Laut A. .P. Tschechow. In der Karwoche waren die Laptevs in der Kunstschule auf der Kunstausstellung ... Das Problem der Wahrnehmung von Kunst
(1) In der Karwoche waren die Laptevs bei einer Kunstausstellung in der Malschule.
(2) Laptev kannte die Namen aller berühmte Künstler und verpasste keine einzige Ausstellung. (3) Manchmal malte er im Sommer auf der Datscha selbst Landschaften mit Farben, und es schien ihm, dass er einen wunderbaren Geschmack hatte und dass, wenn er studiert hätte, wahrscheinlich ein guter Künstler aus ihm hervorgegangen wäre. (4) Zu Hause hatte er immer größere Bilder, aber schlechte; die Guten werden schlecht gehängt. (Z) Es kam mehr als einmal vor, dass er teuer für Dinge bezahlte, die sich später als grobe Fälschung herausstellten. (6) Und es ist bemerkenswert, dass er, im Allgemeinen schüchtern im Leben, auf Kunstausstellungen äußerst mutig und selbstbewusst war. (7) Warum?
(8) Yulia Sergeevna betrachtete die Bilder wie ein Ehemann durch eine Faust oder durch ein Fernglas und war überrascht, dass die Menschen auf den Bildern so lebendig und die Bäume so echt waren; aber sie verstand nicht, es schien ihr, dass es viele identische Gemälde auf der Ausstellung gab und dass der ganze Zweck der Kunst genau darin bestand, dass in den Gemälden, wenn man sie mit der Faust betrachtete, Menschen und Gegenstände hervortreten, als ob sie wären waren echt.
(9) - Das ist Shishkins Wald, - erklärte ihr Mann ihr. (10) - Er schreibt immer das Gleiche ... (11) Aber pass auf: So ein lila Schnee passiert nie ... (12) Aber dieser Junge linke Hand kürzer rechts.
(13) Als alle müde waren und Laptev nach Kostya suchen ging, um nach Hause zu gehen, blieb Julia vor einer kleinen Landschaft stehen und sah ihn gleichgültig an. (14) Im Vordergrund ein Fluss, dahinter eine Holzbrücke, auf der anderen Seite ein Weg, der im dunklen Gras verschwindet, ein Feld, dann rechts ein Waldstück, daneben ein Feuer: sie müssen die Nacht bewachen . (15) Und in der Ferne brennt die Abenddämmerung.
(1b) Julia stellte sich vor, wie sie selbst die Brücke entlang ging, dann den Weg entlang, immer weiter und weiter, und ringsherum war es still, schläfrige Idioten schrien, in der Ferne blitzte ein Feuer. (17) Und aus irgendeinem Grund schien es ihr plötzlich, dass dieselben Wolken, die sich über den roten Teil des Himmels erstreckten, und den Wald und das Feld, das sie lange und viele Male gesehen hatte, sie sich einsam fühlte, und sie wollte den Weg gehen und gehen; und wo es eine Abenddämmerung gab, ein Spiegelbild von etwas Überirdischem, Ewigem Ruhen.
(18) - Wie gut geschrieben! sagte sie überrascht, dass ihr das Bild plötzlich klar wurde. (19) - Schau, Aljoscha! (20) Merkst du, wie still es hier ist?
(21) Sie versuchte zu erklären, warum sie diese Landschaft so mochte, aber weder ihr Mann noch Kostya verstanden sie. (22) Sie betrachtete die Landschaft immer wieder mit einem traurigen Lächeln, und die Tatsache, dass andere darin nichts Besonderes fanden, beunruhigte sie. (23) Dann fing sie wieder an, durch die Säle zu gehen und die Bilder zu begutachten, sie wollte sie verstehen, und es kam ihr nicht mehr vor, als gäbe es viele identische Bilder in der Ausstellung. (24) Als sie, nach Hause zurückgekehrt, zum ersten Mal in ihrem Leben auf das große Bild aufmerksam machte, das im Saal über dem Klavier hing, empfand sie Feindschaft gegen sie und sagte:
(25) - Jagd auf solche Bilder!
(26) Und danach erweckten goldene Gesimse, venezianische Spiegel mit Blumen und Gemälde wie das, das über dem Klavier hing, sowie die Argumentation ihres Mannes und Kostyas über Kunst in ihr ein Gefühl der Langeweile, des Ärgers und manchmal sogar Hass.
(Laut A. P. Tschechow)
Textinformationen
Komposition
Haben Sie bemerkt, dass es passiert, dass Sie ein Bild gleichgültig lässt und vor einem anderen Sie in andächtiger Stille erstarren, eine Art Melodie erklingt, ohne Ihre Gefühle zu verletzen, und ein anderes Sie traurig oder glücklich macht. Warum passiert das? Wie nimmt ein Mensch Kunst wahr? Warum tauchen manche Menschen in die vom Künstler geschaffene Welt ein, während andere für die Welt der Schönheit taub bleiben? Ein Auszug aus A. P. Tschechows Erzählung „Drei Jahre“ brachte mich zum Nachdenken über das Problem der Wahrnehmung von Kunst.
A. P. Chekhov erzählt, wie die Familie Laptev eine Kunstausstellung besucht. Der Kopf kennt die Namen aller berühmten Künstler, verpasst keine einzige Ausstellung, manchmal malt er selbst Landschaften. Seine Frau am Anfang der Passage "betrachtete die Bilder wie ein Ehemann", es schien ihr, dass der Zweck der Kunst darin bestehe, "Menschen und Gegenstände hervorzuheben, als ob sie real wären". Dem Ehemann fällt auf den Bildern nur das Negative auf: Entweder „passiert nie so ein lila Schnee“, oder der linke Arm des bemalten Jungen ist kürzer als der rechte. Und nur einmal wurde Yulia Sergeevna das wahre Wesen der Kunst offenbart. Vor ihr lag eine gewöhnliche Landschaft mit einem Fluss, einer Holzbrücke, einem Weg, einem Wald und einem Feuer, aber plötzlich sah sie, dass „wo eine Abenddämmerung war, ein Spiegelbild von etwas Überirdischem, Ewigem“ ruhte. Für einen Moment offenbarte sich ihr der wahre Zweck der Kunst: in uns besondere Gefühle, Gedanken, Erfahrungen zu wecken.
A. P. Tschechow ist einer jener Schriftsteller, die uns keine vorgefertigten Lösungen liefern, sondern uns dazu bringen, nach ihnen zu suchen. Als ich über diese Passage nachdachte, verstand ich, wie mir scheint, seine Position zum Problem des Zwecks der Kunst, ihrer Wahrnehmung. Kunst kann einem sensiblen Menschen viel erzählen, lässt ihn an das Mysteriöseste und Intimste denken, erwacht in ihm bessere Gefühle.
Ich stimme dieser Interpretation der Wirkung von Kunst auf eine Person zu. Große Museen, Klassikkonzerte konnte ich leider noch nicht besuchen, daher erlaube ich mir, auf die Meinung von Schriftstellern zu verweisen, denn es gibt viele Werke, in denen die Autoren versuchen, das Mysterium der menschlichen Wahrnehmung von Kunst zu lüften .
Eines der Kapitel des Buches von D. S. Likhachev „Briefe über das Gute und das Schöne“ heißt „Kunst verstehen“. Darin spricht der Autor über die große Rolle der Kunst im menschlichen Leben, dass Kunst „erstaunliche Magie“ ist. Seiner Meinung nach spielt die Kunst eine große Rolle im Leben der gesamten Menschheit. Likhachev argumentiert, dass man lernen muss, Kunst zu verstehen. Mit der Gabe, Kunst zu verstehen, wird ein Mensch moralisch besser und damit glücklicher, denn durch die Kunst mit der Gabe eines guten Verständnisses der Welt, der Menschen um ihn herum, der Vergangenheit und der Ferne belohnt, wird man leichter befreundet mit anderen menschen, mit anderen kulturen, mit anderen nationalitäten ist er leichter zu leben.
A. I. Kuprin schreibt in The Garnet Bracelet darüber, wie Kunst die menschliche Seele beeinflussen kann. Prinzessin Vera Sheina, die zurückkehrt, nachdem sie sich von Zheltkov verabschiedet hat, der Selbstmord begangen hat, um den, den sie so sehr liebte, nicht zu stören, bittet ihre Freundin, die Pianistin, ihr etwas vorzuspielen, ohne daran zu zweifeln, dass sie diesen Beethoven hören wird
ein Werk, das Zheltkov ihr zum Anhören vermachte. Sie hört Musik und fühlt, dass ihre Seele sich freut. Sie dachte, dass eine große Liebe an ihr vorbeiging, die sich nur einmal in tausend Jahren wiederholte, Worte wurden in ihrem Kopf komponiert, und sie fielen in ihren Gedanken mit Musik zusammen. „Geheiligt sei Ihren Namen, schien ihr die Musik zu sagen. Die erstaunliche Melodie schien ihrer Trauer zu gehorchen, aber sie tröstete sie auch, wie Zheltkov sie getröstet hätte.
Ja, die Kraft wahrer Kunst ist groß, die Kraft ihres Einflusses. Es kann die Seele eines Menschen beeinflussen, adeln, Gedanken erheben.
Mehr Argumente.
In einer Kurzgeschichte von V. P. Astafjew „Ein Märchen aus der Ferne“ wird erzählt, wie Musik geboren wird und welche Wirkung sie auf eine Person haben kann. Als kleiner Junge hörte der Erzähler die Geige. Der Geiger spielte Oginskys Komposition, und diese Musik schockierte den jungen Zuhörer. Der Geiger erzählte ihm, wie die Melodie entstand. Der Komponist Oginsky schrieb es, verabschiedete sich von seiner Heimat, er schaffte es, seine Traurigkeit in Klängen zu vermitteln, und jetzt weckt sie die besten Gefühle in den Menschen. Der Komponist selbst ist gegangen, der Geiger gestorben, der dem Zuhörer wunderbare Momente begreifender Schönheit bescherte, ein Junge wuchs heran ... Einmal an der Front, hörte er die Klänge einer Orgel. Dieselbe Musik ertönte, dieselbe Oginsky-Polonaise, aber in der Kindheit verursachte sie Tränen, Schock, und jetzt klang die Melodie wie ein uralter Schlachtruf, irgendwo gerufen, gezwungen, etwas zu tun, damit die Feuer des Krieges erlöschen, damit die Menschen würden sich nicht an die brennenden Ruinen drängen, damit sie in ihr Haus kommen, unter das Dach, zu ihren Verwandten und Lieben, damit der Himmel, unser ewiger Himmel, keine Explosionen auslöst und nicht mit höllischem Feuer brennt.
K. G. Paustovsky erzählt in der Geschichte „Korb mit Tannenzapfen“ vom Komponisten Grieg und seiner zufälligen Begegnung mit dem kleinen Mädchen Dagny. Das süße kleine Mädchen überraschte Grieg mit ihrer Spontaneität. „Eines gebe ich dir“, verspricht der Komponist dem Mädchen, „aber es wird in zehn Jahren sein.“ Diese zehn Jahre sind vergangen, Dagny ist erwachsen geworden und eines Tages bei einem Konzert symphonische Musik hörte ihren Namen. Toller Komponist Er hielt Wort: Er widmete dem Mädchen ein Musikstück, das berühmt wurde. Nach dem Konzert ruft Dagny, geschockt von der Musik, aus: „Hör zu, Leben, ich liebe dich.“ Und hier letzte Worte Geschichte: "... ihr Leben wird nicht umsonst sein."
6. Gogol "Porträt". Der Künstler Chartkov hatte in seiner Jugend ein gutes Talent, aber er wollte alles auf einmal aus dem Leben bekommen. Einmal bekommt er ein Porträt eines alten Mannes mit überraschend lebhaften und schrecklichen Augen. Er hat einen Traum, in dem er 1000 Goldmünzen findet. Am nächsten Tag wird dieser Traum wahr. Aber das Geld brachte dem Künstler kein Glück: Er kaufte sich einen Namen, indem er dem Verleger Bestechungsgeld gab, fing an, Porträts der Mächtigen zu malen, aber er hatte nichts mehr vom Funken des Talents. Ein anderer Künstler, sein Freund, hat alles für die Kunst gegeben, er lernt ständig dazu. Er lebt seit langem in Italien, steht stundenlang untätig vor den Gemälden großer Künstler und versucht, das Geheimnis der Kreativität zu ergründen. Das Bild dieses Künstlers, das Chartkov auf der Ausstellung gesehen hat, ist wunderschön, es hat Chartkov schockiert. Er versucht, echte Bilder zu malen, aber sein Talent wird verschwendet. Jetzt kauft er Meisterwerke der Malerei auf und zerstört sie im Wahnsinn. Und nur der Tod stoppt diesen zerstörerischen Wahnsinn.
Nach I. Bunin. Basierend auf der Geschichte des Buches. Auf der Tenne im Ofen liegend las ich lange ... Über den Zweck der Kunst
(1) Auf der Tenne im Omet liegend habe ich lange gelesen - und plötzlich war ich empört. (2) Ich lese seit dem frühen Morgen wieder, wieder mit einem Buch in der Hand! (3) Und so von Tag zu Tag, von Kindheit an! (4) Er lebte sein halbes Leben in einer Art nicht existierender Welt, unter Menschen, die niemals erfunden worden waren, die sich um ihr Schicksal, ihre Freuden und Sorgen sorgten, als ob es seine eigenen wären, und sich mit Abraham bis zum Grab verband und Isaac, mit den Pelasgern und Etruskern, mit Sokrates und Julius Cäsar, Hamlet und Dante, Gretchen und Chatsky, Sobakevich und Ophelia, Pechorin und Natasha Rostova! (5) Und wie soll ich nun zwischen den realen und fiktiven Trabanten meiner irdischen Existenz sortieren? (6) Wie kann man sie trennen, wie kann man den Grad ihres Einflusses auf mich bestimmen?
(7) Ich las, lebte von fremden Erfindungen, und das Feld, das Anwesen, das Dorf, die Menschen, Pferde, Fliegen, Hummeln, Vögel, Wolken – alles lebte für sich allein, wahres Leben. (8) Und so fühlte ich es plötzlich und erwachte aus einer Buchbesessenheit, warf das Buch ins Stroh und mit Überraschung und Freude schaue ich mich mit einigen neuen Augen um, ich sehe scharf, ich höre, ich rieche - vor allem, Ich fühle etwas ungewöhnlich Einfaches und gleichzeitig ungewöhnlich Komplexes, dieses tiefe, wunderbare, unaussprechliche Ding, das im Leben und in mir selbst existiert und das nie richtig in Büchern geschrieben wird.
(9) Während ich las, gingen heimlich Veränderungen in der Natur vor sich. (10) Es war sonnig, festlich; jetzt ist alles dunkel, still. (11) Nach und nach sammelten sich Wolken und Wolken am Himmel, an manchen Stellen, besonders im Süden, sind sie noch hell, schön, und im Westen, hinter dem Dorf, hinter seinen Reben, regnerisch, bläulich, langweilig. (12) Warme, sanfte Gerüche von fernem Feldregen. (13) Ein Pirol singt im Garten.
(14) Ein Bauer kehrt vom Friedhof auf einer trockenen lila Straße zurück, die zwischen der Tenne und dem Garten verläuft. (15) Auf der Schulter ist eine weiße Eisenschaufel, an der blauschwarze Erde haftet. (16) Das Gesicht ist verjüngt, klar. (17) Der Hut ist von der verschwitzten Stirn.
(18) - Ich habe meinem Mädchen einen Jasminstrauch gepflanzt! sagt er fröhlich. - Gute Gesundheit. (19) Liest du alles, erfindest du alle Bücher?
(20) Er ist glücklich. (21) Was? (22) Nur das, was in der Welt lebt, tut das Unbegreiflichste der Welt.
(23) Der Pirol singt im Garten. (24) Alles andere ist still, still, selbst Hähne sind nicht zu hören. (25) Sie singt allein – bringt langsam verspielte Triller hervor. (26) Warum, für wen? (27) Ist es für dich selbst, für das Leben, das der Garten, das Anwesen seit hundert Jahren führt? (28) Oder lebt dieses Anwesen vielleicht für ihren Flötengesang?
(29) "Ich habe meinem Mädchen einen Jasminstrauch gepflanzt." (30) Weiß das Mädchen davon? (31) Es scheint dem Mann, dass er es weiß, und vielleicht hat er Recht. (32) Ein Mann wird diesen Busch bis zum Abend vergessen - für wen wird er blühen? (33) Aber es wird blühen, und es wird scheinen, dass nicht ohne Grund, sondern für jemanden und für etwas.
(34) "Du liest alles, du erfindest alle Bücher." (35) Warum erfinden? (36) Warum Heldinnen und Helden? (37) Warum ein Roman, eine Geschichte, mit Handlung und Auflösung? (38) Die ewige Angst, nicht ausreichend belesen zu wirken, denen, die verherrlicht werden, nicht ähnlich genug! (39) Und ewige Qual - ewig zu schweigen, nicht von genau dem zu sprechen, was wirklich das Deine und das einzig Wirkliche ist, das des legitimsten Ausdrucks bedarf, nämlich einer Spur, Verkörperung und Bewahrung, wenigstens mit einem Wort!
Komposition
Was für eine erstaunliche Geschichte von A. P. Tschechow! Wie immer bei diesem Autor versteht man nicht sofort, was er mit seinem Werk sagen wollte, über welche Fragen er nachdenklich macht.
Sommertag. Der lyrische Held liest ein Buch, das er plötzlich empört wegwirft: „Er lebte sein halbes Leben in einer nicht existierenden Welt, unter Menschen, die nie erfunden, um ihr Schicksal, ihre Freuden und Sorgen besorgt waren, als ob sie waren seine eigenen ...“ Es scheint ihm, als sei er aus einer Büchersucht erwacht und mit neuen Augen auf „die tiefen, wunderbaren, unaussprechlichen Dinge des Lebens“ geschaut. Rund um die wunderbare Natur, sich ständig verändernde Landschaft. Ein neues Gesicht erscheint: ein Mann mit einem klaren, verjüngten Gesicht. „Ich habe meinem Mädchen einen Jasminstrauch gepflanzt“, sagt er. Wir wissen, dass er diesen Busch auf dem Grab seiner Tochter gepflanzt hat. Warum sich also freuen? Wir sind ratlos zusammen mit dem Helden. Und dann kommt ein Verständnis: Das Mädchen wird nichts von diesem Busch wissen, aber er wird „aus gutem Grund, aber für jemanden und für etwas“ blühen. Und wieder eine Rückkehr zu den alten Gedanken: Warum Romane, Erzählungen schreiben? Und hier kommt die Einsicht: Das Problem, das sowohl den Helden von Tschechow als auch den Schriftsteller selbst so beunruhigt, ist das Problem des Zwecks der Kunst. Warum muss sich ein Mensch in Büchern, in Poesie, in Musik, in einem Bild ausdrücken? So würde ich die Frage formulieren, die sich aus den Überlegungen des lyrischen Helden ergibt.
Und die Antwort darauf steht im letzten Satz des Textes: „Und ewige Qual ist, ewig zu schweigen, nicht über das zu sprechen, was wirklich deins ist und die einzige Gegenwart, die den gesetzlichsten Ausdruck erfordert, nämlich eine Spur, eine Verkörperung und Bewahrung, mit einem Wort! » Die Position des Autors, wenn man sie mit anderen Worten ausdrückt, lautet wie folgt: Der Zweck der Kreativität, der Zweck der Kunst ist es, den Menschen zu sagen, was Sie begeistert, die Gefühle auszudrücken, die Sie erleben, eine „Inkarnationsspur“ zu hinterlassen Erde.
Die Frage nach dem Zweck der Kunst beschäftigte viele Schriftsteller. Lass uns erinnern
A. S. Puschkin. In dem Gedicht "Prophet" appellierte "Gottes Stimme" an den Dichter:
„Steh auf, Prophet, und sieh und höre,
Erfülle meinen Willen
Und unter Umgehung der Meere und Länder,
Verbrenne die Herzen der Menschen mit dem Verb."
„Die Herzen der Menschen mit dem Verb verbrennen“ bedeutet, Durst in ihnen zu wecken ein besseres Leben, Streit. Und in dem kurz vor seinem Tod geschriebenen Gedicht „Ich habe mir selbst ein Denkmal errichtet, das nicht von Hand gemacht wurde ...“ bekräftigt der Dichter die Größe eines poetischen Denkmals im Vergleich zu anderen Arten, Verdienste zu verewigen.
Ein Mensch, dem Gott das Talent gegeben hat, den Menschen etwas Eigenes zu sagen, kann nicht schweigen. Seine Seele verlangt danach, Spuren auf der Erde zu hinterlassen, sein „Ich“ in einem Wort, in einem Klang, in einem Bild, in einer Skulptur zu verkörpern und zu bewahren…
2. Wahrnehmung von Kunstwerken als Co-Creation. Das Phänomen der Katharsis
Das Problem der Wahrnehmung von Kunstwerken ist vielschichtig und bedarf zu seiner umfassenden Betrachtung einer interdisziplinären Herangehensweise. Ihre Analyse im Rahmen der Ästhetik erfolgt in der Regel auf der Grundlage einer breiten Einbeziehung und Assimilation von Erkenntnissen aus Psychologie, Soziologie, Philosophie, Semiotik, Kulturwissenschaften, Geschichte und Theorie der Kunst usw.
Dabei ist die ästhetische Analyse der Wahrnehmung nicht auf Einzelheiten reduziert und keine mechanische Summe einseitiger Merkmale aus unterschiedlichen Wissensgebieten. Das Interesse der Ästhetik an diesem Problem ergibt sich aus ihrem eigentlichen Thema – dem Prozess der ästhetischen Assimilation der Realität durch eine Person.
Offensichtlich ist die Wahrnehmung in diesem Prozess ein wichtiges Bindeglied, ein Kanal und ein Mechanismus, um die ästhetischen Eigenschaften der umgebenden Welt und ihre Transformation nach den Gesetzen der Schönheit zu verstehen.
Ästhetische Wahrnehmung basiert auf der menschlichen Fähigkeit, auf Schönheit zu reagieren, sie in der Realität zu erkennen, die sich im Prozess der Phylo- und Ontogenese gebildet hat. Wie bereits erwähnt, nimmt eine Person alle Objekte ästhetisch wahr - natürlich, öffentlich, einschließlich Kunst. Dabei wird in Theorie und Praxis die Fähigkeit der ästhetischen Wahrnehmung als ganzheitliches und bildhaftes Sehen der Wirklichkeit und die eigentliche künstlerische Wahrnehmung als dieselbe Fähigkeit, den ästhetischen Wert von Kunstwerken zu erfassen, unterschieden.
In der ästhetischen Theorie das Problem künstlerische Wahrnehmung vor langer Zeit eingetreten. Einer der ersten Versuche, es zu lösen, kann die Lehre von Aristoteles über die Katharsis sein - die Reinigung der menschlichen Seele im Prozess der Wahrnehmung von Kunst.
Anzumerken ist, dass in der Ästhetik des 20. Jahrhunderts der Wahrnehmungsakt überwiegend als rein spiritueller, nicht auf irgendeinen Akt gerichteter Akt interpretiert wird. K. S. Stanislavsky bemerkte dieses Merkmal ebenfalls. Die Menschen gehen zur Unterhaltung ins Theater, sagte er, aber sie verlassen es unmerklich mit erwachten Gefühlen und Gedanken, angereichert mit dem Wissen um das schöne Leben des Geistes .... Das Theater ist eine mächtige Kraft, um spirituellen Einfluss auf Menschenmassen zu nehmen, die suchen Kommunikation.
In einer europäisch orientierten Kultur hat diese äußerlich unpragmatische Orientierung der künstlerischen Wahrnehmung, ihre äußerliche Nicht-Kreativität eine Tradition gebildet, nach der das Schaffen von Kunstwerken im Vergleich zu ihrer Wahrnehmung durch Betrachter eine größere soziale und ästhetische Bedeutung hat, Zuhörer, Leser. In dieser Hinsicht gibt es eine erhöhte Aufmerksamkeit für die Arbeit von Künstlern, Dichtern, Musikern, Schauspielern und anderen Schöpfern von Kunstwerken, während gleichzeitig ein geringes Interesse an anderen Teilnehmern an künstlerischer Kommunikation besteht, was zusammenfassend mit dem uninformativen und unpersönlichen Konzept bezeichnet wird von „Öffentlichkeit“.
Gleichzeitig wird in manchen Kulturen des Ostens die Kunst der Kunstwahrnehmung besonders geschätzt. Insbesondere die Ästhetik des Zen-Buddhismus bekräftigt die grundsätzliche Gleichheit der schöpferischen Tätigkeit des Schöpfers und des Wahrnehmenden. Es wird angenommen, dass im kreativen Prozess die Fähigkeit zu sehen, ein Bild in der eigenen Seele zu schaffen, nicht weniger wichtig ist als die eigentliche Aktivität, Kunstwerke zu schaffen. Diese Idee ist übrigens auch in der Theorie der Symbolisten vorhanden, die ebenfalls glauben, dass ein Kunstwerk nicht nur als Endpunkt der Vertiefung der schöpferischen Persönlichkeit des Schöpfers existiert, sondern notwendigerweise ein Anstoß für das Leben sein muss von denen, die es wahrnehmen, die spirituellen Aufstieg vollziehen. Eine ähnliche Haltung äußerte auch M. Bakhtin, der feststellte, dass, wenn die Hauptsache für einen Künstler das von ihm getrennte „Produkt der Kreativität“ ist, dh ein Kunstwerk, dann für den Betrachter, Zuhörer, Leser die Hauptsache ist Produkt ist er selbst, seine Persönlichkeit. Die Hauptbesonderheit der Kreativität, die ein Kunstwerk wahrnimmt, liegt gerade darin, dass im Prozess der Wahrnehmung, seiner Entwicklung, eine Formation, eine Erschaffung einer Person in besonderer Weise stattfindet, die der Kunst innewohnt. Dieser Ansatz, der sich in einer Reihe von Werken russischer Autoren (A. A. Potebnya, D. N. Ovsyaniko-Kulikovskii, A. Bely, Vyach. Ivanov, A. Leontiev, M. Bakhtin und anderen) widerspiegelt, hat tatsächlich zur Formung und Genehmigung beigetragen Traditionen in unserer Ästhetik Betrachten Sie die Wahrnehmung von Kunst als Co-Creation.
Wir haben bereits festgestellt, dass ein Kunstwerk als Objekt der Wahrnehmung eine Kombination von höchster Komplexität ist. Und idealerweise sollte die Wahrnehmung natürlich dieser Ebene entsprechen. Wer zu der Annahme neigt, dass der Wahrnehmende (Empfänger) die Wirkung eines Kunstwerks auf das Prinzip einer Art Lebensanalogie erfährt, liegt kaum richtig.
Natürlich gibt es in der Wahrnehmung eine Ebene direkter Eindrücke und Erfahrungen. Es ist davon auszugehen, dass sich die Wahrnehmung in manchen Fällen auf einfaches Wiedererkennen beschränkt.
isst und der Empfänger erlebt, was Aristoteles "Freude des Wiedererkennens" nannte. Oh, wie ähnlich!... Eine solche Wahrnehmung erfolgt jedoch normalerweise auf der Ebene der äußeren Form eines Kunstwerks, dh seiner Handlung, seiner bildlichen Konkretisierung des Themas. Aber es gibt auch eine innere Form – genau dieses „Labyrinth von Verbindungen“, von dem L. N. Tolstoi sprach, das heißt ein System, das in jedem seiner Elemente voneinander abhängig ist und dazu dient, die Idee des Autors, die „Superaufgabe“ eines Werks, auszudrücken der Kunst.
Echte Kunstwerke erfordern und bilden aufgrund ihrer strukturellen und inhaltlichen Mehrdimensionalität die komplexesten und höchsten Formen menschlicher Wahrnehmung im Prozess der Interaktion mit der Öffentlichkeit. Wenn wir uns einem Kunstwerk zuwenden, nehmen wir nicht nur Linien, Farben, Töne, Bilder wahr, die in Worten ausgedrückt werden, sondern auch das, was in ihnen verborgen oder enthalten ist - die Gedanken und Gefühle des Künstlers, übersetzt in figuratives System. Wie er das gemacht hat, in welcher Form der Inhalt zum Ausdruck kommt, was die „Sprache“ des Werkes ist, entgeht uns nicht.
Die Struktur der menschlichen Persönlichkeit ist in ihrem Potenzial optimal geeignet für eine integrierte, ganzheitliche, bildliche Wahrnehmung, basierend auf der gleichberechtigten Entfaltung beider Prinzipien, auf ihrer wohlkoordinierten Verflechtung. Und ein künstlerisches Bild, das, wie bereits in den vorherigen Kapiteln erwähnt, einen integralen Charakter hat, kann ein Mensch nur wahrnehmen, indem er dieses Bild erschafft und es in seiner Seele neu erschafft. Durch dieses Ergebnis unterscheidet sich die künstlerische Wahrnehmung tatsächlich von der gewöhnlichen Wahrnehmung, die sich nur auf die Extraktion einiger Informationen über das Objekt durch das Subjekt reduziert. Es ist sogar absurd anzunehmen, dass es in den Landschaften von beispielsweise I. Shishkin oder I. Levitan nur eine "Logik" natürlicher Objekte gibt - einen Kiefernhain, die Küste des Finnischen Meerbusens, die Wasserflächen von die Flussöffnung von einem hohen Steilhang usw., nur genaue, naturalistische Wiedergabe ... Es ist angebracht, in diesem Zusammenhang an die Zeilen aus dem Gedicht von I. A. Bunin zu erinnern:
Nein, es ist nicht die Landschaft, die mich anzieht,
Der gierige Blick wird die Farben nicht bemerken,
Und was erstrahlt in diesen Farben:
Liebe und Freude am Sein.
Zu diesen Worten des Dichters kann man hinzufügen, dass der „Blick“ des Wahrnehmenden nicht nur zeigt, was freudige und strahlende Gefühle verursacht, sondern auch Traurigkeit, Traurigkeit und sogar seelischen Schmerz. Und um all dies in einem Kunstwerk zum Ausdruck zu bringen, ist nicht nur die Logik der Realität wichtig, sondern auch die besondere Logik des künstlerischen Aufbaus des Werkes, die besondere Art von Beziehungen und
Elementverknüpfungen. In den Gemälden der oben genannten Künstler „spricht“ nicht nur die Handlungsbewegung, sondern auch der kompositorische und strukturelle Aufbau, die Plastizität und das Relief, das Farbsystem und die Licht-Schatten-Partitur und vieles mehr ... Es sind all diese Elemente in Form eines auf bestimmte Weise organisierten künstlerischen Systems präsentiert, schaffen nur ein „figuratives Feld“, das den Betrachter wie ein Magnet anzieht und bei ihm eine angemessene emotionale Reaktion und bestimmte Reflexionen hervorruft. Dank ihnen und durch sie entsteht der Effekt der psychologischen Übertragung des Betrachters auf das im Kunstwerk dargestellte figurative Lebensmodell. Bei aller illusorischen Natur, Künstlichkeit hat es die Fähigkeit, im Falle eines Werks von enormer künstlerischer Kraft, bei denen, die es wahrnehmen, jenen Zustand hervorzurufen, über den der Dichter sagte: „Ich werde Tränen über die Idee vergießen.“ Das vom Künstler erfundene Leben wird sozusagen unser eigenes.
Folglich ist es im Kommunikationsakt der Wahrnehmung eines Kunstwerks wesentlich, die spezifische Sprache zu verstehen, in der es zu uns spricht. Der Künstler muss dies bereits im Entstehungsprozess eines Werkes berücksichtigen. Die innere künstlerische Struktur von Werken sollte in der Lage sein, die Wahrnehmung auf der Ebene der darin eingebetteten Gedanken, Ideen und Gefühle zu formen. Die Lösung dieses Problems hängt in der Tat von der Auswahl der am besten geeigneten bildlichen Zeichen in bildlichen und ausdrucksstarken Mitteln ab, die vom Künstler im Prozess der Kreativität durchgeführt werden. Und in diesem Sinne wird das zu Recht gesagt ein wahrer Künstler schafft immer nach den Gesetzen der menschlichen Wahrnehmung.
In der Struktur der ästhetischen Wahrnehmung sind mindestens drei Kommunikationswege zu unterscheiden:
1) künstlerische Verallgemeinerung, also die Wahrnehmung eines Kunstwerks als integrales Phänomen, auf der Ebene der Einheit seiner Formen und Inhalte. Wenn wir es wahrnehmen, offenbaren wir Genre-Originalität, Stilmerkmale und andere ziemlich allgemeine Merkmale des Werks, die normalerweise in Urteilen wie „Dies ist eine Komödie“ oder „Das ist ein realistisches Werk“ usw. ausgedrückt werden;
2) assoziatives Potenzial ein Kunstwerk, bestimmt für die aktive Verbindung der geistig-sinnlichen Energie des Wahrnehmenden. Das in einem Kunstwerk dargestellte figurative Lebensmodell wird im Prozess der Wahrnehmung gewissermaßen mit der Erfahrung des realen Lebens verglichen, weckt beim Betrachter, Zuhörer und Leser bestimmte Assoziationen. Jeder Künstler ist noch dabei, ein Werk zu schaffen,
Indem er sein Material organisiert, erwartet er, bei denen, die es wahrnehmen, bestimmte Assoziationen hervorzurufen. Folglich ist Wahrnehmung sowohl auf Seiten derjenigen, die ein Kunstwerk wahrnehmen, als auch auf Seiten der vom Künstler gelösten gestalterischen Aufgaben ein assoziativer Akt;
3) Schließlich ist es in der Wahrnehmung möglich, das zu manifestieren, was genannt wird die suggestive Kraft der Kunst, verbunden mit seiner Fähigkeit zu suggerierender, fast hypnotischer Wirkung auf den Wahrnehmenden, mit seiner besonderen Ansteckungskraft. Ein echtes Kunstwerk ist in seiner gegebenen Qualität wie ein „Energiebündel“, dessen magische Kraft die komplexesten seelischen Prozesse in uns erregt. L. N. Tolstoi schrieb über die „Infektion“ des Wahrnehmenden mit Gedanken, Gefühlen und Bildern, die der Künstler in der Arbeit präsentiert.
Gerade die Manifestation solcher Verbindungen im kommunikativen Akt der künstlerischen Wahrnehmung dient manchmal als Grundlage für die Behauptung, dass es sich um nichts anderes als um eine Wiederholung des kreativen Prozesses handelt, der während der Entstehung des Werks stattgefunden hat. Dabei wird nicht berücksichtigt, dass der Wahrnehmende das, was in der Arbeit des Künstlers gegeben ist, immer auf seine Weise transformiert, transformiert. Das von ihm geschaffene Bild ist keineswegs eine Kopie, kein subjektiviertes Äquivalent eines fertigen Werks, sondern etwas Eigenständiges, neu geschaffen im Kopf des Betrachters auf der Grundlage und unter Berücksichtigung seiner eigenen Ideen und Erfahrungen. Natürlich sollte man immer den Grad der ästhetischen Beziehung zwischen Autor und Wahrnehmendem berücksichtigen, aber wie B. Croce richtig feststellte, „man kann sich nicht als kleiner Künstler, kleiner Bildhauer, kleiner Musiker, kleiner Dichter betrachten, ein kleiner Schriftsteller“ (Croce B. Aesthetics as a science about expression and as general linguistics. - M., 1920. - S. 14).
Der Betrachter, Zuhörer, Leser präsentiert das Werk in der Regel selbst und hat oft keine Ahnung von den schöpferischen Qualen und Erfahrungen des Autors im Entstehungsprozess. Dabei ist die Situation keineswegs ausgeschlossen, dass dort, wo der Autor Tränen über seinen Helden vergießt, beim Wahrnehmenden ein ironisches Schmunzeln auftritt. Wie dem auch sei, die Wahrnehmung ist ein aktiver kreativer Prozess, und gerade wegen dieser Besonderheit erschafft jeder von uns in der Vorstellung das Bild von „unserem“ Boris Godunov, „unserem“ Grigory Melekhov ... Der Prozess der inneren spirituellen Konstruktion von Bildern durch die Wahrnehmenden, basierend auf dem Verständnis der Werksprache, der Interpretation und Bewertung figurativer Lebensmodelle - dies ist Co-Creation, ein sehr wichtiger Bestandteil der künstlerischen Kommunikation, der wahren ästhetischen Genuss bringt.
Gleichzeitig kann man bei aller Aktivität der individuellen Wahrnehmung und der Bandbreite der Interpretationen desselben Werks durch verschiedene Subjekte die Präsenz darin nicht leugnen objektiver Inhalt. Wie M. S. Kagan zu Recht feststellt, „erfordert eine Herangehensweise an dieses komplexe Problem die Identifizierung der Dialektik von Objektivem und Subjektivem, Invariantem und Variant-Interpretativem, Absolutem und Relativem in der künstlerischen Wahrnehmung“ (Kagan M. S. Lectures on Marxist-Leninist Aesthetics. - L . , 1971.- S. 507). Der Inhalt der Kunst ist bei aller Konventionalität der verwendeten Bild- und Ausdrucksmittel keine reine und solide Fiktion, die nichts mit der Realität zu tun hat. Was im Werk dargestellt wird, muss für den Wahrnehmenden etwas mit der Realität zu tun haben. Darüber hinaus, wie die Geschichte beweist künstlerische Kultur, gibt es stabile, typische, regelmäßige Wahrnehmungsmerkmale, die für jede Epoche und jede soziale Gruppe charakteristisch sind.
Die künstlerische Wahrnehmung ist also die komplexeste Arbeit von Gefühlen, Gedanken und Vorstellungen des Kunstwahrnehmenden. Natürlich sind nicht alle gleichermaßen bereit, solche Arbeiten auszuführen.
Der aktuelle Stand der ästhetischen Entwicklung des Menschen lässt es oft nicht zu, eine ganzheitliche Wahrnehmung des Werkes zu erreichen, die Synthese seiner Einzelteile in einem einzigen Eindruck zu vollziehen. Darüber hinaus in einer Reihe komplexe Typen Kunst mit ihrer mehr oder weniger adäquaten Wahrnehmung erfordert die Synthese in tausendtausend Varianten. So ist beispielsweise aufgrund der vielgliedrigen Struktur einer Opernaufführung die Wahrnehmung durch einen unvorbereiteten Zuschauer-Hörer besonders schwierig.
Tatsächlich ist es in diesem Fall notwendig, Elemente wie Kulissen, Licht, Farbe, Kostüme von Charakteren usw., dh das, was die künstlerische und visuelle Seite der Aufführung charakterisiert, mit Elementen der musikalischen Reihe - melodisch - rhythmische Struktur, Tonalität, Klangfarbe, Stärke und Tonhöhe, Intonationsmerkmale und andere Nuancen der musikalischen Dramaturgie, ohne die Aufmerksamkeit auf die kompositorische Lösung der Aufführung und die Manifestation ihrer kreativen Individualität durch die Interpreten zu verlieren, und vieles mehr. All dies zu einem ganzheitlichen Bild zu synthetisieren, ist natürlich mit der vollen Einbeziehung aller „mentalen Mechaniken“ des Betrachters-Hörers verbunden und bei einer hinreichend fortgeschrittenen ästhetischen Entwicklung der wahrgenommenen Persönlichkeit grundsätzlich möglich.
Ästhetisch sieht das bloße Auge die Widerspiegelung des Lebens in einem Kunstwerk vor allem dort, wo es auf eine mehr oder weniger naturalistische, glaubwürdige Wiedergabe trifft.
das Produkt von Naturbildern, historischen Ereignissen, Handlungen. Jenseits der Wahrnehmungsschwelle bleibt, was sich hinter der Bildwelt selbst verbirgt, also semantische Verallgemeinerung verlangt, das Eindringen in die tiefen Schichten der künstlerischen Wirklichkeit. Und dann wird die Geschichte von Saltykov-Shchedrin "Konyaga" als Werk "über Pferde" interpretiert, und P. Brueghels Gemälde "The Blind" erscheint als gewöhnliche Skizze einer Gruppe unglücklicher Menschen, die aufgrund ihrer körperlichen Krankheit finden sich in einer sehr schwierigen und aussichtslosen Situation befinden. Eine so ästhetisch bedeutsame Wirkung des spirituellen Aufstiegs der Persönlichkeit in ihrer Berührung mit wahrhaft großen Kunstwerken, so tief innerer Schock und eine Reinigung findet in diesem Fall natürlich nicht statt. Folglich kann festgestellt werden, dass Kunst in ihrer Wirkung auf einen bestimmten Teil der Öffentlichkeit nicht das gewünschte Ergebnis erzielt, sozusagen „geschlossen“, unbeansprucht bleibt.
Psychologen hingegen in einer kathartischen Wirkung sehen das Hauptergebnis der Wirkung von Kunst auf das Individuum und in der Notwendigkeit der Katharsis - einer der wichtigsten psychologischen Einstellungen zur Kunst. Eigentlich entspricht dies der Tradition in der Verwendung dieses Begriffs im Sinne des Wesens der ästhetischen Erfahrung, die schon bei den antiken griechischen Philosophen aufkam. In modernen Interpretationen der Katharsis besteht kein Zweifel daran, dass es sich um einen Mechanismus handelt, durch den und mit dessen Hilfe die Funktionen der Kunst im Übrigen nicht nur hedonistisch und erzieherisch, sondern auch kognitiv erfüllt werden. Darüber hinaus ist es der Katharsis zu verdanken, dass der Betrachter, Zuhörer, Leser von der Erkenntnis rein äußerer Zusammenhänge zum Verständnis ihrer Bedeutung, ihres Wesens aufsteigt. Die eigenen Erfahrungen des Wahrnehmenden erfahren eine Art Wiedergeburt. Das künstlerische System nimmt Besitz von seinen Gedanken und Gefühlen, lässt ihn mitfühlen und beitragen, es gibt ein Gefühl von spiritueller Erhebung und Erleuchtung.
Die Kraft der Wahrnehmung von Kunst wurde von Apollon Grigoriev in einem Gedicht, das dem großen Künstler Mochalov gewidmet ist, hervorragend zum Ausdruck gebracht:
Es war soweit - Theatersaal
Es erstarrte, dann stöhnte,
Und ein Nachbar, den ich nicht kenne
Er drückte krampfhaft meine Hand,
Und ich selbst drückte ihn als Antwort,
In der Seele Qual erfahren, die keinen Namen hat.
Die Menge heulte wie ein hungriges Tier,
Sie fluchte, dann liebte sie
Beherrschte sie allmächtig
Mächtiger beeindruckender Zauberer.
In der Tat geben uns talentierte Kunstwerke die Möglichkeit, "in das Leben einzudringen", seine Fragmente zu erfahren. Sie aktualisieren und bereichern unsere Erfahrung und erheben sie von einer rein individuellen privaten Ebene der Ideale und perfekten Formen. Kunst, so G. I. Uspensky, macht einen Menschen „mit dem Glücksgefühl bekannt, ein Mensch zu sein“, zeigt uns alle und erfreut „uns mit einer sichtbaren Gelegenheit, schön zu sein“.
Im Gegensatz zum Freudschen Verständnis der Katharsis als Eintauchen in die Tiefen des Unbewussten präsentiert die russische Ästhetik eine andere Sichtweise auf die Natur dieses Phänomens. Insbesondere wird die Position begründet, wonach die Katharsis der Mechanismus in der Umsetzung der Funktionen der Kunst ist, durch den das Unbewusste zum Bewussten wird, es zu einer Harmonisierung aller Beziehungen des Individuums kommt. Möglich wird diese Transformation durch die Einbeziehung des Kunstwahrnehmenden in ein anderes, höherwertiges System.
Katharsis in diesem Kontext erscheint als Bewusstsein, als Erweiterung der Grenzen des individuellen Bewusstseins zum universellen. Seine psychologische Natur drückt sich durch den Zustand „innerer Ordnung, spiritueller Harmonie aus, die durch die Dominanz höherer, universeller Ideale in der menschlichen Seele entsteht“ (Florenskaya T. A. Katharsis als Bewusstsein // Sat. Künstlerische Kreativität. - L., 1982) .
Das ästhetische Ideal lebt vor allem in der Kunst. Ideologisch verstanden verleiht sie der Kunst große gesellschaftliche Bedeutung und Kraft. Gefühle, die bei der Wahrnehmung eines Kunstwerks erlebt werden, wecken moralische und intellektuelle Bestrebungen in einer Person.
Katharsis als Reinigung der Seele, als ästhetisches Vergnügen ist nicht identisch mit einfachem Vergnügen, da es von einer ganzen Reihe polarer Gefühle begleitet wird - von Freude, Bewunderung und Sympathie bis hin zu Trauer, Verachtung und Hass. Dabei lässt sich ästhetischer Genuss nicht auf irgendeinen Vorgang reduzieren – sei es Erinnerung, Vorstellung oder Kontemplation.
Das Phänomen der Katharsis stellt eine Verschmelzung von Emotionen und Intellekt, Gefühlen und Gedanken dar, rein persönlich und gesellschaftlich bedeutsam, äußerlich und innerlich, aktuell und historisch. Und in dieser Eigenschaft kann die Katharsis als die höchste Form der ästhetischen Entwicklung der künstlerischen Wirklichkeit durch einen Menschen bezeichnet werden. In einer ästhetisch entwickelten Persönlichkeit wird in ihrer Kommunikation mit der Kunst das Bedürfnis nach Katharsis entscheidend.
LITERATUR
Asmus V. F. Lesen als Arbeit und Kreativität // Fragen der Literatur - 1961. - Nr. 2.
Fragen der Geschichte und Theorie der Ästhetik. - M., 1975.
Volkova E. Ein Kunstwerk - Gegenstand der ästhetischen Analyse - M., 1976.
Vygotsky L. Psychologie der Kunst - M., 1965.
Künstlerische Kreativität - L., 1982.
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Eines der Hauptprobleme, das Sergey Lvovich Lvov in dem zur Analyse vorgeschlagenen Text anspricht, ist das Problem des Verständnisses von Kunstwerken. Zweifellos dieses Thema kann niemanden gleichgültig lassen, denn Kunst ist ein wesentlicher Bestandteil des Lebens eines jeden; Kunst ist etwas, das einem Menschen Möglichkeiten für persönliches Wachstum und Entwicklung gibt und ihn dazu zwingt, sich weiterzuentwickeln, ständig auf der Suche nach etwas Neuem und Interessantem zu sein.
Der Autor glaubt, dass Kunstwerke von einer Person verstanden werden, die diesem Verständnis Zeit und Mühe widmet und genügend Aufmerksamkeit schenkt. Kunst offenbart sich bereitwillig und schnell einem Menschen, dessen Gedanken sie beschäftigt, in dem das Feuer der Kreativität brennt, in dem ein unwiderstehlicher Durst nach Verständnis und Wissen, eine Sehnsucht nach dem Neuen, dem Unbekannten steckt.
Also spricht Sergei Lvovich über sein Studentenleben, über seine "Highschool" -Kameraden. Junge Leute "beschäftigten sich ernsthaft mit Literatur, Geschichte, Sprachen", besuchten Seminare und Vorlesungen, waren sich der Theaterneuheiten bewusst, verpassten nichts Literarische Abende im Bemühen zu lernen, Kunst in all ihren Erscheinungsformen zu begreifen, jede Gelegenheit zu ergreifen, um neue Eindrücke zu gewinnen.
Dies verdeutlichen die Sätze 8-17: Die Studierenden versuchten, so viel wie möglich zu tun, sich jeweils sowohl für Premieren als auch für Abende „Zeit zu nehmen“. Wir haben versucht, selbst zu schreiben, also Kunst direkt zu begreifen, ein Teil von ihr zu werden.
Das eigentliche Problem wird für den Autor, den Klassiker zu verstehen Musikalische Werke: Er versuchte, mit seinen Kameraden Schritt zu halten, geduldig den Geräuschen des Funkspruchs zu lauschen, aber "er langweilte sich, schmachtete, gequält" und fand in der Musik nicht den besonderen Charme, den seine Freunde sahen. Eines Tages gibt es eine „Pause“ – den Autorenabend des jungen Schostakowitsch –, die sich als Anstoß für den Erzähler herausstellte, „ernste“ Musik zu verstehen, die später ein fester Bestandteil seines Lebens, ja ein Bedürfnis, eine Notwendigkeit wird . So begreift der Autor die Kunst nach und nach, Schritt für Schritt, indem er nach Erkenntnis strebt und an sich arbeitet, ihm Kraft, Zeit und Aufmerksamkeit schenkt, sich dem Verständnis und der Freude seiner Kameraden anschließen will.
Wenn eine Person Kunst versteht, beginnt sie subtiler zu denken und zu fühlen, als ob sie sie berühren würde. Zusammen mit der Kunst versteht er das Einfache, wahre Werte: Schönheit, Liebe, Menschlichkeit, die Erkenntnis, dass Kunst derselbe integrale Bestandteil ist Menschenleben wie diese Werte. So, Hauptfigur Kuprins Geschichte Granat Armband hört Beethovens Appassionata, lauscht und weint. Musik erfüllt ihre Seele mit Wärme und Ruhe. Kunst begreifend, beginnt Vera das Große zu schätzen, pure Liebe Zheltkova, erkennt, wie er sich ihr spurlos hingegeben hat, dies scheinbar unmerklich, kleiner Mann wie er die Heldin vergötterte, wie er ihr bis ans Ende seiner Tage treu ergeben war. So hilft die Kunst der Prinzessin zu verstehen, dass ihr vergeben wurde, und sich von der Schwere in ihrer Seele zu befreien, indem sie die wahren, universellen Werte kennt, von denen einer die Kunst ist.
Möge das Verständnis von Kunstwerken manchmal schwierig sein, möge es schrittweise sein, möge es Kraft, Zeit, Wissensdurst und grenzenloses Interesse erfordern, Kunst ist ein untrennbarer Bestandteil des menschlichen Lebens, einer seiner wichtigsten Bestandteile, die den Geist formen und bilden Seele eines Menschen. Das Leben ohne Kunst erscheint grau, sinnlos, kategorisch, denn Kunst ist die Schaffung von etwas Neuem, Außergewöhnlichem. So, Protagonist Turgenevs Roman "Väter und Söhne" Yevgeny Bazarov bestritt vollständig und vollständig jegliche Manifestationen von Kunst und Kreativität. Als überzeugter Nihilist wollte Eugene Poesie, Musik, Malerei nicht verstehen und beschwerte sich nur: Wie bedeutungslos ist Kunst, die keine praktischen Ziele verfolgt. Bazarov ist radikal und kategorisch in seinen Urteilen, aber angesichts des Todes, nachdem er die Tests der Freundschaft und Liebe bestanden hat, erkennt der Held, dass die Welt für ihn in leuchtenden Farben funkeln könnte, wenn er den schönen früheren, gefundenen Charme in der Schöpfung bemerkt hätte , und nicht in der Zerstörung.
Nachdem wir den vorgeschlagenen Text gelesen haben, verstehen wir, dass das Hauptziel von Sergei Lvovich darin bestand, dem Leser die Idee zu vermitteln, dass Kunst eher denjenigen offenbart wird, die sie zuallererst selbst kennenlernen möchten, und den Wunsch zu verstehen Kunst ist ein natürliches, notwendiges, universelles Verlangen.
Es gibt unbestreitbare Wahrheiten, aber sie liegen oft umsonst und reagieren in keiner Weise darauf Menschliche Aktivität, wegen unserer Faulheit oder Unwissenheit.
Eine solche unbestreitbare Wahrheit bezieht sich auf das Schreiben und insbesondere auf die Arbeit von Prosaautoren. Sie liegt darin begründet, dass das Wissen aus allen verwandten Bereichen der Kunst – Poesie, Malerei, Architektur, Bildhauerei und Musik – ungewöhnlich bereichert Innere Prosa und verleiht seiner Prosa besondere Ausdruckskraft.
Komposition
Lies viele Bücher. Aber aus irgendeinem Grund wurden einige von ihnen vergessen, verloren im Bewusstsein und hinterließen weder dem Verstand noch dem Herzen etwas? Vielleicht haben es die Autoren dieser Werke versäumt, das Leben lebendig und wahrheitsgemäß zu reflektieren? Dieses Problem stellte K. G. Paustovsky in seinem Text.
Der Schriftsteller, der von denen spricht, die kein lebendiges Bild schaffen können, verwendet solche Beinamen: "Der Grund für diese Melancholie ... in seinem trägen Fischauge." Achten wir darauf, welche Kapazität diese Beschreibung hat: Hier gibt es einen Mangel an Interesse an dem, was um uns herum passiert, und emotionale Kälte und begrenztes Bewusstsein und Denkfaulheit und geistige Blindheit.
Diese Blindheit wird zum Gegenstand besonderer Überlegungen des Schriftstellers: Er stellt die Absurdität des Erscheinens von Büchern fest, die "von Blinden für Sehende" geschrieben wurden. Paustovsky beendet seine Argumentation mit folgendem Gedanken: „Wer sie liebt, kann die Menschen und die Erde gut sehen.“ Das ist das Geheimnis allen Erfolgs, und die Ursache aller Misserfolge ist die Liebe oder ihre Abwesenheit. Nur ein liebendes Herz kann die Welt in all ihren Farben und Bildern wahrnehmen.
Der Autor definiert seine Position anhand der Gründe für die „ausgelöschte und farblose Prosa“. Ist es eine Folge des „Todes“ oder ist es ein Mangel an Kultur? Wenn es in der Seele Liebeskeime für die Welt und die Menschen gibt und sie noch lebt, kann alles korrigiert werden: Dafür müssen Sie von echten Meistern lernen - von Künstlern. Als Beispiel nennt Paustovsky sich selbst: Wie er von einem bekannten Maler lernte, alles so zu betrachten, als ob „es mit Farbe gemalt werden muss“. In wenigen Worten lässt sich die Meinung des Autors wie folgt definieren: Wenn du ein guter Autor werden willst, dann liebe die Welt und lerne sie in Farben zu sehen.
Es ist unmöglich, dem nicht zuzustimmen, denn die brillantesten Schriftsteller haben auf diese Weise ihre unsterblichen Kreationen geschaffen. Warum erinnern wir uns daran, wie Petrusha Grinev einem entgegenkommenden Landstreicher einen Hasenschaffellmantel schenkte? Immerhin vor allem, weil dieser berüchtigte Schaffellmantel "auftauchte". Er wurde nicht achtlos geworfen, nicht großzügig bedient, er „erschien“ einfach, liegend ausgestreckte Arme Savelich, der mit seinem schneeweißen, flauschigen Fell strahlt. Mit welcher Zärtlichkeit und Zartheit ist diese Szene gezeichnet! Und was ist mit den pflaumenschwarzen Kakerlaken in den Ritzen des von Chichikov bewohnten Zimmers? Kann man sie vergessen? Und so drehen und drehen und bewegen sie sich in Gedanken, bis man versteht: Nicht umsonst hat Gogol diese Kakerlaken in den Raum seines Gedichts gelassen. Und Sie werden erraten: Welche Art von Gräuel und Dreck zieht uns nicht auf den Weg des Lebens und führt uns in die Irre.
K. G. Paustovsky, der von „töricht verschwendeter Zeit“ spricht, versucht uns zu zeigen, wie echte Kunstwerke entstehen, die Geist und Herz erwecken können. Wir können die kostbare Zeit, die uns das Schicksal zugeteilt hat, nicht damit verschwenden, etwas zu schaffen und zu lesen, das keine Liebe zu Menschen und zum Leben enthält.
Welchen Anteil der Freizeit widmen die Menschen der Selbstbildung? Hundertstel, Tausendstel? Der menschliche Geist wird im Laufe der Jahre abgestanden, wird weniger empfänglich für neues Wissen. Warum passiert das, wo verschwindet die frühere Aktivität? Inneres Gepäck ist etwas, das wir unser ganzes Leben lang auffüllen, etwas, das wir mit Wissen aus der Truhe „auslegen“ und mitnehmen, und etwas, das „bis zu besseren Zeiten“ dort bleibt, sitzt, vergessen wird. Aber warum schieben die Leute den Besuch eines Museums, einer Galerie, eines Theaters immer auf? Kunst. Hat es seinen Einfluss verloren? Im 18. und 19. Jahrhundert war es in der adeligen Gesellschaft Mode, Französisch zu sprechen. Viele sagen, dass dies einer der dümmsten Trends ist. Warten. Aber es ist wunderbar, mit denen auf einer Wellenlänge zu sein, die nach persönlicher Entwicklung streben. Etwa nicht? Betrachten wir also die Probleme der Kunst in den Argumenten, die ihre Anwesenheit bestätigen.
Was ist echte Kunst?
Was ist Kunst? Sind diese Gemälde, die majestätisch in der Galerie zur Schau gestellt werden, oder die unsterblichen „Vier Jahreszeiten“ von Antonio Vivaldi? Für jemanden ist Kunst ein Strauß wilder Blumen, der mit Liebe gesammelt wurde, es ist ein bescheidener Meister, der sein Meisterwerk nicht einer Auktion übergibt, sondern demjenigen, dessen Herzschlag ein Genie erweckte, das Gefühl zur Quelle von etwas Ewigem werden ließ. Die Menschen denken, dass alles Spirituelle dem Wissen unterliegt, sie lesen unzählige Bücher, die sie zu Experten in einer besonderen Gesellschaft machen können, in einer Gesellschaft, in der es ein echtes Verbrechen ist, die Tiefe von Malewitschs Platz nicht zu verstehen, ein Zeichen von Unwissenheit.
Lass uns erinnern berühmte Geschichte Mozart und Salieri. Salieri, "... er zerfiel die Musik wie eine Leiche", aber der Leitstern erhellte Mozarts Weg. Kunst ist nur dem Herzen unterworfen, das mit einem Traum, einer Liebe, einer Hoffnung lebt. Verlieben Sie sich, dann werden Sie sicher Teil der Kunst namens Liebe. Das Problem ist die Aufrichtigkeit. Die folgenden Argumente sind der Beweis dafür.
Was ist die Krise der Kunst? Das Problem der Kunst. Argumente
Einigen scheint es, dass die Kunst heute nicht mehr das ist, was sie zu Zeiten von Buonarroti, Leonardo da Vinci, war. Was hat sich geändert? Zeit. Aber die Leute sind die gleichen. Und in der Renaissance wurden die Schöpfer nicht immer verstanden, nicht einmal, weil die Bevölkerung nicht über eine hohe Alphabetisierung verfügte, sondern weil der Schoß des Lebens gierig Gefühle, jugendliche Frische und gute Anfänge aufnahm. Was ist mit Literatur? Puschkin. War sein Talent nur Intrigen, Verleumdungen und 37 Lebensjahren wert? Das Problem mit der Kunst ist, dass sie nicht geschätzt wird, bis der Schöpfer, der die Gabe des Himmels verkörpert, aufhört zu atmen. Wir lassen das Schicksal über die Kunst urteilen. Nun, hier ist, was wir haben. Die Namen von Komponisten sind dem Hören fremd, Bücher verstauben in den Regalen. Durch diese Tatsache wird das Problem der Kunst in literarischen Argumenten am deutlichsten dargestellt.
„Wie schwer ist es heute, glücklich zu sein,
Laut lachen, fehl am Platz;
Geben Sie keinen falschen Gefühlen nach
Und planlos leben – willkürlich.
Bei dem zu sein, dessen Ruf meilenweit gehört wird,
Feinde versuchen zu umgehen;
Wiederholen Sie nicht, dass Sie vom Leben beleidigt sind,
Würdiges Herz weit offen."
Literatur ist die einzige Kunst, die Probleme so anspricht, dass man sofort alles in Ordnung bringen möchte.
Das Problem der Kunst, Argumente aus der Literatur... Warum sprechen Autoren es so oft in ihren Werken an? Nur eine schöpferische Natur ist in der Lage, den Weg des spirituellen Falls der Menschheit zu verfolgen. Nehmen wir als Argument Hugos berühmten Roman Die Kathedrale Notre-Dame von Paris". Die Geschichte wurde durch ein Wort "ANA" GKN (c griechisch "Rock") generiert. Es symbolisiert nicht nur den Untergang des Heldenschicksals, sondern auch die zyklische Zerstörung des Unantastbaren: „Genau so wird es seit zweihundert Jahren mit den wunderbaren Kirchen des Mittelalters gemacht ... Der Pfarrer streicht sie neu , der Architekt kratzt; dann kommen die Leute und zerstören sie.“ Im selben Werk erscheint uns der junge Dramatiker Pierre Gringoire. Welch tiefer Absturz wurde ihm gleich zu Beginn seiner Reise bereitet! Mangelnde Anerkennung, Landstreicherei. Und der Tod schien ihm ein Ausweg, doch am Ende entpuppte er sich als einer der wenigen, die ein Happy End erwarteten. Er dachte viel nach, träumte viel. Seelentragödie zum öffentlichen Triumph geführt. Ihr Ziel ist Anerkennung. Sie erwies sich als realistischer als Quasimodos Wunsch, mit Esmeralda zusammen zu sein, als Esmeraldas Traum, die Einzige für Phoebus zu werden.
Ist Verpackung in der Kunst wichtig?
Wahrscheinlich hat jeder schon einmal die Kombination „Kunstform“ gehört. Was ist die Idee seiner Bedeutung? Das Thema Kunst selbst ist mehrdeutig und erfordert eine besondere Herangehensweise. Form ist ein besonderer Zustand, in dem ein Objekt existiert, seine materielle Manifestation Umfeld. Kunst – wie fühlen wir sie? Kunst ist Musik und Literatur, sie ist Architektur und Malerei. Das nehmen wir auf einer besonderen spirituellen Ebene wahr. Musik - der Klang von Tasten, Streichern; Literatur - ein Buch, dessen Geruch nur mit dem Aroma von frisch gebackenem Brot vergleichbar ist; Architektur - die raue Oberfläche der Wände, der jahrhundertealte Zeitgeist; Malerei ist Falten, Falten, Adern, all die schönen, nicht idealen Merkmale des Lebendigen. All dies sind Formen der Kunst. Einige von ihnen sind visuell (materiell), während andere auf besondere Weise wahrgenommen werden und um sie zu fühlen, muss man sie überhaupt nicht berühren. Sensibilität ist ein Talent. Und dann spielt es keine Rolle, in welchem Rahmen sich die Mona Lisa befindet und aus welchem Gerät Beethovens Mondscheinsonate erklingt: Das Problem der Kunstformen und Argumente ist komplex und bedarf der Aufmerksamkeit.
Das Problem des Einflusses der Kunst auf den Menschen. Argumente
Ich frage mich, was ist der Kern des Problems? Kunst... Es scheint, welche Wirkung, außer positive, kann sie haben?! Was, wenn das Problem darin besteht, dass es die Kontrolle über den menschlichen Geist unwiederbringlich verloren hat und nicht mehr in der Lage ist, einen starken Eindruck zu hinterlassen?
Betrachten wir alle möglichen Optionen. Was die negativen Auswirkungen betrifft, erinnern wir uns an Leinwände wie „Der Schrei“, „Porträt von Maria Lopukhina“ und viele andere. Es ist nicht bekannt, aus welchem Grund eine solche Mystische Geschichten, aber es wird angenommen, dass sie negative Auswirkungen auf Menschen haben können, die die Leinwände betrachten. Die Verletzungen von Menschen, die das Gemälde von E. Munch beleidigten, das verkrüppelte Schicksal unfruchtbarer Mädchen, die die unglückliche Schönheit mit ansahen tragische Geschichte, dargestellt von Borovikovsky kurz vor ihrem Tod. Viel schrecklicher ist die Tatsache, dass die Kunst heutzutage seelenlos ist. Es kann nicht einmal eine negative Emotion erwecken. Wir staunen, bewundern, aber nach einer Minute oder noch früher vergessen wir, was wir gesehen haben. Gleichgültigkeit und Desinteresse sind ein echtes Unglück. Wir Menschen sind für etwas Großes geschaffen. Alle, ohne Ausnahme. Wir haben die Wahl: gleich zu sein oder nicht. Das Problem der Kunst und die Argumente sind jetzt verstanden, und jeder wird sich von nun an versprechen, mit seinem Herzen zu leben.
