen Sturm der öffentlichen Zustimmung aus. Die neue Regierung kaufte das Gemälde, befahl aber gleichzeitig sofort seine Entfernung, sein Pathos schien zu gefährlich. Doch dann wurde Delacroix‘ Werk aufgrund des revolutionären Charakters der Handlung fast fünfundzwanzig Jahre lang nicht ausgestellt.

Derzeit im 77. Raum im 1. Stock der Denon Gallery im Louvre untergebracht.

Der Bildaufbau ist sehr dynamisch. Der Künstler verlieh einer einfachen Episode von Straßenkämpfen einen zeitlosen, epischen Klang. Die Rebellen steigen auf die von den königlichen Truppen zurückeroberte Barrikade, und die Freiheit selbst führt sie an. Kritiker sahen in ihr „eine Kreuzung zwischen einem Kaufmann und einer antiken griechischen Göttin“. Tatsächlich verlieh der Künstler seiner Heldin sowohl die majestätische Haltung der „Venus von Milo“ als auch jene Merkmale, die der Dichter Auguste Barbier, der Sänger der Revolution von 1830, der Freiheit verlieh: „Dies Starke Frau mit kräftiger Brust, mit heiserer Stimme, mit Feuer in den Augen, schnell, mit weitem Schritt. Die Freiheit hisst das Trikolore-Banner der Französischen Republik; Es folgt eine bewaffnete Menge: Handwerker, Militärs, Bürger, Erwachsene, Kinder.

Allmählich wuchs und verstärkte sich eine Mauer, die Delacroix und seine Kunst von der Realität trennte. So verschlossen in seiner Einsamkeit fand ihn die Revolution von 1830. Alles, was noch vor wenigen Tagen den Sinn des Lebens der romantischen Generation ausmachte, wurde augenblicklich weit zurückgeworfen, begann angesichts der Größe der Ereignisse „klein“ und unnötig auszusehen.

Das Erstaunen und die Begeisterung, die man in diesen Tagen erlebt, dringen in das abgeschiedene Leben von Delacroix ein. Die Realität verliert für ihn ihre abstoßende Hülle aus Vulgarität und Alltäglichkeit und offenbart wahre Größe, die er darin nie sah und die er zuvor in Byrons Gedichten, historischen Chroniken, antike Mythologie und im Osten.

Die Julitage hallten in der Seele von Eugene Delacroix mit der Idee eines neuen Gemäldes wider. Die Barrikadenkämpfe vom 27., 28. und 29. Juli in der französischen Geschichte entschieden über den Ausgang eines politischen Umbruchs. In diesen Tagen wurde König Karl X., der letzte vom Volk verhasste Vertreter der Bourbonen-Dynastie, gestürzt. Zum ersten Mal handelte es sich für Delacroix nicht um eine historische, literarische oder orientalische Handlung, sondern um das wirkliche Leben. Bevor diese Idee jedoch verwirklicht werden konnte, musste er einen langen und schwierigen Weg der Veränderung zurücklegen.

R. Escollier, der Biograf des Künstlers, schrieb: „Ganz am Anfang, unter dem ersten Eindruck dessen, was er sah, hatte Delacroix nicht die Absicht, die Freiheit unter ihren Anhängern darzustellen ... Er wollte lediglich eine der Juli-Folgen reproduzieren, z wie der Tod von d'Arcole. Ja, dann wurden viele Heldentaten vollbracht und Opfer gebracht. Der heldenhafte Tod von d'Arcole ist mit der Einnahme des Pariser Rathauses durch die Rebellen verbunden. An dem Tag, als die königlichen Truppen die Greve-Hängebrücke unter Beschuss hielten, erschien ein junger Mann, der zum Rathaus eilte. Er rief aus: „Wenn ich sterbe, denken Sie daran, dass mein Name „Arcole“ ist. Er wurde tatsächlich getötet, aber es gelang ihm, die Menschen mit sich zu ziehen, und das Rathaus wurde eingenommen.

Eugene Delacroix fertigte mit einem Stift eine Skizze an, die vielleicht die erste Skizze für ein zukünftiges Gemälde wurde. Dass es sich hierbei nicht um eine gewöhnliche Zeichnung handelte, wird durch die genaue Wahl des Augenblicks, die Vollständigkeit der Komposition, die durchdachten Akzente auf einzelne Figuren, den architektonischen Hintergrund, der organisch mit der Handlung verschmolzen ist, und andere Details bewiesen. Diese Zeichnung könnte tatsächlich als Skizze für ein zukünftiges Gemälde dienen, aber der Kunstkritiker E. Kozhina glaubte, dass es nur eine Skizze blieb, die nichts mit der Leinwand zu tun hatte, die Delacroix später malte. Er stürmte vorwärts und fesselte die Aufständischen mit seinem heroischen Impuls .Eugène Delacroix überträgt diese zentrale Rolle auf Liberty selbst.

Bei der Arbeit an einem Bild in Delacroix‘ Weltanschauung prallten zwei gegensätzliche Prinzipien aufeinander: einerseits die von der Realität inspirierte Inspiration und andererseits ein seit langem in seinem Kopf verankertes Misstrauen gegenüber dieser Realität. Misstrauen, dass das Leben an sich schön sein kann, dass menschliche Bilder und rein bildnerische Mittel die Idee des Bildes in seiner Gesamtheit vermitteln können. Dieses Misstrauen diktierte Delacroix‘ symbolische Freiheitsfigur und einige andere allegorische Verfeinerungen.

Der Künstler überträgt das gesamte Geschehen in die Welt der Allegorie, wir reflektieren die Idee auf die gleiche Weise wie der von ihm vergötterte Rubens (Delacroix sagte dem jungen Edouard Manet: „Du musst Rubens sehen, du musst Rubens fühlen, du brauchst „Rubens zu kopieren, weil Rubens ein Gott ist“) in ihren Kompositionen, die abstrakte Konzepte verkörpern. Doch Delacroix folgt seinem Idol noch immer nicht in allem: Freiheit wird für ihn nicht durch eine antike Gottheit symbolisiert, sondern durch die einfachste Frau, die jedoch königlich majestätisch wird.

Allegorische Freiheit ist voller lebenswichtiger Wahrheit, in einem schnellen Impuls geht sie der Kolonne der Revolutionäre voraus, reißt sie mit sich und bringt die höchste Bedeutung des Kampfes zum Ausdruck – die Macht der Idee und die Möglichkeit des Sieges. Wenn wir nicht wüssten, dass die Nika von Samothrake nach dem Tod von Delacroix aus der Erde gegraben wurde, könnte man annehmen, dass der Künstler von diesem Meisterwerk inspiriert wurde.

Viele Kunsthistoriker bemerkten und warfen Delacroix vor, dass die ganze Größe seiner Malerei den zunächst nur kaum wahrnehmbaren Eindruck nicht verdecken könne. Es geht umüber den Zusammenstoß gegensätzlicher Bestrebungen im Kopf des Künstlers, der sogar im fertigen Gemälde seine Spuren hinterließ, über Delacroix‘ Zögern zwischen dem aufrichtigen Wunsch, die Realität (wie er sie sah) zu zeigen, und dem unfreiwilligen Wunsch, sie nach Cothurna zu erheben, zwischen dem Anziehungskraft auf die Malerei emotional, direkt und bereits etabliert, der künstlerischen Tradition vertraut. Viele waren nicht zufrieden damit, dass sich in diesem Bild der rücksichtsloseste Realismus, der das wohlmeinende Publikum der Kunstsalons entsetzte, mit makelloser, idealer Schönheit verband. Da er das Gefühl der Authentizität des Lebens als Tugend ansah, das sich im Werk von Delacroix nie zuvor (und auch damals nie wieder) manifestiert hatte, wurde dem Künstler die Verallgemeinerung und Symbolik des Bildes der Freiheit vorgeworfen. Für die Verallgemeinerung anderer Bilder macht er den Künstler jedoch dafür verantwortlich, dass die naturalistische Nacktheit einer Leiche im Vordergrund neben der Nacktheit der Freiheit steht.

Einige Forscher vergessen jedoch beim Hinweis auf die allegorische Natur des Hauptbildes zu bemerken, dass die allegorische Natur der Freiheit überhaupt keine Dissonanz mit den übrigen Figuren im Bild hervorruft und auf dem Bild nicht so fremdartig und außergewöhnlich aussieht wie es mag auf den ersten Blick scheinen. Immerhin der Rest Schauspielfiguren sind ihrem Wesen und ihrer Rolle nach auch allegorisch. In ihrer Person stellt Delacroix sozusagen jene Kräfte in den Vordergrund, die die Revolution gemacht haben: die Arbeiter, die Intelligenz und die Plebs von Paris. Ein Arbeiter in Bluse und ein Student (oder Künstler) mit Waffe sind Vertreter ganz bestimmter Gesellschaftsschichten. Dies sind zweifellos helle und zuverlässige Bilder, aber Delacroix bringt diese Verallgemeinerung auf Symbole. Und diese Allegorizität, die in ihnen bereits deutlich spürbar ist, erreicht in der Figur der Freiheit ihre höchste Entfaltung. Dies ist eine beeindruckende und schöne Göttin und gleichzeitig eine mutige Pariserin. Und in der Nähe springt ein flinker, zerzauster Junge auf Steine, schreit vor Freude und schwingt Pistolen (als würde er Ereignisse inszenieren), ein kleines Genie der Pariser Barrikaden, den Victor Hugo in 25 Jahren Gavroche nennen wird.

Das Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“ beendet die romantische Periode im Werk von Delacroix. Der Künstler selbst war von diesem Gemälde sehr angetan und unternahm große Anstrengungen, um es in den Louvre zu bringen. Nach der Machtergreifung der „bürgerlichen Monarchie“ wurde die Ausstellung dieses Gemäldes jedoch verboten. Erst 1848 konnte Delacroix sein Gemälde erneut ausstellen, und zwar für längere Zeit, doch nach der Niederlage der Revolution landete es für längere Zeit im Lager. Die wahre Bedeutung dieses Werkes von Delacroix wird durch seinen inoffiziellen zweiten Namen bestimmt: Viele sind es seit langem gewohnt, in diesem Bild die „Marseillaise der französischen Malerei“ zu sehen.

Das Gemälde ist auf Leinwand. Sie wurde in Öl gemalt.

ANALYSE DES BILDES DURCH VERGLEICH MODERNER LITERATUR UND RELEVANZ.

eigene Wahrnehmung des Bildes.

Im Moment glaube ich, dass Delacroix‘ Gemälde „Die Freiheit auf den Barrikaden“ in unserer Zeit sehr relevant ist.

Das Thema Revolution und Freiheit begeistert noch immer nicht nur große Geister, sondern auch das Volk. Jetzt steht die Freiheit der Menschheit unter der Führung der Macht. Die Menschen sind in allem begrenzt, die Menschheit wird vom Geld angetrieben und die Bourgeoisie steht an der Spitze.

Im 21. Jahrhundert hat die Menschheit mehr Möglichkeiten, an Kundgebungen, Streikposten und Manifesten teilzunehmen, Texte zu zeichnen und zu erstellen (es gibt jedoch Ausnahmen, wenn der Text als Extremismus eingestuft wird), in denen sie mutig ihre Positionen und Ansichten darlegen.

In letzter Zeit ist auch das Thema Freiheit und Revolution in Russland aktueller geworden als zuvor. All dies hängt mit den jüngsten Ereignissen seitens der Opposition zusammen (die Bewegungen „Linke Front“, „Solidarität“, die Partei von Nawalnow und Boris Nemzow).

Immer häufiger hören wir Parolen, die Freiheit und eine Revolution im Land fordern. Bei zeitgenössische Dichter es kommt in den Versen deutlich zum Ausdruck. Ein Beispiel ist Alexei Nikonov. Seine revolutionäre Rebellion und seine Stellung zur Gesamtsituation im Land kommen nicht nur in der Poesie, sondern auch in seinen Liedern zum Ausdruck.

Ich glaube auch, dass unser Land einen revolutionären Putsch braucht. Man kann der Menschheit nicht die Freiheit nehmen, sie fesseln und zwingen, für das System zu arbeiten. Eine Person hat das Recht zu wählen und die Meinungsfreiheit, aber sie versucht, ihnen diese Freiheit zu nehmen. Und es gibt keine Grenzen – Sie sind ein Baby, ein Kind oder ein Erwachsener. Deshalb liegen mir die Bilder von Delacroix sehr nahe, genau wie er selbst.

1830
260x325 cm Louvre, Paris

„Ich habe ein modernes Motiv gewählt, eine Szene auf den Barrikaden. .. Wenn ich nicht für die Freiheit des Vaterlandes gekämpft habe, dann muss ich diese Freiheit zumindest verherrlichen“, informierte Delacroix seinen Bruder und bezog sich dabei auf das Gemälde „Freiheit führt das Volk“ (wir kennen es auch unter dem Namen „Freiheit weiter“) Barrikaden"). Der darin enthaltene Aufruf zum Kampf gegen die Tyrannei wurde von den Zeitgenossen gehört und begeistert angenommen.

Svoboda geht mit nacktem Oberkörper über die Leichen der gefallenen Revolutionäre und ruft die Rebellen auf, ihm zu folgen. In ihrer erhobenen Hand hält sie die dreifarbige Flagge der Republikaner, deren Farben – Rot, Weiß und Blau – auf der gesamten Leinwand widerhallen. In seinem Meisterwerk verband Delacroix das scheinbar Unvereinbare – den protokollarischen Realismus der Reportage mit dem erhabenen Gefüge poetischer Allegorie. Er verlieh einer kleinen Episode von Straßenkämpfen einen zeitlosen, epischen Sound. Die zentrale Figur der Leinwand ist Liberty, die die majestätische Haltung der Aphrodite de Milo mit den Merkmalen verband, die Auguste Barbier Liberty verlieh: „Dies ist eine starke Frau mit kräftigen Brüsten, mit heiserer Stimme, mit Feuer in den Augen, schnell.“ , mit weitem Schritt.“

Ermutigt durch den Erfolg der Revolution von 1830 begann Delacroix am 20. September mit der Arbeit an dem Gemälde zur Verherrlichung der Revolution. Im März 1831 erhielt er dafür eine Auszeichnung und im April stellte er das Gemälde im Salon aus. Das Bild stieß mit seiner Gewaltkraft auf bürgerliche Besucher, die dem Künstler auch vorwarfen, dass er in dieser Heldentat nur „Gesindel“ zeige. Im Salon kauft das französische Innenministerium 1831 „Liberty“ für das Luxemburger Museum. Nach zwei Jahren wurde „Freedom“, dessen Handlung als zu politisiert galt, aus dem Museum entfernt und dem Autor zurückgegeben. Der König kaufte das Gemälde, aber aus Angst vor seinem Charakter, der während der Herrschaft der Bourgeoisie gefährlich war, befahl er, es zu verstecken, aufzurollen und es dann dem Autor zurückzugeben (1839). 1848 verlangt der Louvre das Gemälde. Im Jahr 1852 - das Zweite Kaiserreich. Das Gemälde gilt erneut als subversiv und wird in den Lagerraum geschickt. In den letzten Monaten des Zweiten Kaiserreichs galt „Freiheit“ erneut als großes Symbol, und Stiche dieser Komposition dienten der republikanischen Propaganda. Nach 3 Jahren wird es von dort entfernt und auf der Weltausstellung gezeigt. Zu diesem Zeitpunkt schreibt Delacroix es noch einmal um. Vielleicht verdunkelt er den leuchtenden Rotton des Huts, um seinen revolutionären Look abzumildern. Delacroix stirbt 1863 zu Hause. Und nach 11 Jahren wird „Freedom“ wieder im Louvre ausgestellt.

Delacroix selbst nahm nicht an den „drei glorreichen Tagen“ teil und beobachtete das Geschehen aus den Fenstern seiner Werkstatt, doch nach dem Fall der Bourbonenmonarchie beschloss er, das Bild der Revolution aufrechtzuerhalten.

Detailansicht des Bildes: *Realismus und Idealismus.*
Das Bild der Freiheit könnte vom Künstler einerseits unter dem Eindruck von Byrons romantischem Gedicht „Childe Harold's Pilgrimage“ und andererseits der gerade gefundenen antiken griechischen Statue der Venus von Milo entstanden sein von damaligen Archäologen. Zeitgenossen von Delacroix hielten jedoch die legendäre Wäscherin Anna-Charlotte für ihren Vorbild, die nach dem Tod ihres Bruders auf die Barrikaden ging und neun Schweizer Wachen vernichtete.
Diese Figur in einer großen Bowle galt lange Zeit als Selbstporträt des Künstlers, doch nun wird sie mit Etienne Arago in Verbindung gebracht, einem fanatischen Republikaner und Direktor des Vaudeville-Theaters. Während der Juliereignisse versorgte Arago die Rebellen mit Waffen aus den Requisiten seines Theaters. Auf der Leinwand von Delacroix spiegelt diese Figur die Beteiligung der Bourgeoisie an der Revolution wider.
Auf dem Kopf der Freiheit sehen wir ihr traditionelles Attribut – einen konischen Kopfschmuck mit spitzer Spitze, die sogenannte „Phrygische Mütze“. Ein solcher Kopfschmuck wurde einst von persischen Soldaten getragen.
An der Schlacht beteiligt sich auch ein Straßenjunge. Seine erhobene Hand mit einer Pistole wiederholt die Geste der Freiheit. Der aufgeregte Gesichtsausdruck des Wildfangs betont zum einen das seitlich einfallende Licht und zum anderen die dunkle Silhouette des Kopfschmuckes.
Die Figur eines Handwerkers, der eine Klinge schwingt, symbolisiert die Arbeiterklasse von Paris, die eine führende Rolle im Aufstand spielte.
toter Bruder Experten zufolge wird diese halbbekleidete Leiche als der verstorbene Bruder von Anna-Charlotte identifiziert, die zum Prototyp der Freiheit wurde. Die Muskete, die Liberty in der Hand hält, könnte seine Waffe sein.

In seinem Tagebuch schrieb der junge Eugene Delacroix am 9. Mai 1824: „Ich verspürte den Wunsch, über zeitgenössische Themen zu schreiben.“ Es war nicht zufällige Phrase Einen Monat zuvor hatte er einen ähnlichen Satz niedergeschrieben: „Ich möchte über die Verschwörungen der Revolution schreiben.“ Der Künstler hat wiederholt über den Wunsch gesprochen, weiterzuschreiben zeitgenössische Themen, aber sehr selten verwirklichte er seine Wünsche. Dies geschah, weil Delacroix glaubte: „… alles sollte für die Harmonie und eine echte Übertragung der Handlung geopfert werden.“ Wir müssen in Bildern ohne Models auskommen. Ein lebendes Modell entspricht nie genau dem Bild, das wir vermitteln wollen: Entweder ist das Modell vulgär oder minderwertig, oder seine Schönheit ist so anders und perfekter, dass alles geändert werden muss.“

Der Künstler bevorzugte Handlungsstränge aus Romanen gegenüber der Schönheit eines Lebensmodells. „Was ist zu tun, um die Handlung zu finden? fragt er sich eines Tages. „Öffnen Sie ein Buch, das inspirieren und Ihrer Stimmung vertrauen kann!“ Und er folgt gewissenhaft seinem eigenen Rat: Jedes Jahr wird das Buch für ihn mehr und mehr zu einer Quelle von Themen und Handlungssträngen.

So wuchs und verstärkte sich die Mauer nach und nach und trennte Delacroix und seine Kunst von der Realität. So verschlossen in seiner Einsamkeit fand ihn die Revolution von 1830. Alles, was noch vor wenigen Tagen den Sinn des Lebens der romantischen Generation ausmachte, wurde augenblicklich weit zurückgeworfen und begann angesichts der Größe der Ereignisse „klein“ und unnötig auszusehen.

Die Julitage hallten in der Seele von Eugene Delacroix mit der Idee eines neuen Gemäldes wider. Die Barrikadenkämpfe vom 27., 28. und 29. Juli in der französischen Geschichte entschieden über den Ausgang eines politischen Umbruchs. In diesen Tagen wurde König Karl X., der letzte vom Volk verhasste Vertreter der Bourbonen-Dynastie, gestürzt. Zum ersten Mal handelte es sich für Delacroix nicht um ein historisches, literarisches oder orientalisches Thema, sondern um das größte wahres Leben. Bevor diese Idee jedoch verwirklicht werden konnte, musste er einen langen und schwierigen Weg der Veränderung zurücklegen.

R. Escollier, der Biograf des Künstlers, schrieb: „Gleich zu Beginn hatte Delacroix unter dem ersten Eindruck dessen, was er sah, nicht die Absicht, die Freiheit unter ihren Anhängern darzustellen ... Er wollte lediglich eine der Juli-Folgen reproduzieren , wie zum Beispiel der Tod von d'Arcol.“ Ja, dann wurden viele Heldentaten vollbracht und Opfer gebracht. Der Heldentod von d'Arcol ist mit der Einnahme des Pariser Rathauses durch die Rebellen verbunden. An dem Tag, als die königlichen Truppen die Greve-Hängebrücke unter Beschuss hielten, erschien ein junger Mann, der zum Rathaus eilte. Er rief aus: „Wenn ich sterbe, denken Sie daran, dass mein Name d'Arcol ist.“ Er wurde tatsächlich getötet, aber es gelang ihm, die Menschen zu fesseln und das Rathaus einzunehmen.

Eugene Delacroix fertigte mit einem Stift eine Skizze an, die vielleicht die erste Skizze für ein zukünftiges Gemälde wurde. Dass es sich hierbei nicht um eine gewöhnliche Zeichnung handelte, wird durch die genaue Wahl des Augenblicks, die Vollständigkeit der Komposition, die durchdachten Akzente auf einzelne Figuren, den architektonischen Hintergrund, der organisch mit der Handlung verschmolzen ist, und andere Details bewiesen. Diese Zeichnung könnte tatsächlich als Skizze für ein zukünftiges Gemälde dienen, aber der Kunstkritiker E. Kozhina glaubte, dass es sich lediglich um eine Skizze handelte, die nichts mit der Leinwand zu tun hatte, die Delacroix später malte.

Der Künstler begnügt sich nicht mehr mit der Figur d'Arcols allein, der vorwärtsstürmt und die Rebellen mit seinem heroischen Impuls in seinen Bann zieht. Eugene Delacroix überträgt diese zentrale Rolle auf Liberty selbst.

Der Künstler war kein Revolutionär und er selbst gab es zu: „Ich bin ein Rebell, aber kein Revolutionär.“ Politik interessierte ihn wenig, weshalb er keine einzelne flüchtige Episode (und sei es der Heldentod d’Arcols) darstellen wollte, nicht einmal eine separate. historische Tatsache, sondern die Natur der gesamten Veranstaltung. Der Schauplatz der Handlung, Paris, kann also nur anhand eines im Hintergrund des Bildes geschriebenen Stücks beurteilt werden rechte Seite(in der Tiefe ist das auf dem Turm der Kathedrale Notre Dame gehisste Banner kaum noch zu erkennen) und in den Stadthäusern. Das Ausmaß, das Gefühl der Unermesslichkeit und des Ausmaßes des Geschehens – das erzählt Delacroix auf seiner riesigen Leinwand und was das Bild einer privaten Episode, selbst wenn sie majestätisch wäre, nicht vermitteln würde.

Der Bildaufbau ist sehr dynamisch. In der Bildmitte befindet sich eine Gruppe bewaffneter Männer in einfacher Kleidung, sie bewegt sich in Richtung Bildvordergrund und nach rechts. Aufgrund des Pulverrauchs ist der Platz nicht sichtbar, ebenso ist nicht erkennbar, wie groß diese Gruppe selbst ist. Der Druck der die Bildtiefe ausfüllenden Menschenmenge bildet einen immer stärker werdenden inneren Druck, der unweigerlich durchbrechen muss. Und so, vor der Menge, von einer Rauchwolke bis zur Spitze der eingenommenen Barrikade, eine schöne Frau mit dem dreifarbigen republikanischen Banner rechte Hand und links eine Waffe mit Bajonett. Auf ihrem Kopf trägt sie eine rote phrygische Mütze der Jakobiner, ihre Kleidung flattert und gibt den Blick auf ihre Brust frei, das Profil ihres Gesichts ähnelt den klassischen Gesichtszügen der Venus von Milo. Das ist Freiheit voller Kraft und Inspiration, die den Kämpfern mit einer entschlossenen und mutigen Bewegung den Weg weist. Svoboda führt die Menschen durch die Barrikaden und befiehlt nicht, sie ermutigt und führt die Rebellen.

Der Künstler überträgt das gesamte Ereignis in die Welt der Allegorie, wir reflektieren die Idee auf die gleiche Weise wie Rubens, den er vergöttert (Delacroix sagte dem jungen Edouard Manet: „Du musst Rubens sehen, du musst von Rubens durchdrungen sein, du „Ich muss Rubens kopieren, denn Rubens ist ein Gott“) in ihren Kompositionen, die abstrakte Konzepte verkörpern. Doch Delacroix folgt seinem Idol noch immer nicht in allem: Freiheit wird für ihn nicht durch eine antike Gottheit symbolisiert, sondern durch die einfachste Frau, die jedoch königlich majestätisch wird.

Viele Kunsthistoriker bemerkten und warfen Delacroix vor, dass die ganze Größe seiner Malerei den zunächst nur kaum wahrnehmbaren Eindruck nicht verdecken könne. Wir sprechen von einem Aufeinandertreffen gegensätzlicher Bestrebungen im Kopf des Künstlers, das auch im fertigen Gemälde seine Spuren hinterließ, von Delacroix‘ Zögern zwischen dem aufrichtigen Wunsch, die Realität (wie er sie sah) zu zeigen, und dem unfreiwilligen Wunsch, sie zur Cothurna zu erheben , zwischen einer Anziehungskraft auf die Malerei emotional, direkt und bereits an die künstlerische Tradition gewöhnt. Viele waren nicht zufrieden damit, dass sich in diesem Bild der rücksichtsloseste Realismus, der das wohlmeinende Publikum der Kunstsalons entsetzte, mit makelloser, idealer Schönheit verband. Da er das Gefühl der Authentizität des Lebens als Tugend ansah, das sich im Werk von Delacroix nie zuvor (und auch damals nie wieder) manifestiert hatte, wurde dem Künstler die Verallgemeinerung und Symbolik des Bildes der Freiheit vorgeworfen. Für die Verallgemeinerung anderer Bilder macht er den Künstler jedoch dafür verantwortlich, dass die naturalistische Nacktheit einer Leiche im Vordergrund neben der Nacktheit der Freiheit steht.

Diese Dualität ist sowohl den Zeitgenossen von Delacroix als auch den späteren Kennern und Kritikern nicht entgangen. Selbst 25 Jahre später, als das Publikum bereits an den Naturalismus von Gustave Courbet und Jean-Francois Millet gewöhnt war, tobte Maxime Ducan vor „Die Freiheit auf den Barrikaden“ und vergaß jede Zurückhaltung der Ausdrucksweise: „Oh, wenn Freiheit so ist.“ , wenn dieses Mädchen mit nackten Füßen und nackten Brüsten, das rennt, schreit und eine Waffe schwingt, dann brauchen wir es nicht. Wir haben nichts mit dieser beschämenden Füchsin zu tun!“

Aber was könnte, wenn man Delacroix Vorwürfe macht, seinem Bild entgegenstehen? Die Revolution von 1830 spiegelte sich auch im Werk anderer Künstler wider. Nach diesen Ereignissen wurde der königliche Thron von Louis Philippe besetzt, der versuchte, seine Machtübernahme als fast den einzigen Inhalt der Revolution darzustellen. Viele Künstler, die diese Herangehensweise an das Thema gewählt haben, sind den Weg des geringsten Widerstands gegangen. Die Revolution, wie eine spontane Volkswelle, wie ein grandioser Volksimpuls, scheint für diese Meister überhaupt nicht zu existieren. Sie scheinen es eilig zu haben, alles zu vergessen, was sie im Juli 1830 auf den Pariser Straßen gesehen haben, und die „drei glorreichen Tage“ erscheinen in ihrer Darstellung als recht wohlmeinende Taten von Pariser Bürgern, denen es nur darum ging, schnell etwas zu erlangen neuer König, der den verbannten ersetzt. Zu diesen Werken gehören Fontaines Gemälde „Wächter proklamieren König Louis-Philippe“ oder das Gemälde von O. Berne „Der Herzog von Orleans verlässt das Palais-Royal“.

Einige Forscher vergessen jedoch beim Hinweis auf die allegorische Natur des Hauptbildes zu bemerken, dass die allegorische Natur der Freiheit überhaupt keine Dissonanz mit den übrigen Figuren im Bild hervorruft und auf dem Bild nicht so fremdartig und außergewöhnlich aussieht wie es mag auf den ersten Blick scheinen. Schließlich sind auch die übrigen handelnden Charaktere ihrem Wesen und ihrer Rolle nach allegorisch. In ihrer Person stellt Delacroix sozusagen jene Kräfte in den Vordergrund, die die Revolution gemacht haben: die Arbeiter, die Intelligenz und die Plebs von Paris. Ein Arbeiter in Bluse und ein Student (oder Künstler) mit Waffe sind Vertreter ganz bestimmter Gesellschaftsschichten. Dies sind zweifellos helle und zuverlässige Bilder, aber Delacroix bringt diese Verallgemeinerung auf Symbole. Und diese Allegorizität, die in ihnen bereits deutlich spürbar ist, erreicht in der Figur der Freiheit ihre höchste Entfaltung. Dies ist eine beeindruckende und schöne Göttin und gleichzeitig eine mutige Pariserin. Und neben ihm, auf Steine springend, vor Freude schreiend und Pistolen schwingend (als ob er Ereignisse orchestrieren würde), ist ein flinker, zerzauster Junge ein kleines Genie der Pariser Barrikaden, den Victor Hugo in 25 Jahren Gavroche nennen wird.

Das Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“ beendet die romantische Periode im Werk von Delacroix. Der Künstler selbst war von diesem Gemälde sehr angetan und unternahm große Anstrengungen, um es in den Louvre zu bringen. Nach der Machtergreifung der „bürgerlichen Monarchie“ wurde die Ausstellung dieser Leinwand jedoch verboten. Erst 1848 konnte Delacroix sein Gemälde erneut ausstellen, und zwar für längere Zeit, doch nach der Niederlage der Revolution landete es für längere Zeit im Lager. Die wahre Bedeutung dieses Werkes von Delacroix wird durch seinen inoffiziellen zweiten Namen bestimmt: Viele sind es seit langem gewohnt, in diesem Bild die „Marseillaise der französischen Malerei“ zu sehen.