Pablo Ruizund Picasso, auch bekannt als Pablo Picasso(25. Oktober 1881 - 8. April 1973), war ein spanischer Maler, Bildhauer, Graveur, Keramiker, Theaterkünstler, ein Dichter und Dramatiker, der den größten Teil seines Lebens in Frankreich verbrachte. Als einer der größten und einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts gilt er als einer der Begründer des Kubismus, als Erfinder der Assemblage, der Collage und der großen Vielfalt an Stilen, die er mitentwickelt und erforscht hat. Zu seinen bekanntesten Werken gehören protokubistische Gemälde wie Die Jungfrauen von Avignon (1907), Guernica (1937) und die Darstellung der Bombardierung von Guernica durch die deutsche und italienische Luftwaffe, die von der spanischen nationalistischen Regierung während der Spanischen angeordnet wurde Bürgerkrieg.
Picasso, Henri Matisse und Marcel Duchamp gelten als die drei Künstler, die am genauesten beschrieben haben revolutionäre Ereignisse in der bildenden Kunst in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts und sind auch verantwortlich für die bedeutende Entwicklung von Malerei, Skulptur, Gravur und Keramik.
In seiner Kindheit und Jugend zeigte Picasso eine außergewöhnliche Begabung für die naturalistische Malerei. Während des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts änderte sich sein Stil, als er mit verschiedenen Theorien, Methoden und Ideen experimentierte. Seine Werke sind oft in Perioden unterteilt. Obwohl die Namen vieler späterer Perioden immer noch diskutiert werden, sind die am weitesten verbreiteten Perioden in seinem Werk: Blaue Periode (1901-1904), Rosa Periode (1904-1906), Afrikanische Periode (1907-1909), Analytischer Kubismus ( 1909-1912) und Synthetischer Kubismus (1912-1919).
Pablo Picasso, 1901, „Alte Frau (Frau mit Handschuhen, Frau mit Schmuck)“, Öl auf Karton, 67 x 52,1 cm, Philadelphia Museum of Art
Picasso, der während seines langen Lebens außergewöhnlich produktiv war, erlangte universellen Ruhm und großes Vermögen für seine revolutionären künstlerischen Errungenschaften und wurde zu einer der berühmtesten Figuren der Kunst des 20. Jahrhunderts.
frühe Jahre
Bei der Taufe erhielt Picasso die Namen Pablo, Diego, José, Francisco de Paula, Juan Nepomuseno, Maria de los Remedios, Cipriano de la Santisima Trinidad, eine Reihe von Namen zu Ehren verschiedener Heiliger und Verwandter. Sie wurden nach spanischem Recht von Ruiz und Picasso, seinem Vater bzw. seiner Mutter, hinzugefügt. Geboren in der Stadt Malaga in der autonomen Region Andalusien in Spanien. Er war das erste Kind von Don José Ruiz Blasco (1838-1913) und Maria Picasso Lopez. Obwohl Picasso ein getaufter Katholik war, wurde er später Atheist. Seine Familie gehörte der Mittelschicht an. Sein Vater war ein Künstler, der sich auf naturalistische Darstellungen von Vögeln und anderem Wild spezialisiert hatte. Die meiste Zeit seines Lebens arbeitete Ruiz als Kunstprofessor an einer Handwerksschule und als Kurator eines örtlichen Museums. Seine Vorfahren waren kleine Aristokraten.
Pablo Picasso, 1901-1902, Femme au café ("Die Absinthtrinkerin"), Öl auf Leinwand, 73 x 54 cm, Eremitage, St. Petersburg, Russland
Picasso zeigte schon in jungen Jahren eine Leidenschaft und Fähigkeit zum Zeichnen. Laut seiner Mutter waren seine ersten Worte "piz, piz", kurz für "lápiz", was auf Spanisch "Bleistift" bedeutet. Ab seinem siebten Lebensjahr erhielt Picasso von seinem Vater eine formelle Kunstausbildung in Zeichnen und Ölmalerei. Ruiz war ein traditioneller akademischer Künstler und Lehrer, der glaubte, dass eine angemessene Ausbildung ein strenges Kopieren von Meistern und Zeichnen erfordert menschlicher Körper von Gipsabdrücken und lebenden Modellen. Sein Sohn nahm jedoch die Kunst auf Kosten der Klassenarbeit auf.
1891 zog die Familie nach A Coruña, wo sein Vater Professor an der School of Fine Arts wurde. Hier blieben sie fast vier Jahre. Eines Tages fand der Vater seinen Sohn dabei, wie er seine unvollendete Skizze einer Taube übermalte. Eine apokryphe Geschichte besagt, dass Ruiz, als er die Präzision der Technik seines Sohnes beobachtete, das Gefühl hatte, dass der dreizehnjährige Picasso ihn übertroffen hatte. Er gelobte, das Malen aufzugeben, obwohl es Gemälde aus seinen späteren Jahren gibt.
1895 wurde Picasso durch den Tod seiner siebenjährigen Schwester Conchita an Diphtherie traumatisiert. Nach ihrem Tod zog die Familie nach Barcelona, wo Ruiz eine Stelle an der School of Fine Arts annahm. Der junge Künstler wuchs sicher in der Stadt auf, die er im Laufe der Zeit als echte Heimat betrachtete. Ruiz überzeugte die Beamten der Akademie, seinem Sohn die Teilnahme an der Aufnahmeprüfung zu ermöglichen. Für Studenten dauerte der Prozess oft einen Monat, aber Picasso beendete ihn in einer Woche, und die Jury akzeptierte ihn. Zum Zeitpunkt der Aufnahme war Picasso erst 13 Jahre alt. Als Student fehlte es ihm an Disziplin, aber er entwickelte Freundschaften, die sein späteres Leben beeinflussten. Nicht weit von zu Hause mietete sein Vater ein kleines Zimmer für ihn, damit er alleine arbeiten konnte, aber den Zeichnungen nach zu urteilen, überprüfte er ihn mehrmals am Tag. Beide stritten oft.
Picassos Vater und Onkel beschlossen, den jungen Künstler an die Königliche Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid zu schicken, die als die führende Kunsthochschule des Landes galt. Im Alter von 16 Jahren machte sich Picasso jedoch erstmals selbstständig, junger Künstler hatte eine Abneigung gegen formale Bildung und hörte kurz nach der Einschreibung auf, den Unterricht zu besuchen. Madrid behielt viele andere Sehenswürdigkeiten. Der Prado beherbergt Gemälde von Diego Velasquez, Francisco Goya und Francisco Zurbaran. Picasso bewunderte besonders die Werke von El Greco; Elemente wie verlängerte Gliedmaßen, leuchtende Farben und mystische Gesichter spiegelten sich in den weiteren Arbeiten von Picasso wider.
Start kreative Weise
Vor 1900
Picassos Ausbildung bei seinem Vater begann vor 1890. Seine Fortschritte lassen sich in der Sammlung früher Werke des Picasso-Museums in Barcelona nachvollziehen, die eine der vollständigsten Sammlungen der ersten Werke bedeutender Künstler ist, die bis heute erhalten ist. Während 1893 die Unreife seiner eigenen frühe Kreativität, und 1894 kann man sagen, dass er seine Karriere als Künstler begann. Der akademische Realismus, der Mitte der 1890er Jahre leicht erkennbar war, zeigt sich gut in First Communion (1896), einer großen Komposition, die seine Schwester Lola darstellt. Im selben Jahr, im Alter von 14 Jahren, malte er „Portrait of Aunt Pepa“, ein kraftvolles und dramatisches Bild, das Juan-Eduardo Sirlot „ohne Zweifel als eines der größten in der gesamten Geschichte der spanischen Malerei“ bezeichnete.
1897 nahm sein Realismus einen Hauch von Symbolik in einer Reihe von Landschaften an, die in nicht-naturalistischen Purpur- und Grüntönen dargestellt wurden. Darauf folgt die sogenannte Moderne (1899-1900). Die Bekanntschaft mit den Werken von Rossetti, Steinlen, Toulouse-Lautrec und Edvard Munch, verbunden mit der Bewunderung für alte Meister wie El Greco, führte Picasso zu seiner eigenen Version der Moderne.
1900 unternahm Picasso seine erste Reise nach Paris, der späteren künstlerischen Hauptstadt Europas. Dort traf er seinen ersten Pariser Freund, den Journalisten und Dichter Max Jacob, der Picasso beim Erlernen der französischen Sprache und Literatur half. Sie lebten bald in derselben Wohnung; Max schlief nachts, während Picasso tagsüber schlief und nachts arbeitete. Dies waren Zeiten extremer Armut, Kälte und Verzweiflung. Die meiste Arbeit wurde verbrannt, um den kleinen Raum zu heizen. In den ersten fünf Monaten des Jahres 1901 lebte Picasso in Madrid, wo er mit seinem anarchistischen Freund Francisco de Asis-Soller die Zeitschrift Arte Joven ("Junge Kunst") gründete, die fünf Ausgaben veröffentlichte. Soler steuerte Artikel bei, und Picasso illustrierte das Magazin und steuerte meist düstere Bilder bei, die Sympathie für die Armen zum Ausdruck brachten. Die erste Ausgabe erschien am 31. März 1901, als der Künstler begann, seine Werke mit „Picasso“ zu signieren; bevor er sie mit „Pablo Ruiz und Picasso“ signierte.
"Blaue Periode"
Picassos „Blaue Periode“ (1901-1904) ist geprägt von düsteren Gemälden in Blau- und Blaugrüntönen, die nur gelegentlich durch andere Farben aufgewärmt werden. Diese Periode begann entweder in Spanien Anfang 1901 oder in Paris in der zweiten Jahreshälfte. Viele Gemälde von ausgemergelten Müttern mit Kindern stammen aus der Blauen Periode, in der Picasso seine Zeit zwischen Barcelona und Paris aufteilte. Picasso wurde von seiner Reise nach Spanien und dem Selbstmord seines Freundes Carlos Casagemas beeinflusst, was zu einer strengen Verwendung von Farben und manchmal gequälten Motiven führte, wobei Prostituierte und Bettler häufige Motive waren. Ab Herbst 1901 malte er mehrere posthume Porträts von Casagemas, die in dem düsteren allegorischen Gemälde La Vie (Das Leben) (1903) gipfelten, das heute im Cleveland Museum of Art ausgestellt ist.
La Vie ("Leben") 1903, Kunstmuseum Cleveland
Infrarotbilder des Gemäldes The Blue Room von 1901 zeigen ein weiteres Gemälde darunter.
Die gleiche Stimmung durchdringt den bekannten Kupferstich „A Meager Meal“ (1904), der einen blinden Mann und eine sehende Frau, beide abgemagert, an einem fast leeren Tisch sitzend darstellt. Das Thema Blindheit taucht in Picassos Werken aus dieser Zeit wieder auf und ist auch in The Blind Man's Breakfast (1903, Metropolitan Museum of Art) und im Porträt von Celestine (1903) vertreten. Weitere Werke sind „Portrait of Soler“ und „Portrait of Suzanne Bloch“.
"Rosa Periode"
Die "Pink Period" (1904 - 1906) zeichnet sich durch einen fröhlicheren Stil aus, orange und pinke Blumen und Darstellungen von Zirkuskünstlern, Akrobaten und Harlekinen, die in Frankreich als "Saltimbanques" bekannt sind. Der Harlekin, eine komische Figur, die normalerweise in karierter Kleidung dargestellt wird, wurde zu einem persönlichen Symbol für Picasso. 1904 lernte er in Paris Fernande Olivier kennen, eine Bohème-Künstlerin, die seine Geliebte wurde. Olivier erscheint in vielen seiner Gemälde " rosa Periode“, von denen vieles von ihrer herzlichen Beziehung beeinflusst wurde, zusammen mit einem intensiven Studium der französischen Malerei. Im Allgemeinen erinnert die optimistische und optimistische Stimmung der Gemälde in dieser Zeit an 1899-1901 (d. h. unmittelbar vor der „blauen Periode“), und 1904 kann als Übergang zwischen den beiden Perioden angesehen werden.
Pablo Picasso, 1905, Au Lapin Agile ("In the Agile Rabbit"), Öl auf Leinwand, 99,1 x 100,3 cm, Metropolitan Museum of Art
Pablo Picasso, 1905, Garçon à la pipe („Junge mit Pfeife“), Privatsammlung, „Rosa Periode“
Porträt von Gertrude Stein, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York. Als jemand bemerkte, dass Stein nicht wie das Porträt aussah, antwortete Picasso: „Das wird sie.“
Bis 1905 war Picasso zu einem Liebling der amerikanischen Sammler Leo und Gertrude Stein geworden. Auch ihr älterer Bruder Michael Stein und seine Frau Sarah sammelten seine Arbeiten. Picasso malte ein Porträt von Gertrude und ihrem Neffen Alan Stein. Gertrude Stein wurde eine wichtige Förderin von Picasso, kaufte seine Zeichnungen und Gemälde und stellte sie im inoffiziellen Salon in ihrem Haus in Paris aus. Bei einer Veranstaltung im Jahr 1905 lernte er Henry Matisse kennen, der ein lebenslanger Freund und Rivale wurde. Stein stellte ihn Claribel Cohn und ihrer Schwester Etta vor, die amerikanische Sammler waren; Sie begannen auch, Gemälde von Picasso und Matisse zu erwerben. Infolgedessen zog Leo Stein nach Italien. Michael und Sarah Stein wurden Förderer von Matisse, während Gertrude Stein weiterhin Picasso sammelte.
1907 trat Picasso einer Kunstgalerie bei, die Daniel-Henri Kahnweiler kurz zuvor in Paris eröffnet hatte. Kahnweiler war ein deutscher Kunsthistoriker und Sammler. Er wurde einer der führenden Händler französische Kunst XX Jahrhundert. Kahnweiler gehörte zu den frühen Kuratoren von Pablo Picasso, Georges Braque und dem von ihnen mitentwickelten Kubismus. Er trug auch zum Wachstum von Künstlern wie André Derain, Kees van Dongen, Fernand Leger, Juan Gris, Maurice de Vlaminck und einigen anderen bei, die aus allen Teilen der Welt kamen, um zu dieser Zeit in der Gegend von Montparnasse zu leben und zu arbeiten.
Transformation zeitgenössische Kunst
Les Demoiselles d "Avignon ("Die Mädchen von Avignon"), 1907, Museum of Modern Art, New York
"Afrikanische Zeit"
Picassos „Afrikanische Periode“ (1907 – 1909) beginnt mit den beiden Figuren rechts im Gemälde „Die Mädchen von Avignon“, inspiriert von afrikanischen Artefakten. Die in dieser Zeit entwickelten Hauptideen führten direkt zur folgenden kubistischen Periode.
Kubismus
Analytischer Kubismus (1909-1912) ist ein von Picasso mit Georges Braque entwickelter Malstil mit monochromen bräunlichen und neutralen Farben. Beide Künstler nahmen Objekte auseinander und „analysierten“ sie formal. Die Gemälde von Picasso und Braque hatten diesmal viel gemeinsam. Der Synthetische Kubismus (1912-1919) war eine Weiterentwicklung eines Stils, bei dem ausgeschnittene Papierfragmente, oft Tapeten oder Teile von Zeitungsseiten, in Kompositionen eingefügt wurden, was die erste Verwendung von Collagen in der bildenden Kunst markierte.
In Paris unterhielt Picasso in den Vierteln Montmartre und Montparnasse einen angesehenen Freundeskreis, zu dem André Breton, der Dichter Guillaume Apollinaire, der Schriftsteller Alfred Jarry und Gertrude Stein gehörten. 1911 wurde Apollinaire wegen des Verdachts festgenommen, die Mona Lisa aus dem Louvre gestohlen zu haben. Er zeigte auf seinen Freund Picasso, der ebenfalls zum Verhör vorgeladen, aber später freigelassen wurde.
1909, Femme assise ("Sitzende Frau"), Öl auf Leinwand, 100 × 80 cm, Staatliche Museen zu Berlin, Neue Nationalgalerie
1909-1910, Figur dans un Fauteuil ("Sitzender Akt")
1910, La Femme au pot de moutarde ("Die Frau mit dem Senftopf"), Öl auf Leinwand, 73 × 60 cm, Städtisches Museum, Den Haag. 1913 auf der Armory Show in New York, Chicago und Boston ausgestellt
1910, Mädchen mit einer Mandoline (Fanny Tellier), Öl auf Leinwand, 100,3 × 73,6 cm, Museum of Modern Art, New York
1910, Porträt von Daniel Henri Kahnweiler, Art Institute of Chicago.
1910-1911, Guitariste, La mandoliniste ("Mandoline spielende Frau"), Öl auf Leinwand
Ca. 1911, Le Guitariste ("Gitarrist"). Abgedruckt im Manifest von Albert Gleizes und Jean Metzinger Du Cubisme ("Über den Kubismus") von 1912
1911, "Bottle of Rum", Öl auf Leinwand, 61,3 × 50,5 cm, Metropolitan Museum of Art, New York
1911, Le poète ("Der Dichter"), Öl auf Leinwand, 131,2 × 89,5 cm (51 5/8 × 35 1/4 ft), Solomon Guggenheim Museum, Peggy Guggenheim Collection, Venedig
1911-1912, Violine, Öl auf Leinwand, 100 × 73 cm (oval), Kröller-Müller-Museum
1913, „Flasche, Klarinette, Violine, Zeitung, Glas“, 55 × 45 cm Dieses Gemälde aus der Sammlung Wilhelm Uhde wurde vom französischen Staat beschlagnahmt und 1921 im Hotel Drouot versteigert.
1913, Femme assise dans un fauteuil (Eva) ("Frau in einem Hemd, die in einem Sessel sitzt (Eva)"), 149,9 × 99,4 cm, Sammlung Leonard Lauder, Metropolitan Museum of Art
1913-1914, Tête ("Kopf"), geschnittenes und geklebtes farbiges Papier, Gouache und Kohle auf Karton, 43,5 × 33 cm, Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh
1913–1914, L „Homme aux cartes“ („Der Kartenspieler“), Öl, Leinwand, 108 × 89,5 cm, Museum of Modern Art, New York
1914-1915 Nature morte au compotier
1916, L'anis del mono ("Bottle Anis del Mono"), Öl auf Leinwand, 46 × 54,6 cm, Detroit Art Institute, Michiga
Ruhm
Nachdem er etwas Ruhm und Reichtum erworben hatte, verließ Picasso Olivier für Marcel Humbert, den er Eva Güell nannte. In vielen Werken im Stil des Kubismus fügte Picasso eine Liebeserklärung an Eva ein. 1915 starb sie im Alter von 30 Jahren vorzeitig an einer Krankheit, ein Ereignis, das Picasso verwüstete.
Pablo Picasso und Bühnenbildner sitzen auf dem Pausenvorhang für Leonid Myasins Ballett Parade, das 1917 von Diaghilevs Russischem Ballett im Théâtre Châtelet in Paris aufgeführt wurde.
Bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs (August 1914) lebte Picasso in Avignon. Braque und Derain wurden mobilisiert, und Apollinaire trat der französischen Artillerie bei, während der Spanier Juan Gris im Kreis der Kubisten blieb. Während des Krieges schrieb Picasso im Gegensatz zu seinen französischen Kameraden ununterbrochen weiter. Seine Malerei wurde dunkler und das Leben veränderte sich, was zu dramatischen Folgen führte. Der Vertrag mit Kahnweiler beendete sein Exil aus Frankreich. Eigentlich sollte sich der Kunsthändler Leon Rosenberg der Arbeit von Picasso annehmen. Nach dem Verlust von Eva Güell hatte die Künstlerin eine Affäre mit Gaby Lespinasse. Im Frühjahr 1916 kehrte Apollinaire verwundet von der Front zurück. Sie erneuerten ihre Freundschaft, aber Picasso fing an, neue soziale Kreise zu besuchen.
Gegen Ende des Ersten Weltkriegs knüpfte Picasso eine Reihe wichtiger Kontakte zu Persönlichkeiten, die mit Djagilews Ballets Russes in Verbindung standen. Unter seinen Freunden in dieser Zeit waren Jean Cocteau, Jean Hugo, Juan Gris und andere. Im Sommer 1918 heiratete Picasso Olga Khokhlova, eine Ballerina aus der Truppe von Sergei Diaghilev, für die Picasso Skizzen für das in Rom stattfindende Ballett Parade von Eric Satie anfertigte; Sie verbrachten ihre Flitterwochen in der Nähe von Biarritz in der Villa der charmanten chilenischen Philanthropin Eugenia Errazuriz.
Kostümdesign von Pablo Picasso, das Wolkenkratzer und Boulevards für die Parade in Diaghilevs Ballets Russes im Théâtre Châtelet in Paris am 18. Mai 1917 verkörpert.
Nach der Rückkehr von seinen Flitterwochen und verzweifelt nach Geld, begann Picasso eine besondere Beziehung mit dem jüdisch-französischen Kunsthändler Paul Rosenberg. Als erste Pflicht mietete Rosenberg für das Paar auf eigene Kosten eine Wohnung in Paris, die sich in der Nähe seines Hauses befand. Dies war der Beginn einer tiefen brüderlichen Freundschaft zwischen zwei sehr unterschiedlichen Männern, die bis zum Ausbruch des Zweiten Weltkriegs andauern sollte.
Khokhlova führte Picasso in die High Society, formelle Abendessen und alle damit verbundenen sozialen Feinheiten des Lebens der Reichen im Paris der 1920er Jahre ein. Beide hatten einen Sohn, Paulo, der als promiskuitiver Motorradrennfahrer aufwuchs und später Chauffeur seines Vaters wurde. Khokhlovas Beharren auf sozialem Anstand kollidierte mit Picassos unkonventionellen Tendenzen, was dazu führte, dass beide in einem Zustand ständiger Konflikte lebten. In derselben Zeit, in der Picasso mit der Diaghilev-Kompanie zusammenarbeitete, arbeiteten er und Igor Strawinsky 1920 am Ballett Pulcinella. Er nutzte die Gelegenheit, um einige Zeichnungen des Komponisten anzufertigen.
"Parade", 1917, Vorhang für das Ballett "Parade". Dieses Werk ist das größte unter Picassos Gemälden. Centre Pompidou-Metz, Metz, Frankreich, Mai 2012.
1927 lernte Picasso die 17-jährige Marie-Thérèse Walter kennen und begann heimlich mit ihr auszugehen. Bald endete die Ehe von Picasso mit Khokhlova. Es war eher ein Bruch der Beziehungen als eine Scheidung, da nach französischem Recht im Falle einer Scheidung das Eigentum geteilt wurde und Picasso Chochlowa nicht die Hälfte seines Vermögens geben wollte. Sie blieben bis zu Khokhlovas Tod im Jahr 1955 legal verheiratet. Picasso setzte seine langjährige Romanze mit Marie-Therese Walter fort, mit der er eine Tochter, Maya, hatte. Marie-Therese lebte in der vergeblichen Hoffnung, dass Picasso sie eines Tages heiraten würde und erhängte sich vier Jahre nach seinem Tod. Zeit seines Lebens hatte der Künstler neben seiner Frau oder Hauptpartnerin mehrere Geliebte. Er heiratete zweimal und hatte vier Kinder mit drei Frauen:
Paulo (4. Februar 1921 - 5. Juni 1975) (geb. Paulo Joseph Picasso) - von Olga Khokhlova
Maya (5. September 1935 -) (geb. Maria de la Concepción Picasso) - von Marie-Therese Walter
Auch die Fotografin und Künstlerin Dora Maar war eine ständige Begleiterin und Liebhaberin von Picasso. Sie waren in den späten 1930er und frühen 1940er Jahren am nächsten. Es war Maar, der die Echtheit des Guernica-Gemäldes bestätigte.
Portrait d "Olga dans un fauteuil ("Porträt von Olga in einem Sessel"), 1918, Picasso-Museum, Paris, Frankreich
Porträt von Maria Theresia Walter, Datum: 1937, Maße: 38 cm x 46 cm, Materialien: Leinwand, Öl, Bleistift
Pablo Picasso, 1919, Sleeping Peasants, Gouache, Aquarell und Bleistift auf Papier, 31,1 x 48,9 cm, Museum of Modern Art, New York
Klassizismus und Surrealismus
Im Februar 1917 unternahm Picasso seine erste Reise nach Italien. In der Zeit nach den Wirren des Ersten Weltkriegs schafft Picasso Werke im neoklassizistischen Stil. In den 1920er Jahren manifestierte sich eine ähnliche „Rückkehr zur Ordnung“ im Werk vieler europäischer Künstler, darunter André Derain, Giorgio de Chirico, Gino Severini, Jean Metzinger, Künstler der „Neuen Sachlichkeit“ und der Gruppe „Novecento“. Picassos Gemälde und Zeichnungen aus dieser Zeit ähneln oft den Werken von Raffael und Ingres.
1925 erkannte der surrealistische Schriftsteller und Dichter André Breton in seinem Artikel Le Surréalisme et la peinture („Surrealismus und Malerei“), der in der Literaturzeitschrift La Révolution Surréaliste („Die surrealistische Revolution“) veröffentlicht wurde, Picasso als „einen von uns“ an. . In derselben Ausgabe wurde erstmals in Europa eine Kopie des Gemäldes Les Demoiselles ("Die Mädchen von Avignon") veröffentlicht. Bei der ersten Ausstellung der surrealistischen Gruppe im Jahr 1925 stellte Picasso jedoch Werke im kubistischen Stil aus; Der im Manifeste du surréalisme ("Manifest des Surrealismus") verankerte Begriff des "mentalen Automatismus in seiner reinsten Form" interessierte ihn nie vollständig. Zu dieser Zeit entwickelte er eine neue Bildsprache und eine formale Syntax für emotionalen Ausdruck, „die Gewalt, psychische Ängste und Erotik freisetzen, die seit 1909 in ihm weitgehend unterdrückt oder sublimiert worden waren“, schreibt die Kunsthistorikerin Melissa McQuillan. Dieser Übergang in Picassos Werk ist zwar auf den Kubismus und seine räumlichen Beziehungen zurückzuführen, wie McQuillan schreibt, „die Kombination von Ritual und Impuls im Bild erinnert an den Primitivismus des ‚Avignon‘ und die schwer fassbare psychologische Resonanz seiner symbolischen Werke. Der Surrealismus belebte Picassos Verlangen nach Primitivismus und Erotik.
In den 1930er Jahren löste der Minotaurus den Harlekin als gemeinsames Motiv in seinem Werk ab. Die Verwendung des Minotaurus kam zum Teil aus der Verbindung des Künstlers mit den Surrealisten, die ihn oft als Symbol verwendeten und der in Picassos Guernica erscheint. Der Minotaurus und Picassos Geliebte Marie-Thérèse Walther sind in seinen berühmten Suite Vollard-Stichen stark dargestellt.
In den Jahren 1939-1940 veranstaltete das Museum of Modern Art in New York unter Direktor Alfred Barr und einem glühenden Bewunderer von Picasso eine große Retrospektive von Picassos Hauptwerken bis zu dieser Zeit. Diese Ausstellung erregte Aufsehen um den Künstler und öffnete seine Kunst für die breite Öffentlichkeit in Amerika, was zu einem Umdenken seiner Arbeit durch moderne Kunsthistoriker und Wissenschaftler führte.
Das wohl berühmteste Werk Picassos ist seine Darstellung der deutschen Bombardierung Guernicas während des Spanischen Bürgerkriegs – „Guernica“. Diese große Leinwand verkörpert die Unmenschlichkeit, Grausamkeit und Hoffnungslosigkeit des Krieges. Auf eine Frage zur Erklärung seiner Symbolik antwortete Picasso: „Es ist nicht gut für einen Künstler, Symbole zu definieren. Ansonsten wäre es besser, wenn er sie zu Papier bringen würde! Das Publikum, das das Bild betrachtet, muss die Symbole so interpretieren, wie es sie versteht."
Guernica wird seit vielen Jahren im New Yorker Museum of Modern Art ausgestellt. 1981 wurde es nach Spanien zurückgebracht und im Casón del Buen Retiro (Cason del Buen Retiro-Gebäude des Prado-Museums) ausgestellt. 1992 wurde das Gemälde bei seiner Eröffnung im Nationalmuseum des Kunstzentrums Reina Sofia in Madrid präsentiert.
Weltkrieg und darüber hinaus
Während des Zweiten Weltkriegs blieb Picasso in Paris, obwohl die Deutschen die Stadt besetzten. Sein Kunst Stil entsprach nicht den nationalsozialistischen Kunstidealen und wurde daher in dieser Zeit nicht ausgestellt. Picasso wurde oft von der Gestapo verfolgt. Bei einer Durchsuchung seiner Wohnung sah der Beamte ein Foto des Guernica-Gemäldes. "Hast du das geschrieben?" fragte der Deutsche Picasso. "Nein", antwortete er, "Sie haben geschrieben."
Er verließ die Werkstatt, malte weiter und schuf Werke wie „Still Life with Guitar“ (1942) und „Crypt“ (1944-48). Obwohl die Deutschen den Bronzeguss in Paris verboten, verwendete Picasso weiterhin Bronze, die ihm von der französischen Résistance in die Hände geschmuggelt worden war.
Um diese Zeit begann Picasso alternativ mit dem Schreiben. In den Jahren 1935-1959 schrieb er über 300 Gedichte. Die meisten von ihnen hatten keinen Namen, außer dem Datum und in einigen Fällen dem Ort, an dem sie geschrieben wurden (z. B. „Paris, 16. Mai 1936“). Diese Werke waren Geschmackssache, erotisch und bisweilen obszön, wie seine beiden Mehrakter Desire Caught by the Tail (1941) und Four Girls (1949).
1944, nach der Befreiung von Paris, begann der damals 63-jährige Picasso Romantische Beziehung mit einer jungen Kunststudentin namens Françoise Gilot. Sie war 40 Jahre jünger als er. Picasso, müde von seiner Geliebten Dora Maar, begann mit Gilot zu leben. Im Laufe der Zeit bekamen sie zwei Kinder: Claude, geboren 1947, und Paloma, 1949. In seinem Buch Life with Picasso von 1964 beschreibt Gilot seinen Missbrauch und unzählige Untreue, die dazu führten, dass sie ihn verließ, um ihre Kinder zu nehmen. Es war ein schwerer Schlag für Picasso.
Der Künstler hatte eine Affäre mit Frauen, zu denen er einen noch größeren Altersunterschied hatte als zu Gilot. Noch in einer Beziehung mit Gilot hatte Picasso 1951 eine sechswöchige Affäre mit der vier Jahre jüngeren Geneviève Laporte. In den 70er Jahren haben viele seiner Gemälde, Tuschezeichnungen und Stiche einen alten, grotesken Zwerg als Thema, der sich unsterblich in schöne junge Modelle verliebt. Jacqueline Roquet (1927-1986) arbeitete in der Töpferei Madoura in Vallauris an der Côte d'Azur, wo Picasso Töpferwaren herstellte und bemalte. Sie wurde seine Geliebte und 1961 seine zweite Frau. Beide blieben bis zum Ende von Picassos Leben zusammen.
Seine Heirat mit Roque war auch Gilots Art, sich zu rächen; Mit Picassos Hilfe plante Gilot, sich vom damaligen Ehemann Luke Simon scheiden zu lassen, um Picasso zu heiraten, um die Rechte ihrer Kinder als seine gesetzlichen Erben zu sichern. Nachdem Gilot die Scheidung eingereicht hatte, war Picasso bereits heimlich mit Rock verheiratet. Dies führte zu Spannungen in seiner Beziehung zu Claude und Paloma.
Zu diesem Zeitpunkt hatte Picasso ein riesiges gotisches Haus gebaut und konnte sich große Villen in Südfrankreich leisten, wie Notre-Dame-de-Vie am Stadtrand von Mougins und in der Region Provence-Alpes-Côte d'Azur. Er war eine internationale Berühmtheit, deren Privatleben oft interessanter war als seine Kunst.
Neben seinen künstlerischen Leistungen trat Picasso in mehreren Filmen auf, jedes Mal als er selbst, darunter ein Gastauftritt in Jean Cocteaus Testament of Orpheus. 1955 half er bei der Produktion des Films Le Mystère Picasso (Das Geheimnis von Picasso) unter der Regie von Henri-Georges Clouzot.
Stanisław Lorenz leitet 1948 während der Ausstellung „Moderne französische Künstler und Pablo Picassos Keramik“ eine Führung für Pablo Picasso durch das Nationalmuseum in Warschau. Picasso schenkte dem Warschauer Museum mehr als ein Dutzend seiner Keramiken, Zeichnungen und Farbstiche.
Picasso war einer von 250 Bildhauern, die beim 3 Internationale Ausstellung Skulpturen, die Mitte 1949 im Philadelphia Museum of Art aufbewahrt wurden. 1950 änderte sich Picassos Stil erneut, als er sich daran machte, die Kunst der großen Meister neu zu interpretieren. Er malte eine Reihe von Werken, die auf Las Meninas von Velázquez basieren. Picasso schuf auch Gemälde nach den Werken von Goya, Poussin, Manet, Courbet und Delacroix.
Er wurde beauftragt, den Grundriss für eine riesige, 15 m hohe öffentliche Skulptur zu erstellen, die in Chicago gebaut werden sollte und allgemein als Chicago Picasso bekannt ist. Er ging mit großem Enthusiasmus an das Projekt heran und entwarf die umstrittene und etwas umstrittene Skulptur. Die dargestellte Figur ist nicht bekannt; es kann ein Vogel, ein Pferd, eine Frau oder eine völlig abstrakte Form sein. Diese Skulptur ist eines der bekanntesten Wahrzeichen der Innenstadt von Chicago und wurde 1967 enthüllt. Picasso weigerte sich, 100.000 Dollar zu zahlen und spendete den gesamten Betrag an die Menschen in der Stadt.
Picassos letzte Werke waren eine Stilmischung, eine Ausdrucksweise, die für den Rest seines Lebens in ständiger Bewegung war. Nachdem er seine ganze Energie der Kreativität gewidmet hatte, wurde Picasso mutiger und seine Werke farbenfroher und ausdrucksvoller. Von 1968 bis 1971 schuf er viele Gemälde und Hunderte von Kupferstichen. Diese Werke wurden damals meist als pornografische Fantasien eines machtlosen alten Mannes oder als Schmuddelwerk eines Künstlers abgetan, dessen beste Jahre vorbei sind. Erst später, nach Picassos Tod, als der Rest der Kunstwelt zum abstrakten Expressionismus überging und sich eine kritische Community bildete, sah man, dass Picasso den Neo-Expressionismus bereits entdeckt hatte und seiner Zeit nach wie vor voraus war.
Tod
Pablo Picasso starb am 8. April 1973 in Mougins, während er und seine Frau Jacqueline Freunde beim Abendessen unterhielten. Er wurde im Schloss Vauvenargues in der Nähe der Provence begraben. Er kaufte dieses Haus 1958 und bewohnte es 1959-1962 mit Jacqueline. Jacqueline Roque verhinderte die Anwesenheit seiner Kinder Paloma und Claude bei der Beerdigung. Am Boden zerstört und allein nach Picassos Tod beging Jacqueline Roque Selbstmord, indem sie sich 1986 im Alter von 59 Jahren erschoss.
Übersetzung des englischen Wikipedia-Artikels
| Picasso-Museum |
| Pablo Picasso. Avignon-Mädchen |
| Pablo Picasso Gemälde Grüne Schale und schwarze Flasche |
| Pablo Picasso Gemälde Dryade Pablo Picasso Baden |
Um ein herausragender, einzigartiger Künstler zu sein, muss man eine außergewöhnliche Person sein, mit einer nicht standardmäßigen Vision der Welt um sich herum, dann werden einzigartige Leinwände, neue Stile und Trends in der Kunst geboren. Es ist unmöglich, einen solchen Autor nachzuahmen, man kann sich nur von seinem Werk inspirieren lassen und in sich selbst nach etwas Neuem suchen. |
Ich mag die Ausgewogenheit der Farben. Alles sieht sehr harmonisch und angenehm aus. |
Es gibt kaum einen Menschen auf der Welt, der den Namen Pablo Picasso nicht kennt. Der Begründer des Kubismus und Künstler vieler Stilrichtungen des 20. Jahrhunderts beeinflusste die bildende Kunst nicht nur in Europa, sondern weltweit.
Künstler Pablo Picasso: Kindheit und Studienjahre
Einer der klügsten wurde am 25. Oktober 1881 in Málaga in einem Haus am Merced-Platz geboren. Jetzt gibt es ein Museum und einen Fonds, der nach P. Picasso benannt ist. Nach spanischer Tradition bei der Taufe gaben die Eltern dem Jungen einen ziemlich langen Namen, der eine Abwechslung der Namen der Heiligen und der engsten und am meisten verehrten Verwandten in der Familie ist. Letztendlich ist er durch seinen allerersten und letzten bekannt. Pablo entschied sich, den Nachnamen seiner Mutter anzunehmen, da er den Namen seines Vaters zu einfach fand. Das Talent und die Lust am Zeichnen des Jungen zeigten sich von Anfang an. frühe Kindheit. Den ersten und sehr wertvollen Unterricht erhielt er von seinem Vater, der ebenfalls Künstler war. Sein Name war Jose Ruiz. Mit acht Jahren malte er sein erstes ernsthaftes Bild – „Picador“. Wir können mit Sicherheit sagen, dass mit ihr die Arbeit von Pablo Picasso begann. Der Vater des zukünftigen Künstlers erhielt 1891 ein Stellenangebot als Lehrer in La Coruña, und bald zog die Familie nach Nordspanien. Am selben Ort studierte Pablo ein Jahr lang an der örtlichen Kunstschule. Dann zog die Familie in eine der schönsten Städte – Barcelona. Der junge Picasso war damals 14 Jahre alt und zu jung, um an der La Lonja (Schule der Schönen Künste) zu studieren. Der Vater konnte sich jedoch wettbewerbsmäßig die Zulassung zu den Aufnahmeprüfungen sichern, die er bravourös meisterte. Nach weiteren vier Jahren beschlossen seine Eltern, ihn an der damals besten Kunsthochschule „San Fernando“ in Madrid einzuschreiben. Das Studium an der Akademie langweilte das junge Talent schnell, in seinen klassischen Kanons und Regeln war er verkrampft und sogar gelangweilt. Daher widmete er dem Prado-Museum und dem Studium seiner Sammlungen mehr Zeit und kehrte ein Jahr später nach Barcelona zurück. Die Frühzeit seines Schaffens umfasst Gemälde aus dem Jahr 1986: „Selbstporträt“ von Picasso, „Erstkommunion“ (es zeigt die Schwester des Künstlers Lola), „Porträt einer Mutter“ (Bild unten).
Während seines Aufenthalts in Madrid machte er sich zunächst auf, wo er alle Museen und die Gemälde der größten Meister studierte. In der Folge kam er mehrmals in dieses Zentrum der Weltkunst und zog schließlich 1904 um.
"Blaue Periode
Diese Zeit kann als genau in dieser Zeit angesehen werden, in der sich seine Individualität, die noch von außen beeinflusst wird, im Werk Picassos abzuzeichnen beginnt. Bekannte Tatsache: Das Talent kreativer Naturen zeigt sich in schwierigen Lebenssituationen so hell wie möglich. Genau das ist Pablo Picasso passiert, dessen Werke heute auf der ganzen Welt bekannt sind. Der Start wurde angestiftet und kam nach einer langen Depression, die durch den Tod des engen Freundes Carlos Casagemas verursacht wurde. 1901 wurden auf der von Vollard organisierten Ausstellung 64 Werke des Künstlers präsentiert, die damals aber noch voller Sinnlichkeit und Leuchtkraft waren, der Einfluss der Impressionisten war deutlich zu spüren. Die „blaue“ Periode seiner Arbeit trat allmählich in ihre gesetzlichen Rechte ein und manifestierte sich in starren Konturen der Figuren und dem Verlust der Dreidimensionalität des Bildes, der sich von den klassischen Gesetzen der künstlerischen Perspektive entfernte. Die Farbpalette auf seinen Leinwänden wird immer eintöniger, die Betonung liegt auf Blau. Der Beginn dieser Periode kann als "Porträt von Jaime Sabartes" und Picassos Selbstporträt aus dem Jahr 1901 angesehen werden.
Gemälde der "blauen" Zeit
Die Schlüsselwörter in dieser Zeit waren für den Meister solche Worte wie Einsamkeit, Angst, Schuld, Schmerz. 1902 kehrt er wieder nach Barcelona zurück, kann dort aber nicht bleiben. Die angespannte Lage in der Hauptstadt Kataloniens, Armut auf allen Seiten und soziale Ungerechtigkeit führen zu Volksunruhen, die nach und nach nicht nur ganz Spanien, sondern auch Europa erfassten. Wahrscheinlich hat sich dieser Zustand auf den Künstler ausgewirkt, der in diesem Jahr fruchtbar und äußerst hart arbeitet. Meisterwerke der „blauen“ Zeit entstehen im Mutterland: „Zwei Schwestern (Date)“, „Ein alter Jude mit einem Jungen“, „Tragödie“ (Foto der Leinwand oben), „Leben“, wo das Bild der Der verstorbene Casagemas taucht erneut auf. 1901 entstand auch das Gemälde „Der Absinthtrinker“. Es zeichnet den Einfluss der damals populären Leidenschaft für "bösartige" Charaktere nach, die für die französische Kunst charakteristisch sind. Das Thema Absinth klingt in vielen Gemälden an. Die Arbeit von Picasso ist unter anderem voller Dramatik. Besonders deutlich sticht die hypertrophierte Hand einer Frau ins Auge, mit der sie sich zu wehren scheint. Gegenwärtig wird Der Absinthtrinker in der Eremitage aufbewahrt, nachdem er aus einer privaten und sehr beeindruckenden Sammlung von Picassos Werken (51 Werke) von S. I. Shchukin nach der Revolution dorthin gelangt war.
Sobald sich die Gelegenheit zu einer erneuten Reise ergibt, beschließt er, sie ohne Zögern zu nutzen und verlässt Spanien im Frühjahr 1904. Dort wird er auf neue Interessen, Empfindungen und Eindrücke stoßen, die eine neue Etappe seiner Arbeit eröffnen werden.
"Rosa" Periode
Bei Picasso dauerte diese Phase relativ lange – von 1904 (Herbst) bis Ende 1906 – und war nicht ganz einheitlich. Die meisten Gemälde dieser Zeit sind durch eine helle Farbpalette gekennzeichnet, das Auftreten von Ocker-, Perlgrau- und Rot-Rosa-Tönen. Charakteristisch ist das Erscheinen und die anschließende Dominanz neuer Themen für die Arbeit des Künstlers - Schauspieler, Zirkusartisten und Akrobaten, Sportler. Natürlich wurde ihm der überwiegende Teil des Materials vom Zirkus Medrano zur Verfügung gestellt, der sich in jenen Jahren am Fuße des Montmartre befand. Die helle Theaterkulisse, die Kostüme, das Verhalten und die Vielfalt der Charaktere schienen P. Picasso in die Welt zurückgebracht zu haben, wenn auch transformiert, aber reale Formen und Volumen, natürlicher Raum. Die Bilder in seinen Gemälden wurden wieder sinnlich und voller Leben, Helligkeit, im Gegensatz zu den Charakteren der "blauen" Stufe der Kreativität.
Pablo Picasso: Werke der "rosa" Periode
Die Bilder, die den Beginn einer neuen Periode markierten, wurden erstmals Ende Winter 1905 in der Galerie Serurier ausgestellt - es sind "Sitzender Akt" und "Schauspieler". Eines der anerkannten Meisterwerke der „rosa“ Periode ist „The Family of Comedians“ (Bild oben). Die Leinwand hat beeindruckende Ausmaße – in Höhe und Breite von mehr als zwei Metern. Die Figuren der Zirkusartisten sind gegen den blauen Himmel dargestellt, es ist allgemein anerkannt, dass der Harlekin auf der rechten Seite Picasso selbst ist. Alle Charaktere sind statisch, und es gibt keine innere Nähe zwischen ihnen, alle waren von innerer Einsamkeit gefesselt - das Thema der gesamten "rosa" Zeit. Darüber hinaus sind folgende Werke von Pablo Picasso erwähnenswert: „Frau im Hemd“, „Toilette“, „Junge, der ein Pferd führt“, „Akrobaten. Mutter und Sohn“, „Mädchen mit Ziege“. Sie alle demonstrieren dem Betrachter die für die Gemälde des Künstlers seltene Schönheit und Gelassenheit. Ein neuer Impuls für die Kreativität kam Ende 1906, als Picasso durch Spanien reiste und schließlich in einem kleinen Dorf in den Pyrenäen landete.
Afrikanische Schaffensperiode
P. Picasso begegnete archaischer afrikanischer Kunst zum ersten Mal in der thematischen Ausstellung des Trocadero-Museums. Er war beeindruckt von heidnischen Idolen primitiver Form, exotischen Masken und Figurinen, die die große Kraft der Natur verkörperten und sich von den kleinsten Details distanzierten. Die Ideologie des Künstlers stimmte mit dieser kraftvollen Botschaft überein, und infolgedessen begann er, seine Charaktere zu vereinfachen und sie wie Steinidole aussehen zu lassen, monumental und scharf. Das erste Werk in Richtung dieses Stils erschien jedoch bereits 1906 – dies ist ein Porträt des Werks von Pablo Picasso des Schriftstellers.Er schrieb das Bild 80 Mal um und verlor bereits völlig den Glauben an die Möglichkeit, ihr Bild in einem zu verkörpern klassischen Stil. Dieser Moment kann mit Recht als Übergang von der Nachfolge der Natur zur Verformung der Form bezeichnet werden. Es reicht aus, sich solche Leinwände wie "Nackte Frau", "Tanz mit Schleier", "Dryade", "Freundschaft", "Büste eines Seemanns", "Selbstporträt" anzusehen.
Aber vielleicht die meisten ein leuchtendes Beispiel Die afrikanische Bühne von Picassos Werk ist das Gemälde „Avignon Girls“ (Bild oben), an dem der Meister etwa ein Jahr gearbeitet hat. Sie krönte diese Station in der Karriere des Künstlers und bestimmte maßgeblich das Schicksal der Kunst im Allgemeinen. Zum ersten Mal erblickte die Leinwand nur dreißig Jahre nach ihrer Entstehung das Licht und wurde zu einem offenen Tor zur Welt der Avantgarde. Der Bohème-Kreis von Paris spaltete sich buchstäblich in zwei Lager: „für“ und „gegen“. Das Gemälde befindet sich derzeit im Museum of Modern Art in New York City.
Kubismus im Werk Picassos
Das Problem der Einzigartigkeit und Genauigkeit des Bildes blieb in der europäischen bildenden Kunst an erster Stelle, bis der Kubismus in sie einbrach. Als Anstoß für seine Entwicklung sehen viele die Frage, die unter Künstlern aufkam: „Warum malen?“ Zu Beginn des 20. Jahrhunderts konnte fast jedem ein zuverlässiges Bild dessen beigebracht werden, was man sieht, und die Fotografie war ihm buchstäblich auf den Fersen, die alles andere restlos und restlos zu verdrängen drohte. Visuelle Bilder werden nicht nur glaubwürdig, sondern auch zugänglich und leicht replizierbar. Der Kubismus von Pablo Picasso spiegelt in diesem Fall die Individualität des Schöpfers wider, verweigert sich einem plausiblen Bild der Außenwelt und eröffnet völlig neue Möglichkeiten, die Grenzen der Wahrnehmung.
Zu den frühen Werken gehören: „Kanne, Glas und Buch“, „Baden“, „Blumenstrauß in grauem Krug“, „Brot und Obstschale auf dem Tisch“ usw. Die Leinwände zeigen deutlich, wie sich der Stil des Künstlers verändert und zunehmend aneignet abstrakte Züge gegen Ende der Periode (1918-1919). Zum Beispiel "Harlekin", "Drei Musikanten", "Stillleben mit Gitarre" (Bild oben). Die Assoziation des Publikums der Werke des Meisters mit Abstraktion passte Picasso überhaupt nicht, ihm war die sehr emotionale Aussage der Bilder wichtig, ihre versteckte Bedeutung. Am Ende hörte der von ihm selbst geschaffene Stil des Kubismus allmählich auf, den Künstler zu inspirieren und zu interessieren, und öffnete den Weg für neue Trends in der Kreativität.
Klassik
Das zweite Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts war für Picasso ziemlich schwierig. So war das Jahr 1911 geprägt von einer Geschichte mit gestohlenen Figuren aus dem Louvre, die den Künstler nicht ins beste Licht rückte. 1914 stellte sich heraus, dass Picasso selbst nach so vielen Jahren auf dem Land nicht bereit war, im Ersten Weltkrieg für Frankreich zu kämpfen, was ihn von vielen Freunden trennte. Und im folgenden Jahr starb sein geliebter Marcel Humbert.
Die Rückkehr eines realistischeren Pablo Picasso in sein Werk, dessen Werke wieder von Lesbarkeit, Figuration und künstlerischer Logik erfüllt waren, wurde auch von vielen äußeren Faktoren beeinflusst. Darunter eine Reise nach Rom, wo er durchdrang antike kunst, sowie die Kommunikation mit der Balletttruppe Diaghilev und die Bekanntschaft mit der Ballerina Olga Khokhlova, die bald die zweite Frau des Künstlers wurde. Als Beginn einer neuen Periode kann ihr Porträt von 1917 gelten, das in gewisser Weise experimentellen Charakter hatte. Das russische Ballett von Pablo Picasso inspirierte nicht nur die Schaffung neuer Meisterwerke, sondern schenkte auch seinem geliebten und lang erwarteten Sohn. Am meisten nennenswerte Werke Zeitraum: „Olga Khokhlova“ (Bild oben), „Pierrot“, „Stillleben mit Krug und Äpfeln“, „Schlafende Bauern“, „Mutter und Kind“, „Frauen, die am Strand laufen“, „Drei Grazien“.
Surrealismus
Die Aufteilung der Kreativität ist nichts anderes als der Wunsch, sie in die Regale zu stellen und in einen bestimmten (stilistischen, zeitlichen) Rahmen zu pressen. Für die Arbeit von Pablo Picasso, die von den besten Museen und Galerien der Welt geschmückt wird, kann ein solcher Ansatz jedoch als sehr bedingt bezeichnet werden. Wenn Sie der Chronologie folgen, fällt die Zeit, in der der Künstler dem Surrealismus nahe stand, auf die Jahre 1925-1932. Kein Wunder, dass die Muse den Meister des Pinsels in jeder Phase seiner Arbeit besuchte, und als O. Khokhlova sich auf seinen Leinwänden wiedererkennen wollte, wandte er sich dem Neoklassizismus zu. Kreative Menschen sind jedoch launisch, und bald trat die junge und sehr schöne Maria Teresa Walter, die zum Zeitpunkt ihrer Bekanntschaft erst 17 Jahre alt war, in das Leben von Picasso. Sie war für die Rolle einer Geliebten bestimmt, und 1930 kaufte der Künstler ein Schloss in der Normandie, das ihr Zuhause und seine Werkstatt wurde. Maria Teresa war eine treue Gefährtin, die unerschütterlich das kreative und liebevolle Werfen des Schöpfers erduldete und bis zum Tod von Pablo Picasso freundschaftliche Korrespondenz pflegte. Werke der surrealistischen Zeit: "Tanz", "Frau im Sessel" (Bild unten), "Badende", "Nackt am Strand", "Traum" usw.
Zeit des Zweiten Weltkriegs
Sympathie für Picasso während der Feindseligkeiten in Spanien im Jahr 1937 gehörte den Republikanern. Als italienische und deutsche Flugzeuge im selben Jahr Guernica, das politische und kulturelle Zentrum der Basken, zerstörten, malte Pablo Picasso die Stadt in nur zwei Monaten auf einer riesigen gleichnamigen Leinwand in Trümmern. Er war buchstäblich von Schrecken ergriffen vor der Bedrohung, die über ganz Europa hing und seine Arbeit beeinträchtigen musste. Emotionen wurden nicht direkt ausgedrückt, sondern im Ton, seiner Düsternis, Bitterkeit und Sarkasmus verkörpert.
Nachdem die Kriege abgeklungen waren und die Welt zu einem relativen Gleichgewicht kam und alles, was zerstört worden war, wieder herstellte, nahm Picassos Werk auch fröhlichere und leuchtendere Farben an. Seine 1945-1955 entstandenen Leinwände haben ein mediterranes Flair, sind sehr atmosphärisch und teilweise idealistisch. Gleichzeitig begann er mit Keramik zu arbeiten und schuf viele dekorative Krüge, Schalen, Teller und Figuren (das Foto ist oben abgebildet). Die Werke, die in den letzten 15 Jahren seines Lebens entstanden sind, sind in Stil und Qualität sehr uneinheitlich.
Einer der größten Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts – Pablo Picasso – starb im Alter von 91 Jahren in seiner Villa in Frankreich. Er wurde in der Nähe des Schlosses Vovenart bestattet, das ihm gehörte.
Pablo Picasso wurde am 25. Oktober 1881 in Spanien in der Stadt Malaga in der Familie des Künstlers Jose Ruiz Blasco geboren. Das Talent des zukünftigen Künstlers zeigte sich früh. Bereits im Alter von 7 Jahren fügte der Junge den Gemälden seines Vaters einige Details hinzu (die erste derartige Arbeit waren die Pfoten von Tauben). Im Alter von 8 Jahren wurde das erste ernsthafte Ölgemälde namens „Picador“ gemalt.
"Pikador" 1889
Mit 13 Jahren wurde Pablo Picasso Student an der Akademie der Künste in Barcelona – Pablo zeigte sich bei den Aufnahmeprüfungen so gut, dass die Kommission ihn trotz seines jungen Alters in die Akademie aufnahm.
1897 ging Picasso nach Madrid, um in die Königliche Akademie der Schönen Künste von San Fernando einzutreten. Aber Pablo hat dort nicht länger als ein Jahr studiert – zu langweilig und eng war es für ein junges Talent in der Akademie mit ihren klassischen Traditionen. In Madrid interessierte sich der junge Mann eher für das hektische Leben der Metropole. Pablo widmete auch viel Zeit dem Studium der Werke von Künstlern wie Diego Vilasquez, Francisco Goya und El Greco, die großen Eindruck auf den Künstler machten.
In diesen Jahren besuchte der Künstler erstmals Paris, das damals als Hauptstadt der Künste galt. Er lebte monatelang in dieser Stadt und besuchte verschiedene Museen, um die Werke der Meister der Malerei zu studieren: Van Gogh, Gauguin, Delacroix und viele andere. Picasso wird in Zukunft oft Paris besuchen, und später wird ihn diese Stadt so in seinen Bann ziehen, dass Picasso beschließt, dauerhaft dorthin zu ziehen (1904).
Die berühmtesten Werke von Pablo Picasso, geschrieben von ihm in der Frühzeit (vor 1900)
"Porträt einer Mutter" 1896
"Erkenntnis und Barmherzigkeit" 1897
"Erstkommunion" 1896
"Selbstbildnis" 1896
"Matador Luis Miguel Domingen" 1897
"Spanisches Ehepaar vor dem Hotel" um 1900
„Barfüßiges Mädchen. Fragment» 1895
"Mann am Teichufer" 1897
"Mann mit Hut" 1895
"Boulevard Clichy" 1901
"Bildnis des Vaters des Künstlers" 1895
Die nächste Periode im Werk von Pablo Picasso heißt "blau". 1901 - 1904. In Picassos Palette herrschten kalte Farben vor - hauptsächlich Blau und seine Schattierungen. Zu dieser Zeit hob Picasso die Themen Alter, Armut, Armut, Melancholie und Traurigkeit waren die charakteristische Stimmung der Gemälde dieser Zeit. Der Künstler stellte menschliches Leid dar, zeichnete Blinde, Bettler, Alkoholiker und Prostituierte usw. - Sie waren die Hauptfiguren der "blauen" Zeit.
Werke der "blauen" Zeit (1901-1904)
"Frühstück der Blinden" 1903
"Mutter und Kind" 1903
"Absinthtrinker" 1901
"Bügeleisen" 1904
"Der alte Bettler mit dem Knaben" 1903
"Leben" 1903
"Zwei Schwestern (Datum)" 1902
"Blaues Zimmer (Bad)" 1901
"Gourmet" 1901
"Sitzende Frau mit Kapuze" 1902
In der "rosa" Zeit (1904 - 1906) Hauptthema In der Arbeit des Künstlers gab es einen Zirkus und seine Charaktere - Akrobaten und Komiker. Helle fröhliche Farben setzten sich durch. Die Lieblingsfigur dieser Zeit kann der Harlekin genannt werden, der am häufigsten in den Werken von Picasso zu finden war. Neben dem Zirkus inspirierte ihn auch das Model Fernanda Olivier, das er 1904 ganz am Anfang der „rosa“ Zeit kennenlernte. Sie war während der gesamten Zeit die Muse des Künstlers.
Werke der "rosa" Zeit (1904 - 1906)
"Akrabat und Harlekin" 1905
"Mädchen mit Ziege", 1906
"Junge führt ein Pferd" 1906
"Familie der Komödianten" 1905
"Bauern" 1906
"Nackte Frau mit Krug" 1906
"Kämmen" 1906
"Frau mit Brot" 1905
"Zwei Akrabaten mit einem Hund" 1905
"Toilette" 1906
einer von Berühmte Gemälde P. Picasso "Mädchen auf einem Ball" (1905), das jetzt in ist Staatliches Museum bildende Kunst sie. A. S. Puschkin nennen einige Experten den Übergang von der "blauen" Periode zur "rosa".
"Mädchen am Ball" 1905
Der Wendepunkt im Werk von Picasso war das von ihm 1906 gemalte Porträt von Gertrude Stein.
Die Arbeit an dem Porträt war hart – der Künstler schrieb das Porträt etwa 80 Mal um, und infolgedessen entfernte sich Picasso vom Porträt als Genre. bildende Kunst im klassischen Sinn. Alle weiteren Arbeiten von Picasso lassen sich durch nur einen seiner Sätze charakterisieren: "Wir müssen nicht schreiben, was ich sehe, sondern was ich weiß." An dieser Installation versuchte P. Picasso bis an sein Lebensende festzuhalten.
Kubismus
Diese große Periode im Werk von Pablo Picasso ist in mehrere Etappen unterteilt. Dies ist die Zeit einer völligen Ablehnung der Detaillierung der Charaktere: Sujet und Hintergrund verschmelzen fast zu einer Einheit, es gibt keine klar definierten Grenzen. Picasso war überzeugt, dass ein Künstler mehr kann, als nur zu zeigen, was das Auge sieht.
Die erste Phase ist die "Cezanne" alias die "afrikanische" Periode. Diese Phase zeichnet sich durch die Konstruktion von Bildern aus einfach geometrisch Formen und das Vorherrschen von wolkigen, verschwommenen Grün-, Ocker- und Brauntönen.
In den Jahren 1907-1909 konzentrierte sich die Aufmerksamkeit des Künstlers auf die afrikanische Kunst, der er erstmals 1907 bei einer ethnografischen Ausstellung im Trocadero-Museum begegnete. Von nun an wurde Picassos Werk von einfachen, ja primitiven Formen der abgebildeten Objekte dominiert. In der Technik begann der Künstler, grobe Schattierungen zu verwenden. Als erstes Gemälde im „afrikanischen“ Stil gilt „Die Mädchen von Avignon“ aus dem Jahr 1907.
Dieses Bild wurde vom Autor das ganze Jahr über geschrieben. So lange hat Picasso mit keinem seiner Bilder gearbeitet. Infolgedessen unterschied sich dieses Werk so sehr von seinen früheren Gemälden, dass es von der Öffentlichkeit zweideutig wahrgenommen wurde. Aber nachdem Picasso einen neuen, für ihn interessanten Stil gefunden hatte, wollte er sich nicht zurückziehen, und der Künstler entwickelte ihn zwei Jahre lang auf jede erdenkliche Weise.
Werke des "Cezanne"-Kubismus ("afrikanische" Periode) (1907 - 1909)
"Bauer" 1908
"Der Kopf eines Mannes" 1907
"Badende" 1909
"Stilleben mit Schale und Krug", 1908
"Akt mit Vorhang (Tanz mit Schleier)" 1907
"Porträt von Manuel Pallares" 1909
"Drei Figuren unter einem Baum" 1907
"Gläser und Früchte" 1908
"Büste eines Mannes (Athlet)" 1909
"Frau" 1907
In der analytischen Phase kam Picasso zu der Erkenntnis, dass er sich ganz auf das Volumen und die Form von Objekten konzentrieren und die Farbe in den Hintergrund verbannen musste. Auf diese Weise Kennzeichen Der analytische Kubismus wurde monochrom. Bemerkenswert ist auch die Struktur der Werke dieser Zeit - der Künstler scheint Objekte in kleine Fragmente zu zerkleinern. Die Grenze zwischen verschiedenen Dingen verschwindet und alles wird als Ganzes wahrgenommen.
Werke des "analytischen" Kubismus (1909-1912)
"Mann mit Gitarre" 1911
„Der Mann mit der Geige“ 1912
"Akkordeonist" 1911
"Stilleben mit Schnapsflasche" 1909
"Dichter" 1911
"Porträt von Fernanda" 1909
"Bildnis Wilhelm Uhde", 1910
"Sitzender Akt" 1910
"Frau in Grün", 1909
"Frau im Sessel", 1909
Der Beginn der synthetischen Periode war das 1912 von Pablo Picasso gemalte Gemälde „Erinnerungen an Le Havre“. In diesem Bild erschienen hellere Farben, die dem analytischen Kubismus nicht eigen waren.
Monochrome Arbeiten wichen wieder der Farbe. Grundsätzlich dominierten in der Malerei dieser Zeit Stillleben: Weinflaschen, Notizen, Besteck u Musikinstrumente. Um die Abstraktheit in der Arbeit an den Gemälden zu verwässern, wurden reale Gegenstände verwendet, wie z. B.: Seile, Sand, Tapeten usw.
Werke des "synthetischen" Kubismus (1912-1917)
"Mann am Kamin" 1916
"Mann mit Zylinder", 1914
„Glas u Spielkarten» 1912
"Gitarre" 1912
"Stilleben mit Früchten auf dem Tisch" 1914-1915
"Sockel" 1914
"Tisch im Café (Flasche Perno)" 1912
"Wirtshaus (Schinken)" 1914
"Grünes Stillleben" 1914
"Mann mit Pfeife, im Sessel sitzend" 1916
Obwohl der Kubismus von vielen aktiv kritisiert wurde, verkauften sich die Werke dieser Zeit gut und Pablo Picasso hörte schließlich auf zu betteln und zog in ein geräumiges Atelier.
Die nächste Periode in der Arbeit des Künstlers war der Neoklassizismus, der durch Picassos Heirat mit der russischen Ballerina Olga Khokhlova im Jahr 1918 eingeleitet wurde. Vorausgegangen war Pablos Arbeit an den Bühnenbildern und Kostümentwürfen für die Ballettparade im Jahr 1917, während er diese Arbeit aufführte dass die Künstlerin Olga Khokhlova traf.
Vorhang für das Ballett "Parade" 1917
Ballettprogramm Parade mit Picassos Zeichnung. 1917
Als Picasso verkleideter chinesischer Zauberer, moderne Interpretation, 2003
Der Charakter des französischen "Stewards" (Barkers)
Diese Periode ist sehr weit vom Kubismus entfernt: echte Gesichter, helle Farben, regelmäßige Formen ... Er wurde von seiner russischen Frau zu solchen Änderungen in seiner Arbeit inspiriert, die viele neue Dinge in Pablos Leben brachte. Sogar der Lebensstil des Künstlers hat sich geändert - die Teilnahme an gesellschaftlichen Veranstaltungen, kostümierten Balletten usw. Mit einem Wort, Picasso begann sich in einer säkularen Umgebung zu drehen, die ihm zuvor fremd war. Für einen so scharfen Übergang vom Kubismus zum Klassizismus wurde Picasso von vielen kritisiert. Der Künstler beantwortete alle Forderungen in einem seiner Interviews: „Immer wenn ich etwas sagen möchte, spreche ich so, wie es meiner Meinung nach gesagt werden sollte.“
Werke der Neoklassik (1918 - 1925)
"Einen Brief lesen" 1921
"Badende" 1918
"Liebespaar" 1923
"Mutter und Kind" 1921
"Olga Chochlowa in einer Mantille" 1917
"Olga Picasso", 1923
"Erstkommunion" 1919
"Pierrot" 1918
"Bildnis Olga im Lehnstuhl" 1917
"Portrait of Paul" des Sohnes des Künstlers 1923
"Schlafende Bauern" 1919
"Drei Badegäste" 1920
"Frau mit Kind am Meeresufer" 1921
"Frau in einer Mantille" 1917
"Am Ufer laufende Frauen" 1922
1925 malte der Künstler das Gemälde "Tanz", das die damaligen Probleme im persönlichen Leben des Künstlers vollständig widerspiegelt.
Im Winter 1927 begegnet Picasso seiner neuen Muse, der siebzehnjährigen Marie-Thérèse Walter, die zu einer Figur in vielen Gemälden der surrealistischen Zeit wurde. 1935 hatte das Paar eine Tochter, Maya, aber 1936 verließ Picasso Maria Theresa und Olga Khokhlova, mit denen er bis zu Olgas Tod 1955 keine offizielle Scheidung einreichen würde.
Werke der Zeit des Surrealismus (1925 - 1936)
"Akrabat" 1930
"Mädchen wirft einen Stein" 1931
"Figuren am Strand" 1931
"Stilleben" 1932
"Akt und Stilleben" 1931
"Nackt am Strand" 1929
"Nackt am Strand" 1929
"Frau mit Blume" 1932
"Traum (Bildnis der Geliebten der Künstlerin Maria Teresa Walter)" 1932
"Akt im Lehnstuhl" 1932
"Akt im Sessel", 1929
"Kuss" 1931
In den 30er und 40er Jahren wurde der Stier, der Minotaurus, zum Helden vieler Gemälde von Picasso. Der Minotaurus im Werk des Künstlers ist die Verkörperung von Zerstörungskraft, Krieg und Tod.
"Minotaurie" 1935
"Palette und Stierkopf" 1938
"Lammkopf" 1939
"Stilleben mit Stierschädel" 1942
"Stierschädel, Frucht, Krug" 1939
"Drei Widderköpfe" 1939
Im Frühjahr 1937 löschten die deutschen Faschisten die kleine Stadt Guernica in Spanien buchstäblich aus. Picasso konnte dieses Ereignis nicht ignorieren und so entstand das Gemälde „Guernica“. Dieses Bild kann als Apotheose des Minotaurus-Themas bezeichnet werden. Die Dimensionen des Gemäldes sind beeindruckend: Länge - 8 m, Breite - 3,5 m. Ein Fall im Zusammenhang mit dem Gemälde ist bekannt. Bei einer Durchsuchung durch die Gestapo bemerkte ein Nazi-Offizier das Gemälde und fragte Picasso: "Haben Sie das getan?" worauf der Künstler antwortete „Nein. Du hast es geschafft!"
"Guernica" 1937
Parallel zu den Leinwänden über die Minotauren schafft Pablo Picasso eine Serie über Monster. Diese Serie drückt die Position des Künstlers während Bürgerkrieg in Spanien, wo er die Republikaner unterstützte und sich der Politik des Diktators Franco widersetzte.
"Träume und Lügen von General Franco" (1937)
"Träume und Lügen von General Franco" (1937)
Alle Zweite Weltkrieg Pablo Picasso lebte in Frankreich, wo der Künstler 1944 Mitglied der Kommunistischen Partei Frankreichs wurde.
Kriegsarbeiten (1937-1945)
"Fasan" 1938
"Frauenkopf mit Hut" 1939
"Maria Teresa im Kranz" 1937
"Atelier des Künstlers" 1943
"Maya mit Puppe" 1938
"Beten" 1937
"Stilleben" 1945
"Weinende Frau mit Kopftuch" 1937
„Vögel im Käfig“ 1937
"Verwundeter Vogel und Katze" 1938
"Gruft" 1945
"Frau auf rotem Stuhl" 1939
1946 arbeitete der Künstler an Gemälden und Tafeln für das Schloss der Familie Grimaldi in Antibes (einem Ferienort in Frankreich). In der ersten Halle des Schlosses wurde eine Tafel mit dem Titel „The Joy of Life“ installiert. Die Hauptfiguren dieses Panoramas waren Fabelwesen, Faune, Zentauren und nackte Mädchen.
"Die Freude des Seins" 1946
Im selben Jahr lernte Pablo die junge Künstlerin Francoise Gilot kennen, mit der sie sich im Schloss Grimaldi niederließen. Später bekamen Picasso und Francoise zwei Kinder, Paloma und Claude. Zu dieser Zeit malte der Künstler oft seine Kinder und Francoise, doch die Idylle hielt nicht lange an: 1953 nahm Francoise die Kinder und verließ Pablo Picasso. Françoise konnte den ständigen Verrat des Künstlers und seine schwierige Natur nicht länger ertragen. Der Künstler erlebte diesen Abschied sehr hart, was sich auf seine Arbeit auswirken musste. Beweis dafür sind die Tuschezeichnungen eines hässlichen alten Zwergs mit einem schönen jungen Mädchen.
Eines der bekanntesten Symbole der „Friedenstaube“ wurde 1949 geschaffen. Er trat erstmals auf dem Weltfriedenskongress in Paris auf.
1951 malte Picasso das Gemälde „Massaker in Korea“, das von den Gräueltaten dieses „vergessenen“ Krieges erzählt.
"Massaker in Korea" 1951
1947 zog der Künstler nach Südfrankreich in die Stadt Vallauris. In dieser Stadt begann er sich für Keramik zu interessieren. Picasso wurde zu einem solchen Hobby durch die jährliche Keramikausstellung in Vallauris inspiriert, die er bereits 1946 besuchte. Besonderes Interesse zeigte der Künstler an den Gegenständen aus der Werkstatt von Madura, in der er später arbeitete. Die Arbeit mit Ton ließ den anerkannten Maler und Grafiker die Schrecken des Krieges vergessen und in eine andere fröhliche und heitere Welt eintauchen. Plots für Keramik sind die einfachsten und unkompliziertesten - Frauen, Vögel, Gesichter, Märchenfiguren… Sogar das 1967 erschienene Buch „Ceramics of Picasso“ von I. Karetnikov ist der Keramik von Picasso gewidmet.
Picasso in Maduras Werkstatt
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz und Picasso (1881 -1973) - der große spanische Künstler und der provokativste Maler des 20. Jahrhunderts Pablo Picasso lebte 91 Jahre. In fast allen Bereichen der zeitgenössischen Kunst hat er seine unauslöschlichen Spuren hinterlassen.
BIOGRAPHIE VON PABLO PICASSO
Er wurde 1881 geboren. Pablo nahm den Nachnamen seiner Mutter an, da der Nachname seines Vaters - Ruiz - sehr gewöhnlich war, außerdem war der Vater des zukünftigen Künstlers selbst ein Künstler, und Pablo hatte jemanden, von dem er lernen konnte.
Als Kind erlaubte sein Vater Pablo, die Arbeit für ihn zu Ende zu führen – zum Beispiel Taubenbeine fertig zu malen. Als Pablo einmal die Gelegenheit hatte, ein größeres Werk zu schaffen, war Jose Ruiz von seiner Technik begeistert, und, wie eine der Legenden über Picasso sagt, war er so erstaunt, dass er von diesem Tag an selbst mit dem Malen aufhörte.
Bereits mit 16 Jahren ging Pablo nach Madrid, an die damals beste Kunstschule. Er studierte dort nicht lange, obwohl er sowohl Mitschüler als auch Lehrer mit seinem Können beeindrucken konnte. Er interessierte sich viel mehr für verschiedene Aspekte des Lebens einer Großstadt und stürzte sich auch kopfüber in die Arbeit von Künstlern, die ihn interessierten - Diego Velasquez, Francisco Goya und insbesondere El Greco.
Picasso lebte ein sehr langes Leben höre nie auf zu erschaffen. Fast ein Jahrhundert lang erlebte er viele kreative Veränderungen, romantische Treffen mit Frauen, veränderte ein Dutzend luxuriöser Häuser und starb als Multimillionär.
DIE KREATIVITÄT VON PABLO PICASSO
„Brillantes Talent“ – so wurde der Teenager an der Akademie der Schönen Künste in Madrid beschrieben. Doch bald verkündete Pablo seinen Eltern, dass dort blanker Konservatismus herrsche und er nichts Neues lernen werde. Mit 15 Jahren schuf die junge Künstlerin ein Werk von tiefem Inhalt – „Erkenntnis und Barmherzigkeit“. Das Gemälde erhielt eine Goldmedaille und Pablos erste Einzelausstellung fand im Four Cats Café statt.
Im Jahr 1900 besuchte Picasso Paris und erkrankte daran. Vier Jahre später zog er dorthin, um dort zu leben. "Bending Harlekin", "Absinth Drinker". Der Künstler entfernt alles Überflüssige aus den Kompositionen und vermittelt perfekt emotionaler Zustand Helden.
Allmählich verschwindet die Mehrfarbigkeit aus Picassos Gemälden und weicht einer durchdringenden blauen Farbe. Die Werke sind erfüllt von einem Gefühl der Sehnsucht und Einsamkeit, das der Stimmung des Malers selbst ähnelt.
Wissen und Barmherzigkeit Bowed Harlequin Absinth-Trinker
Nach seiner Bekanntschaft mit dem russischen Philanthropen und Sammler Pyotr Shchukin folgten Veränderungen im Leben des Meisters. Er erwarb mehrere Gemälde des jungen Künstlers. Nun, dann war Pablos Leben von der Liebe zu der rothaarigen Schönheit Fernande Olivier erleuchtet, die den Künstler zu seiner Kreation inspirierte berühmtes Bild Gitarrenfrauen. Das Mädchen lebte im selben Haus wie der Meister. Der eifersüchtige Picasso befestigte ein Schloss an der Tür, um seinen Schatz zu schützen. In seiner Palette erschienen transparente und helle Farben.
Die "rosa" Periode spiegelt Pablos Leidenschaft für den Zirkus wider. Harlekine und Straßenturner sind seine Lieblingsfiguren. Eine Miniaturturnerin möchte ihr Gleichgewicht halten, während sie auf einem sich drehenden Ball steht; Sie ist beeindruckt von ihren Fortschritten und zeigt dem Mann, der neben ihr sitzt ("Girl on the Ball"), ihre Geschicklichkeit und Anmut. Das Bild hat eine wahrhaft magische Eigenschaft: Kein einziges Detail darf davon ausgeschlossen werden – sonst bröckelt die ganze Komposition.
Kombination aus geometrischen Objekten und menschlichen Figuren. 1906 änderte sich die Art des Künstlers dramatisch. In „Die Mädchen von Avignon“ schuf der Meister einen komplett neue Realität, indem sie Figuren aus geometrischen Volumen konstruieren, die durch scharfe Ecken gebrochen sind. Die Öffentlichkeit und Freunde von Picasso waren schockiert. Es ist jedoch diese Arbeit, die als wichtiger Schritt in Richtung Kubismus bezeichnet wird. Visuelles Esperanto, wie die Gattung genannt wird, entwickelte sich schrittweise.
Die Bühne „Cezanne“ ist geprägt von Grau-, Braun- und Grüntönen („Frau mit Fächer“), das Bild baut auf einem Vergleich geometrischer Formen auf. Der „analytische“ Kubismus „spaltet“ das Bild buchstäblich in Teile. Die Leinwand erinnert an zerbrochenes Glas und bewahrt das Spiegelbild einer Person („Portrait of Ambroise Vollard“). Der „synthetische“ Kubismus („Violine und Gitarre“) zeichnet sich durch Dekorativität und Kontrast aus. Trotz der Ablehnung der meisten Ideen Picassos durch das Publikum verkauften sich seine Gemälde gut.
Frau mit Fächer Portrait von Ambroise Vollard Violine und Gitarre
1917 beschloss der Künstler, sich auf einem neuen Gebiet zu versuchen und schuf Bühnenbilder und Kostüme für die Aufführungen des Djagilew-Balletts in Paris. Olga Khokhlova tanzte im Corps de Ballet, hatte eine stolze Haltung, war aristokratisch kultiviert und uneinnehmbar („Portrait of Olga in an Armchair“). Leidenschaftlich verliebt heiratete Pablo seine Geliebte. Olga bemühte sich, ihren böhmischen Ehemann raffinierter zu machen. Es stellte sich jedoch bald heraus, dass sie es absolut waren unterschiedliche Leute. Auch die Geburt eines Sohnes rettete die sterbende Beziehung nicht.
Nun, seit 1927 tauchte das Bild einer blonden Frau ("Traum") auf den Leinwänden des Künstlers auf. Die Verliebtheit von Marie-Thérèse Walter fiel mit Versuchen zusammen, sich surrealistisch auszudrücken. Skandale in der Familie und Streit mit Marie-Therese – diesen gordischen Knoten hat Picasso auf einen Schlag durchtrennt und beide Frauen zurückgelassen.
Die Avantgarde-Fotografin Dora Maar fungierte als intellektuelles Ventil für die Künstlerin. Sie filmte den gesamten Entstehungsprozess des berühmten Triptychons „Guernica“ – die Reaktion des Meisters auf Kriegsereignisse. Dora stand auf lange Jahre Picassos Hauptmodell.
Pablo kannte die wahre Lebensfreude mit der jungen Künstlerin Francoise Gillot ("Joy of Life"). Unabhängig und freiheitsliebend schenkte sie dem Künstler einen Sohn, Claude, und eine Tochter, Paloma, konnte aber nicht bei ihm sein.
Die letzte Gefährtin und zweite offizielle Ehefrau des Meisters, Jacqueline Roque, nannte ihn „Monsignore“ und küsste ihm die Hände. Eines der besten Werke späte Kreativität Picasso - "Der Kuss" Alles daran ist überdimensioniert. Die Frau klammerte sich mit vertrauensvoller Hingabe an ihren geliebten Mann und blickte in ihre lieben Züge.
Porträt von Olga in einem Sessel Schlaf Lebensfreude Kuss
Man kann lange darüber streiten, ob Picasso seine Musen liebte oder Verliebtheit mit Liebe verwechselte. Eines ist klar: Sie alle waren nötig, um das unschätzbare Erbe eines Genies zu hinterlassen, dessen Bedeutung für die Weltkunst kaum zu überschätzen ist. Dies sind 50.000 Gemälde, Skulpturen, Keramiken und Zeichnungen. Diese kreative Energie veränderte die Landschaft der Weltmalerei vollständig, Picasso wurde schon zu seinen Lebzeiten als Genie des 20. Jahrhunderts anerkannt.
INTERESSANTE FAKTEN AUS DEM LEBEN VON PABLO PICASSO
Bei der Geburt galt Pablo als tot – das Kind wurde so schwach geboren. Die Mutter hatte eine sehr schwierige Geburt, und dies musste den Erben betreffen. Die Hebamme ging sogar hin, um der Mutter des Kindes die traurige Nachricht zu überbringen, dass das Baby tot geboren wurde. Onkel Picasso liebte jedoch Zigarren und betrat sogar das Zimmer, in dem der „tote“ Neffe lag und eine rauchende Zigarre im Mund hielt. Ohne nachzudenken blies der Onkel dem Baby einen Rauchstrahl ins Gesicht und er reagierte mit Weinen. Danach galt er natürlich nicht mehr als tot.
Das erste Wort des Jungen war „PIZ“ – kurz für „LAPIZ“ („Bleistift“ auf Spanisch). Vater Pablo, von Beruf Künstler, begann seinen Sohn im Alter von 7 Jahren als Künstler auszubilden. Allerdings schwor Picassos Vater, seinen Beruf aufzugeben, als sein Sohn 13 Jahre alt war – schon damals übertraf er seinen Vater (übrigens Kunstprofessor).
Sein erstes Bild malte der Künstler im Alter von neun Jahren, es war ein Reiter auf einem Pferd, der an einem Stierkampf teilnahm. Bereits im Alter von 15 Jahren schuf Picasso sein erstes Meisterwerk – ein Gemälde, das seine Verwandten am Altar darstellt.
Der Künstler war von Kindheit an sehr aufbrausend und wurde ständig bestraft. Das Temperament des Künstlers wurde mit zunehmendem Alter immer exzentrischer, aber sein Talent verschwand nicht, sondern wurde heller.
Seine erste ernsthafte Anstellung bekam Picasso durch einen Vertrag mit dem Kunsthändler Pere Menach aus Paris. Das brachte ihm 150 Franken ein (in heutiger Währung etwa 750 US-Dollar – natürlich in Zahlen ausgedrückt).
1909 erfanden ein junger Picasso und ein Freund den Kubismus, obwohl sie nicht auf den Namen kamen, sondern ein französischer Kritiker, der bemerkte, dass Picassos Gemälde voller Würfel waren.
Picasso war außerordentlich reich und hinterließ Immobilien im Wert von nur 1,5 Milliarden Dollar. Seine Bilder sind im Allgemeinen von unschätzbarem Wert. Jetzt werden einige der Werke von Pablo Picasso auf Hunderte von Millionen Dollar geschätzt.
LITERATURVERZEICHNIS
Kostenevich A. "Dryade". Entstehung und Bedeutung von Picassos Malerei // Bulletin of History, Literature, Art. Institut für Geschichte und Philologie. Wissenschaften RAS. M.: Sammlung; Die Wissenschaft. T. 1. 2005. C. 118-131.
Pablo Picasso. Gedichte.
M., Marina Picasso. Großvater: Erinnerungen.
M., Nadezhdin N. Ya. Pablo Picasso: "Die Flamme von Guernica": Biografische Geschichten. - 2. Aufl. - M.: Major, Osipenko, 2011. - 192 p. - (Reihe "Informelle Biographien"). - 2000 Exemplare.
Herman M. Yu. „Picasso. Weg zum Triumph“ // M.: Kunst des 21. Jahrhunderts. 2013
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