Wie man eine Bildanalyse nach MHC durchführt. Analyse des architektonischen Werks Paschkows Haus. Plan für die Analyse eines Gemäldes

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Staatliche Technische Universität Omsk

Abteilung DTM

Aufsatz

Zum Thema:

Analyse eines Kunstwerks am Beispiel des Gemäldes von Michelangelo Buonarroti Jüngstes Gericht»

Abgeschlossen: Schüler Gr. ZSR-151 A. A. Kareva

Geprüft von: Professor Gumenyuk A.N.

Einführung

1. Die Handlung des Jüngsten Gerichts

2. Allgemeine Informationen zu den Unterschieden zwischen einem Gemälde und einer Ikone

3. Die Komposition des Altarfreskos der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo Buonarroti (1475-1564) „Das Jüngste Gericht“ (1535-1541)

Abschluss

Verzeichnis der verwendeten Literatur

Einführung

Das Jüngste Gericht ist ein Fresko von Michelangelo an der Altarwand der Sixtinischen Kapelle im Vatikan. Der Künstler arbeitete vier Jahre lang an dem Fresko – von 1537 bis 1541. Michelangelo kehrte drei Jahrzehnte, nachdem er die Deckenmalerei abgeschlossen hatte, in die Sixtinische Kapelle zurück. Ein großformatiges Fresko nimmt die gesamte Wand hinter dem Altar der Sixtinischen Kapelle ein. Sein Thema war das zweite Kommen Christi und die Apokalypse.

Das Jüngste Gericht gilt als ein Werk, das die Renaissance in der Kunst beendete, der Michelangelo selbst in den Decken- und Gewölbemalereien der Sixtinischen Kapelle Tribut zollte, und eine neue Periode der Enttäuschung in der Philosophie des anthropozentrischen Humanismus einleitete.

1. Die Handlung des Jüngsten Gerichts

Das zweite Kommen Christi, wenn es nach christlicher Lehre eine allgemeine Auferstehung der Toten geben wird, die zusammen mit den Lebenden endgültig gerichtet werden und für sie bestimmt wird, ob sie in den Himmel aufgenommen oder geworfen werden in die Hölle. Die Heilige Schrift spricht oft davon, aber die Hauptautorität ist die Rede Christi zu den Jüngern, erzählt von Matthäus: und das eine und das andere zu trennen, wie ein Hirte die Schafe von den Böcken trennt; und lege die Schafe zu seiner Rechten und die Böcke zu seiner Linken.“ Sie sind nach ihren Werken der Barmherzigkeit zu richten, die sie in ihrem irdischen Leben vollbracht haben. Sünder müssen in die „ewige Qual“ gehen.

Das zweite Kommen Christi (oder das Reich Christi auf Erden) wurde zuversichtlich im Jahr 1000 erwartet, und als sich diese Erwartungen nicht erfüllten, begann die Kirche, der Lehre von den "vier letzten Werken" - dem Tod - zunehmende Bedeutung beizumessen , Gericht, Himmel, Hölle.

Seit dieser Zeit tauchten Bilder des Jüngsten Gerichts (hauptsächlich im 12.-13. Jahrhundert) auf den skulpturalen Westgiebeln französischer Kathedralen auf.

Es ist eine große Geschichte mit mehreren Teilen. Christus der Richter ist die zentrale Figur. Auf beiden Seiten von ihm sind die Apostel, die beim Letzten Abendmahl mit ihm waren: „Und ihr werdet auf Thronen sitzen, um die 12 Stämme Israels zu richten.“

Unten sind die Toten, die aus den Gräbern oder aus der Erde oder dem Meer auferstehen: "Und viele von denen, die im Staub der Erde schlafen, werden erwachen, einige zum ewigen Leben, andere zu ewiger Schmach und Schande." „Dann gab das Meer die Toten heraus, die darin waren; und jeder wurde nach seinen Werken gerichtet." Erzengel Michael hält die Waage, auf der er Seelen wiegt. Der Gerechte - durch rechte Hand Christus, von Engeln ins Paradies geleitet, linke Hand von unten werden die Sünder in die Hölle gebracht, wo sie in schrecklichen Qualen dargestellt werden. (Hall D. Wörterbuch der Plots und Symbole in Art. M, 1996)

2. Sind üblichInformationen über die Unterschiede zwischen einem Gemälde und einer Ikone

Das Bild wirkt in erster Linie emotionale Sphäre. Icon - über den Verstand und die Intuition. Das Bild spiegelt die Stimmung wider, die Ikone - den Zustand des Individuums. Das Bild hat Grenzen, den Rahmen der Handlung; Symbol - umfasst im Grenzenlosen. Einige glauben, dass die alten Ikonenmaler die Gesetze der direkten Perspektive und Symmetrie nicht kannten. menschlicher Körper, d.h. mit dem anatomischen Atlas nicht vertraut waren. Die Künstler dieser Zeit beachteten jedoch die genauen Proportionen des menschlichen Körpers, wenn sie Statuen oder Statuen im Allgemeinen herstellten (das dreidimensionale Bild wurde nicht in der Ostkirche verwendet, sondern fand nur in der weltlichen Kunst statt). Das Fehlen einer direkten Perspektive zeugt von anderen räumlichen Dimensionen, von den Möglichkeiten eines Menschen, den Raum zu beherrschen. Der Raum hört auf, ein Hindernis zu sein. Ein entferntes Objekt wird nicht illusorisch reduziert. Die Werte in den Symbolen sind nicht räumlich, sondern axiologischer Natur und drücken den Grad der Würde aus. Zum Beispiel werden Dämonen als kleiner als Engel dargestellt; Christus unter den Jüngern erhebt sich über sie usw.

Das Bild kann analytisch betrachtet werden. Sie können über einzelne Fragmente des Bildes sprechen, angeben, was Ihnen gefällt und was Ihnen daran nicht gefällt. Und die Ikone kann nicht in Zellen, Fragmente, Details unterteilt werden, sie wird synthetisch von einem inneren religiösen Gefühl wahrgenommen. Die Ikone ist schön, wenn sie eine Person zum Gebet aufruft, wenn die Seele ein dynamisches Feld von Energien und Kräften spürt, die durch die Ikone aus dem Königreich ausgestrahlt werden ewiges Licht. In der Ikone sind die Figuren bewegungslos, sie scheinen eingefroren zu sein. Aber es ist nicht die Kälte des Todes; es betont das innere Leben, die innere Dynamik. Heilige befinden sich auf einem schnellen spirituellen Flug, in ewiger Bewegung zum Göttlichen, wo es keinen Platz für anmaßende Körperhaltungen, Umständlichkeit und äußeren Ausdruck gibt.

Ein Mensch, der von einem tiefen Gefühl gefangen oder in Gedanken versunken ist, wechselt auch zum Inneren, und diese Trennung vom Äußeren zeugt von der Intensität und Intensität seines Geistes. Im Gegenteil, die äußere Dynamik – das Siegel der Emotionen als vorübergehende Zustände – legt nahe, dass das, was sie auf der Ikone darstellen wollten, nicht in der Ewigkeit, sondern in der Zeit, in der Macht des Sinnlichen und Vergänglichen liegt.

Einer der Höhepunkte der westlichen Kunst ist das von Michelangelo geschaffene Gemälde des Jüngsten Gerichts in der Sixtinischen Kapelle. Die Figuren sind mit erstaunlichem Wissen um die Proportionen des menschlichen Körpers und die Gesetze der Harmonie ausgeführt. Sie können Anatomie studieren. Jeder Mensch hat seine eigene einzigartige Persönlichkeit und psychologische Eigenschaften. Gleichzeitig ist die religiöse Bedeutung dieses Bildes gleich Null. Darüber hinaus ist es ein Rückfall des Heidentums, das im Herzen der katholischen Welt entstanden ist. Das Thema des Gemäldes „Das Jüngste Gericht“ verkörpert heidnische und jüdische Traditionen. Charon trägt die Seelen der Toten über die Wasser des Styx. Bild entnommen aus Antike Mythologie. Die Auferstehung der Toten findet im Tal von Josaphat statt, wie die talmudische Überlieferung berichtet.

Die Malerei ist in einem betont naturalistischen Stil gehalten. Michelangelo malte die Körper nackt. Als Papst Paul III. bei der Begutachtung des Gemäldes der Sixtinischen Kapelle den Zeremonienmeister des päpstlichen Hofes, Biagio da Cesena, fragte, wie ihm das Gemälde gefallen habe, antwortete er: „Euer Heiligkeit, diese Figuren würden irgendwo in einer Taverne angebracht sein, und nicht in deiner Kapelle." („Über die Sprache der orthodoxen Ikone.“ Archimandrit Raphael (Karelin), 1997)

Wir haben die westeuropäische Malerei angesprochen, um ihren grundlegenden Unterschied zur orthodoxen Kunst zu betonen. Dies ist ein klares Beispiel dafür, dass die Form nicht zum Inhalt passt, egal wie brillant er an sich auch sein mag. Es gibt einen methodischen Fehler in der sogenannten religiösen Malerei der Renaissance. Maler versuchen sich durch Mimik, d.h. ein Bild voller Emotionen und Leidenschaften, um das Himmlische auf die irdische Ebene zu übertragen, aber das Gegenteil zu erreichen - sie übertragen nicht wiederhergestellte Materialität in die Sphäre des Himmels; mit dem Irdischen und Sinnlichen verdrängen sie das Geistige und Ewige (oder besser gesagt, dort ist kein Platz für den Himmel, die Erde hat alles eingenommen und verschlungen), ihr Herz; eine leicht gebeugte Figur, Gehorsam gegenüber dem Willen Gottes usw.

Das katholische Bild ist eindimensional, die orthodoxe Ikone vielschichtig. In einer Ikone überschneiden sich Ebenen, koexistieren oder durchdringen sich, ohne zu verschmelzen oder sich aufzulösen. Die Zeit wird im Bild festgehalten, als ein durch den Willen des Künstlers angehaltener Moment, wie durch einen fotografischen Blitz. In einem Symbol ist die Zeit bedingt, sodass Ereignisse in einem chronologischen Missverhältnis auf dem Feld des Symbols dargestellt werden können. Das Symbol ähnelt dem internen Plan und der Zeichnung von Ereignissen. Ikonen zeichnen sich durch die Gleichzeitigkeit des Bildes aus: Alle Ereignisse treten gleichzeitig auf. Michelangelo Sixtinisches Fresko-Symbol

Das Bild ist eine Nachahmung der Wirklichkeit mit Elementen der Fantasie, die auch Stoff für ihre Stimmungen aus irdischen Realitäten nimmt. Die Ikone ist die Verkörperung spiritueller Kontemplation, die in einer mystischen Erfahrung gegeben ist, in einem Zustand der Gemeinschaft mit Gott, aber Kontemplation, die durch die symbolische Sprache von Linien und Farben übertragen und objektiviert wird. Eine Ikone ist ein mit Pinsel und Farbe gemaltes theologisches Buch. In der Ikone wird das Bild von zwei Sphären - himmlisch und irdisch - nicht nach dem Prinzip der Parallelität, sondern nach dem Prinzip der Symmetrie angegeben. In einem Gemälde zu religiösen Themen, das fälschlicherweise als Ikone bezeichnet wird, gibt es entweder keine Unterschiede zwischen himmlischen und irdischen Dingen, Abgrenzungen, oder sie sind durch "Parallellinien" der Geschichte verbunden, als ein einziges Wesen in Zeit und Raum.

Im Bild das Prinzip der direkten, linearen Perspektive, das die Illusion von Volumen und Dreidimensionalität im Bild sowohl materieller als auch geistiger Wesenheiten vermittelt. Das Geistige manifestiert sich nicht im Bild, sondern wird darin durch materielle, voluminöse Formen und Körper ersetzt und verschwindet in diesen fremden Formen. Das Geistige im Bild hört auf, übersinnlich zu sein, sondern wird „natürlich“, hier kommt es zu einer Entweihung des Heiligtums. Darauf haben die Bilderstürmer zu Recht hingewiesen, indem sie die Porträtmalerei zu religiösen Themen verneinten, aber zu Unrecht mit einer schlechten Methode alle Möglichkeiten der bildenden Kunst – in diesem Fall der Ikonographie – verallgemeinern, die sich eröffnen Spirituelle Welt, ohne sie mit der Unendlichkeit als unendlicher Ausdehnung zu identifizieren, mit den Realitäten der materiellen Welt, die unter der Macht von Tod und Verfall steht.

Die Bilderstürmer identifizierten die Ikone mit einem mimischen Porträt, mit Fantasie oder Allegorie, aber die Ikone als heiliges Symbol wurde von ihnen ignoriert oder missverstanden. In der Ikone nicht nur der Gegensatz der beiden Sphären Zeit und Ewigkeit, sondern in ihren Rhythmen - die Verkirchlichung der Zeit, ihre Anziehung zur Ewigkeit. („Über die Sprache der orthodoxen Ikone.“ Archimandrit Raphael (Karelin), 1997)

3. Komposition des Altarfreskos der Sixtinischen KapelleMichelangelo Buonarroti(1475-1564) "Jüngstes Gericht" (1535-1541)

Die ungewöhnliche Entscheidung des Autors beim Aufbau der Komposition bewahrt das Wichtigste traditionelle Elemente Ikonographie. Der Raum ist in zwei Hauptebenen unterteilt: himmlisch - mit Christus, dem Richter, der Mutter Gottes und Heiligen, und irdisch - mit Szenen der Auferstehung der Toten und ihrer Aufteilung in Gerechte und Sünder.

Posaunenengel verkünden den Beginn des Jüngsten Gerichts. Ein Buch wird aufgeschlagen, in dem alle menschlichen Taten verzeichnet sind. Christus selbst ist kein barmherziger Erlöser, sondern ein strafender Meister. Die Geste des Richters setzt eine langsame, aber unaufhaltsame Kreisbewegung in Gang, die die Reihen der Gerechten und Sünder in ihren Strom zieht. Die Muttergottes, die neben Christus saß, wandte sich von dem Geschehen ab.

Sie gibt ihre traditionelle Rolle als Fürsprecherin auf und zittert vor dem endgültigen Urteil. Um Heilige herum: Apostel, Propheten. In den Händen der Märtyrer befinden sich Folterwerkzeuge, Symbole des Leidens, das sie für ihren Glauben erduldet haben.

Die Toten, die ihre Augen mit Hoffnung und Schrecken öffnen, erheben sich aus ihren Gräbern und gehen zum Gericht Gottes. Einige erheben sich leicht und frei, andere langsamer, je nach Schwere ihrer eigenen Sünden. Die Starken im Geist helfen denen, die Hilfe brauchen, aufzustehen.

Die Gesichter derer, die hinabsteigen müssen, um gereinigt zu werden, sind voller Entsetzen. In Erwartung schrecklicher Qualen wollen Sünder nicht in die Hölle kommen. Aber die Kräfte, die darauf abzielen, die Gerechtigkeit aufrechtzuerhalten, drängen sie dorthin, wo die Menschen sein sollen, die Leid verursacht haben. Und die Teufel ziehen sie zu Minos, der mit seinem um den Körper gewickelten Schwanz den Höllenkreis anzeigt, in den der Sünder hinabsteigen soll. (Der Künstler gab dem Totenseelenrichter die Gesichtszüge des Zeremonienmeisters Papst Biagio da Cesena, der sich oft über die Blöße der abgebildeten Figuren beklagte. Seine Eselsohren sind ein Symbol der Unwissenheit.) Und daneben ist ein Lastkahn, der vom Frachtführer Charon gefahren wird. Mit einer Bewegung nimmt er sündige Seelen. Ihre Verzweiflung und Wut werden mit ungeheurer Wucht vermittelt. Links vom Lastkahn klafft ein höllischer Abgrund - dort befindet sich der Eingang zum Fegefeuer, wo Dämonen auf neue Sünder warten. Es scheint, dass Schreie des Entsetzens und das Zähneknirschen der Unglücklichen zu hören sind.

Oben, außerhalb des mächtigen Kreislaufs, über den Seelen, die auf die Erlösung warten, schweben flügellose Engel mit Symbolen des Leidens des Erlösers selbst. Oben rechts tragen schöne und junge Wesen die Attribute der Errettung der Sünder. (Smirnova I.A. Monumentale Malerei der italienischen Renaissance. M.: Fine Arts, 1987)

Abschluss

In diesem Aufsatz wurde Michelangelos Fresko „Das Jüngste Gericht“ im Vergleich mit der Ikone „Das Jüngste Gericht“ (1580er Jahre) betrachtet. Sowohl die Ikone als auch das Fresko sind auf dieselbe Handlung geschrieben - das zweite Kommen Christi und das schreckliche Gericht über die Sünden der Menschheit. Sie haben eine ähnliche Zusammensetzung: Christus ist in der Mitte dargestellt, und die Apostel befinden sich an seiner linken und rechten Hand. Gott steht über ihnen. Unter Christus sind Sünder, denen die Hölle verheißen ist. Beide Bilder sind in umgekehrter Perspektive. Gleichzeitig werden in der Ikone weniger leuchtende Farben verwendet als in Michelangelos Fresko. Es gibt viele symbolische Bilder in der Ikone (eine Palme mit einem Baby - „gerechte Seelen in der Hand Gottes“ und hier Waagen - also „ein Maß für menschliche Taten“).

In der Neuzeit war die Schaffung dieser Werke bei Menschen mit eschatologischen Ansichten beliebt, daher rechtfertigten diese Bilder ihren Zweck, die Menschheit nicht zu erschrecken, sondern ihnen die Idee zu vermitteln, ein rechtschaffenes Leben zu führen, ähnlich dem irdischen sündlosen Leben von Jesus Christus.

Verzeichnis der verwendeten Literatur

1. Halle D. Wörterbuch der Plots und Symbole in der Kunst. M, 1996

2. "Über die Sprache der orthodoxen Ikone." Archimandrit Raphael (Karelin) 1997

3. Smirnova I.A. Monumentalmalerei der italienischen Renaissance. M.: Bildende Kunst, 1987

4. Buslaev F.I. Bilder des Jüngsten Gerichts nach russischen Originalen // Buslaev F.I. Funktioniert. T. 2. St. Petersburg, 1910.

5. Alekseev S. Sichtbare Wahrheit. Enzyklopädie der orthodoxen Ikonen. 2003

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Bildungsministerium der Russischen Föderation Staatliche Technische Universität Kuzbass Abteilung für Nationalgeschichte

ANALYSE VON KUNSTWERKEN (Grafik, Malerei, Skulptur, Architektur)

Richtlinien für Seminare für Vollzeit- und Teilzeitstudierende im Fach „Weltkulturen und Kunst“ für Studierende des Fachgebiets

230500 „Soziokulturelle Dienstleistung und Tourismus“

Zusammengestellt von V.L. Wahrheit Genehmigt in der Abteilungssitzung Protokoll Nr. 8 vom 05.04.01

Eine elektronische Kopie befindet sich in der Bibliothek des Hauptgebäudes der KuzGTU

Kemerowo 2001

Methodische Erläuterungen

Der Studiengang „Weltkultur und Kunst“ konzentriert sich auf Malerei, Grafik, Bildhauerei und Architektur. Durch sie manifestieren sich die Merkmale von Stilen in verschiedenen Epochen am deutlichsten. Durch das Verständnis der Ästhetik der Ära wird ihr künstlerischer Inhalt durch das Verständnis von Kunstdenkmälern, das Verständnis ihrer Merkmale, ihrer Schönheit und Bildsprache offenbart.

Die Technik bietet einen kurzen Algorithmus, eine Abfolge beispielhafter Analysen von Grafiken, Gemälden, Architektur und Skulptur.

Mit all der unvermeidlichen Skizzenhaftigkeit und extremen Lakonie wird es den Schülern helfen, die Vorzüge von Kulturdenkmälern unabhängig zu beurteilen. Führt in den Kreis der Kunstterminologie ein.

Kunstwerke zu schätzen bedeutet nicht nur, alle Elemente ihrer Ausdruckskraft aufzuzählen, es ist auch notwendig, das Gefühl zu verbinden, in emotionalen Kontakt mit dem künstlerischen Bild zu treten.

Der Ablauf der Analyse ist beispielhaft. Es kann geändert werden. Die vorgeschlagenen Regelungen erfordern einen kreativen Ansatz. Sie sind nur Hilfsmittel, um eine lebendige emotionale Geschichte über ein bestimmtes Kunstwerk zu verfassen.

Analyse eines grafischen Kunstwerks

Elemente		Anmerkungen
Vitalität		Anmerkungen
Vitalität

1. Definition	Der Typ der betrachteten Grafik	Oft im Titel von
Art von Grafiken	Werke: eine Zeichnung oder eine Art Druckgrafik	physisches Produkt
	fiki (Holzschnitt, Kupferstich, Radierung, Lithographie u	die Art der Grafik wird angezeigt
	usw.). Dadurch ist es möglich, die Eigenschaften von zu bewerten	ki: „Zeichnen
	Referenz: die Art der Linie (sie ist für verschiedene Arten unterschiedlich	„Radierung“, „Lithographie“
	Gravuren), Chiaroscuro (es kann mehr oder weniger
	Vertrauen, je nach Technik) etc.
2. Analyse von Komponenten	Die Zusammensetzungsanalyse ist eine Bewertung des Gesamten		"Zusammensetzung"
	Konstruktion einer Zeichnung, einer figurativ-plastischen Idee: warum	(lat.) bedeutet Kompilieren
	einfach so, in einem solchen Maßstab, dreht sich von einem solchen Punkt aus	nie, verbindlich.
	Sichtweise stellte der Künstler eine Figur, eine Gruppe von Menschen dar,
	meta usw.
3. Technikanalyse
		Ist
	Bild: Fleck (Tonzeichnung), Strich (Strichzeichnung)	technisch
	Sunok). Linie (Strichzeichnung). Entweder gebraucht	Grafik
		Denia. Hier
		charakterisieren
		visuelle Handschrift


3. Technikanalyse	Eine Analyse der Zeichentechnik sollte feststellen, welche
	Grafiken werden verwendet, um zu erstellen	Ist
	Bild: Fleck (Tonmuster), Strich (Linie	technisch
	Zeichnung). Linie (Strichzeichnung). Entweder gebraucht	Grafik
	Alle drei Grafiken. Es wertet auch aus
	Zeichenstil: nah akademisch, detailliert,	charakterisieren
	naturalistisch oder frei, verallgemeinert, scharf.	visuell
	Die ganze Aufgabe liegt in der Auswahl der genauen, entsprechenden
	Art der Ausführung von Definitionen und Epitheta.
	Die Bewertung konzentriert sich auf die Analyse der Art der Leitung.	Um den Charakter einzuschätzen-
	Kunstfertigkeit des grafischen Werkes. Das Bild der	ra-Linien müssen ausgewählt werden
	gegeben durch eine Linie (Strich, Fleck), ihre Aussagekraft,		Definitionen.
	seine Anmut, Rhythmus. Spüren Sie den Charakter der Linie, seine	Zum Beispiel: anmutig, lo-
	Verschmelzen Sie mit dem Bild, vermitteln Sie es in Worten, machen Sie die Hauptsache	Manaya, nervös, unhöflich
	Arbeit an der Analyse eines grafischen Werkes. Nächste-	tay usw.
	Duet achten auch auf den Rhythmus der Zeilen. (Siehe Rhythmus in
	Kompositionen, S. 5).

Analyse eines bildlichen Kunstwerks

ausgesetzt					Anmerkungen
					Anmerkungen


1. Definition	Zunächst die Frage nach dem Wie				Definition von Genre-Sub-
	welcher der bestehenden Gattungen in der Malerei angehört				wird einen wichtigen Teil sagen
	malerisch analysiert	arbeiten		Kunst	ness: zu welchem genauen Wert
	(historisch, mythologisch, Haushalt, Kampf				rone des Themas und Spirituosen-
	Porträt, Landschaft, Stillleben). Bei der Analyse des Porträts				das Interesse der Welt ist geweckt
	Verwenden Sie Brustanalysetechniken (S. 8 dieser Methode)

	Die Plotanalyse erfordert die Fähigkeit, den Inhalt zu verstehen und zu verstehen				Oft die Handlung des Bildes
	die Bedeutung der vom Künstler dargestellten Ereignisse. Sein-				offenbart sich
	und handlungslose Malerei: gegenstandslose Malerei.
	Sie wird in Bezug auf Spannung, Di-
	Dynamik, Harmonie, Kontrast,		und erfordert besondere
	Methoden der Analyse. Die gegenstandslose Malerei baut ihre eigene auf
	ausschließlich Bildhaftigkeit
	ihre Rhythmen, wie auf die Hauptelemente der Ausdruckskraft
	malerische Sprache. Ein Beispiel für gegenstandslose Malerei
	si ist Abstraktionismus, Suprematismus.


	Die Offenlegung eines künstlerischen Bildes ist eine Bewertung von
	Auffälligkeit, Authentizität, Stärke in der Reflexion des Auserwählten
	noah vom Themenkünstler. So wenden sich viele Künstler an
	eilte zum Thema des Erwachens der Natur, aber selten
	tera stieg auf eine solche Höhe wie Savrasov in der
	zum Thema Frühling („Die Saatkrähen sind angekommen“).
4. Analyse von Komponenten	Die Komposition in der Malerei wird auf die gleiche Weise analysiert wie	Was gesagt wird, ist natürlich nicht
	in der Tabelle (siehe S. 2). Die Komposition wirkt sich aktiv auf die Wiedergabe aus	erschöpft		aller Wesen
	Abnahme von Werken.		Prinzipien für
	So kann die Komposition theatralisch betont werden	Struktur der Komposition, aber
	Noah, nach dem Bühnenprinzip gebaut. Oder vielleicht	Ich denke, es wird eine Orientierung ermöglichen
	erzeugen ein Gefühl der Zufälligkeit. Analysieren von Kom-	wandern in ihrer Einschätzung.
	Lage, kann man auf seine Harmonie schließen
	Struktur, Gleichgewicht aller Teile oder akut
	Dynamik.
	Wenn die Komposition durch gerade Horizontale gebildet wird			wissen über psycho
in der Komposition	tal oder leicht schräge Linien, erstellt	logisch		Auswirkung
	Eindruck ruhiger oder gemessener Bewegung. Soche-	Vertikalen		Umriss.
	Zeichnen von scharfen vertikalen Winkeln oder abgerundeten Linien	Die Vorherrschaft von Konturlinien
	verleiht dem Kompositionsschema Dynamik. Diago-	beruhigt oder sogar
	Geburtskonstruktion hilft, die Geschwindigkeit besser zu spüren,	baut		melancholisch
	Druck, Bewegung. Der Maler verwendet oft	Sky-Modus, unterdrückt. verti-
	aufrufbare kreisförmige Konstruktion, die es Ihnen ermöglicht, anzurufen	Kalium aktiv, instillieren op-
	Ordnen Sie eine große Anzahl in einer bestimmten Reihenfolge an	Thymismus, Fröhlichkeit, Stimmung
	von Leuten. Sie sollten den Rhythmus der Komposition einfangen, sehen Sie es	vayut für Freude, Erhebung.
	Grundschema.


	Farbe ist die „Seele“ der Malerei, sie bedarf besonders
Färben - organisch	sorgfältige und detaillierte Analyse.
Färben - organisch	Bei der Analyse des Farbsystems wird bestimmt, welche	Das lokale System von
Farbgebung an	das Farbsystem liegt dem Farbsystem der Karte zugrunde	rita ist historisch früher
	Schlämme: lokale Farbe oder tonal. In lokaler	ja. Weit verbreitet in
	Farbbereich wird die Farbe von den Lichtverhältnissen getrennt	dekorative Malerei.
	schennosti, es gibt kein schattenspiel. Die Klangfarbe ist stark
	es basiert auf einem komplexen Farbverhältnis, seinen Schattierungen; hinter-
	abhängig von Beleuchtung, Entfernung, Schatten, Blendung

koloristisch	Bei der Analyse des Farbbereichs wird dieser geschätzt	Aufmerksamkeit sollte geschenkt werden
	das Geschick des Künstlers bei der Auswahl der Farben, die Fähigkeit zu kombinieren	zum Rhythmus der Farbflecken.
	tat ihre Schatten. Der Künstler stiftet nicht nur das Sujet		Künstler
	Sie mit Farbe, er baut eine Farbkomposition, wo	markieren Sie das eine oder andere Fi-
	bestimmte Farben und deren Schattierungen dominieren. Ja geh-	Guru, Gesicht usw.
	sie sprechen von silbergrau-grün, lila - lila
	- Rosa usw. Farbspektrum.
	Farben können anregen und beruhigen, irritieren
Stimmung, geschaffen	und beschwichtigen. Ordnen Sie warme (rot, orange-
Stimmung, geschaffen	vyy, golden und ihre Schattierungen) und kalt (violett-
durch Farbe gegeben	vyy, blau, grün und ihre Schattierungen) Farbskala. Diese-	Die Farbe ist aktiv, sie ist im Bild
	Flache Farben sind aktiv, begeistern, amüsieren, können aber auch	tritt hervor, zieht an
	belästigen. Kälte - beruhigen, beruhigen,	keine Aufmerksamkeit. Kalt
	manchmal traurig. Dahinter steckt die Farbgebung des Bildes	Farbe verblasst
	immer noch eine gewisse Stimmung, die der Künstler geschaffen hat	Tiefe. Geschickte Disposition
	gibt Farbe. Versuchen Sie, es zu fangen und zu übermitteln -	warm und kalt

	Struktur bei der Analyse der Farbstruktur des Bildes. Farbe		Tönen baut der Künstler etwas
	erhält seine Ausdruckskraft, wenn es organisiert		visuelle Perspektive.
	abgesenkt und seine Intensität entspricht der Intensität
	die Intensität menschlicher Gefühle.

6.Smear-Technik	Die Art des Abstrichs kann zusätzliche hinzufügen		Abstriche können dick sein
	Auffälligkeit, verleiht der Malerei künstlerische Effekte		Gerstenkorn, undurchsichtig - pass-
	Auswirkungen. Der Künstler kann maskieren, wiedergutmachen		tonisch und flüssig - kleiner-
	„Auflegen“ eines Abstrichs oder im Gegenteil freilegen, überlagern			Pastös arbeiten
	wai malen mit separaten Farbklumpen, mehr		Striche machen die Textur des Lebens
	Rosen. Die Analyse der Abstrichtechnik ermöglicht es Ihnen, zusätzliche zu identifizieren		Leinwand
	vollständigen Ausdruck des Bildes.		lebendig, geprägt.
7.Offenlegung	Hinter der Analyse bestimmter Ausdruckselemente		Enthüllung des Generals
Allgemeines Design	Malerei sollte das Wichtigste nicht verlieren, was				zuletzt
Künstler	analytisches Pathos wird gesendet:	Offenlegung der Absicht			bildlich
	Künstler. Stimmung verstehen	forderte ihn auf	Bilder bauen.
	nimm einen Pinsel.
	Die Entwicklung der europäischen Malerei verlief wie folgt
	vilo, im Rahmen einer bestimmten Stilrichtung oder Richtung.
	Der Stilwechsel zeugte von einem künstlerischen Wandel
	Prinzipien, Kriterien, Geschmäcker. Am hellsten in ev-
	Die europäische Malerei manifestierte solche Stile wie
	Klassizismus, Barock, Romantik, Realismus usw. Gesetz-
	Analyse wird eine Einschätzung des Bildes aus der Sicht gegeben
	Stil.

Skulpturanalyse

Zusammengesetzt		Notiz
		Notiz


1. Definition	Die Aufgabe, die Art der Skulptur zu bestimmen (rund		- Skulptur an
Art Skulptur	Skulptur-Statue, Büste, Skulpturengruppe: Reli-	Flugzeuge. Statue, Büste,
	ef - Flachrelief, Hochrelief) ist in keiner Weise	Skulpturengruppe - verschiedene
	Komplex. Allerdings erfordert die eine oder andere Art von Skulptur	Sichtweite		Skulptur-
	wird einen anderen Ansatz wählen. Die Analyse der Statue wird unterschiedlich sein.
	Xia aus der Analyse der Büste, Skulpturengruppe usw.
	Bei der Analyse einer Statue wird diese zunächst bewertet			gesättigt
	Ausdruckskraft der Plastizität, ihre semantische und emotionale
	Endsättigung. Ein wichtiges Element zum Ausdruck	darauf sollte eingegangen werden
	der sockel ist der hauptwert, die harmonie	auf Details achten:
	die Bedeutungslosigkeit seiner Kombination mit der Statue. Kleidung kann	was hält, was sich anlehnt
	Betonen Sie die Monumentalität des Bildes oder Dynamik	Statue usw.
	die Mystik seiner Plastizität. Sollte sich konzentrieren
	auch auf dem Gesicht der Statue (siehe Büste).


	Brustanalysetechniken tendieren zu den Analysemethoden
	Lisa des Porträts im Allgemeinen, d.h. zielt darauf ab, sich zu identifizieren
	innere Psychologie des Charakters, ausgedrückt in
	Plastizität des Gesichts, Mimik. Muss aufpassen
	Aufmerksamkeit generalisiert oder akut individuell
	Charakterisierung des Bildes, die Art der Modellierungsmerkmale
	tsa: klar, detailliert, schwach oder weich, seine Pro-


skulptural	Bewertung der Ausdruckskraft der Skulpturengruppe	Beispiele gelungener Bildhauerei
	verbunden mit der Analyse der Integrität des plastischen Bildes,	Reisegruppe ist ziemlich groß
	aus mehreren Figuren zusammengesetzt. Wenn es unmöglich ist	lo, aber für sie natürlich
	sondern eine Figur von einer anderen zu trennen, ohne sie zu verletzen	kann zugeschrieben werden "Arbeiten und
	plastische Einheit - so haben wir ein Beispiel	Kollektivbauernmädchen“ Mukhina, „Pie-
	erfolgreich ausgeführte Skulpturengruppe. Bei	Tu“ von Michelangelo.
	dies ist oft jeder der Charaktere des Skulpturalen
	Gruppe „spielt ihre Rolle“, drückt sich auf ihre eigene Weise aus
	Gefühle und Erfahrungen.
	Das Relief ist oft eine Handlung, es suggeriert eine Geschichte	Oft in Form von Entlastungs-
	zu einem bestimmten Thema. Er ist facettenreich. Analyse davon	Auch ein Porträt kann angefertigt werden.
	beinhaltet die Charakterisierung einzelner Charaktere,	Techniken zur Analyse einer solchen Beziehung
	Ausdruck in Haltungen und Gesten. Erleichterung eingefahren	efa tendiert zur Büste.
	monumentaler Stil natürlich gesättigter
	Ideen und Symbole als Handlung.

ANALYSE DER ARBEITEN

BILDENDE KUNST

Anschero - Sudschensk

ABTEILUNG FÜR BILDUNG UND WISSENSCHAFT DER REGION KEMEROWSKER

GOU SPO ANZHERO - SUDZHENSKY PÄDAGOGISCHE HOCHSCHULE

ANALYSE DER ARBEITEN

BILDENDE KUNST

Rat der GOU SPO Anzhero -

"____" ____________ 2009

RIS-Vorsitzender

Rezensent:

Lehren

GOU SPO Anzhero - Sudzhensk Pädagogische Hochschule.

Analyse von Kunstwerken: Richtlinien. - Anzhero - Sudzhensk: GOU SPO Anzhero - Sudzhensk Pädagogische Hochschule, 2009 - p.

In diesem methodische Entwicklung Fragen im Zusammenhang mit der Analyse von Werken der bildenden Kunst werden behandelt.

Zu seinen Vorteilen gehört das Vorhandensein einer Anwendung, die Pläne und Algorithmen zur Analyse von Kunstwerken enthält.

Pädagogische Hochschule

	Einführung …..………………………………………………………..
	Methodische Grundlagen Analyse von Werken der bildenden Kunst ………………………………………..
	Literatur …………………………………………………………..
	Anwendung …………………………………………………………

EINFÜHRUNG

Wie wir die Welt betrachten

Bevor wir über die Analyse von Werken der bildenden Kunst sprechen, überlegen wir uns, warum sie auch als visuell bezeichnet werden und wofür sie eigentlich gedacht sind. "Um den Blick zu streicheln, für die Augen!" - Sie werden sagen und Sie werden Recht haben, obwohl wenn wir über Architektur und Design sprechen, dann können sie nicht nur das Aussehen, sondern auch den Körper streicheln. Die bildende Kunst konzentriert sich auf die visuelle Wahrnehmung. Lassen Sie uns diese unsere Fähigkeit zu sehen untersuchen.

Ein gewöhnlicher Mensch sieht also mit zwei Augen, in jedem Auge gibt es ein optisches Zentrum - einen Punkt, von dem aus das Bild der umgebenden Objekte am deutlichsten zu sehen ist. Das bedeutet, dass das Gerät unserer Vision zwei Fokusse hat. Machen wir ein Experiment: Nehmen Sie ein Blatt Papier, stechen Sie ein kleines Loch hinein und versuchen Sie es aus der Ferne ausgestreckte Hand Blicken Sie durch dieses Loch auf einen entfernten Punkt an der Wand (z. B. einen Schalter). Ohne unsere Hände zu bewegen, schließen wir abwechselnd entweder das rechte oder das linke Auge - das Bild des Schalters im Loch verschwindet oder taucht wieder auf. Was würde das bedeuten?

Im menschlichen Sehapparat funktioniert nur ein Fokus - entweder das rechte oder das linke Auge (je nachdem, welches Auge führt: Wenn das Bild verschwindet, wenn das rechte Auge geschlossen ist, dann ist es das führende, und wenn das linke, dann das führende linke Auge). Ein Auge sieht "echt" und das andere erfüllt eine Hilfsfunktion - es "guckt", hilft dem Gehirn, das Bild zum Ganzen zu vervollständigen.

Schauen Sie sich den Gesprächspartner dabei genau an allgemeines Gespräch. Ihre Sicht fixiert sein rechtes Auge (für Sie ist es das linke), und Sie sehen deutlich nur ihn. Der Rest des Bildes des Gesprächspartners verschwimmt allmählich von der Mitte (vom rechten Auge) zur Peripherie. Was bedeutet das? Die Linse unseres Auges – die Linse – ist in Form einer Kugel angeordnet. Und das Bild an den Rändern wird immer verschwommen sein – das Motiv wird nur an einem einzigen Fokuspunkt klar reflektiert. Je weiter vom Fokus entfernt, desto unschärfer das Bild.

Es ist klar, dass bei solchen "elenden Möglichkeiten" des Sehens der Raum, die Form von Objekten und sogar Farben natürlich verzerrt werden. Das Paradoxe ist, dass die meisten Objekte, die wir sehen, nicht einmal denken, da sie sich der Mechanismen unseres Sehens überhaupt nicht bewusst sind. Und da unser Sehen im kulturellen Raum der Gesellschaft unmerklich geschult wird (und diese Schulung in den letzten sechshundert Jahren hauptsächlich in den direkten linearen Perspektiven der Klassiker stattgefunden hat), denken wir nicht einmal an so einfache Dinge, die sich ergeben Verstand von Physiologen bzw Künstler. Und wir denken immer noch, dass die Grenze des Realismus des Bildes in den Werken der Wanderers liegt und nicht in der Malerei von Cezanne.

Damit kommen wir zum Thema Analyse von Werken der bildenden Kunst. Es gibt zwei Arten, bildende Kunst wahrzunehmen: die eine durch das Herz, die andere durch den Verstand. Dies ist die methodische Grundlage für das Verständnis jeglicher Kunst.

METHODISCHE GRUNDLAGEN FÜR DIE ANALYSE VON WERKEN DER BILDENDEN KUNST

Wer zum ersten Mal mit der Analyse eines Kunstwerks konfrontiert wird, hat fast sofort natürliche Fragen: „Ist Analyse in der Kunst wirklich notwendig? Tötet es nicht die lebendige, direkte, emotionale Wahrnehmung von Kunst? Erforderlich, wenn es richtig gemacht wird.

Eine klare Analyse stört emotionale Kunst nicht, sondern hilft, neue Aspekte der Arbeit zu offenbaren und zu zeigen tiefe Bedeutung. Dazu sollte die Analyse nicht bei einer einfachen Aussage über das Vorhandensein eines Objekts oder einer Figur auf der Leinwand oder beim Nacherzählen der Handlung stehen bleiben, sondern weiter (oder tiefer) zur Bedeutung des Bildes gehen.

Aber die Bedeutung wird durch die äußere Form ausgedrückt. Uns wird in der Arbeit nicht direkt eine Bedeutung gegeben, sondern nur eine bestimmte Form. Und wir müssen es „lesen“, die Bedeutung dahinter erkennen. Darüber hinaus baut der Künstler die Form der Werke so auf, dass sie die Bedeutung, die er braucht, besser zum Ausdruck bringen.

Jedes Kunstwerk hat mehrere Ebenen. Dies sind die emotionalen, thematischen, handlungsbezogenen, symbolischen Ebenen und die Ebene des internen Geräts (Mikroschaltkreis) der Arbeit. Unsere Wahrnehmung von Kunst beginnt mit Emotionen.

emotionale Ebene.

Das erste, was wir „einfangen“, ist die emotionale Struktur der Arbeit. Es ist feierlich oder lyrisch, wir sind lustig oder traurig. Wenn uns die Arbeit emotional nicht berührt hat, findet keine weitere Analyse statt.! Daher ist es sehr nützlich, zu Beginn der Analyse zu versuchen, jene Emotionen einzufangen, die aus der Kommunikation mit der Arbeit entstehen. Dies ist umso notwendiger, wenn die Arbeit schon lange bekannt ist. Schließlich erinnerten wir uns unwillkürlich an jene „alten“ Emotionen, die die Leinwand einst in uns geweckt hatte. Aber jetzt sind wir anders, und deshalb ist unsere Wahrnehmung anders. Und jetzt werden wir andere Gefühle für die alte, lange Zeit haben berühmtes Werk. Und es ist sehr hilfreich, wenn die Schüler zu Beginn der Analyse eine Frage nach dem ersten Eindruck stellen, der durch das Bild entsteht.

Darüber hinaus muss dieser erste Eindruck während der gesamten Analyse auf jede erdenkliche Weise bewahrt und gepflegt werden. Oftmals ist es dieser erste emotionale Eindruck, der die Richtigkeit der analytischen Schlussfolgerungen auf die Probe stellt. Im Verlauf der Analyse wird nach und nach die Richtigkeit der analytischen Schlussfolgerungen überprüft. Allmählich, im Prozess der Analyse, beginnen wir zu sehen, wie der Künstler diesen oder jenen emotionalen Eindruck erzielt.

Auch der Abschluss der Analyse sollte emotional sein. Ganz zum Schluss ist es nicht nur sinnvoll, sondern einfach notwendig, noch einmal zu einem ganzheitlichen emotionalen Eindruck zurückzukehren. Erst jetzt wird die Emotion durch das Wissen um die Bedeutung verstärkt.

Beispielfragen zur Analyse einer Arbeit auf emotionaler Ebene.

1. Welchen Eindruck macht das Stück?

3. Welche Empfindungen kann der Besucher erleben (Architektur)?

4. Was ist die Art der Arbeit?

5. Wie tragen der Maßstab der Arbeit, das Format, die vertikale, horizontale oder diagonale Anordnung von Teilen, die Verwendung architektonischer Formen, die Verwendung von Farben im Bild und die Lichtverteilung zum emotionalen Eindruck bei?

Fachebene.

Es spiegelt das unmittelbar Dargestellte wieder. Auf dieser Ebene beginnt die Analyse sofort. Jedes Objekt, jeder Charakter oder jedes Phänomen ist äußerst bedeutsam. In den Gemälden guter Künstler gibt es keine zufälligen Dinge. Daher regt schon eine einfache Aufzählung dessen, was sich auf der Leinwand befindet, zum Nachdenken an.

Und hier stoßen wir oft auf Schwierigkeiten.

Die menschliche Aufmerksamkeit ist selektiv und wir bemerken möglicherweise lange Zeit kein wichtiges Detail auf der Leinwand. Ja, und historische Dinge ändern sich manchmal bis zur Unkenntlichkeit. Oder ein Kostüm, das einem Zeitgenossen in jeder Epoche viel über einen Menschen sagt - schließlich ist dies eine ganze Enzyklopädie nicht nur des äußeren Lebens, sondern auch der Moral, der Charaktere, der Lebensziele.

Daher müssen Sie es sich zur Regel machen, das Bild mit einer gründlichen Klärung des Sinns und Zwecks aller darauf platzierten Dinge zu beginnen. Die Themenwelt des Bildes sind jene Worte, die den „uns gegebenen Text“ ausmachen.

Bereits auf dieser Ebene, zu Beginn der Bekanntschaft mit die objektive Welt Gemälden fällt sehr schnell auf, dass alle Gegenstände und Gesichter nicht wahllos über die Leinwand verstreut sind, sondern eine Art Einheit bilden. Und wir fangen unwillkürlich an, dieses Einheits-Machen zu begreifen der erste Schritt zur Bildkomposition. Wir werden es ganz am Ende endlich meistern. Aber es ist notwendig, sofort damit zu beginnen, einzelne Merkmale zu bemerken. In der Regel fällt sofort auf, dass die wichtigsten Elemente einfache und klare Formen bilden (Dreieck, Kreis, Pyramide, Quadrat …). Diese Formen werden vom Künstler nicht willkürlich gewählt, sie schaffen eine bestimmte emotionale Struktur. Der Kreis und das Oval beruhigen, komplett. Ein Quadrat oder ein liegendes Rechteck erzeugt ein Gefühl von Stabilität und Unantastbarkeit. Die Pyramide und das Dreieck geben dem Betrachter ein Gefühl des Strebens. In diesem Stadium der Analyse sind das Haupt- und das Nebenbild im Bild leicht zu unterscheiden.

Ein separates Objekt, eine separate Farbe, ein separater Strich trägt nichts dazu bei, die Bedeutung zu verstehen. Nur ihre Verhältnisse sind signifikant. Durch das Verhältnis von Farben, Tönen, Themen, Objekten, Volumen muss man in der Lage sein, die Bedeutung der Arbeit zu „lesen“.

Kontrastierende Gegensätze, das Vorherrschen von Bewegung oder Ruhe auf der Leinwand, das Verhältnis von Hintergrund und Figuren - all dies wird bereits in diesem Stadium der Analyse festgestellt. Hier bemerken wir, dass die Bewegungsübertragung ein diagonaler, freier Raum vor dem Objekt ist, das Bild des Höhepunkts der Bewegung, asymmetrische Schemata; und die Übertragung der Ruhe ist das Fehlen von Diagonalen, freiem Raum vor dem Objekt, statischen Haltungen, symmetrischen Schemata. Aber das alles wird nur zur Kenntnis genommen. wahre Bedeutung Die Merkmale der Komposition werden uns erst ganz am Ende der Analyse vermittelt.

Beispielfragen zur Analyse eines Kunstwerks auf fachlicher Ebene.

1. Was (oder wer) ist auf dem Bild zu sehen?

2. Was sieht der Besucher, wenn er vor der Fassade steht? In Innenräumen?

3. Wen sehen Sie in der Skulptur?

4. Heben Sie die Hauptsache von dem hervor, was Sie gesehen haben?

5. Versuchen Sie zu erklären, warum dies für Sie die Hauptsache zu sein scheint.

6. Womit hebt der Künstler, Architekt die Hauptsache hervor?

7. Wie werden Objekte in der Arbeit angeordnet (Motivkomposition)?

8. Wie werden Farben in der Arbeit verglichen (Farbkomposition)?

9. Wie werden Volumen und Räume in einer architektonischen Struktur verglichen?

Story-Ebene.

Ich möchte sofort vor Gefahren warnen, sehr oft warne ich den Forscher. Dies ist der Wunsch, die vom Künstler auf der Leinwand präsentierte Handlung durch eine Handlung zu ersetzen, die aus der Geschichte, der Mythologie und den Geschichten über den Künstler bekannt ist. Schließlich illustriert der Künstler die Handlung nicht nur, sondern macht sie verständlich und geht manchmal sehr weit über den Rahmen dieser Handlung hinaus. Sonst werden kunstgeschichtliche Briefmarken geboren.

Die Leute fragen oft: Haben alle Leinwände eine Handlung? zum Genre bzw historisches Bild es ist meistens offensichtlich. Und in einem Porträt, einer Landschaft, einem Stillleben? Was ist mit abstrakter Malerei? Hier ist nicht alles so offensichtlich. Das französische Wort „Plot“ bedeutet nicht so sehr den Ablauf von Ereignissen, sondern allgemein das „Thema“ der Arbeit oder „Vernunft, Vernunft, Motiv“. Und die erste Bedeutung dieses Wortes ist „veranlagt, Subjekt“. So erscheint die Handlung vor uns als vom Künstler auf der Leinwand aufgebaute Ursache-Wirkungs-Beziehungen. Im historischen bzw Genremalerei diese Verbindungen beziehen sich auf historische oder inländische Ereignisse. Im Porträt - das Verhältnis der Individualität des Porträtierten, was er ist, mit wem er erscheinen möchte. Im Stillleben - die Beziehung zwischen Dingen, die von einer Person hinterlassen wurden, und der Person selbst "hinter den Kulissen". Und in der abstrakten Malerei baut der Künstler das Verhältnis von Linien, Flecken, Farben, Figuren auf. Und ein solches Verhältnis ist nicht weniger bedeutsam und handlungsgetrieben als die Geste der Surikov-Adligen Morozova.

Aus dem oben Gesagten folgen zwei Schlussfolgerungen.

Erstens: Die Handlung muss auf der Grundlage der Realitäten eines bestimmten Bildes aufgebaut werden. " Der Sinn liegt nicht in der Bitte des verlorenen Sohnes und nicht in der Buße selbst, sondern in der Überraschung, die eine solche väterliche Liebe, eine solche Vergebung hervorruft.».

Und die zweite Schlussfolgerung: So oder so, aber die Handlungsebene ist immer auf der Leinwand vorhanden. Und es in der Analyse zu umgehen, ist einfach irrational. Kausale Beziehungen bilden nur einen besonderen Raum und eine besondere Zeit des Bildes.

Die Handlungsebene verdeutlicht und kompositorische Merkmale Leinwände. Wir unterscheiden zwischen einer Bild-Geschichte und einer Bilder-Show, wir sprechen von Bildlichkeit und Ausdruckskraft auf der Leinwand. Hier wird die Gattung des Werkes bestimmt.

Und es wird sofort klar, dass nicht alle Personen, Gegenstände, Phänomene im gleichen Sinne wie im Leben auf dem Bild erscheinen. Einige von ihnen haben in der Kultur, die den Künstler großgezogen hat, eine besondere symbolische Bedeutung. Andere gaben dem Autor selbst die Bedeutung polysemantischer Symbole. Also gehen wir zum nächsten Level – symbolisch.

Beispielfragen zur Analyse der Arbeit auf Plotebene.

1. Versuchen Sie, die Handlung des Bildes zu erzählen.

2. Versuchen Sie sich vorzustellen, welche Ereignisse in diesem architektonischen Werk häufiger vorkommen können.

3. Was kann diese Skulptur tun (oder sagen), wenn sie zum Leben erwacht?

symbolische Ebene.

Auf der symbolischen Ebene scheinen wir zum inhaltlichen Inhalt des Bildes zurückzukehren, jedoch auf einer anderen qualitativen Ebene. Stillleben-Objekte beginnen plötzlich Sinn zu machen. Uhr ist die vergehende Zeit leere Schalen- leeres sterbliches Leben, Reste einer Mahlzeit- abrupt gebrochen Lebensweg.

Außerdem wird jede Form neu gedacht.

kreisförmige Zusammensetzung ist ein Symbol der Ewigkeit. Quadrat (Würfel)- dies ist ein Symbol der Erde, nachhaltiges irdisches Dasein. Wir sehen, dass ein Künstler eine Leinwand baut und sie von links nach rechts in Stücke zerbricht. Und dann erscheinen auf der rechten Seite positive Werte und auf der linken Seite negative. Wenn wir das Auge von links nach rechts bewegen, sehen wir den Beginn des Ereignisses in der linken Hälfte und sein Ergebnis in der rechten Hälfte.

Ein anderer Künstler wird die vertikale Teilung des Gemäldes hervorheben. Und dann treten unsere Vorstellungen von Oben und Unten in der Welt um uns herum in Kraft. Ein hoher, niedriger oder mittlerer Horizont, die „Farbschwere“ der Ober- oder Unterseite der Leinwand, die Sättigung des einen oder anderen Teils mit Figuren, die Offenheit des Raums - all dies wird auf symbolischer Ebene zum Gegenstand der Analyse.

Wir dürfen nicht vergessen, dass die sehr vertikale oder horizontale Komposition des Bildes auch ein signifikantes Symbol ist. Die ikonografischen Konstruktionen entfalten sich vertikal, und die Gemälde des New Age sind fast alle horizontal.

Und obwohl das Bild die Anordnung der Ebene ist, streben Künstler ständig danach, die Tiefe des Raums zu beherrschen. Die Raumtiefe kann sich entfalten verschiedene Wege. Und jeder von ihnen ist symbolisch. Nahe Objekte verdecken entfernte. Die Tiefe des Raums wird aufgrund der Ebene des Bodens, der Erde, "gezeichnet" - der Boden erhält die hauptsächliche, friedensstiftende Bedeutung im Bild. Tiefe wird mit Hilfe architektonischer Strukturen aufgebaut. Und die Architektur beginnt aktiv auf die Charaktere einzuwirken – sie zu erheben oder herunterzudrücken, sie zu verstecken oder zur Schau zu stellen.

Auf dieser Analyseebene sehr wichtig Farbe und Licht ins Bild bringen.

Es ist bekannt, dass die Farben in der Antike und im Mittelalter eindeutig auf die entsprechende Weise angebracht waren, da sie leuchtende Symbole waren. Und da in einem Werk der Malerei die Farbe das Hauptmittel ist, um die Bildwelt zu konstruieren, vermeiden die Künstler auch des New Age diesen symbolischen Einfluss nicht. Licht und Dunkelheit waren für einen Menschen schon immer nicht nur Zustände wahres Leben. Aber auch symbolische Gegensätze des Äußeren und Inneren: ein strahlendes Gesicht und innere Erleuchtung; dunkle Malerei und harte Lebensweise. So wird das grandiose System der Welt dieser Leinwand nach und nach eingebaut.

Beispielfragen für die Analyse der Arbeit auf der symbolischen Ebene.

1. Gibt es Gegenstände in der Arbeit, die etwas symbolisieren?

2. Haben die Komposition des Werkes und seine Hauptelemente symbolischen Charakter: horizontal, vertikal, diagonal, Kreis, Farbe, Würfel, Kuppel, Bogen, Gewölbe, Turmspitze, Turm, Geste, Pose, Kleidung, Rhythmus, Tenor etc .?

3. Wie lautet der Titel der Arbeit? Wie verhält es sich zu seiner Handlung und Symbolik?

Als nächstes steigen wir auf eine neue Ebene des Bildverständnisses. Hier müssen für uns die einzelnen Aspekte der Analyse zu einer einzigen Welt dieser besonderen Arbeit zusammengeführt werden.. Darauf Endphase der Analyse kein Detail soll im Bild bleiben, irgendwie aus dem Ganzen herausfallen. Auch hier müssen wir wieder von Integrität sprechen. Und diese Integrität wird häufiger nicht logisch, sondern emotional verstanden. „Wie wunderbar und weise!“ - Bewunderung sollte uns als Ergebnis sorgfältiger Analyse entgegenkommen. Versuchen Sie, die Figuren in diesem Format geistig zu bewegen, einige auszulöschen und andere hervorzuheben, und Sie werden sehen, dass dies nicht nur die Ausdruckskraft, sondern auch die Bedeutung des Bildes beeinflusst. In diesem Stadium wird das Bild zu "seinem".

Aber dies ist ein ideales Analysesystem. In der Realität funktioniert etwas nicht, irgendwo denken wir es nicht aus, manchmal haben wir keine Zeit, es richtig zu fühlen. Aber den Schülern wenigstens einmal den ganzen Prozess der Analyse zu zeigen, sie zum Verstehen zu führen, das müssen wir einfach.

In jeder spezifischen Arbeit können wir eine Ebene isolieren und mit den Schülern daran arbeiten. Darüber hinaus erlaubt jedes Kunstwerk auf jeder dieser Ebenen seine völlig unabhängige Existenz. Darüber hinaus ist in einer Arbeit die Handlungsebene klar unterschieden, in der anderen - symbolisch.

Um Analysefähigkeiten zu entwickeln, ist es nützlich, private Techniken zu verwenden:

Ú eine einfache Beschreibung des Bildes, also dessen, was tatsächlich darauf abgebildet ist. Solche Beschreibungen sind äußerst hilfreich, um die Aufmerksamkeit auf eine bestimmte Leinwand zu lenken, um in die Welt des Bildes einzutreten;

Ú Inhalt einklappen. Hier bittet der Lehrer darum, das Bild einfach nachzuerzählen, aber jedes Mal seine Geschichte zu verkürzen. Am Ende reduziert sich die Geschichte auf ein paar gemeine Phrasen, bei denen nur das Wichtigste übrig bleibt;

Ú Hierarchien aufbauen. Hier versucht der Lehrer zusammen mit den Schülern, die vom Künstler vorgeschlagenen Werte zu korrelieren, um die Frage zu beantworten: „Was ist wichtiger?“ - diese Technik ist auf allen Ebenen nützlich;

Ú Schaffung eines „Analysefeldes“. Oft wird die "Entdeckung" von Bedeutung durch eine unbedeutende Tatsache der Biographie des Künstlers oder einer bestimmten Kultur unterstützt. Es lenkt unsere Aufmerksamkeit auf eine andere Ebene. Lässt unsere Gedanken einen anderen Weg einschlagen. Deshalb ist es notwendig, Fakten zu sammeln. Und wie die Praxis zeigt, je ungewöhnlicher uns ein Persönlichkeitszug oder Ereignis erscheint, desto kreativer ist es für uns;

Ú kontemplative und motorische Empathie (Empathie). Das ist schon eine schauspielerische Technik – ein Versuch, sich in die Welt des Bildes hineinzuversetzen, zu versuchen, Posen einzunehmen Schauspieler, setzen Sie den Ausdruck ihrer Gesichter auf, gehen Sie die Pfade der Landschaft entlang. Unterwegs gibt es viele Entdeckungen. Auf diese Technik wird oft zurückgegriffen, wenn die Analyse aus irgendeinem Grund in eine Sackgasse geraten ist.

Es ist klar, dass die Formen der Analyse unterschiedlich sein können. Dies sind separate Fragen in einer normalen Lektion, die Kindern beibringen, sich wie jemand zu fühlen, sich etwas vorzustellen; Tauchen Sie ein in die eine oder andere Umgebung. Auch das sind Vergleichsfragen. Das sind Aufmerksamkeitsübungen (was siehst du?). Dies sind einfache logische Konstruktionen über ein bestimmtes Werk.

Anhang 1

MALEREI-ANALYSEPLAN

1. Name.

2. Zugehörigkeit zu einer kulturellen und historischen Epoche, Stil.

4. Die Entstehungsgeschichte des Werkes.

5. Die Bedeutung des Namens. Plot-Funktionen. Zugehörigkeit zum Genre.

6. Komposition (was dargestellt wird, wie die Bildelemente angeordnet sind, Dynamik, Rhythmus).

7. Anlagevermögen künstlerische Ausdruckskraft(Farbe, Linie, Hell-Dunkel, Textur, Schreibweise).

8. Ihre persönlichen Eindrücke.

PROBE

Savrasovs Gemälde „Die Saatkrähen sind angekommen“. Savrasov war ein erstaunlicher Künstler, dessen Bilder man nie müde wird zu betrachten. Sie sind leicht und in verschiedenen Farben erhältlich. Er war ein Künstler, der die russische Landschaft revolutionierte. Im Gegensatz zu anderen Künstlern stellte er einfache russische Landschaften dar. Eines seiner berühmtesten Meisterwerke ist das Gemälde „The Rooks Have Arrived“.

Das Bild wurde um die Wende der 1860-70er Jahre gemalt. Darauf stellt der Autor den frühen Frühling dar, den Moment, in dem die ersten Vögel (Krähen) ankommen und beginnen, Nester in den Bäumen zu bauen.

Wir möchten auf die Farbpalette des Bildes achten. Savrasov nutzt den Eindruck einer wolkigen Frühlingslandschaft, gleichzeitig machen die Sonnenstrahlen die Landschaft sonniger. Ein wichtiges Element des Bildes ist natürlich die Kirche. Ihre Silhouette verleiht dem Bild eines grauen Tages eine poetische Note.

Mit uns spüren, wie der Künstler seine Landschaft bewundert.

Anhang 2

DENKMALARCHITEKTUR-ANALYSEPLAN

1. Name.

2. Standort.

3. Architekt(en).

4. Aufgabenzuweisung:

ein Kult;

b) weltlich:

Gehäuse,

Ein öffentliches Gebäude.

5. Woraus wird gebaut. Geben Sie, wenn möglich, den Grund für die Wahl dieses speziellen Materials an.

6. Design-Merkmale, anhand derer Sie den Stil (oder verwendete architektonische Details, Pläne, Abmessungen usw.) bestimmen können.

7. Rückschluss auf die Art der Aufgabe, den Baustil oder die Zugehörigkeit zu einer Zivilisation.

8. Wie stehen Sie zum Denkmal?. Begründen Sie Ihre Meinung.

PROBE

1. Pyramide von Djoser.

2. Ägypten, Sakkara.

3. Architekt Imhotep.

4. Kultgebäude - Grab.

5. Bau aus Stein.

6. Die Form einer Stufenpyramide mit einem Grabraum. Höhe 60 m, Seitenlänge 120 m.

7. Es gibt keinen Baustil, das Gebäude gehört zur Zivilisation des alten Ägypten.

8. …

Anhang 3

SKULPTUR-ANALYSEPLAN

1. Name.

2. Bildhauer.

3. Skulpturtyp:

a) in Ausführung:

1. Runde;

2. Entlastung:

ausführlich

§ Hochrelief.

b) nach Vereinbarung:

1. Kult,

2. weltlich,

c) nach Verwendung:

1. unabhängig,

2. Teil des architektonischen Ensembles,

3. Teil der architektonischen Dekoration des Gebäudes;

d) nach Genre:

1.Porträt:

§ in voller Größe;

2. Genreszene.

4.Das Material, aus dem die Arbeit gemacht wird.

5.Maß an Sorgfalt und Liebe zum Detail.

6.Worauf wird mehr geachtet (Features):

a) Ähnlichkeit

b) dekorativ

c) anzeigen internen Zustand menschlich,

d) eine Idee.

7.Entspricht es dem Kanon, wenn es so wäre.

8.Ort:

a) Herstellung

b) Wo ist er jetzt?

9. Stil, Richtung oder Entwicklungszeitraum der Skulptur und ihre Manifestation in einem bestimmten Werk.

10.Wie stehen Sie zum Denkmal?. Begründen Sie Ihre Meinung.

Anhang 4

PROBE

1. Nike von Samothrake.

2. Die Skulptur ist unbekannt.

3. Skulpturtyp:

A) in Ausführung - rund,

B) nach Vereinbarung - Kult,

V) durch ursprüngliche Nutzung - Teil des architektonischen Ensembles,

G) nach Genre - ein Porträt der Göttin in vollem Wachstum.

4. Aus Marmor.

5. Die Arbeit ist sehr akribisch.

6. Aufmerksamkeit wird der Idee des unaufhaltsamen Fluges des Sieges geschenkt.

7. Es gab keinen Kanon.

8. Hergestellt in Griechenland im 4. Jh. BC h., befindet sich heute im Louvre (Paris, Frankreich).

9. Statue der antiken hellenistischen Ära.

10.Ich mag das Denkmal (mag es nicht), weil…

Anhang 5

ALGORITHMEN ZUR ANALYSE VON KUNSTWERKEN

Algorithmus zur Analyse eines Gemäldes.

Die Hauptbedingung für die Arbeit an diesem Algorithmus ist die Tatsache, dass der Name des Bildes denen, die die Arbeit ausführen, nicht bekannt sein sollte.

1. Wie würdest du dieses Gemälde nennen?

2. Gefällt dir das Bild oder nicht? (Die Antwort muss mehrdeutig sein.)

3. Erzählen Sie von diesem Bild, damit sich jemand, der es nicht kennt, eine Vorstellung davon machen kann.

4. Wie fühlen Sie sich bei diesem Bild?

7. Möchten Sie Ihre Antwort auf die erste Frage ergänzen oder ändern?

8. Kehren Sie zur Antwort auf die zweite Frage zurück. Ist Ihre Einschätzung gleich geblieben oder hat sie sich geändert? Warum bewertest du dieses Bild jetzt so sehr?

Algorithmus zur Analyse von Kunstwerken.

2. Zugehörigkeit zur künstlerischen Ära.

3. Die Bedeutung des Namens des Bildes.

4. Genrezugehörigkeit.

5. Merkmale der Handlung des Bildes. Gründe für die Malerei. Suchen Sie nach einer Antwort auf die Frage: Hat der Autor dem Betrachter seine Absicht vermittelt?

6. Merkmale der Bildkomposition.

7. Die wichtigsten Mittel eines künstlerischen Bildes: Farbe, Zeichnung, Textur, Hell-Dunkel, Schreibstil.

8. Welchen Eindruck hatte dieses Kunstwerk auf Ihre Gefühle und Stimmung?

10. Wo befindet sich dieses Kunstwerk?

Anhang 6

Algorithmus zur Analyse eines architektonischen Werks.

1. Was ist über die Entstehungsgeschichte einer architektonischen Struktur und ihren Autor bekannt?

2. die Zugehörigkeit dieses Werkes zur kulturellen und historischen Epoche angeben, künstlerischer Stil, Richtung.

3. Welche Verkörperung fand die Formel von Vitruv in diesem Werk: Stärke, Nützlichkeit, Schönheit?

4. Zeigen Sie auf künstlerische Mittel und Techniken zur Schaffung eines architektonischen Bildes (Symmetrie, Rhythmus, Proportionen, Licht und Schatten und Farbmodellierung, Maßstab), an tektonischen Systemen (Pfostenbalken, Lanzettbogen, Bogenkuppel).

5. Geben Sie die Zugehörigkeit zum Architekturtyp an: dreidimensionale Strukturen (öffentlich: Wohnen, Industrie); Landschaft (Landschaft oder kleine Formen); Stadtplanung.

6. Weisen Sie auf den Zusammenhang zwischen äußerem und innerem Erscheinungsbild einer architektonischen Struktur, den Zusammenhang zwischen Gebäude und Relief, die Beschaffenheit der Landschaft hin.

7. Wie werden andere Arten von Kunst bei der Gestaltung ihres architektonischen Erscheinungsbildes verwendet?

8. Welchen Eindruck hat die Arbeit auf Sie gemacht?

9. Welche Assoziationen weckt das künstlerische Bild und warum?

10. Wo befindet sich die architektonische Struktur?

Algorithmus zur Analyse von Skulpturenwerken.

1. Die Entstehungsgeschichte des Werkes.

3. Zugehörigkeit zur künstlerischen Ära.

4. Die Bedeutung des Titels der Arbeit.

5. Zugehörigkeit zu den Arten von Skulpturen (Monumental, Denkmal, Staffelei).

6. Das verwendete Material und die Technik seiner Verarbeitung.

7. Abmessungen der Skulptur (falls es wichtig ist, dies zu wissen).

8. Die Form und Größe des Sockels.

9. Wo befindet sich diese Skulptur?

10. Welchen Eindruck hat diese Arbeit auf Sie gemacht?

11. Welche Assoziationen weckt das künstlerische Bild und warum?

LITERATUR

1. Ageev, V.N. Semiotik [Text] /. - M.: Alle Welt, 2002.

2. Ivlev, S.A. Kontrolle des Wissens der Schüler im Unterricht der Weltkunstkultur [Text] /. -M., 2001.

3. innovativ Lernmodelle in fremdpädagogischen Recherchen [Text]. - M: Arena, 1994.

4. Krisko, V. Einführung in die Ethnopsychologie [Text] /V. Krisko. -M., 2000.

5. methodisch Materialien zu den Themen "Musik", "MHK", "Theater" im Kontext Bildungsbereich"Kunst" [Text]: Sa, um dem Lehrer zu helfen. – M.: Kanzlei MHK, 2001.

6. Oistrach, O. G. Welt Kunstkultur[Text]: Materialien für den MHC-Lehrer /, . -M., 2001.

7. Pocheptsov, G. G. Russische Semiotik [Text] /. - M.: Refl-Buch, K.: "Wakler", 2001.

8. Solobud, Yu. P. Textbildende Funktion eines Symbols in einem Kunstwerk [Text] / // Philosophische Wissenschaften. - 2002. - Nr. 2. - S.46-55.

FRAGEN BEI DER ANALYSE EINES GEMÄLDES
Um von der alltäglichen Wahrnehmung der Handlung zu abstrahieren, bedenken Sie, dass ein Bild kein Fenster zur Welt ist, sondern eine Ebene, auf der mit bildlichen Mitteln die Illusion von Raum erzeugt werden kann. Analysieren Sie daher zunächst die grundlegenden Parameter der Arbeit:

1) Wie groß ist das Gemälde (Monumental, Staffelei, Miniatur?

2) Welches Format hat das Bild: ein horizontal oder vertikal verlängertes Rechteck (evtl. mit abgerundetem Ende), ein Quadrat, ein Kreis (Tondo), ein Oval?

3) In welcher Technik (Tempera, Öl, Aquarell etc.) und auf welcher Grundlage (Holz, Leinwand etc.) wurde das Bild gemalt?

4) Aus welcher Entfernung wird es am besten wahrgenommen?

I. Bildanalyse.

4. Gibt es eine Handlung im Bild? Was wird angezeigt? In welcher Umgebung befinden sich die abgebildeten Figuren, Gegenstände?

5. Basierend auf der Analyse des Bildes können Sie eine Schlussfolgerung über das Genre ziehen. Zu welchem Genre: Porträt, Landschaft, Stillleben, Akt, Alltag, mythologisch, religiös, historisch, animalisch gehört das Bild?

6. Welche Aufgabe löst der Künstler Ihrer Meinung nach - visuell? ausdrucksvoll? Welchen Grad an Konvention oder Naturalismus hat das Bild? Neigt Konventionalität zur Idealisierung oder zur expressiven Verzerrung? In der Regel ist die Komposition des Bildes mit dem Genre verbunden.

7) Was sind die Bestandteile der Zusammensetzung? Wie ist das Verhältnis von Bildgegenstand und Hintergrund/Raum auf der Leinwand des Bildes?

8) Wie nah an der Bildebene befinden sich die Objekte im Bild?

9) Welchen Blickwinkel hat der Künstler gewählt – von oben, unten, bündig mit den abgebildeten Objekten?

10) Wie wird die Position des Betrachters bestimmt – ist er in die Interaktion mit dem im Bild dargestellten Bild eingebunden oder wird ihm die Rolle eines distanzierten Betrachters zugewiesen?
11) Kann die Komposition als ausgewogen, statisch oder dynamisch bezeichnet werden? Wenn es Bewegung gibt, wie wird sie gelenkt?

12) Wie ist der Bildraum aufgebaut (flach, unendlich, die Raumschicht ist eingezäunt, Tiefenraum entsteht)? Wie wird die Illusion räumlicher Tiefe erreicht (Unterschied in der Größe der abgebildeten Figuren, Darstellung des Volumens von Objekten oder Architektur, Verwendung von Farbabstufungen)? Die Komposition wird zeichnerisch entwickelt.

13) Wie ausgeprägt ist der lineare Anfang im Bild?

14) Werden die Begrenzungskonturen einzelner Objekte betont oder kaschiert? Wodurch wird dieser Effekt erzielt?

15) Inwieweit wird das Volumen von Objekten ausgedrückt? Welche Techniken erzeugen die Illusion von Volumen?

16) Welche Rolle spielt Licht im Bild? Wie ist es (glatt, neutral; kontrastierend, Volumen formend; mystisch). Ist die Lichtquelle/Richtung lesbar?

17) Sind die Silhouetten der abgebildeten Figuren/Objekte lesbar? Wie ausdrucksstark und wertvoll sind sie an sich?

18) Wie detailliert (oder umgekehrt verallgemeinert) ist das Bild?

19) Wird die Vielfalt der Texturen der abgebildeten Oberflächen übertragen (Leder, Stoffe, Metall etc.)? Färbung.

20) Welche Rolle spielt die Farbe im Bild (ist sie der Zeichnung und dem Volumen untergeordnet, oder umgekehrt, ordnet sie die Zeichnung sich selbst unter und baut selbst die Komposition auf?)

21) Ist die Farbe nur eine Färbung des Volumens oder mehr? Ist es optisch treu oder ausdrucksstark?

22) Überwiegen Lokalfarben oder Tonfarben im Bild?

23) Sind die Grenzen von Farbflecken unterscheidbar? Fallen sie mit den Grenzen von Volumen und Objekten zusammen?

24) Arbeitet der Künstler mit großen Farbmassen oder kleinen Strichen?

25) Wie werden warme und kalte Farben geschrieben, verwendet der Künstler eine Kombination von Komplementärfarben? Warum tut er das? Wie werden die am stärksten beleuchteten und schattigen Orte übertragen?

26) Gibt es Blendung, Reflexe? Wie werden die Schatten geschrieben (taub oder transparent, sind sie farbig)?

27) Ist es möglich, rhythmische Wiederholungen in der Verwendung einer Farbe oder Farbkombination zu unterscheiden, ist es möglich, die Entwicklung einer Farbe zu verfolgen? Gibt es eine dominante Farbe/Farbkombination?

28) Wie ist die Beschaffenheit der Bildoberfläche – glatt oder pastös? Sind einzelne Striche unterscheidbar? Wenn ja, was sind das – kleine oder lange, flüssige, dickflüssige oder fast trocken aufgetragene Farbe?

06.08.2013

Grundsätze der Analyse von Werken der bildenden Kunst

Grundprinzipien der Analyse und Beschreibung von Werken der bildenden Kunst

Die ungefähre Menge dessen, was Sie wissen müssen, ist

–Einführung in das Studium der Disziplin „Beschreibung und Analyse eines Kunstwerks“.

Schlüsselbegriffe der Disziplin: Kunst, künstlerisches Bild; Morphologie der Kunst; Art, Gattung, Gattung der Kunst; temporäre Kunststoffe, synthetische Kunstformen; tektonisch und malerisch; Stil, „Sprache“ der Kunst; Semiotik, Hermeneutik, literarischer Text; formale Methode, Stilanalyse, Ikonographie, Ikonologie; Zuschreibung, Kennerschaft; ästhetische Bewertung, Überprüfung, quantitative Methoden in der Kunstgeschichte.

– Ästhetische Kunsttheorie: Das künstlerische Bild ist eine universelle Form der Kunst und des künstlerischen Denkens; die Struktur eines Kunstwerks; Raum und Zeit in der Kunst, historische Dynamik von Kunstformen; Gesamtkunstwerk im historischen und kulturellen Prozess.
– Morphologie der Kunst: Klassifikation der Kunstformen; Genre als Kategorie der künstlerischen Morphologie.
– Besonderheiten der bildenden Kunst als Gattungen: Architektur, Bildhauerei, Grafik, Malerei.
– Semiotik und Hermeneutik der Kunst im Kontext der Beschreibung und Analyse eines Kunstwerks: Sprachen der Kunst, Zeichenansatz der Kunstwissenschaft, Kunstwerk als Text, hermeneutisches Textverständnis.
– Methodische Grundlagen zur Analyse eines literarischen Textes: formale Stilistik, Ikonographie, Ikonologie.

Wie jede Wissenschaft hat auch die Theorie der Kunstgeschichte ihre eigenen Methoden. Nennen wir die wichtigsten: die ikonographische Methode, die Methode von Wölfflin oder die Methode der formalen Stilanalyse, die ikonologische Methode, die Methode der Hermeneutik.

Die Begründer der ikonografischen Methode waren der russische Wissenschaftler N.P. Kondakov und der Franzose E. Mal. Beide Wissenschaftler beschäftigten sich mit der Kunst des Mittelalters (Kondakov war ein byzantinischer Maler, Mal studierte das westliche Mittelalter). Diese Methode basiert auf der „Geschichte des Bildes“, dem Studium der Handlung. Sinn und Inhalt der Werke lassen sich durch die Auseinandersetzung mit dem Dargestellten verstehen. Man kann die alte russische Ikone nur verstehen, wenn man die Geschichte des Auftretens und der Entwicklung von Bildern eingehend studiert.

Das Problem ist nicht, was dargestellt wird, sondern wie es dargestellt wird, beschäftigte sich der berühmte deutsche Wissenschaftler G. Wölfflin. Wölfflin ist als „Formalist“ in die Kunstgeschichte eingegangen, für den sich das Kunstverständnis auf das Studium ihrer formalen Struktur reduziert. Er schlug vor, eine formal-stilistische Analyse durchzuführen und sich dem Studium eines Kunstwerks als einer "objektiven Tatsache" zu nähern, die in erster Linie aus sich selbst heraus verstanden werden sollte.

Die ikonologische Methode zur Analyse eines Kunstwerks wurde von dem amerikanischen Historiker und Kunsttheoretiker E. Panofsky (1892-1968) entwickelt. Diese Methode basiert auf einem „kulturologischen“ Ansatz, um die Bedeutung eines Werks aufzudecken. Um das Bild zu verstehen, ist es laut dem Wissenschaftler notwendig, nicht nur ikonografische und formal-stilistische Methoden anzuwenden und daraus eine Synthese zu schaffen, sondern auch mit den wesentlichen Tendenzen des spirituellen Lebens eines Menschen vertraut zu sein, d.h. Weltanschauung der Zeit und Persönlichkeit, Philosophie, Religion, soziale Situation - all das nennt man "Symbole der Zeit". Hier benötigt der Kunstkritiker ein enormes Wissen im Bereich der Kultur. Dies ist nicht so sehr die Fähigkeit zu analysieren, sondern die Anforderung, Intuition zu synthetisieren, weil in einem Kunstwerk gleichsam eine ganze Epoche synthetisiert wird. So stellte Panofsky brillant die Bedeutung einiger Stiche von Dürer, Werken von Tizian usw. dar. Alle diese drei Methoden mit all ihren Vor- und Nachteilen können verwendet werden, um die klassische Kunst zu verstehen.

Es ist schwierig, die Kunst des 20. Jahrhunderts zu verstehen. und besonders die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts die Kunst der Postmoderne, die a priori nicht für unser Verständnis bestimmt ist: In ihr ist die Sinnlosigkeit der Sinn des Werkes. Die Kunst der Postmoderne basiert auf einem totalen Spielprinzip, bei dem der Betrachter als eine Art Co-Autor des Entstehungsprozesses eines Werkes agiert. Hermeneutik ist Verstehen durch Deuten. Aber I. Kant sagte auch, dass jede Interpretation eine Erklärung dessen ist, was nicht offensichtlich ist, und dass sie auf einer Gewalttat beruht. Ja das stimmt. Um die zeitgenössische Kunst zu verstehen, müssen wir uns diesem „Spiel ohne Regeln“ anschließen, und moderne Kunsttheoretiker schaffen parallele Bilder und interpretieren das, was sie sehen.

Bei Betrachtung dieser vier Methoden des Kunstverständnisses ist also festzuhalten, dass jeder Wissenschaftler, der sich mit einer bestimmten Periode der Kunstgeschichte befasst, immer versucht, seinen eigenen Zugang zu finden, um die Bedeutung und den Inhalt eines Werks zu erschließen. Und das ist das Hauptmerkmal der Kunsttheorie.

- Faktografisches Studium der Kunst. Zuschreibung eines Kunstwerks: Zuschreibung und Kennerschaft, Zuschreibungstheorie und Entstehungsgeschichte, Prinzipien und Methoden der Zuschreibungsarbeit.

Die Geschichte der Kennerschaft wird von heimischen Kunstwissenschaftlern anschaulich und ausführlich beschrieben. VN Lazarev (1897-1976) ("Geschichte der Kennerschaft"), BR Wischer (1888-1967) ("Zum Problem der Zuschreibung"). Mitte des 19. Jahrhunderts. erscheint neuer Typ"Kenner" der Kunst, dessen Ziel die Zuschreibung ist, d.h. Feststellung der Echtheit des Werkes, Zeit, Ort der Entstehung und Urheberschaft. Der Kenner hat ein phänomenales Gedächtnis und Wissen, einen tadellosen Geschmack. Er hat viele Museumssammlungen gesehen und hat in der Regel seine eigene Methode, ein Werk zuzuordnen. Die führende Rolle in der Entwicklung von Wissen als Methode gehörte dem Italiener Giovanni Morelli (1816-1891), der erstmals versuchte, einige Gesetzmäßigkeiten im Aufbau eines Gemäldes abzuleiten, um eine "Grammatik der künstlerischen Sprache" zu schaffen, die zur Grundlage der Zuschreibungsmethode werden sollte (und wurde). Morelli machte eine Reihe wertvoller Entdeckungen in der Geschichte der italienischen Kunst. Morellis Anhänger war Bernhard Bernson (1865-1959), der argumentierte, dass die einzig wahre Quelle des Urteils das Werk selbst ist. Burnson lebte lange und heiteres Leben. VN Lazarev beschrieb das Ganze in einer Veröffentlichung über die Geschichte der Kennerschaft begeistert kreative Weise Wissenschaftler. Nicht weniger interessant in der Kennergeschichte ist der deutsche Wissenschaftler Max Friedländer (1867-1958). Als Basis der Attributionsmethode betrachtete Friedlander den ersten Eindruck, den man vom gesehenen Kunstwerk erhält. Erst dann kann man zur wissenschaftlichen Analyse übergehen, bei der es auf das kleinste Detail ankommen kann. Er räumte ein, dass jede Recherche den ersten Eindruck bestätigen und ergänzen oder umgekehrt widerlegen könne. Aber es wird es nie ersetzen. Ein Kenner, so Friedländer, müsse über ein künstlerisches Gespür und eine Intuition verfügen, die „wie ein Kompasspfeil trotz Schwankungen uns den Weg weist“. In der heimischen Kunstgeschichte waren viele Wissenschaftler und Museumsmitarbeiter in der Zuschreibungsarbeit tätig und galten als Kenner. BR Wipper unterschied drei Hauptfälle der Zuschreibung: intuitiv, zufällig und der dritte – der Hauptweg der Zuschreibung – wenn der Forscher sich der Feststellung des Autors der Arbeit mit verschiedenen Methoden nähert. Das bestimmende Kriterium von Wippers Methode ist die Textur und der emotionale Rhythmus der Malerei. Textur bezieht sich auf Farbe, die Art des Strichs usw. Emotionaler Rhythmus ist die Dynamik des sinnlichen und spirituellen Ausdrucks in einem Gemälde oder jeder anderen Form der bildenden Kunst. Die Fähigkeit, Rhythmus und Textur zu verstehen, ist die Essenz eines richtigen Verständnisses und einer Wertschätzung künstlerischer Qualität. So haben zahlreiche Zuschreibungen und Entdeckungen von Kennern und Museumsmitarbeitern einen unbestreitbaren Beitrag zur Kunstgeschichte geleistet: Ohne ihre Entdeckungen hätten wir die wahren Autoren der Werke nicht erkannt und Fälschungen für Originale gehalten. Echte Experten gab es schon immer wenige, sie waren in der Kunstwelt bekannt und ihre Arbeit wurde hoch geschätzt. Die Rolle des Kenners-Experten nahm besonders im 20. Jahrhundert zu, als der Kunstmarkt aufgrund der enormen Nachfrage nach Kunstwerken mit Fälschungen gefüllt wurde. Kein einziger Museumssammler kauft ein Werk ohne gründliche Prüfung. Wenn die ersten Kenner ihre Schlussfolgerungen auf der Grundlage von Wissen und subjektiver Wahrnehmung zogen, verlässt sich der moderne Experte auf die objektiven Daten der technischen und technologischen Analyse, nämlich: Röntgentransmission des Bildes, Bestimmung der chemischen Zusammensetzung der Farbe, Altersbestimmung von Leinwand, Holz, Erde. So können Fehler vermieden werden. So waren die Eröffnung von Museen und die Aktivitäten von Kennern von großer Bedeutung für die Herausbildung der Kunstgeschichte als einer eigenständigen humanitären Wissenschaft.

– Emotionale und ästhetische Bewertung eines Kunstwerks. Gattungsformen, Methoden kunstgeschichtlicher Forschung.

Primitive Analysealgorithmus:

Algorithmus zur Analyse von Kunstwerken

Bedeutung des Bildtitels.
Genrezugehörigkeit.
Merkmale der Handlung des Bildes. Gründe für die Malerei. Suchen Sie nach einer Antwort auf die Frage: Hat der Autor dem Betrachter seine Absicht vermittelt?
Merkmale der Bildkomposition.
Die wichtigsten Mittel des künstlerischen Bildes: Farbe, Zeichnung, Textur, Hell-Dunkel, Schreibstil.
Welchen Eindruck hatte dieses Kunstwerk auf Ihre Gefühle und Ihre Stimmung?
Wo befindet sich dieses Kunstwerk?

Algorithmus zur Analyse von Architekturwerken

Was ist über die Geschichte der Entstehung einer architektonischen Struktur und ihres Autors bekannt?
Geben Sie die Zugehörigkeit dieser Arbeit zu der kulturellen und historischen Epoche, dem künstlerischen Stil und der Richtung an.
Welche Verkörperung fand die Formel von Vitruv in diesem Werk: Stärke, Nützlichkeit, Schönheit?
Nennen Sie künstlerische Mittel und Techniken zur Schaffung eines architektonischen Bildes (Symmetrie, Rhythmus, Proportionen, Licht- und Farbmodellierung, Maßstab), tektonische Systeme (Pfostenbalken, Spitzbogen, Bogenkuppel).
Geben Sie die Zugehörigkeit zum Architekturtyp an: dreidimensionale Strukturen (öffentlich: Wohnen, Industrie); Landschaft (Landschaft oder kleine Formen); Stadtplanung.
Geben Sie die Verbindung zwischen dem äußeren und inneren Erscheinungsbild einer architektonischen Struktur, die Verbindung zwischen dem Gebäude und dem Relief, die Beschaffenheit der Landschaft an.
Wie werden andere Arten von Kunst bei der Gestaltung ihres architektonischen Erscheinungsbildes verwendet?
Welchen Eindruck hat die Arbeit auf Sie gemacht?
Welche Assoziationen weckt das künstlerische Bild und warum?
Wo ist die Architektur angesiedelt?

Algorithmus zur Analyse von Skulpturenwerken

Die Entstehungsgeschichte des Werkes.
Über den Autor. Welchen Platz nimmt diese Arbeit in seinem Werk ein?
Zugehörigkeit zur künstlerischen Ära.
Die Bedeutung des Titels der Arbeit.
Zugehörigkeit zu den Arten von Skulpturen (Monumental, Denkmal, Staffelei).
Die Verwendung von Material und die Technik seiner Verarbeitung.
Abmessungen der Skulptur (falls es wichtig zu wissen ist).
Die Form und Größe des Sockels.
Wo befindet sich diese Skulptur?
Welchen Eindruck hat diese Arbeit auf Sie gemacht?
Welche Assoziationen weckt das künstlerische Bild und warum?

Mehr:

Beispielfragen zur Analyse eines Kunstwerks

Emotionale Ebene:

Welchen Eindruck macht die Arbeit?
Welche Stimmung versucht der Autor zu vermitteln?
Welche Empfindungen kann der Betrachter erleben?
Was ist die Art der Arbeit?
Wie tragen Maßstab, Format, horizontale, vertikale oder diagonale Anordnung von Teilen, die Verwendung bestimmter architektonischer Formen, die Verwendung bestimmter Farben im Bild und die Lichtverteilung im Baudenkmal zur emotionalen Wirkung des Werkes bei?

Fachebene:

Was (oder wer) ist auf dem Bild?
Was sieht der Betrachter, wenn er vor der Fassade steht? In Innenräumen?
Wen sehen Sie in der Skulptur?
Markieren Sie die Hauptsache von dem, was Sie gesehen haben.
Versuchen Sie zu erklären, warum dies für Sie die Hauptsache zu sein scheint?
Womit hebt der Künstler (Architekt, Komponist) die Hauptsache hervor?
Wie werden Objekte in der Arbeit angeordnet (Motivkomposition)?
Wie werden die Hauptlinien in der Arbeit gezogen (lineare Komposition)?
Wie werden Volumen und Räume in einer architektonischen Struktur (architektonische Komposition) verglichen?
Story-Ebene:
Versuchen Sie, die Handlung des Bildes nachzuerzählen.
Versuchen Sie sich vorzustellen, welche Ereignisse in dieser architektonischen Struktur öfter passieren können.
Was kann diese Skulptur tun (oder sagen), wenn sie zum Leben erwacht?

Symbolische Ebene:

Gibt es Objekte in der Arbeit, die etwas symbolisieren?
Haben die Komposition des Werkes und seine Hauptelemente symbolischen Charakter: Horizontal, Vertikal, Diagonal, Kreis, Oval, Farbe, Würfel, Kuppel, Bogen, Gewölbe, Mauer, Turm, Turmspitze, Geste, Pose, Kleidung, Rhythmus, Klangfarbe , usw. .?
Wie lautet der Titel der Arbeit? Wie verhält es sich zu seiner Handlung und Symbolik?
Was, glauben Sie, wollte der Autor der Arbeit den Menschen vermitteln?

Plan für die Analyse eines Gemäldes

1. Autor, Titel des Werkes, Zeit und Ort der Entstehung, Geschichte der Idee und ihrer Umsetzung. Modellauswahl.
2. Stil, Richtung.
3. Art der Malerei: Staffelei, monumental (Fresko, Tempera, Mosaik).
4. Materialauswahl (bei Staffeleimalerei): Ölfarben, Aquarell, Gouache, Pastell. Merkmale der Verwendung dieses Materials für den Künstler.
5. Genre der Malerei (Porträt, Landschaft, Stillleben, Geschichtsmalerei, Panorama, Diorama, Ikonographie, Jachthafen, mythologisches Genre, Haushaltsgenre). Merkmale des Genres für die Werke des Künstlers.
6. Malerisches Grundstück. Symbolischer Inhalt (falls vorhanden).
7. Malerische Merkmale des Werkes:

Farbe;
Licht;
Volumen;
Ebenheit;
Farbe;
künstlerischer Raum (der vom Künstler transformierte Raum);
Linie.

9. Persönlicher Eindruck beim Betrachten der Arbeit.

Besonderheiten:

Kompositionsschema und seine Funktionen
- Größe
- Format (vertikal und horizontal gestreckt, quadratisch, oval, rund, Seitenverhältnis)
- geometrische Muster
- Hauptkompositionslinien
- Balance, das Verhältnis von Teilen des Bildes zueinander und zum Ganzen,
- Betrachtungsreihenfolge
Raum und seine Funktionen.
- Perspektive, Fluchtpunkte
- Ebenheit und Tiefe
- Raumpläne
- Distanz zwischen Betrachter und Werk, Standort des Betrachters im Bildraum oder außerhalb
- Sichtweise und Vorhandensein von Winkeln, Horizontlinie
Chiaroscuro, Volumen und ihre Rolle.
- Volumen und Ebene
- Linie, Silhouette
- Lichtquellen, Tageszeit, Lichteffekte
- emotionale Wirkung von Licht und Schatten
Farbe, Farbe und ihre Funktionen
- Dominanz der tonalen oder lokalen Farbe
- warme oder kalte Farben
- Linearität oder Bildhaftigkeit
- Hauptfarbflecken, ihre Beziehungen und ihre Rolle in der Komposition
- Ton, valery
- Reflexe
- emotionale Wirkung von Farbe
Oberflächenstruktur (Abstrich).
- die Art des Strichs (offene Textur, glatte Textur)
- Schmierorientierung
- Abstrichgröße
- Verglasung

Beschreibung und Analyse von Baudenkmälern

Thema 1. Künstlerische Sprache der Architektur.

Architektur als Kunstform. Das Konzept der "künstlerischen Architektur". Künstlerisches Bild in der Architektur. Die künstlerische Sprache der Architektur: das Konzept künstlerischer Ausdrucksmittel wie Linie, Fläche, Raum, Masse, Rhythmus (Arrhythmie), Symmetrie (Asymmetrie). Kanonische und symbolische Elemente in der Architektur. Das Konzept des Bauplans, außen, innen. Stil in der Architektur.

Thema 2. Die wichtigsten Arten von architektonischen Strukturen

Denkmäler der urbanen Kunst: historische Städte, ihre Teile, Stätten antiker Planung; architektonische Komplexe, Ensembles. Denkmäler der Wohnarchitektur (Kaufmanns-, Adels-, Bauern-, Rentenhäuser usw.) Denkmäler der bürgerlichen öffentlichen Architektur: Theater, Bibliotheken, Krankenhäuser, Bildungsgebäude, Verwaltungsgebäude, Bahnhöfe usw. Kultdenkmäler: Tempel, Kapellen, Klöster . Verteidigungsarchitektur: Gefängnisse, Festungstürme usw. Denkmäler der Industriearchitektur: Fabrikkomplexe, Gebäude, Schmieden usw.

Garten- und Parkdenkmäler, Landschaftskunst: Gärten und Parks.

Thema 3. Beschreibung und Analyse eines Baudenkmals

Bauplan, Baumaterial, Zusammensetzung des Außenvolumens. Beschreibung der Straßen- und Hoffassade, Tür- und Fensteröffnungen, Balkone, Außen- und Innendekoration. Fazit zu Stil und künstlerischem Wert architektonisches Denkmal, seinen Platz im historischen und architektonischen Erbe der Stadt, des Dorfes, der Region.

METHODEN DER MONOGRAPHISCHEN ANALYSE EINES ARCHITEKTONISCHEN DENKMALS

1. Die Analyse konstruktiver und tektonischer Systeme beinhaltet:

а) графическое выявление на перспективных или ортогональных проекциях памятника его конструктивной основы (например, нанесение пунктиром очертаний сводов и куполов, «проявление» на фасаде внутренней структуры, своего рода, «совмещение» фасада с разрезом, штриховку поверхностей на разрезах с целью прояснения структуры интерьера usw.)

b) Erläuterung des Grades der Nähe und Verbundenheit von Strukturelementen und den entsprechenden tektonischen architektonischen Formen (z. B. die Identifizierung von Rundbögen, Gewölben in Abschnitten und ihrer Definition, ihr Einfluss auf die Formen von Zakomars, Kokoshniks, dreilappigen Bögen , usw.)

c) Erstellung bestimmter tektonischer Schemata eines Denkmals (z. B. ein Diagramm der gewölbten Grasdecke einer gotischen Kathedrale oder ein „Abguss“ -Diagramm des Innenraums eines säulenlosen Tempels - in Axonometrie usw.);

2. Die Analyse von Proportionen und Proportionen erfolgt in der Regel in orthogonalen Projektionen und besteht aus zwei Punkten:

a) Suche nach mehreren Verhältnissen (z. B. 2:3, 4:5 usw.) zwischen den Hauptabmessungsparametern des Denkmals, wobei zu berücksichtigen ist, dass diese Proportionen einmal während des Baus verwendet werden könnten, um die beiseite zu legen notwendige Sachwerte. Gleichzeitig sollten die im Denkmal immer wieder anzutreffenden Maßangaben (Module) mit historischen Längenmaßen (Fuß, Saschen etc.) verglichen werden;

b) die Suche nach einer mehr oder weniger konstanten geometrischen Beziehung zwischen den Größen der Hauptformen und Artikulationen des Denkmals auf der Grundlage der regelmäßigen Beziehungen der Elemente der einfachsten geometrischen Figuren (Quadrat, Doppelquadrat, gleichseitiges Dreieck usw.) und ihre Derivate. Die offenbarten Proportionen sollen der Konstruktionslogik der tektonischen Formen des Denkmals und der offensichtlichen Errichtungsreihenfolge seiner Einzelteile nicht widersprechen. Die Analyse kann mit der Verknüpfung der Abmessungen des Originals enden geometrische Figur(zum Beispiel ein Quadrat) mit einem Modul und mit historischen Längenmaßen.

In der Trainingsübung sollte man nicht danach streben, zu viele Beziehungen zu identifizieren, viel wichtiger ist es, auf die Qualität der ausgewählten Proportionen und Proportionen zu achten, dh auf ihre kompositorische Bedeutung, ihre Verbindung mit den Dimensionsbeziehungen der Haupttektonik Aufteilung der Volumina und die Möglichkeit ihrer Verwendung bei der Errichtung eines Denkmals.

3. Die Analyse metrorhythmischer Muster kann sowohl auf orthogonalen Zeichnungen als auch auf perspektivischen Bildern des Denkmals (Zeichnungen, Fotografien, Dias usw.) durchgeführt werden. Die Essenz der Methode reduziert sich auf die grafische Unterstreichung (durch Linie, Ton, Schattierung oder Farbe) auf jedem Bild des Denkmals aus metrischen und rhythmischen Reihen von Formen sowohl vertikal als auch horizontal. Die so unterschiedenen metrischen Reihen (z. B. Kolonnaden, Fensteröffnungen, Gesimse usw.) und rhythmische Reihen (z. B. in der Höhe abnehmende Ränge, wechselnde Spannweiten von Bögen usw.) ermöglichen es, „statisch“ bzw „dynamische“ architektonische Komposition dieses Denkmals. Dabei steht die Aufklärung der Veränderungsmuster der Glieder der rhythmischen Formreihe in engem Zusammenhang mit der Proportionsanalyse. Als Ergebnis der Studie werden bedingte Schemata erstellt, die die Merkmale der Konstruktion metrorhythmischer Formreihen dieses architektonischen Denkmals widerspiegeln.

4. Die grafische Rekonstruktion ermöglicht es Ihnen, das verlorene Aussehen des Denkmals in jedem Stadium seiner historischen Existenz wiederherzustellen. Die Rekonstruktion erfolgt entweder in Form einer orthogonalen Zeichnung (Grundriss, Fassade) bei entsprechendem Untergrund oder in Form einer perspektivischen Abbildung nach einer Lebenszeichnung oder einem Foto (Dia). Als Quelle für die Rekonstruktion sollte man veröffentlichte antike Bilder des Denkmals, verschiedene historische Beschreibungen sowie Materialien zu ähnlichen Denkmälern aus derselben Zeit verwenden.

Für Bildungszwecke wird der Student aufgefordert, nur eine skizzenhafte Rekonstruktion anzufertigen, die nur allgemein die Natur des ursprünglichen oder veränderten Aussehens des Denkmals wiedergibt.

In einigen Fällen kann sich ein Student darauf beschränken, Rekonstruktionsoptionen für dasselbe Denkmal zu vergleichen, die von verschiedenen Forschern erstellt wurden. Aber dann ist es notwendig, diesen Optionen eine vernünftige Bewertung zu geben und die wahrscheinlichsten von ihnen hervorzuheben. Der Student muss seine Wahl mit dem Bild ähnlicher Denkmäler oder ihrer Fragmente grafisch begründen.

Eine besondere Art der Rekonstruktion – die Wiederherstellung der ursprünglichen und später verlorenen Farbigkeit des Denkmals – erfolgt auf der Grundlage von orthogonalen Fassaden oder perspektivischen Aufnahmen unter möglicher Einbeziehung einer historischen städtebaulichen Umgebung.

Bei der Durchführung einer grafischen Rekonstruktionsaufgabe kann die Methode des Zeichnens und der Fotomontage weit verbreitet sein.

5. Die Konstruktion von Architekturbildern ist eine Technik zur Analyse von Denkmälern mit einer entwickelten dreidimensionalen Komposition, die für eine allmähliche Wahrnehmung im Laufe der Zeit ausgelegt ist, wie das Erechtheion in Athen oder die Pokrovsky-Kathedrale in Moskau. Wenn der Betrachter um ein solches Denkmal herumgeht, nimmt er aufgrund der Überdeckung einiger Volumen durch andere viele perspektivische Bilder wahr, die ineinander fließen, die als Architekturmalerei bezeichnet werden.

Die Aufgabe der Studierenden besteht darin, qualitativ unterschiedliche Gruppen von Architekturgemälden herauszuheben, auf dem Plan die Wahrnehmungszonen dieser Gemäldegruppen zu bezeichnen und jede Gruppe mit einem charakteristischen Merkmal in Form einer perspektivischen Zeichnung oder Fotografie (Dia) zu illustrieren.

Die Anzahl qualitativ unterschiedlicher Gemälde übersteigt in der Regel fünf oder sechs nicht.

6. Die Analyse von Maßstab und Maßstab besteht aus der Identifizierung der großmaßstäblichen Rolle von Unterteilungen des architektonischen Volumens und der grafischen Auswahl auf orthogonalen oder perspektivischen Bildern des Denkmals charakteristischer Details - „Maßstabsindikatoren“ wie Stufen, Balustraden usw. Besonderes Augenmerk sollte auf die Rolle der Ordnung als universelles Werkzeug architektonischer Maßstäbe gelegt werden.

METHODEN FÜR DIE VERGLEICHENDE ANALYSE VON ARCHITEKTONISCHEN DENKMÄLERN

1. Der Vergleich der dreidimensionalen Komposition zweier Denkmäler erfolgt durch den Vergleich von Plänen, Fassaden oder Schnitten, reduziert auf einen gemeinsamen Maßstab. Es ist sehr effektiv, Pläne, Fassaden und Schnitte zu überlagern oder zu kombinieren; Manchmal ist es beim Vergleich der Projektionen zweier Denkmäler sinnvoll, sie auf eine gemeinsame Größe zu bringen, beispielsweise auf dieselbe Höhe oder Breite (in diesem Fall werden auch die Proportionen der Denkmäler verglichen).

Ein Vergleich ist auch möglich, um perspektivische Abbildungen von Denkmälern in Form von Naturzeichnungen oder Fotografien zu vergleichen. In diesem Fall sollten Zeichnungen oder Fotografien aus ähnlichen Winkeln und von solchen Punkten aufgenommen werden, aus denen die charakteristischen Merkmale der volumetrischen Zusammensetzung der Denkmäler hervorgehen. Es sollte darauf geachtet werden, dass die Abbildungen der Denkmäler in ihrer relativen Größe in etwa den Größenverhältnissen in der Natur entsprechen.

In allen Fällen vergleichender Vergleiche tritt der Unterschied zwischen Denkmälern gewöhnlich deutlicher hervor als die Momente ihrer Ähnlichkeit. Daher ist es notwendig, grafisch hervorzuheben, was die verglichenen Objekte zusammenbringt, zum Beispiel die Identität der Kompositionstechniken, die Analogie in der Kombination von Volumen, die ähnliche Art der Unterteilungen, die Position der Öffnungen usw.

Beschreibung und Analyse von Denkmälern der Skulptur

Die künstlerische Sprache der Skulptur

Bei der Analyse von Skulpturenwerken ist es notwendig, die eigenen Parameter der Skulptur als Kunstform zu berücksichtigen. Skulptur ist eine Kunstform, bei der ein reales dreidimensionales Volumen mit dem umgebenden dreidimensionalen Raum interagiert. Bei der Analyse von Skulpturen geht es vor allem um Volumen, Raum und deren Zusammenspiel. Skulptur Materialien. Arten von Skulpturen. Gattungen der Skulptur.

Beschreibung und Analyse der Arbeit der Bildhauerei.

Beispielplan:

1. Wie groß ist diese Skulptur? Skulptur ist monumental, Staffelei, Miniatur. Die Größe beeinflusst, wie sie mit dem Raum interagiert.

2. In welchem Raum befand sich das analysierte Werk (im Tempel, auf dem Platz, im Haus etc.)? Für welchen Blickwinkel (aus der Ferne, von unten, nah) wurde es konzipiert? Ist es Teil eines architektonischen oder skulpturalen Ensembles oder ist es ein eigenständiges Werk?

3. Inwieweit umfasst das betreffende Werk den dreidimensionalen Raum (Rundskulptur und architekturbezogene Skulptur; architektonische und skulpturale Form, Hochrelief; Relief; Flachrelief; malerisches Relief; Gegenrelief)

4. Aus welchem Material ist es hergestellt? Welche Eigenschaften hat dieses Material? Auch bei der Analyse von Abgüssen ist es wichtig, sich daran zu erinnern, aus welchem Material das Original gefertigt wurde. Gehen Sie in die Hallen der Originale, sehen Sie, wie die Skulptur aussieht, hergestellt aus dem Material, an dem Sie interessiert sind. Welche Eigenschaften der Skulptur werden durch ihr Material bestimmt (warum wurde dieses Material für diese Arbeit ausgewählt)?

5. Ist die Skulptur für feste Standpunkte konzipiert oder öffnet sie sich beim Herumgehen vollständig? Wie viele vollständige ausdrucksstarke Silhouetten hat diese Skulptur? Was sind das für Silhouetten (geschlossen, kompakt, geometrisch korrekt oder malerisch, offen)? Wie hängen Silhouetten zusammen?

6. Wie sind die Proportionen (Verhältnisse von Teilen und Ganzem) in dieser Skulptur oder Skulpturengruppe? Welche Proportionen hat die menschliche Figur?

7. Was ist das Muster der Skulptur (Entwicklung und Komplikation der Beziehungen zwischen großen Kompositionsblöcken, der Rhythmus der inneren Artikulationen und die Art der Oberflächenentwicklung)? Wenn wir reden zum relief - wie verändert sich das ganze, wenn man den blickwinkel ändert? Wie variiert die Tiefe des Reliefs und werden Raumpläne gebaut, wie viele gibt es?

8. Welche Textur hat die geformte Oberfläche? Homogen oder unterschiedlich in verschiedenen Teilen? Glatte oder „skizzenhafte“ Spuren von Werkzeugberührungen sind sichtbar, natürlich, bedingt. Wie hängt diese Textur mit den Materialeigenschaften zusammen? Wie beeinflusst Textur die Wahrnehmung der Silhouette und des Volumens einer skulpturalen Form?

9. Welche Rolle spielt Farbe in der Skulptur? Wie wirken Volumen und Farbe zusammen, wie beeinflussen sie sich gegenseitig?

10. Zu welchem Genre gehört diese Skulptur? Für was war das?

11. Was ist die Interpretation des Motivs (naturalistisch, bedingt, vom Kanon diktiert, diktiert vom Platz, den die Skulptur in ihrer architektonischen Umgebung einnimmt, oder etwas anderes).

12. Spüren Sie den Einfluss einiger anderer Kunstrichtungen in der Arbeit: Architektur, Malerei?

Beschreibung und Analyse von Gemälden

Künstlerische Sprache der Malerei

Der Begriff der Malerei. Künstlerische Ausdrucksmittel: künstlerischer Raum, Komposition, Farbe, Rhythmus, Charakter eines farbigen Strichs. Malmaterialien und -techniken: Öl, Tempera, Gouache, Aquarell, Mischtechnik usw. Staffelei- und Monumentalmalerei. Arten der Monumentalmalerei: Fresko, Mosaik, Glasmalerei usw. Genres der Malerei: Porträt, Landschaft, Alltagsgenre, Stillleben, animalisch, historisch usw.

Beschreibung von Gemälden

Bestimmung der Grundparameter des Werkes: Autor, Entstehungsdatum, Bildgröße, Bildformat: horizontal oder vertikal verlängertes Rechteck (evtl. mit abgerundetem Ende), Quadrat, Kreis (Tondo), Oval. Technik (Tempera, Öl, Aquarell etc.) und auf welcher Grundlage (Holz, Leinwand etc.) das Bild entstanden ist etc.

Analyse von Gemälden

Musteranalyseplan:

Gibt es eine Handlung auf dem Bild? Was wird angezeigt? In welcher Umgebung befinden sich die abgebildeten Figuren, Gegenstände?
Anhand der Analyse des Bildes können Sie einen Rückschluss auf das Genre ziehen. Zu welchem Genre: Porträt, Landschaft, Stillleben, Akt, Alltag, mythologisch, religiös, historisch, animalisch gehört das Bild?
Welche Aufgabe löst der Künstler Ihrer Meinung nach - visuell? ausdrucksvoll? Welchen Grad an Konvention oder Naturalismus hat das Bild? Neigt Konventionalität zur Idealisierung oder zur expressiven Verzerrung? In der Regel ist die Komposition des Bildes mit dem Genre verbunden.
Was sind die Bestandteile einer Komposition? Wie ist das Verhältnis von Bildgegenstand und Hintergrund/Raum auf der Leinwand des Bildes?
Wie nah an der Bildebene befinden sich die Objekte im Bild?
Welchen Blickwinkel hat der Künstler gewählt – von oben, unten, bündig mit den abgebildeten Objekten?
Wie wird die Position des Betrachters bestimmt – ist er in die Interaktion mit dem im Bild dargestellten Bild eingebunden oder wird ihm die Rolle eines distanzierten Betrachters zugewiesen?
Kann die Komposition als ausgewogen, statisch oder dynamisch bezeichnet werden? Wenn es Bewegung gibt, wie wird sie gelenkt?
Wie ist der Bildraum aufgebaut (flach, unendlich, die Raumschicht ist eingezäunt, Tiefenraum entsteht)? Wie wird die Illusion räumlicher Tiefe erreicht (Unterschied in der Größe der abgebildeten Figuren, Darstellung des Volumens von Objekten oder Architektur, Verwendung von Farbabstufungen)? Die Komposition wird zeichnerisch entwickelt.
Wie ausgeprägt ist der lineare Anfang im Bild?
Werden die Begrenzungskonturen einzelner Objekte betont oder kaschiert? Wodurch wird dieser Effekt erzielt?
Inwieweit wird das Volumen von Objekten ausgedrückt? Welche Techniken erzeugen die Illusion von Volumen?
Welche Rolle spielt Licht in einem Gemälde? Wie ist es (glatt, neutral; kontrastierend, Volumen formend; mystisch). Ist die Lichtquelle/Richtung lesbar?
Sind die Silhouetten der abgebildeten Figuren/Objekte lesbar? Wie ausdrucksstark und wertvoll sind sie an sich?
Wie detailliert (oder umgekehrt verallgemeinert) ist das Bild?
Wird die Vielfalt der Texturen der abgebildeten Oberflächen (Leder, Stoffe, Metall etc.) vermittelt? Färbung.
Welche Rolle spielt die Farbe im Bild (ist sie Zeichnung und Volumen untergeordnet, oder umgekehrt, ordnet sie sich die Zeichnung unter und baut selbst die Komposition auf?)
Ist die Farbe nur eine Färbung des Volumens oder mehr? Ist es optisch treu oder ausdrucksstark?
Überwiegen Lokalfarben oder Tonfarben im Bild?
Sind die Grenzen von Farbflecken unterscheidbar? Fallen sie mit den Grenzen von Volumen und Objekten zusammen?
Arbeitet der Künstler mit großen Farbmassen oder kleinen Schlieren?
Wie werden warme und kalte Farben geschrieben, verwendet der Künstler eine Kombination von Komplementärfarben? Warum tut er das? Wie werden die am stärksten beleuchteten und schattigen Orte übertragen?
Gibt es Blendung, Reflexe? Wie werden die Schatten geschrieben (taub oder transparent, sind sie farbig)?
Ist es möglich, rhythmische Wiederholungen in der Verwendung einer beliebigen Farbe oder Farbkombination zu unterscheiden, ist es möglich, die Entwicklung einer beliebigen Farbe zu verfolgen? Gibt es eine dominante Farbe/Farbkombination?
Wie ist die Beschaffenheit der Bildoberfläche – glatt oder pastös? Sind einzelne Striche unterscheidbar? Wenn ja, was sind das – kleine oder lange, flüssige, dickflüssige oder fast trocken aufgetragene Farbe?

Beschreibung und Analyse grafischer Werke

Künstlerische Sprache der Grafik

Grafik als Form der bildenden Kunst. Die wichtigsten künstlerischen Ausdrucksmittel von Grafiken: Linie, Strich, Punkt usw. Lineare und Schwarz-Weiß-Zeichnung. Gravur, Gravurarten: Xylographie, Lithographie, Linolschnitt, Radierung, Monotypie, Aquatinta usw. Staffeleigrafik. Buchgrafik. Plakatkunst, Plakate. Angewandte Grafiken.

Beschreibung der Werke der Grafik

Bestimmung der Grundparameter der Arbeit: Autor, Erstellungsdatum, Blattgröße, Format, Technik.

Analyse grafischer Werke

Musteranalyseplan:

Allgemeine Definition der räumlichen Situation, Eigenschaften des abgebildeten Raumes. Raum - tief oder nicht, geschlossen oder offen, auf welchem Grundriss sich die Akzente konzentrieren. Die vorherrschenden (für diese Arbeit wesentlichsten) Mittel der Tiefenkonstruktion und ihre Verwendung. Zum Beispiel: die Art der linearen oder Luftperspektive (falls verwendet). Eigenschaften des abgebildeten Raums. Integrität / Zerstückelung des Raums. Aufteilung in Pläne, Verteilung der Aufmerksamkeit (Aussonderung bestimmter Pläne oder Einheitlichkeit der Wahrnehmung). Standpunkt. Die Interaktion des Betrachters und des abgebildeten Raums (dieser Punkt ist notwendig, auch wenn es kein Bild des Weltraums gibt).
Lage, Verhältnis, Beziehungen von Elementen in der Ebene und im Raum.

Bestimmung der Art der Zusammensetzung - wenn möglich. In Zukunft eine Klarstellung: Wie genau ist diese Art der Komposition in dieser grafischen Arbeit verkörpert, was sind die Nuancen ihrer Verwendung? Formatmerkmale (Proportionsgröße). Das Verhältnis von Format und Komposition: das Bild und seine Ränder. Massenverteilung innerhalb des Blattes. Kompositionsakzent und seine Lage; seine Beziehung zu anderen Elementen; vorherrschende Richtungen: Dynamik und Statik. Das Zusammenspiel der Hauptelemente der Komposition mit der räumlichen Struktur, das Setzen von Akzenten.

Analyse der grafischen Technik.
Das Ergebnis der Analyse ist die Identifizierung der Konstruktionsprinzipien der Form, ihrer Ausdrucksqualitäten und Wirkung. Ausgehend von den formalen und expressiven Qualitäten des Werkes kann die Frage nach seiner Bedeutung (Inhalt, Idee) gestellt werden, d.h. fahren Sie fort, es zu interpretieren. Gleichzeitig müssen die Handlung (wie wird die Handlung in dieser Arbeit interpretiert?), die Besonderheiten der Darstellung von Charakteren (in der Handlung Bild und Porträt - Haltungen, Gesten, Gesichtsausdrücke, Blick) berücksichtigt werden. , Symbolik (falls vorhanden) etc., sondern ist zugleich Darstellungsmittel und damit Wirkung des Bildes. Es ist auch möglich, die identifizierten individuellen Merkmale des Werks mit den Anforderungen der Art und Gattung, zu der es gehört, in einen größeren künstlerischen Kontext (das Werk des Autors als Ganzes: Kunst der Epoche, Schule usw.) . Daraus lässt sich ein Rückschluss auf den Wert und die Bedeutung des Werkes, seinen Platz in der Kunstgeschichte ziehen.

Beschreibung und Analyse von Werken des Kunsthandwerks und der Volkskunst

Arten von Kunsthandwerk und Volkskunst

Malerei auf Holz, Metall etc. Stickerei. Teppichweben. Schmuckkunst. Holzschnitzerei, Knochen. Keramik. Künstlerische Lacke usw.

Beschreibung von Denkmälern der dekorativen, angewandten und Volkskunst

Art der dekorativen und angewandten Kunst. Material. Merkmale seiner Verarbeitung. Maße. Termin. Charakterisierung von Farbe, Textur. Der Grad der Korrelation zwischen der utilitaristischen und der künstlerisch-ästhetischen Funktion des Objekts.

Analyse von Denkmälern des Kunsthandwerks und der Volkskunst

Musteranalyseplan

Wofür ist dieser Artikel?
Was sind seine Abmessungen?
Wie befindet sich die Dekoration des Artikels? Wo befinden sich die Zonen figurativer und ornamentaler Dekorationen? Wie hängt die Platzierung von Bildern mit der Form des Objekts zusammen?
Welche Arten von Ornamenten werden verwendet? An welchen Teilen des Objekts befinden sie sich?
Wo befinden sich figurative Bilder? Nehmen sie mehr Platz ein als Zierregister oder sind sie nur eines der Zierregister?
Wie ist ein Register mit figurativen Bildern aufgebaut? Kann man sagen, dass hier freie Kompositionstechniken verwendet werden oder das Prinzip der Gegenüberstellung (Figuren in identischen Posen, minimale Bewegung, Wiederholung)?
Wie werden die Figuren dargestellt? Sind sie beweglich, eingefroren, stilisiert?
Wie werden die Details der Zahlen übertragen? Sehen sie eher natürlich oder dekorativ aus? Welche Techniken werden verwendet, um Figuren zu übertragen?
Schauen Sie, wenn möglich, in das Objekt hinein. Gibt es ein Bild und Ornamente? Beschreiben Sie sie gemäß dem Diagramm oben.
Welche Primär- und Sekundärfarben werden beim Bau von Ornamenten und Figuren verwendet? Welchen Ton hat der Ton selbst? Wie wirkt sich das auf den Charakter des Bildes aus – wird es ornamentaler oder umgekehrt natürlicher?

Text:

Die Analyse einer Arbeit ist eine komplexe Arbeit des Intellekts, die viel Wissen und Können erfordert.

Es gibt viele Ansätze, Techniken und Analysemethoden, aber sie alle passen zu mehreren komplexen Aktionen:

1) Entschlüsselung der Informationen, die in der Struktur des Werkes selbst enthalten sind,
2) eine analytische Untersuchung des Prozesses und der Umstände der Entstehung eines Kunstwerks, die hilft, sein Verständnis zu vertiefen und zu bereichern,
3) die Untersuchung der historischen Dynamik des künstlerischen Werkbildes in der individuellen und kollektiven Wahrnehmung.

Im ersten Fall gibt es Arbeit mit der Arbeit als Wert an sich – einen „Text“; im zweiten betrachten wir den Text im Kontext und zeigen Spuren des Einflusses äußerer Impulse auf das künstlerische Bild, im dritten untersuchen wir die Veränderungen des künstlerischen Bildes in Abhängigkeit davon, wie sich seine Wahrnehmung in verschiedenen Epochen verändert.

Jede Kunstwerk Aufgrund seiner Originalität diktiert es seinen eigenen Weg, seine eigene Logik, seine eigenen Analysemethoden.

Dennoch möchte ich Ihre Aufmerksamkeit auf einige allgemeine Prinzipien der praktischen analytischen Arbeit mit einem Kunstwerk lenken und einige Ratschläge geben.

"Heureka!" (Analyse Intrige). Das Erste und Wichtigste ist, dass das Kunstwerk selbst den Weg vorgibt, auf dem man in die Tiefe der Bedeutung des künstlerischen Bildes vordringen kann. Es gibt eine Art „Haken“, der den Verstand mit einer plötzlichen Frage einfängt. Die Suche nach einer Antwort darauf – sei es im internen Monolog, in der Kommunikation mit Mitarbeitern oder Studierenden – führt oft zu Einsichten (Heureka!). Daher nennt man solche Gespräche – man muss lernen, sie mit einer Gruppe zu führen – heuristisch. Analytische Arbeit in einem musealen oder architektonischen Umfeld beginnt meist mit solchen Fragen – der „Entschlüsselung“ der im künstlerischen „Text“ enthaltenen Informationen.

Eine Frage zu stellen ist oft schwieriger als eine Antwort zu finden.

- Warum hat Alexander Ivanovs "Naked Boy" ein so tragisches Gesicht?

- Warum hebt die Figur eines jungen Mannes in dem Gemälde „Die Erscheinung des Messias“ desselben Ivanov einen Gelähmten hoch, der in die Kleider Christi gekleidet ist?

— Warum ist das Icon-Gehäuse in K.S.s Bild leer? Petrow-Wodkin "Mutter" 1915?

— Warum P.D. Fedotov entfernt in der zweiten Version des Gemäldes "Major's Matchmaking" den Kronleuchter - das Detail, nach dem er so lange gesucht hat?

— Warum in der skulpturalen Büste von Sh.I. Der Marmor von Makhelson by Shubin ist auf fettigen Glanz poliert, während die „Haut“ der Gesichter in seinen Porträts in den meisten Fällen matt erscheint?

Es gibt viele solcher Fragen, an die man sich erinnern kann, alle zeugen von einer einzigartigen, persönlichen Vision, die jedem Menschen innewohnt. Ich gebe hier bewusst keine Antworten – versuchen Sie sie selbst zu finden.

Bei der analytischen Arbeit mit einem Kunstwerk hilft Ihnen nicht nur die Fähigkeit, es mit neuen Augen zu sehen, es direkt wahrzunehmen, sondern auch die Fähigkeit zu abstrahieren, bestimmte Wahrnehmungsmomente, formale und inhaltliche Elemente zu isolieren .

Wenn wir über bildende Kunst sprechen, sind dies Kompositionen, Diagramme, analytische Skizzen, koloristische „Layouts“, Analysen der Raumkonstruktion, „Spielen“ von Zubehör usw. All diese und andere Mittel können in der Arbeit verwendet werden. Aber eines sollte man nicht vergessen: Jede analytische Technik ist zuallererst eine Art, die Elemente der Form zu interpretieren, sie zu verstehen. Messen, auslegen, Diagramme zeichnen, aber nicht um dieser Diagramme willen, sondern um ihre Bedeutung zu verstehen, denn in einem wirklich künstlerischen Bild gibt es keine „Leerstellen“ - das Material selbst und die Größe und das Format bis hin zur Textur, d.h. die Oberfläche der Objektkunst ist bedeutungsvoll. Mit anderen Worten, es geht um die Sprache der Kunst.

Trotz ihrer Originalität und Einzigartigkeit eignen sich Kunstwerke für eine Typologie, sie können natürlich in erster Linie nach Kunstarten gruppiert werden.

Das Problem der Typologie wird Ihnen in den Lehrveranstaltungen zur Kunsttheorie und Ästhetik zum Gegenstand, und wir möchten zu Beginn des Studiums auf die Aspekte eingehen, die bei der Analyse eine wichtige Rolle spielen, insbesondere die Interpretation der Kunst. Darüber hinaus erhalten wir die Möglichkeit, die Bedeutung grundlegender Konzepte festzulegen (die Bedeutung dieser Arbeit wurde oben erwähnt).

So, ein Kunstwerk kann zu einem der Typen gehören, die unterteilt sind in: einkomponentig (monostrukturell), synthetisch und technisch.

Einkomponentig - Malerei, Grafik, Bildhauerei, Architektur, Literatur, Musik, Kunsthandwerk.
Synthetische - theatralische und spektakuläre Künste.
Technik - Film, Fernsehen, Computergrafik.

Einkomponentenkünste werden wiederum unterteilt in:

räumlich (Architektur, Malerei, Grafik, Kunsthandwerk)
temporär (Literatur, Musik),

sowie bildliche (Malerei, Grafik, Skulptur) und nicht-bildliche (Architektur, Kunsthandwerk, Literatur, Musik).

Da es bei der Klassifikation der Künste unterschiedliche Standpunkte gibt und da alle diese Definitionen nicht absolut, sondern relativ sind, werden wir sie festlegen und zunächst - ganz kurz - auf das Problem von Raum und Zeit eingehen Kunst, weil sie nicht so einfach ist, wie es auf den ersten Blick erscheinen mag, und für die Analyse der Arbeit von großer Bedeutung ist.

Zunächst stellen wir fest, dass die Einteilung der Künste in Raum und Zeit sehr bedingt ist und sich an den Merkmalen der Existenz eines Werkes orientiert: Die materiellen Träger der Raumkunst sind wirklich objektiv, nehmen einen Platz im Raum ein und wachsen nur alt und mit der Zeit zusammenbrechen. Aber die materiellen Träger musikalischer und literarische Werke nehmen ebenfalls einen Platz im Raum ein (Notizen, Schallplatten, Kassetten und schließlich Interpreten und ihre Instrumente; Manuskripte, Bücher, Zeitschriften). Wenn wir von künstlerischen Bildern sprechen, dann „besetzen“ sie einen gewissen geistigen Raum und entwickeln sich in allen Künsten mit der Zeit.

Daher werden wir versuchen, nachdem wir die Existenz dieser Kategorien als klassifikatorisch angemerkt haben, von einem analytischen Standpunkt aus über sie zu sprechen, der für uns - in diesem Fall - wichtiger ist.

Wir haben oben festgestellt, dass jedes Kunstwerk als materiell-ideales Phänomen in Raum und Zeit existiert und seine materielle Basis irgendwie primär mit Raum und die ideelle mit Zeit verbunden ist.

Ein Kunstwerk bezieht sich aber auch in anderen Aspekten auf den Raum. Der natürliche Raum und seine Erfahrung durch eine Person haben einen großen Einfluss auf das künstlerische Bild, indem sie beispielsweise in Malerei und Grafik verschiedene Systeme räumlicher Konstruktionen hervorbringen, die die Merkmale der Lösung räumlicher Probleme in der Architektur und das Raumbild in der Literatur bestimmen . In allen Künsten ist der "Raum einer Sache", "der Raum einer Person", "der Raum der Gesellschaft", der natürliche - irdische und kosmische - Raum und schließlich der Raum der höchsten spirituellen Realität - des Absoluten, Gott, sind unterscheidbar.

Die Vision der Welt verändert sich, gefolgt vom System des künstlerischen Denkens; diese bewegung vom alten system zum neuen ist geprägt von änderungen im raumkonzept. So wird der Fokus der Aufmerksamkeit von der höchsten spirituellen Realität – Gott, der himmlischen Welt im 17. Jahrhundert – auf eine Person auf Russisch verlagert Kunst XVII Jahrhunderte schienen den Horizont des Künstlers eingeengt zu haben, und die Unendlichkeit der umgekehrten Perspektive wurde durch die Begrenzung der direkten ersetzt.

Auch die Zeit ist mobil und vielfältig.

Das ist die reale Zeit des Materialträgers, wenn sich die Noten vergilben, die Filme entmagnetisieren, die geölten Tafeln schwarz werden und die Zeit des sich endlos weiterentwickelnden, praktisch unsterblichen künstlerischen Bildes. Dies ist auch eine illusorische Zeit, die innerhalb des künstlerischen Bildes existiert, die Zeit, in der das abgebildete Ding und die Person, die Gesellschaft, die Menschheit als Ganzes leben. Dies ist die Entstehungszeit des Werkes, die historische Ära und der Lebensabschnitt, und schließlich das Alter des Autors, diese Zeit ist die Länge der Handlung und die Zeit der "Pausen" - Pausen zwischen den dargestellten Episoden. Schließlich ist dies die Zeit der Wahrnehmungsvorbereitung, Wahrnehmung im Kontakt mit dem Werk, Erleben und Verstehen des wahrgenommenen künstlerischen Bildes.

In jeder der Künste werden Raum und Zeit unterschiedlich dargestellt, was in den folgenden Kapiteln diskutiert wird, die sich jeweils einer speziellen Kunstgattung mit ihrer inhärenten Struktur des künstlerischen Bildes widmen.

Es ist kein Zufall, dass ich „gezeigt“ und nicht „dargestellt“ geschrieben habe, denn auch diese Begriffe müssen wir trennen.

Zeigen bedeutet, ein figuratives Äquivalent zum Phänomen der Realität zu finden, es in das Gewebe eines künstlerischen Bildes einzuweben, ein visuelles - sichtbares, verbales - verbales oder akustisches - auditives Analogon eines Dings darzustellen - zu schaffen. Die Künste werden, wie oben erwähnt, in bildliche und nicht-bildliche unterteilt, nicht weil es in der Musik unmöglich ist, beispielsweise das Geräusch eines Zuges oder das Schreien eines Hahns (oder sogar eines ganzen Hühnerhofs) darzustellen, sondern in Literatur ist es unmöglich, fast jedes sichtbare oder hörbare Objekt zu beschreiben. Dies ist sowohl in der Musik als auch in der Literatur möglich: Im ersten Fall handelt es sich um Lautmalerei, im zweiten um Beschreibung. Darüber hinaus kann ein talentierter Autor, der den Kontakt mit einem Werk der Malerei, Skulptur und Musik intensiv erlebt hat, solche Worte finden, dass seine Beschreibung zu einem vollwertigen und hochkünstlerischen verbalen (verbalen) Analogon eines Werks der bildenden oder musikalischen Kunst wird .

Auch architektonische Werke (ganz zu schweigen von ihren Bestandteilen: Lotussäulen ägyptischer Tempel, Rinde, Atlanten, Reliefs und andere dekorative skulpturale Elemente) können Bilder sein: In den 1930er Jahren war es beispielsweise in der Sowjetunion in Mode, Häuser zu bauen in Form von Autos oder anderen Gegenständen. In Leningrad wurde sogar eine Schule in Form von Hammer und Sichel gebaut, die allerdings nur aus der Vogelperspektive zu sehen ist. Und verschiedene Gefäße in Form von Vögeln, Fischen, menschlichen Figuren usw. im nicht-schönen Kunsthandwerk!

Im Gegensatz dazu zeigen Werke der bildenden Kunst oft „nichts“ wie abstrakte Malerei und Skulptur.

Dieses Klassifikationsmerkmal erweist sich also als relativ. Und doch gibt es sie: Es gibt visuell, also visuell wahrnehmbare „schöne Künste“, die auf dem Bild der Erscheinungen der Welt beruhen, und nicht-bildliche, verbale und musikalische.

Kunst ist immer bedingt und kann (ganz zu schweigen davon, dass sie es nicht sollte) ein vollständiges Abbild dieses oder jenes Phänomens des lebendigen Lebens schaffen. Der Künstler dupliziert nicht die bestehende Realität, er schafft künstlerische und figurative Modelle der Welt oder ihrer Elemente, vereinfacht und transformiert sie. Selbst die Malerei, die „illusorischste“ der Künste, die scheinbar in der Lage ist, den ganzen Reichtum der bunten Welt einzufangen und auf die Leinwand zu bringen, hat einen extremen Charakter behindert Nachahmung züchten.

Ich liebe CS wirklich. Petrow-Wodkin. Bei einer seiner Ausstellungen wurde seine „Gottesmutter – Zärtlichkeit böser Herzen“ – der Glanz von reinem Scharlachrot, Blau und Gold – in der Halle des Russischen Museums an der Wand neben dem Fenster platziert.

Viele Jahre war das Bild in Lagerräumen versteckt, und jetzt, wo es in der Diele stand, konnte man es scheinbar endlos betrachten. Der Hintergrund erstrahlte in einem kosmisch tiefen, durchdringenden reinen Licht der Himmelstiefen und schattierte zusammen mit dem scharlachroten Maphorium das schöne sanfte Antlitz der Muttergottes ...

Ich saß lange da, draußen wurde es dunkel, Winterabend im Fenster leuchtete - und was für ein Schock für mich war das leise Leuchten der bescheidenen winterlichen Petersburger Dämmerung im Fenster - sie sahen neben dem Blau auf dem Bild von Petrov-Vodkin aus, wie ein leuchtender Saphir neben dem blauen Papier, mit dem Streichholzschachteln werden überklebt. Da hatte ich die Gelegenheit, nicht herauszufinden, sondern zu sehen und zu fühlen, wie begrenzt die Möglichkeiten der Kunst sind, das Leben zu imitieren, wenn wir es nach dem Lieblingskriterium eines naiven Betrachters beurteilen: ob das Bild ähnlich oder nicht ähnlich ist zum Original. Und es liegt gar nicht in seiner Stärke, die Phänomene des Lebens möglichst ähnlich, möglichst mimetisch wiederzugeben.

Ein künstlerisches Bild ist keine bloße Wiederholung des Lebens, und seine Wahrhaftigkeit, verbal oder visuell, ist keineswegs die Hauptqualität. Kunst ist eine der Möglichkeiten, die Welt zu meistern: ihre Erkenntnis, Bewertung, Transformation durch den Menschen. Und jedes Mal in einem künstlerischen Bild – auf unterschiedliche Weise in unterschiedlichen Kunstgattungen und in unterschiedlichen Kunstsysteme- Das Phänomen (was von den Gefühlen eines Menschen wahrgenommen wird, offenbart sich ihm) und das Wesen (das Wesen des Phänomens, die Gesamtheit seiner wesentlichen Eigenschaften) sind korreliert, die die Kunst zu zeigen gilt.

Jedes System des künstlerischen Denkens bildet seine eigene Methode der Essenzerkennung – die kreative Methode. In der Schule haben Sie bereits so spezifische europäische Kreativmethoden wie Barock, Klassizismus, Sentimentalismus, Romantik, Realismus, Symbolismus, Moderne, sozialistischer Realismus, Surrealismus usw. kennengelernt. Natürlich erinnern Sie sich, dass jede Methode im Namen des Verstehens geschaffen wurde , Wertschätzung, Transformation des Menschen und der Welt als Ganzes und ihrer individuellen Qualitäten. Denken Sie daran, wie konsequent Wissen über eine Person „gesammelt“ wird: Barock studiert und zeigt die Welt der stürmischen, ungezügelten Gefühle einer Person; Klassizismus - sein alles messender ausgeglichener Geist; Sentimentalität bekräftigt das Menschenrecht auf Privatsphäre und erhabene, aber rein persönliche Gefühle; Romantik - die Schönheit der freien Entwicklung des Individuums "zum Guten oder zum Schlechten", ihre Manifestationen in den "tödlichen Minuten" der Welt; Realismus spiegelt die sozialen Grundlagen der Bildung und des Lebens einer Person wider; Symbolik stürzt wieder in die geheimnisvollen Tiefen menschliche Seele, und der Surrealismus versucht, in die Tiefen des Unterbewusstseins vorzudringen usw. Jedes dieser kreativen Systeme hat also sein eigenes Bildthema, isoliert in einem einzigen Objekt - einer Person. Und ihre Funktionen: Bestätigung des Ideals, Studium, Enthüllung usw.

Dementsprechend wird auch eine Methode zur Transformation eines Objekts entwickelt, die es ermöglicht, seinen eigentlichen Inhalt zu enthüllen: Das ist die Idealisierung eines Objekts – Transformation, die künstlerische Befreiung der „unvollkommenen Realität von ihrer Unvollkommenheit“, sozusagen ein Ideal (Brief Philosophical Encyclopedia. M., 1994) in Methoden wie Barock, Klassizismus, Romantik, die sich darin unterscheiden, dass das Ideal selbst unterschiedlich verstanden wird; es ist eine Typisierung, die für den Realismus charakteristisch ist, und eine Symbolisierung, die die Menschheit in verschiedenen Stadien der künstlerischen Entwicklung der Welt verwendet hat.

Betrachtet man die Entwicklungsgeschichte der Kunst auf einer sehr hohen Verallgemeinerungsstufe, so lässt sich sagen, dass sie sich zwischen zwei Polen der künstlerisch-figurativen Modellierung der Welt entwickelt: vom Wunsch, sie bis zum Äußersten zu schaffen, bis zur Illusion von eine plausible Reproduktion bis zur endgültigen Verallgemeinerung. Diese beiden Methoden können mit der Arbeit der beiden Gehirnhälften korreliert werden: die linke analytische, die das Phänomen im Namen seines Wissens in Teile aufteilt, und die rechte – verallgemeinernd, phantasievoll, indem sie integrale Bilder (nicht unbedingt künstlerisch) schafft den gleichen Zweck.

Auf der Erde gibt es von Menschen dominierte Zonen mit einem spürbaren Vorteil in der Entwicklung einer der Hemisphären. Man kann natürlich sogar sehr bedingt sagen, dass die Begriffe „Osten“, „Mensch des Ostens“ mit rechtshemisphärisch-imaginativem (figurativem) Denken assoziiert werden, während „West“, „Mensch des Westens“ mit linkshemisphärisch, analytisch, wissenschaftlich.

Und hier stehen wir vor einem sichtbaren Paradoxon.

Erinnern Sie sich: Die linke Hemisphäre überwacht das abstrakt-logische, verbale, analytische Denken; rechts - konkret, bildlich, nonverbal, verallgemeinernd.

Auf den ersten Blick ist leicht zu bestimmen, was genauer ist: ein Porträt, das das Aussehen und den Charakter einer bestimmten Person vermittelt, oder beispielsweise ein kleiner Mann an einer Ampel - eine extrem verallgemeinerte Bezeichnung einer Person, einer Gruppe von Personen gemalte Trauben in einem holländischen Stillleben oder eine endlose Ranke in einem orientalischen Ornament, bestehend aus vielen bedingten, auf die Ebene von ornamentalen Elementen von Blättern und Trauben gebracht.

Die Antwort liegt auf der Hand: Mimetische Bilder – ein Porträt, ein Stillleben – sind konkret, ornamentale Verallgemeinerungen eher abstrakt. Im ersten Fall werden die Begriffe „diese Person“, „diese Gruppe“ benötigt, im zweiten Fall „Mann“, „Gruppe“.

Etwas schwieriger zu verstehen ist, dass Porträt und Stillleben als künstlerische Bilder gleichzeitig analytischer – „linkshemisphärischer“ – sind als die Elemente des Ornaments. Stellen Sie sich vor, wie viele Worte nötig wären, um das Porträt zu beschreiben – die verbale „Übersetzung“ dieses Bildes wäre ziemlich lang und mehr oder weniger langweilig, während die Rebe im Ornament durch ein, höchstens drei Wörter definiert wird: Kletterrebe Ornament. Aber nachdem er eine Rebe aus der Natur skizziert hatte, wiederholte der Autor des Ornaments dieses Bild mehr als einmal und erreichte die ultimative Verallgemeinerung, die es ermöglicht, die Ebene eines Symbols zu erreichen, das nicht eine, sondern viele Bedeutungen enthält.

Wenn Sie mehr über die westlichen analytischen (mimetischen, nachahmenden) und östlichen verallgemeinerten (ornamentalen) Wege zur Schaffung eines visuellen Bildes erfahren möchten, lesen Sie das ausgezeichnete Buch von L.A. Lelekov "Die Kunst der alten Rus und des Ostens" (M., 1978). Bei der Diskussion der beiden Systeme des künstlerisch-figurativen Denkens stellt der Autor zwei Reihen von Aussagen gegenüber.

Die erste stammt von Sokrates: "Die Malerei ist das Bild dessen, was wir sehen."

Das zweite ist für den Buddha: "Der Künstler hat die Farben vorbereitet, um ein Bild zu schaffen, das nicht in Farbe gesehen werden kann."

Die alte Legende über den Wettbewerb zweier geschickter Maler – Zeuxis und Parrhasius – erzählt, wie einer von ihnen einen Weinstock malte und wie Vögel zu diesem Bild strömten, um die darauf abgebildeten Beeren zu picken – so groß war die Illusion von Leben, das es erfüllte. Der zweite täuschte das Auge seines Kollegen, indem er auf der Leinwand den Vorhang darstellte, mit dem das Bild angeblich bedeckt war, mit einer solchen Kunst, dass er ihn bat, ihn schnell zurückzuziehen. Die Schaffung einer Illusion – die Nachahmung des Sichtbaren – war das höchste Ziel für jeden der Konkurrenten.

Buddha spricht von einem ganz anderen Ziel: Ein sichtbares, mit Farben gemaltes Bild ist nur Träger eines Bildes, das in der Seele eines Menschen geboren wird. Der christliche Philosoph Johannes von Damaskus wiederholt den Buddha: „Jedes Bild ist eine Offenbarung und ein Hinweis auf das Verborgene.“

Tatsächlich ist der Weinstock, der die Säulen der Ikonostase schmückt, ein Symbol des Lebens und der Fruchtbarkeit, der Garten Eden (Christi Garten), ein Symbol der Ewigkeit.

Hier ist, wie L.A. Lelekov über ein anderes Ornament: Die in orientalischen Ornamenten sehr verbreitete Verflechtung von abwechselnden Früchten und Blüten bezeichnet „die Konzepte der Einheit von Ursache und Wirkung und der Ewigkeit des Seins, die Themen der Schöpfung und der unaufhörlichen Erneuerung des Lebens, die Beziehung von Vergangenheit und Zukunft, das Aufeinanderprallen von Gegensätzen“ (ebd. S. 39).

Aber so wie es zwischen relativ wenigen Gruppen von ausgesprochen „linkshemisphärischen“ Wissenschaftlern und „rechtshemisphärischen“ Künstlern eine Vielzahl von Übergangstypen gibt, die sich zahlenmäßig durchsetzen, so zwischen dem naturalistischen, sich selbst ebenbürtigen, in sich wertvollen und hat nicht verborgene Bedeutungen, ein illusorisches Bild einer Erscheinung (Phänomen) und ein reines Ornament, das viele Bedeutungen enthält, liegt ein riesiger Raum, der von Bildern gemischter Art eingenommen wird - wir haben oben über sie gesprochen.

Das vielleicht harmonischste unter ihnen ist das realistische Bild, wenn der Künstler bestrebt ist, die Essenz des Phänomens zu verkörpern, das Sichtbare zu symbolisieren. Ja, Al. Ivanov, der die Gesetze des Freilichts entdeckte und eine Methode entwickelte, um die inneren Eigenschaften und Qualitäten einer Person in ihrer äußeren Erscheinung zu verkörpern, füllte seine Kreationen mit einer tiefen symbolischen Bedeutung.

Abstraktionistische Künstler des 20. Jahrhunderts, die ihre Bilder zerlegten, verteilten und sich weigerten, eine „zweite“, illusorische Realität auf der Leinwand zu schaffen, wandten sich der Sphäre des menschlichen Überbewusstseins zu und versuchten, das Bild in seiner Ursprünglichkeit, in der Tiefe des Menschlichen einzufangen Seele, oder im Gegenteil konstruiert.

Daher müssen Sie in der Analyse nach der Faszination der ersten aufgeworfenen Frage darüber nachdenken, was das „Raum-Zeit-Kontinuum“ des künstlerischen Bildes des Werks, das Thema des Bildes, die Methode und die Mittel ist das Objekt transformieren. Und eine weitere wichtige Frage stellt sich vor Ihnen: Was sind die elementare Zusammensetzung und Verbindung - die Struktur des künstlerischen Bildes.

Das künstlerische Bild eines Werkes ist eine Ganzheit, und wie jede Ganzheit lässt es sich darstellen, beschreiben als ein System bestehend aus Elementen (von denen jedes wiederum auch integral und als System darstellbar ist) und deren Verbindungen. Strukturiertheit und eine ausreichende Anzahl von Elementen gewährleisten das Funktionieren des künstlerischen Gesamtbildes, ebenso wie das Vorhandensein der notwendigen Teile und deren korrekte Montage - Verbindung, Struktur, den Fortschritt und das rechtzeitige Klingeln eines Weckers gewährleisten.

Was kann man als Elemente eines künstlerischen Bildes bezeichnen? Reim, Harmonie, Farbe, Lautstärke usw.? Dies sind Formelemente. Das Subjekt des Bildes, Objekts, Wesens, Phänomens? Dies sind Inhaltselemente. Logisch argumentiert, sollte selbstverständlich anerkannt werden, dass die Elemente des künstlerischen Bildes eines Werkes auch Bilder sind: eine Person in der ganzen Bandbreite vom einfachsten Symbolbild in Petroglyphen bis zum psychologischen Porträt; die materielle Objektwelt in einer unzähligen Vielfalt menschengemachter Dinge, deren Gesamtheit oft als Zivilisation oder „zweite Natur“ bezeichnet wird; soziale Bindungen, von der Familie bis zum universellen; Wunder der Natur in all ihren Erscheinungsformen und Formen: die belebte Welt der Tiere, die unbelebte Welt - nah, planetarisch und kosmisch; schließlich jene höhere spirituelle Ordnung, die in allen künstlerischen Systemen vorhanden ist und die von den Weisen verschiedener Epochen unterschiedlich genannt wird: der Höhere Geist, das Absolute, Gott.

Jedes dieser Bilder wird in unterschiedlichen Künsten auf unterschiedliche Weise realisiert und hat einen überspezifischen, generischen Charakter.

Ein solches Bild, das innerhalb eines Kunstwerks Konkretheit erlangt, kann als Komponente in ein System eines komplexeren Ganzen aufgenommen werden (zum Beispiel nehmen Naturbilder einen wichtigen Platz in Turgenevs Romanen, in Rimsky-Korsakovs Opern und in Repins Gemälden ein ). Eines der Bilder kann einen zentralen Platz einnehmen und den Rest unterordnen (so sind die monostrukturellen Gattungen der bildenden Kunst - Porträt, Landschaft usw.) - oder es kann eine umfangreiche Schicht von Kunstwerken bilden - aus Serien im Werk eines Meister (zum Beispiel "Petriada" in .A. Serova) I zu solch gigantischen Formationen wie "Leniniana" in der sowjetischen Kunst.

So können im Prozess der Werkanalyse figurative Elemente unterschieden und Verbindungen zwischen ihnen hergestellt werden. Oft hilft eine solche Arbeit, die Absicht des Autors tiefer zu verstehen und sich der Gefühle bewusst zu werden, die bei der Kommunikation mit der Arbeit auftreten, um das künstlerische Bild besser zu verstehen und zu interpretieren.

Fassen Sie diesen kurzen Abschnitt zusammen Analyse eines Kunstwerks als autarke Integrität des „Textes“ Heben wir die wichtigsten hervor:

1) Die Analyse ist nur eine der Operationen, die im System der Arbeit mit einem Kunstwerk enthalten sind. Eine der wichtigsten Fragen, die Sie im Prozess der analytischen Arbeit beantworten müssen, lautet: Wie, auf welche Weise und mit welchen Mitteln konnte der Künstler genau den Eindruck erzielen, den Sie in der präanalytischen Kommunikation mit dem erlebt und realisiert haben künstlerisches Bild?
2) Analyse als Teilung des Ganzen in Teile (obwohl sie Elemente der Synthese beinhaltet) ist kein Selbstzweck, sondern ein Weg, tiefer in den semantischen Kern des künstlerischen Bildes einzudringen;
3) Jedes Kunstwerk ist einzigartig, unnachahmlich, daher ist es methodisch richtig - und es ist für den Lehrer sehr wichtig - die "Intrige der Analyse" zu finden - die Schlüsselfrage, die insbesondere in der kollektiven Arbeit eine Kette nach sich ziehen wird, oder vielmehr ein System von Fragen, deren Antworten ein ganzheitliches Bild der Analyse ergeben;
4) Jedes Kunstwerk ist ein künstlerisch-figuratives Modell der Welt, das die tatsächlichen Facetten, Teile, Aspekte widerspiegelt
Welt und ihre Hauptelemente: Mensch, Gesellschaft, Zivilisation, Natur, Gott. Diese Facetten, Teile, Aspekte des Seins bilden eine sinnvolle Basis - das Subjekt des Bildes, das einerseits bereits objektive Realität ist, da es nur ein Teil davon ist, und andererseits zunächst reicher, denn es trägt die Haltung des Autors, wird im Schaffensprozess bereichert, gibt den Erkenntniszuwachs über die Welt in objektivierter Form, im Kunstwerk, wieder und aktualisiert sich schließlich im Schaffensprozess. In der analytischen Arbeit müssen Sie die Fragen beantworten: Was ist der Gegenstand des Bildes in dieser Arbeit? was ist das thema des bildes Welche neuen Dinge erfahren wir über die Welt, wenn wir uns das künstlerische Bild der Arbeit aneignen?
5) Jedes Kunstwerk gehört zu einer der Kunstarten, nach denen die Methode der Transformation des Bildgegenstands, die Bildung des künstlerischen Bildes, die spezifische Sprache der Kunst gebildet wird.
6) Kunst als Ganzes und ein separates Werk als Phänomen der materiellen Welt existieren in Raum und Zeit. Jede Epoche, jedes ästhetische System entwickelt gemäß seinem Verständnis dieser Realitäten und seinen Zielen seine eigene künstlerische Vorstellung von Zeit und Raum. Daher ist die Analyse der Merkmale der Verkörperung von Raum und Zeit in einem Werk eine notwendige analytische Operation;
7) ein künstlerisch-figuratives Weltmodell kann bildlich (visuell) oder nicht-bildlich (auditiv, verbal oder visuell-konstruktiv) sein. Die Nachahmung des Lebens (bis hin zu dem Wunsch, eine Illusion zu erzeugen – „Täuschung“) oder im Gegenteil die vollständige „Entobjektivierung“ des Bildes ist wie alle Zwischenformen kein Selbstzweck, sie ist immer sinnvoll, dient als Verkörperung der Zielsetzung, die in der Analyse offenbart wird. Gleichzeitig wird eine Beziehung zwischen dem Phänomen und der Essenz hergestellt, deren Erfassung und Entwicklung letztlich eine der Hauptfunktionen der Kunst ausmacht. Im Prozess der Analyse ist es also notwendig zu verstehen, welches Phänomen dem künstlerischen Bild (Bildobjekt) zugrunde liegt, welche Eigenschaften, Qualitäten, Aspekte des Objekts den Künstler interessierten (Bildobjekt), wie und auf welche Weise das Objekt transformiert wurde und was die Struktur ist - elementare Zusammensetzung und Struktur - das resultierende künstlerische Bild. Wenn man diese Fragen beantwortet, kann man die Bedeutung eines Kunstwerks sehr gut verstehen, was ist die Essenz, die durch den Stoff eines künstlerischen Bildes scheint.

Bevor ich damit aufhöre, über die Analyse und ihren Platz in der Arbeit mit einem Kunstwerk zu sprechen, möchte ich Ihnen zwei Ratschläge geben.

Der erste betrifft die Bedeutung der Analyse. Unabhängig davon, ob Ihnen dieses oder jenes Kunstwerk nah oder innerlich fremd ist, Analyse - Interpretation hilft Ihnen, den Autor zu verstehen und im Gespräch über das Werk Ihre Einschätzung zu begründen. In Bezug auf Kunst ist es besser, „Gefällt mir - Nicht mögen“ durch andere Formulierungen zu ersetzen:

„Ich verstehe und akzeptiere“ oder „Ich verstehe, aber ich akzeptiere nicht!“ Und seien Sie gleichzeitig immer bereit, Ihre Meinung zu begründen.

Der zweite Tipp wird Ihnen besonders nützlich sein, wenn Sie auf einer Messe arbeiten müssen. zeitgenössische Kunst oder den Künstler besuchen - in seinem Atelier.

Für jeden normalen Menschen ist die Anwesenheit des Autors abschreckend, also arbeiten Sie bei einer Ausstellung zeitgenössischer Kunst immer so, als ob der Autor neben Ihnen steht – das ist eine sehr reale Chance.

Aber die Hauptsache: Verabschieden Sie sich ein für alle Mal davon, dass es eine „richtige“ und „falsche“, „gute“ und „schlechte“ Kunst gibt. Ein Kunstwerk unterliegt der Bewertung: Schließlich kann sein Schöpfer ein Meister sein, oder vielleicht ein prahlerischer Dilettant, ein superadaptiver Opportunist, ein Spekulant.

Aber in der Ausstellungshalle sollten Sie sich nicht beeilen, als Staatsanwalt aufzutreten, sondern erst einmal versuchen zu verstehen, warum die Arbeit bei Ihnen solche Irritationen hervorrief, anstatt die erwartete Freude: Liegt es daran, dass Sie die Disharmonie des Bildes intuitiv gespürt haben? seine allgemeine Zerstörungskraft, die von ihm ausgehenden Wellen negativer Energie, oder dass Sie aufgrund Ihrer Persönlichkeitsmerkmale nicht in „Resonanz“ mit jenen, bildlich gesprochen, Schwingungen geraten sind, die das künstlerische Bild verursacht hat.

Wie unterschiedlich wir alle Kunst wahrnehmen – sowohl in ihren Elementen als auch im Allgemeinen – habe ich in der Nähe des Fernsehbildschirms völlig unerwartet gespürt. ... Ich liebe Kolomenskoje sehr - mit seiner ruhigen weißen Kirche der Kasaner Muttergottes, dem schlanken Zelt der Kirche der Himmelfahrt Christi, das sich schnell über der Moskwa erhebt, den vergoldeten Kuppeln der Kathedrale von Johannes dem Täufer Dyakovo auf dem Berg hinter der Schlucht, mit Baumgruppen, alten Säulen und geschätzten Steinen im dichten grünen Gras. Seit vielen Jahren erzähle ich im Rahmen der Kunstgeschichte Studenten von diesen wunderbaren Schöpfungen des 16.-17. Jahrhunderts. Aber eine kleine Geschichte im „Travel Club“ im Fernsehen war für mich eine Offenbarung. Der führende Geistliche zeigte und bewies, dass das metrisch geformte Ensemble in natürlichen und architektonischen Formen das Bild der Ikone der Sophia - der Weisheit Gottes - verkörperte. Ich, ein Mensch mit einem etablierten rationalen Bewusstsein, hätte dieses Wunder niemals so sehen können. Aber jetzt, natürlich mit Quellenangaben, werde ich Studenten unter anderem diese Interpretation anbieten.

Literatur:

Wölfflin

Janson H. V., Janson E. F. Grundlagen der Kunstgeschichte - zu finden. Gefunden. Aktie. Und Gombrich auch.

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