Der blaue General liest und schreibt Leonty Vasilyevich Dubelt war vor dem Lesen ein großartiger Jäger. Dem General sollte jedoch keine Unlesbarkeit des Geschmacks vorgeworfen werden, er hat solche Vorwürfe nicht verdient. Schon in relativ jungen Jahren sagte er dem Verlag „ Inländische Notizen» Kraevsky,

Obwohl er selbst aus bürgerlichen Verhältnissen stammte und seine Gewohnheiten und Denkweisen bürgerlich waren, war seine Malerei nicht bürgerlich.

1896 mietete Picassos Vater eine Werkstatt für seinen Sohn Pablo Picasso Ruiz in der Calle de la Plata, wo er nun ohne Zwang und Aufsicht arbeiten und tun konnte, was er wollte. Im folgenden Jahr schickten ihn seine Eltern nach Madrid.

Der Künstler, der das Wesen der westeuropäischen und amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts weitgehend bestimmt hat, war Pablo Picasso, ein Spanier, der den größten Teil seines Lebens in Frankreich verbrachte.

1900 gingen Picasso und sein Freund Casachemes nach Paris. Sie ließen sich in einem Atelier nieder, das kürzlich von einem anderen katalanischen Maler, Isidre Nonell, geräumt wurde. Dort, in Paris, lernte Pablo Picasso das Werk der Impressionisten kennen. Sein Leben in dieser Zeit ist mit vielen Schwierigkeiten behaftet, und der Selbstmord seines Freundes Casajemes hinterließ einen tiefen Eindruck auf den jungen Picasso. Unter diesen Umständen begann er Anfang 1902, Werke in dem Stil zu schaffen, der später als "Blaue Periode" bezeichnet wurde. Picasso entwickelt diesen Stil nach seiner Rückkehr nach Barcelona in den Jahren 1903 bis 1904. Die Helden seiner Gemälde der „blauen“ und „rosa“ Periode sind gewöhnliche Frauen, Akrobaten, umherziehende Zirkusschauspieler, Bettler. Sogar Werke, die sich dem Thema Mutterschaft widmen, sind nicht von Glück und Freude durchdrungen, sondern von der Angst und Sorge der Mutter um das Schicksal des Kindes.

blaue Periode.

Der Beginn der „blauen Periode“ wird meist mit der zweiten Reise des Künstlers nach Paris in Verbindung gebracht. Tatsächlich kehrt er bis Weihnachten 1901 mit vollendeten und begonnenen Gemälden nach Barcelona zurück, die auf eine ganz andere Weise gemalt sind als die, in der er bisher gearbeitet hat.

1900 lernte Picasso die Grafik von Theophile Steinlen kennen. Er interessiert sich für die Farbaggressivität nordischer Künstler, doch schränkte er zu dieser Zeit sein eigenes Farbmaterial deutlich ein. Alles ging schnell, manchmal sogar gleichzeitig. Malerische Werke, Pastelle oder Zeichnungen veränderten sich ständig in Stil, Ausdruck. Das Thema und die Art der Arbeiten, die mehrere Wochen und manchmal sogar Tage voneinander entfernt sind, können radikal unterschiedlich sein. Picasso hatte ein ausgezeichnetes visuelles Gedächtnis und eine ausgezeichnete Empfänglichkeit. Er ist eher ein Meister der Schattierung als der Farbe. Die Malerei beruht für den Künstler in erster Linie auf einer grafischen Grundlage.

Aus Traurigkeit entsteht Kunst, überzeugt er nun seine Freunde. In seinen Gemälden entsteht eine blaue Welt stiller Einsamkeit, von der Gesellschaft Ausgestoßene – Kranke, Arme, Verkrüppelte, Alte.

Picasso war schon in diesen Jahren anfällig für Paradoxien und Überraschungen. Die Jahre 1900-1901 werden im Werk des Künstlers meist als „Lautren“ und „Steilen“ bezeichnet, was auf eine direkte Verbindung zur Kunst seiner Pariser Zeitgenossen hinweist. Doch nach einem Trip nach Paris bricht er endgültig mit seinen Hobbys. Die "Blaue Periode" in Bezug auf Haltung, Probleme, Plastizität ist bereits mit der spanischen künstlerischen Tradition verbunden.

2 Leinwände helfen, die Situation zu verstehen – „Absinthe Drinker“ und „Date“. Sie stehen direkt an der Schwelle blaue Periode“, der viele seiner thematischen Aspekte vorwegnimmt und gleichzeitig einen ganzen Streifen von Picassos Suchen vervollständigt, seine Bewegung zu seiner eigenen Wahrheit.

Man kann mit Sicherheit sagen, dass Picasso bereits im Alter von 15 Jahren über hervorragende künstlerische Fähigkeiten im akademischen Sinne des Wortes verfügte. Und dann fesselt ihn der Experimentiergeist auf der Suche nach eigenen Wegen in der komplexen Verflechtung der Richtungen und Strömungen der europäischen Kunst um die Wende zum 20. Jahrhundert. Bei diesen Suchen zeigte sich eines der bemerkenswerten Merkmale von Picassos Talent - die Fähigkeit, verschiedene Trends und Trends in der Kunst zu assimilieren, zu assimilieren. In „Date“ und „The Absinth Drinker“ blitzen noch die primären Quellen (die Pariser Kunstschule) durch. Doch der junge Picasso beginnt bereits mit seiner eigenen Stimme zu sprechen. Was ihn störte und quälte, verlangte nun nach anderen bildnerischen Lösungen. Vergangene Bindungen sind erschöpft.

Mit der Furchtlosigkeit eines wahren großen Künstlers wendet sich der 20-jährige Picasso dem „Abgrund“ des Lebens zu. Er besucht Krankenhäuser, psychiatrische Kliniken, Notunterkünfte. Hier findet er die Helden seiner Bilder – Bettler, Krüppel, Mittellose, von der Gesellschaft missbrauchte und verstoßene Menschen. Der Künstler wollte ihnen mit seinen Leinwänden nicht nur sentimentales Mitgefühl ausdrücken. Die blaue Welt der Stille, in die er seine eintaucht Schauspieler, ist nicht nur ein Symbol für Leid und Schmerz, es ist auch eine Welt stolzer Einsamkeit, moralischer Reinheit.

"Two Sisters" war eines der ersten Werke dieser Zeit. In "Schwestern" und allgemein in den Werken der "Blauen Periode" konzentriert sich die Autorin auf bestimmte Traditionen der mittelalterlichen Kunst. Ihn reizte der Stil der Gotik, besonders die gotische Plastik mit ihrer vergeistigten Ausdruckskraft der Formen. Picasso entdeckt in jenen Jahren El Greco und Moralesi. In ihren Werken findet er psychologische Ausdruckskraft, die Symbolik der Farbe, den scharfen Ausdruck der Formen, die erhabene Spiritualität der Bilder, die mit seinen damaligen Stimmungen und Suchen übereinstimmen.

„Two Sisters“ ist in jeder Hinsicht ein charakteristisches Werk der „blauen Periode“. In den facettenreichen Inhalten der „Schwestern“ klingt das Thema der Kommunikation zwischen Menschen, der Freundschaft zweier Wesen als Garant für Schutz vor den Nöten des Lebens, der Anfeindung der Welt erneut auf.

Ein weiteres typisches Gemälde von Picasso aus der „Blauen Periode“ ist „Alter Jude mit Knaben“. Sie reihen sich an eine Reihe von Werken an, in denen die Bettler, die Blinden, die Krüppel als Helden auftreten. In ihnen scheint der Künstler die Welt der wohlhabenden und gleichgültigen Geldsäcke und Spießer herauszufordern. Picasso wollte in seinen Helden die Träger bestimmter Wahrheiten sehen, die den gewöhnlichen Menschen verborgen sind und nur dem inneren Auge, dem Innenleben eines Menschen, zugänglich sind. Kein Wunder, dass die meisten Figuren in den Gemälden der "Blauen Periode" blind wirken, kein eigenes Gesicht haben. Sie leben in ihrer inneren Welt, ihre dünnen "gotischen" Finger lernen nicht die äußeren Formen von Objekten, sondern ihre innere geheime Bedeutung.

In Madrid begann Picasso ab Februar 1901 erstmals, sich ernsthaft mit der neuen Kunst zu beschäftigen, die daraufhin ihren Siegeszug fast durch ganz Europa antrat. Die wenigen Monate in Madrid erwiesen sich als entscheidend für die weitere Entwicklung seines Lebens. Dieser Moment ist auch von einer rein äußerlichen Veränderung geprägt: Früher signierte er seine Zeichnungen mit P. Ruiz Picasso, heute ist auf seinen Werken nur noch der Name seiner Mutter zu sehen.

In dieser Zeit arbeitet Picasso fruchtbar. Seine Ausstellungen werden in Barcelona organisiert. 24. Juni 1901 organisierte die erste Ausstellung in Paris, wo er jetzt lebte. Hier gewinnt ein neuer Stil an Fahrt und bricht den Trend, die Farbe auf kalte Töne zu beschränken. Paris drängte Picasso zu einer starken Wiederbelebung der Palette. Zunehmend tauchten Gemälde mit Blumensträußen und Aktmodellen auf. Wenn in Madrid der Künstler hauptsächlich in arbeitete blaue Farbe, jetzt neben blau und in grün saubere, oft kontrastierende Farben legen sich hin. Ein neuer Stil bahnte sich seinen Weg an die Oberfläche. Mit Blau, Violett und Grün skizzierte der Künstler teilweise weite Farbflächen. Diese Art wurde die "Periode der Fensterscheiben" genannt.

Anfang 1903 kehrte Picasso nach Barcelona zurück und nahm Landschaften auf, fast alle in Blau. Landschaftsmalerei war schon immer der Künstler in gewisser Weise vernachlässigt. Picasso ist nicht romantisch genug, um die Natur als unerschöpfliche Inspirationsquelle zu sehen. In Wirklichkeit interessiert ihn nur eine Person und das, was eine Person direkt umgibt oder berührt.

Die blaue Farbe wird jetzt durch die Nähe zu ockerfarbenen und blasslila Farben gemildert, die durch einen gemeinsamen rosa Ton vereint sind. Die Blaue Zeit ist in eine neue Übergangsphase eingetreten, die Zeit der wandernden Theater- und Zirkusleute.

Es gibt gegensätzliche Urteile über die Rolle der blauen und rosa Perioden in kreative Biografie Picasso. Einige glauben, dass diese Perioden unübertroffen geblieben sind: Damals war Picasso ein echter humanistischer Künstler, und dann, den Versuchungen der Moderne erliegend und vom Dämon der Zerstörung besessen, erreichte er nie die Höhe seiner Jugend. Mit mehr oder weniger Bestimmtheit wurde eine solche Einschätzung in unserer Presse und teilweise in der ausländischen Presse geäußert. In den meisten Büchern und Artikeln ausländischer Autoren wird jedoch eine andere Idee verwirklicht: In der blauen und rosa Periode war Picasso noch nicht er selbst, blieb dem Traditionalismus treu und blieb daher von großer Wichtigkeit, verglichen mit nachfolgenden, haben sie nicht.

Diese beiden extremen Ansichten sind unfair. Sie stammen auch nicht so sehr aus den Kreationen des Künstlers selbst, sondern aus vorgefassten Meinungen über Realismus und Moderne, über Traditionalismus und Innovation. In beiden Fällen ist das wichtigste Wertkriterium die Einstellung des Künstlers zum Renaissance-Konzept der bildenden Kunst - seine Überwindung oder im Gegenteil Bewahrung. In der Zwischenzeit war dieser Moment für Picasso selbst anscheinend nicht entscheidend – zumindest gemessen daran, wie oft er von „traditionellen“ Formen zu „destruktiven“ Formen und umgekehrt wechselte oder sie gleichzeitig verwendete und sich ein für alle Mal weigerte, eine der anderen vorzuziehen andere. Der erste Bruch mit der Tradition war scharf und dramatisch, aber später stellte sich heraus, dass der Antagonismus der beiden Darstellungsweisen gleichsam aufgehoben war. Zwischen ihnen wurden viele Übergangsverbindungen gefunden. Sowohl die "genauesten" als auch die "bedingtsten" Bilder von Picasso sind als Sonderfälle auf sein allgemeines kreatives Konzept bezogen und in diesem Sinne gleichberechtigt.

Die blauen und rosa Perioden sind für den Schöpfer von Guernica keine absoluten Höhepunkte. Allerdings, selbst wenn kreative Geschichte Picasso endete 1906, wenn er nur der Autor von "blauen" und "rosa" Leinwänden geblieben wäre, wäre er als großer Künstler in die Geschichte eingegangen.

Der zwanzigjährige Picasso war bereits ein ziemlich origineller Meister. Der Prozess der studentischen Wahrnehmung und Eliminierung des Akademismus, der sentimentalen Gattung (und dann des Impressionismus und Postimpressionismus) setzte bei ihm, wie wir gesehen haben, ungewöhnlich früh ein und verlief dicht. Zu Beginn der blauen Periode wurde all dies hinter sich gelassen. Wenn die weichflauschige, goldgrüne „Dame mit Hund“ (1900) den koloristischen und texturierten Gourmandismus des Spätimpressionismus reproduziert (und gleichzeitig heimlich parodiert); wenn die finstere Cocotte mit rotem Hut (1900) an Toulouse-Lautrec, die Waschfrau im blauen Zimmer (1901) an Degas erinnert, dann in solchen Werken von 1901 wie „Mädchen mit einer Taube“, als Meisterwerke der Shchukin-Sammlung - "Umarmung", "Harlekin und seine Frau", "Porträt von Sabartes", Picasso sieht bereits aus wie nur er selbst. (Es ist unmöglich, den Geschmack und die Einsicht des Moskauer Sammlers Shchukin nicht zu bestaunen, der aus den vielen Werken des jungen Künstlers genau diejenigen auswählte, in denen sich der echte Picasso befand.)

Auf den ersten Blick haben Picassos vorkubistische Dinge wenig Ähnlichkeit mit späteren. Aber sie enthalten die Ursprünge seiner innersten Themen und Motive, die Ouvertüre seines Werkes.

K. Jung, der sich als Psychoanalytiker der Kunst Picassos näherte, sah in der blauen Periode einen Komplex des Abstiegs in die Hölle. Und tatsächlich: Am Eingang zu dieser dämmrigen, wüstenblauen Welt der metaphysischen Armut und des stillen Leidens sind gleichsam die Worte eingeschrieben: „Ich bringe mich zu den verstoßenen Dörfern.“

Picasso lebte damals inmitten des halbarmen Böhmens, hungerte und verarmte, musste mitunter den Ofen mit Stapeln seiner Zeichnungen anheizen – doch am wenigsten persönliche Widrigkeiten bestimmten den Ton seiner Kunst. Der Dichter Max Jacob erinnerte sich an diese Zeit: „Wir lebten schlecht, aber schön.“ Picasso war immer von Freunden umgeben, er war voller Energie und Lebenslust, aber als Künstler suchte er nach grausamen, verletzenden Eindrücken. Er wurde nach unten gezogen. Er besuchte Irrenanstalten, Krankenhäuser für Prostituierte, beobachtete und malte lange Zeit Kranke, um mit dem Schauspiel des Leidens seine Seele zu nähren und zu verhärten. In seinen Zeichnungen jener Jahre blitzt düsterer Humor auf. Einmal malte er an die Wand der Werkstatt eines seiner Freunde eine schreckliche symbolische Szene – ein Neger, der an einem Baum aufgehängt wurde, ein nacktes Paar, das sich unter einem Baum liebte.

Die blaue Periode umfasst 1901-1904. Damals hatte sich Picasso noch nicht dauerhaft in Frankreich niedergelassen, er zog oft von Barcelona nach Paris und zurück nach Barcelona. Die Malerei der Blauen Periode wurzelt in der Tradition Spaniens. Nach vorübergehenden Erfahrungen "im französischen Geist", zahlreich, aber kurzlebig, entdeckte Picassos reifes Talent seine spanische Natur wieder - in allem: im Thema stolzer Armut und erhabenem Schmutz, in der Kombination von grausamem "Naturalismus" mit ekstatischer Spiritualität, in Goya-artiger Humor, in Sucht nach der Symbolik von Leben und Tod. Das größte und komplexeste der Gemälde der Frühzeit - "Die Grablegung von Kazagemas" (gemalt unter dem Eindruck des Selbstmords von Picassos Freund) - ist wie El Grecos "Das Begräbnis des Grafen Orgas" aufgebaut: unten - Trauer um die tot, oben - eine Szene im Himmel, wo sich in der Atmosphäre einer mystischen Vision frivole Bilder aus der Kabarettwelt verflechten. Stilistisch kommt dies dem nahe, was der Künstler schon vor seinem ersten Besuch in Paris tat: etwa in dem großen Aquarell „Der Weg“ (1898), das einen symbolischen Umzug mit Trauerdrogen und einer Reihe gebückter Greisinnen darstellt Frauen mit Kindern - sie wandern den Berg hinauf, dort erwartet sie eine riesige Eule, die ihre Flügel ausbreitet. (Wir werden diesen Leichendrogen ein halbes Jahrhundert später in der Tafel „Krieg“ begegnen, und die Eule ist ein unveränderliches Attribut von Picassos Kunst.)

Symbolisch sind die „Zwei Schwestern“ – zwei müde, erschöpfte, in Schleier gehüllte Frauen, eine Prostituierte und eine Nonne, die sich begegnen, wie sich Elisabeth und Maria auf alten Gemälden begegnen. „Leben“ ist symbolisch – eine seltsame, bewusst konstruierte Komposition: Liebe, Mutterschaft, Einsamkeit, ein Durst nach Erlösung aus der Einsamkeit.

Allmählich wird die Symbolik Picassos von dem allzu offensichtlichen Allegoriegeschmack befreit. Die Kompositionen werden äußerlich einfach: Auf einem neutral schimmernden blauen Hintergrund werden eine oder mehrere Figuren, schmerzhaft zerbrechlich, aneinander gepresst; Sie sind ruhig, unterwürfig, nachdenklich, zurückgezogen. Der "präkubistische" Picasso kennt keine Stillleben, er malt nur Menschen.

In der französischen Malerei des Anfangs des Jahrhunderts sehen die blauen Bilder von Picasso anders aus, für Spanien sind sie organisch. Die französischen Freunde des jungen Picasso spürten in ihm einen fremden Anfang, er wurde von ihnen nicht ganz verstanden. Maurice Reynal schrieb später: „Etwas Geheimnisvolles umhüllte seine Persönlichkeit, zumindest für uns, die wir nicht an die spanische Denkweise gewöhnt sind: der Kontrast zwischen der schmerzhaften und schweren Kraft seiner Kunst und seiner eigenen fröhlichen Natur, zwischen seinem dramatischen Genie und seiner fröhlichen Art, getroffen.

Picasso, wie Van Gogh zuvor, wenn auch auf ganz andere Weise als Van Gogh, kam mit einem Durst, sein innerstes Verständnis der Welt auszudrücken. Allein schon deshalb konnte er (wie Van Gogh) dem Charme des Impressionismus nicht erliegen: Kontemplation, die einlullende Glückseligkeit des „Scheins“ war nichts für ihn; im namen des aktiven inneren begreifens musste er die hülle des sichtbaren durchbrechen.

Die Aktivität des Ansatzes ist seit langem mit dem Primat der Zeichnung verbunden, und der junge Picasso begann damit, der Zeichnung ihre dominierende Bedeutung zurückzugeben, tat dies entschlossener und stärker als Degas und Toulouse-Lautrec. einfarbig blaue Gemälde Die Leistung der Linie ist schattiert. Die bläulichen Figuren versinken nicht im Blau des Hintergrunds, sondern heben sich deutlich ab, obwohl sie selbst fast die gleiche Farbe wie der Hintergrund haben und hauptsächlich konturiert sind. Innerhalb der Kontur sind Licht und Schatten sowie Farbmodellierung minimal, im Hintergrund gibt es keine perspektivisch erzeugte illusorische Tiefe, sondern die Kontur selbst erzeugt den Eindruck von Volumen - Volumen in der Fläche. (Dies ist zum Beispiel bei der grünlich-blauen Studie einer nackten Frau von hinten deutlich zu sehen: Hier gibt es fast keine Modellierung - all die reiche Plastizität dieses Rückens, die Richtung der Volumen, die Fülle der Form sind durch die Konturlinie vermittelt.)

Picasso war schon damals ein unvergleichlicher Zeichner. Sabartes erinnerte sich, dass er, als er Picasso bei der Arbeit zusah, erstaunt war über die Zuversicht seiner Handbewegungen: Es schien, als würde die Hand nur die unsichtbaren Umrisse umkreisen, die bereits auf der Leinwand vorhanden waren.

"Blue style" ist eine Herausforderung an die impressionistische Malerei, eine Weigerung, dem Diktat der visuellen Wahrnehmung zu gehorchen, eine entschlossene Haltung gegenüber einem strukturellen, gebauten, geschaffenen Bild. Und in der Folge hat Picasso bei all seinen Transformationen dieses ursprüngliche Prinzip nie geändert.

Forscher bemerken die besondere Bedeutung des Themas Blindheit in den Werken der Frühzeit. Die Komposition "Frühstück der Blinden" in mehreren Versionen, das Gemälde "Blinder Gitarrist", ein blinder alter Mann mit einem Jungen, Zeichnungen, die einen Blinden mit einem Führer darstellen, eine Skulptur - der Kopf einer blinden Frau. Und die Sehenden verhalten sich fast wie die Blinden. Ihre Augen sind entweder halb geschlossen oder weit geöffnet, aber bewegungslos sehen sich die Menschen nicht an, kommunizieren mit Berührungen, tastenden Bewegungen der Hände. Hände in Bildern frühen Picasso- mit langen Fingern, dünnen, überaus sensiblen "gotischen" Händen - das sind die Hände der Blinden, Hände-Augen.

Warum eine solche Leidenschaft für Blinde? Ist es nur der Wunsch, die ultimative Entbehrung von Menschen zum Ausdruck zu bringen oder ihr Tasten in einer fremden Welt symbolisch zu zeigen? Offenbar verbirgt sich hier noch etwas anderes: die Vorstellung von der Hellsichtigkeit der Blindheit, die zugleich die Hellsichtigkeit der Liebe ist. Penrose verbindet das Thema Blindheit mit der ständigen Unzufriedenheit des Künstlers mit dem äußeren, visuell wahrgenommenen Aspekt von Phänomenen. „Das Äußere erschien ihm immer unzureichend. Irgendwo am Konvergenzpunkt der Sinneswahrnehmung mit den tiefen Sphären des Geistes befindet sich sozusagen ein inneres Auge, das mit der Kraft des Gefühls sieht und versteht. Er kann wahrnehmen, verstehen und lieben, auch wenn Wahrnehmung durch physisches Sehen unmöglich ist. Diese Wahrnehmung ist noch intensiver, wenn das Fenster zur Außenwelt fest verschlossen ist. Deutlich wird einer der rätselhaften Sprüche Picassos aus späterer Zeit: „Alles hängt von der Liebe ab. Darum geht es immer. Künstlern sollten die Augen ausgestochen werden wie Stieglitz, damit sie besser singen.

Probleme, die als „rein plastisch“ gelten – Zeichnung und Farbe, Raum, Form, Deformation – standen Picasso als menschliche Probleme gegenüber: Kommunikation, Verständigung, Durchdringung. Was bringt Menschen zusammen, was rettet sie vor der Einsamkeit? Ist es so, dass sie aufeinander Rücksicht nehmen? Nein, sie fühlen sich mit einem anderen sechsten Sinn. Und sollte nicht auch der Künstler mit Hilfe des sechsten Sinnes in seinem Erfassen der Dinge über das hinausgehen, was er einfach sieht? Picasso verehrte immer die Eule - einen Vogel, der tagsüber blind, aber im Dunkeln wachsam ist.

In seinem „Abstieg in die Hölle“ schmeckte Picasso die ganze Traurigkeit der menschlichen Armut, fühlte aber keine Hoffnungslosigkeit – es ist eher ein Fegefeuer als eine Hölle. Die Hoffnung wird seinen Krüppeln und Vagabunden nicht genommen, weil die Gabe der Liebe nicht genommen wird. Es gibt kein Gemälde von Picasso, das so eisige Einsamkeit ausstrahlt wie Van Goghs grün-rotes Café. Er zeigt ständig, wie zwei Wesen unzertrennlich und lautlos zusammen sein wollen - das ist vielleicht das zentrale innere Thema der blauen Periode.

Am direktesten kommt es in den zahlreichen Versionen von The Embrace zum Ausdruck. Am beredtesten ist vielleicht eine schnelle Kohleskizze aus dem Jahr 1901: Es gibt keinen Mann und keine Frau, keine Umarmung – es gibt eine Umarmung, keine zwei Menschen – es gibt Liebe zwischen zwei Menschen. Diese frühe Zeichnung erinnert ein wenig an Picassos viel spätere Kompositionen, in denen er Liebende metaphorisch durch zwei ineinander verschmolzene Profile darstellte.

Picasso interpretierte das Motiv der Umarmung mit absoluter Keuschheit: Hier herrscht keine Erotik, sondern spiritueller Eros im platonischen Sinne. Eigentlich klingt die Erotik im Werk von Picasso immer bedrohlich, düster, wird mit dem Thema Gewalt und Grausamkeit assoziiert – das ist vielleicht auch ein spanischer Zug, so anders als die heitere Sinnlichkeit, die die französische Kunst pflegt.

In der Kunst von Picasso ist sinnliche Leidenschaft eine der Spielarten von Feindschaft, "Krieg", der Wirkungsbereich von zerstörerischen Kräften. Wenn er über Liebe sprechen will, die Menschen zusammenbringt, verbannt er das Element der Sinnlichkeit. Manchmal macht er seine Figuren sogar geschlechtslos (Kritiker schrieben von den "Eigenschaften eines Androgynen"). Dystrophische Dünnheit, Abgemagertheit, herabhängende Müdigkeit eines Mannes und einer Frau, die an einem leeren Tisch sitzen, sich umarmen und einschlafen, schließen erotische Assoziationen aus: Der Wunsch zweier verlassener Menschen, sich gegenseitig zu retten, hat einen anderen, spirituellen Charakter.

Diese von der Liebe beschützten „Zwei“ sind nur in manchen Fällen ein Mann und eine Frau, ein Mann und eine Frau und häufiger andere Paare: ein alter Mann und ein Junge, eine Mutter und ein Kind, zwei Schwestern oder sogar ein Mann und ein Tier: ein Junge mit einem Hund, eine Frau mit Krähe, ein kleines Mädchen mit einer Taube.

Alle diese Charaktere sind in kompakt geschlossenen Konturen umrissen - ihre Posen selbst sind so, als ob sie unwillkürlich danach streben, möglichst wenig Platz einzunehmen, um unsichtbar oder warm zu sein: Sie falten die Hände, heben die Beine hoch, ziehen den Kopf an sich Schultern. Wenn es zwei sind, werden manchmal beide Figuren in diese geschlossene, geschlossene Konfiguration aufgenommen und "verwandeln sich fast buchstäblich in eine".

Es scheint, dass Picasso solche Motive besonders mag, bei denen die Schwachen die Schwachen beschützen. Er belebte das alte Thema der Mutter, die das Kind beschützt, wieder, und man muss zugeben, dass die besten seiner „Mutterschaften“ aus den frühen Tagen stammen. Das Gefühl schmachtender Zärtlichkeit für ein kleines hilfloses Geschöpf, das der junge Picasso bis in die Tiefen auslotete und in ihm etwas entdeckte, das an Schmerz grenzte. Auf den ersten Blick liegt in der manieristischen Anmut seiner „Mütter“ gleichsam eine gewisse Kälte, aber es ist eine Kälte, eine Nadelspitze, die ein nacktes Herz berührt.

Eines der frühesten Werke der blauen Periode ist „Mädchen mit einer Taube“: Ein kleines Mädchen hält vorsichtig eine Taube zwischen ihren Handflächen. Man kann hier die erste Geburt eines der übergreifenden Themen von Picasso sehen, das sich – explizit oder verdeckt, rund, symbolisch oder direkt – durch sein langes Werk zieht. Es ist mit der Legende vom Heiligen Christophorus verwandt, der das Christuskind durch einen reißenden Strom trug.

Den kommenden Tag beschützen, das Leben schwach und zitternd wie eine Kerzenflamme durch die Umwälzungen der Zeit tragen – das ist das Thema der Hoffnung; nach vielen Jahren wurde sie zu Picassos Thema der Welt. Mehr als vierzig Jahre nach „Das Mädchen mit der Taube“ schuf er eine Statue des Mannes mit dem Lamm: Ein verängstigtes Lamm zittert und weint, der Mann trägt es ruhig und so vorsichtig wie ein Mädchen eine Taube. Um dieses verborgene Zentrum herum sind viele Motive Picassos angesiedelt, die ihn ständig verfolgen: Spielende Kinder, die jemand Starkes vor einem Monster beschützt (solche Kompositionen gehören zu den Vorzeichnungen für den „Tempel des Friedens“); wach neben dem Schlafenden; leidende verletzte Tiere; schließlich das Motiv einer Kerze oder einer Fackel - einer Lampe, die die Dunkelheit erhellt: Das Lichtgenie, das in die Hölle von "Guernica" eindringt, hält eine Kerze in der Hand ausgestreckte Hand. Manchmal erweist sich Schwäche als Stärke und brutale Stärke als Hilflosigkeit: In einer Serie mit einem Minotaurus sehen wir ein Kind, das selbstbewusst ein blindes, geschwächtes Halbtier führt.

„Ich stürzte ins Blaue, als mir klar wurde, dass Casajemas tot war“, gab Picasso später zu. „Die Periode von 1901 bis 1904 im Werk von Picasso wird gewöhnlich als die „blaue“ Periode bezeichnet, da die meisten Gemälde dieser Zeit in einer kalten blaugrünen Skala gemalt sind, was die Stimmung der Müdigkeit und der tragischen Armut verschlimmert. Was später als "blaue" Zeit bezeichnet wurde, wurde mit Bildern trauriger Szenen multipliziert, Gemälden voller tiefer Melancholie. All dies ist auf den ersten Blick unvereinbar mit der enormen Vitalität des Künstlers selbst. Aber wenn wir uns an die Selbstporträts eines jungen Mannes mit großen traurigen Augen erinnern, verstehen wir, dass die Gemälde der "blauen" Zeit die Emotionen vermitteln, die den Künstler damals besessen haben. Eine persönliche Tragödie schärfte seinen Blick für das Leben und die Trauer leidender und benachteiligter Menschen.

Es ist paradox, aber wahr: Die Ungerechtigkeit der Lebensordnung wird nicht nur von denen stark empfunden, die seit ihrer Kindheit das Joch der Nöte des Lebens oder noch schlimmer - die Abneigung geliebter Menschen - erfahren haben, sondern auch von recht wohlhabenden Menschen. Picasso ist dafür ein Paradebeispiel. Seine Mutter verehrte Pablo, und diese Liebe wurde für ihn bis zu seinem Tod zu einer undurchdringlichen Rüstung. Der Vater, der immer wieder in finanzielle Schwierigkeiten geriet, wusste seinem Sohn mit aller Kraft zu helfen, obwohl er sich manchmal in eine ganz andere Richtung bewegte, als Don Jose es vorschlug. Der geliebte und wohlhabende junge Mann wurde kein Egozentriker, obwohl die Atmosphäre der dekadenten Kultur, in der er in Barcelona geformt wurde, dazu beigetragen zu haben scheint. Im Gegenteil, er spürte mit großer Wucht die soziale Unordnung, die große Kluft zwischen Arm und Reich, die Ungerechtigkeit der Gesellschaftsstruktur, ihre Unmenschlichkeit – mit einem Wort alles, was zu den Revolutionen und Kriegen des 20. Jahrhunderts geführt hat .

„Wenden wir uns einem der zentralen Werke Picassos dieser Zeit zu – dem Gemälde „Der alte Bettler mit einem Knaben“, das 1903 entstand und sich heute im Staatlichen Museum der Bildenden Künste befindet. A. S. Puschkin. Auf einem flachen, neutralen Hintergrund sind zwei sitzende Figuren dargestellt - ein hinfälliger blinder alter Mann und ein kleiner Junge. Die Bilder sind hier in ihrem scharf kontrastierenden Gegensatz wiedergegeben: das Gesicht eines alten Mannes, faltig, wie von einem kraftvollen Hell-Dunkel-Spiel geformt, mit tiefen Höhlen blinder Augen, seiner knochigen, unnatürlich kantigen Gestalt, den Bruchlinien seiner Beine und Arme und, im Gegensatz zu ihm, weit geöffnete Augen auf einem sanften , dem sanft modellierten Gesicht eines Jungen, den glatten, fließenden Linien seiner Kleidung. Ein Knabe, der an der Schwelle zum Leben steht, und ein altersschwacher Mann, an dem der Tod bereits seine Spuren hinterlassen hat – diese Gegensätze vereint im Bild eine tragische Gemeinsamkeit. Die Augen des Jungen sind weit geöffnet, aber sie wirken so blicklos wie die schrecklichen Lücken in den Augenhöhlen des alten Mannes: Er ist in die gleiche freudlose Meditation versunken. Die stumpfe blaue Farbe verstärkt zusätzlich die Stimmung von Trauer und Hoffnungslosigkeit, die sich in den traurig konzentrierten Gesichtern der Menschen ausdrückt. Die Farbe ist hier nicht die Farbe von realen Objekten, noch ist sie die Farbe von realem Licht, das den Bildraum durchflutet. Mit den gleichen stumpfen, tödlich kalten Blautönen vermittelt Picasso die Gesichter von Menschen, ihre Kleidung und den Hintergrund, auf dem sie dargestellt sind.

Das Bild ist lebensecht, aber es gibt viele Konventionen darin. Die Körperproportionen des alten Mannes sind hypertrophiert, eine unbequeme Körperhaltung betont seine Gebrochenheit. Schlankheit ist unnatürlich. Die Gesichtszüge des Jungen sind stark vereinfacht dargestellt. „Der Künstler sagt uns nichts darüber, wer diese Menschen sind, welchem ​​Land oder welcher Epoche sie angehören und warum sie so zusammengekauert auf dieser blauen Erde sitzen. Dennoch spricht das Bild Bände: In der gegensätzlichen Gegenüberstellung des alten Mannes und des Jungen sehen wir sowohl die traurige, düstere Vergangenheit des einen als auch die hoffnungslose, zwangsläufig düstere Zukunft des anderen und die tragische Gegenwart beider. Das sehr traurige Gesicht der Armut und Einsamkeit schaut uns mit seinen traurigen Augen aus dem Bild an. In seinen in dieser Zeit entstandenen Werken vermeidet Picasso Fragmentierung, Detaillierung und bemüht sich auf jede erdenkliche Weise, die Hauptidee des Dargestellten zu betonen. Diese Idee bleibt der überwiegenden Mehrheit seiner frühen Schriften gemeinsam; genau wie in The Old Man Beggar with the Boy besteht es darin, die Unordnung, die traurige Einsamkeit der Menschen in der tragischen Welt der Armut aufzudecken.

In der "blauen" Zeit wurden neben den bereits erwähnten Gemälden ("Alter Bettler mit einem Jungen", "Bierkrug (Porträt von Sabartes)" und "Leben"), "Selbstbildnis", "Datum (Zwei Schwestern )“, „Kopf einer Frau“ entstanden, Tragödie etc.

Pablo Picasso wurde am 25. Oktober 1881 in Spanien in der Stadt Malaga in der Familie des Künstlers Jose Ruiz Blasco geboren. Das Talent des zukünftigen Künstlers zeigte sich früh. Bereits im Alter von 7 Jahren fügte der Junge den Gemälden seines Vaters einige Details hinzu (die erste derartige Arbeit waren die Pfoten von Tauben). Im Alter von 8 Jahren wurde das erste ernsthafte Ölgemälde namens „Picador“ gemalt.

"Pikador" 1889

Mit 13 Jahren wurde Pablo Picasso Student an der Akademie der Künste in Barcelona – Pablo zeigte sich bei den Aufnahmeprüfungen so gut, dass die Kommission ihn trotz seines jungen Alters in die Akademie aufnahm.

1897 ging Picasso nach Madrid, um in die Königliche Akademie der Schönen Künste von San Fernando einzutreten. Aber Pablo hat dort nicht länger als ein Jahr studiert – zu langweilig und eng war es für ein junges Talent in der Akademie mit ihren klassischen Traditionen. In Madrid interessierte sich der junge Mann eher für das hektische Leben der Metropole. Pablo widmete auch viel Zeit dem Studium der Werke von Künstlern wie Diego Vilasquez, Francisco Goya und El Greco, die großen Eindruck auf den Künstler machten.

In diesen Jahren besuchte der Künstler erstmals Paris, das damals als Hauptstadt der Künste galt. Er lebte monatelang in dieser Stadt und besuchte verschiedene Museen, um die Werke der Meister der Malerei zu studieren: Van Gogh, Gauguin, Delacroix und viele andere. Picasso wird in Zukunft oft Paris besuchen, und später wird ihn diese Stadt so in seinen Bann ziehen, dass Picasso beschließt, dauerhaft dorthin zu ziehen (1904).

Die berühmtesten Werke von Pablo Picasso, geschrieben von ihm in der Frühzeit (vor 1900)

"Porträt einer Mutter" 1896

"Erkenntnis und Barmherzigkeit" 1897

"Erstkommunion" 1896

"Selbstbildnis" 1896

"Matador Luis Miguel Domingen" 1897

"Spanisches Ehepaar vor dem Hotel" um 1900

„Barfüßiges Mädchen. Fragment» 1895

"Mann am Teichufer" 1897

"Mann mit Hut" 1895

"Boulevard Clichy" 1901

"Bildnis des Vaters des Künstlers" 1895

Die nächste Periode im Werk von Pablo Picasso heißt "blau". 1901 - 1904. In Picassos Palette herrschten kalte Farben vor - hauptsächlich Blau und seine Schattierungen. Zu dieser Zeit hob Picasso die Themen Alter, Armut, Armut, Melancholie und Traurigkeit waren die charakteristische Stimmung der Gemälde dieser Zeit. Der Künstler stellte menschliches Leid dar, zeichnete Blinde, Bettler, Alkoholiker und Prostituierte usw. - Sie waren die Hauptfiguren der "blauen" Zeit.

Werke der "blauen" Zeit (1901-1904)

"Frühstück der Blinden" 1903

"Mutter und Kind" 1903

"Absinthtrinker" 1901

"Bügeleisen" 1904

"Der alte Bettler mit dem Knaben" 1903

"Leben" 1903

"Zwei Schwestern (Datum)" 1902

"Blaues Zimmer (Bad)" 1901

"Gourmet" 1901

"Sitzende Frau mit Kapuze" 1902

In der "rosa" Zeit (1904 - 1906) Hauptthema In der Arbeit des Künstlers gab es einen Zirkus und seine Charaktere - Akrobaten und Komiker. Helle fröhliche Farben setzten sich durch. Die Lieblingsfigur dieser Zeit kann der Harlekin genannt werden, der am häufigsten in den Werken von Picasso zu finden war. Neben dem Zirkus inspirierte ihn auch das Model Fernanda Olivier, das er 1904 ganz am Anfang der „rosa“ Zeit kennenlernte. Sie war während der gesamten Zeit die Muse des Künstlers.

Werke der "rosa" Zeit (1904 - 1906)

"Akrabat und Harlekin" 1905

"Mädchen mit Ziege", 1906

"Junge führt ein Pferd" 1906

"Familie der Komödianten" 1905

"Bauern" 1906

"Nackte Frau mit Krug" 1906

"Kämmen" 1906

"Frau mit Brot" 1905

"Zwei Akrabaten mit einem Hund" 1905

"Toilette" 1906

einer von Berühmte Gemälde P. Picasso „Mädchen am Ball“ (1905), das sich heute im Staatlichen Museum der Bildenden Künste befindet. A. S. Puschkin nennen einige Experten den Übergang von der "blauen" Periode zur "rosa".

"Mädchen am Ball" 1905

Der Wendepunkt im Werk von Picasso war das von ihm 1906 gemalte Porträt von Gertrude Stein.

Die Arbeit an dem Porträt war hart – der Künstler schrieb das Porträt etwa 80 Mal um, und infolgedessen entfernte sich Picasso vom Porträt als Genre. bildende Kunst im klassischen Sinn. Alle weiteren Arbeiten von Picasso lassen sich durch nur einen seiner Sätze charakterisieren: "Wir müssen nicht schreiben, was ich sehe, sondern was ich weiß." An dieser Installation versuchte P. Picasso bis an sein Lebensende festzuhalten.

Kubismus

Diese große Periode im Werk von Pablo Picasso ist in mehrere Etappen unterteilt. Dies ist die Zeit einer völligen Ablehnung der Detaillierung der Charaktere: Sujet und Hintergrund verschmelzen fast zu einer Einheit, es gibt keine klar definierten Grenzen. Picasso war überzeugt, dass ein Künstler mehr kann, als nur zu zeigen, was das Auge sieht.

Die erste Phase ist die "Cezanne" alias die "afrikanische" Periode. Diese Phase zeichnet sich durch die Konstruktion von Bildern aus einfach geometrisch Formen und das Vorherrschen von wolkigen, verschwommenen Grün-, Ocker- und Brauntönen.

In den Jahren 1907-1909 konzentrierte sich die Aufmerksamkeit des Künstlers auf die afrikanische Kunst, der er erstmals 1907 bei einer ethnografischen Ausstellung im Trocadero-Museum begegnete. Von nun an wurde Picassos Werk von einfachen, ja primitiven Formen der abgebildeten Objekte dominiert. In der Technik begann der Künstler, grobe Schattierungen zu verwenden. Als erstes Gemälde im „afrikanischen“ Stil gilt „Die Mädchen von Avignon“ aus dem Jahr 1907.

Dieses Bild wurde vom Autor das ganze Jahr über geschrieben. So lange hat Picasso mit keinem seiner Bilder gearbeitet. Infolgedessen unterschied sich dieses Werk so sehr von seinen früheren Gemälden, dass es von der Öffentlichkeit zweideutig wahrgenommen wurde. Aber nachdem Picasso einen neuen, für ihn interessanten Stil gefunden hatte, wollte er sich nicht zurückziehen, und der Künstler entwickelte ihn zwei Jahre lang auf jede erdenkliche Weise.

Werke des "Cezanne"-Kubismus ("afrikanische" Periode) (1907 - 1909)

"Bauer" 1908

"Der Kopf eines Mannes" 1907

"Badende" 1909

"Stilleben mit Schale und Krug", 1908

"Akt mit Vorhang (Tanz mit Schleier)" 1907

"Porträt von Manuel Pallares" 1909

"Drei Figuren unter einem Baum" 1907

"Gläser und Früchte" 1908

"Büste eines Mannes (Athlet)" 1909

"Frau" 1907

In der analytischen Phase kam Picasso zu der Erkenntnis, dass er sich ganz auf das Volumen und die Form von Objekten konzentrieren und die Farbe in den Hintergrund verbannen musste. Auf diese Weise Kennzeichen Der analytische Kubismus wurde monochrom. Bemerkenswert ist auch die Struktur der Werke dieser Zeit - der Künstler scheint Objekte in kleine Fragmente zu zerkleinern. Die Grenze zwischen verschiedenen Dingen verschwindet und alles wird als Ganzes wahrgenommen.

Werke des "analytischen" Kubismus (1909-1912)

"Mann mit Gitarre" 1911

„Der Mann mit der Geige“ 1912

"Akkordeonist" 1911

"Stilleben mit Schnapsflasche" 1909

"Dichter" 1911

"Porträt von Fernanda" 1909

"Bildnis Wilhelm Uhde", 1910

"Sitzender Akt" 1910

"Frau in Grün", 1909

"Frau im Sessel", 1909

Der Beginn der synthetischen Periode war das 1912 von Pablo Picasso gemalte Gemälde „Erinnerungen an Le Havre“. In diesem Bild erschienen hellere Farben, die dem analytischen Kubismus nicht eigen waren.

Monochrome Arbeiten wichen wieder der Farbe. Grundsätzlich dominierten in der Malerei dieser Zeit Stillleben: Weinflaschen, Notizen, Besteck u Musikinstrumente. Um die Abstraktheit in der Arbeit an den Gemälden zu verwässern, wurden reale Gegenstände verwendet, wie z. B.: Seile, Sand, Tapeten usw.

Werke des "synthetischen" Kubismus (1912-1917)

"Mann am Kamin" 1916

"Mann mit Zylinder", 1914

„Glas u Spielkarten» 1912

"Gitarre" 1912

"Stilleben mit Früchten auf dem Tisch" 1914-1915

"Sockel" 1914

"Tisch im Café (Flasche Perno)" 1912

"Wirtshaus (Schinken)" 1914

"Grünes Stillleben" 1914

"Mann mit Pfeife, im Sessel sitzend" 1916

Obwohl der Kubismus von vielen aktiv kritisiert wurde, verkauften sich die Werke dieser Zeit gut und Pablo Picasso hörte endlich auf zu betteln und zog in eine geräumige Werkstatt.

Die nächste Periode in der Arbeit des Künstlers war der Neoklassizismus, der durch Picassos Heirat mit der russischen Ballerina Olga Khokhlova im Jahr 1918 eingeleitet wurde. Vorausgegangen war Pablos Arbeit an den Bühnenbildern und Kostümentwürfen für die Ballettparade im Jahr 1917, während er diese Arbeit aufführte dass die Künstlerin Olga Khokhlova traf.

Vorhang für das Ballett "Parade" 1917

Ballettprogramm Parade mit Picassos Zeichnung. 1917

Als Picasso verkleideter chinesischer Zauberer, moderne Interpretation, 2003

Der Charakter des französischen "Stewards" (Barkers)

Diese Periode ist sehr weit vom Kubismus entfernt: echte Gesichter, helle Farben, regelmäßige Formen ... Er wurde von seiner russischen Frau zu solchen Änderungen in seiner Arbeit inspiriert, die viele neue Dinge in Pablos Leben brachte. Sogar der Lebensstil des Künstlers hat sich geändert - die Teilnahme an gesellschaftlichen Veranstaltungen, kostümierten Balletten usw. Mit einem Wort, Picasso begann sich in einer säkularen Umgebung zu drehen, die ihm zuvor fremd war. Für einen so scharfen Übergang vom Kubismus zum Klassizismus wurde Picasso von vielen kritisiert. Der Künstler beantwortete alle Forderungen in einem seiner Interviews: „Immer wenn ich etwas sagen möchte, spreche ich so, wie es meiner Meinung nach gesagt werden sollte.“

Werke der Neoklassik (1918 - 1925)

"Einen Brief lesen" 1921

"Badende" 1918

"Liebespaar" 1923

"Mutter und Kind" 1921

"Olga Chochlowa in einer Mantille" 1917

"Olga Picasso", 1923

"Erstkommunion" 1919

"Pierrot" 1918

"Bildnis Olga im Lehnstuhl" 1917

"Portrait of Paul" des Sohnes des Künstlers 1923

"Schlafende Bauern" 1919

"Drei Badegäste" 1920

"Frau mit Kind am Meeresufer" 1921

"Frau in einer Mantille" 1917

"Am Ufer laufende Frauen" 1922

1925 malte der Künstler das Gemälde "Tanz", das die damaligen Probleme im persönlichen Leben des Künstlers vollständig widerspiegelt.

Im Winter 1927 begegnet Picasso seiner neuen Muse, der siebzehnjährigen Marie-Thérèse Walter, die zu einer Figur in vielen Gemälden der surrealistischen Zeit wurde. 1935 hatte das Paar eine Tochter, Maya, aber 1936 verließ Picasso Maria Theresa und Olga Khokhlova, mit denen er bis zu Olgas Tod 1955 keine offizielle Scheidung einreichen würde.

Werke der Zeit des Surrealismus (1925 - 1936)

"Akrabat" 1930

"Mädchen wirft einen Stein" 1931

"Figuren am Strand" 1931

"Stilleben" 1932

"Akt und Stilleben" 1931

"Nackt am Strand" 1929

"Nackt am Strand" 1929

"Frau mit Blume" 1932

"Traum (Bildnis der Geliebten der Künstlerin Maria Teresa Walter)" 1932

"Akt im Lehnstuhl" 1932

"Akt im Sessel", 1929

"Kuss" 1931

In den 30er und 40er Jahren wurde der Stier, der Minotaurus, zum Helden vieler Gemälde von Picasso. Der Minotaurus im Werk des Künstlers ist die Verkörperung von Zerstörungskraft, Krieg und Tod.

"Minotaurie" 1935

"Palette und Stierkopf" 1938

"Lammkopf" 1939

"Stilleben mit Stierschädel" 1942

"Stierschädel, Frucht, Krug" 1939

"Drei Widderköpfe" 1939

Im Frühjahr 1937 löschten die deutschen Faschisten die kleine Stadt Guernica in Spanien buchstäblich aus. Picasso konnte dieses Ereignis nicht ignorieren und so entstand das Gemälde „Guernica“. Dieses Bild kann als Apotheose des Minotaurus-Themas bezeichnet werden. Die Dimensionen des Gemäldes sind beeindruckend: Länge - 8 m, Breite - 3,5 m. Ein Fall im Zusammenhang mit dem Gemälde ist bekannt. Bei einer Durchsuchung durch die Gestapo bemerkte ein Nazi-Offizier das Gemälde und fragte Picasso: "Haben Sie das getan?" worauf der Künstler antwortete „Nein. Du hast es geschafft!"

"Guernica" 1937

Parallel zu den Leinwänden über die Minotauren schafft Pablo Picasso eine Serie über Monster. Diese Serie drückt die Position des Künstlers während des spanischen Bürgerkriegs aus, in dem er die Republikaner unterstützte und sich der Politik des Diktators Franco widersetzte.

"Träume und Lügen von General Franco" (1937)

"Träume und Lügen von General Franco" (1937)

Alle Zweite Weltkrieg Pablo Picasso lebte in Frankreich, wo der Künstler 1944 Mitglied der Kommunistischen Partei Frankreichs wurde.

Kriegsarbeiten (1937-1945)

"Fasan" 1938

"Frauenkopf mit Hut" 1939

"Maria Teresa im Kranz" 1937

"Atelier des Künstlers" 1943

"Maya mit Puppe" 1938

"Beten" 1937

"Stilleben" 1945

"Weinende Frau mit Kopftuch" 1937

„Vögel im Käfig“ 1937

"Verwundeter Vogel und Katze" 1938

"Gruft" 1945

"Frau auf rotem Stuhl" 1939

1946 arbeitete der Künstler an Gemälden und Tafeln für das Schloss der Familie Grimaldi in Antibes (einem Ferienort in Frankreich). In der ersten Halle des Schlosses wurde eine Tafel mit dem Titel „The Joy of Life“ installiert. Die Hauptfiguren dieses Panoramas waren Fabelwesen, Faune, Zentauren und nackte Mädchen.

"Die Freude des Seins" 1946

Im selben Jahr lernte Pablo die junge Künstlerin Francoise Gilot kennen, mit der sie sich im Schloss Grimaldi niederließen. Später bekamen Picasso und Francoise zwei Kinder, Paloma und Claude. Zu dieser Zeit malte der Künstler oft seine Kinder und Francoise, doch die Idylle hielt nicht lange an: 1953 nahm Francoise die Kinder und verließ Pablo Picasso. Françoise konnte den ständigen Verrat des Künstlers und seine schwierige Natur nicht länger ertragen. Der Künstler erlebte diesen Abschied sehr hart, was sich auf seine Arbeit auswirken musste. Beweis dafür sind die Tuschezeichnungen eines hässlichen alten Zwergs mit einem schönen jungen Mädchen.

Eines der bekanntesten Symbole der „Friedenstaube“ wurde 1949 geschaffen. Er trat erstmals auf dem Weltfriedenskongress in Paris auf.

1951 malte Picasso das Gemälde „Massaker in Korea“, das von den Gräueltaten dieses „vergessenen“ Krieges erzählt.

"Massaker in Korea" 1951

1947 zog der Künstler nach Südfrankreich in die Stadt Vallauris. In dieser Stadt begann er sich für Keramik zu interessieren. Picasso wurde zu einem solchen Hobby durch die jährliche Keramikausstellung in Vallauris inspiriert, die er bereits 1946 besuchte. Besonderes Interesse zeigte der Künstler an den Gegenständen aus der Werkstatt von Madura, in der er später arbeitete. Die Arbeit mit Ton ließ den anerkannten Maler und Grafiker die Schrecken des Krieges vergessen und in eine andere fröhliche und heitere Welt eintauchen. Plots für Keramik sind die einfachsten und unkompliziertesten - Frauen, Vögel, Gesichter, Märchenfiguren… Sogar das 1967 erschienene Buch „Ceramics of Picasso“ von I. Karetnikov ist der Keramik von Picasso gewidmet.

Picasso in Maduras Werkstatt