Das Holland jener Jahre betrieb einen umfangreichen Kolonialhandel, es hatte eine mächtige Flotte, der Schiffbau war eine der führenden Industrien. Als fleißige Landwirte gelang es den Holländern, auf relativ kleinem Land einen Milchviehbetrieb zu errichten, der auf dem europäischen Markt berühmt wurde. Gleichzeitig ist Holland das wichtigste Zentrum der europäischen Kultur. Der Protestantismus, der den Einfluss der katholischen Kirche vollständig verdrängte, führte dazu, dass der Klerus nicht so viel Einfluss hatte wie in Flandern. Die holländischen Künstler hatten einen anderen Kunden: die Bürger, den Magistrat, daher hatten die Gemälde in Holland damals nicht die gleichen Abmessungen wie die Leinwände von Rubens oder Jordans, und sie lösen hauptsächlich nicht-monumentale und dekorative Aufgaben. Die Hauptleistung der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts liegt in der Staffeleimalerei. Mensch und Natur waren Beobachtungs- und Darstellungsobjekte niederländischer Künstler. Haushaltsmalerei wird zu einem der führenden Genres, dessen Schöpfer den Namen "Little Dutch" erhielten, entweder wegen der Schlichtheit der Handlungen oder wegen der geringen Größe der Gemälde. Daher die breite Palette der Malerei zu einzelnen Themen: Porträt, Landschaft, Stillleben, animalisches Genre.
Frans Hals war einer der größten Porträtmaler Hollands. Er arbeitete im Genre eines Gruppenporträts und stellte Schützengilden dar - Vereinigungen von Offizieren zur Verteidigung und zum Schutz von Städten. Einzelporträts werden aufgrund der besonderen Eigenart des Bildes manchmal auch als Genreporträts bezeichnet.
Landschaftsgenre besonders interessant. Das ist überhaupt nicht die Natur, einige Gesamtbild des Universums, sondern das Nationale, nämlich die holländische Landschaft, die wir auch im modernen Holland wiedererkennen: Windmühlen, Wüstendünen, Kanäle, auf denen im Sommer Boote dahingleiten, und im Winter Skater. Der graue Himmel nimmt einen großen Platz in den Kompositionen ein. Die Blütezeit der Landschaftsmalerei geht auf die Mitte des 17. Jahrhunderts zurück, die größte Meisterin der realistischen Landschaft war Jacob van Ruisdael (siehe Reproduktionen). Seine Werke sind meist voller tiefer Dramatik, ob er nun Walddickichte, Landschaften mit Wasserfällen oder eine romantische Landschaft mit Friedhof darstellt. Ruisdaels Wesen zeigt sich in Dynamik, in ewiger Erneuerung. Die einfachsten Motive der Natur unter dem Pinsel Jan van Goyen Und Salomon van Ruysdael monumental werden. Nur Seestücke Jan Porcellis. In enger Verbindung mit der holländischen Landschaft steht das animalische Genre. Lieblingsmotiv Albert Cuyp- Kühe an der Tränke. Paul Porter stellt neben allgemeinen Plänen gerne ein oder mehrere Tiere in Nahaufnahme vor dem Hintergrund einer Landschaft dar.
Brillante Entwicklung erreicht Stillleben. Das niederländische Stillleben hat im Gegensatz zum flämischen eine bescheidene Größe und intime Motive. Peter Klas Und Willem Kheda häufiger stellte er das sogenannte "Frühstück" dar: Gerichte mit Schinken oder Kuchen auf einem relativ bescheiden gedeckten Tisch. In einem gekonnten Layout werden Gegenstände so dargestellt, dass man gleichsam das Innenleben der Dinge spürt. Die Farbgebung ist zurückhaltend und raffiniert. Mit dem Wandel im Leben der niederländischen Gesellschaft ändert sich auch die Natur der Stillleben. Khedas "Frühstücke" werden durch üppige Desserts ersetzt Kalfa. Einfache Utensilien werden durch Marmortische, Teppichtischdecken, Silberpokale, Perlmuttschalen und Kristallgläser ersetzt. Kalf erreicht eine erstaunliche Virtuosität darin, die Textur von Pfirsichen, Trauben und Kristalloberflächen zu vermitteln. Der einheitliche Ton der Stilleben der früheren Zeit wird durch eine reiche Abstufung der schönsten Farbtöne ersetzt.
Im Kreis um Franz Hals, wo Adrian Brouwer, der flämische Maler, entstand, entwickelte sich ein ausgeprägtes Interesse an den Themen Haushaltsmalerei
. Adrian van Ostade zeigt normalerweise die Schattenseite des Lebens der Bauernschaft. Seit den 1940er Jahren werden in seinem Werk satirische Anmerkungen zunehmend durch humorvolle ersetzt. Manchmal sind diese kleinen Bilder mit einem großen lyrischen Gefühl gefärbt.
Besonders poetisch wird das Interieur bei den „kleinen Holländern“. Der eigentliche Sänger dieses Themas war Pieter de Hooch. Seine Räume mit halb geöffnetem Fenster, mit versehentlich geworfenen Schuhen oder einem zurückgelassenen Besen sind in der Regel ohne menschliche Figur dargestellt, aber eine Person ist hier unsichtbar anwesend, es gibt immer eine Verbindung zwischen Interieur und Menschen. Wenn er Menschen porträtiert, betont er bewusst einen gewissen eingefrorenen Rhythmus, stellt das Leben wie eingefroren dar, so bewegungslos wie die Dinge selbst.
Der Höhepunkt des niederländischen Realismus, das Ergebnis der malerischen Errungenschaften der niederländischen Kultur, ist das Werk von Rembrandt. Als echter Holländer hat er keine Angst vor realistischen Details, als großer Künstler weiß er Naturalismus zu vermeiden. In den 30er Jahren begann Rembrandt erstmals, sich ernsthaft mit Grafik, insbesondere Radierung, zu beschäftigen. Das Vermächtnis des Grafikers Rembrandt, der Stiche und einzigartige Zeichnungen hinterließ, ist nicht weniger bedeutend als das bildliche Erbe. Die Radierungen sind meist biblische und evangelische Themen, aber in der Zeichnung wendet er sich als echter niederländischer Künstler oft dem alltäglichen Genre zu. Rembrandt hatte einen großen Einfluss auf die Kunst, er hatte viele Schüler, einige gingen nicht über die äußere Nachahmung des Lehrers hinaus, und die Mehrheit veränderte ihn und wechselte zur Position des Akademismus und der Nachahmung der Flamen und dann der Franzosen. Im letzten Viertel des 17. Jahrhunderts beginnt der Niedergang der niederländischen Malschule, der Verlust ihrer nationalen Identität, und ab Anfang des 18. Jahrhunderts beginnt das Ende der großen Ära des niederländischen Realismus.
17. Jahrhundert zeigte die Welt zwei Kunstschulen - Niederländisch und Flämisch. Beide waren Erben der künstlerischen Traditionen der Niederlande - eines europäischen Landes, auf dessen Territorium sich zu dieser Zeit das katholische Flandern gebildet hatte, benannt nach der bedeutendsten Provinz (heute ist es das Territorium von Belgien und Frankreich). Andere Provinzen, die ihr Festhalten an den Ideen der Reformation verteidigt hatten, vereinigten sich und begannen, die Niederländische Republik oder einfach Holland genannt zu werden. Im 17. Jahrhundert waren in Holland etwa drei Viertel der Bevölkerung städtisch, die Hauptschicht galt als Mittelschicht. Die reformierte Kirche gab den Prunk der Dekoration auf, es gab keine gekrönten Kunden und keinen Stammesadel, was dazu führte, dass Vertreter des Bürgertums zu den Hauptkonsumenten der Kunst wurden. Der zum Malen vorgesehene Raum war auf Bürgerhäuser und öffentliche Gebäude beschränkt.
Die Größe der Gemälde war in der Regel nicht groß (im Vergleich zu Palastgemälden oder Altarkompositionen für Kirchen), und die Handlungen hatten Kammercharakter und zeigten Szenen des privaten Alltags. Die Hauptleistung der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts. - in der Staffeleimalerei. Mensch und Natur waren Beobachtungs- und Darstellungsobjekte niederländischer Künstler. Fleiß, Fleiß, Liebe zur Ordnung und Sauberkeit spiegeln sich in den Gemälden wider, die die niederländische Lebensweise darstellen. Deshalb wurden die niederländischen Meister des 17. Jahrhunderts (mit Ausnahme von Rembrandt und Hals) genannt "kleiner Holländer" ein umfangreicher Kreis niederländischer Maler des 17. Jahrhunderts. entstand im Zusammenhang mit dem Kammercharakter ihrer Arbeit die Kleinformatigkeit ihrer Bilder (Landschaft, Interieur, Alltagsszenen). Die Malerei der Little Dutch zeichnet sich durch die Subtilität der Schrift, die Ausdruckskraft kleiner Details, die Schönheit von Licht- und Farbnuancen, das allgemeine Gefühl von Geborgenheit, Nähe und Einheit von Charakteren in einer Landschaft oder Innenumgebung aus. Unter den meisten prominente Vertreter- Jan Vermeer, die Brüder Ostade (Adrian van O. und Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu).
Die meisten Künstler fanden darin Themen für ihre Bilder Heimatland, nach dem Ratschlag von Rembrandt: „Lernen Sie vor allem, der reichen Natur zu folgen und zeigen Sie vor allem, was Sie darin finden. Himmel, Erde, Meer, Tiere, gut und böse Menschen- alles dient unserer Übung. Ebenen, Hügel, Bäche und Bäume geben dem Künstler genug Arbeit. Städte, Märkte, Kirchen und tausende Naturschätze rufen uns zu und sagen: Geht wissensdurstig, betrachtet uns und reproduziert uns. Die Produktivität der Künstler erreichte unglaubliche Ausmaße, als Folge entstand ein Wettbewerb unter den Malern, der wiederum zur Spezialisierung der Meister führte. Und vielleicht auch deshalb gab es eine vielfältige Differenzierung nach Genres. Es erschienen Künstler, die nur im Genre der Meereslandschaft oder im Genre der Stadtansichten arbeiteten oder die Innenräume von Räumlichkeiten (Räumen, Tempeln) darstellten. In der Geschichte der Malerei gab es Beispiele für Stillleben und Landschaften, aber nie zuvor hatten diese Gattungen einen solchen Massencharakter und eine solche Selbstgenügsamkeit erreicht wie in Holland im 17. Jahrhundert.
Die Niederländer wollten die ganze vielfältige Welt in Bildern sehen. Daher die breite Palette der Malerei dieses Jahrhunderts, die "enge Spezialisierung" auf bestimmte Arten von Themen: Porträt und Landschaft, Stillleben und animalisches Genre. In Holland gab es keine Verbindungen zu Italien und die klassische Kunst spielte keine so große Rolle wie in Flandern. Die Beherrschung realistischer Tendenzen, die Bildung eines bestimmten Themenspektrums und die Einteilung der Gattungen als ein einziger Prozess waren in den 1720er Jahren abgeschlossen.
Die Geschichte der holländischen Malerei im 17. Jahrhundert zeigt perfekt die Entwicklung der Arbeit eines der größten Porträtmaler Hollands Franz Hals(1580-1666) Seine Aktivitäten fanden fast ausschließlich in Harlem statt. Hier wurde er bereits um 1616 zum fortgeschrittenen bedeutenden Porträtmaler befördert und behielt seine Rolle in diesem Bereich bis zu seinem Lebensende. Mit dem Aufkommen von Hals reift das streng realistische und scharf individuelle niederländische Porträt. Alles Schüchterne, Kleinliche, Naturalistische, was seine Vorgänger auszeichnet, wird überwunden.
Die Anfangsphase der Khals-Kunst ist nicht aufgeklärt. Wir sehen sofort, wie der Meister das schwierigste Problem eines Gruppenporträts löst. Er malt ein Bild nach dem anderen, das die Schützen der Aktiengesellschaft St. Adrian und St. George (Harlem, Frans Hals Museum), wo sowohl die Lebhaftigkeit einer überfüllten Versammlung als auch die Helligkeit der Typen jedes einzelnen der Anwesenden mit unnachahmlicher Leichtigkeit vermittelt werden. Das malerische Können und der kompositorische Einfallsreichtum der Gruppierungen gehen bei diesen Porträts Hand in Hand mit der außerordentlichen Schärfe der Charakteristika. Hals ist kein Psychologe: geistiges Leben Seine Modelle gehen normalerweise an ihm vorbei. Ja, und er schreibt zum größten Teil über Menschen, deren ganzes Leben sich unter Bedingungen intensiver, energischer Aktivität abspielt, ohne sich jedoch zu sehr mit Fragen psychologischer Natur zu befassen. Aber Hals fängt wie kein anderer das Aussehen dieser Menschen ein, vermag das Flüchtigste, aber zugleich Charakteristischste im Gesichtsausdruck, in der Körperhaltung, in der Gestik einzufangen. Von Natur aus fröhlich, strebt er danach, jedes Bild in einem Moment der Erweckung und Freude einzufangen, und niemand vermittelt Lachen mit einer solchen Subtilität und Vielfalt wie er. Porträt eines Offiziers (1624, London, Sammlung Wallace), schwankend auf einem Stuhl „Geytgeizen“ (Ende 1630er, Brüssel, Kunstgalerie), „Gypsy“ (Ende 1620er, Louvre) oder der sog "Harlem Witch" - "Malle Bobbe"(Berlin) lassen sich als charakteristische Beispiele seiner scharfen und oft frechen Kunst anführen. Männer, Frauen, Kinder werden von ihm mit dem gleichen Sinn für ein lebendiges Bild dargestellt („ Porträt eines jungen Mannes mit einem Handschuh", OK. 1650, Eremitage). Der Eindruck von Lebendigkeit wird auch durch die Hals-Technik selbst begünstigt, ungewöhnlich frei und über die Jahre in ihrer Breite gewachsen. Die dekorative Brillanz der frühen Arbeiten lässt in der Folge nach, die Farbe wird silbrig, die Freiheit in der Verwendung von Schwarz-Weiß-Tönen spricht von einem Können, das sich kühnen malerischen Wagemut leisten kann.
In den Porträts der Spätzeit (50-60er Jahre) verschwinden sorgloses Können, Energie und Druck. in der Eremitage männliches Porträt Bei aller Beeindruckung der Figur sind Müdigkeit und Traurigkeit zu spüren. Diese Merkmale werden durch ein brillant gemaltes Porträt eines Mannes mit breitkrempigem Hut (Museum in Kassel) noch verstärkt. Hals hört in diesen Jahren auf, beliebt zu sein, weil es nie schmeichelt und sich als fremd herausstellt für den wiedergeborenen Geschmack wohlhabender Kunden, die ihren demokratischen Geist verloren haben. Aber es ist in der Spätphase der Kreativität, dass Hals den Höhepunkt der Meisterschaft erreicht und die tiefgründigste Arbeit schafft. In einigen Arbeiten werden impressionistische Techniken der Farblösung skizziert. Hals malt bis in seine letzten Lebensjahre unzählige Einzelporträts, kehrt aber wieder zu Gruppenporträts zurück. Er malt 2 Porträts - die Regenten und die Regenten eines Pflegeheims, in einem davon hat er selbst am Ende seines Lebens Unterschlupf gefunden. Im Porträt der Regenten gibt es keine Kameradschaft der vorherigen Kompositionen, die Modelle sind uneinig, machtlos, sie haben trübe Aussichten, die Verwüstung steht ihnen ins Gesicht geschrieben. In der düsteren Farbgebung (schwarz, grau und weiß) bringt ein rosaroter Fleck auf dem Knie eines der Regenten eine besondere Spannung. So schafft ein kranker, einsamer und verarmter Künstler im Alter von 9 Jahren seine dramatischsten und handwerklich exquisitesten Werke.
Die Kunst von Hals war für seine Zeit von großer Bedeutung, sie beeinflusste die Entwicklung nicht nur des Porträts, sondern auch der Gattung Alltag, Landschaft, Stillleben.
Landschaftsgenre Holland 17. Jahrhundert besonders interessant. Das ist nicht die Natur im Allgemeinen, ein bestimmtes allgemeines Bild des Universums, sondern das Nationale, nämlich die niederländische Landschaft, die wir im modernen Holland wiedererkennen: die berühmten Windmühlen, Wüstendünen. Der graue Himmel nimmt einen großen Platz in den Kompositionen ein. So wird Holland dargestellt Jan Van Goyen (1596-1656) und Salomon Van Ruysdael (1600-1670).
Der Beginn der Landschaftsmalerei in der niederländischen Schule bezieht sich auf die Mitte. 17. Jahrhundert Der größte Meister der realistischen Landschaft war Jakob van Ruysdael (1628-1682), ein Künstler von unerschöpflicher Fantasie. Seine Werke sind meist voller tiefer Dramatik, seien es Walddickichte („Forest Swamp“), Landschaften mit Wasserfällen („Waterfall“) oder eine romantische Landschaft mit Friedhof („Jewish Cemetery“). Die Natur in Ruisdael erscheint in Dynamik, in ewiger Erneuerung. Auch die schwierigsten Naturmotive erhalten unter dem Pinsel des Künstlers einen monumentalen Charakter. Ruisdael neigt dazu, sorgfältiges Schreiben mit großer lebendiger Integrität zu verbinden, mit dem synthetischen Charakter des Bildes.
Er wurde 1628 oder 1629 in Haarlem geboren. Sein allererstes erhaltenes Werk, datiert 1646, sieht aus wie das Werk eines reifen Meisters – und er war damals erst 18 Jahre alt. Mit voller Zuversicht können wir sagen, dass Ruisdael 1648 Mitglied der Haarlemer Künstlergilde wurde.
In seiner Jugend reiste Ruisdael viel auf der Suche nach der Natur – ohne jedoch seine Heimat Haarlem mehr als hundert Meilen zu verlassen. Mitte der 1650er Jahre zog der Künstler von Haarlem nach Amsterdam, wo er bis zu seinem Lebensende lebte.
Die Metropole Amsterdam zur Zeit von Ruisdael unterschied sich auffallend von der Provinz Haarlem (obwohl die Entfernung zwischen diesen Städten schon damals in zwei Stunden überwunden werden konnte). Ruisdael malte seine Bilder nicht auf Privatauftrag, sondern für den freien Verkauf.Um 1670 zog er ins Zentrum der Stadt, zum Damplatz, wo er eine Wohnung direkt über dem Laden von Hieronymus Sveerts, einem Händler für Gemälde und Bücher, mietete .
Meindert Hobbema(1638, Amsterdam, - 7. Dezember 1709) - nach seinem Mentor Jacob van Ruysdael der bedeutendste Meister der holländischen Landschaft.
Es ist bekannt, dass Hobbema und Ruisdael zusammen reisten und Skizzen nach der Natur anfertigten. Im November 1668 heiratete Hobbema den Bürgermeister von Amsterdam und erhielt durch sie den Posten eines Inspektors für die Qualität importierter Weine. Lange Zeit glaubte man, dass dies das Ende seines Malunterrichts sei.
Er musste dem Malen vielleicht weniger Zeit widmen als zuvor, aber sein bestes Werk, The Alley at Middelharnis, stammt aus dem Jahr 1689, und ein weiteres Londoner Gemälde, The Ruins of Brederode Castle, stammt aus dem Jahr 1671. Diese Spätwerke gehören zu den erfolgreichsten Errungenschaften der holländischen Landschaftsmalerei und markieren im Wesentlichen eine Linie in ihrer Entwicklung.
Der Künstler starb in Armut, aber bereits im 18. Jahrhundert wurde er viel nachgeahmt, und seine Werke wurden zum Gegenstand von Rivalität unter Sammlern. Im Gegensatz zu Ruisdael, der es vorzog, Wildtiere zu fotografieren, fühlte sich Hobbem von ruhigen ländlichen Szenen mit Blick auf sonnendurchflutete Dörfer angezogen, die hier und da durch hoch aufragende Baumgruppen Abwechslung bieten. In dieser ländlichen Idylle ist alles liebevoll ausgeschrieben, besonders das Laub.
In enger Verbindung mit der holländischen Landschaft steht animalisches Genre. Viele Vertreter der Landschaftsmalerei interessieren sich für die Übertragung von Tieren. Letztere entpuppen sich sehr oft als reine Landschaftselemente, für die die Landschaft manchmal nur als Hintergrund dient. Die Fähigkeit, die Rasse eines Tieres, seine Struktur, Farbe und charakteristischen Bewegungen zu identifizieren, ist eine der auffälligsten Eigenschaften der Niederländer. Die Subtilität der Übertragung von Atmosphäre und Licht, kombiniert mit dieser Fähigkeit, erreicht bei einigen Tiermalern eine außergewöhnliche Perfektion. Davon zeugen zahlreiche Werke Paul Potter(1625-1654) und Albert Cuyp(1620-1691). Beide haben zusammen mit Gemälden, die Tiere zeigen, die im Freien grasen oder ruhen (Potter's Farm, Hermitage, 1649), auch einzelne Kopien von ihnen in Nahaufnahme geschrieben. Potter zeigt neben allgemeinen Aufnahmen gerne ein oder mehrere Tiere in Nahaufnahme vor dem Hintergrund einer Landschaft („A Dog on a Chain“). Capes Lieblingsmotiv sind Kühe an der Wasserstelle („Sunset on the River“, „Cows on the Bank of the Stream“). Gemälde „Landschaft mit Herde, Reiter und Bauern“.
Die friedliche ländliche Szenerie ist in den goldenen Schein des Sonnenuntergangs getaucht. Warmes Licht durchdringt jedes Detail der Komposition und erzeugt einen leuchtenden Effekt. Dadurch unterscheidet sich die Farbe des Capes auffallend von den kalten Blau- und Grüntönen seiner Zeitgenossen, wie z Meindert Hobbema. Die scheinbare Zufälligkeit der Anordnung der Tiere wird tatsächlich sorgfältig bedacht, um das Spiel von Licht und Schatten zu zeigen.
Cape gehört aber auch zu den ersten Orten unter den Vertretern einer reinen Landschaft. Seine Gemälde zeichnen sich durch eine außergewöhnliche Fähigkeit aus, goldenes Sonnenlicht zu vermitteln, äußerst unterschiedliche Motive und umfassen viele Yachthäfen (Meerblicke).
Nur Meereslandschaft(Marina) war verlobt Jan Porcellis(1584-1632). Marina spielte im 17. Jahrhundert eine sehr wichtige Rolle in der holländischen Kunst und brachte eine Reihe erstklassiger Spezialisten hervor. Der allgemeine Verlauf der Entwicklung des Jachthafens scheint dem zu entsprechen, was allgemein in der Geschichte der niederländischen Landschaft beobachtet wird. In einem frühen Stadium sind Kompositionen einfach. Der Künstler sieht sein Ziel erreicht, wenn er die Weite des Meeres, die darauf schaukelnden Schiffe und mit größter Wahrscheinlichkeit das Wasser selbst wiedergibt. So schreibt Jan Porcellis. In der nächsten Generation ändert sich die Art der Übertragung mariner Arten hin zu einer größeren Dynamik. Nach wie vor werden jedoch Gemälde geschaffen, die die Ruhe des Elements Wasser darstellen, aber das reicht jetzt nicht aus; Stürme beginnen, Schiffe auf die Felsen zu werfen, riesige Wellen bedrohen sie mit dem Tod und treiben Seeleute dazu, im Hafen Zuflucht zu suchen. In beiden Fällen gibt es für Backhuizen (1631-1709) keine Schwierigkeiten. Sein Pinsel mit der gleichen Virtuosität vermittelt die Wolkenlosigkeit des Himmels, Wirbelstürme, Gischt, Felsen und Spuren von Wracks.
Brillante Entwicklung erreicht ein Stillleben. Das niederländische Stillleben ist im Gegensatz zu den flämischen in Größe und Motiv bescheiden für Gemälde intimer Natur. Peter Klasse (1597-1661), Willem Kheda(1594-1680) porträtierte am häufigsten die sogenannten. Frühstück: Gerichte mit Schinken oder Kuchen auf einem relativ bescheiden gedeckten Tisch. In einem geschickten Layout werden Gegenstände so dargestellt, dass man gleichsam das Innenleben der Dinge spüren kann (nicht umsonst nannten die Niederländer das Stillleben „still lev“ – „stilles Leben“ und nicht „nature morte“ – „tote Natur“). Die Farbgebung ist zurückhaltend und raffiniert (Heda „Frühstück mit Hummer“, 1658; Klasse „Stillleben mit Kerzen“, 1627)
Willem Heda arbeitete in Haarlem und wurde von Pieter Claesz beeinflusst. Die bescheidenen Stillleben „Frühstücke“ von Head, die in der Regel ein kleines Set von Haushaltsutensilien und eine Mahlzeit darstellen, zeichnen sich durch feine Handwerkskunst aus, um die Textur der Dinge zu vermitteln, eine dezente silbergrüne oder silberbraune Farbe ( „Frühstück mit Brombeerkuchen“, 1631, Gemäldegalerie, Dresden; „Schinken und Tafelsilber“, 1649, Staatliches Museum Bildende Kunst, Moskau).
Mit der Veränderung im Leben der holländischen Gemeinde in der 2. Hälfte. Im 17. Jahrhundert, mit dem allmählich zunehmenden Wunsch des Bürgertums nach Aristokratisierung und dem Verlust seiner einstigen Demokratie, verändert sich auch das Wesen des Stilllebens. Khedas „Frühstücke“ werden durch üppige „Desserts“ ersetzt Willem Kalf (1619-1693). Einfache Utensilien werden durch Marmortische, Teppichtischdecken, Silberpokale, Perlmuttschalen und Kristallgläser ersetzt. Kalf erreicht eine erstaunliche Virtuosität darin, die Textur von Pfirsichen, Trauben und Kristalloberflächen zu vermitteln. Der einheitliche Ton der Stilleben der früheren Zeit wird durch eine reiche Abstufung der schönsten Farbtöne ersetzt.
Niederländischer Maler. 1640-1645 arbeitete er in Frankreich, ab 1653 in Amsterdam. In der Zukunft lebte und arbeitete Willem Kalf hauptsächlich in Amsterdam. Die tiefen, satten Farben seiner Gemälde dieses Stilllebenmalers könnten auf den Einfluss des Schaffens seines Zeitgenossen Jan Vermeer zurückzuführen sein. Einer der größten Meister Niederländische Schule Stillleben malte Kalf sowohl bescheidene Gemälde, die auf ärmlichen Küchen und Hinterhöfen basieren („Hof eines Bauernhauses“, Staatliches Eremitage-Museum, St. Petersburg), als auch spektakuläre Kompositionen mit kostbaren Utensilien und exotischen Südfrüchten („Frühstück“, Staatliches Museum, Amsterdam ; "Still Life", State Hermitage Museum, St. Petersburg). Kalfs Virtuosität als Stilllebenmaler manifestierte sich in der klassischen Verfeinerung räumlicher Konstruktionen, einem subtilen Sinn für die Originalität und den Eigenwert jedes Dings, der Raffinesse und dem Reichtum von Licht und Schatten und Farbbeziehungen und dem spektakulären kontrastierenden Vergleich verschiedener Texturen und Materialien.
"Stilleben mit Hummer, Weinhorn und Gläsern." Die Sammlung exotischer und luxuriöser Objekte, die auf dem Tisch ausgelegt sind, ist mit brillanter Handwerkskunst und einem tiefen Sinn für Farbe bemalt. Ein Hummer, ein Weinhorn mit glitzerndem filigranen Silberrahmen, durchsichtige Gläser, eine Zitrone und ein türkischer Teppich sind mit so verblüffender Sorgfalt gemalt, dass man sie mit der Hand anfassen kann. Der Ort, an dem die einzelnen Artikel platziert werden, wird so sorgfältig ausgewählt, dass die Gruppe als Ganzes eine Harmonie von Farbe, Form und Textur bildet. Das warme Licht, das die Objekte umhüllt, verleiht ihnen die Würde von kostbarem Schmuck, und ihre Seltenheit, Pracht und Skurrilität spiegeln den raffinierten Geschmack niederländischer Sammler im 17. Jahrhundert wider – einer Zeit, in der Stillleben außerordentlich beliebt waren.
Holländisches Stillleben- eine der künstlerischen Realisierungen des wichtiges Thema Niederländische Kunst - Themen Privatsphäre gewöhnlicher Mensch. Dieses Thema wurde vollständig in verkörpert Genremalerei. In den 20-30er Jahren. 17. Jahrhundert Die Niederländer schufen eine besondere Art der Kleinfigurenmalerei. 40-60er - das Aufblühen der Malerei, das ruhige Bürgerleben Hollands verherrlichend, gemessener Alltag. Auch im Umkreis von Hals, wo sich auch der flämische Maler Adrian Brouwer entwickelte, bildete sich ein ausgeprägtes Interesse an Themen aus dem bäuerlichen Leben heraus. Adrian van Ostade(1610-1685) - war das größte seiner bildnerischen Qualitäten in der Darstellung des bäuerlichen Lebens. Er porträtiert meist seine Schattenseiten („Kampf“) Wie seine anderen Vertreter nähert er sich seinen Themen meist ganz im Sinne der Ideologie der herrschenden Klasse und idealisiert entweder die Realität oder sieht in den Bauern nur komische Wesen, deren Bräuche Anlass geben Lachen und Witze. („In einer Dorfschenke“ 1660).
Seine Kunst nimmt in späterer Zeit lyrische Züge an, und die früheren Handlungen werden durch Bilder friedlicher Ruhe auf der Schwelle einer Hütte oder im Hof einer Dorfschenke sowie durch Innenräume mit Szenen stiller Familienbehaglichkeit ersetzt („Country Konzert“, 1655, Eremitage). Neben solchen kleinfigurigen Gemälden malte Ostade oft mehr Nahaufnahme streng realistische Halbfiguren von Vertretern verschiedener Handwerke. Zu Recht gilt Ostades Gemälde „Der Maler im Atelier“ (1663) als Meisterwerk der Malerei, in dem der Künstler die menschliche Arbeit verherrlicht, ohne dabei auf Deklaration oder Pathos zurückzugreifen.
Aber Hauptthema„Kleine Holländer“ sind immer noch kein Bauern-, sondern ein Bürgerleben. Normalerweise sind dies Bilder ohne spannende Handlung. In den Gemälden dieses Genres scheint nichts zu passieren. Eine Frau liest einen Brief, ein Herr und eine Dame musizieren. Oder sie haben sich gerade kennengelernt und m/sie haben ein erstes Gefühl, aber das ist nur angedeutet, dem Betrachter wird das Recht eingeräumt, selbst zu spekulieren. Der unterhaltsamste Geschichtenerzähler in Bildern dieser Art war Jan Stan(1626-1679). Im Gegensatz zu den meisten seiner Zeitgenossen ist Stan die Geschichte nicht gleichgültig. Er ordnet in seinen Bildern dem narrativen Anfang zu bedeutende Rolle und schildert gerne gewisse unterhaltsame Szenen aus dem Alltag des Kleinbürgertums. Darin offenbart der Meister eine scharfe Beobachtungsgabe, charakterisiert treffend die Typen und erzählt die von ihm gewählten Episoden mit subtil heiterem Humor. Das Gemälde „Die Kranke und der Arzt“ (um 1660, Eremitage) weist auf ihn hin. In der späten Schaffensperiode von Sten verlieren diese Züge ihre Schärfe, und er begibt sich, dem allgemeinen Trend folgend, auf den Weg der Kunst, eleganter und den Problemen einer rein visuellen Wahrnehmung der realen Welt gewidmet.
Großes Geschick erreicht Gerhard Terborsch(1617-1681). Er begann mit den demokratischsten Fächern ("Grinders"). Er zeichnete sich durch die äußerste Fähigkeit aus, Seide und Satin, die Transparenz von Glasbechern und die Oberfläche von allem darzustellen. Terborchs Figuren zeichnen sich sehr oft durch ein bekanntes aristokratisches Erscheinungsbild aus, was sich durch seine Wahl von Vorbildern aus dem Umfeld des Adels erklärt. Die Raffinesse von Terborchs Kunst liegt vor allem an der Farbe, die von exquisiten Silbertönen dominiert wird. Zu den besten Gemälden des Künstlers gehören „Ein Glas Limonade“ (Eremitage) und „Konzert“ (Berlin, Dahlem).
Besonders poetisch wird das Interieur bei den kleinen Holländern. Das Leben der Holländer spielte sich hauptsächlich im Haus ab. Der eigentliche Sänger dieses Themas war Peter de Hooch(1629-1689). Der Scheincharakter der Übertragung von Dingen tritt bei diesem Meister in den Hintergrund und das Interesse richtet sich auf die Entwicklung räumlicher Beziehungen, insbesondere auf die Darstellung von Innenräumen sowie der dahinter mündenden Höfe und Straßen („Die Herrin mit ein Diener“, die Eremitage, um 1660). seine zimmer mit halboffenem fenster mit versehentlich geworfenen schuhen oder einem liegengelassenen besen sind in der regel ohne menschliche figur dargestellt, aber menschen sind hier unsichtbar anwesend, es gibt immer eine verbindung zwischen dem innenraum und den menschen. Wenn er Menschen porträtiert, betont er bewusst den eingefrorenen Rhythmus, stellt das Leben wie eingefroren dar, so bewegungslos wie die Dinge selbst ("Yard").
Der langsame Rhythmus des Lebens, die Genauigkeit des Tagesablaufs, eine gewisse Monotonie des Daseins vermittelt perfekt Gabriel Metsu(1629-1667; "Frühstück"). Im allgemeinen Charakter seiner Genrebilder ist er Terborch nahe, aber heller in den Farben.
Eine neue Stufe der Genremalerei beginnt in den 50er Jahren und ist mit der sogenannten. Delfter Schule, mit dem Namen solcher Künstler wie Karel Fabricius, Emmanuel de Witte und Jan Vermeer(1632-1675), in der Kunstgeschichte als Vermeer von Delft bekannt (Spitzname nach dem Ort seiner Tätigkeit). Die Kunst von Vermeer von Delft gehört in die Spätzeit der Entwicklung Hollands. Die Generation der heroischen, aber unhöflichen Kämpfer für die Unabhängigkeit und der nüchternen Geschäftsleute - Organisatoren der kapitalistischen Wirtschaft - gehörte der Vergangenheit an. Ihre Enkel betraten die historische Arena, die die erworbenen Vorteile sicher nutzen konnten. Unter diesen Bedingungen nimmt eine lebendige, fröhliche Kunst der letzten Phase der Blütezeit der niederländischen Republik Gestalt an.
Zu dieser besonderen Zeit gehört die ausgereifte, durchdringende und zugleich trotz aller Raffinesse der Technik klare und einfache Kunst des Delfter Vermeer. Es gibt nur wenige authentische Werke von Vermeer, nur wenige Museen haben kleine und immer kostbare Gemälde des Delfter Meisters. Vermeers Themen sind mehr oder weniger traditionell; Brieflesende junge Frauen, sticken, in Begleitung eines Herrn, Malerin vor Staffelei, ein Mädchen, das einfach am Fenster träumt („Mädchen mit Brief“, Dresden; „Der Kavalier und die Dame am Spinett“ , etc.) - mit einem Wort alles, was von niederländischen Malern mehr als einmal dargestellt wurde. Inhaltlich hat Vermeer im engeren Sinne des Wortes nichts Originelles. Nur in seltenen Fällen wendet er sich unterhaltsamen Handlungssträngen zu und bringt ein Element der Handlung in die Komposition ein („Beim Heiratsvermittler“, 1656, Dresden). Alle seine Bilder haben jedoch einen ganz individuellen Charakter. In allen Charakteren, die er porträtiert, liegt eine Art Licht und leichte Poesie, und neben dieser Poesie und Weichheit prägt all seine Werke ein besonderes Gefühl strenger Einfachheit, etwas wirklich Klassisches.
Vermeer ist zweifellos einer der größten Koloristen in der Geschichte der westeuropäischen Kunst. Nicht nur sein feiner Geschmack in der Wahl der Farben, sondern auch die Fähigkeit, deren Beziehung zueinander zu finden, machen Vermeer zu einem der raffiniertesten Farbmeister. Mit viel Augenmaß und Fingerspitzengefühl kombiniert er Zitronengelb, Blau, Violett in den unterschiedlichsten Schattierungen, Scharlachrot und Hellgrün zu einer klangvollen Klangpalette. Im Werk von Vermeer aus Delft fand das traditionelle niederländische Kunstproblem des Lichts seine perfekteste Lösung. Schillerndes Perlmuttlicht ist eines der charakteristischsten Merkmale der Gemälde des Delfter Meisters. Es besteht auch kein Zweifel, dass Vermeer aus Delft einer der versiertesten Techniker seiner Zeit war. Seine wenigen Gemälde sind in einer reichen und abwechslungsreichen Textur geschrieben. Seine Methode des Farbauftrags, die die spätere Technik der Impressionisten vorwegnahm, ermöglichte es Vermeer selbst, die lichtumhüllenden Gegenstände in ihrer ganzen malerischen Konkretheit darzustellen. Das Licht in Vermeers Gemälden ist nicht nur ein transparentes Medium, sondern Luft, reich an subtilen Übergängen silbriger Töne.
Wermeer tat, was niemand sonst im 17. Jahrhundert tat: er malte Landschaften nach der Natur („Straße“, „Blick auf Delft“). Sie können als die ersten Beispiele der Freilichtmalerei bezeichnet werden. Ausgereift, klassisch in ihrer Einfachheit, war die Kunst von Vermeer von großer Bedeutung für zukünftige Epochen.
Der Höhepunkt des holländischen Realismus, das Ergebnis der malerischen Errungenschaften der holländischen Kultur des 17. Jahrhunderts. ist das Werk von Rembrandt. Aber der Wert von R., wie jeder brillanter Künstler, geht über die niederländische Kunst und die niederländische Schule hinaus. Rembrandt nimmt einen zentralen Platz in der niederländischen Schule der Ära ihrer höchsten Blüte ein und hebt sich noch immer von den zahlreichen Künstlern seiner Heimat ab. Sie blieben der Breite von Rembrandts künstlerischen Interessen und der tiefen Psychologik seines Schaffens fremd.
Harmensz van Rijn Rembrandt wurde 1606 in Leiden als Sohn eines wohlhabenden Mühlenbesitzers geboren. Schon früh entdeckte er eine Anziehungskraft zur Malerei und widmete sich nach einem kurzen Aufenthalt an der Universität Leiden ganz der Kunst. Am Ende der üblichen dreijährigen Studienzeit bei dem unbedeutenden einheimischen Künstler Jacob Swannenburg ging Rembrandt zur Besserung nach Amsterdam, wo er Schüler von Lastman wurde. Letzter Mann, geschickter Handwerker, der in Italien studierte, machte Rembrandt mit der Wirkung von Hell-Dunkel bekannt, das verwendet wird, um Volumen zu vermitteln und die Dramatik der Handlung zu enthüllen. Diese Technik wird zur Hauptsache in der Arbeit des Künstlers. In den folgenden Jahren arbeitete Rembrandt in Leiden und erlangte den Ruf eines Meisters biblischer und mythologischer Szenen. Daher werden üblicherweise die Jahre 1625–1632 genannt. Leidener Zeit seines Schaffens.
1632 zog er nach Amsterdam, wo er durch die Niederschrift von „The Anatomy Lesson of Dr. Tulp“ sofort Berühmtheit erlangte. Die 30er Jahre sind die Zeit des höchsten Ruhms, der Weg zum kt wurde dem Maler durch dieses Bild geöffnet, das als Gruppenporträt gilt und einen anderen Namen „Anatomiestunde“ trägt. Auf dieser Leinwand sind Menschen durch Aktion vereint, alle sind in natürlichen Posen dargestellt, ihre Aufmerksamkeit wird auf die Hauptfigur gelenkt - Dr. Tulp, der die Struktur der Muskeln in einer Leiche demonstriert. Er lebt beim Kunsthändler Hendrick van Uylenborch, der ihn bevormundet, Aufträge für Porträts vermittelt, was dem jungen Künstler den Ruf eines modisch erfolgreichen Meisters verschafft. 1634 heiratete Rembrandt erfolgreich Hendriks Nichte Saskia, und 1639 erwarb er zusammen mit seiner Frau ein prächtiges Haus in der Hauptstadt. Bis in die frühen 1640er Jahre. Er genießt große Erfolge bei Kunden, dies ist die Zeit seines persönlichen Wohlbefindens. In dem berühmten Meisterwerk dieser Zeit – „Selbstbildnis mit Saskia auf den Knien“ (um 1635, Gemäldegalerie, Dresden) stellte Rembrandt sich mit seiner jungen Frau an der festlich gedeckten Tafel dar. Sanfte Überflutungen von Goldtönen, Lichtstrahlen, die das Bild durchdringen, vermitteln die fröhliche Stimmung eines jungen und erfolgreichen Künstlers und seiner Frau voller Hoffnungen und Träume.
Diese ganze Zeit ist mit Romantik bedeckt. Der Maler sucht in seinem Werk gleichsam gezielt die Flucht aus dem langweiligen bürgerlichen Alltag. Er malt sich und Saskia in luxuriösen Outfits, in fantastischen Outfits und Kopfbedeckungen, schafft spektakuläre Kompositionen, in allem, in Posen, in Bewegungen, überwiegt das Gemeinsame – die Freude am Sein. (Saskia als Flora). Die Sprache des Barock kommt dieser Hochstimmung am nächsten. Rembrandt ist in dieser Zeit stark vom italienischen Barock beeinflusst.
In komplexen Winkeln erscheinen die Figuren des Gemäldes „Die Opferung Abrahams“ (1635) vor uns. Das Bild zeichnet den Geisteszustand Abrahams nach, der mit dem plötzlichen Erscheinen eines Engels weder Zeit hatte, die Freude über die Befreiung von einem schrecklichen Opfer noch Dankbarkeit zu empfinden, sondern bisher nur Müdigkeit und Verwirrung empfindet.
Rembrandt widmete Radierung (Stich) und Zeichnung immer große Aufmerksamkeit und wurde bald zum größten Meister der grafischen Technik in Europa. Die von ihm in Radierungstechnik ausgeführten Porträts und Landschaften, alltägliche und religiöse Szenen zeichneten sich durch die Neuheit der künstlerischen Techniken, den tiefen Psychologismus der Bilder, den Reichtum des Hell-Dunkels, die Ausdruckskraft und die Lakonik der Linien aus. Ungefähr zweitausend Zeichnungen von Rembrandt sind uns überliefert. Darunter sind vorbereitende Skizzen, Skizzenzeichnungen für Gemälde, Skizzen von Szenen des Alltags und Ideen, die seiner Fantasie entspringen.
An der Wende der frühen Schaffensperiode erscheint eines seiner berühmtesten Gemälde "Nachtwache" - ein Gruppenporträt der Schützengilde. Aber Gruppenportier ist der formale Name des Produkts, der sich aus dem Wunsch der Kunden ergibt. In Die Nachtwache geht Rembrandt das für die niederländische Kunst traditionelle Genre des Gruppenporträts neu an. Das Gemälde (1642, Rijksmuseum, Amsterdam) ist ein Gruppenporträt der Mitglieder der Schützengilde von Kapitän Banning Cock und wurde vom Künstler als echte Straßenszene gelöst. Rembrandt gab die damals akzeptierte statische Anordnung aller Beteiligten auf und schuf eine Szene voller Bewegung. Die Kontraste von Licht und Schatten, die Emotionalität der Malerei vermitteln die Spannung des Geschehens. Das Bild nimmt historischen Charakter an und erzählt von mutigen Menschen, die bereit sind, die Freiheit und nationale Unabhängigkeit ihres Heimatlandes mit Waffen in der Hand zu verteidigen. Die Kunden haben die Absicht des Künstlers nicht verstanden, und ausgehend von diesem Bild wird sich der Konflikt mit der vorherrschenden Umgebung verschärfen, aber die Energie des Meisters nicht verringern, und Rembrandt wird weiterhin realistische Leinwände schaffen, die sich durch ihre emotionale Wirkung auszeichnen . Spektakuläre, zweifellos etwas theatralische, freie Komposition, wie bereits erwähnt, zielte nicht darauf ab, jeden der Kunden zu repräsentieren. Viele Gesichter werden in scharfem Hell-Dunkel einfach schlecht „gelesen“, bei Kontrasten von dicken Schatten und hellem Sonnenlicht kommt eine Distanzierung zum CT heraus (im 19. Jahrhundert verdunkelte sich das Bild so sehr, dass es als Bild einer Nachtszene galt, daher der falsche Name Hauptmann auf der hellen Kleidung des Leutnants beweist, dass es nicht Nacht, sondern Tag ist). Das Auftauchen von Fremden in dieser Szene, insbesondere eines kleinen Mädchens in einem goldgelben Kleid, erschien dem Betrachter unverständlich und absurd. Alles hier verursachte Verwirrung und Irritation der Öffentlichkeit, und wir können sagen, dass mit diesem Bild der Konflikt zwischen dem Künstler und der Gesellschaft beginnt. Mit dem Tod Saskias im selben Jahr vollzieht sich Rembrandts natürlicher Bruch mit den ihm fremden bürgerlichen Kreisen.
Rembrandts realistische Fähigkeiten vertieften sich im Laufe der Jahre. Er verzichtet auf überflüssige Details und dekorative Effekte zugunsten von mehr Tiefe und emotionaler Intensität. künstlerisches Bild. Einen sehr großen Platz im Schaffen des Künstlers nimmt ein Kammerportrait ein. Rembrandt offenbart das spirituelle Leben eines Menschen, als ob es in Zeit und Raum bestehen würde. Dies ist eine Art Portrait-Biografie. Solche sind zum Beispiel „Porträt einer alten Frau“, „Hendrikje am Fenster“, „Titus lesend“, Porträts der Freunde des Künstlers N. Breining, J. Six, zahlreiche Selbstporträts (mehr als hundert in Öl und Kohle).
40-50er - Dies ist die Zeit der schöpferischen Reife. Dies ist die Zeit der Hinzufügung seines kreativen Systems, von dem vieles der Vergangenheit angehören und neue, unschätzbare Qualitäten erworben werden. In dieser Zeit greift er oft auf alte Werke zurück, um sie neu zu gestalten. Dies war bei Danae der Fall, das er bereits 1636 malte. In den 40er Jahren wandte sich der Künstler der Malerei zu emotionaler Zustand. Er schrieb den Mittelteil mit der Heldin und dem Dienstmädchen um. Er gab Danae eine neue Geste einer erhobenen Hand und sagte ihr große Aufregung, einen Ausdruck von Freude, Hoffnung, einen Appell. Licht spielt eine große Rolle: Der Lichtstrom umhüllt sozusagen die Figur von Danae, sie strahlt vor Liebe und Glück, dieses Licht wird als Ausdruck menschlicher Gefühle wahrgenommen.
In den frühen 50er Jahren schafft der Künstler ein Meisterwerk nach dem anderen. Er war bereits aus der Mode gekommen, aber reiche Kunden wurden nicht übersetzt.
In diesen Jahren wählt er zur Interpretation die lyrischsten, poetischsten Aspekte der menschlichen Existenz, des Menschlichen, das ewig und allmenschlich ist: Mutterliebe, Mitgefühl. Das größte Material gibt ihm heilige Bibel, und daraus - Szenen aus dem Leben der Heiligen Familie. Religiös in seiner Thematik, aber rein genrehaft in seiner Interpretation der Handlung, ist das Eremitage-Gemälde Die Heilige Familie (1645) äußerst charakteristisch für diese Zeit.
Neben Kompositionen biblischen Genres ist diese Zeit für Rembrandt reich an einer neuen Art der Darstellung der Realität - Landschaften. Teilweise seinen romantischen Neigungen Tribut zollend, entstehen dabei Bilder eines schmucklosen holländischen Dorfes, die durch eine streng realistische Herangehensweise bestechen. Die kleine „Winteransicht“ (1646, Kassel), die einen Bauernhof im Licht eines klaren, frostigen Tages und mehrere Figuren auf der glatten Oberfläche eines zugefrorenen Kanals darstellt, ist eines der vollkommensten Beispiele der holländischen realistischen Landschaft in Bezug auf der Subtilität des Gefühls und der Wahrhaftigkeit der visuellen Wahrnehmung.
Trotz der Größe und des künstlerischen Werts dessen, was in dieser Zeit geschaffen wurde, erwies sich Rembrandts finanzielle Situation Mitte der 1650er Jahre als äußerst schwierig. Aufgrund des Rückgangs der Auftragszahlen, des schwierigen Gemäldeabsatzes und insbesondere der Nachlässigkeit des Meisters in der Führung seiner Geschäfte geriet Rembrandt in große finanzielle Schwierigkeiten. Die Schulden, die mit dem Erwerb eines teuren Hauses zu Saskias Lebzeiten verbunden waren, drohten völlig zu ruinieren. Der Versuch, aus der Verschuldung herauszukommen, konnte die Katastrophe nur verzögern, aber sie brach trotzdem aus. Im Sommer 1656 wurde Rembrandt für bankrott erklärt und sein gesamter Besitz wurde versteigert. Seiner gewohnten Wohnung beraubt, war er gezwungen, mit seiner Familie in das ärmliche jüdische Viertel der Handelshauptstadt zu ziehen, und hier vergingen seine letzten Tage in einem akut empfundenen Mangel.
Diese Widrigkeiten, ebenso wie die Unglücke, die Rembrandt später widerfuhren – der Tod von Hendrick, der Tod seines einzigen Sohnes Titus – konnten das weitere Wachstum seines Genies nicht aufhalten.
Das Ende der 1650er und 1660er Jahre sind die tragischsten Jahre in R.s Leben, aber sie sind voll von Rembrandts Schaffenstätigkeit von grandioser Kraft. Es stellt gleichsam eine Synthese all seiner bisherigen psychologischen und bildnerischen Recherchen dar. In diesen Bildern ist alles von Flüchtigem, Zufälligem befreit. Details sind auf ein Minimum reduziert, Gesten, Körperhaltungen, Kopfneigung sorgfältig durchdacht und verstanden. Die Figuren sind vergrößert, nahe der vorderen Ebene der Leinwand. Selbst kleinformatige Werke dieser Jahre erwecken den Eindruck von außergewöhnlicher Erhabenheit und wahrer Monumentalität. Hauptsächlich Ausdrucksmittel ist Licht und Linien. Richtiger wäre es, über den verstorbenen R. zu sagen, dass seine Farbe „leuchtend“ ist, denn in seinen Leinwänden sind Licht und Farbe eins, seine Farben scheinen Licht auszustrahlen. Dieses komplexe Zusammenspiel von Farbe und Licht ist kein Selbstzweck, es schafft eine bestimmte emotionale Umgebung und psychologische Eigenschaften des Bildes.
Bei Porträts ist Rembrandt nun freier in der Wahl der Modelle und malt meist Gesichter mit ausgeprägter Individualität. Dies sind vor allem ältere Frauen und alte Juden. Aber mit der gleichen Schärfe vermag er den Charme eines Jungen zu vermitteln weibliches Gesicht oder der Charme eines jugendlichen Aussehens. Alles Kleinliche in diesen Porträts weicht einer verallgemeinerten, aber zugleich ungewohnt scharfen Bilddarstellung. Dies wird maßgeblich durch die zunehmende Breite der technischen Ausführung erleichtert.
Das letzte in der Geschichte des Gruppenporträts war das Bild von Rembrandt vom Ältesten des Tuchladens - dem sogenannten. "Syndiker" (1662, Amsterdam). zu Recht als einer der Höhepunkte von Rembrandts Werk angesehen wird). Ein scharfes psychologisches Merkmal, eine Einfachheit der Konstruktion, die die Unfehlbarkeit des Rhythmus von Linien und Massen verbirgt, sowie eine in der Anzahl der Farben geizende, aber intensive Farbgebung fassen den gesamten bisherigen Weg von Rembrandt als Porträtmaler zusammen.
In den Jahren der Reife (50er Jahre) schuf Rembrandt seine besten Radierungen. Unterscheidende Rembrandt-Tiefe psychologische Analyse, der expressive Realismus der Bilder und die Perfektion der künstlerischen Technik spiegeln sich in einer langen Reihe wunderbarer Blätter wider, die thematisch noch vielfältiger sind als die Malerei des Meisters. Zu den bekanntesten gehören "Christus heilt die Kranken" (das sogenannte "Hundertflorinblatt", um 1649), "Drei Kreuze" (1653), Porträts von Lutma (1656), Haring (1655), Six (1647) sowie die Landschaften, die als Die drei Bäume (1643) und Das Anwesen des Goldwägers (1651) bekannt sind.
Nicht weniger bedeutsamer Ort Rembrandts grafisches Erbe ist von Zeichnungen besetzt. Die Schärfe und Originalität von Rembrandts Wahrnehmung der Umwelt spiegelte sich in diesen zahlreichen und unterschiedlichen Blättern mit besonderer Eindringlichkeit wider. Die Art des Zeichnens entwickelt sich wie die malerische Art Rembrandts merklich weiter kreative Entwicklung Meister. Waren Rembrandts frühe Zeichnungen detailliert ausgearbeitet und eher komplex in der Komposition, so führte er sie in seiner reiferen Zeit in einer breiten bildnerischen Weise aus, ungewöhnlich prägnant und einfach. Rembrandt zeichnete meist mit einer Gänse- oder Rohrfeder und konnte mit Hilfe einfachster Techniken eine außergewöhnliche Ausdruckskraft erreichen. R. hinterließ 2000 Zeichnungen. Seine Zeichnungen, selbst wenn es sich um winzige Skizzen eines gewöhnlichen Motivs handelt, sind ein vollständiges Ganzes, das die ganze Vielfalt der Natur widerspiegelt.
Als Epilog der Arbeit von R. kann sein grandioses Gemälde „Die Rückkehr“ angesehen werden verlorene Sohn“ (um 1668-1669, die Eremitage), in der sich die ästhetische Höhe und bildnerische Fertigkeit des Künstlers mit größter Vollständigkeit manifestierte. Das Gleichnis des Evangeliums über einen jungen Mann, der sein Zuhause verließ, sein Vermögen verprasste und elend, zerlumpt, gedemütigt zu seinem Vater zurückkehrte, füllt den Künstler mit einem zutiefst menschlichen Inhalt. Die edle Idee der Liebe zu einem leidenden Menschen offenbart sich hier in Bildern, die in ihrer lebensnahen Überzeugungskraft bestechen. Das Gesicht des alten halbblinden Vaters und die Geste seiner Hände drücken unendliche Freundlichkeit aus, und die Gestalt des Sohnes in schmutzigen Lumpen, der sich an seinen Vater klammert, ist aufrichtige und tiefe Reue. Vielleicht ruft kein anderes Gemälde von Rembrandt so viele tiefe und mitfühlende Gefühle hervor. Rembrandt lehrte seine Zuschauer Liebe und Vergebung. Später im letzten Jahren und Monaten fließt Rembrandts Leben ruhig nach außen. Er überlebte Hendrickje und Titus und starb am 4. Oktober 1669.
R. hatte großen Einfluss auf die Kunst. Es gab keinen Maler in Holland, der nicht den Einfluss eines großen Künstlers erlebte, von dem Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckgout (1621-1674) und Art de Gelder (1645-1727) am bekanntesten wurden. Obwohl sie die Themen, Kompositionstechniken und Lehrertypen beherrschten, gingen sie in ihrer Figurenmalerei dennoch nicht über die äußerliche Nachahmung von Rembrandts Techniken hinaus. Der lebendige Einfluss des Meisters hingegen wirkte sich definitiv auf die zahlreichen Landschaftsmaler seiner Umgebung aus - Philips Koninck (1619-1688), Doomer (1622-1700) und andere. Aber die Mehrheit verriet ihn und bewegte sich auf die Position des Akademismus und der Nachahmung der damals modischen Flamen und dann der Franzosen.
Wie so oft in der Kunstgeschichte starb Rembrandt trotz seines brillanten Talents in Armut und Einsamkeit, ein vergessener, nutzloser Meister. Doch je weiter die Zeit vergeht, desto wertvoller wird in den Augen der Menschheit das Vermächtnis des Künstlers. Man kann ohne Übertreibung sagen, dass Rembrandt einer der größten ist die größten Künstler in der Geschichte der Weltkunst. Viele würden es als unübertroffen bezeichnen. Rembrandts Grab ist verloren, aber sein Werk wird Jahrhunderte überdauern.
Im letzten Viertel des 17. Jahrhunderts Der Niedergang der niederländischen Malerei beginnt, der Verlust ihrer nationalen Identität, und von Anfang an. 18. Jahrhundert das Ende der großen Ära des holländischen Realismus kommt.
Holländische Malerei - Gemälde des 17. Jahrhunderts
Ein wesentliches Merkmal der niederländischen Kunst war die starke Verbreitung aller ihrer Arten von Malerei. Vertreter der höchsten Macht, arme Bürger, Handwerker und Bauern schmückten ihre Häuser mit Gemälden. Sie wurden auf Auktionen und Messen verkauft; Künstler benutzten sie manchmal sogar, um Rechnungen zu bezahlen.
Straße im Wald, Meindert Hobbema, 1670
Es gab viele Maler, und es gab eine ziemlich harte Konkurrenz, da der Beruf des Künstlers weit verbreitet war. Nicht viele konnten von der Malerei leben. Die meisten Künstler mussten am meisten leisten verschiedene Arbeiten: Jacob van Ruisdael war Arzt, Meindert Hobbema arbeitete als Verbrauchsteuerbeamter und Jan Steen war Gastwirt.
Im 17. Jahrhundert entwickelte sich die niederländische Malerei schnell, nicht nur aufgrund der wachsenden Nachfrage für diejenigen, die ihre Häuser mit Gemälden schmücken wollten, sondern auch aufgrund der Tatsache, dass sie begannen, als Ware, Spekulationsmittel und Quelle von Kunst angesehen zu werden profitieren. Der Künstler war völlig abhängig von den Markttrends und befreite sich von direkten Kunden wie einflussreichen Mäzenen (Feudalherren) und der katholischen Kirche. Die Entwicklungspfade der niederländischen Gesellschaft wurden bestimmt, und die Künstler, die sich ihnen widersetzten und ihre kreative Unabhängigkeit verteidigten, wurden isoliert und starben vorzeitig in Einsamkeit und Armut. In den meisten Fällen waren dies nur die talentiertesten Künstler wie Rembrandt und Frans Hals.
Die niederländischen Maler stellten hauptsächlich die umgebende Realität dar, die die Künstler anderer Malschulen nicht so vollständig darstellten. Den Hauptplatz bei der Stärkung realistischer Trends nahmen Porträts, Alltagsgenres, Stillleben und Landschaften ein, da sich Künstler verschiedenen Aspekten des Lebens zuwandten. Sie haben die reale Welt, die sich vor ihnen auftat, so tief und wahrheitsgetreu dargestellt, ihre Werke waren so beeindruckend.
Jan Steen, Begegnung mit Nachtschwärmern, 1679
Jedes Genre hatte seine eigenen Strömungen. Unter den Landschaftsmalern waren Marinemaler und Maler, die Ebenen oder Wälder bevorzugten, es gab auch Meister Winterlandschaft und Ansichten, die Mondlicht darstellen. Unter den Genremalern ragten diejenigen heraus, die Stadtbewohner und Bauern, Szenen des häuslichen Lebens und Feste, Basare und Jagd darstellten. Es gab auch Künstler, die sich auf Kircheninterieurs und verschiedene Arten von Stillleben wie „Laden“, „Dessert“, „Frühstück“ usw. spezialisierten. Die Anzahl der ausgeführten Aufgaben wurde durch ein Merkmal der niederländischen Malerei wie Beschränktheit beeinflusst. Die Virtuosität des Malers wurde jedoch dadurch begünstigt, dass sich jeder Künstler auf ein bestimmtes Genre konzentrierte. Nur die wichtigsten niederländischen Künstler malten in verschiedenen Genres.
Die Entwicklung der realistischen holländischen Malerei vollzog sich in einem Kampf mit dem Manierismus und einer Richtung, die die klassische italienische Kunst nachahmte. offiziell ausgeliehen von Italienische Künstler, Vertreter dieser Strömungen, waren die Techniken für die Traditionen der nationalen holländischen Malerei äußerst unnatürlich. Realistische Strömungen manifestierten sich deutlicher im alltäglichen Genre und in den Porträts während der Entwicklung der niederländischen Malerei, die 1609-1640 umfasst.
Jakob van Ruisdael(1628-1682) war ein herausragender Meister des Landschaftsgenres (sie malten die klassische holländische Landschaft - Wüstendünen, berühmte Windmühlen, Kanalboote, Schlittschuhläufer und nicht die Natur im Allgemeinen), ein Künstler von grenzenloser Fantasie ("Wasserfall", " Waldsumpf“, „Jüdischer Friedhof“). Indem er die Natur gewissenhaft kopiert, erreicht Ruisdael gleichzeitig Monumentalität.
Windmühle in Wijk bei Dürsted. 1670. Reichsmuseum. Amsterdam, Jacob van Ruisdael
Einer der begabtesten Porträtmaler dieser Epoche kann genannt werden Franz Hals(ca. 1585-1666). Er schuf viele Gruppenporträts, wie beispielsweise Bilder von Schützengilden (eine Vereinigung von Offizieren zum Schutz von Städten und zur Verteidigung). Die Bürger wollten sich selbst einfangen, und der Künstler sollte die respektvolle Haltung gegenüber jedem Modell nicht vergessen. In diesen Gemälden zieht die Darstellung der Ideale der jungen Republik, Kameradschaft, Gleichheit und Freiheitsgefühl an. Menschen, die selbst- und zukunftssicher sind, voller Tatendrang blicken von den Leinwänden auf den Betrachter („St. George’s Archery Guild“, „St. Natürlich werden sie bei einem freundlichen Fest dargestellt. Dank des individuellen Stils des Künstlers – breit, selbstbewusst, mit satten, leuchtenden Farben (rot, gelb, blau usw.) – werden diese Individuen geformt Kunstdokument Epoche.
Porträt von Stefan Gerads, 1652, Königliches Museum, Antwerpen
In individuellen Porträts mit den Umrissen eines Genrebildes steckt viel rücksichtsloser Eifer, Druck, unbändige Energie. Dies verschwindet in späteren Porträts. Zum Beispiel kann man im Eremitage-Männerporträt die Traurigkeit und Müdigkeit des Helden Khals mit all seiner Beeindruckung und sogar Prahlerei sehen. Diese Merkmale werden in einem anderen Porträt (dem Bild eines Mannes mit breitkrempigem Hut) weiter verstärkt. Während dieser späten Periode erreicht Hals die obere Stufe der Meisterschaft, die Töne in seiner Arbeit werden monochromatisch (normalerweise dunkle, schwarze Kleidung, mit einem weißen Kragen und Manschetten und einer dunklen olivfarbenen Hintergrundfarbe). Bei aller Prägnanz der Bildpalette basiert sie auf äußerst subtilen Abstufungen.
Schaffung Rembrandt van Rijn(1606-1669) war die letzte Errungenschaft der Holländer Kunst XVII Jahrhundert und der Höhepunkt seines Realismus.
Von: Alena Artyomenko, -
Im 17. Jahrhundert wurde die niederländische Malschule zu einer der führenden in Europa. Hier erwiesen sich zum ersten Mal in der Geschichte der Weltkunst die Objekte der umgebenden Realität als kreative Inspirationsquelle künstlerische Absicht. In der niederländischen Kunst dieser Zeit wurde die in der Renaissance begonnene Bildung eines ganzen Gattungssystems abgeschlossen. In Porträts, Alltagsbildern, Landschaften und Stillleben vermitteln die Künstler mit seltenem Können und Wärme ihre Eindrücke von der umgebenden Natur und dem unprätentiösen Leben. Sie spiegelten das kollektive Bild von Holland wider – einer jungen Republik, die ihre Unabhängigkeit im Krieg mit Spanien verteidigte.
"Morgen einer jungen Dame" 1660 Frans Miris der Ältere. Holz, Öl. Staatliche Eremitage
Gemälde von Künstlern zu alltäglichen Themen (oder Genrebilder), die eine Person in einer vertrauten, alltäglichen Umgebung darstellen, spiegelten die etablierten Lebens-, Verhaltens- und Kommunikationsformen von Menschen aus verschiedenen Schichten der niederländischen Gesellschaft wider. Die Gemälde niederländischer Künstler waren klein, um die Innenräume der Häuser von Kaufleuten, Handwerkern oder wohlhabenden Bauern zu schmücken. Künstler verdienten Geld, indem sie Gemälde verkauften, die mit der Möglichkeit einer detaillierten Betrachtung aus nächster Nähe gemalt wurden. Daraus wiederum entstand eine besonders sorgfältige, filigrane Schreibweise.
Terrassengesellschaft. 1620 Esais Van De Velde. Holz, Öl. Staatliche Eremitage
Während des 17. Jahrhunderts durchlief die niederländische Genremalerei eine bedeutende Entwicklung. In der Zeit seiner Gründung, zu Beginn des Jahrhunderts, waren Plots zu den Themen Erholung, Unterhaltung junger reicher Holländer oder Szenen aus dem Offiziersleben üblich. Solche Gemälde wurden "Bankette", "Gesellschaften", "Konzerte" genannt. Ihre Malerei zeichnete sich durch eine bunte Farbe und einen gehobenen fröhlichen Ton aus. Zu den Werken dieser Art gehört das Gemälde „Gesellschaft auf der Terrasse“ von Esaias van de Velde.
Zu Beginn der 1930er Jahre war die Entstehung der niederländischen Genremalerei abgeschlossen. Überfüllte "Gesellschaften" wichen kleinfigurigen Kompositionen. Das Bild der Umgebung, die eine Person umgibt, begann eine wichtige Rolle zu spielen. Es gab eine Aufteilung der Genremalerei entlang sozialer Linien: Handlungen zu Themen aus dem Leben der Bourgeoisie und Szenen aus dem Leben der Bauern und der städtischen Armen. Sowohl diese als auch andere Gemälde sollten den Innenraum schmücken.
"Streit". 1637 Adrian van Ostade. Holz, Öl. Staatliche Eremitage
Einer der meisten berühmte Künstler Wer im "bäuerlichen Genre" arbeitete, war Adrian van Ostade. In der frühen Schaffensperiode zeichnete sich das Bild der Bauern in seinen Gemälden durch eine akzentuierte Komik aus, die manchmal eine Karikatur erreichte. So scheinen die kämpfenden Menschen in dem von grellem Licht beleuchteten Gemälde „Der Kampf“ keine lebenden Menschen zu sein, sondern Marionetten, deren Gesichter wie Masken sind, die von bösen Grimassen verzerrt sind. Der Gegensatz kalter und warmer Farben, scharfe Licht- und Schattenkontraste verstärken den Eindruck der Groteske der Szene zusätzlich.
Dorfmusikanten. 1635 Adrian Van De Ostade 1635 Öl auf Holz. Staatliche Eremitage
In den 1650er Jahren änderte sich die Malerei von Adrian Ostade. Der Künstler wandte sich ruhigeren Motiven zu und stellte eine Person während ihrer gewohnten Aktivitäten dar, meistens in Momenten der Ruhe. So zum Beispiel das Innenbild „Dorfmusikanten“. Ostade vermittelt gekonnt die Konzentration der „Musiker“, die von ihrem Beruf mitgerissen werden, indem sie Kinder zeigen, die ihnen mit kaum merklichem Humor durch das Fenster zuschauen. Die Vielfalt und Sanftheit des Spiels von Licht und Schatten, die grünlich-braune Farbgebung vereinen Mensch und Umwelt zu einem Ganzen.
"Winterblick". 1640 Isaac van Ostade. Holz, Öl. Staatliche Eremitage
Auch Adrians früh verstorbener Bruder Isaac van Ostade war im „bäuerlichen Genre“ tätig. Er stellte das Leben im ländlichen Holland dar, in dessen Natur sich ein Mensch zu Hause fühlte. Das Gemälde „Winterblick“ zeigt eine typisch holländische Landschaft mit einem grauen Himmel, der schwer über der Erde hängt, einem zugefrorenen Fluss, an dessen Ufern sich das Dorf befindet.
"Der Patient und der Arzt." 1660 Jan Steen. Holz, Öl. Staatliche Eremitage
Das Genrethema der Kunst der Gebrüder Ostade wurde von Jan Steen fortgesetzt, einem begabten Meister, der mit Sinn für Humor die charakteristischen Details des Alltagslebens und der Beziehungen bemerkte Schauspieler in ihren Gemälden. Auf dem Gemälde „Revelers“ blickt der Künstler selbst fröhlich und verschmitzt den Betrachter an, der neben seiner Frau sitzt, die nach einem lustigen Festmahl eingeschlafen ist. Im Film „Der Patient und der Arzt“ enthüllt Jan Steen durch die Mimik und Gestik der Figuren gekonnt die Handlung einer imaginären Krankheit.
"Ein Zimmer in einem holländischen Haus". Peter Janssens. Leinwand, Öl. Staatliche Eremitage
In den fünfziger und sechziger Jahren des 17. Jahrhunderts verengte sich das Thema der Genremalerei allmählich. Die figurative Struktur der Bilder verändert sich. Sie werden ruhiger, intimer, lyrischere Kontemplation, stille Gedanken treten in ihnen auf. Diese Phase wird durch die Werke von Künstlern wie Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens repräsentiert. Ihre Werke verkörperten ein poetisches und leicht idealisiertes Bild des Alltags der niederländischen Bourgeoisie, die einst für ihre Rechte und Unabhängigkeit kämpfte und nun zu nachhaltigem Wohlstand gelangt ist. So ist auf dem Innengemälde „Ein Zimmer in einem holländischen Haus“ von Peter Janssens ein gemütliches, sonnendurchflutetes Zimmer dargestellt, in dem Sonnenstrahlen auf dem Boden und an den Wänden spielen, auf dem Gemälde „Die alte Dame am Kamin“ von Jacob Wrehl ist ein in sanftes Zwielicht getauchtes Kaminzimmer dargestellt. Die Wahl der Komposition in den Werken beider Künstler betont die Einheit von Mensch und Umwelt.
"Glas Limonade." 1664 Gerhard Terborch. Host (Übersetzung aus Holz), Öl. Staatliche Eremitage
In diesen Jahren versuchten die niederländischen Genremaler zum ersten Mal, in ihren Werken die Tiefe des Innenlebens eines Menschen widerzuspiegeln. In Alltagssituationen fanden sie Gelegenheit, die vielfältige Welt der subtilsten Erfahrungen zu reflektieren. Das sieht man aber nur bei genauer und sorgfältiger Betrachtung des Bildes. So offenbart in Gerard Terborchs Gemälde „A Glass of Lemonade“ die subtile Sprache der Gesten, Handberührungen und Blickkontakte eine ganze Bandbreite an Gefühlen und Beziehungen zwischen den Figuren.
"Frühstück". 1660 Gabriel Metsu. Holz, Öl. Staatliche Eremitage
Die Objektwelt beginnt in den Genrebildern dieser Zeit eine große Rolle zu spielen. Es charakterisiert nicht nur das materielle und emotionale Umfeld des Lebens eines Menschen, sondern bringt auch die Vielfalt der Beziehung eines Menschen zur Außenwelt zum Ausdruck. Die Menge der Objekte, ihre Anordnung, ein komplexes Symbolsystem sowie die Gesten der Figuren – alles spielt eine Rolle bei der figurativen Strukturierung des Bildes.
„Feiern“. 1660 Jan Steen. Holz, Öl. Staatliche Eremitage
Die niederländische Genremalerei zeichnete sich nicht durch eine große Themenvielfalt aus. Künstler beschränkten sich darauf, nur einen bestimmten Kreis von Charakteren und ihre Berufe darzustellen. Aber mit ihrer Hilfe konnte die niederländische Genremalerei im 17. Jahrhundert ein zuverlässiges Bild von Sitten, Bräuchen und Vorstellungen über das Leben eines Menschen vermitteln.
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Im 17. Jahrhundert Holland wurde zu einem kapitalistischen Musterland. Sie betrieb ausgedehnten Kolonialhandel, sie hatte eine mächtige Flotte, der Schiffbau war eine der führenden Industrien.
Geschichte der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts. zeigt perfekt die Entwicklung der Arbeit eines der größten Porträtmaler Hollands Franz Hals(um 1580-1666). In den 10-30er Jahren arbeitete Hals viel im Genre der Gruppenporträts. Dies ist im Grunde eine Darstellung von Schützengilden - Vereinigungen von Offizieren zur Verteidigung und zum Schutz von Städten. Die Bürger wollten auf der Leinwand verewigt werden, sie leisteten einen gewissen Beitrag für das Recht, abgebildet zu werden, und der Künstler musste daran denken, jedem Modell die gleiche Aufmerksamkeit zu schenken. Aber es ist nicht die Porträtähnlichkeit, die uns in diesen Werken von Hals fesselt. Sie drücken die Ideale der jungen Republik aus, das Gefühl von Freiheit, Gleichheit und Kameradschaft. Auf den Leinwänden dieser Jahre blicken fröhliche, energische, unternehmungslustige Menschen, zuversichtlich in ihre Fähigkeiten und in die Zukunft („St. Adrian’s Shooting Guild“, 1627 und 1633; „St. George’s Shooting Guild“, 1627). Khale schildert sie meist in einem kameradschaftlichen Fest, in einem fröhlichen Fest. Die Größe der horizontal verlängerten Komposition, die breite, selbstbewusste Schrift, die intensiven, gesättigten Farben (Gelb, Rot, Blau usw.) erzeugen ein monumentales Bild. Der Künstler fungiert als Historiograph einer ganzen Epoche.m
Die Blütezeit der Landschaftsmalerei in der niederländischen Schule geht auf die Mitte des 17. Jahrhunderts zurück. Der größte Meister der realistischen Landschaft war Jacob van Ruysdael (1628/29-1682), ein Künstler von unerschöpflicher Phantasie. Seine Werke sind meist voller tiefer Dramatik, ob er nun Walddickichte („Waldsumpf“), Landschaften mit Wasserfällen („Wasserfall“) oder eine romantische Landschaft mit Friedhof („Jüdischer Friedhof“) darstellt. Die Natur in Ruisdael erscheint in Dynamik, in ewiger Erneuerung. Selbst die einfachsten Naturmotive erhalten unter dem Pinsel des Künstlers einen monumentalen Charakter. Ruisdael neigt dazu, sorgfältiges Schreiben mit großer Vitalität zu kombinieren, mit einem synthetischen Bild.
Nur Jan Porcellis (ca. 1584-1632) beschäftigte sich mit Seestücken (Jachthäfen). Neben der realistischen, rein holländischen Landschaft gab es damals eine andere Richtung: Landschaften italienischen Charakters, belebt durch mythologische Gestalten, Menschen- und Tierfiguren.
Das niederländische Stillleben ist eine der künstlerischen Umsetzungen des wichtigsten Themas der niederländischen Kunst - des Themas des Privatlebens eines gewöhnlichen Menschen. Dieses Thema ist im Genrebild vollständig verkörpert. In den 20-30er Jahren des 17. Jahrhunderts. Die Niederländer schufen eine besondere Art der kleinen, kleinfigurigen Malerei. 40-60er - die Blütezeit der Malerei, die das ruhige bürgerliche Leben Hollands verherrlicht, einen gemessenen Alltag.
Die 40-50er Jahre sind die Zeit der kreativen Reife. Nicht nur das äußere Leben hat sich verändert Rembrandt, Zunächst einmal hat er sich selbst verändert. Dies ist die Zeit der Herausbildung seines schöpferischen Systems, von dem vieles der Vergangenheit angehört und in dem andere, unschätzbare Qualitäten erworben werden. In dieser Zeit greift er oft auf alte Werke zurück, um sie neu zu gestalten. So zum Beispiel bei Danae, das er bereits 1636 schrieb. Schon damals drückte sich in diesem Bild die Hauptsache aus: Das sinnliche Prinzip, heidnisch, gewissermaßen „Tizian“ war darin nur ein Teil des allgemein im Ausdruck komplexer emotionaler Erfahrungen, eines einzigen spirituellen Impulses. Das klassische, schöne, aber in seinem Schönheitsideal auch abstrakte, wurde abgelöst durch den Ausdruck der Wahrheit des Lebens, der hellen Individualität des physischen Lagers. Dieser hässliche Körper wurde äußerst realistisch wiedergegeben. Aber Rembrandt begnügte sich nicht mit der äußeren Wahrheit. In den 40er Jahren wandte sich der Künstler dem Bild zu und verstärkte den emotionalen Zustand. Er schrieb den Mittelteil mit der Heldin und dem Dienstmädchen um.
Die Porträts des verstorbenen Rembrandt unterscheiden sich stark von den Porträts der 30er und sogar 40er Jahre. Diese äußerst einfachen (Halbfiguren- oder Generationen-)Bilder von Menschen, die dem Künstler in ihrer inneren Struktur nahe stehen, sind immer figurativer Ausdruck einer vielschichtigen menschlichen Persönlichkeit, die durch die Fähigkeit des Meisters auffällt, unstete, flüchtige spirituelle Bewegungen zu vermitteln.
Rembrandt verstand es, eine Porträtbiografie zu erstellen; indem er nur das Gesicht und die Hände hervorhob, drückte er die ganze Geschichte des Lebens aus
Französische Kunst des 17. Jahrhunderts
französische Kunst 15. Jahrhundert basiert auf den Traditionen der französischen Renaissance. Gemälde und Zeichnungen von Fouquet und Clouet, Skulpturen von Goujon und Pilon, Schlösser aus der Zeit von Franz I., der Palast von Fontainebleau und der Louvre, Gedichte von Ronsard und Prosa von Rabelais, philosophische Erfahrungen Montaigne, all dies trägt die Prägung eines klassizistischen Formverständnisses, einer strengen Logik, eines Rationalismus, eines entwickelten Sinns für Eleganz, d.h. die dazu bestimmt ist, im 15. Jahrhundert vollständig verkörpert zu werden. in der Philosophie von Descartes, in der Dramaturgie von Corneille und Racine, in der Malerei von Poussin und Lorrain.
Im Bereich der bildenden Kunst war der Entstehungsprozess des Klassizismus nicht so einheitlich.
In der Architektur zeichnen sich erste Züge des neuen Stils ab, die jedoch nicht ganz aufgehen. Im Luxemburger Palast, der für die Witwe Heinrichs IV., die Regentin Maria Medici, von Salomon de Bros erbaut wurde, ist vieles aus Gotik und Renaissance übernommen, aber die Fassade ist bereits mit einer Ordnung gegliedert, die für den Klassizismus typisch sein wird. Maisons-Lafitte von François Mansart ist bei aller Komplexität der Volumen ein einziges Ganzes, eine klare Konstruktion, die sich an klassizistischen Normen orientiert.
In der Malerei war die Situation komplizierter, weil sich hier die Einflüsse des Manierismus, des flämischen und italienischen Barocks verschränkten. Die französische Malerei in der ersten Hälfte des Jahrhunderts wurde sowohl vom Caravagismus als auch von der realistischen Kunst Hollands beeinflusst. Jedenfalls sind diese Einflüsse im Werk der Gebrüder Le Nain deutlich zu erkennen. In den Gemälden von Louis Lenain gibt es keine Erzählung, Anschaulichkeit, die Komposition ist streng durchdacht und statisch, die Details werden sorgfältig überprüft und ausgewählt, um vor allem die ethische, moralische Grundlage der Arbeit zu enthüllen. Sehr wichtig in Lenains Bildern hat eine Landschaft.
IN In letzter Zeit In der kunsthistorischen Literatur wird der Name der Richtung, der Louis Le Nain angehört, zunehmend mit dem Begriff "Malerei der realen Welt" definiert. In die gleiche Richtung gehört das Werk des Künstlers Georges de Latour. In seinen ersten Arbeiten zu Genrethemen tritt Latour als Künstler in der Nähe von Caravaggio auf. Bereits in den frühen Werken von Latour manifestiert sich eine der wichtigsten Eigenschaften: die unerschöpfliche Vielfalt seiner Bilder, die Farbenpracht, die Fähigkeit, monumental bedeutsame Bilder in der Genremalerei zu schaffen.
Die zweite Hälfte der 30er - 40er Jahre - die Zeit von Latours kreativer Reife. In dieser Zeit wendet er sich weniger Genrethemen zu, malt überwiegend religiöse Bilder. Die künstlerische Sprache von Latour ist ein Vorbote des klassizistischen Stils: Strenge, konstruktive Klarheit, Klarheit der Komposition, plastische Balance allgemeiner Formen, makellose Integrität der Silhouette, Statik. Ein Beispiel ist eines seiner späteren Werke „St. Sebastian und die Heiligen Frauen“ mit einem ideal schönen, erinnernden antike Skulptur im Vordergrund die Figur des Sebastian, in dessen Körper – als Symbol des Martyriums – der Künstler nur einen steckengebliebenen Pfeil darstellt.
Der Klassizismus entstand auf dem Gipfel des sozialen Aufschwungs der französischen Nation und des französischen Staates. Die Grundlage der Theorie des Klassizismus war der Rationalismus, basierend auf dem philosophischen System von Descartes, der Gegenstand der klassischen Kunst wurde nur das Schöne und Erhabene proklamiert, die Antike diente als ethisches und ästhetisches Ideal. Der Schöpfer der klassizistischen Richtung in der französischen Malerei des 15. Jahrhunderts. war Nicolas Poussin. Die Themen von Poussins Gemälden sind vielfältig: Mythologie, Geschichte, das Neue und Alte Testament. Helden von Poussin - Menschen starke Charaktere und majestätische Taten, ein hohes Pflichtbewusstsein gegenüber Gesellschaft und Staat. Der öffentliche Zweck der Kunst war Poussin sehr wichtig. Alle diese Merkmale sind in dem entstehenden Programm des Klassizismus enthalten. Auch die Kunst des bedeutungsvollen Denkens und klaren Geistes entwickelt eine spezifische Sprache. Maß und Ordnung, kompositorisches Gleichgewicht werden zur Grundlage malen Klassizismus. Glatter und klarer linearer Rhythmus, Plastik der Statuen vermittelt perfekt die Strenge und Majestät von Ideen und Charakteren. Die Farbgebung baut auf der Konsonanz kräftiger, tiefer Töne auf. Das ist eine harmonische Welt für sich, die nicht wie im Barock über den Bildraum hinausgeht.
Kreativität Poussin fällt auf die erste Hälfte des Jahrhunderts, die durch den Aufstieg des öffentlichen und künstlerischen Lebens in Frankreich und den aktiven sozialen Kampf gekennzeichnet ist. Daher die allgemeine progressive Ausrichtung seiner Kunst, der Reichtum ihres Inhalts. Eine andere Situation entwickelte sich in den letzten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts, während der Zeit der größten Verschärfung der absolutistischen Unterdrückung und der Unterdrückung fortschrittlicher Phänomene des sozialen Denkens, als die Zentralisierung auf die in der Royal Academy vereinten und gezwungenen Künstler übergriff, mit ihrer Kunst zu dienen die Verherrlichung der Monarchie. Unter diesen Bedingungen verlor ihre Kunst ihren tiefen sozialen Gehalt, und die schwachen, begrenzten Merkmale der klassischen Methode traten in den Vordergrund.
Flandernkunst des 17. Jahrhunderts.
Flämische Kunst ist vor allem Rubens und nochmals Rubens. Obwohl es zur gleichen Zeit noch andere herausragende Künstler in Flandern gab, gelten sie alle als der "Kreis von Rubens", die "Schule von Rubens", wie Planeten, die sich um die Sonne von Rubens drehen.
Das siebzehnte Jahrhundert war die Zeit der Gründung der nationalen Kunstschule für Malerei in Flandern. Wie in Italien wurde hier der Barock offiziell zur vorherrschenden Strömung. Der flämische Barock unterscheidet sich jedoch in vielerlei Hinsicht erheblich vom italienischen. Barocke Formen füllen sich hier mit einem Sinn für sprudelndes Leben und dem bunten Reichtum der Welt, einem Sinn für die Urgewalt des Wachstums von Mensch und Natur. Im Rahmen des Barock werden stärker als in Italien realistische Züge entwickelt.
Die Basis künstlerische Kultur Flandern - Realismus, Nationalität, fröhliche Fröhlichkeit, feierliche Festlichkeit - kam am vollsten in der Malerei zum Ausdruck. Flämische Maler haben in ihren Gemälden die poetische sinnliche Schönheit der Welt und das Bild eines Menschen voller Gesundheit und unerschöpflicher Energie eingefangen.
Die Aufgabe, Familienschlösser, Paläste der Aristokratie und katholische Kirchen zu schmücken, trug dazu bei, dass in der Malerei ein starker Dekor auf der Grundlage von Farbeffekten weit verbreitet war.
Das Oberhaupt der flämischen Malschule war Peter Paul Rubens (1577-1640). Allumfassend begabt, hervorragend ausgebildet, war Rubens ein Künstler von enormer Schaffenskraft, stürmischem Temperament. Als geborener Monumentalmaler, begabter, mehrsprachiger Diplomat, humanistischer Wissenschaftler genoss er hohes Ansehen an den fürstlichen und königlichen Höfen von Mantua, Madrid, Paris und London. Rubens, ein Künstler mit lebhafter Vorstellungskraft, war der Schöpfer kolossaler, pathetischer Kompositionen. Die Dynamik der Formen, die Kraft der plastischen Vorstellungskraft, der Triumph des dekorativen Prinzips bilden die Grundlage seiner Arbeit. Die Kunst von Rubens ist jedoch im Grunde realistisch. Die Frische der Lebensauffassung und der Wunsch, allem Dargestellten die Glaubwürdigkeit der Wahrheit zu verleihen, sind die Essenz seiner Werke.
Flämisches Stillleben. Im 17. Jahrhundert Stillleben etabliert sich als eigenständige Gattung. Es spiegelt das Interesse an der materiellen Welt wider, das seinen Ursprung in der "Malerei der Dinge" in der niederländischen Kunst des frühen 15. Jahrhunderts, dem Kult des Privatlebens, hat. Flämische „Lebensmittelläden“ verblüffen mit lärmender Fröhlichkeit und festlicher Dekorationswirkung. Große, leuchtende Leinwände schmücken die Wände der geräumigen Paläste des flämischen Adels und verherrlichen die Schönheit der irdischen Existenz, den Reichtum des ländlichen Lebens, die Früchte der Erde, des Meeres und der Flüsse.
Anthony (Anton, Anthony) van Dyck flämisch Maler und Grafiker, Meister höfischer Porträts und religiöser Szenen im Stil Barock.
Van Dyck zeigte sich schon früh als Meister der Porträtmalerei und Malerei für religiöse und mythologische Themen. MIT 1618 Von 1620 er arbeitete in der werkstatt Rubens. Er schafft Werke zu religiösen Themen, oft in mehreren Fassungen: Krönung mit Dornen» « Kuss des Judas» "Kreuztragung" "St. Martin und die Bettler“, „Das Martyrium des hl. Sebastian"
Jacob Jordaens ( Niederl. Jacob Jordaens) ( 19. Mai 1593, Antwerpen - 18. Oktober 1678, Antwerpen) - flämisch Künstler. Ab 1607 studierte er mit Adam van Noort. 1616 heiratete er seine Tochter. Lebte sein ganzes Leben in Südliche Niederlande, nur 1641 arbeitete er für kurze Zeit in England. Seine Bilder sind in jeder Kirche in Antwerpen zu finden. Auch nach seinem Appell an Kalvinismus 1645 vergab die katholische Kirche weiterhin Aufträge an ihn. Jordanes gilt vor allem nach dem Tod Rubens, der großen Einfluss auf ihn hatte, einen der prominenten Vertreter der Flamen Barock.
Französische Malerei des 19. Jahrhunderts
20er 19. Jahrhundert waren für Frankreich die Zeit der Entstehung der romantischen Kunst. Junge Künstler erklärten ihren Lehrern einen echten Krieg. Historiker nannten ihre Aufführung einen "romantischen Kampf", und der Maler Eugene Ferdinand Victor Delacroix wurde ihr Held. Delacroix - Französisch Maler Und Zeitplan, Führer romantisch Trends in der europäischen Malerei. Romantische Künstler, unabhängig von den Kanons, die in existierten Bildende Kunst Frühere Epochen wandten sich bereitwillig ungewöhnlichen Handlungen zu, die mit Wahnsinn, übernatürlichen Phänomenen, Gewalt oder Exotik verbunden waren (dh jenseits des "Normalen"). Delacroix in Frankreich war der Anführer dieser Richtung. Eugene Delacroix wurde in der Stadt Charenton-Saint-Maurice in der Nähe von Paris geboren. Der zukünftige Künstler wurde früh verwaist. 1815 trat er als Lehrling in das Atelier von Pierre Narcisse Guerin (1774-1833) ein, der kurz zuvor bei Theodore Géricault studiert hatte. Delacroix' Zeitgenossen verfolgten aufmerksam den Verlauf der Befreiungsrevolution in Griechenland in den Jahren 1821-1829. (ab dem 15. Jahrhundert stand Griechenland unter türkischer Herrschaft). Delacroix wählte die vielleicht tragischste Seite des griechischen Epos. Im September 1821 zerstörten türkische Bestrafer die Zivilbevölkerung von Chios, einer griechischen Insel in der Ägäis vor der Küste Kleinasiens. Mehr als vierzigtausend Griechen wurden getötet und etwa zwanzigtausend versklavt. Die Antwort des Künstlers auf diese Ereignisse war das Gemälde „Das Massaker von Chios“ (1824): Im Vordergrund stehen die dem Untergang geweihten Chios in bunten Lumpen; Hintergrund sind die dunklen Silhouetten bewaffneter Türken. Den meisten Gefangenen ist ihr Schicksal gleichgültig, nur Kinder flehen ihre Eltern vergebens an, sie zu beschützen.Delacroix verspürte Interesse an der Moderne und schuf 1830 das Gemälde „Die Freiheit führt das Volk (28. Juli 1830)“. Der Künstler verlieh einer einfachen Episode von Straßenkämpfen einen zeitlos epischen Klang: 1832 begleitete Delacroix eine diplomatische Mission nach Algerien und Marokko. Unmittelbar nach seiner Rückkehr nach Paris begann der Künstler mit der Arbeit an dem Gemälde „Algerische Frauen in ihren Gemächern“ (1833). Seit Ende der 20er Jahre. 19. Jahrhundert Der Maler schuf eine Reihe von Schlachtengemälden, die der mittelalterlichen französischen Geschichte gewidmet waren. In der Schlacht von Nancy (1828-1834) bewegen sich die Truppen – graue Massen mit bunten Gesichtern und Bannern – unbeholfen über eine verschneite Ebene unter einem diesigen gelben Sonnenuntergangshimmel. Eugene Delacroix - der unabhängigste Maler in Frankreich zuerst Hälfte XIX v.
JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) K frühes XIX v. Der allgemein anerkannte Anführer unter den französischen Künstlern war Jacques Louis David – der konsequenteste Vertreter des Neoklassizismus in der Malerei und einfühlsamer Chronist seiner bewegten Zeit.David wurde in Paris in eine wohlhabende bürgerliche Familie hineingeboren. 1766 trat er in die Royal Academy of Painting and Sculpture ein. Ein charakteristisches Merkmal der französischen Kultur jener Jahre war die allgemeine Faszination für die Antike. 1781 wurde David als Mitglied der Royal Academy aufgenommen und erhielt das Recht, an ihren Ausstellungen - den Louvre Salons - teilzunehmen. Bereits 1776 wurde ein Regierungsprogramm entwickelt, das die Schaffung großer Gemälde förderte, „die dazu bestimmt waren, Tugenden und patriotische Gefühle wiederzubeleben“. David wurde eine Handlung aus der frühen römischen Geschichte angeboten – das Kunststück dreier Brüder aus der Adelsfamilie der Horatier: Um an dem Gemälde „Der Eid der Horatier“ (1784) zu arbeiten, ging David nach Rom. Als die Leinwand fertig war und der Künstler sie der Öffentlichkeit ausstellte, basiert die gesamte Komposition auf der Zahl Drei: drei Bögen, drei Figurengruppen, drei Schwerter, drei Hände, bereit zu den Waffen. 1795-1799. David arbeitete zusammen mit seinen Schülern an dem Gemälde „The Sabines Stopping the Battle Between the Romans and the Sabines“. Ihm zufolge wollte er "die alten Sitten mit einer solchen Genauigkeit darstellen, dass die Griechen und Römer, wenn sie die Gelegenheit hätten, meine Arbeit zu sehen, mich nicht als ihren Bräuchen fremd betrachten würden". 1799 kam Napoleon Bonaparte durch einen weiteren Staatsstreich an die Macht. David begrüßte dieses Ereignis, wie viele ehemalige Revolutionäre, freudig: In dem grandiosen Gemälde „Die Krönung von Napoleon I. und Kaiserin Josephine in der Kathedrale Notre-Dame von Paris 2. Dezember 1804“ (1807) David schuf einen weiteren Mythos - der Glanz des Altars und die Pracht der Kleidung der Höflinge wirken auf den Betrachter nicht schlimmer als die elenden Möbel und alten Laken von Marat. Nach der Niederlage Napoleons wählte David, der einst in den Konvention für das Todesurteil von Louis XVI, wurde gezwungen, Frankreich zu verlassen. Der Künstler ging nach Brüssel (das damals zum Königreich der Niederlande gehörte), wo er bis zu seinem Tod lebte. Er arbeitete weiter: fleißig, aber schon ohne Begeisterung malte er Porträts von Verbannten wie ihm und Werke zu antiken Themen.
