Der Autor des Essays ist N. V. Tumanina

Die russische Oper ist der wertvollste Beitrag zur Schatzkammer des Weltmusiktheaters. Geboren in der Epoche der klassischen Blütezeit der italienischen, französischen und deutschen Oper, der russischen Oper im 19. Jahrhundert. andere nationale Opernschulen nicht nur eingeholt, sondern auch überflügelt. Der multilaterale Charakter der Entwicklung des russischen Operntheaters im 19. Jahrhundert. trug zur Bereicherung der realistischen Weltkunst bei. Die Werke russischer Komponisten eröffneten einen neuen Bereich der Opernkreativität, führten neue Inhalte ein, neue Prinzipien für den Aufbau musikalischer Dramaturgie und brachten die Opernkunst anderen Arten von Opern näher musikalische Kreativität besonders für die Sinfonie.

Die Geschichte der russischen klassischen Oper ist untrennbar mit der Entwicklung verbunden öffentliches Leben Russland, mit der Entwicklung des fortgeschrittenen russischen Denkens. Durch diese Verbindungen zeichnete sich die Oper bereits im 18. Jahrhundert aus, nachdem sie in den 70er Jahren, der Ära der Entwicklung der russischen Aufklärung, als nationales Phänomen entstanden war. Die Entstehung der russischen Opernschule wurde von aufklärerischen Ideen beeinflusst, die sich in dem Wunsch ausdrückten, das Leben der Menschen wahrheitsgemäß darzustellen.

So nimmt die russische Oper von Anfang an Gestalt als demokratische Kunst an. Die Handlungsstränge der ersten russischen Opern brachten oft Ideen gegen die Leibeigenschaft auf, die auch für das russische Schauspieltheater und die russische Literatur am Ende des 18. Jahrhunderts charakteristisch waren. Diese Tendenzen hatten sich jedoch noch nicht zu einem integralen System entwickelt, sie drückten sich empirisch in Szenen aus dem Leben der Bauern, in der Darstellung ihrer Unterdrückung durch die Gutsbesitzer, in Satirisches Bild Adel. Dies sind die Handlungen der ersten russischen Opern: "Unglück aus der Kutsche" von V. A. Pashkevich (ca. 1742-1797), Libretto von Ya. B. Kniazhnin (post, 1779); "Kutscher auf einem Setup" E. I. Fomina (1761-1800). In der Oper "Der Müller - ein Zauberer, ein Betrüger und ein Heiratsvermittler" mit einem Text von A. O. Ablesimov und Musik von M. M. Sokolovsky (in der zweiten Version - E. I. Fomina) wird die Idee des Adels der Arbeit von ein Bauer wird zum Ausdruck gebracht und edle Prahlerei wird lächerlich gemacht. In der Oper von M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor" werden ein Wucherer und ein Bestechungsgeldnehmer in satirischer Form dargestellt.

Die ersten russischen Opern waren Theaterstücke mit musikalischen Episoden im Handlungsablauf. Gesprächsszenen waren dabei sehr wichtig. Die Musik der ersten Opern war eng mit russischen Volksliedern verbunden: Die Komponisten bedienten sich in großem Umfang der Melodien bestehender Volkslieder, bearbeiteten sie und machten sie zur Grundlage der Oper. In "Melnik" zum Beispiel werden alle Eigenschaften der Charaktere mit Hilfe von Volksliedern anderer Art gegeben. In der Oper "St. Petersburg Gostiny Dvor" wird eine Volkshochzeitszeremonie mit großer Genauigkeit wiedergegeben. Mit "Coachmen on a Frame" schuf Fomin das erste Beispiel einer Volkschoroper und legte damit eine der typischen Traditionen der späteren russischen Oper fest.

Die russische Oper entwickelte sich im Kampf um ihre nationale Identität. Die Politik des königlichen Hofes und der Spitze der Adelsgesellschaft, die ausländische Truppen bevormundete, richtete sich gegen die Demokratie der russischen Kunst. Die Figuren der russischen Oper mussten Opernkünste an den Mustern der westeuropäischen Oper erlernen und gleichzeitig die Eigenständigkeit ihrer nationalen Regie verteidigen. Dieser Kampf läuft lange Jahre wurde zu einer Bedingung für die Existenz der russischen Oper, die auf neuen Etappen neue Formen annahm.

Zusammen mit der Opernkomödie im 18. Jahrhundert. andere Operngattungen erschienen ebenfalls. 1790 fand am Hof ​​eine Aufführung unter dem Titel „Olegs erste Verwaltung“ statt, deren Text von Kaiserin Katharina II. geschrieben wurde, und die Musik wurde gemeinsam von den Komponisten K. Canobbio, J. Sarti und V. A. Pashkevich komponiert Die Aufführung war weniger opernhafter als vielmehr oratorischer Natur und kann gewissermaßen als erstes Beispiel der im 19. Jahrhundert so weit verbreiteten musikhistorischen Gattung gelten. Im Werk des herausragenden russischen Komponisten D. S. Bortnyansky (1751-1825) wird die Operngattung durch die lyrischen Opern „Der Falke“ und „Der rivalisierende Sohn“ repräsentiert, deren Musik im Hinblick auf die Entwicklung von Opernformen und Können angelegt werden kann auf Augenhöhe mit modernen Beispielen der westeuropäischen Oper.

Das Opernhaus wurde im 18. Jahrhundert genutzt. große Popularität. Nach und nach drang die Oper aus der Hauptstadt in die Gutstheater ein. Festungstheater an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. gibt einzelne hochkünstlerische Beispiele für die Aufführung von Opern und Einzelrollen. Es werden talentierte russische Sänger und Schauspieler nominiert, wie zum Beispiel die Sängerin E. Sandunova, die auf der Bühne der Hauptstadt auftrat, oder die Leibeigene Schauspielerin des Sheremetev-Theaters P. Zhemchugova.

Künstlerische Leistungen der russischen Oper des 18. Jahrhunderts. gab der rasanten Entwicklung des Musiktheaters in Russland im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts Impulse.

Die Verbindungen des russischen Musiktheaters mit den Ideen, die das geistige Leben der Epoche bestimmen, werden in den Jahren besonders verstärkt Vaterländischer Krieg 1812 und während der Jahre der Dekabristenbewegung. Das Thema Patriotismus, das sich in historischen und zeitgenössischen Handlungen widerspiegelt, wird zur Grundlage vieler dramatischer und Musikalische Darbietungen. Die Ideen des Humanismus, der Protest gegen soziale Ungleichheit inspirieren und befruchten die Theaterkunst.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. kann immer noch nicht über Oper in sprechen volle Bedeutung dieses Wort. große Rolle im Russischen Musiktheater spielen gemischte Genres: Tragödie mit Musik, Varieté, komische Oper, Opernballett. Vor Glinka kannte die russische Oper keine Werke, deren Dramaturgie sich nur auf Musik ohne gesprochene Episoden stützte.

O. A. Kozlovsky (1757-1831), der Musik für die Tragödien von Ozerov, Katenin, Shakhovsky schuf, war ein herausragender Komponist von "Tragödien über Musik". Die Komponisten A. A. Alyabyev (1787-1851) und A. N. Verstovsky (1799-1862) arbeiteten erfolgreich im Genre des Varietés, die Musik für eine Reihe von Varietés mit humorvollem und satirischem Inhalt komponierten.

Oper frühes XIX v. entwickelte die Traditionen der Vorperiode. Ein charakteristisches Phänomen waren alltägliche Aufführungen, begleitet von Volksliedern. Beispiele dieser Art sind Aufführungen: „Yam“, „Gatherings“, „Girlfriend“ usw., deren Musik der Amateurkomponist A. N. Titov (1769-1827) geschrieben hat. Aber damit war das reiche Theaterleben der Epoche noch lange nicht erschöpft. Die Neigung zu den damals typischen romantischen Tendenzen drückte sich in der Begeisterung der Gesellschaft für märchenhaft-phantastische Aufführungen aus. Besonders erfolgreich war die mehrteilige Dnjepr-Meerjungfrau (Lesta). Die Musik zu diesen Opern, die gleichsam die Kapitel des Romans bildeten, wurde von den Komponisten S. I. Davydov, K. A. Kavos geschrieben; teilweise wurde die Musik des österreichischen Komponisten Cauer verwendet. "Die Dnjepr-Meerjungfrau" hat die Bühne lange nicht verlassen, nicht nur wegen der unterhaltsamen Handlung, die in ihren Grundzügen die Handlung von Puschkins "Meerjungfrau" vorwegnimmt, nicht nur dank der luxuriösen Inszenierung, sondern auch dank der melodische, einfache und zugängliche Musik.

Der italienische Komponist K. A. Kavos (1775-1840), der schon in jungen Jahren in Russland arbeitete und sich sehr um die Entwicklung der russischen Opernaufführung bemühte, unternahm den ersten Versuch, eine historisch-heroische Oper zu schaffen. 1815 inszenierte er in St. Petersburg die Oper Ivan Susanin, in der er ausgehend von einer der Episoden des Kampfes des russischen Volkes gegen die polnische Invasion zu Beginn des 17. Jahrhunderts versuchte, eine nationalpatriotische Stimmung zu schaffen Leistung. Diese Oper reagierte auf die Stimmung der Gesellschaft, die den Befreiungskrieg gegen Napoleon überlebte. Die Oper von Kavos zeichnet sich unter den modernen Werken durch das Können eines professionellen Musikers, das Vertrauen in die russische Folklore und die Lebendigkeit der Handlung aus. Dennoch erhebt sie sich nicht über das Niveau der zahlreichen „Rettungsopern“ französischer Komponisten, die auf derselben Bühne marschieren; Kavos konnte darin nicht das volkstümlich-tragische Epos schaffen, das Glinka zwanzig Jahre später mit derselben Handlung schuf.

Der größte Komponist des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. A. N. Werstowski, der als Autor von Varietémusik erwähnt wurde, sollte anerkannt werden. Seine Opern "Pan Tvardovsky" (veröffentlicht 1828), "Askold's Grave" (veröffentlicht 1835), "Vadim" (veröffentlicht 1832) und andere bildeten eine neue Etappe in der Entwicklung der russischen Oper vor Glinka. Die Arbeit von Verstovsky reflektiert Charakterzüge Russische Romantik. Russische Antike, poetische Traditionen der Kiewer Rus, Märchen und Legenden bilden die Grundlage seiner Opern. bedeutende Rolle Sie haben ein magisches Element. Verstovskys Musik, tief verwurzelt, auf Volksliedkunst basierend, absorbiert volkstümliche Ursprünge Im weitesten Sinne. Seine Charaktere sind typisch für die Volkskunst. Als Meister der Operndramaturgie schuf Werstowski romantisch bunte Szenen mit fantastischem Inhalt. Ein Beispiel für seinen Stil ist die Oper „Askolds Grab“, die sich bis heute im Repertoire erhalten hat. Es zeigte die besten Eigenschaften von Verstovsky - ein melodisches Geschenk, ein ausgezeichnetes dramatisches Flair, die Fähigkeit, lebendige und charakteristische Bilder von Charakteren zu schaffen.

Werstowskis Werke gehören der vorklassischen Periode der russischen Oper an, obwohl ihre historische Bedeutung sehr groß ist: Sie fassen alles zusammen und entwickeln es weiter beste Qualitäten frühere und gegenwärtige Entwicklungsperiode der russischen Opernmusik.

Aus den 30er Jahren. 19. Jahrhundert Die russische Oper tritt in ihre klassische Periode ein. Der Begründer der russischen Opernklassiker M. I. Glinka (1804-1857) schuf die historische und tragische Oper „Ivan Susanin“ (1830) und das fabelhafte Epos „Ruslan und Ljudmila“ (1842). Diese Opern legten den Grundstein für zwei der wichtigsten Strömungen des russischen Musiktheaters: historische Oper und magisches Epos. Glinkas kreative Prinzipien wurden von der nächsten Generation russischer Komponisten umgesetzt und weiterentwickelt.

Glinka entwickelte sich als Künstler in einer Zeit, die von den Ideen des Dekabrismus überschattet wurde, wodurch er den ideologischen und künstlerischen Gehalt seiner Opern auf eine neue, bedeutende Höhe heben konnte. Er war der erste russische Komponist, in dessen Werk das verallgemeinerte und tiefe Bild des Volkes zum Mittelpunkt des gesamten Werkes wurde. Das Thema Patriotismus in seiner Arbeit ist untrennbar mit dem Thema des Kampfes des Volkes für die Unabhängigkeit verbunden.

Die vorherige Periode der russischen Oper bereitete das Erscheinen von Glinkas Opern vor, aber ihr qualitativer Unterschied zu früheren russischen Opern ist sehr bedeutsam. In Glinkas Opern manifestiert sich der Realismus des künstlerischen Denkens nicht in seinen privaten Aspekten, sondern wirkt als ganzheitliche kreative Methode, die es uns ermöglicht, Idee, Thema und Handlung der Oper musikalisch und dramatisch zu verallgemeinern. Glinka verstand das Problem der Nationalität neu: Für ihn bedeutete es nicht nur die musikalische Entwicklung von Volksliedern, sondern auch eine tiefe, facettenreiche Reflexion des Lebens, Fühlens und Denkens der Menschen in der Musik, das Offenlegen der charakteristischen Merkmale seiner spirituellen Erscheinung. Der Komponist beschränkte sich nicht darauf, das Volksleben zu reflektieren, sondern verkörperte die typischen Merkmale der volkstümlichen Weltanschauung in der Musik. Glinkas Opern sind integrale musikalische und dramatische Werke; Sie haben keine gesprochenen Dialoge, der Inhalt wird durch Musik ausgedrückt. Statt separater, unausgearbeiteter Solo- und Chornummern der komischen Oper erschafft Glinka große, detailreiche Opernformen und entwickelt sie mit echtem symphonischem Können.

In "Ivan Susanin" besang Glinka die heroische Vergangenheit Russlands. Mit großer künstlerischer Wahrheit werden in der Oper typische Bilder des russischen Volkes verkörpert. Die Entwicklung des Musikdramas beruht auf dem Gegensatz verschiedener nationaler Musiksphären.

„Ruslan und Ljudmila“ ist eine Oper, die den Beginn der volkstümlichen epischen russischen Opern markierte. Die Bedeutung von „Ruslan“ für die russische Musik ist sehr groß. Die Oper beeinflusste nicht nur theatralische Genres, sondern auch symphonische. Majestätisch heroisch und geheimnisvoll magisch, sowie farbenfroh-orientalische Bilder von "Ruslan" nährten lange Zeit die russische Musik.

Auf Glinka folgte A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), ein typischer Künstler der Ära der 40-50er Jahre. 19. Jahrhundert Glinka hatte einen großen Einfluss auf Dargomyzhsky, aber gleichzeitig tauchten in dessen Werk neue Qualitäten auf, die aus neuen sozialen Bedingungen und neuen Themen entstanden sind Russische Kunst. Warmes Mitgefühl für eine gedemütigte Person, das Bewusstsein für die Schädlichkeit sozialer Ungleichheit und eine kritische Haltung gegenüber der sozialen Ordnung spiegeln sich in der Arbeit von Dargomyzhsky wider, die mit den Ideen des kritischen Realismus in der Literatur verbunden ist.

Dargomyzhskys Weg als Opernkomponist begann mit der Schaffung der Oper „Esmeralda“, die nach V. Hugo (aufgegeben 1847) und dem zentralen Opernwerk des Komponisten als „Meerjungfrau“ (nach dem Drama von A. S. Puschkin) inszeniert werden sollte 1856 In dieser Oper wurde das Talent von Dargomyzhsky vollständig offenbart und die Richtung seiner Arbeit bestimmt. Das Drama der sozialen Ungleichheit zwischen den sich liebenden Töchtern des Müllers Natascha und dem Prinzen zog den Komponisten mit der Aktualität des Themas an. Dargomyzhsky verstärkte die dramatische Seite der Handlung, indem er das fantastische Element herabsetzte. Rusalka ist die erste russische alltagslyrisch-psychologische Oper. Ihre Musik ist zutiefst volkstümlich; Auf Liedbasis schuf der Komponist lebendige Heldenbilder, entwickelte einen deklamatorischen Stil in den Rollen der Hauptfiguren, entwickelte Ensembleszenen und dramatisierte sie erheblich.

Dargomyzhskys letzte Oper, The Stone Guest, nach Puschkin (aufgegeben 1872, nach dem Tod des Komponisten), gehört zu einer anderen Periode in der Entwicklung der russischen Oper. Dargomyzhsky stellte sich darin die Aufgabe, ein realistisches zu schaffen musikalische Sprache Sprachmelodien widerspiegeln. Der Komponist hat hier die traditionellen Opernformen – Arien, Ensemble, Chor – aufgegeben; die Vokalpartien der Oper überwiegen gegenüber dem Orchesterpart, Der steinerne Gast legte den Grundstein für eine der Richtungen der nachfolgenden Periode der russischen Oper, die sogenannte Kammerrezitativoper, die später von Rimski-Korsakows Mozart und Salieris Rachmaninows präsentiert wurde Der geizige Ritter und andere. Die Besonderheit dieser Opern besteht darin, dass sie alle in unveränderter Form geschrieben sind voller Text"kleine Tragödien" von Puschkin.

In den 60er Jahren. Die russische Oper ist in eine neue Phase ihrer Entwicklung eingetreten. Die Werke der Komponisten des Balakirev-Kreises („The Mighty Handful“) und Tschaikowskys erscheinen auf der russischen Bühne. In denselben Jahren entfaltete sich die Arbeit von A. N. Serov und A. G. Rubinshtein.

Das Opernwerk des als Musikkritiker berühmt gewordenen A. N. Serov (1820-1871) kann nicht zu den ganz bedeutenden Phänomenen des russischen Theaters gezählt werden. Einmal spielten seine Opern jedoch eine positive Rolle. In der Oper "Judith" (Post, 1863) schuf Serov ein Werk heroisch-patriotischer Natur, das auf einer biblischen Geschichte basiert; In der Oper Rogneda (komponiert und inszeniert 1865) wandte er sich der Ära der Kiewer Rus zu und wollte die Linie der Ruslan fortsetzen. Die Oper war jedoch nicht tief genug. Von großem Interesse ist Serovs dritte Oper, The Enemy Force, basierend auf A. N. Ostrovskys Drama Don't Live As You Want (veröffentlicht 1871). Der Komponist entschied sich für eine Liedoper, deren Musik auf Primärquellen beruhen sollte. Die Oper hat jedoch kein einziges dramatisches Konzept, und ihre Musik erreicht nicht die Höhe realistischer Verallgemeinerung.

A. G. Rubinshtein (1829-1894) begann als Opernkomponist mit der Komposition der historischen Oper Die Schlacht von Kulikovo (1850). er schuf die lyrische Oper Theramors und die romantische Oper Children of the Steppes. Rubinsteins beste Oper, The Demon after Lermontov (1871), ist im Repertoire erhalten geblieben. Diese Oper ist ein Beispiel für eine russische lyrische Oper, in der die talentiertesten Seiten dem Ausdruck der Gefühle der Figuren gewidmet sind. Die Genreszenen von The Demon, in denen der Komponist die Volksmusik Transkaukasiens verwendete, bringen ein lokales Flair ein. Die Oper Der Dämon war ein Erfolg bei Zeitgenossen, die in der Hauptfigur das Bild eines Mannes der 1940er und 1950er Jahre sahen.

Das Opernschaffen der Komponisten von The Mighty Handful und Tschaikowsky war eng mit der neuen Ästhetik der 1960er Jahre verbunden. Neue gesellschaftliche Bedingungen stellen russische Künstler vor neue Aufgaben. Das HauptproblemÄra wurde zum Problem der Reflexion in Kunstwerken Volksleben in all seiner Komplexität und Widersprüchlichkeit. Die Wirkung der Ideen der revolutionären Demokraten (vor allem Tschernyschewski) spiegelte sich im Bereich des musikalischen Schaffens wider durch die Hinwendung zu universell bedeutsamen Themen und Handlungssträngen, die humanistische Ausrichtung der Werke und die Verherrlichung der hohen geistigen Kräfte der Musik Menschen. Von besonderer Bedeutung ist in dieser Zeit das historische Thema.

Das Interesse an der Geschichte ihres Volkes in jenen Jahren ist nicht nur für Komponisten typisch. Die Geschichtswissenschaft selbst entwickelt sich weit; Schriftsteller, Dichter und Dramatiker wenden sich an historisches Thema; entwickelt Geschichtsmalerei. Die Epochen der Staatsstreiche, Bauernaufstände, Massenbewegungen sind von größtem Interesse. Einen wichtigen Platz nimmt das Problem des Verhältnisses zwischen Volk und königlicher Macht ein. Diesem Thema sind die historischen Opern von M. P. Mussorgsky und N. A. Rimsky-Korsakov gewidmet.

Opern von M. P. Mussorgsky (1839-1881), Boris Godunov (1872) und Khovanshchina (vollendet von Rimsky-Korsakov 1882) gehören zum historischen und tragischen Zweig der russischen klassischen Oper. Der Komponist nannte sie „volkstümliche Musikdramen“, da in beiden Werken der Mensch im Mittelpunkt steht. Hauptidee"Boris Godunov" (basierend auf der gleichnamigen Tragödie von Puschkin) - Konflikt: Zar - Menschen. Diese Idee war eine der wichtigsten und schärfsten in der Zeit nach der Reform. Mussorgsky wollte in den Ereignissen der Vergangenheit von Rus eine Analogie zur Gegenwart finden. Der Widerspruch zwischen Volksinteressen und autokratischer Macht zeigt sich in den Szenen, in denen sich eine Volksbewegung in einen offenen Aufstand verwandelt. Gleichzeitig widmet der Komponist der „Tragödie des Gewissens“, die Zar Boris erlebt hat, große Aufmerksamkeit. Facettenreiches Bild Boris Godunov ist eine der höchsten Errungenschaften der Weltopernkreativität.

Mussorgskys zweites Musikdrama Chowanschtschina ist den Strelitzen-Aufständen Ende des 17. Jahrhunderts gewidmet. Das Element der Volksbewegung in all seiner überbordenden Kraft kommt in der Musik der Oper wunderbar zum Ausdruck, basierend auf dem kreativen Umdenken der Volksliedkunst. Die Musik von "Khovanshchina" ist wie die Musik von "Boris Godunov" von hoher Tragik geprägt. Grundlage der melodischen Meile beider Opern ist die Synthese von Gesang und deklamatorischen Anfängen. Mussorgskys Innovation, geboren aus der Neuheit seiner Konzeption, und die zutiefst originelle Lösung der Probleme der musikalischen Dramaturgie lassen uns seine beiden Opern zu den höchsten Errungenschaften des Musiktheaters zählen.

Die Oper von A. P. Borodin (1833-1887) "Prince Igor" grenzt auch an die Gruppe historischer Musikwerke (ihre Handlung war "The Tale of Igor's Campaign"). Die Idee der Liebe zum Vaterland, die Idee der Vereinigung angesichts des Feindes wird vom Komponisten mit großer Dramatik offenbart (Szenen in Putivl). Der Komponist verband in seiner Oper die Monumentalität des epischen Genres mit einem lyrischen Beginn. In der poetischen Verkörperung des polowzischen Lagers werden die Vorschriften von Glinka umgesetzt; wiederum, Musikalische Bilder Osten in der Nähe von Borodin inspirierte viele Russen und Sowjetische Komponisten orientalische Bilder zu schaffen. Borodins wunderbare melodische Begabung manifestierte sich im breiten Gesangsstil der Oper. Borodin hatte keine Zeit, die Oper zu beenden; Prinz Igor wurde von Rimski-Korsakow und Glasunow vollendet und 1890 in ihrer Fassung aufgeführt.

Das Genre des historischen Musikdramas wurde auch von N. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908) entwickelt. Die Rebellion der Freien von Pskow gegen Iwan den Schrecklichen (Oper Die Frau von Pskow, 1872) wird vom Komponisten mit epischer Erhabenheit dargestellt. Das Bild des Königs ist voller echter Dramatik. Das lyrische Element der Oper, verbunden mit der Heldin Olga, bereichert die Musik und bringt sie ins Majestätische tragisches Konzept Züge von erhabener Zärtlichkeit und Weichheit.

P. I. Tschaikowsky (1840-1893), am bekanntesten für seine lyrisch-psychologischen Opern, war der Autor von drei historischen Opern. Die Opern Oprichnik (1872) und Mazepa (1883) sind dramatischen Ereignissen der russischen Geschichte gewidmet. In der Oper Die Jungfrau von Orleans (1879) wandte sich der Komponist der Geschichte Frankreichs zu und schuf das Bild der französischen Nationalheldin Jeanne d’Arc.

Ein Merkmal von Tschaikowskys historischen Opern ist ihre Verwandtschaft mit seinen lyrischen Opern. Der Komponist offenbart in ihnen die charakteristischen Züge der dargestellten Epoche durch die Schicksale einzelner Menschen. Die Bilder seiner Helden zeichnen sich durch die Tiefe und Wahrhaftigkeit der Übermittlung der komplexen inneren Welt einer Person aus.

Neben volksgeschichtlichen Musikdramen in der russischen Oper des 19. Jahrhunderts. Einen wichtigen Platz nehmen Volksmärchenopern ein, die im Werk von N. A. Rimsky-Korsakov weit verbreitet sind. Rimski-Korsakows beste Märchenopern sind „Das Schneewittchen“ (1881), „Sadko“ (1896), „Kashchei der Unsterbliche“ (1902) und „Der goldene Hahn“ (1907). Einen besonderen Platz nimmt die Oper The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia (1904) ein, die auf Volkslegenden über die tatarisch-mongolische Invasion basiert.

Opern von Rimsky-Korsakov verblüffen mit der Vielfalt der Interpretationen des Volksmärchengenres. Entweder ist dies eine poetische Interpretation alter Volksvorstellungen über die Natur, ausgedrückt in einem wunderbaren Märchen über das Schneewittchen, oder ein kraftvolles Bild des alten Nowgorod oder ein Bild Russlands zu Beginn des 20. Jahrhunderts. im allegorischen Bild des kalten Kashcheev-Königreichs, dann eine echte Satire auf das verrottete autokratische System in märchenhaften Volksbildern („Der goldene Hahn“). In verschiedenen Fällen unterscheiden sich die Methoden der musikalischen Darstellung der Charaktere und die Techniken der musikalischen Dramaturgie von Rimsky-Korsakov. In allen seinen Opern spürt man jedoch das tiefe kreative Eindringen des Komponisten in die Welt der Volksideen, des Volksglaubens, in das Weltbild der Menschen. Grundlage der Musik seiner Opern ist die Sprache der Volkslieder. Vertrauen auf Volkskunst ist die Charakterisierung von Charakteren durch die Verwendung verschiedener Volksgattungen ein typisches Merkmal von Rimsky-Korsakov.

Der Höhepunkt der Arbeit von Rimsky-Korsakov ist das majestätische Epos über den Patriotismus der Menschen in Rus in der Oper „Die Legende von der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia“, in der der Komponist einen großen Höhepunkt musikalischer und symphonischer Verallgemeinerung erreichte Thema.

Unter anderen Spielarten der russischen klassischen Oper gehört die lyrisch-psychologische Oper zu den wichtigsten Orten, deren Beginn Dargomyzhskys Rusalka legte. Der größte Vertreter dieses Genres in der russischen Musik ist Tschaikowsky, der Autor brillanter Werke, die zum weltweiten Opernrepertoire gehören: Eugen Onegin (1877-1878), The Enchantress (1887), The Queen of Spades (1890), Iolanta (1891) ). Tschaikowskys Innovation ist mit der Richtung seiner Arbeit verbunden, die den Ideen des Humanismus, dem Protest gegen die Demütigung des Menschen und dem Glauben an eine bessere Zukunft für die Menschheit gewidmet ist. Innere Menschen, ihre Beziehungen, ihre Gefühle werden in Tschaikowskys Opern offenbart, indem sie theatralische Wirksamkeit mit der konsequenten symphonischen Entwicklung der Musik verbinden. Das Opernwerk von Tschaikowsky ist eines der größten Phänomene der Weltmusik und des Theaters Kunst XIX v.

Eine kleinere Anzahl von Werken ist in der Opernarbeit russischer Komponisten der Komödienoper vertreten. Diese wenigen Proben zeichnen sich jedoch durch ihre nationale Identität aus. Es gibt keine unterhaltsame Leichtigkeit, Komik in ihnen. Die meisten von ihnen basierten auf Gogols Geschichten aus Abende auf einem Bauernhof in der Nähe von Dikanka. Jede der Opernkomödien spiegelte die individuellen Eigenschaften der Autoren wider. In Tschaikowskys Oper „Tscherewitschki“ (1885; in der ersten Fassung – „Schmied Vakula“, 1874) überwiegt das lyrische Element; in "May Night" von Rimsky-Korsakov (1878) - fantastisch und rituell; in Mussorgskys Sorochinskaya Fair (70er Jahre, nicht fertig) - rein komödiantisch. Diese Opern sind Beispiele für die Fähigkeit der realistischen Reflexion des Lebens der Menschen im Genre der Komödie der Charaktere.

An die russischen Opernklassiker schließen sich eine Reihe sogenannter Parallelphänomene im russischen Musiktheater an. Wir denken an das Werk von Komponisten, die keine Werke von bleibender Bedeutung geschaffen haben, obwohl sie ihren eigenen Beitrag zur Entwicklung der russischen Oper geleistet haben. Hier ist es notwendig, die Opern von Ts. A. Cui (1835-1918), einem Mitglied des Balakirev-Kreises, einem prominenten Musikkritiker der 60-70er Jahre, zu nennen. Cuis Opern „William Ratcliffe“ und „Angelo“, die den konventionell romantischen Stil nicht verlassen, sind frei von Drama und stellenweise heller Musik. Cuis spätere Stützen sind von geringerer Bedeutung (" Tochter des Kapitäns“, „Mademoiselle Fifi“ usw.). Die Begleitung der klassischen Oper war das Werk eines hervorragenden Dirigenten und Musikdirektor Opern in St. Petersburg von E. F. Napravnik (1839-1916). Am bekanntesten ist seine Oper „Dubrovsky“, die in der Tradition der lyrischen Opern von Tschaikowsky komponiert wurde.

Von den Komponisten, die Ende des 19. Jahrhunderts auftraten. Auf der Opernbühne müssen wir A. S. Arensky (1861-1906), den Autor der Opern Traum an der Wolga, Raphael und Nal und Damayanti, sowie M. M. Ippolitov-Ivanov (1859-1935), dessen Oper Asya, nennen I. S. Turgenev, wurde in der lyrischen Manier von Tschaikowsky geschrieben. Es ragt heraus in der Geschichte der russischen Oper „Oresteia“ von S. I. Taneyev (1856-1915), so Aischylos, die als Theateroratorium bezeichnet werden kann.

Zur gleichen Zeit war S. V. Rachmaninow (1873-1943) als Opernkomponist tätig und komponierte bis zum Ende des Konservatoriums (1892) eine Onera in einem Akt „Aleko“, die in der Tradition von Tschaikowsky stand. Rachmaninows spätere Opern – Francesca da Rimini (1904) und The Miserly Knight (1904) – wurden in der Art von Opernkantaten geschrieben; Sie werden so weit wie möglich komprimiert. Bühnenhandlung und der musikalisch-symphonische Ansatz ist sehr entwickelt. Die Musik dieser Opern, talentiert und hell, trägt den Stempel der Originalität des kreativen Stils des Autors.

Von den weniger bedeutenden Phänomenen der Opernkunst des frühen 20. Jahrhunderts. nennen wir die Oper von A. T. Grechaninov (1864-1956) "Dobrynya Nikitich", in der Eigenschaften die märchenhaft-epische klassische Oper wich romantischen Lyriken, ebenso wie die Oper von A. D. Kastalsky (1856-1926) „Clara Milic“, in der sich Elemente des Naturalismus mit aufrichtiger, beeindruckender Lyrik verbinden.

XIX Jahrhundert - die Ära der russischen Opernklassiker. Russische Komponisten haben Meisterwerke in verschiedenen Genres der Oper geschaffen: Drama, Epos, heroische Tragödie, Komödie. Sie schufen ein innovatives Musikdrama, das in enger Verbindung mit den innovativen Inhalten der Oper entstand. Die wichtige, prägende Rolle volkstümlicher Massenszenen, die facettenreiche Charakterisierung der Figuren, die Neuinterpretation traditioneller Opernformen und die Schaffung neuer Prinzipien der musikalischen Einheit des Gesamtwerks sind charakteristische Merkmale der russischen Opernklassiker.

Die russische klassische Oper, die sich unter dem Einfluss des fortschrittlichen philosophischen und ästhetischen Denkens und unter dem Einfluss der Ereignisse des öffentlichen Lebens entwickelte, ist zu einem der bemerkenswerten Aspekte der russischen Oper geworden. Nationalkultur 19. Jahrhundert Der gesamte Entwicklungsweg der russischen Oper im vergangenen Jahrhundert verlief parallel zur großen Befreiungsbewegung des russischen Volkes; Komponisten wurden von hohen Ideen des Humanismus und der demokratischen Aufklärung inspiriert, und ihre Werke sind für uns großartige Beispiele wirklich realistischer Kunst.

Am 9. Dezember 1836 (27. November, alter Stil) fand auf der Bühne des St. Petersburger Bolschoi-Theaters die Uraufführung von Mikhail Ivanovich Glinkas Oper Ein Leben für den Zaren statt, die den Beginn einer neuen Ära in der russischen Opernmusik markierte .

Mit dieser Oper begann der wegweisende Weg des ersten russischen klassischen Komponisten, der ihn auf Weltniveau brachte. Wir werden über die bedeutendsten musikalischen Entdeckungen von Glinka sprechen.

Erste Nationaloper

M. I. Glinka verwirklichte seine wahre Bestimmung während seiner Reisen in Europa. Weit weg von seiner Heimat beschloss der Komponist, eine echte russische Oper zu schaffen, und begann, nach einer geeigneten Handlung dafür zu suchen. Auf Anraten von Zhukovsky entschied sich Glinka für eine patriotische Geschichte - eine Legende über die Leistung von Ivan Susanin, der sein Leben im Namen der Rettung seines Heimatlandes gab.

Zum ersten Mal in der Welt der Opernmusik trat ein solcher Held auf - von einfacher Herkunft und mit den besten Eigenschaften. Volkscharakter. Zum ersten Mal in einem Musikwerk dieser Größenordnung erklangen die reichsten Traditionen der nationalen Folklore und des russischen Songwritings. Das Publikum nahm die Oper mit einem Knall an, Anerkennung und Ruhm kamen dem Komponisten zu. In einem Brief an seine Mutter schrieb Glinka:

„Letzte Nacht wurden meine Wünsche endlich erfüllt, und meine lange Arbeit wurde von glänzendstem Erfolg gekrönt. Das Publikum nahm meine Oper mit außerordentlicher Begeisterung an, die Schauspieler verloren vor Eifer die Beherrschung … der Landesfürst … dankte mir und unterhielt sich lange mit mir …“.

Die Oper wurde von Kritikern und Kulturschaffenden hoch geschätzt. Odoevsky nannte es "den Beginn eines neuen Elements in der Kunst - die Periode der russischen Musik".

Märchenhaftes Epos kommt zur Musik

1837 begann Glinka mit der Arbeit an einer neuen Oper, diesmal mit dem Gedicht Ruslan und Ljudmila von A. S. Puschkin. Die Idee, das Märchenepos zu vertonen, kam Glinka noch zu Lebzeiten des Dichters, der ihm beim Libretto helfen sollte, aber Puschkins Tod störte diese Pläne.

Die Uraufführung der Oper fand 1842 statt - am 9. Dezember, genau sechs Jahre nach Susanin, brachte aber leider nicht den gleichen durchschlagenden Erfolg. Die aristokratische Gesellschaft, angeführt von der kaiserlichen Familie, begegnete der Produktion mit Feindseligkeit. Kritiker und sogar Befürworter von Glinka reagierten zweideutig auf die Oper.

„Am Ende des 5. Aktes verließ die kaiserliche Familie das Theater. Als der Vorhang heruntergelassen wurde, fingen sie an, mich zu rufen, aber sie applaudierten sehr unfreundlich, währenddessen wurde eifrig gezischt, und zwar hauptsächlich von der Bühne und dem Orchester.

erinnerte sich der Komponist.

Der Grund für diese Reaktion war die Innovation von Glinka, mit der er sich der Gründung von Ruslan und Lyudmila näherte. Der Komponist kombinierte in diesem Werk völlig unterschiedliche Motive und Bilder, die dem russischen Hörer bisher unvereinbar erschienen – lyrisch, episch, folkloristisch, orientalisch und fantastisch. Außerdem ließ Glinka die Form der italienischen und französischen Opernschule dem Betrachter vertraut.

Dieses spätere fabelhafte Epos wurde in den Werken von Rimsky-Korsakov, Tschaikowsky, Borodin verstärkt. Aber damals war das Publikum einfach noch nicht bereit für diese Art von Revolution in der Opernmusik. Glinkas Oper galt lange als kein Bühnenwerk. Einer ihrer Verteidiger, der Kritiker V. Stasov, nannte sie sogar „eine Märtyrerin unserer Zeit“.

Anfänge der russischen symphonischen Musik

Nach dem Scheitern von Ruslan und Lyudmila ging Glinka ins Ausland, wo er weiter kreierte. 1848 erschien die berühmte "Kamarinskaya" - eine Fantasie über die Themen zweier russischer Lieder - Hochzeit und Tanz. Russische symphonische Musik stammt aus Kamarinskaya. Wie sich der Komponist erinnerte, schrieb er es sehr schnell, weshalb er es Fantasie nannte.

„Ich kann Ihnen versichern, dass ich mich beim Komponieren dieses Stücks von dem einzigen inneren musikalischen Gefühl leiten ließ und nicht darüber nachdachte, was bei Hochzeiten passiert, wie unsere orthodoxen Menschen leben.“

sagte Glinka später. Es ist interessant, dass „Experten“ in der Nähe von Kaiserin Alexandra Feodorovna ihr erklärten, dass man an einem Ort der Arbeit deutlich hören kann, wie „ein betrunkener Mann an die Tür der Hütte klopft“.

Also, durch die zwei beliebtesten russischen Lieder, stimmte Glinka zu neuer Typ symphonische Musik und legte den Grundstein für seine weitere Entwicklung. Tschaikowsky kommentierte das Werk wie folgt:

„Die gesamte russische symphonische Schule ist wie die ganze Eiche in einem Bauch in der symphonischen Fantasie „Kamarinskaja“ enthalten.

Die russische Komponistenschule, deren Traditionen von der sowjetischen und der heutigen russischen Schule fortgeführt wurden, begann im 19. Jahrhundert mit Komponisten, die europäische Tonkunst mit russischen Volksmelodien verbanden, die europäische Form mit dem russischen Geist verbanden.

Über jeden dieser berühmten Menschen kann man viel reden, jeder hat es einfach nicht und manchmal sogar tragische Schicksale, aber in dieser Bewertung haben wir versucht, nur zu geben kurze Beschreibung Leben und Werk von Komponisten.

1. Michail Iwanowitsch Glinka

(1804-1857)

Mikhail Ivanovich Glinka beim Komponieren der Oper Ruslan und Lyudmila. 1887, Künstler Ilja Jefimowitsch Repin

„Um Schönheit zu erschaffen, muss man rein in der Seele sein.“

Mikhail Ivanovich Glinka ist der Begründer der russischen klassischen Musik und der erste inländische klassische Komponist, der Weltruhm erlangte. Seine Werke, die auf den jahrhundertealten Traditionen der russischen Volksmusik basieren, waren ein neues Wort in der Musikkunst unseres Landes.

Geboren in der Provinz Smolensk, ausgebildet in St. Petersburg. Die Bildung des Weltbildes und der Hauptidee von Mikhail Glinkas Arbeit wurde durch die direkte Kommunikation mit Persönlichkeiten wie A. S. Puschkin, V. A. Zhukovsky, A. S. Griboyedov, A. A. Delvig erleichtert. Den kreativen Anstoß zu seinem Schaffen gab eine längere Europareise in den frühen 1830er Jahren und Begegnungen mit den führenden Komponisten der Zeit – V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn und später mit G. Berlioz, J. Meyerbeer.

Der Erfolg kam M.I. Glinka 1836, nachdem die von allen begeistert aufgenommene Oper „Iwan Susanin“ („Leben für den Zaren“) erstmals in der Weltmusik, der russischen Chorkunst und der europäischen Symphonie- und Opernpraxis aufgeführt wurde organisch kombiniert, und es erschien auch ein Susanin ähnlicher Held, dessen Bild die besten Eigenschaften des nationalen Charakters zusammenfasst.

VF Odoevsky beschrieb die Oper als "ein neues Element in der Kunst, und eine neue Periode beginnt in ihrer Geschichte - die Periode der russischen Musik".

Die zweite Oper, das Epos Ruslan und Ljudmila (1842), das vor dem Hintergrund von Puschkins Tod und in den schwierigen Lebensumständen des Komponisten entstand, wurde aufgrund des zutiefst innovativen Charakters des Werks vom Publikum zwiespältig aufgenommen und aufgenommen den Behörden und brachte M. I. Glinka schwere Erfahrungen. Danach reiste er viel, lebte abwechselnd in Russland und im Ausland, ohne mit dem Komponieren aufzuhören. Romanzen, symphonische und kammermusikalische Werke blieben in seinem Vermächtnis. In den 1990er Jahren war Mikhail Glinkas „Patriotisches Lied“ die offizielle Hymne der Russischen Föderation.

Zitat über M. I. Glinka:„Die gesamte russische symphonische Schule ist wie die ganze Eiche in einer Eichel in der symphonischen Fantasie „Kamarinskaja“ enthalten. P. I. Tschaikowsky

Interessante Tatsache: Mikhail Ivanovich Glinka zeichnete sich nicht durch eine gute Gesundheit aus, trotzdem war er sehr gelassen und kannte die Geographie sehr gut, vielleicht wäre er ein Reisender geworden, wenn er kein Komponist geworden wäre. Er kannte sechs Fremdsprachen, einschließlich Persisch.

2. Alexander Porfirjewitsch Borodin

(1833-1887)

Alexander Porfirjewitsch Borodin, einer der führenden russischen Komponisten der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, war neben seiner Begabung als Komponist Chemiker, Arzt, Lehrer, Kritiker und hatte ein literarisches Talent.

Seit seiner Kindheit in St. Petersburg geboren, bemerkte jeder um ihn herum seine ungewöhnliche Aktivität, Begeisterung und Fähigkeiten in verschiedenen Richtungen, vor allem in Musik und Chemie.

A. P. Borodin ist ein russischer Nugget-Komponist, er hatte keine professionellen Musikerlehrer, alle seine Errungenschaften in der Musik sind darauf zurückzuführen unabhängige Arbeit Beherrschung der Kompositionstechnik.

Die Gründung von A.P. Borodin wurde durch die Arbeit von M.I. Glinka (sowie alle russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts), und zwei Ereignisse gaben Anfang der 1860er Jahre den Anstoß zu einer dichten Beschäftigung mit Komposition - erstens die Bekanntschaft und Heirat mit der talentierten Pianistin E.S. Protopopova und zweitens die Begegnung mit M.A. Balakirev und trat der kreativen Gemeinschaft russischer Komponisten bei, die als "Mighty Handful" bekannt ist.

In den späten 1870er und 1880er Jahren reiste und tourte A. P. Borodin ausgiebig durch Europa und Amerika, traf sich mit den führenden Komponisten seiner Zeit, sein Ruhm wuchs, er wurde Ende des 19. Jahrhunderts einer der berühmtesten und beliebtesten russischen Komponisten in Europa Jahrhundert. Jahrhundert.

Den zentralen Platz in der Arbeit von A. P. Borodin nimmt die Oper "Prince Igor" (1869-1890) ein, die ein Beispiel für National ist heroisches Epos in der Musik und für dessen Fertigstellung er selbst keine Zeit hatte (es wurde von seinen Freunden A. A. Glazunov und N. A. Rimsky-Korsakov fertiggestellt). In "Prinz Igor" vor dem Hintergrund majestätischer Gemälde historische Ereignisse, reflektiert Der Grundgedanke aller Werke des Komponisten - Mut, ruhige Erhabenheit, spiritueller Adel des besten russischen Volkes und die mächtige Stärke des gesamten russischen Volkes, die sich in der Verteidigung des Vaterlandes manifestiert.

Trotz der Tatsache, dass A. P. Borodin nur eine relativ kleine Anzahl von Werken hinterlassen hat, ist sein Werk sehr vielfältig und er gilt als einer der Väter der russischen Sinfoniemusik, der viele Generationen russischer und ausländischer Komponisten beeinflusst hat.

Zitat über A. P. Borodin:„Borodins Talent ist sowohl in der Symphonie als auch in der Oper und in der Romanze gleichermaßen kraftvoll und erstaunlich. Seine Hauptqualitäten sind gigantische Kraft und Breite, kolossaler Umfang, Schnelligkeit und Ungestüm, kombiniert mit erstaunlicher Leidenschaft, Zärtlichkeit und Schönheit. V. V. Stasov

Interessante Tatsache: Nach Borodin wurde die chemische Reaktion von Silbersalzen von Carbonsäuren mit Halogenen zu halogenierten Kohlenwasserstoffen benannt, die er 1861 als erster untersuchte.

3. Modest Petrowitsch Mussorgsky

(1839-1881)

„Die Klänge der menschlichen Sprache als äußere Manifestationen des Denkens und Fühlens müssen ohne Übertreibung und Vergewaltigung wahrhaftige, genaue Musik werden, aber künstlerisch, höchst künstlerisch.“

Modest Petrovich Mussorgsky ist einer der brillantesten russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts und Mitglied der Mighty Handful. Mussorgskys innovative Arbeit war seiner Zeit weit voraus.

Geboren in der Provinz Pskow. Wie viele talentierte Menschen zeigte er von Kindheit an Talent in der Musik, studierte in St. Petersburg und war nach Familientradition ein Soldat. Das entscheidende Ereignis, für das Mussorgsky nicht geboren war Militärdienst, und für die Musik, war sein Treffen mit M.A. Balakirev und der Beitritt zur "Mighty Handful".

Mussorgsky ist großartig, weil er in seinen grandiosen Werken – den Opern Boris Godunov und Chowanschtschina – die dramatischen Meilensteine ​​der russischen Geschichte mit einer radikalen Neuheit musikalisch eingefangen hat, die die russische Musik vor ihm nicht kannte, indem er in ihnen eine Kombination aus Volksmassenszenen und a vielfältiger Artenreichtum, der einzigartige Charakter des russischen Volkes. Diese Opern in zahlreichen Ausgaben sowohl des Autors als auch anderer Komponisten gehören zu den beliebtesten russischen Opern der Welt.

Ein weiteres herausragendes Werk Mussorgskys ist der Zyklus von Klavierstücken „Bilder einer Ausstellung“, farbenfrohe und einfallsreiche Miniaturen sind vom russischen Refrain-Thema und dem orthodoxen Glauben durchdrungen.

Es gab alles in Mussorgskys Leben – sowohl Größe als auch Tragödie, aber er zeichnete sich immer durch echte geistige Reinheit und Selbstlosigkeit aus.

Seine letzten Jahre waren schwierig – Lebenswirren, Nichtanerkennen der Kreativität, Einsamkeit, Alkoholsucht, all dies bestimmte seinen frühen Tod mit 42, er hinterließ relativ wenige Kompositionen, die teilweise von anderen Komponisten vollendet wurden.

Die spezifische Melodie und innovative Harmonie von Mussorgsky nahmen einige Merkmale der musikalischen Entwicklung des 20. Jahrhunderts vorweg und spielten eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Stile vieler Weltkomponisten.

Zitat über M. P. Mussorgsky:„Ursprünglich russisch klingt alles, was Mussorgsky tat“ N. K. Roerich

Interessante Tatsache: Am Ende seines Lebens verzichtete Mussorgsky auf Druck seiner „Freunde“ Stasov und Rimsky-Korsakov auf das Urheberrecht an seinen Werken und übergab sie Tertiy Filippov.

4. Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky

(1840-1893)

„Ich bin ein Künstler, der seinem Vaterland Ehre erweisen kann und muss. Ich spüre eine große künstlerische Kraft in mir, ich habe noch nicht einmal ein Zehntel von dem getan, was ich kann. Und ich will es mit aller Kraft meiner Seele tun.“

Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky, vielleicht der größte russische Komponist des 19. Jahrhunderts, hat die russische Musikkunst zu beispiellosen Höhen geführt. Er ist einer der bedeutendsten Komponisten der klassischen Weltmusik.

Tschaikowsky stammt aus der Provinz Wjatka, obwohl seine väterlichen Wurzeln in der Ukraine liegen, zeigte Tschaikowsky von Kindheit an musikalische Fähigkeiten, aber seine erste Ausbildung und Arbeit lag im Bereich des Rechts.

Tschaikowsky ist einer der ersten russischen „professionellen“ Komponisten – er studierte Musiktheorie und Komposition am neuen St. Petersburger Konservatorium.

Tschaikowsky galt als „westlicher“ Komponist, im Gegensatz zu den volkstümlichen Gestalten der „Mächtigen Handvoll“, zu denen er gute kreative und freundschaftliche Beziehungen pflegte, ist sein Werk jedoch nicht weniger vom russischen Geist durchdrungen, den er auf einzigartige Weise zu vereinen vermochte das westliche symphonische Erbe von Mozart, Beethoven und Schumann mit russischen Traditionen, die von Mikhail Glinka geerbt wurden.

Der Komponist führte ein aktives Leben - er war Lehrer, Dirigent, Kritiker, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, arbeitete in zwei Hauptstädten, tourte durch Europa und Amerika.

Tschaikowsky war ein emotional eher instabiler Mensch, Begeisterung, Niedergeschlagenheit, Teilnahmslosigkeit, Jähzorn, heftige Wut – all diese Stimmungen wechselten in ihm oft, da er ein sehr geselliger Mensch war, strebte er immer nach Einsamkeit.

Es ist eine schwierige Aufgabe, etwas Bestes aus Tschaikowskys Werk herauszugreifen, er hat in fast allen Werken mehrere gleich große Werke Musikgenres Oper, Ballett, Sinfonie, Kammermusik. Und der Inhalt von Tschaikowskys Musik ist universell: Mit unnachahmlicher Melodik umfasst sie die Bilder von Leben und Tod, Liebe, Natur, Kindheit, Werke der russischen und Weltliteratur werden auf neue Weise offenbart, tiefe Prozesse des spirituellen Lebens spiegeln sich darin wider .

Komponist Zitat:„Das Leben hat nur dann einen Reiz, wenn es aus dem Wechsel von Freude und Leid, aus dem Kampf zwischen Gut und Böse, zwischen Licht und Schatten, mit einem Wort, aus Vielfalt in Einheit besteht.“

"Großes Talent erfordert große harte Arbeit."

Komponist Zitat: „Ich bin Tag und Nacht bereit, als Ehrenwache auf der Veranda des Hauses zu stehen, in dem Pjotr ​​Iljitsch lebt – so sehr respektiere ich ihn.“ A. P. Tschechow

Interessante Tatsache: Die Universität Cambridge verlieh Tschaikowsky in Abwesenheit und ohne Verteidigung einer Dissertation den Titel eines Doktors der Musik, und die Pariser Akademie der Schönen Künste wählte ihn zum korrespondierenden Mitglied.

5. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov

(1844-1908)

N. A. Rimsky-Korsakov und A. K. Glazunov mit ihren Schülern M. M. Chernov und V. A. Senilov. Foto 1906

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov ist ein talentierter russischer Komponist, eine der wichtigsten Persönlichkeiten bei der Schaffung eines unschätzbaren einheimischen musikalischen Erbes. Seine eigentümliche Welt und Verehrung der ewigen, allumfassenden Schönheit des Universums, Bewunderung für das Wunder des Seins, Einheit mit der Natur haben keine Entsprechungen in der Musikgeschichte.

Geboren in der Provinz Novgorod, wurde er nach Familientradition Marineoffizier, auf einem Kriegsschiff bereiste er viele Länder in Europa und zwei Amerikas. Seine musikalische Ausbildung erhielt er zunächst von seiner Mutter, dann nahm er Privatunterricht bei dem Pianisten F. Canille. Und wieder, dank M.A. Balakirev, dem Organisator der Mighty Handful, der Rimsky-Korsakov in die musikalische Gemeinschaft einführte und seine Arbeit beeinflusste, verlor die Welt den talentierten Komponisten nicht.

Den zentralen Platz in Rimsky-Korsakovs Vermächtnis nehmen Opern ein – 15 Werke, die die Vielfalt der Genres, stilistischen, dramatischen und kompositorischen Entscheidungen des Komponisten demonstrieren und dennoch einen besonderen Stil haben – mit dem ganzen Reichtum der Orchesterkomponente, melodischen Gesangslinien sind die wichtigsten.

Zwei Hauptrichtungen zeichnen die Arbeit des Komponisten aus: Die erste ist die russische Geschichte, die zweite die Welt der Märchen und Epos, für die er den Spitznamen "Geschichtenerzähler" erhielt.

Neben direkt unabhängig Kreative Aktivitäten N. A. Rimsky-Korsakov ist bekannt als Publizist, Verfasser von Volksliedsammlungen, an denen er großes Interesse zeigte, und auch als Finalist der Werke seiner Freunde - Dargomyzhsky, Mussorgsky und Borodin. Rimsky-Korsakov war der Gründer der Komponistenschule, als Lehrer und Leiter des St. Petersburger Konservatoriums brachte er etwa zweihundert Komponisten, Dirigenten, Musikwissenschaftler hervor, darunter Prokofjew und Strawinsky.

Komponist Zitat:„Rimsky-Korsakov war ein sehr russischer Mann und ein sehr russischer Komponist. Ich glaube, dass seine urrussische Essenz, seine tiefe folkloristisch-russische Basis, heute besonders geschätzt werden sollte. Mstislaw Rostropowitsch

Fakten zum Komponisten: Nikolai Andreevich begann seine erste Kontrapunktstunde wie folgt:

Jetzt werde ich viel reden, und Sie werden sehr genau zuhören. Dann werde ich weniger sprechen, und Sie werden zuhören und nachdenken, und schließlich werde ich gar nicht sprechen, und Sie werden mit Ihrem eigenen Kopf denken und selbstständig arbeiten, weil meine Aufgabe als Lehrer Ihnen unnötig werden soll. .

Ein seltenes Theater kommt heute ohne russisches Repertoire aus: Sie inszenieren klassische Opern von Pjotr ​​Tschaikowsky und Nikolai Rimski-Korsakow, Modest Mussorgski und Igor Strawinsky, Sergei Prokofjew und Dmitri Schostakowitsch. Das Portal "Culture.RF" untersuchte die Plakate verschiedener Jahre auf der Suche nach Hausarbeiten im Westen geliebt, vom 19. Jahrhundert bis heute.

19. Jahrhundert

1844 präsentierte der Direktor der St. Petersburger Hofsingkapelle, der Komponist Alexei Lvov, die Oper Bianca und Gualtiero am Königlichen Theater Dresden. 10 Jahre später wurde Anton Rubinsteins Oper Sibirische Jäger in Weimar gezeigt - dirigiert berühmter Komponist und Pianist Franz Liszt. Dies waren die ersten Opern, die im Ausland Anerkennung fanden. Zwar ist Rubinstein heute für eine andere Oper bekannt - "The Demon" und Lvov - als Autor der Hymne "God Save the Tsar!".

Ende des 19. Jahrhunderts wurde russische Musik in fast allen großen Sälen Europas und der USA aufgeführt – Mikhail Glinka, Anton Rubinstein und Pyotr Tchaikovsky wurden ihr Gesicht im Westen. Das europäische Publikum sah Glinkas „Leben für den Zaren“ und „Ruslan und Ljudmila“ 1866 bzw. 1867 – die Aufführungen fanden in Prag statt. Am selben Ort fanden in den 1880er und 1890er Jahren die europäischen Erstaufführungen von Pjotr ​​Tschaikowskys Opern Die Jungfrau von Orleans, Eugen Onegin und Pik-Dame».

„Glinka hat wie Bortnyansky bei den Basurmans studiert ... aber nur in Formen. Der innere Geist seiner Schöpfungen, der Inhalt seiner Musik ist vollkommen originell. Glinka hat wahrhaft russische Opern geschrieben und eine ganz neue, wenn nicht Schule, so doch zumindest eine Musikschule geschaffen, der ich angehöre und Glinkas Nachkomme bin.

Pjotr ​​Tschaikowsky. Aus einem Brief an den Verleger Peter Jurgenson

1887 wurde Anton Rubinsteins Oper Nero in New York aufgeführt. Und ein Jahr später führten sie trotz der Tradition, das Libretto zu übersetzen, in London seinen eigenen „Demon“ im Original auf.

1900-1930er Jahre

Am 5. März 1910 wurde Tschaikowskys Pique Dame zum ersten Mal in Amerika an der New Yorker Metropolitan Opera aufgeführt. Deutsch. Die Premiere wurde vom österreichischen Komponisten Gustav Mahler dirigiert, und die Hauptpartien wurden von den Stars der damaligen Zeit - Leo Slezak und Emmy Destinn - aufgeführt. 1913 wurde Modest Mussorgskys Oper "Boris Godunov" in der Metropolitan aufgeführt, und 1917 - "Prince Igor" von Alexander Borodin. 1920 wurde dem New Yorker Publikum „Eugen Onegin“ präsentiert – auf Italienisch und mit den italienischen Stars Claudia Muzio und Giuseppe De Luca. Das europäische Publikum sah auch The Snow Maiden von Nikolai Rimsky-Korsakov und Mussorgskys komische Oper Sorochinsky Fair.

Gleichzeitig eroberte die russische Musik die jungen, aber bereits europaweit bekannten Salzburger Festspiele: 1928 traf eine Delegation aus Leningrad in der Mozartstadt ein. Opernsänger Nikolai Chesnokov spielte die Rolle des Pancrasio in der zeitgenössischen komischen Oper Die Höhle von Salamanca des österreichischen Komponisten Bernhard Paumgartner. Das russische Libretto für die Oper wurde vom sowjetischen Regisseur und Tenor Emmanuil Kaplan geschrieben. Außerdem sang er die Rolle des Kashchei in Rimsky-Korsakovs „Kashchei the Immortal“ und inszenierte „ Gast aus Stein» Alexander Dargomyzhsky. Die Rolle der Kashcheevna bei den Salzburger Festspielen 1928 wurde vom zukünftigen Star aufgeführt Akademisches Theater Oper und Ballett (heute - Mariinsky) Sofia Preobraschenskaja.

1930-1990er Jahre

Trotz Weltkriegen und Eisernem Vorhang traten Ballette und Musik russischer Komponisten auch im 20. Jahrhundert auf ausländischen Bühnen auf. Anders war es bei den Opern: Von den 1930er bis in die 1990er Jahre gingen sie in den europäischen Theatern praktisch nicht weiter - sie inszenierten nur populäre Aufführungen. Boris Godunow etwa wurde in Salzburg aufgeführt, inszeniert von Festspielleiter Herbert von Karajan: Die Oper lief drei Jahre in Folge – von 1965 bis 1967. Der bulgarische Bass Nikolay Gyaurov glänzte in der Titelpartie, der Tenor des Bolschoi-Theaters Alexei Maslennikov spielte die Rolle des Prätendenten - Grigory Otrepiev. 1971 wurde eine Aufnahme von "Boris Godunov" unter der Leitung eines österreichischen Dirigenten mit Maslennikov als Yurodivy und Galina Vishnevskaya als Marina Mnishek veröffentlicht. Erst 1994 präsentierten die Salzburger Festspiele das nächste Mal eine russische Oper – und wieder war es Boris Godunov.

Mehr als andere wandte sich das Haupttheater Amerikas, die Metropolitan Opera, während des Kalten Krieges dem russischen Erbe zu. Mehrmals eröffnete er die Saison mit russischen Namen: 1943 und 1977 - "Boris Godunov", 1957 und 2013 - "Eugene Onegin". 1950 wurde hier Modest Mussorgskys Chowanschtschina aufgeführt, allerdings in englischer Sprache. Das Bühnenbild für die Aufführung schuf der berühmte russische Emigrantenkünstler Mstislav Dobuzhinsky.

Das Theater wollte Opern in Originalsprache aufführen, aber im Westen gab es keine hochkarätigen russischsprachigen Sänger, und einmalige Besuche von Solisten des Bolschoi-Theaters änderten nichts am Gesamtbild.

„Die russische Sprache stellt ein besonderes Problem dar, weil russische Stimmen anders sind als italienische, französische oder deutsche. Russischer Gesang hat eine charakteristische Klangfarbe, die in der Brust mitschwingt und bei richtiger Ausführung wie aus den Eingeweiden der Erde klingt.

Steve Coen. Der Kulturkritiker

Und doch erklang 1972 The Queen of Spades mit dem Original-Libretto. Mit dabei waren der schwedische Tenor mit russischen Wurzeln Nikolai Gedda und die bulgarische Sopranistin Raina Kabaivanska. Der erste Russischlehrer an der Metropolitan Opera war der ehemalige Sänger Georgy Chechanovsky. Er verfolgte die Aussprache, den Gesang und das Bühnenbild.

1974 wurde Boris Godunov auf Russisch freigelassen. Die Polonaise für den polnischen Akt wurde von dem aus St. Petersburg stammenden Choreografen George Balanchine, dem Gründer des amerikanischen Balletts, choreografiert. Seit 1977 wird Eugen Onegin in der Metropoliten auf Russisch gesungen, 1979 spielten die Solisten des Bolschoi-Theaters Makvala Kasrashvili und Yuri Mazurok die Hauptrollen in dieser Aufführung. 1985 kehrte Khovanshchina in der Originalsprache auf die Bühne zurück.

neue Zeit

Nach 1991 Der Spieler von Sergej Prokofjew, Der goldene Hahn und Mozart und Salieri von Nikolai Rimski-Korsakow, Aleko, Der geizige Ritter und Francesca da Rimini von Sergej Rachmaninow, Die Zauberin » Pjotr ​​Tschaikowsky.

Das Repertoire der Metropolitan Opera wurde mit neuen Titeln ergänzt: Schostakowitschs Opern Lady Macbeth Bezirk Mzensk“und„ Nase “, Prokofjew – „Spieler“ und „Krieg und Frieden“, Tschaikowsky – „Mazepa“ und „Iolanta“. Fast alle "russischen" Uraufführungen wurden vom Chefdirigenten begleitet Mariinsky-Theater Valery Gergiev und Solisten aus St. Petersburg.

Im Jahr 2002 schufen das Mariinsky Theatre und die Metropolitan Opera eine gemeinsame Produktion von War and Peace unter der Regie von Andrei Konchalovsky. Dann waren Publikum und Kritiker von der jungen Anna Netrebko in der Rolle der Natasha Rostova sehr beeindruckt. Die Rolle von Andrei Bolkonsky wurde von Dmitry Hvorostovsky aufgeführt. 2014 wurde hier zum ersten Mal seit der New Yorker Uraufführung von 1917 Borodins Oper Prinz Igor aufgeführt. Dmitry Chernyakov wurde Regisseur, und Ildar Abdrazakov, der Bassist des Mariinsky-Theaters, spielte die Titelrolle.

In den vergangenen 20 Jahren haben die Salzburger Festspiele auch viele russische Opern präsentiert: Boris Godunov und Chowanschtschina von Mussorgsky, Eugen Onegin, Pique Dame und Mazeppa von Tschaikowsky, Krieg und Frieden von Prokofjew, Die Nachtigall von Strawinsky. Im Sommer 2017 wurde Dmitri Schostakowitschs Oper Lady Macbeth von Mzensk erstmals in Salzburg gezeigt, und im August 2018 wird Pique Dame zum zweiten Mal in der Geschichte der Festspiele aufgeführt. In dieser Spielzeit präsentiert die Wiener Staatsoper Chowanschtschina, Eugen Onegin und Der Spieler.

Russische Aufführungen werden auch an der Pariser Nationaloper aufgeführt. Im Frühjahr 2017 öffnete der russische Regisseur Dmitry Chernyakov Rimsky-Korsakovs Schneewittchen, das in Europa selten aufgeführt wird, für die Pariser, und ein Jahr zuvor wurden Chernyakovs Aufführung zu Tschaikowskys Musik, die Oper Iolanta und das Ballett Der Nussknacker auf demselben aufgeführt Abend, wurde hier zum Höhepunkt der Spielzeit, Uraufführung 1892.

Im Juni 2018 präsentiert die Pariser Oper eine Neuinterpretation von Boris Godunov unter der Regie des berühmten belgischen Regisseurs Ivo van Hove, und in der Spielzeit 2019/20 wird die Uraufführung von Prinz Igor vom Australier Barry Kosky inszeniert.

7 weltberühmte russische Opern

Russischer Künstler und Schriftsteller Konstantin Korovin.
Boris Godunow. Krönung. 1934. Bühnenbildskizze für M. P. Mussorgskys Oper "Boris Godunov"

Als Nachahmung westlicher Vorbilder entstanden, hat die russische Oper einen wertvollen Beitrag zur Schatzkammer der gesamten Weltkultur geleistet. Entstanden in der Epoche der klassischen Blütezeit der französischen, deutschen und italienischen Oper, hat die russische Oper im 19. Jahrhundert die klassischen nationalen Opernschulen nicht nur eingeholt, sondern sogar überflügelt. Interessanterweise wählten russische Komponisten für ihre Werke traditionell Themen mit rein volkstümlichem Charakter.

1

"Leben für den Zaren" Glinka

Die Oper "Ein Leben für den Zaren" oder "Iwan Susanin" erzählt von den Ereignissen von 1612 - dem polnischen Feldzug des Adels gegen Moskau. Baron Yegor Rozen wurde der Autor des Librettos, aber in der Sowjetzeit wurde die Bearbeitung des Librettos aus ideologischen Gründen Sergei Gorodetsky anvertraut. Die Oper wurde uraufgeführt Bolschoi-Theater Petersburg 1836. Lange Zeit wurde die Rolle von Susanin von Fyodor Chaliapin gespielt. Nach der Revolution verließ Life for the Tsar die sowjetische Szene. Es gab Versuche, die Handlung an die Anforderungen der neuen Zeit anzupassen: So wurde Susanin in den Komsomol aufgenommen, und die letzten Zeilen klangen wie "Ruhm, Ruhm, Sowjetsystem". Als die Oper 1939 im Bolschoi-Theater aufgeführt wurde, wurde dank Gorodetsky das „Sowjetsystem“ durch das „russische Volk“ ersetzt. Seit 1945 eröffnet das Bolschoi-Theater traditionell die Saison mit verschiedenen Produktionen von Ivan Susanin von Glinka. Die größte Inszenierung der Oper im Ausland wurde vielleicht in der Mailänder Scala realisiert.

2

Boris Godunov von Mussorgsky

Die Oper, in der der Zar und das Volk als zwei Figuren gewählt werden, wurde von Mussorgsky im Oktober 1868 begonnen. Für das Libretto verwendete der Komponist den Text der gleichnamigen Tragödie von Puschkin und Materialien aus Karamzins Geschichte des russischen Staates. Das Thema der Oper war die Regierungszeit von Boris Godunov kurz vor der Zeit der Wirren. Mussorgsky vollendete 1869 die erste Ausgabe der Oper Boris Godunov, die dem Theaterkomitee der Direktion der kaiserlichen Theater vorgelegt wurde. Die Rezensenten lehnten die Oper jedoch ab und weigerten sich, sie wegen des Mangels an Helligkeit zu inszenieren weibliche Rolle. Mussorgsky führte einen „polnischen“ Akt in die Oper ein Liebeslinie Marina Mnishek und False Dmitry. Er fügte auch eine monumentale Szene eines Volksaufstands hinzu, was das Finale spektakulärer machte. Trotz aller Anpassungen wurde die Oper erneut abgelehnt. Es wurde nur 2 Jahre später, 1874, auf der Bühne des Mariinsky-Theaters aufgeführt. Im Ausland fand die Uraufführung der Oper am 19. Mai 1908 im Bolschoi-Theater der Paris Grand Opera statt.

3

Die Pique Dame von Tschaikowsky

Die Oper wurde von Tschaikowsky im frühen Frühjahr 1890 in Florenz fertiggestellt, und die erste Produktion fand im Dezember desselben Jahres am Mariinsky-Theater in St. Petersburg statt. Die Oper wurde vom Komponisten im Auftrag des Kaiserlichen Theaters geschrieben, und zum ersten Mal weigerte sich Tschaikowsky, den Auftrag anzunehmen, und begründete seine Ablehnung mit dem Mangel an "angemessener Bühnenpräsenz" in der Handlung. Es ist interessant, dass in Puschkins Geschichte Protagonist trägt den Nachnamen Hermann (mit zwei „n“ am Ende) und in der Oper den Hauptnamen Schauspieler ein Mann namens Herman wird - dies ist kein Fehler, sondern eine beabsichtigte Änderung des Autors. 1892 wurde die Oper erstmals außerhalb Russlands in Prag aufgeführt. Dann - die erste Produktion in New York 1910 und die Uraufführung in London 1915.

4

"Prinz Igor" Borodin

Das Denkmal war die Grundlage für das Libretto altrussische Literatur"Die Geschichte von Igors Kampagne". Die Idee der Handlung wurde Borodin von dem Kritiker Vladimir Stasov an einem der musikalischen Abende bei Schostakowitsch vorgeschlagen. Die Oper entstand über 18 Jahre, wurde aber vom Komponisten nie vollendet. Nach dem Tod von Borodin wurde die Arbeit an der Arbeit von Glazunov und Rimsky-Korsakov abgeschlossen. Es gibt eine Meinung, dass Glasunow in der Lage war, die Aufführung der Opernouvertüre, die er einst gehört hatte, aus dem Gedächtnis wiederherzustellen, aber Glasunow selbst widerlegte diese Meinung. Trotz der Tatsache, dass Glasunow und Rimski-Korsakow die meiste Arbeit geleistet haben, bestanden sie darauf, dass Prinz Igor ausschließlich eine Oper von Alexander Porfiryevich Borodin war. Die Uraufführung der Oper fand 1890 im Mariinsky-Theater in St. Petersburg statt, nach 9 Jahren wurde sie von einem ausländischen Publikum in Prag gesehen.

5

Der goldene Hahn von Rimsky-Korsakov

Die Oper Der goldene Hahn entstand 1908 nach Puschkins gleichnamigem Märchen. Diese Oper war das letzte Werk von Rimsky-Korsakov. Kaiserliche Theater weigerten sich, die Oper zu inszenieren. Doch sobald das Publikum sie 1909 im Moskauer Opernhaus von Sergei Zimin zum ersten Mal sah, wurde die Oper einen Monat später im Bolschoi-Theater aufgeführt und trat dann ihren Siegeszug um die ganze Welt an: London, Paris, New York, Berlin, Breslau.

6

„Lady Macbeth des Distrikts Mzensk“ von Shestakovich

Die Oper, die auf Leskows gleichnamigem Roman basiert, wurde im Dezember 1930 fertiggestellt und im Januar 1934 im Michailowski-Theater in Leningrad uraufgeführt. 1935 wurde die Oper dem Publikum in Cleveland, Philadelphia, Zürich, Buenos Aires, New York, London, Prag, Stockholm gezeigt. In der zweiten Hälfte der 1930er bis in die 1950er Jahre wurde die Oper von Aufführungen in Russland verboten, und Shestakovich selbst wurde von der Führung der Kommunistischen Partei des Landes verurteilt. Das Werk wurde als „Durcheinander statt Musik“, „absichtlich auf den Kopf gestellt“ beschrieben und diente als Anstoß für die Verfolgung des Komponisten. Die Aufführungen in Russland wurden erst 1962 wieder aufgenommen, aber das Publikum sah eine Oper namens Katerina Izmailova.

7

"Steingast" Dargomyzhsky

Die Idee der Oper kam 1863 von Alexander Dargomyzhsky. Der Komponist bezweifelte jedoch den Erfolg und betrachtete das Werk als kreative „Erkundung“, „Spaß an Puschkins Don Giovanni“. Er schrieb Musik zu Puschkins Text „Der steinerne Gast“, ohne ein einziges Wort darin zu ändern. Herzprobleme erlaubten es dem Komponisten jedoch nicht, das Werk zu vollenden. Er starb und bat in seinem Testament seine Freunde Cui und Rimsky-Korsakov, die Arbeit abzuschließen. Die Oper wurde erstmals 1872 auf der Bühne des Mariinsky-Theaters in St. Petersburg dem Publikum präsentiert. Die Auslandspremiere fand erst 1928 in Salzburg statt. Diese Oper ist zu einem der „Grundsteine“ geworden, ohne sie zu kennen, ist es unmöglich, nicht nur die russische klassische Musik, sondern auch die allgemeine Kultur unseres Landes zu verstehen.