Bildende Kunst des Klassizismus und Rokoko Nicolas Poussin. Unterrichtsplan für klassische und Rokoko-Kunst. Klassische und Rokoko-Kunst

Nicolas Poussin – klassizistischer Maler

Als Höhepunkt des Klassizismus in der Malerei verkündete die Französische Akademie das Werk des Künstlers Nicolas Poussin(1594-1665). Zu seinen Lebzeiten wurde er als „der geschickteste und erfahrenste moderne Meister des Pinsels“ bezeichnet und nach seinem Tod zum „Leuchtturm der französischen Malerei“ erklärt.

Als lebhafter Vertreter der Ideen des Klassizismus entwickelte Poussin eine kreative Methode, die auf seiner eigenen Vorstellung von den Gesetzen der Schönheit basierte. Sein Ideal sah er in der Verhältnismäßigkeit der Teile des Ganzen, in der äußeren Ordnung, Harmonie und Klarheit der Formen. Seine Gemälde zeichnen sich durch die Ausgewogenheit der Komposition, ein starres, mathematisch verifiziertes System der Raumorganisation, eine genaue Zeichnung und ein erstaunliches Rhythmusgefühl aus, das auf der alten Theorie der Musikmodi basiert.

Laut Poussin sind Vernunft und Denken die Hauptkriterien für künstlerische Wahrheit und Schönheit. Er forderte, dies so zu schaffen, „wie es Natur und Vernunft lehren“. Bei der Auswahl der Themen bevorzugte Poussin Heldentaten und Taten, die auf hohen bürgerlichen Motiven beruhten, statt auf niederen menschlichen Leidenschaften.

Das Hauptthema der Kunst ist nach Ansicht des Künstlers das, was mit der Idee des Erhabenen und Schönen verbunden ist, das als Vorbild und Mittel zur Erziehung der besten moralischen Eigenschaften eines Menschen dienen kann. Poussin widmete sein Werk der Verherrlichung des heroischen Mannes, der in der Lage war, die Natur durch die Kraft eines mächtigen Geistes zu erkennen und zu verändern. Seine Lieblingshelden sind starke, willensstarke Menschen mit hohen moralischen Qualitäten. Sie geraten oft in dramatische Situationen, die besondere Gelassenheit, Geistesgröße und Charakterstärke erfordern. Der Maler vermittelte ihre erhabenen Gefühle durch Körperhaltung, Mimik und Gestik.

Von den historischen Themen wählte Poussin nur diejenigen aus, in denen es Handlung, Bewegung und Ausdruck gab. Er begann die Arbeit an dem Gemälde mit einem sorgfältigen Studium der literarischen Quelle ( Heilige Schrift, „Metamorphosen“ von Ovid oder „Das befreite Jerusalem“ von T. Tasso). Wenn er die gesetzten Ziele erreichte, dachte der Künstler nicht an das komplexe Innenleben der Figuren, sondern an den Höhepunkt der Handlung. Mentaler Kampf, Zweifel und Enttäuschungen wurden in den Hintergrund gedrängt. Poussins übliche Handlungsformel lautete wie folgt: „Die Würfel sind gefallen, die Entscheidung ist gefallen, die Wahl ist getroffen“ (Yu. K. Zolotov).

Die Ideen des Klassizismus sollten seiner Meinung nach die Bildkomposition widerspiegeln. Er stellte der Improvisation eine sorgfältig durchdachte Anordnung einzelner Figuren und Hauptgruppen gegenüber.

Der visuelle Raum sollte gut sichtbar sein, die Pläne sollten klar aufeinander folgen. Für die Aktion selbst sollte nur eine unbedeutende Zone im Hintergrund reserviert werden. In den meisten Leinwänden Poussins erweist sich der Schnittpunkt der Bilddiagonalen als das wichtigste semantische Zentrum.

Das Kompositionssystem von Poussins Gemälden basiert auf zwei Prinzipien: dem Gleichgewicht der Formen (der Aufbau von Gruppen um das Zentrum) und ihrem freien Verhältnis (Verschiebung vom Zentrum weg). Durch das Zusammenspiel dieser beiden Prinzipien konnte ein außergewöhnlicher Eindruck von Ordnung, Freiheit und Beweglichkeit der Komposition erzielt werden.

Sehr wichtig Im künstlerischen System von Poussin nimmt die Farbe einen hohen Stellenwert ein. Die Wechselbeziehung der wichtigsten Farbklänge wurde durch ein Reflexsystem erreicht: Eine intensive Farbe im Zentrum der Komposition wird normalerweise von sanften neutralen Farben begleitet.

Nicolas Poussin ist Autor zahlreicher Gemälde zu mythologischen, historischen, religiösen Themen und Landschaften. In ihnen findet man fast immer ausgefeilte Inszenierungen voller Gedanken und Dramatik. Er wandte sich der fernen Vergangenheit zu und erzählte nicht nach, sondern erschuf bekannte Geschichten kreativ nach und überdachte sie.

Gemälde von N. Poussin „Arcade Shepherds“- einer der Höhepunkte des Schaffens des Künstlers, in dem die Ideen des Klassizismus eine vollständige und lebendige Verkörperung gefunden haben. Es zeigt den Wunsch des Autors nach skulpturaler Klarheit der Formen, plastischer Vollständigkeit und Genauigkeit der Zeichnung, Klarheit und Ausgewogenheit der geometrischen Komposition unter Verwendung des Prinzips des Goldenen Schnitts. Die Strenge der Proportionen, der sanfte, klare lineare Rhythmus vermittelten perfekt die Strenge und Erhabenheit von Ideen und Charakteren.

Das Bild basiert auf einem tiefen philosophischen Gedanken über die Zerbrechlichkeit der irdischen Existenz und die Unvermeidlichkeit des Todes. Vier Hirten, Bewohner des glücklichen Arkadiens (einer Region im Süden Griechenlands, die ein Symbol für ewigen Wohlstand, ein heiteres Leben ohne Kriege, Krankheit und Leid ist), finden zufällig zwischen den Büschen ein Grab mit der Inschrift: „Iya war in Arkadien. Aber jetzt gehöre ich nicht zu den Lebenden, so wie auch du, der du jetzt diese Inschrift liest, nicht sein wirst.“ Die Bedeutung dieser Worte bringt sie zum Nachdenken ... Einer der Hirten senkte demütig den Kopf und legte seine Hand auf den Grabstein. Der zweite kniet nieder, fährt mit dem Finger durch die Buchstaben und versucht, die halb gelöschte Inschrift zu lesen.

Der Dritte lässt die traurigen Worte nicht los und wirft seinem Begleiter einen fragenden Blick zu. Auch die Frau rechts blickt ruhig auf die Inschrift. Sie legte ihre Hand auf seine Schulter, als wollte sie ihm helfen, mit dem Gedanken an ein unausweichliches Ende klarzukommen. So wird die Figur einer Frau als Mittelpunkt des spirituellen Friedens wahrgenommen, jenes philosophischen Gleichgewichts, zu dem die Autorin den Betrachter führt.

Poussin strebt eindeutig danach, verallgemeinerte Bilder zu schaffen, die den Kanonen antiker Schönheit nahe kommen: Sie sind wirklich körperlich perfekt, jung und voller Kraft. Die Figuren, die in vielerlei Hinsicht an antike Statuen erinnern, sind im Raum ausbalanciert. In ihren Schriften verwendete die Künstlerin ausdrucksstarkes Hell-Dunkel.

tief philosophische Idee Das dem Bild zugrunde liegende Bild kommt in kristallklarer und klassisch strenger Form zum Ausdruck. Wie beim römischen Relief findet die Haupthandlung in einem relativ flachen Vordergrundbereich statt. Der Bildaufbau ist äußerst einfach und logisch: Alles basiert auf einem sorgfältig durchdachten Rhythmus ausgewogener Bewegungen und unterliegt einfachsten geometrischen Formen, die dank der Genauigkeit mathematischer Berechnungen erreicht werden. Die Figuren sind nahezu symmetrisch in der Nähe des Grabsteins gruppiert, verbunden durch die Bewegung ihrer Hände und das Gefühl eines anhaltenden Innehaltens. Dem Autor gelingt es, ein Bild einer idealen und harmonischen Welt zu schaffen, die nach den höheren Gesetzen des Geistes geordnet ist.

Das koloristische System von Poussins Gemälden basierte normalerweise auf der Überzeugung des Autors, dass Farbe das wichtigste Mittel zur Schaffung von Volumen und Raumtiefe ist. Die Unterteilung in Ebenen wurde meist durch den Zusammenklang kräftiger Farben betont. Im Vordergrund herrschten meist gelbe und braune Farben vor, im zweiten warmes Grün, im dritten kaltes, hauptsächlich Blau. In diesem Bild unterliegt alles den Gesetzen der klassischen Schönheit: dem Farbkonflikt des kalten Himmels mit dem warmen Vordergrund und der Schönheit des Nackten menschlicher Körper, in gleichmäßig diffusem Licht übertragen, wurde vor dem Hintergrund eines saftig grünen Blattes besonders wirkungsvoll und erhaben wahrgenommen – Sie einer ruhigen Landschaft.

Im Allgemeinen war das Bild von einem Gefühl verborgener Traurigkeit, Frieden und idyllischer Seelenruhe durchdrungen. Eine stoische Versöhnung mit dem Schicksal, eine weise, würdevolle Akzeptanz des Todes ließen Poussins Klassizismus mit einer antiken Weltanschauung entstehen. Der Gedanke an den Tod löste keine Verzweiflung aus, sondern wurde als unvermeidliche Manifestation der Gesetze des Seins wahrgenommen.

Meister“ galantes Genre»: Rokoko-Malerei

Die Hauptthemen der Rokoko-Malerei sind das exquisite Leben der Hofaristokratie, „galante Feste“, idyllische Bilder des „Hirtenlebens“ vor dem Hintergrund unberührter Natur, die Welt komplexer Liebesaffären und genialer Allegorien. Das menschliche Leben ist augenblicklich und vergänglich, und deshalb ist es notwendig, den „glücklichen Moment“ einzufangen, sich zu beeilen, um zu leben und zu fühlen. „Der Geist charmanter und luftiger Kleinigkeiten“ (M. Kuzmin) wird zum Leitmotiv der Arbeit vieler Künstler des „königlichen Stils“.

Für die meisten Maler des Rokoko stellen Venus, Diana, Nymphen und Amoretten alle anderen Gottheiten in den Schatten. Alle Arten von „Baden“, „Morgentoiletten“ und sofortigen Freuden sind mittlerweile fast das Hauptthema des Bildes. Exotische Farbnamen kommen in Mode: „die Farbe des Oberschenkels einer verängstigten Nymphe“ (Fleisch), „die Farbe einer in Milch schwimmenden Rose“ (blassrosa), „die Farbe der verlorenen Zeit“ (blau). Durchdachte, schlanke Kompositionen des Klassizismus weichen einem eleganten und raffinierten Muster.

Antoine Watteau(1684-1721) nannten Zeitgenossen „den Dichter der sorglosen Muße“, „den Sänger der Anmut und Schönheit“. In seinen Werken hielt er Picknicks in immergrünen Parks, Musik- und Theaterkonzerte mitten in der Natur, leidenschaftliche Geständnisse und Liebesstreitigkeiten, idyllische Dates, Bälle und Maskeraden fest. Gleichzeitig liegt in seinen Bildern eine ergreifende Traurigkeit, ein Gefühl für die Vergänglichkeit der Schönheit und die Flüchtigkeit des Geschehens.

Eines der berühmtesten Gemälde des Künstlers - „Pilgerfahrt zur Insel Kythera“, dank dessen er in die Royal Academy of Painting and Sculpture aufgenommen wurde und den Titel „Meister galanter Festlichkeiten“ erhielt. Charmante Damen und galante Herren versammelten sich am blumenübersäten Ufer der Meeresbucht. Sie segelten zur Insel Kythera – der Insel der Göttin der Liebe und Schönheit Venus (identifiziert mit). griechische Göttin Liebe Af-born), wo sie der Legende nach aus dem Schaum des Meeres kam. Das Fest der Liebe beginnt an einer Statue, die Venus und Amoretten darstellt, von denen eine sich herabstreckt, um eine Lorbeergirlande auf die schönste der Göttinnen zu legen. Am Fuß der Statue liegen Waffen, Rüstungen, eine Leier und Bücher – Symbole des Krieges, der Künste und der Wissenschaften. Nun ja, Liebe kann wirklich alles besiegen!

Die Handlung verläuft wie ein Film und erzählt nacheinander vom Weg jedes verliebten Paares. Im Verhältnis der Charaktere herrscht die Sprache der Anspielungen: plötzlich

geworfene Blicke, eine einladende Geste eines Fächers in den Händen eines Mädchens, eine mitten im Satz abgebrochene Rede ... In allem spürt man die Harmonie von Mensch und Natur. Doch es ist schon Abend, der goldene Sonnenuntergang färbt den Himmel. Der Feiertag der Liebe verblasst und erfüllt den unbeschwerten Spaß verliebter Paare mit Traurigkeit. Schon bald kehren sie zu ihrem Schiff zurück, das sie von der unwirklichen Welt in die Welt der alltäglichen Realität entführen wird. Ein wundervolles Segelschiff – das Schiff der Liebe – ist bereit zum Segeln. Warme, sanfte Farben, gedeckte Farben, leichte Pinselstriche, die die Leinwand kaum berühren – all das entsteht besondere Atmosphäre Charme und Liebe.

Und wieder liebe ich die Erde

Was sind die Strahlen des Sonnenuntergangs so feierlich,

Mit leichtem Pinsel Antoine Watteau

Hat mein Herz einmal berührt.

G. Iwanow

Das Gemälde von Watteau gehört zu den wahren Meisterwerken. Gilles (Pierrot), geschaffen als Zeichen für Auftritte reisender Komiker. Gilles ist die Haupt- und Lieblingsfigur der französischen Maskenkomödie, im Einklang mit Pierrot, dem Helden der italienischen Komödie dell'arte. Das tollpatschige, naive Geschöpf scheint speziell für den ständigen Spott und die Tricks des klugen und listigen Harlekins geschaffen worden zu sein. Gilles ist in einem traditionellen weißen Anzug mit Umhang und rundem Hut dargestellt. Er steht regungslos und verloren vor dem Betrachter, während andere Komiker sich zur Ruhe setzen. Er scheint auf der Suche nach einem Gesprächspartner zu sein, der ihm zuhören und ihn verstehen kann. Die lächerliche Pose eines Komikers mit schlaff gesenkten Händen und starrem Blick hat etwas Berührendes und Ungeschütztes. Im müden und traurigen Aussehen eines Possenreißers verbarg sich der Gedanke an die Einsamkeit eines Menschen, der gezwungen war, ein gelangweiltes Publikum zu amüsieren und zu unterhalten. Die emotionale Offenheit des Helden macht ihn zu einem der tiefgreifendsten und bedeutungsvollsten Bilder in der Geschichte der Weltmalerei.

Künstlerisch ist das Bild brillant umgesetzt. Höchste Einfachheit in Motiv und Komposition wird hier mit einem präzisen Muster und einer sorgfältig durchdachten Farbgebung kombiniert. Der gespenstisch weiße Kapuzenpullover ist mit sorgfältigen und zugleich kräftigen Pinselstrichen bemalt. Schimmernde blasse Silber-, Asche-Flieder- und Grau-Ocker-Töne fließen und schimmern und brechen in Hunderte von zitternden Glanzlichtern. All dies schafft eine erstaunliche Atmosphäre für die Wahrnehmung von Tiefe philosophischer Sinn Gemälde. Wie kann man der Aussage eines seiner Zeitgenossen widersprechen: „Watto schreibt nicht mit Farben, sondern mit Honig, geschmolzenem Bernstein.“

Francois Boucher(1703-1770) betrachtete sich als einen treuen Schüler Watteaus. Manche nannten ihn „den Künstler der Grazien“, „Anakreon der Malerei“, „königlichen Maler“. Dieser sah in ihm einen „heuchlerischen Künstler“, „der alles außer der Wahrheit hat“. Wieder andere bemerkten skeptisch: „Seine Hand pflückt Rosen, wo andere nur Dornen finden.“

Der Pinsel des Künstlers gehört zu einer Reihe zeremonieller Porträts des Günstlings von König Ludwig XV., der Marquise de Pompadour. Es ist bekannt, dass sie Bush unterstützte und ihm mehr als einmal Gemälde zu religiösen Themen für Landhäuser und Pariser Villen bestellte. in dem Bild „Frau von Pompadour“ Die Heldin wird umgeben von verstreuten Blumen und luxuriösen Gegenständen präsentiert, die an ihren künstlerischen Geschmack und ihre Hobbys erinnern. Sie lehnt sich majestätisch vor dem Hintergrund üppiger, feierlicher Vorhänge zurück. Das Buch in ihrer Hand ist ein klarer Hinweis auf Aufklärung und Engagement für intellektuelle Aktivitäten. Die Marquise de Pompadour dankte dem Künstler großzügig und ernannte ihn zunächst zum Direktor der Gobelin-Manufaktur und dann zum Präsidenten der Akademie der Künste, was ihm den Titel „erster Maler des Königs“ verlieh.

Francois Boucher wandte sich mehr als einmal der Darstellung frivoler Szenen zu, deren Hauptfiguren niedliche, schüchterne Hirten oder pralle nackte Reize in Form der mythologischen Venus und Diana waren. Seine Bilder sind voll von mehrdeutigen Andeutungen, pikanten Details (der hochgezogene Saum des Satinrockes des Hirten, das kokett hochgezogene Bein der badenden Diana, der Finger an den Mund gedrückt, der beredte, einladende Blick, die Lämmer, die sich an die Beine der Liebenden klammern). , Tauben küssen usw.). Nun, der Künstler kannte die Mode und den Geschmack seiner Zeit sehr gut!

In der Geschichte der Weltmalerei bleibt Francois Boucher immer noch ein großartiger Meister der Farbe und der exquisiten Zeichnung. Witzige Kompositionen, ungewöhnliche Figurenwinkel, satte Farbakzente, helle Reflexe transparenter Farben, aufgetragen mit kleinen, leichten Strichen, sanfte, fließende Rhythmen – all das macht F. Boucher zu einem unübertroffenen Maler. Seine Gemälde verwandeln sich in dekorative Tafeln, schmücken die üppigen Innenräume von Fluren und Wohnzimmern und rufen in die Welt des Glücks, der Liebe und der schönen Träume.

Fragen und Aufgaben

1. Warum wird das Werk von N. Poussin als Höhepunkt des Klassizismus in der Malerei bezeichnet? Was war der Grund für die Ausrufung des Kultes dieses Meisters? Welche Themen und warum bevorzugte er? Könnten Sie die Gültigkeit der Einschätzung des französischen Künstlers J. L. David beweisen, der von Poussin als einem „unsterblichen“ Meister sprach, der „die erhabensten Lehren der Philosophie auf Leinwand verewigt“?

2. Poussin bemerkte: „Für mich gibt es keine Kleinigkeiten, die man vernachlässigen kann ... Meine Natur führt mich dazu, Dinge zu suchen und zu lieben, die perfekt organisiert sind, und Unordnung zu vermeiden, die für mich genauso abstoßend ist wie die Dunkelheit für das Licht.“ Welche Verkörperung findet dieses Prinzip im Werk des Künstlers? Wie lässt es sich mit der von ihm entwickelten Theorie des Klassizismus vergleichen?

3. Was vereint die größten Meister des „galanten Genres“ – A. Watteau und F. Boucher? Was ist ihr Unterschied? Kann man Boucher als wahren Schüler Watteaus bezeichnen?

Kreativwerkstatt

1. Vergleichen Sie Selbstporträts von Künstlern, die Sie kennen, mit Poussins „Selbstporträt“. Was genau zeichnet dieses Stück aus? Kann man behaupten, dass es auf klassische Weise hergestellt wurde?

2. Machen Sie sich mit dem Bild von Poussin „Der Tod des Germanicus“ vertraut, das ihn berühmt machte und als Programmwerk des Klassizismus gilt. Welche Funktionen Kunstsystem spiegelt sich dieser Stil darin wider? Wie legitim ist die Aussage, dass „dieses eine Bild ausreichen würde, um den Namen Poussin in der Ewigkeit zu bewahren“ (A. Fusli)?

3. Führen Sie eine Studie über die Entwicklung der Landschaft im Werk von Poussin durch. Was ist es künstlerische Rolle? Warum, glauben Sie, befriedigte die Natur „wie sie ist“ den Künstler nicht und er malte nie Landschaften nach der Natur? Wie in seinen Werken der Kontrast von ewiger Existenz der Natur und kurzer Dauer vermittelt wird Menschenleben? Warum ist in seinen Landschaften immer die Präsenz des Menschen zu spüren? Warum sieht man auf vielen Gemälden einsame menschliche Figuren, die in den umgebenden Raum blicken? Warum werden sie oft in den Vordergrund gerückt und ihr Blick ist in die Tiefe der Landschaft gerichtet?

4. E. Delacroix sah in N. Poussin „einen großen Maler, der Architektur mehr verstand als Architekten“. Wie fair ist dieser Standpunkt? Kann man argumentieren, dass Architektur am häufigsten zum Hauptthema wird? Gut Seine Arbeiten? Stimmen Sie zu, dass Poussin den Raum oft nach den Prinzipien einer klassischen Theateraufführung organisiert?

5. Ist es möglich, die Gültigkeit der Worte eines der Forscher zu beweisen, dass „Watteau es in der materiellen Kunst auf wundersame Weise geschafft hat, das auszudrücken, was nur der Musik zugänglich schien“? Ist es so? Hören Sie die Musik des französischen Komponisten F. Couperin (1668-1733). Wie sehr stimmt es mit den Werken des Künstlers überein, inwieweit drückte es den Geschmack und die Stimmung des Rokoko aus?

6. Der französische Pädagoge Denis Diderot kritisierte Bouchers Werk ironisch: „Was für Farben! Was für eine Vielfalt! Was für eine Fülle an Objekten und Ideen! Dieser Mann hat alles, außer der Wahrheit ... Was für ein Haufen heterogener Objekte! Du spürst all seine Sinnlosigkeit; und man kann den Blick nicht vom Bild lassen. Sie zieht dich an und unwillkürlich kehrst du zu ihr zurück. Das ist so ein angenehmer Po-Rock, das ist so eine unnachahmliche und seltene Torheit. Es hat so viel Fantasie, Wirkung, Magie und Leichtigkeit!“ Welche Einschätzungen zu Diderot teilen Sie und womit sind Sie nicht einverstanden? Warum?

Themen von Projekten, Abstracts oder Nachrichten

„Nicolas Poussin und die Antike: der Heldentum von Handlungen und Bildern“; „Die künstlerische Rolle und Entwicklung der Landschaft im Werk von Poussin“; „Architektonische Motive im Werk von Poussin“; „Vorgänger und Anhänger von Poussin“; „Poussins Kreativität und die Traditionen des klassizistischen Theaters“; „Meister der „galanten Gattung“ (Rokoko-Malerei)“; "A. Watteau ist ein Maler der Freude und Trauer“; „Die Beherrschung der Farbe in den Werken von A. Watteau“; „Theatralik und Musikalität der Malerei von A. Watteau“; „Der „Künstler der Grazien“ von F. Boucher“; „Charakteristische Merkmale der dekorativen und angewandten Kunst des Rokoko“.

Bücher zur zusätzlichen Lektüre

Deutsch M. Yu. Watteau. M., 2001.

Glikman A. S. Nicolas Poussin. L.; M., 1964.

Daniel S. M. Rokoko. Von Watteau bis Fragonard. SPb., 2007.

Zolotov Yu. K. Poussin. M., 1988.

Kantor A. M. und andere. Art XVIII Jahrhundert. M., 1977. (Kleine Kunstgeschichte).

Kaptereva T., Bykov V. Kunst Frankreich XVII Jahrhundert. M., 1969.

Kozhina E.F. Kunst Frankreichs des 18. Jahrhunderts. L., 1971.

Nemilova I. S. Rätsel alter Gemälde. M., 1996.

Rotenberg E. I. Westeuropäer Kunst XVII Jahrhundert. M., 1971. (Denkmäler der Weltkunst).

Sokolov M. N. Alltagsbilder in der westeuropäischen Malerei des XV-XVII Jahrhunderts. M., 1994.

Chegodaev A. D. Antoine Watteau. M., 1963.

Yakimovich A.K. Neue Zeit: Kunst und Kultur des XVII-XVIII Jahrhunderts. SPb., 2004.

Bei der Vorbereitung des Materials wurde der Text des Lehrbuchs „World Kunstkultur. Vom 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart“ (Autorin Danilova G. I.).

Im 18. Jahrhundert wurde die westeuropäische Kunst vielleicht zum Hauptgegenstand hitziger Diskussionen, zum Kollisionspunkt verschiedener Weltanschauungen, zum Nachdenken großes Bild Verwirrung und Vielfalt der Formen seiner Existenz. Zeitgenossen stritten über das Verhältnis von Kunst und Natur, über die Rolle und Aufgabe des Künstlers und des Betrachters, das Verhältnis von Wahrheit und Fiktion. Ein charakteristisches Merkmal dieser Zeit war die unbestreitbare Tatsache, dass es sich nicht um einen allmählichen Wandel handelte, sondern um die gleichzeitige Existenz von Barock, Klassizismus, Rokoko und Sentimentalismus.

Wie konnten dann in dieser schwierigen Situation der Klassizismus und die barocken Ideale, die seit mehr als einem halben Jahrhundert vorherrschten und in ihrem Wesen so unterschiedlich und in vielerlei Hinsicht sogar gegensätzlich waren, „koexistieren“?

Der Klassizismus war der erste klar definierte Trend in der europäischen Kunst, der ein eigenes ästhetisches Programm schuf und strenge Regeln entwickelte künstlerische Kreativität und seine ideologische Ausrichtung (Wenn die Kunst des Klassizismus zu Beginn untrennbar mit der Idee der absoluten Monarchie verbunden war und die Verkörperung von Integrität, Größe und Ordnung darstellte, dann später in Form des sogenannten revolutionären Klassizismus, dessen Geburtsort War Frankreich, diente es den widersprüchlichen Idealen des Kampfes gegen die Tyrannei und der Errichtung einer Zivilgesellschaft. Doch in der letzten Phase seiner Entwicklung begann der Klassizismus, die Ideale des napoleonischen Reiches aktiv zum Ausdruck zu bringen – nicht umsonst fand er seine künstlerische Fortsetzung im Empire-Stil).

Barockkunst, die in früheren Beiträgen ausführlich beschrieben wurde (bei Interesse finden Sie sie unter dem entsprechenden Tag), in mehr Es stützte sich eher auf die Intuition als auf ein rationales Prinzip und schuf daher keine Theorie. Der Klassizismus gab die grundlegende Widersprüchlichkeit des Barock auf und lehnte sein Hauptmotto ab: „Wer die Regeln nicht bricht, ist kein Dichter.“ Der Klassizismus erkannte nur Harmonie und Ordnung, „begradigte“ die bizarren Formen der Barockkunst und hörte auf, tragisch wahrzunehmen Spirituelle Welt Person und übertrug den Hauptkonflikt auf die Sphäre der Beziehungen zwischen Individuum und Staat.

Der Barock, der fast völlig veraltet war und seinen logischen Abschluss fand, wich dem Klassizismus. Aber der wahre Erbe des Barock war nicht der Klassizismus, sondern ein anderer Stil – Rokoko.

Rokoko in der bildenden Kunst:
Jean Honoré Fragonard „Glückliche Möglichkeiten der Schaukel“ (1766)

In den 20er Jahren des 18. Jahrhunderts gab es in Frankreich ein neuer Stil Kunst - Rokoko (vom französischen Rocaille – Muschel). Der Name selbst verriet das wichtigste charakteristische Merkmal dieses Stils – eine Vorliebe für exquisite und komplexe Formen, bizarre Linien, die in vielerlei Hinsicht an die Silhouette einer Muschel erinnern.

Die Muschel verwandelte sich entweder in eine komplexe Locke mit einigen seltsamen Schlitzen oder in ein Ornament in Form eines Schildes oder einer halb gefalteten Schriftrolle, die ein Wappen oder Emblem darstellte.

In Frankreich ließ das Interesse am Rokoko-Stil Ende der 1760er Jahre nach, in den Ländern Mitteleuropas war sein Einfluss jedoch bis zum Ende des 18. Jahrhunderts spürbar.

Die Kunst des Rokoko entstand in der Zeit der spirituellen Krise der absolutistischen Macht in Frankreich. Es spiegelte die Ideale und Stimmungen der oberen Schichten der französischen Gesellschaft wider und wurde zwangsläufig von aristokratischen Kunden beeinflusst.

Das Hauptziel der Rokoko-Kunst absolut hedonistisch - sinnliches Vergnügen bereiten. Kunst sollte erfreuen, berühren und unterhalten und das Leben in eine raffinierte Maskerade und „Gärten der Liebe“ verwandeln. Komplizierte Liebesintrigen, Vergänglichkeit von Hobbys, gewagte, riskante, sozial herausfordernde Aktionen von Helden, Abenteuer und Fantasien, galante Unterhaltungen und Feiertage bestimmten den Inhalt von Kunstwerken.

charakteristische Merkmale des Rokoko , die in den Kunstwerken dieser Stilrichtung zu erkennen sind, können wir Folgendes erkennen:

1. Anmut und Leichtigkeit, Komplexität, dekorative Raffinesse und Improvisation, Pastoralität (Hirtenidylle), Verlangen nach Exotik.

2. Ornament in Form von stilisierten Muscheln und Locken, Arabesken, Blumengirlanden, Amorfiguren usw.
3. Eine Kombination aus hellen Pastelltönen und zarten Tönen mit vielen weißen Details und Gold.
4. Der Kult der schönen Nacktheit, der auf die alte Tradition zurückgeht, raffinierte Sinnlichkeit, Erotik.
5. Der Kult der kleinen Formen, der Intimität, der Miniatur (insbesondere in Skulptur und Architektur), der Liebe zu Kleinigkeiten und Schmuckstücken („charmante Kleinigkeiten“), die das Leben eines galanten Menschen des „galanten Zeitalters“ erfüllen.
6. Ästhetik der Nuancen und Andeutungen, eine faszinierende Dualität der Bilder, vermittelt durch leichte Gesten, halbe Drehungen, kaum wahrnehmbare Mimikbewegungen, halbes Lächeln, einen verschwommenen Blick oder einen feuchten Glanz in den Augen.

Der Rokoko-Stil erreichte seine größte Blüte in den Werken der dekorativen und angewandten Kunst Frankreichs (Innenräume von Palästen und Kostüme der Aristokratie).

In Russland manifestierte es sich vor allem in der architektonischen Dekoration – in Form von Schriftrollen, Schilden und komplizierten Muscheln – Rocaillen(dekorative Ornamente, die die Kombination aus bizarren Muscheln und ausgefallenen Pflanzen imitieren) sowie Maskarons(Stuck- oder geschnitzte Masken in Form eines menschlichen Gesichts oder eines Tierkopfes, angebracht über Fenstern, Türen, Bögen, Brunnen, Vasen und Möbeln).

Der Rokoko-Stil geriet schnell aus der Mode.

Aber sein Einfluss zum Beispiel auf Impressionisten lässt keine Zweifel aufkommen. Und der offensichtlichste Einfluss des Rokoko zeigt sich in der Arbeit von Künstlern und Architekten dieses Stils

Danke für die Aufmerksamkeit.
Sergej Worobjow.

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Italienischer Künstler und der Dichter Agostino Crraci (1557-1602) forderte die Maler auf, sich strikt an die Grundsätze der Antike und der Renaissance zu halten: Wer ein guter Maler werden will und strebt, der rüste sich mit der Zeichnung Roms, der Bewegung und dem Hell-Dunkel der Venezianer Und die lombardische Zurückhaltung der Farbe. Er wird eine kraftvolle Art von Michelangelo übernehmen, von Tizian – die Übertragung der Natur, die Reinheit und Erhabenheit des Corregian-Stils und die strenge Haltung von Raffael ...

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Nicolas Poussin – klassizistischer Künstler Das Werk des französischen Künstlers Nicolas Poussin (1594-1665) gilt als Höhepunkt des Klassizismus in der Malerei. Sein Schönheitsideal sah er in der Proportionalität der Teile des Ganzen, in der äußeren Ordnung, Harmonie und Klarheit der Formen. Nach Ansicht des Künstlers sind Vernunft und Denken das Hauptkriterium künstlerischer Wahrheit und Schönheit. Deshalb forderte er, so zu schaffen, „wie es Natur und Vernunft lehren“. Bei der Auswahl der Themen ließ sich Poussin von Heldentaten und Taten leiten, die auf hohen bürgerlichen Motiven und nicht auf menschlichen Leidenschaften beruhten. Nicholas Poussin. Selbstporträt. 1650 Louvre, Paris.

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Poussin. Landschaft mit Diogenes. Poussin widmete sein Werk der Verherrlichung des heroischen Mannes, der in der Lage war, die Natur durch die Kraft eines mächtigen Geistes zu erkennen und zu verändern. Seine Helden sind Menschen mit hohen moralischen Qualitäten. Sie befinden sich oft in dramatischen Situationen, die besondere Gelassenheit, Geistes- und Charakterstärke erfordern.

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Apollo und Daphne Poussin. Apollo und Daphne Bei den Themen suchte Poussin nur nach solchen, in denen es Aktion, Bewegung und Ausdruck gab. Er begann die Arbeit an dem Gemälde mit einem sorgfältigen Studium der literarischen Quelle (Metamorphosen von Ovid oder Heilige Schrift). Wenn er die gesetzten Ziele erreichte, dachte der Künstler nicht an das komplexe Innenleben der Figuren, sondern an den Höhepunkt der Handlung. Poussins übliche Handlungsformel lautete: „Die Würfel sind gefallen, die Entscheidung ist gefallen, die Wahl ist getroffen.“

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Poussin. David der Gewinner Das Kompositionssystem von Poussins Gemälden basiert auf zwei Prinzipien: dem Gleichgewicht der Formen (der Aufbau von Figuren um das Zentrum) und ihrem freien Verhältnis (Verschiebung vom Zentrum weg). Durch das Zusammenspiel dieser beiden Prinzipien konnte ein außergewöhnlicher Eindruck von Ordnung, Freiheit und Beweglichkeit der Komposition erzielt werden. Die „Harmonie“ jedes Gemäldes eines Künstlers kann jederzeit „mit Algebra überprüft“ werden. Jedes Muster im Bild ist keine Erfindung seines Autors, es spiegelt immer die Logik und das Entwicklungsmuster der Natur des Universums wider.

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Nicholas Poussin. Arkadische Hirten. 1638-1639 Louvre, Paris. Nicolas Poussin ist Autor zahlreicher Gemälde zu mythologischen, historischen, religiösen und landschaftlichen Themen. Das Gemälde „Arkadische Hirten“ ist einer der Höhepunkte des Schaffens des Künstlers, das Ergebnis seiner unermüdlichen Suche. Drei junge Männer und eine junge Frau blieben am Steingrabstein stehen. Ihrer Kleidung und ihren Stöcken nach zu urteilen, sind sie Hirten. Einer von ihnen kniete nieder und analysiert sorgfältig die Inschrift auf dem Grabstein. Der junge Mann und das Mädchen auf der linken Seite erstarrten, versunken in stilles Nachdenken über die Zerbrechlichkeit des menschlichen Lebens.

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Narziss und Echo von Nicolas Poussin. Narzisse und Echo. Von großer Bedeutung im künstlerischen System von Poussin ist die Farbe. Er trug Farben von dunkel nach hell auf. Der Himmel und die Schatten des Hintergrunds wurden so dünn ausgeführt, dass die körnige Textur der Leinwand durch sie hindurchschimmerte. Er bevorzugte gegenüber vielen Farben Ultramarin, Kupferblau, Gelb- und Rotocker, Grün und Zinnober.

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Nicolo Poussin. Die Entführung der Sabinerinnen Die meisten von Poussin geschaffenen Gemälde zu mythologischen Themen gehören zu den Meisterwerken der Weltkunst („Sammeln von Manna in der Wüste“, „Anbetung des goldenen Kalbs“, „Moses spuckt Wasser aus dem Felsen“, „ Urteil Salomos“, „Kreuzabnahme“).

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Skulpturale Meisterwerke des Klassizismus. Einer der herausragenden Bildhauer des Klassizismus ist Antonio Canova (1757-1822). Die ersten Werke des jungen italienischen Bildhauers zeigen die Helden der Antike griechische Mythologie verherrlichte seinen Namen. Die Statuen „Orpheus“, „Eurydike“, „Perseus“, „Dedalus und Ikarus“, „Theseus, der Sieger des Minotaurus“, „Amor und Psyche“ beeindruckten Zeitgenossen, die feststellten, dass in den Statuen das Leben selbst pulsiert.

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Die Skulpturengruppe „Drei Grazien“ zeichnet sich durch die perfekte Harmonie der Proportionen, die Schönheit der Linien und die feinste Bearbeitung der Marmoroberfläche aus. Canovas Zeitgenossen betrachteten sie als höchste Verkörperung des neuen Schönheitsideals. Es ist bekannt, dass die drei Grazien in der griechischen Mythologie die Schönheit und den weiblichen Charme der Jugend verkörperten. Die Figuren der Grazien sind im Halbkreis angeordnet. Die aus Händen verschränkten Hände vereinen die Skulpturengruppe kompositorisch. Einer seiner Zeitgenossen schrieb: „Die ganze Gruppe verkörpert die Liebe, es ist schwierig, in anderen Werken westeuropäischer Kunst einen anderen, subtileren Ausdruck dafür zu finden.“ Antonio Canova. Drei Grazien. 1816 Staatliche Eremitage, St. Petersburg.

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Antonio Canova.. Porträt von Pauline Borghese als Venus. Marmor. 1805-1807 Jahre. Galerie Borghese. Rom.

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Skulpturengruppe Antonio Canova Daedalus und Ikarus. 1777-1779 Jahre. Carrer-Museum. Venedig.

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Bertel Thorvaldsen. Das künstlerische Ideal des dänischen Bildhauers Bertel Thorvaldsen (1768–1844) waren auch die Meisterwerke der antiken bildenden Kunst. Er widmete die meisten seiner Werke mythologische Themen und Bilder. Die besten unter ihnen sind „Jason mit dem Goldenen Vlies“, „Ganymed und der Adler des Zeus“ und „Merkur“.

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Das Bild vollkommener Harmonie und Schönheit ist in der Statue von Prinzessin M.F. Baryatinsky, der Frau eines berühmten russischen Diplomaten, festgehalten. Zu ihren Lebzeiten war sie berühmt für ihren scharfen Verstand und ihre umwerfende Schönheit, Freundlichkeit und ihren weiblichen Charme. Hier wird sie in der Gestalt einer antiken Göttin in elegant fließenden Kleidern dargestellt, durch die ihre wunderbar gebaute Figur leicht zu erahnen ist. Das Oval ihres Gesichts, ihre nachdenkliche, würdevolle Haltung, ihr leicht nach rechts geneigter Kopf sind von idealer Schönheit. Mit der linken Hand hält sie vorsichtig ein leichtes Tuch, die rechte ist kokett bis zum Kinn erhoben. Diese Geste bringt die „alte Göttin“ zurück wahres Leben, was sie zu einer ziemlich irdischen Frau macht. Bertel Thorvaldsen. Prinzessin M. F. Baryatinskaya. 1818 Thorvaldsen Museum, Kopenhagen.

Folie 27

Bertel Thorvaldsen. Jason mit dem Goldenen Vlies. 1803-1828, Thorvaldsen Museum, Kopenhagen.

Folie 28

Bertel Thorvaldsen. Ganymed und der Adler. 1818-1829, Art Institute, Minneapolis. MHK, 11. Klasse
Lektion Nr. 6
Kunst
Klassizismus und
Rokoko
DZ: Kapitel 6, ?? (S. 63), TV.
Aufgaben (S.63-65), Tab. (Mit.
63) Füllen Sie das Notizbuch aus
© A.I. Kolmakow

LERNZIELE
eine Vorstellung von Kunst vermitteln
Klassizismus, Sentimentalismus und
Rokoko;
Horizonte erweitern, Analysefähigkeiten
Kunstgenres;
national erziehen
Selbstbewusstsein und Selbstidentifikation,
Respekt vor der Musik
Rokoko.

KONZEPTE, IDEEN

O. Fragonard;
Klassizismus;
G. Rigaud;
Rokoko;
Sentimentalismus;
Hedonismus;
Rocaille;
Maskarons;
V.L. Borowikowski;
Reich;
J. J. Rousseau

Überprüfung des Wissens der Studierenden

1. Was sind Charaktereigenschaften Musikkultur Barock? Wie
Unterscheidet es sich von der Renaissancemusik? Streit
Ihre Antwort mit konkreten Beispielen.
2. Warum wird C. Monteverdi als erster Barockkomponist bezeichnet? IN
Was war der reformatorische Charakter seiner Arbeit? Was
Charakteristisch für den „Excited Style“ seiner Musik? Welche
Dieser Stil spiegelt sich in Opernwerken wider
Komponist? Was verbindet musikalische Kreativität ZU.
Monteverdi mit Werken barocker Architektur und Malerei?
3. Was zeichnet das musikalische Schaffen von J. S. Bach aus? Wieso er
als Teil der Musikkultur des Barock betrachtet?
Haben Sie schon einmal die Orgelmusik von J. S. Bach gehört? Wo?
Was sind Ihre Eindrücke? Was sind die Werke der Großen?
Welche Komponisten stehen Ihnen besonders nahe? Warum?
4. Was sind die charakteristischen Merkmale der russischen Barockmusik? Was
Gab es Parteskonzerte des 17. – frühen 18. Jahrhunderts?
Warum ist die Entwicklung der russischen Barockmusik damit verbunden?
die Gründung einer Komponistenschule in Russland? Welche
Die geistliche Chormusik von M.S. beeindruckt Sie.
Berezovsky und D.S. Bortnyansky?

Universelle Lernaktivitäten

definieren
bedeutsam identifizieren
unerlässliche Eigenschaften
Stilschilder
Klassizismus-Stile
Klassizismus
Und
und Rokoko,
Rokoko, korrelieren
korrelieren Sie sie mit einem bestimmten historischen
Epoche;
Epoche;
Forschung
Ursache-Wirkungs-Beziehungen erforschen
Kommunikation,
Muster
Schaltmuster
künstlerisch
Kunstmodelle
Modelle der Welt;
Frieden;
auswerten
die Ästhetik beurteilen
ästhetisch, spirituell
spirituell und
und künstlerisch
künstlerisch
Wert
Wert von kulturellen und historischen
kulturelle und historische Ära;
Epochen;
aufdecken
Wege erkennen
Wege und
und Gelder
Ausdrucksmittel
Äußerungen der Öffentlichkeit
Ideen
Ideen und
und ästhetisch
ästhetische Ideale
Ideale der Zeit
Ära in
im Gange
Analyseprozess
Analyse
funktioniert
Kunstwerke des Klassizismus,
Klassizismus, Rokoko und
Sentimentalismus;
Sentimentalismus;
finden
assoziativ finden
assoziative Verknüpfungen
Kommunikation und
und Unterschiede
Unterschied zwischen
künstlerisch
künstlerische Bilder des Klassizismus, Barock und
Rokoko,
Rokoko, präsentiert in verschiedenen
verschiedene Arten
Arten von Kunst;
Künste;
charakterisieren
charakterisieren die Hauptsache
Haupteigenschaften,
Funktionen, Bilder
Bilder und Themen
Themen
Kunst
klassische Kunst,
Klassizismus, Rokoko
Rokoko und
und Sentimentalismus;
Sentimentalismus;
nominieren
Hypothesen aufstellen
Hypothesen, verbinden
in einen Dialog treten
Dialog, Argument
argumentieren
eigen
eigener Punkt
Standpunkt
Vision von
entsprechend der formulierten
formuliert
Probleme;
Probleme;
systematisieren
systematisieren und
und verallgemeinern
verallgemeinern Sie das
Wissen erhalten
Wissen über
um
wesentlich
Hauptstile und Strömungen der Kunst
Kunst des XVII-XVIII Jahrhunderts.
(Arbeit
(Arbeiten mit einem Tisch)
Tisch)

Studieren Sie neues Material
1. Ästhetik
Klassizismus.
2. Rokoko und
Sentimentalismus.
Unterrichtsaufgabe. Welche Bedeutung hat es für die Welt?
Zivilisationen und Kulturen haben Ästhetik
Klassizismus, Rokoko-Kunst und
Sentimentalismus?

Unterfragen

1.
1.
2.
2.
Ästhetik
Ästhetik des Klassizismus.
Klassizismus. Appellieren
Appell an die Antike
Antiquität
Erbe
Erbe und
und humanistisch
Humanistische Ideale der Renaissance.
Ausarbeiten
Entwicklung eigener
eigene Ästhetik
Ästhetisches Programm.
Programme.
Hauptsächlich
Der Hauptinhalt der Kunst
Klassische Kunst
Klassizismus und
und sein
sein
kreativ
kreative Methode.
Methode. Merkmale
Merkmale des Klassizismus
Klassizismus in
in verschiedenen
verschieden
Typen
Arten von Kunst.
Kunst. Bildung eines Stilsystems
Systeme
Klassizismus
Klassizismus in Frankreich
Frankreich und seine Auswirkungen auf die Entwicklung
künstlerisch
künstlerische Kultur
Westeuropäische Kulturen
Westeuropäische Länder.
Länder.
Konzept
Das Konzept von
über Stil
Empire-Stil.
Reich
Rokoko
Rokoko und
und Sentimentalität*.
Sentimentalismus*. Herkunft
Ursprung des Begriffs
Begriff
"Rokoko".
"Rokoko". Ursprünge
Die Ursprünge des Künstlerischen
künstlerischer Stil
Stil und
und sein
sein
charakteristisch
Eigenschaften. Aufgaben
Rokoko-Aufgaben
Rokoko (auf
(zum Beispiel
Beispiel
Meisterwerke
Meisterwerke der Kunst und des Handwerks
dekorative und angewandte Kunst).
Sentimentalismus
Sentimentalismus als
als ein
einer von
aus künstlerisch
künstlerische Bewegungen
Strömungen
V
im Rahmen
im Rahmen des Klassizismus.
Klassizismus. Ästhetik
Ästhetik des Sentimentalismus
Sentimentalismus und
Und
sein
sein Gründer
Gründer J.
J. J.
J. Rousseau.
Rousseau. Spezifität
Russische Besonderheiten
Russisch
Sentimentalismus
Sentimentalismus in der Literatur
Literatur und Malerei (V. L.
Borowikowski)
Borowikowski)

Ästhetik
Klassizismus
Levitsky D.G.
Porträt
Denis Diderot.
1773-1774
gg. Museum
Kunst und
Geschichten
Städte
Genf in
Schweiz.
Neue künstlerische
Stil - Klassizismus (lat.
classicus vorbildlich) folgte der Klassik
Errungenschaften der Antike und
Humanistische Ideale
Renaissance.
Kunst Antikes Griechenland Und
Das antike Rom wurde
Klassizismus
Quelle für Themen und Geschichten:
Appell an die Antike
Mythologie und Geschichte,
Links zu maßgeblichen
Wissenschaftler, Philosophen und
Schriftsteller.
Nach Angaben der Antike
„...die Antike zu studieren, um
Tradition war
lernen, die Natur zu sehen
das Prinzip
(Denis Diderot)
Überlegenheit der Natur.

Ästhetik
Klassizismus
O. Fragonap. Porträt
Denis Diderot. 1765-1769
Louvre, Paris
Ästhetische Prinzipien des Klassizismus:
1. Idealisierung des Altgriechischen
Kultur und Kunst, Orientierung an
moralische Prinzipien und Ideen
Staatsbürgerschaft
2. Die Priorität der Bildung
Kunstwerte, Anerkennung
die führende Rolle des Geistes bei der Erkenntnis
Schön.
3. Verhältnismäßigkeit, Schwere,
Klarheit im Klassizismus gepaart mit
Vollständigkeit, Vollständigkeit
künstlerische Bilder,
Universalismus und Normativität.
Der Hauptinhalt der Kunst
Der Klassizismus wurde zum Weltverständnis
als rational angeordneter Mechanismus,
wo eine Person gegeben wurde
bedeutende organisatorische Rolle.

10.

Ästhetik
Klassizismus
Claude Lorrain. Abreise der Königin
Sawskoi (1648). London
Nationale Kunstgalerie
kreative Methode
Klassizismus:
Streben nach Vernünftigkeit
Klarheit, Harmonie und
strenge Einfachheit;
Annäherung an
objektive Reflexion
die umgebende Welt;
Einhaltung
Korrektheit und Ordnung;
Unterordnung des Privaten
hauptsächlich;
hohe Ästhetik
schmecken;
Zurückhaltung und
ruhig;
Rationalismus und
Logik im Handeln.

11.

Ästhetik
Klassizismus
Jede Kunstform war
haben ihre eigenen Besonderheiten:
1. Die Grundlage der Architektursprache
Klassizismus wird zur Ordnung (Typ
architektonische Komposition, Verwendung
bestimmte Gegenstände und
(vorbehaltlich einer bestimmten architektonischen Stilverarbeitung), vieles mehr
C. Persier, P.F.L. Foppep.
Triumphbogen auf
Platzieren Sie Karussell in Paris.
1806 (Stil - Empire)
in Form und Proportion ähnlich
Architektur der Antike.
2. Architekturwerke unterscheiden sich
strenge Organisation
Proportion und Ausgewogenheit
Volumen, geometrisch
Korrektheit der Linien, Regelmäßigkeit
Layouts.
3. Malerei zeichnet sich aus durch: klar
Abgrenzung der Pläne, Strenge
Zeichnung, sorgfältig ausgearbeitet
Licht- und Schattenmodellierung des Volumens.
4. Besondere Rolle bei der Entscheidung
pädagogische Aufgabe gespielt
Insbesondere Literatur und Theater
wurde am weitesten verbreitet
Kunst dieser Zeit.

12.

Ästhetik
Klassizismus
während der Herrschaft
G. Rigaud. Porträt Ludwigs XIV.
1701 Louvre, Paris
Sonnenkönig Ludwig
XIV (1643-1715) war
ein Ideal entwickelt
Modell des Klassizismus, das
in Spanien nachgeahmt,
Deutschland, England und Länder
Osteuropa, Nordeuropa
und Südamerika.
Kunst zuerst
Klassizismus war
untrennbar mit der Idee verbunden
absolute Monarchie und
war die Verkörperung
Integrität, Größe und
Befehl.

13.

Ästhetik
Klassizismus
Bogen der Kasaner Kathedrale in St. Petersburg (1801-1811). EIN. Woronikhin.
Kunst in Form des sogenannten revolutionären Klassizismus,
diente den Idealen des Kampfes gegen die Tyrannei, für das Establishment
Bürgerrechte des Einzelnen im Einklang mit der Französischen Revolution.
In der letzten Phase seiner Entwicklung ist der Klassizismus aktiv
drückte die Ideale des Napoleonischen Reiches aus.
Seine künstlerische Fortsetzung fand er im Empire-Stil (von fr.
Stil Empire – „imperialer Stil“) – der Stil der späten (hohen)
Klassizismus in der Architektur und angewandte Künste. Kommt ursprünglich aus
Frankreich während der Herrschaft von Kaiser Napoleon I.

14.

Rokoko und
Sentimentalismus
charakteristisches Merkmal des 18. Jahrhunderts.
in der westeuropäischen Kunst
wurde zu einer unbestreitbaren Tatsache
Zusammenleben mit
Klassizismus, Barock, Rokoko und
Sentimentalismus.
Nur Harmonie erkennen und
Ordnung, Klassizismus „korrigiert“
skurrile barocke Formen
Kunst, endete tragisch
die geistige Welt wahrnehmen
Person, sondern der Hauptkonflikt
in den Bereich der Beziehungen zwischen übertragen
individuell und
Zustand. Barock, veraltet
sich selbst und komme zum Logischen
Vollendung, gab nach
Klassizismus und Rokoko.
O. Fragonard. Glücklich
Schaukelmöglichkeiten. 1766
Wallace Collection, London

15.

Rokoko und
Sentimentalismus
Rinaldi-Rokoko:
Innenräume der Burg Gatschina.
Gatschina
In den 20er Jahren. 18. Jahrhundert in Frankreich
Es entstand ein neuer Kunststil
Rokoko (fr.rocaille – Muschel). Bereits
der Name selbst verrät es
Hauptmerkmal davon
Stil – Leidenschaft für das Erlesene
und komplexe Formen, bizarr
Linien, ähnlich wie
Muschelumriss.
Die Schale verwandelte sich dann in
komplexe Locken mit einigen
seltsame Schnitte, dann rein
Schilddekoration bzw
halb gefaltete Schriftrolle mit
Darstellung eines Wappens oder Emblems.
In Frankreich Interesse am Stil
Das Rokoko schwächte sich Ende der 1760er Jahre ab
Jahre, aber in den Ländern Zentral
Europa war sein Einfluss
spürbar bis zum Ende des 18
Jahrhunderte.

16.

Rokoko und
Sentimentalismus
Das Hauptziel der Rokoko-Kunst
- Sinnlichkeit vermitteln
Vergnügen (Hedonismus).
Kunst hätte es haben sollen
mögen, berühren und
durch Drehen unterhalten
Leben in anspruchsvoller
Maskerade und „Gärten der Liebe“.
Komplizierte Liebesbeziehungen
flüchtige Hobbys,
mutig, riskant,
herausfordernde Gesellschaft
Aktionen von Helden, Abenteuer
und galante Fantasien
Allegorie der schönen Künste,
Unterhaltung und Feiertage
1764 Öl auf Leinwand; 103 x 130 cm.
bestimmte den Inhalt
Rokoko. Frankreich.
Kunstwerke
Washington, National Galerie.
Rokoko.

17.

Rokoko und
Sentimentalismus
Charakteristische Merkmale des Rokoko-Stils in Kunstwerken:
Anmut und Leichtigkeit, Komplexität, dekorative Raffinesse
und Improvisation, Pastoralität (Hirtenidylle), Verlangen nach
exotisch;
Ornament in Form stilisierter Muscheln und Locken, Arabesken,
Blumengirlanden, Amorettenfiguren, zerrissene Kartuschen,
Masken;
eine Kombination aus hellen Pastelltönen und zarten Tönen mit einem großen
die Anzahl der weißen und goldenen Details;
der Kult der schönen Nacktheit, der auf eine alte Tradition zurückgeht,
anspruchsvolle Sinnlichkeit, Erotik;
Kult der kleinen Formen, Intimität, Kleinheit (besonders in
Skulptur und Architektur), Liebe zu kleinen Dingen und Nippes
(„Schöne Kleinigkeiten“), die das Leben eines Galanten erfüllten
Person;
Ästhetik der Nuancen und Andeutungen, faszinierende Dualität
Bilder, vermittelt mit Hilfe leichter Gesten, Halbdrehungen,
kaum wahrnehmbare Mimikbewegungen, ein halbes Lächeln, ein verschwommenes
Blick oder ein feuchter Glanz in den Augen.

18.

Rokoko und
Sentimentalismus
Stilmöbel
Rokoko
Der größte blühende Stil
Rokoko erreichte in Werken
Kunst und Handwerk
Kunst Frankreichs (Innenräume
Paläste
und Kostüme der Aristokratie). IN
Russland, er erschien schon einmal
nur in architektonischer Dekoration in Form von Schriftrollen, Schildern usw
filigrane Rocaille-Muscheln (dekorativ).
Ornamente imitieren
Mischung aus ausgefallenen Muscheln
und ausgefallene Pflanzen) und
auch Maekarans (Stuck bzw
geschnitzte Masken in der Form
menschliches Gesicht oder Kopf
Tier oben platziert
Fenster, Türen, Bögen,
Brunnen, Vasen und Möbel).

19.

Rokoko und
Sentimentalismus
Hof Joseph-Desire
Kur). malen. Frankreich
Sentimentalismus (fr. Sentiment - Gefühl).
In ideologischer Hinsicht mag er
Klassizismus, basierend auf den Ideen
Aufklärung.
Ein wichtiger Platz in der Ästhetik des Sentimentalismus
besetzte das Bild der Welt der Gefühle und
menschliche Erfahrungen (daher
Name).
Gefühle wurden als Manifestation wahrgenommen
Naturprinzip im Menschen, sein
Naturzustand möglich
nur in engem Kontakt mit
Natur.
Errungenschaften einer Zivilisation mit vielen
Versuchungen, die die Seele verderben
„natürlicher Mensch“, erworben
eindeutig feindselig.
eine Art Ideal
Sentimentalismus ist zum Bild des Ländlichen geworden
Bürger, der das Gesetz befolgte
Urnatur und Leben darin
absolute Harmonie mit ihr.

20.

Rokoko und
Sentimentalismus
französischer Philosoph, Schriftsteller,
Denker der Aufklärung.
Auch Musikwissenschaftler, Komponist und
Botaniker. Geboren: 28. Juni 1712
Stadt, Genf. Gestorben: 2. Juli 1778 (66
Jahre), Ermenonville, in der Nähe von Paris.
Der Begründer des Sentimentalismus
Denken Sie an den französischen Aufklärer
J.J. Rousseau proklamiert einen Kult
natürliche, natürliche Gefühle und
menschliche Bedürfnisse, Einfachheit und
Herzlichkeit.
Sein Ideal war sensibel,
sentimentaler Träumer,
besessen von den Ideen des Humanismus,
„natürliche Person“ mit „schön“.
Seele", nicht verdorben
bürgerliche Zivilisation.
Die Hauptaufgabe von Rousseaus Kunst
sah darin, Menschen zu unterrichten
Tugenden, rufe sie zu den Besten
Leben.
Das Hauptpathos seiner Werke
stellt das Lob des Menschen dar
Gefühle, große Leidenschaften, die kamen
im Konflikt mit der Öffentlichkeit
Klassenvorurteile.

21.

Rokoko und
Sentimentalismus
Es ist am besten, darüber nachzudenken
Sentimentalismus als einer von
künstlerische Bewegungen,
Betrieb unter
Klassizismus.
Wenn Rokoko im Mittelpunkt steht
äußerer Ausdruck von Gefühlen und
Emotionen, dann Sentimentalismus
hebt das Innere hervor
die spirituelle Seite der menschlichen Existenz.
In Russland am hellsten
Inbegriff von Sentimentalismus
gefunden in der Literatur und
Malen zum Beispiel
das Werk von V. L. Borovikovsky.
V.L. Borowikowski. Lizynka und
Dashinka. 1794 Staat
Tretjakow-Galerie, Moskau

22. Sicherheitsfragen

1 . Was ist Ästhetisches Programm klassische Kunst? IN
Was sind die Verbindungen und Unterschiede zwischen Kunst?
Klassizismus und Barock?
2. Welche Beispiele der Antike und Renaissance sollten
klassische Kunst? Aus welchen Idealen der Vergangenheit und
warum musste er ablehnen?
3. Warum gilt Rokoko als Stil der Aristokratie? Was sind seine
Merkmale entsprachen dem Geschmack und der Stimmung ihrer Person
Zeit? Warum gab es darin keinen Platz für Ausdruck?
bürgerliche Ideale? Warum denken Sie an den Rokoko-Stil?
erreichte seinen Höhepunkt im Kunstgewerbe
Kunst?
4. Vergleichen Sie die Grundprinzipien von Barock und Rokoko. Ist es möglich
Betrachten Sie das Rokoko als eine Fortsetzung des Barock? Was ist neuer Stil?
Rokoko zum Barock „hinzugefügt“? Was sind die Unterschiede
Welchen emotionalen Einfluss haben diese Stile auf eine Person?
5*. Auf welchen Ideen der Aufklärung basierte
Sentimentalismus? Was sind seine Schwerpunkte? rechtmäßig
ob Sentimentalismus im großen Stil betrachtet werden soll
Klassizismus?

23. Kreativwerkstatt

24. Themen für Präsentationen, Projekte

1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
„Die Rolle Frankreichs in der Entwicklung des europäischen Künstlertums
Kultur".
„Mensch, Natur, Gesellschaft im ästhetischen Programm.“
Klassizismus".
„Muster der Antike und Renaissance in der Kunst
Klassizismus".
„Die Krise der barocken Ideale und der Kunst des Klassizismus“.
„Rokoko und Sentimentalismus sind begleitende Stile und
Strömungen des Klassizismus.
„Merkmale der Entwicklung des Klassizismus in der Kunst Frankreichs
(Russland usw.)“.
"UND. J. Rousseau als Begründer des Sentimentalismus.
„Der Kult des Naturgefühls in der Kunst
Sentimentalismus.
„Das weitere Schicksal des Klassizismus in der Weltgeschichte.“
Künste.“

25. Reflexion

Bewerten Sie Ihre Arbeit im Unterricht
Ergänzen Sie die Sätze:
Heute habe ich herausgefunden...
Es war interessant…
Es war schwer…
Ich habe gelernt…
Ich war in der Lage...
Ich war überrascht...
Ich wollte…

26. Literatur:

Programme für Bildungseinrichtungen.
Danilova G. I. Weltkunstkultur. - M.:
Trappe, 2011
Danilova, G. I. Art / MHK. 11 Zellen Ein Grundniveau von:
Lehrbuch / G.I. Danilova. M.: Bustard, 2014.
Kobyakov Ruslan. Sankt Petersburg

MHK, 11. Klasse

Lektion Nr. 8

Bußgeld

Kunst des Klassizismus

und Rokoko

D.Z.: Kapitel 8, ?? (S. 83), TV. Aufgaben (S.83-85)

LERNZIELE

einführen Studierende mit charakteristischen Merkmalen der bildenden Künste des Klassizismus und Rokoko;
Fähigkeiten entwickeln das Material selbstständig studieren und für die Präsentation vorbereiten; die Fähigkeit zur Analyse eines Kunstwerks weiterentwickeln;
Zur Sprache bringen Kultur der Wahrnehmung von Kunstwerken.

KONZEPTE, IDEEN

N. Poussin;
Kompositionssystem;
„Arkadische Hirten“;
A. Watteau;
„Pilgerfahrt zur Insel Kythera“;
„Gil“;
F. Bush;
„Frau von Pompadour“ ;
„galantes Genre“;
Rationalismus

Überprüfung des Wissens der Studierenden

Warum kann Versailles herausragende Werke zugeschrieben werden? Erkläre deine Antwort.
Als städtebauliche Ideen des Klassizismus des 18. Jahrhunderts. fanden ihre praktische Verkörperung in den architektonischen Ensembles von Paris, wie dem Place de la Concorde? Was unterscheidet ihn von den italienischen Barockplätzen Roms im 17. Jahrhundert, wie der Piazza del Popolo (siehe S. 74)?
Welche Beziehung besteht zwischen barocker und klassischer Architektur? Welche Ideen hat der Klassizismus vom Barock geerbt?
Was sind die historischen Voraussetzungen für die Entstehung des Empire-Stils? Welche neuen Ideen seiner Zeit wollte er in Kunstwerken zum Ausdruck bringen? Welche künstlerische Prinzipien verlässt er sich darauf?

Universelle Lernaktivitäten

 definieren Originalität offenbaren finden und Einschätzungen von Kulturschaffenden
 definierenästhetischer, spiritueller Inhalt und Ausdruck sozialer Ideen in den Werken der bildenden Kunst des Klassizismus;
Originalität offenbaren die kreative Art der Künstler des Klassizismus und des Rokoko im Vergleich zu Zeitgenossen und Persönlichkeiten früherer Epochen;
finden mit verschiedenen Mitteln die notwendigen Informationen über die Malerei des Klassizismus und Rokoko hervorheben, strukturieren und in Form einer Botschaft und Präsentation präsentieren;
Merkmale unterscheiden den Stil des einzelnen Autors, bewerten Sie den kreativen Stil des Künstlers;
Benehmen vergleichende Analyse Werke von Meistern des „galanten Genres“ (A. Watteau und F. Boucher);
die wichtigsten Konzepte identifizieren und charakterisieren , Gesetze und Theorien der schönen Künste des Klassizismus (am Beispiel der Arbeit von N. Poussin);
Kommentar wissenschaftliche Punkte Vision und Einschätzungen von Kulturschaffenden

Studieren Sie neues Material

Unterrichtsaufgabe. Welche Bedeutung hat der Klassizismus in der bildenden Kunst für die Weltzivilisation und -kultur?

Unterfragen

Nicolas Poussin – klassizistischer Maler . Verherrlichung des heldenhaften Mannes. Charaktereigenschaften Gemälde(zum Beispiel Berühmte Gemälde). Rationalismus als Grundprinzip künstlerischen Schaffens.
Meister der „galanten Gattung“: Rokoko-Malerei *. Die Hauptthemen der Rokoko-Malerei und ihre künstlerische Verkörperung (am Beispiel von Berühmte Werke A. Watteau und F. Boucher)

Nicolas Poussin -

Klassizistischer Maler

Als Höhepunkt des Klassizismus in der Malerei verkündete die Französische Akademie das Werk des Künstlers Nicolas Poussin (1594-1665). Zu seinen Lebzeiten wurde er als „der geschickteste und erfahrenste moderne Meister des Pinsels“ bezeichnet, und nach seinem Tod wurde er zum „Leuchtturm der französischen Malerei“ erklärt.

Poussin hat es geschafft kreativ

Methode, bezogen auf

Setzen Sie Ihre eigenen

Konzept der Gesetze

Schönheit.

Mine Ideal er sah rein

Verhältnismäßigkeit der Teile des Ganzen,

in äußerer Ordnung,

Harmonie und Klarheit der Form.

N. Poussin. Selbstporträt.

Nicolas Poussin -

Klassizistischer Maler

Zum Schaffen berufen

also, „wie es gelehrt wird.“

Natur und Vernunft.

Bei der Themenauswahl

Weg gegeben

Präferenz

heroisch

Taten und Taten

bezogen auf

hoch liegen

bürgerlich

Anreize, nicht

Base

menschlich

Leidenschaften.

Hauptthema

Kunst betrachtet

womit verbunden ist

Idee von

erhaben und

schön das

dienen kann

Modell für

Nachahmung und

bedeutet

das Beste hervorbringen

moralischer Charakter in

Mann.

N. Poussin. Tancred und Erminia. Ende der 1620er, Anfang der 1630er Jahre Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Nicolas Poussin -

Klassizistischer Maler

Aus historischen Geschichten

Wählen Sie nur diejenigen aus, in denen

Es gab Action, Bewegung und

Ausdruck. Arbeite an einem Gemälde

begann mit Vorsicht

Literatur studieren

Quelle (Heilige Schrift,

„Metamorphosen“ von Ovid oder

„Jerusalem befreit“

T. Tasso). Wenn er antwortete

Setze dir Ziele, Künstler

dachte nicht schwierig

das Innenleben der Helden

der Höhepunkt der Aktion. Geistiger Streit, Zweifel und

Enttäuschungen wurden zurückgedrängt

zweiter Plan. Regelmäßige Handlung

Poussins Formel lautete:

„Die Würfel sind gefallen, die Entscheidung

akzeptiert, die Wahl ist getroffen“ (Yu.K.

Solotow).

Poussin. Landschaft mit Diogenes

Nicolas Poussin -

Klassizistischer Maler

Kompositionssystem Gemälde

Poussin wurde auf zwei gebaut

Anfänge: Gleichgewicht

Formen (Bilden von Gruppen um

Mitte) und auf ihrer freien Seite

Verhältnis (Verschiebung in

vom Zentrum entfernt), was

ermöglichte es zu erreichen

außergewöhnliches Erlebnis

Ordnung, Freiheit und

Kompositionsmobilität.

Große Bedeutung in

Kunstsystem

Poussin nimmt Färbung .

Die Beziehung der Hauptsache

bunte Klänge

erreicht durch System

Reflexe : intensive Farbe

Das Zentrum der Komposition ist normalerweise

begleitet von dim

neutrale Farben.

Poussin. David der Eroberer

Nicolas Poussin -

Klassizistischer Maler

N. Poussin.

arkadisch

Hirten.

Das Gemälde basiert

tief philosophisch

dachte an Gebrechlichkeit

irdische Existenz und

die Unvermeidlichkeit des Todes. vier Hirten,

Bewohner des glücklichen Arkadiens

(Regionen in Südgriechenland,

Das ist ein Symbol

ewiger Wohlstand,

ruhiges Leben ohne

Kriege, Krankheit und Leid)

zufällig gefunden unter

Gebüsch

Grab mit der Inschrift: "Und I

war in Arkadien. Aber jetzt

Ich gehöre nicht zu den Lebenden

Es wird dich jetzt nicht mehr geben

beim Lesen dieser Inschrift.

Die Bedeutung dieser Worte lässt einen über das Sterbliche nachdenken, die Gegenwart überdenken ...

Das Gemälde von N. Poussin „Die arkadischen Hirten“ ist einer der Höhepunkte des Schaffens des Künstlers, in dem die Ideen des Klassizismus eine vollständige und lebendige Verkörperung gefunden haben. Es zeigt den Wunsch des Autors nach skulpturaler Klarheit der Formen, plastischer Vollständigkeit und Genauigkeit der Zeichnung, Klarheit und Ausgewogenheit der geometrischen Komposition unter Verwendung des Prinzips des Goldenen Schnitts.

Nicolas Poussin -

Klassizistischer Maler

Farbsystem von Gemälden

Poussin wurde normalerweise gebaut

Farbe ist das Wichtigste

bedeutet, Volumen zu schaffen

und Tiefe des Raumes. Aufteilung in Pläne

betonte Konsonanz

kräftige Farben. Am ersten

Plan dominiert am häufigsten

gelbe und braune Farben

der zweite - warm, grün, an

drittens - kalt, vorher

alles blau. In diesem Bild

alles steht unter dem Gesetz

klassische Schönheit: Farbe

Kalte Himmel kollidieren

warmer Vordergrund,

Schönheit des Nackten

menschlicher Körper, übertragen

bei gleichmäßiger diffuser Beleuchtung,

wurde besonders wahrgenommen

wirkungsvoll und erhaben vor dem Hintergrund

saftig grünes Laub

ruhige Landschaft.

Nicholas Poussin. Narzisse und Echo. Um 1630

A. Batto.

Pilgerfahrt

zur Insel Kythera. 1717

Louvre, Paris

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

Venus, Diana, Nymphen und

Amoretten alles in den Schatten stellen

andere Gottheiten. alle Arten von

Baden, Morgen

Toiletten" und sofort

Freuden sind

fast jetzt

Hauptthema

Bilder.

Die Mode umfasst

exotische Namen

Farben: „Oberschenkelfarbe

verängstigte Nymphe“

( körperlich ), „Rosenfarbe,

in Milch schwimmen“

( blasses Rosa ), "Farbe

verlorene Zeit"

( Blau ). Deutlich

nachdenklich, schlank

Kompositionen des Klassizismus

Gib der Gnade Platz

und anspruchsvolles Design.

Die Hauptthemen der Rokoko-Malerei sind das exquisite Leben der Hofaristokratie, „galante Feste“ idyllische Bilder aus „Shepherds“ Leben vor der Kulisse unberührter Natur, einer Welt voller komplexer Liebesaffären und genialer Allegorien „Königlicher Stil“

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

Antoine Watteau (1684-1721)

Zeitgenossen riefen

„Dichter der unbeschwerten Muße“,

„Ein Sänger von Anmut und Schönheit.“ In seinen Werken hat er

fotografierte Picknicks in

immergrüne Parks,

musikalisch und theatralisch

Konzerte im Schoß der Natur,

leidenschaftliche Geständnisse und Streitereien

Liebhaber, idyllisch

Termine, Bälle und Maskeraden.

Gleichzeitig in seinen Gemälden

Es gibt eine ergreifende Traurigkeit,

Gefühl der Vergänglichkeit

Schönheit und Vergänglichkeit

was ist los.

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

„Pilgerfahrt zur Insel Kythera“ Dank dessen A. Batto wurde in die Royal Academy of Painting and Sculpture aufgenommen und erhielt den Titel „Meister galanter Festivitäten“. Charmante Damen und galante Herren versammelten sich am blumenübersäten Ufer der Meeresbucht. Sie segelten zur Insel Kythera – der Insel der Göttin der Liebe und Schönheit Venus (identifiziert mit der griechischen Liebesgöttin Aphrodite), wo sie der Legende nach aus dem Meeresschaum auftauchte. Der Feiertag der Liebe beginnt an der Statue mit dem Bild von Venus und Amoretten.

Watteau schreibt nicht mit Farben, sondern mit geschmolzenem Honig

Bernstein."

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

Zu wahren Meisterwerken

gehört zum Gemälde Watt A

„Gilles“ („Pierrot“) erstellt in

als Zeichen dafür

vagabundierende Auftritte

Komiker. Gilles ist der Chef und

Lieblingscharakter

französische Comedy-Masken,

Analogon von Pierrot - dem Helden des Italieners

Komödie del arte . unbeholfen

naives Wesen

speziell erstellt für

ständig abreißen

Spott und Tricks der Geschickten und

schlauer Harlekin. Gilles

in traditionellem Weiß dargestellt

ein anzug mit einem umhang und einem runden

Hut. Er ist regungslos und

verloren vor dem Betrachter,

während andere Komiker

sind im Urlaub.

A. Bammo. Gilles (Pierrot). Fragment. 1720 Louvre, Paris

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

Francois Boucher (1703-1770) glaubte

selbst ein treuer Schüler von Watt. Allein

nannte ihn „den Künstler der Gnade“,

„Anakreon der Malerei“,

„königlicher Maler“. Zweite

sah ihn als „Künstlerheuchler“,

der alles außer der Wahrheit hat.

Wieder andere bemerkten skeptisch: „Seines

Die Hand pflückt Rosen, wo andere

Finde nur Dornen.

Der Pinsel des Künstlers gehört zu einer Nummer

feierliche Porträts des Favoriten

König Ludwig XV. Marquise de

Pompadour: bevormundet

Bush hat ihn mehr als einmal befohlen

Gemälde zu religiösen Themen

für Landhäuser und

Pariser Villen. Marquise

dankte dem Künstler großzügig,

Ernennung zum ersten Direktor

Gobelin-Manufaktur also

Präsident der Akademie der Künste,

verlieh ihm den Titel „Erster“.

Maler des Königs.

F. Bush. Madame de Pompadour.

Meister

„galantes Genre“:

Rokoko-Malerei

François Boucher hat wiederholt darauf hingewiesen

Darstellung frivoler Szenen,

deren Hauptfiguren waren

niedliche, schüchterne Cowgirls oder

pralle nackte Damen in

Form der mythologischen Venus und Diana. Sein

Bilder sind voller Unklarheiten

Hinweise.

In der Geschichte der Weltmalerei Francois

Bush ist immer noch

großer Meister der Farbe und

exquisite Zeichnung. witzig

gelöste Kompositionen, ungewöhnlich

Winkel der Helden, saftige Farbe

Akzente, helle Reflexe transparenter Farben,

in kleinen, leichten Strichen aufgetragen,

sanfte, fließende Rhythmen – all das

macht F. Bush unübertroffen

Maler. Seine Bilder werden

in dekorativen Paneelen dekorieren

luxuriöse Innenräume von Fluren und Wohnzimmern,

Sie rufen in die Welt des Glücks, der Liebe und

schöne Träume. Dem Künstler geht es gut

kannte die Mode und den Geschmack seiner Zeit!

F. Bush. Frühstück.

Kontrollfragen

2. N. Poussin sagte: „Für mich gibt es keine Kleinigkeiten, die man vernachlässigen kann ... Meine Natur führt mich dazu, Dinge zu suchen und zu lieben, die perfekt organisiert sind, und Unordnung zu vermeiden, die für mich genauso abstoßend ist wie die Dunkelheit.“ Licht." Welche Verkörperung findet dieses Prinzip im Werk des Künstlers? Wie lässt es sich mit der von ihm entwickelten Theorie des Klassizismus vergleichen?

3. Was vereint die größten Meister des „galanten Genres“ – A. Watteau und F. Boucher? Was ist ihr Unterschied? Kann man Boucher als wahren Schüler Watteaus bezeichnen?

Kreativwerkstatt

1 . Vergleichen Sie Selbstporträts berühmter Künstler mit „Selbstporträt“

N. Poussin. Was genau zeichnet dieses Stück aus? Kann man behaupten, dass es auf klassische Weise hergestellt wurde? Rechtfertige deine Antwort.

2. Machen Sie sich mit dem Gemälde „Der Tod des Germanicus“ von N. Poussin vertraut, das ihn berühmt machte und als programmatisches Werk des Klassizismus gilt. Welche Merkmale des künstlerischen Systems dieses Stils spiegeln sich darin wider? Wie legitim ist die Aussage, dass „dieses eine Bild ausreichen würde, um den Namen Poussin in der Ewigkeit zu bewahren“ (A. Fusli)?

3. Führen Sie eine Studie über die Entwicklung der Landschaft im Werk von N. Poussin durch. Was ist seine künstlerische Rolle? Warum, glauben Sie, befriedigte die Natur „wie sie ist“ den Künstler nicht und er malte nie Landschaften nach der Natur? Wie wird der Kontrast zwischen der ewigen Existenz der Natur und der kurzen Dauer des menschlichen Lebens in seinen Werken vermittelt? Warum ist in seinen Landschaften immer die Präsenz des Menschen zu spüren? Warum sieht man auf vielen Gemälden einsame menschliche Figuren, die in den umgebenden Raum blicken? Warum werden sie oft in den Vordergrund gerückt und ihr Blick in die Tiefe der Landschaft gelenkt?

4. E. Delacroix sah in N. Poussin „einen großen Maler, der Architektur mehr verstand als Architekten“. Wie fair ist dieser Standpunkt? Kann man argumentieren, dass die Architektur am häufigsten zum wichtigsten und positiven Protagonisten seiner Werke wird? Stimmen Sie zu, dass Poussin den Raum oft nach den Prinzipien einer klassischen Theateraufführung organisiert? Erkläre deine Antwort.

5*. Versuchen Sie, die Gültigkeit der Worte eines der Forscher zu beweisen,

dass „Watteau es in der materiellen Kunst auf wundersame Weise geschafft hat, das auszudrücken, was nur der Musik zugänglich schien.“ Ist es so? Hören Sie die Musik des französischen Komponisten F. Couperin (1668-1733). Wie sehr stimmt es mit den Werken des Künstlers überein, inwieweit drückte es den Geschmack und die Stimmung des Rokoko aus?

Themen für Präsentationen, Projekte

„Nicolas Poussin und die Antike: der Heldentum von Handlungen und Bildern“;
„Die künstlerische Rolle und Entwicklung der Landschaft im Werk von N. Poussin;
„Architektonische Motive im Werk von N. Poussin“;
„Die Vorgänger und Anhänger von N. Poussin“;
„Das Werk von N. Poussin und die Traditionen des Theaters des Klassizismus“;
„Meister der „galanten Gattung“ (Rokoko-Malerei)“;
"A. Watteau ist ein Maler der Freude und Trauer“;
„Die Beherrschung der Farbe in den Werken von A. Watt“;
„Theatralik und Musikalität der Malerei von A. Watteau“;
„Der Künstler der Grazien“ von F. Boucher“;
„Charakteristische Merkmale der dekorativen und angewandten Kunst des Rokoko“.

Heute habe ich herausgefunden...
Es war interessant…
Es war schwer…
Ich habe gelernt…
Ich war in der Lage...
Ich war überrascht...
Ich wollte…

Literatur:

Programme für Bildungseinrichtungen. Danilova G. I. Weltkunstkultur. – M.: Bustard, 2011
Danilova, G. I. Art / MHK. 11 Zellen Grundniveau: Lehrbuch / G.I. Danilova. M.: Bustard, 2014.
Shilova Galina Gennadievna, Lehrerin, Sekundarschule Nr. 1, Ochansk, Region Perm