„Kunst der nördlichen Renaissance“ – Rathaus in Antwerpen. 1561-1564 Bosch verkörperte die Welt der dämonischen Kräfte, die einen Menschen zerstören wollten. "Blind". Begründer der nördlichen Renaissance. Erstellte berühmte Stiche: „Apokalypse“, „Ritter, Tod und Teufel“. Heute leben wir und morgen – wer wird es vorhersagen? Freunde, lasst uns dem Tod ein Schnippchen schlagen und für die Liebe trinken!

„Renaissance-Kunst in Italien“ – Filippo Brunelleschi. Altes und Neues standen in untrennbarer Verbindung und Konfrontation. Was haben die Humanisten als Grundlage ihrer Prinzipien genommen? Die Hauptmerkmale der Kunst und Kultur der Renaissance. Renaissance – „Renaissance“) war Italien. Gioconda. Madonna und Kind. Filippo Lippi. Schwere und Stabilität der Formen.

„Renaissance-Lektion“ – Was sind die Merkmale der Kultur der Renaissance? Seite eines alten Buches. Weihnachten. „Die ganze Welt ist ein Theater, und die Menschen darin sind Schauspieler.“ Albrecht Dürer. Utopie ist ein nichtexistenter Ort. „Bauernmaler“ Pieter Brueghel der Ältere Bauerntanz. Leonardo da Vinci 1452-1519. Merkmale der Kultur der Renaissance. Der Blick voller Neugier strahlt.

„Renaissance-Malerei“ – Frührenaissance. Nördliche Renaissance. Beginn der Proto-Renaissance. Trecento – 13. Jahrhundert. Aus dem Italienischen. cinquecento (fünfhundert). Vorbereitet von: Mikhailova Maria Laskova Anastasia. Pieter Brueghel der Ältere, Der Blinde, 1568, Nationalmuseum und Galerie von Capodimonte. Aus dem Italienischen. Ducento (zweihundert). Hochrenaissance. Aus dem Italienischen. Quattrocento (vierhundert).

„Brunelleschi“ – Lineare Perspektive. Gotisch. Gewann den Brunelleschi-Wettbewerb. Im Jahr 1434 waren alle Arbeiten abgeschlossen. Kuppelstruktur. Filippo Brunelleschi ist ein Innovator in der Architektur und der linearen Perspektive. Experiment Nr. 2 Im Inneren besteht die Anlage aus einer Doppelkuppel, die äußere hat ein erhöhtes Gewölbe. Es ist bemerkenswert, dass Brunelleschi den Himmel geschnitzt hat.

„Die Kunst der Hochrenaissance“ – Selbstporträt. Welche Gemeinsamkeiten und Unterschiede gibt es im Werk der Künstler der italienischen und nördlichen Renaissance? Ziele: Rafael Santi. Erasmus von Rotterdam. Rembrandt. Die berühmteste war die Sixtinische Madonna. Hochrenaissance. Hochrenaissance in der Kunst Klasse 7 Neue Geschichte. Mona Lisa (La Gioconda). Gravuren.

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Dürer (Dürer) Albrecht (1471–1528), deutscher Maler, Zeichner, Kupferstecher, Kunsttheoretiker. Der Begründer der Kunst der deutschen Renaissance.

Als Sohn eines Silberschmieds studierte Dürer bei seinem aus Ungarn stammenden Vater Schmuck und Malerei – in der Werkstatt des Nürnberger Künstlers M. Wolgemuth (1486–1489), von dem er die Prinzipien der niederländischen und deutschen Spätgotik übernahm , lernte die Zeichnungen und Stiche der frühen italienischen Meister der Renaissance (einschließlich A. Mantegna) kennen. In den gleichen Jahren erlebte Dürer einen starken Einfluss von M. Schongauer.

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In den Jahren 1490–1494 fertigte Dürer während der für einen Zunftlehrling obligatorischen Rheinfahrten mehrere Staffeleistiche im Geiste der Spätgotik, Illustrationen zu S. Brants „Narrenschiff“ und anderen an.

Als er 1494 nach Nürnberg zurückkehrte, heiratete er Agnes Frey und eröffnete eine eigene Werkstatt. Der Einfluss der humanistischen Lehren auf Dürer, der sich durch seine erste Italienreise (1494–1495) verstärkte, manifestierte sich im Wunsch des Künstlers, die wissenschaftlichen Methoden des Weltverständnisses zu beherrschen, hin zu einem vertieften Studium der Natur, in dem seine Aufmerksamkeit sowohl auf die scheinbar unbedeutendsten Phänomene („Grasbusch“, 1503, Sammlung Albertina, Wien) als auch auf komplexe Probleme des Zusammenhangs zwischen Farbe und der Licht-Luft-Umgebung in der Natur („Haus am Teich“) gelenkt wurde “, Aquarell, um 1495–1497, Britisches Museum, London).

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Dürer behauptete in Porträts dieser Zeit ein neues Renaissance-Verständnis der Persönlichkeit (Selbstporträt, 1498, Prado).

Die Stimmung der vorreformatorischen Zeit, am Vorabend mächtiger sozialer und religiöser Kämpfe, drückte Dürer in der Holzschnittserie „Apokalypse“ (1498) aus künstlerische Sprache die die Techniken der deutschen Spätgotik und der italienischen Renaissancekunst organisch verschmolz.

Die zweite Reise nach Italien (1505-1507) verstärkte Dürers Wunsch nach Klarheit der Bilder und Ordnung weiter kompositorische Konstruktionen(„Das Rosenkranzfest“, 1506, Nationalgalerie, Prag; „Porträt einer jungen Frau“, Kunstmuseum, Wien), eine sorgfältige Untersuchung der Proportionen eines nackten menschlichen Körpers („Adam und Eva“, 1507 , Prado, Madrid). Gleichzeitig verlor Dürer (insbesondere in der Grafik) nicht die Wachsamkeit der Beobachtung, die subjektive Ausdruckskraft, die Lebendigkeit und die Ausdruckskraft der Bilder, die für die spätgotische Kunst charakteristisch sind (Holzschnittzyklen „Große Passion“, um 1497–1511). , „Leben Mariens“, um 1502–1511, „Kleine Passion“, 1509–1511).

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Zeichnungen

Dürer war als Maler, Kupferstecher und Zeichner gleichermaßen begabt; Zeichnung und Gravur nehmen bei ihm einen großen, manchmal sogar führenden Platz ein.

Das mehr als 900 Blätter umfassende Erbe Dürers als Zeichner kann in seiner Weite und Vielfalt nur mit dem Erbe Leonardo da Vincis verglichen werden. Das Zeichnen gehörte offenbar zum Alltag des Meisters. Er beherrschte alle damals bekannten grafischen Techniken mit Bravour – von der Silbernadel und der Rohrfeder bis zum italienischen Bleistift, Kohle und Aquarell. Für die Meister Italiens wurde die Zeichnung für ihn zum wichtigsten Schritt in der Arbeit an der Komposition, die Skizzen, Studien von Köpfen, Armen, Beinen und Vorhängen umfasst. Dies ist ein Werkzeug zur Untersuchung charakteristischer Typen – Bauern, elegante Herren, Nürnberger Fashionistas. Seine berühmten Aquarelle „A Piece of Turf“ und „The Hare“ (Albertina, Wien) sind mit solcher Intensität und kalter Distanziertheit angefertigt, dass sie wissenschaftliche Codes veranschaulichen könnten.

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Die erstaunliche Genauigkeit der grafischen Sprache, die feinste Entwicklung der Licht-Luft-Beziehungen, die Klarheit von Linie und Volumen, die komplexeste philosophische Grundlage des Inhalts zeichnen drei „meisterhafte Kupferstiche“ aus: „Der Reiter, der Tod und der Teufel.“ „(1513)

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kreative Reife. Gemälde 1494-1514

Dürers erstes bedeutendes Werk ist eine Serie von Landschaften (Aquarell mit Gouache, 1494-95), die während einer Italienreise entstanden sind. Diese durchdachten, sorgfältig ausbalancierten Kompositionen mit fließend wechselnden Raumplänen sind die ersten „reinen“ Landschaften in der Geschichte der europäischen Kunst. Eine gleichmäßige, klare Stimmung, der Wunsch nach einem harmonischen Gleichgewicht von Formen und Rhythmen bestimmen das Wesen von Dürers Gemälden des ausgehenden 15. Jahrhunderts. - Anfang des 2. Jahrzehnts des 16. Jahrhunderts

Eines der Hauptthemen von Dürers Werk im 16. Jahrhundert. wird zur Suche ideale Proportionen des menschlichen Körpers, nach dessen Geheimnissen er sucht, indem er nackte männliche und weibliche Figuren zeichnet (Dürer war der erste in Deutschland, der sich dem Studium des Aktes zuwandte) und sie im Kupferstich „Adam und Eva“ zusammenfasste ( 1504) und das gleichnamige große Bilddiptychon (um 1507, Prado). Zu den Jahren der Schaffensreife Dürers zählen seine komplexesten, harmonisch geordneten vielfigurigen Bildkompositionen – das „Fest des Rosenkranzes“ (1506, Nationalgalerie). , Prag) und „Anbetung des hl. Dreifaltigkeit“ (1511, Kunsthistorisches Museum, Wien). „Das Fest des Rosenkranzes“ (genauer: „Das Fest der Rosenkränze“) ist eines der größten (161,5 x 192 cm) und intonationsmäßig bedeutendsten Gemälde Dürers; Es kommt der italienischen Kunst nicht nur in Bezug auf die Motive am nächsten, sondern auch in Bezug auf die Lebendigkeit, die Fülle der Bilder (hauptsächlich Porträts), den vollen Klang der Farben, die Breite der Schrift und die Ausgewogenheit der Komposition.

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Porträts und Selbstporträts

Das Porträt nimmt den wichtigsten Platz im malerischen Erbe Dürers ein. Bereits im frühen Porträt von Oswald Krehl (um 1499, Alte Pinakothek, München) erscheint Dürer als etablierter Meister, der die Originalität der Figur, die innere Energie des Modells brillant zum Ausdruck bringt. Die Einzigartigkeit von Dürer liegt darin, dass das Selbstporträt unter seinen frühen Porträts einen Spitzenplatz einnimmt. Das Verlangen nach Selbsterkenntnis, das die Hand eines 13-jährigen Jungen („Selbstporträt“, 1484, Zeichnung mit Silbernadel, Albertina, Wien) wird in den ersten drei bildlichen Selbstporträts (1493, Louvre; 1498, Prado; 1500, Alte Pinakothek, München) weiterentwickelt und im letzten von ihnen ist der Meister streng in dargestellt Vorderseite und sein richtiges Gesicht, gerahmt lange Haare und ein kleiner Bart, der an die Bilder von Christus dem Pantokrator erinnert.

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Gravuren

Dürer war gleichermaßen erfolgreich auf dem Gebiet des Holzschnitts (Holzstich) und auf dem Gebiet des Kupferstichs tätig. Nach Schongauer machte er die Gravur zu einer der führenden Kunstformen. In seinen Stichen kam der rastlose, unruhige Geist seiner schöpferischen Natur zum Ausdruck, der ihn vor dramatischen moralischen Kollisionen beunruhigte. Einen scharfen Kontrast zu den frühen, ruhigen und klaren Gemälden bildete bereits seine erste große grafische Serie – 15 Holzschnitte zum Thema der Apokalypse (1498). In seinen Kupferstichen orientiert sich Dürer weit mehr als in der Malerei an rein deutschen Traditionen, die sich im übertriebenen Ausdruck der Bilder, der Intensität scharfer, kantiger Bewegungen, dem Rhythmus brechender Falten, schnellen, wirbelnden Linien manifestieren.

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Zu diesem Zeitpunkt hatte Dürer in seiner Heimat Nürnberg ein Ehrenamt erlangt und erlangte im Ausland Berühmtheit, insbesondere in Italien und den Niederlanden (wo er 1520–1521 reiste).

Dürer war mit den bedeutendsten Humanisten Europas befreundet. Zu seinen Kunden gehörten wohlhabende Bürger, deutsche Fürsten und Kaiser Maximilian I. selbst, für den er neben anderen bedeutenden deutschen Künstlern Federzeichnungen für ein Gebetbuch anfertigte (1515). In einer Porträtserie der 1520er Jahre (J. Muffel, 1526 , , 1526, beide in einer Kunstgalerie, Berlin-Dahlem usw.) Dürer schuf den Typus eines Renaissance-Menschen, durchdrungen von einem stolzen Bewusstsein des Selbstwertgefühls seiner eigenen Persönlichkeit, aufgeladen mit intensiver spiritueller Energie und praktischer Zielstrebigkeit.

Ein interessantes Selbstporträt von Albrecht Dürer im Alter von 26 Jahren in Handschuhen. Die auf dem Podest liegenden Hände des Modells sind eine bekannte Technik, um die Illusion einer Nähe zwischen der dargestellten Person und dem Betrachter zu erzeugen.

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Im Jahr 1514 wurde Dürer Hofmaler von Kaiser Maximilian I. Als Dürer nach 1514 am Hofe von Kaiser Maximilian I. arbeitete, war er mit offiziellen Aufträgen überhäuft. Der zeitaufwändigste davon war die Schaffung eines kolossalen, auf 192 Tafeln gemalten Gemäldes. gemalte Lithographie „Maximilians I.-Bogen“ (an der Arbeit daran war neben Dürer eine große Gruppe von Künstlern beteiligt)

Der Beginn eines neuen kreativen Aufschwungs ist mit Dürers Reise in die Niederlande (1520-21) verbunden, wo er neben zahlreichen Skizzen eine Reihe hervorragender grafischer Porträts anfertigte (Erasmus von Rotterdam, Kohle, 1520, Louvre; Lukas von Leiden, Silberstift, Museum der Schönen Künste, Lille; „Agnes Dürer“, Metallstift, 1521, Kupferstichkabinett, Berlin usw.). In den 1520er Jahren Das Porträt wird zum Leitgenre im Werk Dürers und im Kupferstich.

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Dürers Verdienste

Dürer revolutionierte die nordeuropäische Kunst, indem er die Erfahrungen der Niederlande und der Niederlande kombinierte Italienische Malerei. Die Vielseitigkeit der Ansprüche manifestierte sich auch in Dürers theoretischen Werken („Ein Leitfaden zur Messung ...“, 1525; „Vier Bücher über menschliche Proportionen“, 1528). Dürers künstlerische Suche wurde durch das Gemälde „Die vier Apostel“ (1526, Alte Pinakothek, München) vervollständigt, das die vier Temperamente von Menschen verkörpert, die durch ein gemeinsames humanistisches Ideal des unabhängigen Denkens, der Willenskraft und der Standhaftigkeit im Kampf um Gerechtigkeit und Wahrheit verbunden sind.

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Dürer schuf das erste sogenannte magische Quadrat in Europa, dargestellt auf seinem Stich „Melancholie“ (siehe Albrecht Dürers Quadrat). Dürers Verdienst liegt darin, dass es ihm gelungen ist, die Zahlen von 1 bis 16 so in das linierte Quadrat einzutragen, dass die Summe 34 nicht nur durch vertikales, horizontales und diagonales Addieren der Zahlen, sondern auch in allen vier Vierteln, im zentrales Viereck und sogar beim Hinzufügen von vier Eckzellen. Dürer gelang es auch, in der Tabelle das Entstehungsjahr des Kupferstichs „Melancholie“ (1514) anzugeben.

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Selbstporträt.

Zeichnen mit einem Silberstift

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Dürer wurde am 21. Mai 1471 in Nürnberg in der Familie eines Juweliers geboren, der Mitte des 15. Jahrhunderts aus Ungarn in diese deutsche Stadt kam. In der Familie wuchsen 8 Kinder auf, von denen der zukünftige Künstler das dritte Kind und der zweite Sohn war. Vater, Alberecht Dürer Sr., war Goldschmied, er übersetzte seinen ungarischen Nachnamen Aitoshi wörtlich als Türer ins Deutsche; Später wurde sie als Dürer aufgenommen. Barbara Dürer. Albrecht Dürer sen.

Zunächst versuchte der Vater, seinen Sohn mit Schmuck zu fesseln, doch er entdeckte in seinem Sohn das Talent eines Künstlers. Im Alter von 15 Jahren wurde Albrecht zum Studium in die Werkstatt des damals führenden Nürnberger Künstlers Michael Wohlgemuth geschickt. Dort beherrschte Dürer nicht nur die Malerei, sondern auch das Gravieren auf Holz und Kupfer. Das Studium im Jahr 1490 endete traditionell mit einer vierjährigen Reise. Der junge Mann bereiste eine Reihe von Städten in Deutschland, der Schweiz und den Niederlanden und verbesserte sich dort weiter Bildende Kunst und Verarbeitung von Materialien.

1494 kehrte Dürer nach Nürnberg zurück und heiratete bald darauf. Dann unternahm er im selben Jahr eine Reise nach Italien, wo er die Werke von Mantegna, Polayolo, Lorenzo di Credi und anderen Meistern kennenlernte. 1495 kehrte Dürer zurück Heimatstadt und schafft in den nächsten zehn Jahren einen bedeutenden Teil seiner mittlerweile berühmt gewordenen Stiche. Agnes Dürer. Federzeichnung. 1494

Im Jahr 1520 unternahm der Künstler eine Reise in die Niederlande, wo er einer unbekannten Krankheit zum Opfer fiel, die ihn bis zu seinem Lebensende quälte. IN letzten Jahren Leben Albrecht Dürer legt großen Wert auf die Verbesserung der Verteidigungsanlagen, die durch die Entwicklung von Schusswaffen verursacht wurde. In seinem 1527 erschienenen Werk „Anleitung zur Befestigung von Städten, Burgen und Schluchten“ beschreibt Dürer insbesondere grundlegend neuer Typ Befestigungsanlagen, die er Bastei nannte.

Über Kreativität schuf Dürer das erste sogenannte magische Quadrat in Europa, das auf seinem Stich „Melancholie“ dargestellt ist. Dürers Verdienst liegt darin, dass es ihm gelungen ist, die Zahlen von 1 bis 16 so in das gezeichnete Quadrat einzutragen, dass sich nicht nur durch vertikale, horizontale und diagonale Addition der Zahlen, sondern auch in allen vier Vierteln die Summe 34 ergab zentrales Viereck und sogar beim Hinzufügen von vier Eckzellen. Dürer gelang es auch, in der Tabelle das Entstehungsjahr des Kupferstichs „Melancholie“ (1514) anzugeben.

Dürers „Magisches Quadrat“ bleibt ein komplexes Rätsel. Wenn wir die mittleren Quadrate der ersten Vertikalen betrachten, fällt auf, dass die Zahlen geändert und korrigiert wurden: 6 wird durch 5 korrigiert und 9 ergibt sich aus 5. Zweifellos hat Dürer sein „magisches Quadrat“ mit solchen Details bereichert, die nicht möglich sind übersehen werden.

Dürers Stern- und geografische Karten Im Jahr 1515 fertigte Dürer drei berühmte Holzschnitte an, die Karten der südlichen und nördlichen Hemisphäre des Sternenhimmels und der östlichen Hemisphäre der Erde zeigten. Diese Kunstwerke sind zugleich die wertvollsten Denkmäler der Wissenschaft. Die Arbeit an den Gravuren erfolgte in Zusammenarbeit mit den prominenten deutschen Wissenschaftlern Johann Stabius (Projektinitiator) und Konrad Heinfogel.

In der geografischen Karte von Stabia - Heinfogel - Dürer wurde zur Darstellung der Sphärizität der Erde eine perspektivische Projektion mit einem Blickpunkt verwendet, der sich außerhalb des Globus in einem Abstand von dem Dreifachen des Durchmessers befindet, von dem aus die Punkte der Erdoberfläche liegen wurden auf die Zeichenebene projiziert. Dürer interessierte sich bereits als Künstler für die Entwicklung von Gestaltungsmethoden. Darüber hinaus ist die Karte zweifellos ein Beispiel für die Kunst des Gravierens. An den Rändern der Karte befinden sich meisterhafte Bilder verschiedener Winde, die auf der Erde wehen. Dürers geografische Karte, die ebenfalls in Zusammenarbeit mit I. Stabius und K. Heinfogel erstellt wurde, zeigt die „Alte Welt“ Europa, Asien und Afrika, also dieselben Gebiete, die von Ptolemaios kartiert wurden. Dürer selbst beteiligte sich auch an der langfristigen Vorbereitung der Veröffentlichung der Geographie des Ptolemäus in lateinischer Sprache unter der Leitung von W. Pirckheimer. Trotz der traditionellen Merkmale enthält die Karte viele neue Merkmale, die den Entwicklungsstand des geografischen Wissens in der Renaissance widerspiegeln.

Dürer war der Erste von einem deutschen Künstler, der gleichzeitig mit beiden Gravurarten auf Holz und Kupfer begann. Er erreichte eine außergewöhnliche Ausdruckskraft beim Gravieren auf Holz, reformierte die traditionelle Arbeitsweise und nutzte die Arbeitsmethoden, die sich beim Gravieren auf Metall entwickelt hatten. In den Jahren Dürer schuf drei grafische Blätter, die unter dem Namen „Meisterstiche“ in die Kunstgeschichte eingingen: „Ritter, Tod und Teufel“, „Der heilige Hieronymus in der Zelle“ und „Melancholie“.

Von Dürer sind etwa 970 Zeichnungen erhalten: Landschaften, Porträts, Skizzen von Menschen, Tieren und Pflanzen. Dürer beschäftigte sich unermüdlich mit der Gestaltung, der Verallgemeinerung von Einzelheiten und der Konstruktion von Räumen. Dürers grafisches Erbe zeichnet sich durch hohe Handwerkskunst, Beobachtungsgabe und Naturtreue aus. Er nutzte seine Studien in Stichen und Gemälden, wiederholte in großen Werken immer wieder die Motive grafischer Werke. Hase, 1502