Die russische Kunstkultur, deren Ursprünge mit dem Klassizismus begannen, der einen kraftvollen Volksklang erhielt, wie der Hochklassizismus, der sich in der Malerei des 19. Jahrhunderts widerspiegelte, bewegte sich allmählich von der Romantik zum Realismus auf Russisch Bildende Kunst. Die damaligen Zeitgenossen schätzten besonders die Richtung russischer Künstler, in der das historische Genre mit einer Betonung nationaler Themen vorherrschte.

Gleichzeitig gab es jedoch keine besonderen Veränderungen in der Kunst der historischen Richtung im Vergleich zu den Meistern der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts und seit Beginn der Geschichte der russischen Porträtmalerei. Viele Meister widmeten sich in ihren Werken oft den wahren Helden der alten Rus, deren Heldentaten sie dazu inspirierten, historische Leinwände zu schreiben. Russische Maler dieser Zeit billigten ihr eigenes Prinzip der Beschreibung eines Porträts, Gemälde, die ihre eigenen Richtungen bei der Darstellung einer Person, der Natur, entwickelt hatten, was auf ein völlig unabhängiges figuratives Konzept hinweist.

Russische Künstler spiegelten in ihren Gemälden verschiedene Ideale des nationalen Aufschwungs wider und gaben nach und nach die strengen Prinzipien des Klassizismus auf, die von akademischen Prinzipien auferlegt wurden. Das 19. Jahrhundert war geprägt von der Blütezeit der russischen Malerei, in der die Maler Russlands die Geschichte der russischen bildenden Kunst für die Nachwelt unauslöschlich geprägt haben, durchdrungen vom Geist einer umfassenden Reflexion des Volkslebens.

Die größten Forscher der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts insgesamt bemerken eine herausragende Rolle in der Blütezeit des Werks der großen russischen Meister und der bildenden Kunst. Einzigartige Werke einheimischer Meister haben die russische Kultur schon immer bereichert.

Berühmte Künstler des 19. Jahrhunderts

(1782-1836) Hervorragend und subtil gemalte Porträts von Kiprensky brachten ihm Ruhm und wahre Anerkennung unter seinen Zeitgenossen. Seine Werke Selbstporträt, A. R. Tomilova, I. V. Kusova, A. I. Korsakov 1808 Porträt eines Jungen Chelishchev, Golitsina A. M. 1809 Porträt von Denis Davydov, 1819 Mädchen mit einem Kranz aus Mohnblumen, das erfolgreichste Porträt von 1827 von A. S. Puschkin und anderen Porträts spiegeln die Schönheit der Aufregung, die raffinierte innere Welt der Bilder und den Gemütszustand wider. Zeitgenossen verglichen seine Arbeit mit den Genres der Lyrik, der poetischen Hingabe an Freunde. (1791-1830) Meister der russischen Landschaftsromantik und lyrischen Naturauffassung. In mehr als vierzig seiner Gemälde stellte Shchedrin Ansichten von Sorento dar. Darunter befinden sich Gemälde des Stadtteils Sorrento. Abend, Neues Rom"Schloss des Heiligen Engels", der Mergellina-Damm in Neapel, der Grand Harbour auf der Insel Capri usw.

Sich völlig der Romantik der Landschaft und der natürlichen Umgebung der Wahrnehmung hingebend, füllt Shchedrin sozusagen mit seinen Gemälden das gesunkene Interesse seiner damaligen Stammesgenossen an der Landschaft wieder auf. Shchedrin kannte den Beginn seiner Kreativität und Anerkennung.

(1776-1857) Ein bemerkenswerter russischer Porträtmaler, der von Leibeigenen stammte. Seine berühmten Gemäldewerke: Die Spitzenklöpplerin, auch Porträt von Puschkin A.S., Kupferstecher E.O. Skotnikova, Ein alter Mann - ein Bettler, gekennzeichnet durch eine helle Farbe Porträt eines Sohnes, 1826 Spinner, Goldschmied, diese Arbeiten erregten besonders die Aufmerksamkeit der Zeitgenossen. 1846 Tropinin entwickelt seinen eigenen figurativen Porträtstil, der ein spezifisches Moskauer Genre der Malerei charakterisiert. Zu dieser Zeit wurde Tropinin zur zentralen Figur der Moskauer Beau Monde.

(1780-1847) Vorfahre des Bauern Haushaltsgenre, Sein berühmtes Porträt des Schnitters, Gemälde > Schnitter , Mädchen mit Kopftuch, Auf Ackerland Frühling, Bäuerin mit Kornblumen, Sacharka und andere. Besonders hervorzuheben ist das Gemälde Gumno, das die Aufmerksamkeit von Kaiser Alexander I. erregte, er war berührt lebendige Bilder Bauern, vom Autor wahrheitsgemäß übermittelt. Er liebte gewöhnliche Menschen Darin eine gewisse Lyrik zu finden, spiegelte sich in seinen Gemälden wider, die das schwierige Bauernleben zeigen. seine besten Arbeiten entstanden in den 20er Jahren. (1799-1852) Meister der historischen Malerei, Der letzte Tag von Pompeji in einer Flut von dem Untergang geweihten Bewohnern, die vor der Wut des Vesuvs fliehen. Das Bild hinterließ bei seinen Zeitgenossen einen überwältigenden Eindruck. Er schreibt meisterhaft weltliche Gemälde, wobei er die Reiterin und Porträts in hellen koloristischen Momenten in der Bildkomposition Gräfin Yu P. Samoilova verwendet. Seine Gemälde und Porträts setzen sich aus Licht- und Schattenkontrasten zusammen. . Unter dem Einfluss des traditionellen akademischen Klassizismus verlieh Karl Bryullov seinen Gemälden historische Authentizität, romantischen Geist und psychologische Wahrheit. (1806-1858) Großartiger Meister des historischen Genres. Etwa zwei Jahrzehnte lang arbeitete Ivanov an seinem Hauptgemälde Die Erscheinung Christi vor den Menschen und betonte dabei seinen leidenschaftlichen Wunsch, das Kommen Jesu Christi auf die Erde darzustellen. In der Anfangsphase sind dies die Gemälde Apollo, Hyazinthe und Zypresse 1831-1833, die Erscheinung Christi vor Maria Magdalena nach der Auferstehung von 1835. langes Leben Ivanov hat viele Werke geschaffen, für jedes Bild schreibt er viele Skizzen von Landschaften, Porträts. Iwanow, ein Mann von außergewöhnlicher Intelligenz, bemühte sich immer, in seinen Werken die Elemente der Volksbewegungen zu zeigen. (1815-1852) Meister der satirischen Regie, der den Grundstein für den kritischen Realismus im Alltagsgenre legte. Der frische Kavalier 1847 und Die wählerische Braut 1847,

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Erste Jahrzehnte des 19. Jahrhunderts in Russland fand in einer Atmosphäre des Volksaufstands statt, die mit dem Vaterländischen Krieg von 1812 verbunden war. Die Ideale dieser Zeit fanden ihren Ausdruck in der Poesie des jungen Puschkin. Der Krieg von 1812 und der Aufstand der Dekabristen bestimmten maßgeblich den Charakter der russischen Kultur im ersten Drittel des Jahrhunderts.

Besonders akut wurden die Widersprüche der Zeit in den 1940er Jahren. Damals begann die revolutionäre Aktivität von A.I. Herzen, V. G. Belinsky sprach mit brillanten kritischen Artikeln, leidenschaftliche Streitigkeiten wurden von Westlern und Slawophilen geführt.

Romantische Motive tauchen in Literatur und Kunst auf, was für Russland selbstverständlich ist, das seit mehr als einem Jahrhundert am gesamteuropäischen Kulturprozess beteiligt ist. Der Weg vom Klassizismus zum kritischen Realismus durch die Romantik bestimmte die bedingte Einteilung der Geschichte der russischen Kunst in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. wie in zwei Etappen, deren Wendepunkt die 1930er Jahre waren.

Seit dem 18. Jahrhundert hat sich viel verändert. in der bildenden und bildenden Kunst. Die gesellschaftliche Rolle des Künstlers, die Bedeutung seiner Persönlichkeit, sein Recht auf schöpferische Freiheit, in der sich soziale und moralische Probleme nun immer mehr zuspitzten, wuchs.

Das wachsende Interesse am künstlerischen Leben Russlands drückte sich in der Gründung bestimmter Kunstgesellschaften und der Veröffentlichung spezieller Zeitschriften aus: „Die Freie Gesellschaft der Liebhaber der Literatur, Wissenschaft und Kunst“ (1801), zuerst „Journal of Fine Arts“. in Moskau (1807) und dann in St. Petersburg (1823 und 1825), "Gesellschaft zur Förderung der Künstler" (1820), "Russisches Museum ..." P. Svinin (1810) und die "Russische Galerie" in die Eremitage (1825), Kunstschulen der Provinz, wie die Schule von A.V. Stupina in Arzamas oder A.G. Venetsianov in St. Petersburg und dem Dorf Safonkovo.

Die humanistischen Ideale der russischen Gesellschaft spiegelten sich in den hochbürgerlichen Beispielen der damaligen Architektur und der monumentalen und dekorativen Skulptur wider, in deren Synthese dekorative Malerei und angewandte Kunst was oft in den Händen der Architekten selbst landet. Der vorherrschende Stil dieser Zeit ist der reife oder hohe Klassizismus Wissenschaftliche Literatur, besonders zu Beginn des 20. Jahrhunderts, oft als russischer Empire-Stil bezeichnet.

Die Architektur

Die Architektur des ersten Drittels des Jahrhunderts ist in erster Linie die Lösung großer städtebaulicher Probleme. In St. Petersburg wird die Gestaltung der Hauptplätze der Hauptstadt fertiggestellt: des Palastes und des Senats. Die besten Ensembles der Stadt entstehen. Moskau wurde nach dem Brand von 1812 besonders intensiv bebaut. Die Antike in ihrer griechischen (und sogar archaischen) Form wird zum Ideal; Das bürgerliche Heldentum der Antike inspiriert russische Architekten. Es wird die dorische (oder toskanische) Ordnung verwendet, die durch ihre Strenge und Prägnanz besticht. Einige Elemente der Ordnung werden vergrößert, insbesondere Kolonnaden und Bögen, die Kraft glatter Wände wird betont. Das architektonische Bild besticht durch Größe und Monumentalität. Eine große Rolle im Gesamtbild des Gebäudes spielt die Skulptur, die eine gewisse semantische Bedeutung hat. Die Farbe entscheidet viel, normalerweise ist die Architektur des Hochklassizismus zweifarbig: Säulen und Stuckstatuen sind weiß, der Hintergrund ist gelb oder grau. Unter den Gebäuden nehmen öffentliche Gebäude den Hauptplatz ein: Theater, Abteilungen, Bildungseinrichtungen, Paläste und Tempel werden viel seltener gebaut (mit Ausnahme von Regimentskathedralen in der Kaserne).

„Blick auf die Datscha Stroganowskaja“ (1797, Russisches Museum, St. Petersburg)
Großes Büro von S.V. Stroganova, Aquarell aus dem Familienalbum Stroganov, 1830er Jahre.

Der größte Architekt dieser Zeit, Andrei Nikiforovich Voronikhin (1759–1814), begann seinen unabhängigen Weg bereits in den 90er Jahren, nachdem er F.I. Demertsov Innenräume des Stroganov-Palais F.-B. Rastrelli in Petersburg (1793, Mineralienkabinett, Gemäldegalerie, Eckzimmer). Klassische Schlichtheit ist auch charakteristisch für die Stroganow-Datscha am Schwarzen Fluss (1795–1796, nicht erhalten für Öllandschaft „Stroganoffs Datscha am Schwarzen Fluss“ , 1797, Russisches Museum, Voronikhin erhielt den Titel eines Akademikers). Im Jahr 1800 arbeitete Voronikhin in Peterhof, vollendete das Projekt der Galerien in der Nähe des Eimers des Samson-Brunnens und beteiligte sich an der allgemeinen Rekonstruktion der Brunnen der Großen Grotte, für die er von der Akademie der Künste offiziell als Architekt anerkannt wurde. Später arbeitete Voronikhin oft in den Vororten von St. Petersburg: Er entwarf eine Reihe von Brunnen für die Pulkovo-Straße, stellte das Büro „Taschenlampe“ und die ägyptische Vorhalle im Pawlowsk-Palast fertig,

Kasaner Kathedrale
Bergbauinstitut

Viskontiev-Brücke und der Rosenpavillon im Park von Pavlovsk. Die Hauptidee von Voronikhin - Kasaner Kathedrale (1801–1811). Die halbkreisförmige Kolonnade des Tempels, die er nicht von der Seite der Haupt-West-, sondern von der Seiten-Nordfassade errichtete, bildete einen Platz in der Mitte des Newski-Prospekts und machte die Kathedrale und die umliegenden Gebäude zu einem wichtigen städtebaulicher Knotenpunkt. Zufahrten, die an zweiter Stelle mit der Kolonnade enden, verbinden das Gebäude mit den umliegenden Straßen. Die Proportionalität der Seitengänge und des Dombaus, die Gestaltung des Portikus und der kannelierten korinthischen Säulen zeugen von der hervorragenden Kenntnis antiker Traditionen und deren gekonnter Umsetzung in die Sprache der modernen Architektur. In dem verbleibenden unvollendeten Projekt von 1811 wurde eine zweite Kolonnade in der Nähe der Südfassade und ein großer halbkreisförmiger Platz in der Nähe der Westfassade vorgeschlagen. Lediglich ein wunderschönes Gusseisengitter vor der Westfassade entpuppte sich nach diesem Plan. 1813 wurde M.I. in der Kathedrale beigesetzt. Kutuzov, und das Gebäude wurde zu einer Art Denkmal für die Siege der russischen Waffen. Hier wurden Banner und andere Relikte aufbewahrt, die von den napoleonischen Truppen zurückerobert wurden. Später wurden Denkmäler für M.I. Kutuzov und M.B. Barclay de Tolly, ausgeführt vom Bildhauer B. I. Orlovsky.

Voronichin verlieh dem Bergbaukadettenkorps (1806-1811, heute Bergbauinstitut) einen noch strengeren, antiken Charakter, in dem alles einem mächtigen dorischen Portikus aus 12 Säulen zur Newa untergeordnet ist. Ebenso streng ist das Bild der Skulptur, die es schmückt, perfekt kombiniert mit der Glätte der Seitenwände und dorischen Säulen. I.E. Grabar bemerkte richtig, dass, wenn der Klassizismus der Katharinenzeit vom Ideal der römischen Architektur (Quarenghi) ausging, der "alexandrische" Stil dem stattlichen Stil von Paestum ähnelt.

Voronikhin, der Architekt des Klassizismus, widmete viel Energie der Schaffung eines städtischen Ensembles, der Synthese von Architektur und Skulptur, der organischen Kombination skulpturaler Elemente mit architektonischen Unterteilungen sowohl in großen als auch in kleinen Strukturen. Das Bergkadettenkorps eröffnete sozusagen vom Meer aus einen Blick auf die Wassilswski-Insel. Auf der anderen Seite der Insel, auf ihrer Landzunge, baute Thomas de Thomon in diesen Jahren das Bourse Ensemble (1805–1810).

Thomas von Thomon(ca. 1760–1813), gebürtiger Schweizer, kam Ende des 18. Jahrhunderts nach Russland, nachdem er bereits in Italien, Österreich gearbeitet und möglicherweise einen Kurs an der Pariser Akademie besucht hatte. Er erhielt keine abgeschlossene Architekturausbildung, wurde jedoch mit dem Bau betraut Gebäude

Blick auf die Börse von der Bolschaja Newa

Austausch , und er hat diese Aufgabe mit Bravour gemeistert (1805-1810). Tomon veränderte das gesamte Erscheinungsbild der Nehrung der Wassiljewski-Insel, indem er die Ufer der beiden Newa-Kanäle halbkreisförmig formte und an den Rändern platzierte rostrale Säulen-Leuchttürme , wodurch ein Platz in der Nähe des Börsengebäudes gebildet wird. Die Börse selbst hat das Aussehen eines griechischen Tempels - ein Peripter auf einem hohen Sockel, der für den Handel mit Lagerhäusern bestimmt ist. Dekor ist fast nicht vorhanden. Die Einfachheit und Klarheit der Formen und Proportionen verleihen dem Gebäude einen majestätischen, monumentalen Charakter, machen es nicht nur zum Hauptpfeilerensemble, sondern beeinflussen auch die Wahrnehmung beider Böschungen, sowohl der Universitetskaya als auch der Dvortsovaya. Die dekorative allegorische Skulptur des Börsengebäudes und der Rostralsäulen betonen den Zweck der Gebäude. Die zentrale Halle der Börse mit einem lakonischen dorischen Gebälk ist mit einem Kassetten-Halbkreisgewölbe bedeckt.

Das Börsenensemble war nicht der einzige Bau von Thomas de Thomon in St. Petersburg. Er baute auch in den königlichen Vorstädten Residenzen, wobei er sich hier der griechischen Bauweise bediente. Die romantische Stimmung des Künstlers kam in dem von Kaiserin Maria errichteten Mausoleum "Dem wohltätigen Ehegatten" voll zum Ausdruck

Mausoleum des Ehegatten-Wohltäters in Pawlowsk

Fedorovna in Erinnerung an Pawel im Park von Pawlowsk (1805–1808, die Gedenkskulptur wurde von Martos geschaffen). Das Mausoleum gleicht einem archaischen Typ eines Prostyle-Tempels. Im Inneren ist die Halle ebenfalls mit einem Kassettengewölbe bedeckt. Glatte Wände sind mit Kunstmarmor ausgekleidet.

Das neue Jahrhundert war geprägt von der Gründung der wichtigsten Ensembles in St. Petersburg. Absolvent der St. Petersburger Akademie und Schüler des Pariser Architekten J.-F. Schalgrena Andrejan Dmitrijewitsch Sacharow(1761–1811), seit 1805 „Chefarchitekt der Admiralität“, beginnt mit dem Bau Admiralität (1806–1823). Nachdem er das alte Korobov-Gebäude umgebaut hatte, verwandelte er es in das Hauptensemble von St. Petersburg, das auch heute noch unweigerlich in die Fantasie eintaucht, wenn man über die Stadt spricht. Zakharovs kompositorische Lösung ist äußerst einfach: Die Konfiguration von zwei Volumen, und ein Volumen ist sozusagen in das andere verschachtelt, von dem das äußere, U-förmig, durch einen Kanal von zwei inneren, L-förmigen Nebengebäuden getrennt ist planen. Das innere Volumen sind Schiffs- und Zeichenwerkstätten, Lagerhäuser, das äußere sind Abteilungen, Verwaltungseinrichtungen, ein Museum, eine Bibliothek usw. Die Admiralitätsfassade erstreckt sich über 406 m. Es ist das Schloss der Komposition und durch das es geht

Alexandergarten und Admiralität

liegt der Haupteingang im Inneren. Zakharov behielt Korobovs geniales Design für die Turmspitze bei, zeigte Takt und Respekt vor der Tradition und schaffte es, es in ein neues klassizistisches Bild des Gebäudes als Ganzes zu verwandeln. Die Monotonie der fast einen halben Kilometer langen Fassade wird durch gleichmäßig verteilte Säulengänge unterbrochen. In auffälliger Einheit mit der Architektur steht die dekorative Plastizität des Gebäudes, die sowohl architektonische als auch semantische Bedeutung hat: Die Admiralität ist die maritime Abteilung Russlands, einer mächtigen Seemacht. Das gesamte System der skulpturalen Dekoration wurde von Zakharov selbst entwickelt und von den besten Bildhauern des Anfangs des Jahrhunderts brillant verkörpert. Über der Brüstung der oberen Plattform des mit einer Kuppel gekrönten Turmpavillons sind Allegorien der Winde, des Schiffsbaus usw. dargestellt.An den Ecken des Dachbodens vier sitzende Krieger in Rüstung, die sich auf Schilde stützen, ausgeführt von F. Shchedrin , darunter ein riesiger, bis zu 22 m langer Relieffries „Etablierung der Flotte in Russland“ von I. Terebenev, dann in flachem Relief das Bild von Neptun, der den Dreizack an Peter als Symbol der Herrschaft über das Meer übergibt, und im Hochrelief - geflügelte Glorien mit Bannern - Symbole der Siege der russischen Flotte, noch niedriger sind die skulpturalen Gruppen von „Nymphen, die Globen halten“, wie Zakharov sie selbst nannte, die ebenfalls von F. Shchedrin aufgeführt wurden. Diese Kombination von Rundplastik mit Hoch- und Flachrelief, Statuenplastik mit reliefornamentalen Kompositionen, diese Korrelation von Plastik mit glatter Wandmasse wurde auch in anderen Werken des russischen Klassizismus des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts verwendet.

Zakharov starb, ohne die Admiralität in ihrer fertigen Form zu sehen. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. das Werftgelände wurde bebaut Mietshäuser, wurde ein Großteil der skulpturalen Dekoration zerstört, was den ursprünglichen Plan des großen Architekten verzerrte.

Die Zakharovsky Admiralty vereint die besten Traditionen der russischen Architektur (es ist kein Zufall, dass ihre Mauern und der zentrale Turm viele an die einfachen Mauern alter russischer Klöster mit ihren Torglockentürmen erinnern) und modernste städtebauliche Aufgaben: Das Gebäude ist eng verbunden mit der Architektur des Stadtzentrums. Von hier aus gehen drei Alleen hervor: Voznesensky, Gorokhovaya st., Newsky Avenue (dieses Strahlensystem wurde unter Peter konzipiert). Die Admiralitätsnadel erinnert an die hohen Türme der Peter-und-Paul-Kathedrale und des Schlosses Mikhailovsky.

Führender Petersburger Architekt des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. ("Russisches Reich") war Karl Iwanowitsch Rossi(1777–1849). Rossi erhielt seine erste architektonische Ausbildung damals in der Werkstatt von Brenna

Michailowski-Palast (Hauptgebäude des Russischen Museums)

unternahm eine Reise nach Italien, wo er die Denkmäler der Antike studierte. Seine unabhängige Arbeit beginnt in Moskau und wird in Twer fortgesetzt. Eines der ersten Werke in St. Petersburg - Gebäude auf der Insel Elagin (1818). Über Rossi lässt sich sagen, dass er „in Ensembles dachte“. Ein Palast oder ein Theater verwandelte sich in ein städtebauliches Zentrum mit Plätzen und neuen Straßen. Also erstellen Michailowski-Palast (1819–1825, heute Russisches Museum) organisiert er den Platz vor dem Palast und pflastert die Straße am Newski-Prospekt, während er seinen Plan mit anderen nahe gelegenen Gebäuden - dem Michailowski-Schloss und dem Raum des Marsfeldes - in Einklang bringt. Der Haupteingang des Gebäudes, der sich in den Tiefen des Vorhofs hinter einem gusseisernen Gitter befindet, wirkt feierlich und monumental, was durch den korinthischen Portikus erleichtert wird, zu dem eine breite Treppe und zwei Rampen führen.

Das Gebäude des Generalstabs am Schlossplatz

Rossi hat einen Großteil der Dekoration des Palastes selbst und mit tadellosem Geschmack vorgenommen - die Gestaltung des Zauns, der Innenräume des Vestibüls und des Weißen Saals, dessen Farbe von Weiß und Gold dominiert wurde, was auch für das Reich charakteristisch war als Grisaillemalerei.

Im Design Schlossplatz (1819-1829) stand Rossi vor der schwierigsten Aufgabe – den barocken Rastrelli-Palast und die monotone klassizistische Fassade des Gebäudes des Generalstabs und der Ministerien zu einem Ganzen zu vereinen. Der Architekt brach die Langeweile des letzteren mit dem Arc de Triomphe, der den Ausgang zur Bolshaya Morskaya Street zum Newski-Prospekt öffnet, und gab dem Platz die richtige Form - einem der größten unter den Plätzen der europäischen Hauptstädte. Der Triumphbogen, bekrönt mit dem Wagen der Herrlichkeit, verleiht dem gesamten Ensemble einen hochfeierlichen Charakter.

Eines der bemerkenswertesten Ensembles von Rossi wurde von ihm Ende der 10er Jahre begonnen und erst in den 30er Jahren fertiggestellt und umfasste das Gebäude Alexandria-Theater , nach der neuesten Technologie der damaligen Zeit und mit seltener künstlerischer Perfektion erbaut, Alexandria Square, daneben Theater

Fassade des Alexandrinsky-Theaters

die Straße hinter der Fassade des Theaters, die heute den Namen seines Architekten trägt, und der fünfseitige Tschernyschew-Platz in der Nähe des Fontanka-Damms, der ihn vervollständigt. Darüber hinaus umfasste das Ensemble das von Rossi umgebaute Sokolovsky-Gebäude der öffentlichen Bibliothek und die Pavillons des Anichkov-Palastes, die Rossi bereits 1817–1818 erbaute.

Die letzte Kreation von Rossi in St. Petersburg - Senatsgebäude und die Synode (1829–1834) auf dem berühmten Senatsplatz. Obwohl es immer noch mit dem frechen Umfang des kreativen Denkens des Architekten verblüfft, der die beiden durch die Galernaya-Straße getrennten Gebäude mit einem Triumphbogen verband, kann man nicht umhin, das Erscheinen neuer Merkmale zu bemerken, die für charakteristisch sind späte Kreativität Architekt und die letzte Periode des Reiches insgesamt: einige Fragmentierung architektonischer Formen,

Senat und Synode, St. Petersburg

Überfüllung mit skulpturalen Elementen, Starrheit, Kälte und Wichtigtuerei.

Im Allgemeinen ist Rossis Arbeit ein wahres Beispiel für Stadtplanung. Wie einst Rastrelli komponierte er selbst das Dekorsystem, entwarf Möbel, kreierte Tapetenmuster und leitete auch ein riesiges Team von Holz- und Metallhandwerkern, Malern und Bildhauern. Die Integrität seiner Pläne, ein einziger Wille, trug dazu bei, unsterbliche Ensembles zu schaffen. Rossi arbeitete ständig mit den Bildhauern S.S. Pimenov Senior und V.I. Demut-Malinovsky, die Autoren der berühmten Streitwagen auf dem Arc de Triomphe des Generalstabs und Skulpturen im Theater von Alexandria.

Der „strengste“ aller Architekten des Spätklassizismus war Vasily Petrovich Stasov (1769–

Moskauer Triumphtore
Narva-Tor

1848) - ob er eine Kaserne baute (Pavlovsky-Kaserne auf dem Marsfeld in St. Petersburg, 1817–1821), ob er die kaiserlichen Stallungen umbaute (die Stallabteilung am Moika-Damm in der Nähe des Konyushennaya-Platzes, 1817–1823), ob er Errichtete Regimentskathedralen (Kathedrale des Izmailovsky-Regiments, 1828–1835) oder Triumphbögen (Narwa- und Moskauer Tor) oder gestaltete Innenräume (z. Winterpalast nach dem Brand von 1837 oder Ekaterininsky Tsarskoye Selo nach dem Brand von 1820). Überall betont Stasov die Masse, ihre plastische Schwere: Seine Kathedralen, ihre Kuppeln sind schwer und statisch, die Säulen, meist dorischen Stils, ebenso imposant und schwer, das Gesamtbild ohne Anmut. Wenn Stasov auf Dekor zurückgreift, dann sind es meistens schwere Zierfriese.

Voronikhin, Zakharov, Thomas de Thomon, Rossi und Stasov sind Petersburger Architekten. Nicht weniger bemerkenswerte Architekten arbeiteten damals in Moskau. Während des Krieges von 1812 wurden mehr als 70 % des gesamten städtischen Wohnungsbestands zerstört – Tausende von Häusern und mehr als hundert Kirchen. Unmittelbar nach der Vertreibung der Franzosen begannen intensive Restaurierungen und Neubauten. Es spiegelte alle Innovationen der Ära wider, blieb aber lebendig und fruchtbar. nationale Überlieferung. Dies war die Originalität der Moskauer Bauschule.

Grand Theatre

Zuallererst wurde der Rote Platz geräumt, und zwar darauf O.I. Beauvais(1784–1834) wurden die Trade Rows wieder aufgebaut, und tatsächlich wurde die Kuppel über dem zentralen Teil wieder aufgebaut, deren Kuppel sich gegenüber der Kuppel des Kasakow-Senats im Kreml befand. Wenig später errichtete Martos auf dieser Achse ein Denkmal für Minin und Pozharsky.

Beauvais war auch an der Rekonstruktion des gesamten an den Kreml angrenzenden Territoriums beteiligt, einschließlich eines großen Gartens in der Nähe seiner Mauern mit einem Tor von der Mokhovaya-Straße, einer Grotte am Fuß der Kremlmauer und Rampen am Dreifaltigkeitsturm. Beauvais kreiert Ensemble Theaterplatz (1816–1825), baute das Bolschoi-Theater und verband die neue Architektur mit der alten Kitai-Gorod-Mauer. Im Gegensatz zu den St. Petersburger Plätzen ist er geschlossen. Osip Ivanovich besitzt auch die Gebäude des Ersten Stadtkrankenhauses (1828–1833) und triumphales Tor am Eingang nach Moskau von St. Petersburg (1827–1834, jetzt in der Kutuzov Avenue), die Kirche Aller, die in der Bolshaya Ordynka leiden

Triumphale Tore, O.I. Beauvais

Zamoskvorechye, die Beauvais zu den Ende des 18. Jahrhunderts gebauten hinzufügte. Glockenturm und Refektorium von Bazhenov. Dies ist ein Rotundentempel, dessen Kuppel von einer Kolonnade im Inneren der Kathedrale getragen wird. Der Meister setzte die Arbeit seines Lehrers Kazakov würdig fort.

Fast immer haben wir erfolgreich zusammengearbeitet Domenico (Dementi Iwanowitsch) Gilardi(1788–1845) und Afanasy Grigorievich Grigoriev(1782–1868). Gilardi baute die während des Krieges niedergebrannte Kasakow-Universität Moskau (1817–1819) wieder auf. Infolge von Rekonstruktionen werden die Kuppel und der Portikus monumentaler, von ionisch bis dorisch. Gilardi und Grigoriev haben viel und erfolgreich in der Siedlungsarchitektur gearbeitet ( Usachyovs Nachlass auf der Yauza, 1829–1831, mit ihrer fein geformten Landschaft; das Golitsyn-Gut "Kuzminki", 1920er Jahre, mit seinem berühmten Pferdehof).

Herrenhaus der Usachovs-Naydenovs

Moskauer Wohngebäude des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts vermittelten uns den besonderen Charme des Russischen Reiches: In ihnen koexistieren feierliche allegorische Figuren an den Fassaden friedlich - mit dem Motiv von Balkonen und Vorgärten im Geiste von Provinzialgütern. Die Endfassade des Gebäudes wird normalerweise auf der roten Linie angezeigt, während das Haus selbst in den Tiefen des Hofes oder Gartens versteckt ist. In allem herrschen kompositorische Bildhaftigkeit und Dynamik, im Gegensatz zu der Ausgewogenheit und Ordnung von St. Petersburg (das Lunin-Haus am Nikitsky-Tor, erbaut von D. Gilardi, 1818–1823); Chruschtschows Haus, 1815–1817, heute das Museum von A.S. Puschkin, gebaut von A. Grigoriev; sein eigenes Haus Stanitskaya, 1817–1822, heute das Museum von L.N. Tolstoi, beide auf Prechistenka.

Gilardi und Grigoriev trugen wesentlich zur Verbreitung des Moskauer Imperiums bei, hauptsächlich aus Holz, in ganz Russland, von Wologda bis Taganrog.

In den 40er Jahren des 19. Jahrhunderts. der klassizismus verlor seine harmonie, wurde schwerer, komplizierter, das sehen wir am beispiel

Die Isaakskathedrale

St. Isaaks-Kathedrale Petersburg, gebaut August Montferrand vierzig Jahre (1818–1858), eines der letzten herausragenden Denkmäler religiöser Architektur im Europa des 19. Jahrhunderts, das die besten Kräfte von Architekten, Bildhauern, Malern, Maurern und Gießern zusammenbrachte.

Die Entwicklungswege der Bildhauerei in der ersten Hälfte des Jahrhunderts sind untrennbar mit den Entwicklungswegen der Architektur verbunden. In der Bildhauerei arbeiten weiterhin solche Meister wie IP Martos(1752–1835), in den 80–90er Jahren des 18. Jahrhunderts. berühmt für seine Grabsteine, geprägt von Größe und Stille, weise Akzeptanz des Todes, „wie die Alten“ („Meine Traurigkeit ist hell ...“). Bis zum 19. Jahrhundert In seiner Handschrift gibt es viele Veränderungen. Marmor wird durch Bronze ersetzt, der lyrische Anfang – heroisch, sensibel – streng (Grabstein von E.I. Gagarina, 1803, GMGS). Die griechische Antike wird zum direkten Vorbild.

Denkmal für Minin (stehend) und Pozharsky (sitzend)

1804–1818 Martos arbeitet daran Denkmal für Minin und Pozharsky finanziert durch ein öffentliches Abonnement. Die Entstehung des Denkmals und seine Aufstellung fielen in die Jahre des größten öffentlichen Aufschwungs und spiegelten die Stimmung dieser Jahre wider. Martos verkörperte die Ideen der höchsten Bürgerpflicht und Leistung im Namen des Mutterlandes in einfachen und klaren Bildern in einer lakonischen künstlerischen Form. Minins Hand wird zum Kreml ausgestreckt – dem größten Schrein des Volkes. Seine Kleidung ist ein russisches Hemd, keine antike Toga. Prinz Pozharsky trägt eine alte russische Rüstung, einen spitzen Helm und einen Schild mit dem Bild des Erlösers. Das Denkmal wird aus verschiedenen Blickwinkeln auf unterschiedliche Weise gezeigt: Wenn Sie nach rechts schauen, scheint es, als würde sich Pozharsky auf einen Schild stützen, um Minin zu begegnen; Aus einer frontalen Position, vom Kreml aus, scheint Minin Pozharsky überzeugt zu haben, die hohe Mission der Verteidigung des Vaterlandes zu übernehmen, und der Prinz greift bereits zum Schwert. Das Schwert wird zum Glied

Moses spritzt Wasser aus einem Felsen

die ganze Komposition.

Zusammen mit F. Shchedrin arbeitet Martos auch an Skulpturen für die Kasaner Kathedrale. Sie sind von Erleichterung erfüllt "Der Wasserabfluss durch Moses" auf dem Dachboden des Ostflügels der Kolonnade. Eine klare Gliederung der Figuren vor einem glatten Wandhintergrund, ein streng klassischer Rhythmus und Harmonie sind charakteristisch für dieses Werk (der oben erwähnte Dachfries des Westflügels "Die Kupferschlange" stammt von Prokofjew).

Die beste Kreation entstand in den ersten Jahrzehnten des Jahrhunderts F. Shchedrin- Skulpturen der Admiralität, wie oben erwähnt.

Die nächste Generation von Bildhauern wird durch die Namen repräsentiert Stepan Stepanowitsch Pimenow(1784–1833) und Wassili Iwanowitsch Demut-Malinowski(1779–1846). Wie niemandem sonst im 19. Jahrhundert gelang ihnen in ihren Werken eine organische Synthese von Skulptur und Architektur – in Skulpturengruppen aus

"Die Entführung der Proserpina"
Apollos Streitwagen

Pudost-Stein für das Woronikhinsky-Bergbauinstitut (1809–1811, Demut-Malinovsky - "Die Entführung der Proserpina durch Pluto" , Pimenov - „Die Schlacht des Herkules mit Antey“), deren Charakter übergewichtige Figuren mit dem dorischen Portikus übereinstimmen, oder im Streitwagen des Ruhms und im Streitwagen des Apollo aus Kupferblech für russische Kreationen - dem Palast Arc de Triomphe und das Alexandria-Theater.

Streitwagen des Ruhms Arc de Triomphe (oder, wie es auch genannt wird, die Komposition "Victory") ist auf die Wahrnehmung von Silhouetten ausgelegt, die sich deutlich gegen den Himmel abzeichnen. Betrachtet man sie direkt, scheinen die mächtigen sechs Pferde, bei denen die Fußkrieger am Zaumzeug geführt werden, sich in einem ruhigen und strengen Rhythmus präsentieren, über den gesamten Platz zu herrschen. Auf der Seite wird die Komposition dynamischer und kompakter.

Kutusow-Denkmal

Als eines der letzten Beispiele für die Synthese von Skulptur und Architektur können die Statuen von Barclay de Tolly und Kutuzov (1829–1836, errichtet 1837) in der Kasaner Kathedrale angesehen werden BI. Orlowski(1793–1837), die wenige Tage vor der Entdeckung dieser Denkmäler nicht lebten. Obwohl beide Statuen zwei Jahrzehnte nach dem Bau der Kathedrale ausgeführt wurden, fügten sie sich hervorragend in die Passagen der Kolonnade ein, was ihnen einen schönen architektonischen Rahmen gab. Die Idee von Orlovskys Denkmälern wurde von Puschkin prägnant und anschaulich zum Ausdruck gebracht: „Hier ist der Initiator Barclay, und hier ist der Darsteller Kutuzov“, das heißt, die Figuren verkörpern den Beginn und das Ende des Vaterländischen Krieges von 1812. Daher die Widerstandsfähigkeit , innerer Stress In der Figur von Barclay sind Symbole des heldenhaften Widerstands und die Geste der nach vorne rufenden Hand von Kutuzov, napoleonische Banner und Adler unter seinen Füßen.

Skulptur

Der russische Klassizismus fand seinen Ausdruck auch in der Staffeleiskulptur, in der Kleinplastik, in der Medaillenkunst, zum Beispiel in den berühmten Medaillonreliefs. Fjodor Tolstoi(1783-1873), dem Krieg von 1812 gewidmet. Ein Kenner der Antike, insbesondere des homerischen Griechenlands, der feinsten Plastik, der elegantesten

F. P. Tolstoi. Bürgerlicher Aufstand 1812. 1816. Medaillon. Wachs

Zeichner. Tolstoi gelang es, das Heroische, das Erhabene mit der intimen, zutiefst persönlichen und lyrischen, manchmal sogar romantischen Stimmung zu verbinden, die so charakteristisch für die russische Klassik ist. Tolstois Reliefs wurden in Wachs ausgeführt und dann auf "alte Weise", wie Rastrelli der Ältere es zur Zeit Peters des Großen tat, vom Meister selbst in Metall gegossen, und zahlreiche Gipsversionen sind erhalten geblieben, entweder übersetzt in Porzellan oder in Mastix ausgeführt ("Volksmiliz", "Schlacht Borodino", "Schlacht bei Leipzig", "Frieden für Europa" usw.).

Es ist unmöglich, die Illustrationen von F. Tolstoi für das Gedicht "Darling" von I.F.

Tolstoi F. P. Illustration für "Darling". 1820-1833

Bogdanovich, mit Tinte und Feder gemacht und mit einem Meißel graviert - schönes Beispiel Russische Skizzengrafik zur Handlung von Ovids "Metamorphosen" über die Liebe von Amor und Psyche, in der der Künstler sein Verständnis für die Harmonie der antiken Welt zum Ausdruck brachte.

Russische Skulptur der 30-40er Jahre des 19. Jahrhunderts. demokratischer werden. Es ist kein Zufall, dass Werke wie „The Guy Playing Money“ von N.S. Pimenov (Pimenov der Jüngere, 1836), „Ein Typ, der Stapel spielt“ von A.V. Loganovsky, herzlich begrüßt von Puschkin, der berühmte Gedichte über ihre Ausstellung schrieb.

Interessantes Werk des Bildhauers IP Vitali(1794–1855), der unter anderem Bildhauerei aufführte

Engelsfiguren an den Lampen an den Ecken der St. Isaac's Cathedral

für das Triumphtor zur Erinnerung an den Vaterländischen Krieg von 1812 in der Nähe der Tverskaya Zastava in Moskau (Architekt O. I. Bove, jetzt an der Kutuzova Avenue); eine Büste von Puschkin, kurz nach dem Tod des Dichters angefertigt (Marmor, 1837, VMP); kolossal Engelsfiguren an den Lampen an den Ecken der St. Isaac's Cathedral - vielleicht die besten und ausdrucksstärksten Elemente der gesamten skulpturalen Gestaltung dieses gigantischen architektonischen Bauwerks. Was die Porträts von Vitali (mit Ausnahme der Büste von Puschkin) und insbesondere die Porträts des Bildhauers S.I. Halberg tragen sie die Züge einer direkten Stilisierung antiker Hermen, die sich, so die zutreffende Bemerkung der Forscher, mit einer fast naturalistischen Gesichtsausarbeitung nicht gut verträgt.

Der Genre-Stream ist in den Werken früh verstorbener Schüler von S.I. Galberg - PA Stavasser ("Der Fischer", 1839, Marmor, Russisches Museum) und Anton Ivanov ("Der junge Lomonosov am Meeresufer",

Stavasser. Fischer

1845, Marmor, RM).

In der Bildhauerei der Mitte des Jahrhunderts gibt es zwei Hauptrichtungen: eine, die von den Klassikern kommt, aber zu trockenem Akademismus führt; die andere zeigt den Wunsch nach einer direkteren und multilateraleren Reflexion der Realität, sie verbreitet sich in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, aber es besteht kein Zweifel, dass beide Richtungen allmählich die Merkmale des monumentalen Stils verlieren.

Der Bildhauer, der in den Jahren des Niedergangs monumentaler Formen auf diesem Gebiet, aber auch in "kleinen Formen", bedeutende Erfolge erzielen konnte, war Peter Karlovich Klodt(1805–1867), Autor von Pferden für die Triumphtore von Narva in St. Petersburg (Architekt V. Stasov), „Pferdebändiger“ für die Anichkov-Brücke (1833–1850), ein Denkmal für Nikolaus I. auf dem St. Isaac-Platz ( 1850–1859), I. A. . Krylov im Sommergarten (1848–1855) sowie eine große

Eines von Klodts Pferden

Menge an animalischer Skulptur.

Auch die dekorative und angewandte Kunst, die sich im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts im allgemeinen einzigen Strom der Innendekoration des "Russischen Reiches" so stark ausdrückte - die Kunst der Möbel, des Porzellans, der Stoffe - verliert ihre Integrität und Stilreinheit bis Mitte des Jahrhunderts.

Malen

Der Klassizismus war im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts die Leitrichtung in Architektur und Bildhauerei. In der Malerei wurde es hauptsächlich von akademischen Künstlern im historischen Genre entwickelt (A.E. Egorov - "Folter des Erlösers", 1814, Russisches Museum; V.K. Shebuev - "Die Leistung des Kaufmanns Igolkin", 1839, Russisches Museum; F.A. Bruni - „Tod von Camilla, der Schwester des Horaz“, 1824, Russisches Museum; „Die Kupferschlange“, 1826-1841, Russisches Museum). Die wahren Erfolge der Malerei lagen jedoch in einer anderen Richtung – der Romantik. Beste Bestrebungen menschliche Seele, Höhen und Tiefen des Geistes drückten die romantische Malerei jener Zeit und vor allem das Porträt aus. Im Porträtgenre sollte der führende Platz eingeräumt werden Orest Kiprensky (1782–1836).

Kiprensky wurde in der Provinz St. Petersburg geboren und war der Sohn eines Gutsbesitzers A.S. Djakonow und die Festung. Von 1788 bis 1803 studierte er, beginnend mit der Pädagogischen Schule, an der Akademie der Künste, wo er in der Klasse für Historienmalerei bei Professor G.I. Ugryumov und der französische Maler G.-F. Doyen erhielt 1805 die Große Goldmedaille für das Gemälde "Dmitry Donskoy über den Sieg über Mamai" (GRM) und das Recht auf Auslandsreise eines Rentners, die nur 1816 durchgeführt wurde. 1809-1811. Kiprensky lebte in Moskau, wo er Martos bei der Arbeit am Denkmal für Minin und Pozharsky half, dann in Tver und kehrte 1812 nach St. Petersburg zurück. Die Jahre nach dem Abschluss der Akademie und vor der von romantischen Gefühlen erfüllten Abreise ins Ausland sind die höchste Blüte von Kiprenskys Schaffen. Während dieser Zeit bewegte er sich unter der freidenkenden russischen Adelsintelligenz. Er kannte K. Batyushkov und P. Vyazemsky, V.A. posierte für ihn. Schukowski und in späteren Jahren - Puschkin. Auch seine geistigen Interessen waren breit gefächert, nicht ohne Grund, dass Goethe, den Kiprensky schon in seinen reifen Jahren porträtierte, ihn nicht nur als begabten Künstler, sondern auch als interessant denkenden Menschen bezeichnete. Kompliziert, nachdenklich, wechselhaft in der Stimmung - solche erscheinen vor uns, dargestellt von Kiprensky E.P. Rostopchin (1809, Staatliche Tretjakow-Galerie), D.N. Khvostov (1814, Tretjakow-Galerie), Knabe Chelishchev (um 1809, Tretjakow-Galerie). In freier Pose, nachdenklich zur Seite blickend, lässig an eine Steinplatte gelehnt, steht Colonel of Life Caps E.B. Davydov (1809, Russisches Museum). Dieses Porträt wird als kollektives Bild des Helden des Krieges von 1812 wahrgenommen, obwohl es sehr spezifisch ist. Die romantische Stimmung wird durch die Darstellung einer stürmischen Landschaft verstärkt, vor der die Figur präsentiert wird. Die Farbgebung baut auf den in voller Kraft aufgenommenen klangvollen Farben - Rot mit Gold und Weiß mit Silber - in der Kleidung eines Husaren - und auf dem Kontrast dieser Farben mit den dunklen Tönen der Landschaft. Verschiedene Facetten des menschlichen Charakters und der geistigen Welt eines Menschen öffnend, nutzte Kiprensky jedes Mal unterschiedliche Möglichkeiten der Malerei. Jedes Porträt dieser Jahre ist von einem Malmeister geprägt. Die Malerei ist frei, baut wie im Porträt von Khvostova auf subtilsten Übergängen von einem Ton zum anderen, auf unterschiedlicher Farbhelligkeit, dann auf der Harmonie kontrastierender sauberer großer Lichtpunkte, wie im Bild des Jungen Chelishchev. Der Künstler verwendet Fettdruck Farbeffekte, die die Modellierung des Formulars beeinflussen; pastose Malerei trägt zum Ausdruck von Energie bei, verstärkt die Emotionalität des Bildes. Gemäß der fairen Bemerkung von D.V. Sarabyanov, die russische Romantik war noch nie eine so starke künstlerische Bewegung wie in Frankreich oder Deutschland. Es ist weder extreme Aufregung noch tragische Hoffnungslosigkeit darin. In der Romantik Kiprenskys steckt noch viel von der Harmonie des Klassizismus, von einer subtilen Analyse der „Windungen“ der menschlichen Seele, die so charakteristisch für die Sentimentalität ist. „Das aktuelle Jahrhundert und das vergangene Jahrhundert“, die im Werk des frühen Kiprensky kollidieren, der in den besten Jahren militärischer Siege und strahlender Hoffnungen der russischen Gesellschaft als kreative Person geformt wurde und die Originalität und den unbeschreiblichen Charme seines Werks ausmachte Frühromantische Porträts.

In der späten italienischen Zeit gelang es dem Künstler aufgrund vieler Umstände seines persönlichen Schicksals selten, etwas Vergleichbares zu schaffen frühe Arbeiten. Aber auch hier kann man solche Meisterwerke nennen wie eines der besten lebenslangen Porträts von Puschkin (1827, Tretjakow-Galerie), das der Künstler in der letzten Zeit seines Heimataufenthalts gemalt hat, oder das Porträt von Avdulina (um 1822, Russisches Museum ), voller elegischer Traurigkeit.

Ein unschätzbarer Teil von Kiprenskys Arbeit sind grafische Porträts, die hauptsächlich mit einem weichen italienischen Bleistift mit pastellfarbenen Highlights, Wasserfarben und Buntstiften angefertigt werden. Er porträtiert General E.I. Chaplitsa (TG), A.R. Tomilova (RM), P.A. Olenina (TG). Das Erscheinen von schnellen Bleistiftporträts-Skizzen ist an sich schon bedeutsam und charakteristisch für die neue Zeit: Jede flüchtige Veränderung im Gesicht, jede spirituelle Bewegung wird leicht in ihnen festgehalten. Aber auch in Kiprenskys Grafiken findet eine gewisse Entwicklung statt: In späteren Arbeiten gibt es keine Unmittelbarkeit und Wärme, sondern sie sind virtuoser und raffinierter in der Ausführung (Porträt von S. S. Shcherbatova, it. car., Staatliche Tretjakow-Galerie).

Ein Pole kann als konsequenter Romantiker bezeichnet werden AO Orlowski(1777–1832), der 30 Jahre in Russland lebte und die für die westliche Romantik charakteristischen Themen in die russische Kultur brachte (Biwaks, Reiter, Schiffswracks. „Nimm deinen schnellen Bleistift, zeichne, Orlovsky, Schwert und Kampf“, schrieb Puschkin). Er hat sich auf russischem Boden schnell assimiliert, was sich besonders in grafischen Porträts bemerkbar macht. In ihnen lauert durch alle äußeren Attribute der europäischen Romantik mit ihrer Widerspenstigkeit und Spannung etwas zutiefst Persönliches, Verborgenes, Geheimnisvolles (Selbstbildnis, 1809, Staatliche Tretjakow-Galerie). Orlovsky hingegen spielte mit seinen Genreskizzen, Zeichnungen und Lithografien mit Petersburger Darstellung eine gewisse Rolle beim „Beschreiten“ der Wege zum Realismus Straßenszenen und die Typen, die den berühmten Vierzeiler von P.A., Vyazemsky, zum Leben erweckten:

Rus' der Vergangenheit entfernt

Sie vererben an Nachkommen

Du hast sie lebendig gepackt

Unter dem Volksbleistift.

Schließlich findet die Romantik ihren Ausdruck in der Landschaft. Sylvester Shchedrin (1791–1830) begann kreative Weise Schüler seines Onkels Semyon Shchedrin aus klassischen Kompositionen: eine klare Unterteilung in drei Pläne (der dritte Plan ist immer Architektur), an den Seiten der Flügel. Aber in Italien, wo er die St. Petersburger Akademie verließ, wurden diese Merkmale nicht konsolidiert, sie wurden nicht zu einem Schema. In Italien, wo Shchedrin mehr als 10 Jahre lebte und in der Blüte seines Talents starb, offenbarte er sich als romantischer Künstler und wurde neben Constable und Corot einer der besten Maler Europas. Er war der erste, der die Freilichtmalerei für Russland eröffnete. Zwar malte Shchedrin wie die Barbizons nur Skizzen im Freien und vollendete das Bild („dekoriert“, wie er es definierte) im Atelier. Das Motiv selbst ändert jedoch die Betonung. So ist Rom in seinen Leinwänden nicht die majestätischen Ruinen der Antike, sondern eine lebendige moderne Stadt der einfachen Menschen - Fischer, Kaufleute, Seefahrer. Aber dieses gewöhnliche Leben unter Schtschedrins Bürste bekam einen erhabenen Klang. Die Häfen von Sorrento, die Böschungen von Neapel, der Tiber bei der Burg von St. Engel, Menschen beim Angeln, sich einfach nur auf der Terrasse unterhalten oder im Schatten der Bäume entspannen – alles wird im komplexen Zusammenspiel der Licht- und Luftumgebung vermittelt, in einer reizvollen Fusion von Silbergrautönen, meist vereint durch einen Hauch von Rot – in Kleidern und einem Kopfschmuck, im rostigen Laub der Bäume, wo auch nur ein roter Zweig verloren ging. In den letzten Werken von Shchedrin wurde zunehmend ein Interesse an Hell-Dunkel-Effekten deutlich, was eine Welle der neuen Romantik von Maxim Vorobyov und seinen Schülern einläutete (z. B. "Blick auf Neapel in einer Mondnacht"). Wie der Porträtmaler Kiprensky und der Schlachtenmaler Orlovsky malt der Landschaftsmaler Shchedrin häufig Genreszenen.

So seltsam es klingen mag, das alltägliche Genre fand eine gewisse Brechung im Porträt und vor allem im Porträt von Vasily Andreevich Tropinin (1776 - 1857), einem Künstler, der sich erst im Alter von 45 Jahren aus der Leibeigenschaft befreite. Tropinin lebte ein langes Leben, und er war dazu bestimmt, wahre Anerkennung, sogar Ruhm zu erfahren, den Titel eines Akademikers zu erhalten und der Beste zu werden berühmter Künstler Moskauer Porträtschule der 20-30er Jahre. Ausgehend von Sentimentalitäten, die jedoch didaktisch sensibler sind als Borovikovskys Sentimentalitäten, erwirbt Tropinin einen eigenen Darstellungsstil. In seinen Modellen gibt es keinen romantischen Impuls von Kiprensky, aber in ihnen fesseln Einfachheit, Einfachheit, Aufrichtigkeit des Ausdrucks, Wahrhaftigkeit der Charaktere, Authentizität der Haushaltsdetails. Die besten Porträts von Tropinin, wie das Porträt seines Sohnes (um 1818, Tretjakow-Galerie), das Porträt von Bulakhov (1823, Tretjakow-Galerie), zeichnen sich durch hohe künstlerische Perfektion aus. Besonders deutlich wird dies im Porträt von Arsenys Sohn, einem ungewöhnlich ehrlichen Bild, dessen Lebendigkeit und Unmittelbarkeit durch gekonnte Beleuchtung betont wird: Die rechte Seite der Figur, das Haar durchbohrt, von Sonnenlicht durchflutet, vom Meister gekonnt wiedergegeben. Die Farbpalette von Goldocker bis Rosabraun ist ungewöhnlich reich, die weit verbreitete Verwendung von Lasur erinnert noch an die Maltraditionen des 18. Jahrhunderts.

Tropinin folgt in seiner Arbeit dem Weg, einfachen Kompositionen eines Büstenporträtbildes Natürlichkeit, Klarheit und Ausgewogenheit zu verleihen. In der Regel wird das Bild mit einem Minimum an Zubehör auf einem neutralen Hintergrund wiedergegeben. Genau so funktioniert Tropinin A.S. Puschkin (1827) - in freier Position am Tisch sitzend, gekleidet in ein Hauskleid, das das natürliche Erscheinungsbild betont.

Tropinin ist der Schöpfer einer besonderen Art von Porträtmalerei, dh eines Porträts, in dem Merkmale des Genres eingeführt werden. "Lacemaker", "Spinner", "Gitarrist", "Golden Sewing" sind typisierte Bilder mit einem bestimmten Plot-Plot, die jedoch ihre spezifischen Merkmale nicht verloren haben.

Der Künstler trug mit seiner Arbeit zur Stärkung des Realismus in der russischen Malerei bei und hatte großen Einfluss auf die Moskauer Schule, so D.V. Sarabyanov, eine Art "Moskauer Biedermeier".

Tropinin brachte nur ein Genreelement in das Porträt ein. Alexei Gavrilovich Wenezianow (1780–1847) war der eigentliche Begründer des Alltagsgenres. Venetsianov, ein ausgebildeter Landvermesser, verließ den Dienst wegen der Malerei, zog von Moskau nach St. Petersburg und wurde Schüler von Borovikovsky. Er machte seine ersten Schritte in der „Kunst“ im Porträtgenre und schuf erstaunlich poetische, lyrische, manchmal mit romantischen Stimmungsbildern in Pastell, Bleistift, Öl (Porträt von V. C. Putyatina, Staatliche Tretjakow-Galerie). Doch schon bald verließ der Künstler die Porträtmalerei zugunsten der Karikatur, und für eine actiongeladene Karikatur „Der Edelmann“ wurde die allererste Ausgabe der von ihm konzipierten „Zeitschrift der Karikaturen für 1808 in Personen“ geschlossen. Die Radierung von Venetsianov war in der Tat eine Illustration zu Derzhavins Ode und stellte Bittsteller dar, die sich im Wartezimmer drängten, während im Spiegel ein Adliger zu sehen war, der sich in den Armen einer Schönheit befand (es wird angenommen, dass dies eine Karikatur von ist Graf Bezborodko).

Um die Wende der 10-20er Jahre verließ Venetsianov St. Petersburg in die Provinz Tver, wo er ein kleines Anwesen kaufte. Hier fand er sein Hauptthema und widmete sich der Darstellung des bäuerlichen Lebens. In dem Gemälde Die Scheune (1821–1822, Russisches Museum) zeigte er eine Arbeiterszene im Inneren. Um nicht nur die Posen der Arbeiter, sondern auch die Beleuchtung originalgetreu wiederzugeben, ließ er sogar eine Wand der Tenne aussägen. Das Leben, wie es ist - das wollte Wenezianow darstellen, indem er Bauern beim Rübenschälen zeichnete; ein Landbesitzer, der einem Hofmädchen eine Aufgabe gibt; schlafende Hirtin; ein Mädchen mit einer Roten Beete in der Hand; Bauernkinder, die einen Schmetterling bewundern; Szenen der Ernte, der Heuernte usw. Natürlich enthüllte Wenezianow nicht die schärfsten Konflikte im Leben des russischen Bauern, warf nicht die "schmerzlichen Fragen" unserer Zeit auf. Das ist eine patriarchalische, idyllische Lebensweise. Aber der Künstler hat die Poesie nicht von außen hineingebracht, sie nicht erfunden, sondern sie in das Bild aufgenommen, das er mit so viel Liebe dargestellt hat Volksleben. In den Gemälden von Venetsianov gibt es keine dramatischen Handlungen, eine dynamische Handlung, sie sind im Gegenteil statisch, „nichts passiert“ in ihnen. Aber der Mensch ist immer in Einheit mit der Natur, in ewiger Arbeit, und das macht die Bilder von Venetsianov wirklich monumental. Ist er ein Realist? Im Verständnis dieses Wortes von Künstlern der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts - kaum. Seine Konzeption hat viele klassizistische Ideen (es lohnt sich, an sein "Frühling. Auf dem gepflügten Feld", Staatliche Tretjakow-Galerie zu erinnern), und insbesondere sentimentalistische ("Über die Ernte. Sommer", Staatliche Tretjakow-Galerie), und in seinem Verständnis von Raum - auch von romantischen. Und dennoch ist das Werk von Wenezianow eine bestimmte Etappe auf dem Weg der Herausbildung des russischen kritischen Realismus des 19. Jahrhunderts, und dies ist auch die bleibende Bedeutung seiner Malerei. Dies bestimmt seinen Platz in der russischen Kunst insgesamt.

Venetsianov war ein ausgezeichneter Lehrer. Die Venetsianov-Schule, die Venezianer, ist eine ganze Galaxie von Künstlern der 1920er und 1940er Jahre, die sowohl in St. Petersburg als auch auf seinem Safonkovo-Anwesen mit ihm zusammengearbeitet haben. Das ist AV Tyranov, E.F. Krendovsky, K.A. Zelentsov, A.A. Alexejew, S.K. Zarjanko, L.K. Plakhov, N.S. Krylov und viele andere. Unter den Studenten von Wenezianow gibt es viele Bauern. Unter der Hand der Venezianer entstanden nicht nur Szenen des Bauernlebens, sondern auch städtische: Straßen von St. Petersburg, Volkstypen, Landschaften. EIN V. Tyranov malte auch Innenszenen, Porträts, Landschaften und Stillleben. Die Venezianer mochten besonders "Familienporträts im Innenraum" - sie kombinierten die Konkretheit der Bilder mit dem Detail der Erzählung und vermittelten die Atmosphäre der Umgebung (zum Beispiel Tyranovs Gemälde "The Chernetsov Brothers Artists 'Workshop", 1828 , die ein Porträt, ein Genre und ein Stillleben vereint).

Der begabteste Schüler von Venetsianov ist zweifellos Grigory Soroka (1813–1864), ein Künstler tragisches Schicksal. (Magpie wurde erst durch die Reform von 1861 aus der Leibeigenschaft befreit, aber als Ergebnis eines Prozesses mit einem ehemaligen Landbesitzer wurde er zu körperlicher Züchtigung verurteilt, konnte den Gedanken daran nicht ertragen und beging Selbstmord.) Unter der Bürde von Soroka und den Landschaft seines Heimatsees Moldino und alle Gegenstände im Büro des Landguts in Ostrovki und die über der Oberfläche des Sees erstarrten Fischerfiguren verwandeln sich, erfüllt von höchster Poesie, glückseliger Stille, aber auch schmerzlicher Traurigkeit. Dies ist eine Welt realer Objekte, aber auch eine vom Künstler imaginierte ideale Welt.

Die russische Historienmalerei der 1930er und 1940er Jahre entwickelte sich im Zeichen der Romantik. Karl Pawlowitsch Brjullow (1799–1852) wurde als „Genie des Kompromisses“ zwischen den Idealen des Klassizismus und den Neuerungen der Romantik bezeichnet. Berühmtheit erlangte Bryullov noch während seiner Zeit an der Akademie: Schon damals verwandelten sich Bryullovs gewöhnliche Studien in fertige Gemälde, wie zum Beispiel bei seiner Narzisse (1819, Russisches Museum). Nach Abschluss des Kurses mit einer Goldmedaille ging der Künstler nach Italien. In seinen voritalienischen Werken wendet sich Bryullov biblischen Themen („The Appearance of Three Angels to Abraham at the Oak of Mamre“, 1821, Russisches Museum) und der Antike („Ödipus und Antigone“, 1821, Tyumen Regional Heimatmuseum), beschäftigt sich mit Lithographie, Bildhauerei, schreibt Bühnenbilder, zeichnet Kostüme für Inszenierungen. Die Gemälde „Italienischer Morgen“ (1823, Ort unbekannt) und „Italienischer Mittag“ (1827, Russisches Museum), insbesondere das erste, zeigen, wie nah der Maler den Problemen der Freiluft kam. Bryullov selbst definierte seine Aufgabe wie folgt: „Ich habe das Modell in der Sonne beleuchtet, wobei ich von einer Hintergrundbeleuchtung ausgegangen bin, sodass Gesicht und Brust im Schatten liegen und von dem von der Sonne beleuchteten Brunnen reflektiert werden, was alle Schatten im Vergleich zu einfach viel angenehmer macht Licht aus dem Fenster.“

Die Aufgaben der Freilichtmalerei interessierten Bryullov also, doch der Weg des Künstlers ging in eine andere Richtung. Seit 1828 arbeitet Bryullov nach einer Reise nach Pompeji an seinem gleichwertigen Werk The Last Day of Pompeji (1830–1833). Das wahre Ereignis der antiken Geschichte ist der Tod der Stadt während des Ausbruchs des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. e. - gab dem Künstler die Möglichkeit, die Größe und Würde des Menschen im Angesicht des Todes zu zeigen. Feurige Lava nähert sich der Stadt, Gebäude und Statuen stürzen ein, aber Kinder verlassen ihre Eltern nicht; die Mutter deckt das Kind zu, der junge Mann rettet seine Geliebte; Der Künstler (in dem Bryullov sich selbst porträtierte) nimmt die Farben weg, aber als er die Stadt verlässt, schaut er mit großen Augen und versucht, einen schrecklichen Anblick einzufangen. Sogar im Tod bleibt eine Person schön, wie eine Frau, die von verrückten Pferden aus einem Streitwagen geworfen wird, im Mittelpunkt der Komposition steht. Eines der wesentlichen Merkmale seiner Malerei wurde in Bryullovs Malerei deutlich: die Verbindung zwischen dem klassizistischen Stil seiner Werke und den Merkmalen der Romantik, mit der Bryullovs Klassizismus durch den Glauben an die Vornehmheit und Schönheit der menschlichen Natur verbunden ist. Daher die erstaunliche "Anpassung" der die Klarheit wahrenden plastischen Form, die Zeichnung von höchster Professionalität, die sich gegenüber anderen Ausdrucksmitteln durchsetzt, mit romantischen Effekten bildhafter Beleuchtung. Ja, und gerade das Thema des unvermeidlichen Todes, des unaufhaltsamen Schicksals ist so charakteristisch für die Romantik.

Als gewisser Standard, als etabliertes künstlerisches Schema beschränkte der Klassizismus den romantischen Künstler in vielerlei Hinsicht. Die Konventionen der akademischen Sprache, der Sprache der „Schule“, wie die Akademien in Europa genannt wurden, manifestierten sich in Pompeji voll und ganz: theatralische Posen, Gesten, Mimik, Lichteffekte. Aber es muss zugegeben werden, dass Bryullov nach historischer Wahrheit strebte und versuchte, bestimmte von Archäologen entdeckte Monumente so genau wie möglich zu reproduzieren und die ganze Welt in Erstaunen zu versetzen, um die von Plinius dem Jüngeren in einem Brief an Tacitus beschriebenen Szenen visuell auszufüllen. Das zunächst in Mailand, dann in Paris ausgestellte Gemälde wurde 1834 nach Russland gebracht und war ein durchschlagender Erfolg. Gogol sprach begeistert von ihr. Die Bedeutung von Bryullovs Werk für die russische Malerei wird durch die bekannten Worte des Dichters bestimmt: „Und der „letzte Tag von Pompeji“ wurde zum ersten Tag für den russischen Pinsel.“

1835 kehrte Bryullov nach Russland zurück, wo er als Sieger begrüßt wurde. Aber in Wirklichkeit historische Gattung nicht mehr verlobt, weil „Die Belagerung von Pskow durch den polnischen König Stefan Batory 1581“ nicht vollendet wurde. Seine Interessen lagen in einer anderen Richtung - der Porträtmalerei, der er sich zuwandte und die historische Malerei verließ, wie sein großer Zeitgenosse Kiprensky, und in der er sein ganzes kreatives Temperament und seine Brillanz seines Könnens zeigte. Man kann eine gewisse Entwicklung von Bryullov in diesem Genre verfolgen: vom zeremoniellen Porträt der 30er Jahre, dessen Vorbild weniger als Porträt als als verallgemeinertes Bild dienen kann, zum Beispiel die brillante dekorative Leinwand „Reiterin“ (1832, Staatliche Tretjakow-Galerie), die einen Schüler der Gräfin Yu. P. Samoilova Giovanina Pachini, es ist kein Zufall, dass es einen verallgemeinerten Namen hat; oder ein Portrait von Yu.P. Samoilova mit einem anderen Schüler - Amatsily (um 1839, Russisches Museum), zu Porträts der 40er Jahre - mehr Kammer, hin zu subtilen, facettenreichen psychologischen Merkmalen (Porträt von AN. Strugovshchikov, 1840, Russisches Museum; Selbstporträt, 1848, Staatliches Tretjakow Galerie). Im Gesicht des Schriftstellers Strugovshchikov liest sich die Spannung des Innenlebens. Müdigkeit und Bitterkeit der Enttäuschung gehen vom Auftreten des Künstlers in einem Selbstporträt aus. Ein traurig dünnes Gesicht mit durchdringenden Augen, eine aristokratisch dünne Hand, die hilflos herabhing. Es gibt viel romantische Sprache in diesen Bildern, während in einem von neuste Werke- ein tiefes und eindringliches Porträt des Archäologen Michelangelo Lanci (1851) - sehen wir, dass Bryullov bei der Interpretation des Bildes einem realistischen Konzept nicht fremd ist.

Nach dem Tod von Bryullov verwendeten seine Schüler oft nur die formalen, rein akademischen Prinzipien des Schreibens, die er sorgfältig entwickelt hatte, und Bryullovs Name musste viel Blasphemie von Kritikern der demokratischen, realistischen Schule der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts ertragen , hauptsächlich V.V. Stasov.

Die zentrale Figur in der Malerei der Mitte des Jahrhunderts war zweifellos Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). Ivanov absolvierte die St. Petersburger Akademie mit zwei Medaillen. Er erhielt eine kleine Goldmedaille für das Gemälde „Priamos bittet Achill um den Leichnam des Hektor“ (1824, Staatliche Tretjakow-Galerie), in dessen Zusammenhang die Kritik die sorgfältige Homer-Lektüre des Künstlers hervorhob, und eine große Goldmedaille für das Werk „Joseph Deutung der Träume der Gefangenen mit ihm im Gefängnis Butler und Bäcker“ (1827, Russisches Museum), ausdrucksstark, jedoch einfach und klar ausgedrückt. 1830 reist Ivanov über Dresden und Wien nach Italien ab, 1831 landet er in Rom und kehrt nur anderthalb Monate vor seinem Tod (er starb an Cholera) in seine Heimat zurück.

Der Weg von A. Ivanov war nie einfach, geflügelter Ruhm flog nicht hinter ihm her, wie für den „großen Karl“. Zu seinen Lebzeiten schätzten Gogol, Herzen, Sechenov sein Talent, aber es gab keine Maler unter ihnen. Ivanovs Leben in Italien war erfüllt von Arbeit und Reflexionen über die Malerei. Er suchte weder Reichtum noch weltliche Unterhaltung und verbrachte seine Tage in den Wänden des Studios und mit Skizzen. Iwanows Weltbild wurde bis zu einem gewissen Grad von der deutschen Philosophie beeinflusst, vor allem vom Schellingismus mit seiner Vorstellung von der prophetischen Bestimmung des Künstlers in dieser Welt, dann von der Philosophie des Religionshistorikers D. Strauss. Die Leidenschaft für die Religionsgeschichte führte zu einem fast wissenschaftlichen Studium heiliger Texte, was zur Entstehung berühmter biblischer Skizzen und einer Berufung auf das Bild des Messias führte. Forscher von Ivanovs Werk (D. V. Sarabyanov) nennen sein Prinzip zu Recht das "Prinzip der ethischen Romantik", d. H. Romantik, in der der Schwerpunkt vom Ästhetischen auf das Moralische verlagert wird. Der leidenschaftliche Glaube des Künstlers an die moralische Transformation der Menschen, an die Perfektion eines Menschen, der Freiheit und Wahrheit sucht, führte Ivanov zum Hauptthema seiner Arbeit - zur Malerei, der er 20 Jahre (1837 - 1857) widmete, " Die Erscheinung Christi vor dem Volk“ (TG, Version des Autors – Timing).

Ivanov ging lange zu dieser Arbeit. Er studierte die Malerei von Giotto, die Venezianer, insbesondere Tizian, Veronese und Tintoretto, schrieb eine zweifigurige Komposition „Die Erscheinung Christi vor Maria Magdalena nach der Auferstehung“ (1835, Russisches Museum), für die die St. Petersburger Akademie gab ihm den Titel eines Akademikers und verlängerte den Ruhestand in Italien um drei Jahre.

Die ersten Skizzen zu „Die Erscheinung des Messias“ stammen aus dem Jahr 1833, 1837 wurde die Komposition auf eine große Leinwand übertragen. Dann ging die Arbeit weiter, wie man an den zahlreichen verbleibenden Skizzen, Skizzen, Zeichnungen erkennen kann, entlang der Linie der Spezifizierung der Charaktere und der Landschaft und der Suche nach dem allgemeinen Ton des Bildes.

1845 war „Die Erscheinung Christi vor den Menschen“ im Wesentlichen vorbei. Die Komposition dieses monumentalen, programmatischen Werkes basiert auf klassizistischen Grundlagen (Symmetrie, die Platzierung der ausdrucksstarken Hauptfigur des Vordergrundes - Johannes der Täufer - in der Mitte, die Basrelief-Anordnung der gesamten Gruppe als Ganzes), aber das traditionelle Schema wird vom Künstler auf einzigartige Weise neu durchdacht. Der Maler versuchte, die Dynamik des Bauens, die Tiefe des Raums zu vermitteln. Ivanov hat lange nach dieser Lösung gesucht und sie dank der Tatsache erreicht, dass die Gestalt Christi erscheint und sich Menschen nähert, die von Johannes in den Gewässern des Jordan getauft werden, aus der Tiefe. Aber was in dem Bild vor allem auffällt, ist die außergewöhnliche Wahrhaftigkeit verschiedener Charaktere, ihre psychologischen Eigenschaften, die der gesamten Szene eine erstaunliche Authentizität verleihen. Daher die Überzeugungskraft der spirituellen Wiedergeburt der Charaktere.

Ivanovs Entwicklung in seiner Arbeit an "The Phenomenon ..." kann als Weg von einer konkret-realistischen Szene zu einer monumental-epischen Leinwand definiert werden.

Veränderungen in der Weltanschauung des Denkers Ivanov, die sich über viele Jahre der Arbeit an dem Gemälde ereigneten, führten dazu, dass der Künstler sein Hauptwerk nicht beendete. Aber er hat die Hauptsache getan, wie Kramskoy sagte, „er hat die innere Arbeit in den Köpfen der russischen Künstler geweckt.“ Und in diesem Sinne haben die Forscher Recht, wenn sie sagen, dass Ivanovs Malerei „ein Vorbote verborgener Prozesse“ war, die sich damals in der Kunst abspielten. Ivanovs Funde waren so neu, dass der Betrachter sie einfach nicht einschätzen konnte. Kein Wunder N. G. Chernyshevsky nannte Alexander Ivanov eines dieser Genies, „die entschieden Menschen der Zukunft werden, sich der Wahrheit opfern und sich ihr bereits in ihren reifen Jahren genähert haben und keine Angst haben, ihre Aktivitäten mit dem Engagement der Jugend wieder aufzunehmen“ ( Tschernyschewski N. G. Anmerkungen zum vorherigen Artikel//Contemporary. 1858. T. XXI. November. S. 178). Bis heute bleibt das Bild eine wahre Akademie für Generationen von Meistern, wie Raffaels „Athenische Schule“ oder Michelangelos Sixtinische Decke.

Ivanov hatte sein Mitspracherecht bei der Beherrschung der Prinzipien des Freilichts. In unter freiem Himmel gemalten Landschaften gelang es ihm, die ganze Kraft, Schönheit und Intensität der Farben der Natur zu zeigen. Und die Hauptsache ist nicht, das Bild aufzubrechen, um einen sofortigen Eindruck zu erzielen, um die Genauigkeit eines Details anzustreben, sondern um seinen synthetischen Charakter zu bewahren, der so charakteristisch für die klassische Kunst ist. Harmonische Klarheit geht von jeder seiner Landschaften aus, sei es eine einsame Kiefer, ein einzelner Ast, die Weiten des Meeres oder die pontischen Sümpfe. Dies ist eine majestätische Welt, die jedoch in all dem wahren Reichtum der Lichtluftumgebung vermittelt wird, als ob Sie den Geruch von Gras und die Schwankungen heißer Luft spüren würden. In der gleichen komplexen Interaktion mit der Umwelt stellt er die menschliche Figur in seinen berühmten Skizzen nackter Jungen dar.

In seinem letzten Lebensjahrzehnt kam Ivanov auf die Idee, für irgendein öffentliches Gebäude einen Zyklus biblischer Evangeliumsbilder zu schaffen, der die Handlung der Heiligen Schrift in altorientalischer Farbigkeit darstellen sollte, aber nicht ethnographisch geradlinig, sondern erhaben verallgemeinert . Die unvollendeten Aquarellskizzen der Bibel (TG) nehmen einen besonderen Platz in Ivanovs Werk ein und ergänzen es zugleich organisch. Diese Skizzen bieten uns neue Möglichkeiten für diese Technik, ihren plastischen und linearen Rhythmus, Aquarellflecken, ganz zu schweigen von der außergewöhnlichen kreativen Freiheit bei der Interpretation der Handlungen selbst, die die Tiefe des Philosophen Ivanov und seine größte Begabung als Wandmaler zeigen (" Zacharias vor einem Engel", "Josephs Traum", "Gebet um den Kelch" usw.). Ivanovs Zyklus ist der Beweis dafür, dass eine brillante Arbeit in Skizzen ein neues Wort in der Kunst sein kann. „Im 19. Jahrhundert – dem Jahrhundert der sich vertiefenden analytischen Spaltung der einstigen Ganzheit der Kunst in getrennte Gattungen und getrennte Bildprobleme – ist Ivanov ein großes Synthesegenie, das sich der Idee einer universellen Kunst verschrieben hat, interpretiert als eine Art Enzyklopädie der spirituellen Suche, Kollisionen und Wachstumsstufen der historischen Selbsterkenntnis des Menschen und der Menschheit" (Allenov M. M. Kunst der ersten Hälfte des XIX Jahrhundert//Allenov M.M., Evangulova O.S., Lifshits L.I. Russische Kunst des 10. - frühen 20. Jahrhunderts. M., 1989. S. 335). Als Monumentalist aus Berufung lebte Ivanov jedoch zu einer Zeit, als die Monumentalkunst rapide zurückging. Der Realismus von Iwanows Formen entsprach nicht sehr der Kunst kritischer Natur, die sich etablierte.

Bereits in den 1940er und 1950er Jahren machte sich in der Grafik die gesellschaftskritische Strömung bemerkbar, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zur Leitströmung in der Kunst wurde. Eine unbestrittene Rolle spielte hier die „natürliche Schule“ in der Literatur, die (sehr bedingt) mit dem Namen N.V. Gogol.

Das Album mit lithographierten Karikaturen „Yeralash“ von N.M. Newakhovich, das sich wie das venezianische "Journal of Caricatures" der Sittensatire widmete. Mehrere Sujets konnten großformatig auf einer Seite platziert werden, oft waren die Gesichter Porträts, gut erkennbar. "Yeralash" wurde in der 16. Ausgabe geschlossen.

In den 40er Jahren erschien die Veröffentlichung von V.F. Timm, Illustrator und Lithograf. „Unsere, von den Russen aus dem Leben gerissen“ (1841–1842) – ein Bild der Typen einer St. Petersburger Straße, von Dandy-Flanern bis zu Hausmeistern, Taxifahrern usw. Timm illustrierte auch „Bilder der russischen Moral“ (1842– 1843) und führte Zeichnungen für das Gedicht von I.I. Myatlev über Frau Kurdyukova, eine Provinzwitwe, die aus Langeweile durch Europa reist.

Das Buch dieser Zeit wird zugänglicher und billiger: Illustrationen wurden von einem Holzbrett gedruckt große Auflagen, manchmal mit Hilfe von Polytypen - Metallguss. Die ersten Illustrationen zu Gogols Werken erschienen – „Hundert Zeichnungen von N.M. Gogol" Tote Seelen» AA Agina, gestochen von E.E. Wernadski; Die 50er Jahre waren geprägt von der Tätigkeit von T. G. Shevchenko als Zeichner („The Parable of verlorene Sohn“, die grausame Moral in der Armee anprangert). Cartoons und Illustrationen für Bücher und Zeitschriften von Timm und seinen Mitarbeitern Agin und Shevchenko trugen zur Entwicklung der russischen Genremalerei in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts bei.

Die Hauptquelle für die Genremalerei in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts war jedoch das Werk von Pavel Andreevich Fedotov (1815–1852). Er widmete nur wenige Jahre seines kurzen tragischen Lebens der Malerei, aber es gelang ihm, den Geist Russlands in den 1940er Jahren zum Ausdruck zu bringen. Als Sohn eines Suworow-Soldaten, der für die Verdienste seines Vaters in das Moskauer Kadettenkorps aufgenommen wurde, diente Fedotov zehn Jahre lang im finnischen Garderegiment. Nach seiner Pensionierung engagiert er sich in der Kampfklasse von A.I. Sauerweid. Fedotov begann mit Alltagszeichnungen und Karikaturen, mit einer Serie von Sepia aus dem Leben von Fidelka, dem Hund der Dame, der in einem Busen starb und von der Herrin betrauert wurde, mit einer Serie, in der er sich als satirischen Schriftsteller des Alltags deklarierte - der russische Daumier aus der Zeit seiner Karikaturen (neben der Serie über Fidelka - Sepia "Modegeschäft", 1844-1846, Staatliche Tretjakow-Galerie; "Ein Künstler, der ohne Mitgift in der Hoffnung auf sein Talent heiratete", 1844, Staatliche Tretjakow-Galerie usw.). Er studierte sowohl die Stiche von Hogarth als auch die Holländer, vor allem aber das russische Leben selbst, offen für den Blick eines talentierten Künstlers in all seiner Disharmonie und Widersprüchlichkeit.

Die Hauptsache in seiner Arbeit ist die Alltagsmalerei. Auch wenn er Porträts malt, lassen sich darin leicht Genreelemente erkennen (z. B. im Aquarellporträt „Spieler“, Staatliche Tretjakow-Galerie). Seine Entwicklung in der Genremalerei – vom Bild der Karikatur zum Tragischen, vom Stau im Detail, wie in „Der frische Kavalier“ (1846, Staatliche Tretjakow-Galerie), wo alles „diskutiert“ wird: eine Gitarre, Flaschen, ein Spott Magd, sogar Papillotten auf dem Kopf eines unglücklichen Helden - bis hin zu extremem Lakonismus, wie in The Widow (1851, Ivanovo Regional Kunstmuseum, Option - Staatliche Tretjakow-Galerie, Staatliches Russisches Museum), bis hin zu einem tragischen Gefühl der Sinnlosigkeit der Existenz, wie in seinem letzten Gemälde "Anker, mehr Anker!" (um 1851, Staatliche Tretjakow-Galerie). Die gleiche Entwicklung im Verständnis von Farbe: von einer Farbe, die mit halber Kraft klingt, über reine, helle, intensive, gesättigte Farben, wie in der „Major's Matchmaking“ (1848, Staatliche Tretjakow-Galerie, Version – Staatliches Russisches Museum) oder „ Aristokratenfrühstück“ (1849–1851, Staatliche Tretjakow-Galerie), um die exquisite Farbgebung der Witwe zu verraten Objektwelt als würde er sich im diffusen Licht des Tages auflösen, und die Integrität des einzigen Tons seiner letzten Leinwand („Anchor…“). Es war ein Weg von der einfachen Alltagsschrift zur Umsetzung in klare, zurückhaltende Bilder der wichtigsten Probleme des russischen Lebens, denn was zum Beispiel die „Major's Matchmaking“ ist, wenn nicht eine Denunziation einer der sozialen Tatsachen des Lebens seiner Zeit - die Ehen verarmter Adliger mit kaufmännischen "Geldsäcken"? Und „The Picky Bride“, geschrieben auf einer von I.A. Krylov (der den Künstler übrigens sehr schätzte), wenn nicht eine Satire auf die Scheinehe? Oder ist es eine Denunziation der Leere eines säkularen Typen, der sich Staub in die Augen streut – im „Frühstück eines Aristokraten“?

Die Stärke von Fedotovs Malerei liegt nicht nur in der Tiefe der Probleme, in der unterhaltsamen Handlung, sondern auch in der erstaunlichen Meisterschaft der Ausführung. Es genügt, an die mit Zaubern gefüllte Kammer „Portrait of N.P. Zhdanovich am Cembalo“ (1849, Russisches Museum). Fedotov liebt die reale objektive Welt, schreibt alles mit Freude aus, poetisiert es. Doch diese Freude vor der Welt täuscht nicht über die Bitterkeit des Geschehens hinweg: die Ausweglosigkeit der Position der „Witwe“, die Lüge des Heiratsgeschäfts, die Sehnsucht des Offiziersdienstes in der „Bärenecke“. Wenn Fedotovs Gelächter ausbricht, ist es dasselbe Gogols "Lachen durch Tränen, das für die Welt unsichtbar ist". Fedotov beendete sein Leben im "Haus der Trauer" im schicksalhaften 37. Lebensjahr.

Die Kunst von Fedotov vervollständigt die Entwicklung der Malerei in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, und gleichzeitig eröffnet die "Fedotov-Richtung" ganz organisch - dank ihrer sozialen Schärfe - den Beginn einer neuen Etappe - der Kunst des Kritischen , oder, wie sie heute oft sagen, demokratischer Realismus.

Einführung

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts verschärfte sich die Krise des feudalen Leibeigenschaftssystems, die die Herausbildung der kapitalistischen Ordnung behinderte, immer mehr. Freiheitsliebende Ideen verbreiten und vertiefen sich in den fortgeschrittenen Kreisen der russischen Gesellschaft. Die Ereignisse des Vaterländischen Krieges, die Hilfe der russischen Truppen bei der Befreiung der Staaten Europas von der Tyrannei Napoleons verschärften die patriotischen und freiheitsliebenden Stimmungen. Alle Grundprinzipien des feudalen Leibeigenschaftsstaates werden kritisiert. Deutlich wird der illusorische Charakter von Hoffnungen auf eine Veränderung der gesellschaftlichen Realität mit Hilfe der staatlichen Tätigkeit eines aufgeklärten Menschen. Der Aufstand der Dekabristen im Jahr 1825 war der erste bewaffnete Aufstand gegen den Zarismus. Es hatte einen enormen Einfluss auf die progressive Kunstkultur Russlands. In dieser Ära entstand das brillante Werk von A. S. Puschkin, populär und universell, voller Freiheitsträume.

Die bildende Kunst der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts hat eine innere Gemeinsamkeit und Einheit, einen einzigartigen Charme heller und humaner Ideale. Der Klassizismus wird um neue Züge bereichert, seine Stärken manifestieren sich am deutlichsten in der Architektur, in der Historienmalerei und teilweise in der Bildhauerei. Die Wahrnehmung der Kultur der Antike wurde historischer als im 18. Jahrhundert und demokratischer. Neben dem Klassizismus wird die romantische Richtung intensiv entwickelt und eine neue realistische Methode nimmt Gestalt an.

Nach der Niederschlagung des Aufstands der Dekabristen errichtete die Autokratie ein grausames reaktionäres Regime. Seine Opfer waren A. S. Puschkin, M. Yu. Lermontov, T. G. Shevchenko und viele andere. Aber Nikolaus I. konnte die Unzufriedenheit der Menschen und das fortschrittliche soziale Denken nicht unterdrücken. Befreiungsideen breiteten sich aus und umfassten nicht nur den Adel, sondern auch die raznochintsy Intelligenz, die immer mehr zu spielen begann bedeutende Rolle in der künstlerischen Kultur. V. G. Belinsky wurde zum Begründer der russischen revolutionär-demokratischen Ästhetik, die Künstler beeinflusste. Er schrieb, Kunst sei eine Form des Selbstbewusstseins der Menschen, führte den ideologischen Kampf um Kreativität, sei lebensnah und gesellschaftlich wertvoll.

Die russische Kunstkultur im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts entstand in einer Zeit des gesellschaftlichen Aufschwungs, die mit den heroischen Ereignissen des Vaterländischen Krieges von 1812 und der Entwicklung der antileibechten und freiheitsliebenden Ideen der vordezembristischen Zeit verbunden war. Zu dieser Zeit erreichten alle Arten der bildenden Kunst und ihre Synthese eine glänzende Blüte.

Im zweiten Drittel des 19. Jahrhunderts verlor die Kunst durch die verschärfte staatliche Reaktion weitgehend jene fortschrittlichen Züge, die sie früher geprägt hatten. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich der Klassizismus im Wesentlichen erschöpft. Die Architektur dieser Jahre beschritt den Weg des Eklektizismus - die äußere Verwendung von Stilen verschiedener Epochen und Völker. Die Skulptur verlor die Bedeutung ihres Inhalts, sie nahm die Züge oberflächlicher Prunkhaftigkeit an. Aussichtsreiche Suchen wurden nur in der Kleinplastik skizziert, hier, ebenso wie in Malerei und Grafik, wuchsen und verstärkten sich realistische Prinzipien, die sich trotz des aktiven Widerstands der Vertreter der offiziellen Kunst durchsetzten.

Der Klassizismus in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts schuf im Einklang mit romantischen Tendenzen Bilder, die erhaben, vergeistigt, emotional erhaben waren. Der Appell an eine lebendige unmittelbare Naturwahrnehmung und die Zerstörung des Systems sogenannter High- und Low-Genres widersprachen jedoch bereits einer auf klassischen Kanons basierenden akademischen Ästhetik. Es war die romantische Richtung der russischen Kunst im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts, die die Entwicklung des Realismus in den folgenden Jahrzehnten vorbereitete, denn sie brachte die romantischen Künstler gewissermaßen näher an die Realität, an das Einfache wahres Leben. Dies war die Essenz der komplexen künstlerischen Bewegung in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Es ist kein Zufall, dass die Herausbildung einer satirischen Alltagsgattung in Malerei und Grafik am Ende dieser Zeit steht. Im Allgemeinen ist die Kunst dieser Stufe - Architektur, Malerei, Grafik, Skulptur, angewandt und Volkskunst- ein herausragendes Phänomen voller Originalität in der Geschichte der russischen Kunstkultur. Durch die Weiterentwicklung der fortschrittlichen Traditionen des vorigen Jahrhunderts hat es viele großartige Werke von großem ästhetischem und sozialem Wert geschaffen, die zum Welterbe beitragen.

Ein wichtiger Beweis für die Veränderungen in der russischen Kunst in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts war der Wunsch eines breiten Publikums, die Ausstellungen kennenzulernen. 1834 wurde beispielsweise in der "Northern Bee" berichtet, dass der Wunsch, "Der letzte Tag von Pompeji" von K. P. Bryullov zu sehen, die Bevölkerung von St. Petersburg erfasste und sich "in allen Staaten und Klassen" ausbreitete. Dieses Bild, so argumentierten Zeitgenossen, diente weitgehend dazu, "unserem Publikum die künstlerische Welt näher zu bringen".

Das neunzehnte Jahrhundert zeichnete sich auch durch die Erweiterung und Vertiefung der Verbindungen zwischen der russischen Kunst nicht nur mit dem Leben, sondern auch mit den künstlerischen Traditionen anderer Völker aus, die Russland bewohnten. Motive und Bilder des nationalen Randgebietes Sibiriens tauchten in den Werken russischer Künstler auf. Die nationale Zusammensetzung der Studenten an russischen Kunstinstitutionen wurde vielfältiger. Ureinwohner der Ukraine, Weißrusslands, der baltischen Staaten, Transkaukasiens und Zentralasiens studierten an der Akademie der Künste, in der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, die in den 1830er Jahren organisiert wurde.

In der zweiten Hälfte des 19. und frühen 20. Jahrhunderts erregten nur einzelne Meister und vor allem A. A. Ivanov Interesse an die Kunstwelt Russland. Erst in den Jahren der Sowjetmacht fand die Kunst dieser Zeit breite Anerkennung. In den letzten Jahrzehnten hat die sowjetische Kunstgeschichte dem Studium der Arbeit der Meister der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts große Aufmerksamkeit geschenkt, insbesondere im Zusammenhang mit den großen Jubiläumsausstellungen von A. G. Venetsianov, A. A. Ivanov, O. A. Kiprensky, dem 225. Jahrestag der Akademie der Künste der UdSSR.

32. Russische Malerei der ersten HälfteXIXJahrhundert. Entwicklung des Genres, Meister.

Die russische bildende Kunst war geprägt von Romantik und Realismus. Die offiziell anerkannte Methode war jedoch der Klassizismus. Die Akademie der Künste wurde zu einer konservativen und trägen Institution, die jeden Versuch kreativer Freiheit behinderte. Sie forderte die strikte Einhaltung der Kanone des Klassizismus und ermutigte das Schreiben von Gemälden zu biblischen und mythologischen Themen. Junge talentierte russische Künstler waren mit dem Rahmen des Akademismus nicht zufrieden. Daher wandten sie sich oft dem Porträtgenre zu.

Romantische Ideale der Zeit des nationalen Aufschwungs wurden in der Malerei verkörpert. Die Künstler lehnten die strengen Prinzipien des Klassizismus ab, die keine Abweichungen zuließen, und entdeckten die Vielfalt und Originalität der Welt um sie herum. Dies spiegelte sich nicht nur in den bereits bekannten Gattungen – Porträt und Landschaft – wider, sondern gab auch Impulse zur Entstehung der Alltagsmalerei, die im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit der Meister der zweiten Hälfte des Jahrhunderts stand. In der Zwischenzeit blieb der Primat bei der historischen Gattung. Es war das letzte Refugium des Klassizismus, doch auch hier verbargen sich hinter der formal klassizistischen „Fassade“ romantische Ideen und Themen.

Romantik - (Französisch Romantisme), eine ideologische und künstlerische Richtung in der europäischen und amerikanischen spirituellen Kultur des späten 18. - 1. Jahrhunderts. 19. Jahrhundert Enttäuschung über die Ergebnisse der Französischen Revolution des späten 18. Jahrhunderts, über die Ideologie der Aufklärung und den gesellschaftlichen Fortschritt. Die Romantik stellte dem Utilitarismus und der Nivellierung des Individuums das Streben nach grenzenloser Freiheit und dem „Unendlichen“, den Durst nach Perfektion und Erneuerung, das Pathos der persönlichen und bürgerlichen Unabhängigkeit gegenüber. Die schmerzhafte Diskrepanz zwischen Ideal und gesellschaftlicher Realität ist die Grundlage der romantischen Weltanschauung und Kunst. Die Behauptung des inhärenten Wertes des spirituellen und schöpferischen Lebens des Einzelnen, das Bild starker Leidenschaften, das Bild starker Leidenschaften, vergeistigter und heilender Natur, für viele Romantiker - Helden des Protests oder Kampfes grenzen an die Motive der "Welt Leid", "Welt Böse", "Nacht" Seite der Seele, gekleidet in Formen der Ironie, groteske Poetik zweier Welten. Das Interesse an der nationalen Vergangenheit (oft deren Idealisierung), Traditionen der Folklore und Kultur der eigenen und anderer Völker, der Wunsch, ein universelles Bild der Welt (vor allem Geschichte und Literatur) zu schaffen, die Idee der Kunstsynthese fand ihren Ausdruck in Ideologie und Praxis der Romantik.

In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik am deutlichsten in Malerei und Grafik, weniger deutlich in Skulptur und Architektur (z. B. falsche Gotik). Die meisten nationalen Schulen der Romantik in der bildenden Kunst entwickelten sich im Kampf gegen die offizielle akademische Klassik.

In den Eingeweiden der offiziellen Staatskultur macht sich eine Schicht "elitärer" Kultur bemerkbar, die der herrschenden Klasse (Aristokratie und Königshof) dient und eine besondere Anfälligkeit für ausländische Innovationen hat. Es genügt, an die romantische Malerei von O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov und anderen großen Künstlern des 19. Jahrhunderts zu erinnern.

Kiprensky Orest Adamowitsch, russischer Künstler. Ein herausragender Meister der russischen bildenden Kunst der Romantik, bekannt als wunderbarer Porträtmaler. In dem Gemälde „Dmitri Donskoi auf dem Kulikovo-Feld“ (1805, Russisches Museum) demonstrierte er eine souveräne Kenntnis der Kanons des akademischen Geschichtsbildes. Aber schon früh ist der Bereich, in dem sich sein Talent am natürlichsten und natürlichsten offenbart, das Porträt. Sein erstes Bildporträt („A. K. Schwalbe“, 1804, ebd.), in „Rembrandtscher“ Manier geschrieben, zeichnet sich durch ein ausdrucksstarkes und dramatisches Licht- und Schattensystem aus. Im Laufe der Jahre wird seine Fähigkeit, die sich in der Fähigkeit manifestiert, vor allem einzigartige individuell charakteristische Bilder zu schaffen, indem er spezielle plastische Mittel wählt, um diese Eigenschaft hervorzuheben, immer stärker. Voller beeindruckender Vitalität: ein Porträt eines Jungen von A. A. Chelishchev (um 1810-11), Paarbilder der Ehegatten F. V. und E. P. Rostopchin (1809) sowie V. S. und D. N. Khvostov (1814, alle - Tretjakow-Galerie). Der Künstler spielt zunehmend mit den Möglichkeiten von Farbe und Licht- und Schattenkontrasten, Landschaftshintergrund, symbolischen Details („E. S. Avdulina“, um 1822, ebd.). Der Künstler versteht es, auch große zeremonielle Porträts lyrisch, fast intim entspannt zu machen („Porträt des Lebenhusaren Oberst Yevgraf Davydov“, 1809, Russisches Museum). Sein Porträt eines jungen A.S. Puschkin ist einer der besten, wenn es darum geht, ein romantisches Bild zu schaffen. Kiprenskys Puschkin sieht feierlich und romantisch aus, in einem Heiligenschein von poetischem Glanz. „Du schmeichelst mir, Orestes“, seufzte Puschkin und blickte auf die fertige Leinwand. Kiprensky war auch ein virtuoser Zeichner, der (hauptsächlich in der Technik des italienischen Bleistifts und der Pastellkreide) Beispiele zeichnerischen Könnens schuf und seine malerischen Porträts oft mit offener, aufregend leichter Emotionalität übertraf. Dies sind alltägliche Typen („Der blinde Musikant“, 1809, Russisches Museum; „Kalmychka Bayausta“, 1813, Tretjakow-Galerie) und die berühmte Serie von Bleistiftporträts von Teilnehmern des Vaterländischen Krieges von 1812 (Zeichnungen von E. I. Chaplits, A. R. Tomilova , P. A. Olenina, dieselbe Zeichnung mit dem Dichter Batyushkov und anderen, 1813-15, Tretjakow-Galerie und andere Treffen); der heroische Anfang bekommt hier eine aufrichtige Konnotation. Eine große Anzahl von Skizzen und Textbelegen zeigen, dass der Künstler während seiner gesamten Reifezeit dazu neigte, ein großes (in seinen eigenen Worten aus einem Brief an A. N. Olenin im Jahr 1834) „spektakuläres oder auf Russisch beeindruckendes und magisches Bild zu schaffen “, wo die Ergebnisse der europäischen Geschichte sowie das Schicksal Russlands in allegorischer Form dargestellt würden. „Die Zeitungsleser in Neapel“ (1831, Tretjakow-Galerie) – dem Anschein nach nur ein Gruppenporträt – ist tatsächlich eine heimlich symbolische Antwort auf die revolutionären Ereignisse in Europa. Die ehrgeizigsten der malerischen Allegorien von Kiprensky blieben jedoch unerfüllt oder verschwanden (wie das 1821 fertiggestellte "Grab von Anakreon"). Diese romantischen Suchen wurden jedoch in großem Umfang in den Arbeiten von K. P. Bryullov und A. A. Ivanov fortgesetzt.

Die realistische Art spiegelte sich in den Werken von V. .A. Tropinin. Tropinins frühe, in zurückhaltenden Farben gemalte Porträts (Familienporträts der Grafen Morkovs von 1813 und 1815, beide in der Tretjakow-Galerie) stehen noch ganz in der Tradition der Aufklärung: Das Modell ist das unbedingte und stabile Zentrum des Bildes in ihnen. Später wird die Farbigkeit von Tropinins Malerei intensiver, die Volumen sind meist klarer und skulpturaler geformt, aber vor allem wächst ein rein romantisches Gefühl für die bewegenden Elemente des Lebens einschmeichelnd heran, von dem der Held des Porträts nur einen Teil zu haben scheint sei ein Fragment ("Bulakhov", 1823; "K. G. Ravich" , 1823; Selbstbildnis, um 1824; alle drei - ebenda). So ist A. S. Puschkin in dem berühmten Porträt von 1827 (Allrussisches Museum von A. S. Puschkin, Puschkin): Der Dichter, der seine Hand auf einen Stapel Papier legt, als ob er „der Muse zuhört“, lauscht dem kreativen Traum, der ihn umgibt das Bild mit einem unsichtbaren Heiligenschein. Er malte auch ein Porträt von A.S. Puschkin. Vor dem Betrachter erscheint der durch Lebenserfahrung weise, nicht sehr glückliche Mensch. Im Porträt von Tropinin ist der Dichter auf heimelige Art charmant. Von Tropinins Werken geht eine besondere altmoskauer Wärme und Geborgenheit aus. Bis zu seinem 47. Lebensjahr war er in Knechtschaft. Daher sind die Gesichter der einfachen Menschen auf seinen Leinwänden wahrscheinlich so frisch und inspiriert. Und die Jugend und der Charme seines „Lacemaker“ sind grenzenlos. Am häufigsten ist V.A. Tropinin wandte sich dem Bild von Menschen aus dem Volk zu ("The Lacemaker", "Portrait of a Son" usw.).

Die künstlerische und ideologische Suche nach russischem Gesellschaftsdenken, die Erwartung von Veränderungen spiegelten sich in den Gemälden wider K.P. Brjullow„Der letzte Tag von Pompeji“ und A.A. Ivanov "Die Erscheinung Christi vor den Menschen".

Ein großartiges Kunstwerk ist das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ von Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). 1830 besuchte der russische Künstler Karl Pavlovich Bryullov die Ausgrabungen der antiken Stadt Pompeji. Er ging über die alten Bürgersteige, bewunderte die Fresken, und diese tragische Nacht des 79. August n. Chr. stieg in seiner Vorstellung auf. h., als die Stadt mit glühender Asche und Bimsstein des erwachten Vesuvs bedeckt war. Drei Jahre später machte das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ eine triumphale Reise von Italien nach Russland. Der Künstler fand erstaunliche Farben, um die Tragödie der antiken Stadt darzustellen, die unter der Lava und Asche des ausbrechenden Vesuvs starb. Das Bild ist von hohen humanistischen Idealen durchdrungen. Es zeigt den Mut der Menschen, ihre Selbstlosigkeit, gezeigt während einer schrecklichen Katastrophe. Bryullov war auf einer Geschäftsreise von der Akademie der Künste in Italien. In dieser Bildungseinrichtung war die Ausbildung in der Technik des Malens und Zeichnens fest verankert. Die Akademie konzentrierte sich jedoch eindeutig auf das antike Erbe und heroische Themen. Die akademische Malerei zeichnete sich durch eine dekorative Landschaft, Theatralik der Gesamtkomposition aus. Szenen aus dem modernen Leben, eine gewöhnliche russische Landschaft, wurden als des Pinsels des Künstlers unwürdig angesehen. Klassizismus in der Malerei wurde Akademismus genannt. Bryullov war mit all seiner Arbeit mit der Akademie verbunden.

Er besaß eine starke Vorstellungskraft, ein scharfes Auge und eine treue Hand – und er schuf lebendige Schöpfungen, die den Kanons des Akademismus entsprachen. Wirklich mit Puschkins Anmut gelang es ihm, die Schönheit eines nackten menschlichen Körpers und das Zittern eines Sonnenstrahls auf einem grünen Blatt auf die Leinwand zu bannen. Seine Leinwände „Reiterin“, „Bathseba“, „Italienischer Morgen“, „Italienischer Mittag“, zahlreiche zeremonielle und intime Porträts werden für immer unvergängliche Meisterwerke der russischen Malerei bleiben. Der Künstler hat sich jedoch immer zu großen historischen Themen hingezogen, zur Darstellung bedeutender Ereignisse der Menschheitsgeschichte. Viele seiner diesbezüglichen Pläne wurden nicht umgesetzt. Bryullov hat nie die Idee aufgegeben, eine epische Leinwand zu schaffen, die auf einer Handlung aus der russischen Geschichte basiert. Er beginnt mit dem Gemälde "Die Belagerung von Pskow durch die Truppen von König Stefan Batory". Es zeigt den Höhepunkt der Belagerung von 1581, als die Pskower Krieger und. Die Stadtbewohner beeilen sich, die Polen anzugreifen, die in die Stadt eingebrochen sind, und werfen sie hinter die Mauern zurück. Aber das Bild blieb unvollendet, und die Aufgabe, wirklich nationale historische Gemälde zu schaffen, wurde nicht von Bryullov, sondern von der nächsten Generation russischer Künstler ausgeführt. Bryullov war genauso alt wie Puschkin und überlebte ihn um 15 Jahre. Er war in den letzten Jahren krank. Von einem damals gemalten Selbstporträt blickt uns ein rothaariger Mann mit zarten Gesichtszügen und einem ruhigen, nachdenklichen Blick entgegen.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. der Künstler lebte und arbeitete Alexander Andrejewitsch Iwanow(1806-1858). Alle meine kreatives Leben Er widmete sich der Idee des spirituellen Erwachens der Menschen und verkörperte sie in dem Gemälde "Die Erscheinung Christi vor den Menschen". Mehr als 20 Jahre arbeitete er an dem Gemälde „Die Erscheinung Christi vor den Menschen“, in das er die ganze Kraft und Leuchtkraft seines Talents legte. Im Vordergrund seiner grandiosen Leinwand fällt die mutige Gestalt Johannes des Täufers ins Auge, der die Menschen auf den nahenden Christus hinweist. Seine Figur ist in der Ferne angegeben. Er ist noch nicht gekommen, er kommt, er wird bestimmt kommen, sagt der Künstler. Und die Gesichter und Seelen derer, die auf den Erlöser warten, erhellen sich, reinigen sich. Auf diesem Bild zeigte er, wie I. E. Repin später sagte, „ein unterdrücktes Volk, das nach dem Wort der Freiheit dürstet“.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Russische Malerei beinhaltet Alltagshandlungen. Einer der ersten, der ihn kontaktierte Alexey Gavrilovich Wenezianov(1780-1847). Er widmete seine Arbeit der Darstellung des Lebens der Bauern. Er zeigt dieses Leben in idealisierter, ausgeschmückter Form und zollt dem damals modischen Sentimentalismus Tribut. Wenezianows Gemälde „Tenne“, „Bei der Ernte. Sommer“, „Auf Ackerland. Frühling“, „Bäuerin mit Kornblumen“, „Zakharka“, „Morgen des Gutsbesitzers“, die die Schönheit und den Adel des gewöhnlichen russischen Volkes widerspiegeln, dienten dazu, die Würde eines Menschen unabhängig von seinem sozialen Status zu bekräftigen.

Seine Traditionen wurden fortgesetzt Pavel Andreevich Fedotov(1815-1852). Seine Leinwände sind realistisch, voller satirischer Inhalte und enthüllen die Söldnermoral, das Leben und die Bräuche der Elite der Gesellschaft ("Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier" usw.). Er begann seine Karriere als Satiriker als Wachoffizier. Dann machte er lustige, schelmische Skizzen des Armeelebens. 1848 wurde sein Gemälde „Der frische Kavalier“ auf einer akademischen Ausstellung präsentiert. Es war ein gewagter Hohn nicht nur auf dumme, selbstzufriedene Bürokratie, sondern auch auf akademische Traditionen. Das schmutzige Gewand, das die Hauptfigur des Bildes anlegte, ähnelte sehr einer antiken Toga. Bryullov stand lange vor der Leinwand und sagte dann halb im Scherz, halb im Ernst zum Autor: „Herzlichen Glückwunsch, Sie haben mich besiegt.“ Andere Gemälde von Fedotov ("Frühstück eines Aristokraten", "Major's Matchmaking") sind ebenfalls komödiantischer und satirischer Natur. Seine letzten Bilder sind sehr traurig („Anker, mehr Anker!“, „Witwe“). Zeitgenossen verglichen zu Recht P.A. Fedotov beim Malen mit N.V. Gogol in der Literatur. Die Aufdeckung der Seuchen des feudalen Russlands ist das Hauptthema der Arbeit von Pavel Andreevich Fedotov.

In der russischen Kultur der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts hat die Romantik ihre eigenen Besonderheiten. Der Glaube an die aufklärerischen Ideale der Vernunft, des Fortschritts, der elementaren Rechte des Individuums – all das war in der russischen Öffentlichkeit noch in der ersten Hälfte des Jahrhunderts relevant.
Das Bild eines Mannes erhielt im Werk des größten russischen Porträtmalers des 1. Drittels des 19. Jahrhunderts eine tiefe poetische Verkörperung.
Orest Adamovich Kiprensky. (1782-1836).
Der größte Meister des romantischen Porträts.
Wenn Sie sich die Porträts von Kiprensky ansehen, scheinen Sie freie Menschen zu sehen. Keinem seiner Zeitgenossen gelang es, dieses Gefühl eines neuen Menschen so auszudrücken.
Zu den bedeutendsten Werken von Kiprensky gehören Porträts des Militärs - Teilnehmer an den antinapoleonischen Feldzügen zu Beginn des Jahrhunderts.

1809. Zeitpunkt

Porträt von A.A. Chelishchev. 1808 - Anfang 1809 GTG. bezieht sich auf die frühe Zeit von O.A. Kiprensky.
Die Epoche der Romantik stellt eine ganz besondere Beziehung zum Begriff der Kindheit her. Stellten die Porträtmaler des 18. Jahrhunderts ein Kind meist als kleinen Erwachsenen dar, so sahen die Romantiker in ihm eine besondere einzigartige Persönlichkeitswelt, die dennoch rein und unberührt von den Lastern der Erwachsenen blieb.

Porträt der Gräfin Ekaterina Petrovna Rostopchina. 1809. Tretjakow-Galerie.
Einige der von ihm geschaffenen Frauenbilder zeichnen sich durch einen besonderen Charme aus.
Es ist einzigartig in der Weltmalerei des 19. Jahrhunderts, was die Ausdruckskraft spiritueller Schönheit betrifft, als würde es das Bild von Puschkins Tatjana vorwegnehmen.

Kiprensky lebte in St. Petersburg und kam den prominentesten Persönlichkeiten seines Jahrhunderts nahe.
Romantische Tendenzen im Werk von Kiprensky fanden ihre Verkörperung im Porträt des berühmten russischen Dichters V.A. Schukowski.

Porträt von E.S. Avdulina. 1822-1823.
- eines der besten Werke des späten Kiprensky.
erscheint vor dem Betrachter als ein Mann von großer spiritueller Subtilität und Vornehmheit, der ein tief verborgenes Wesen besitzt innere Welt.

Im Porträt von Puschkin vermittelt der Künstler genau die Merkmale des Erscheinungsbildes des Dichters, lehnt jedoch konsequent alles Gewöhnliche ab. Die Exklusivität der Aufgabe erkennen - das Bild des großen Dichters einzufangen - O.A. Kiprensky verband auf harmonische Weise den Geist romantischer Freiheit und das Pathos hoher Klassiker.
Kreatives Brennen.
« Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir».

O. A. Kiprensky. "Selbstporträt". 1828

Tropinin, Wassili Andrejewitsch(1776-1857) - Russischer Künstler, Akademiker, Meister Porträtgemälde. Nach Herkunft - ein Leibeigener. Tropinin konnte die Akademie nicht beenden. Graf Morkov unterbrach seine Studien 1804, indem er Kukavka auf sein ukrainisches Anwesen rief. Der junge Künstler musste Anstreicher sein und gleichzeitig die Pflichten eines Hofmeisters erfüllen. Ab 1821 lebte er dauerhaft in Moskau, wo er Anerkennung und Ruhm erlangte.
Die von Tropinin geschaffenen Menschenbilder der Menschen sind weithin bekannt.

„Tropinin hatte nur wenige Rivalen im malerischen Talent. 1818, als er noch Leibeigener war und mit seinem Herrn auf dem Gut Kukavka in der Ukraine lebte, malte er das „Bildnis eines Sohnes“ – erstaunlich durch malerischen Charme und freie Schreibweise. Dieses Porträt eines blonden, gebräunten Jungen leuchtet, lebt und atmet. Danach arbeitete Tropinin weitere vierzig Jahre, machte viele Menschen unsterblich, entwickelte mehr oder weniger stabile Methoden der Porträtmalerei, verbesserte die Technik, aber das Porträt seines Sohnes blieb unübertroffen, mit der möglichen Ausnahme des Porträts von Puschkin, das in geschrieben wurde im selben Jahr wie Kiprensky und ihm nicht unterlegen. "(Dmitrieva N.A. Kurzgeschichte Künste. Ausgabe. III: Länder Westeuropas des 19. Jahrhunderts; Russland des 19. Jahrhunderts. - M.: Kunst, 1992. S. 198-200.).

Die beste im Kreis der Porträtmalerei Tropinins der 1820er Jahre
Eine leicht angehobene Oberlippe verleiht dem Gesicht des Dichters einen Hauch zurückhaltender Lebendigkeit.
Die purpurne Robe ist in weite, lose Falten drapiert; der kragen des hemdes ist weit offen, die blaue krawatte wird lässig gebunden.
Die Färbung ist die Frische der direkten Beobachtung. Die Reflexe des weißen Kragens des Hemdes werden überzeugend wiedergegeben und betonen das Kinn und den nackten Hals der Porträtierten.

Tropinin, bereits ein bekannter Künstler, schuf eine Art häusliches, intimes Porträt mit Elementen der Genremalerei. In der Regel handelt es sich dabei um eine Halbfigur einer Person, die ihrer üblichen Tätigkeit nachgeht.
Das hübsche schlaue Mädchen ist voller Anmut, von Zeitgenossen als besonderes "Vergnügen" verstanden, als etwas, das "das Herz gewinnt", aber "mit dem Verstand nicht zu verstehen" ist.
Im Jahr der Entstehung des Bildes wurde Vasily Andreevich Tropinin, der leibeigene Künstler des Grafen Morkov, freigelassen. Er war 47 Jahre alt. Im selben Jahr stellte er seine „Spitzenmacherin“ in der Akademie der Künste aus, die sofort an Popularität gewann, die sie bis heute nicht verlassen hat.

Wenezianow Alexej Gawrilowitsch. 1780 - 1847. der erste russische Maler, der bewusst das alltägliche Genre als Grundlage seines Schaffens wählte.
Ihm gehört das Verdienst, das heimische Genre in der russischen Kunst als eigenständige Art der Malerei zu etablieren.
Er entwickelte eine mehrstellige Form Genremalerei, in denen Landschaft oder Interieur oft eine wichtige Rolle spielen. Venetsianov war auch der erste, der auf einzelne Volkstypen aufmerksam machte. Seine Malerei ist national und demokratisch.

1811 wurde er für sein Selbstporträt von der Akademie der Künste als „berufen“ anerkannt.

Das erste grundlegende Werk von Venetsianov war das Gemälde "Scheune", das neue Wege in der russischen Malerei eröffnete.

Der Künstler schuf eine idealisierte poetisches Bild bäuerliches Leben. Die Arbeit im Freien ermöglichte es Venetsianov, Tageslichteffekte und komplexe Paletten zu verwenden.

Brjullow Karl Pawlowitsch(1799-1852). Maler, Zeichner. Meister der Historienmalerei, Porträtmaler, Genremaler.
Er überwindet die Leblosigkeit der Kanons des Klassizismus mit einem romantischen Wunsch, das Bild mit lebendigen Gefühlen zu füllen.

realistische Prinzipien untermauert

Die Lebensfreude sprüht, ein heiteres und vollmundiges Lebensgefühl, das mit der Umgebung verschmilzt. Die Sonnenstrahlen durchdringen das Laub des Weinbergs, gleiten über die Hände, das Gesicht, die Kleidung des Mädchens; schafft eine Atmosphäre der lebendigen Verbindung zwischen Mensch und Natur. Das Gesicht des Mädchens mit absolut regelmäßigen Gesichtszügen und riesigen funkelnden Augen ist ideal schön, es wirkt fast wie Porzellan (ein häufiger Effekt bei Bryullov). Die italienische Art des Auftretens galt damals als perfekt, und der Künstler schlägt ihn gerne.

Das Komitee der Gesellschaft, das "Noon" erhalten hatte, warf dem Künstler vorsichtig vor, ein Modell gewählt zu haben, das nicht den klassischen Idealen der Kenner von St. Petersburg entsprach.

Epikureische Linie

Tragische Linie in der Kreativität
Der letzte Tag von Pompeji. 1830-1833. Timing Öl auf Leinwand. 465,5 x 651
Erstmals verband sich in der russischen Malerei der Klassizismus mit einer romantischen Weltanschauung. Es sei darauf hingewiesen, dass für K.P. Bryullov war wichtig für die Wahrheit der historischen Realität. Er studierte schriftliche Quellen über die Tragödie in Pompeji (Plinius der Jüngere, Tacitus) sowie wissenschaftliche Forschungen zu archäologischen Ausgrabungen.
Seine Helden im letzten Moment des Lebens zeigen Menschenwürde und Größe des Geistes angesichts des blinden Elements des Bösen.
Im Gegensatz zu dem, was wir in klassischen Gemälden sehen, wird das kompositorische Zentrum hier nicht der Hauptsache gegeben historischer Held(die einfach nicht existiert), sondern die verstorbene Mutter, neben der ein noch lebendes Kind abgebildet ist, von Entsetzen ergriffen. Im Gegensatz zu Leben und Tod offenbart sich die Idee der Leinwand.

Damit hielten die Menschen erstmals Einzug in die russische Historienmalerei, obwohl sie eher idealisiert dargestellt wurden.

Porträt der Großherzogin Elena Pawlowna mit ihrer Tochter Maria. 1830. Timing Am Ende kam Bryullov zum Bild der Großherzogin in Bewegung. Von nun an wird er bei großen Porträts diese Technik anwenden, die dazu beiträgt, die Ausdruckskraft des Bildes zu steigern.

Fahrer. Porträt von Giovannina und Amazilia Pacini, Schüler der Gräfin Yu.P. Samoilova. 1832. Staatliche Tretjakow-Galerie
Zu Beginn der 1830er Jahre war K.P. Bryullov nahm einen der führenden Plätze in der russischen und der gesamten westeuropäischen Kunst ein. Sein Ruhm als herausragender Porträtmeister wurde durch die in Italien gemalte Reiterin gefestigt.
Brjullowskij zeremonielle Porträtmalerei von Innovationen geprägt. Im Gegensatz zu den Helden der Prunkporträts des 18. Jahrhunderts, wo es vor allem darum ging, die gesellschaftliche Stellung des Porträtierten und seine gesellschaftlichen Tugenden hervorzuheben, demonstrieren Bryullovs Figuren vor allem Spontaneität, Jugend und Schönheit.

Porträt der heitersten Prinzessin Elizabeth Pavlovna Saltykova, geborene Gräfin Strogonova, Ehefrau von Seiner heiteren Hoheit Prinz I.D. Saltykow. 1841. Zeitpunkt

Porträt der Gräfin Yulia Pavlovna Samoilova, geborene Gräfin Pahlen, verlässt den Ball mit ihrer Adoptivtochter Amacilia Pacchini. 1842. Zeitpunkt
das letzte bedeutende Werk von K.P. Bryullov und eines seiner besten Werke im Genre eines zeremoniellen Porträtgemäldes, das sich durch eine heitere, romantische Stimmung auszeichnet.
Der Künstler präsentierte seine Heldin in einem Maskenkostüm einer Königin vor dem Hintergrund eines prächtigen Theatervorhangs, der sie von den Teilnehmern des Balls trennte.
betont ihre dominante Stellung in der Menschenmenge, die Exklusivität ihres Wesens.

Iwanow Alexander Andrejewitsch(1806-1858) - Maler, Zeichner. Meister der Historienmalerei, Landschaftsmaler, Porträtmaler. Kreativität A.A. Ivanov steht im Zentrum der spirituellen Suche der russischen Kultur des 19. Jahrhunderts.

Die höchste Leistung in der russischen Historienmalerei ist mit dem Werk von A. Ivanov verbunden. Als Sohn von Professor A.I. Ivanov studierte er an der A.Kh. und beherrschte brillant Komposition und Zeichnen (neben seinem Vater waren seine Lehrer Yegorov und Shebuev.

1824 Ivanov malte das erste große Gemälde Ölfarben- „Priamos bittet Achill um die Leiche von Hektor“ (TG), wofür er eine kleine Goldmedaille erhielt. Bereits in diesem frühen Werk offenbart Ivanov den Wunsch nach psychologischer Ausdruckskraft und archäologischer Genauigkeit. Als das Bild in der Ausstellung erschien, bemerkten die Kritiker die aufmerksame Haltung des Künstlers zu Homers Text und seinen starken Ausdruck Schauspieler Gemälde.

Auf der Ausstellung 1827. Ivanovs zweites Gemälde erschien – „Joseph interpretiert Träume des Bäckers und des Butlers“ (RM), das von der Society for the Encouragement of Artists mit einer großen Goldmedaille ausgezeichnet wurde. Hier übertrafen der Ausdruck der Gesichter und die unvergleichliche Plastizität der Figuren „Priamos“ bei weitem, was von der außergewöhnlichen Begabung des Künstlers und seiner rasanten Entwicklung zeugt. Beleuchtete Figuren auf dunklem Hintergrund erwecken den Eindruck von Statuen. Die glatten Falten von Josephs antiken Kleidern werden mit erstaunlicher Perfektion interpretiert. Joseph übermittelt dem Bäcker einen schrecklichen Bericht und zeigt ihn auf das Relief, das die Hinrichtung darstellt und in die Wand des Kerkers gemeißelt ist. Der Butler wartet ungeduldig und voller Hoffnung darauf, was der Wahrsager über ihn sagen wird. Der Bäcker und der Mundschenk sind wie Brüder, um so deutlicher zeigen sich auf ihren Gesichtern die Äußerungen gegensätzlicher Gefühle: Verzweiflung und Hoffnung. Das ägyptische Relief, komponiert von Ivanov, zeigt, dass er schon damals mit der ägyptischen Archäologie vertraut war und ein feines Stilgefühl hatte. In all ihren frühe Arbeiten Ivanov strebte nach starken spirituellen Bewegungen, die sich in einer äußerst klaren Form ausdrücken.

Dieses Bild führte jedoch fast zum Zusammenbruch von Ivanovs Karriere, die so brillant begonnen hatte. Das Bild (in Form eines Flachreliefs) der Hinrichtung an der Wand des Kerkers wurde als gewagte Anspielung auf die Vergeltung von Nikolaus I. mit den Dekabristen interpretiert. Hood entkam knapp Sibirien. Und trotz der Tatsache, dass Ivanov mit einer großen Goldmedaille ausgezeichnet wurde, zog sich die Frage seines Auslandseinsatzes hin. Die Society for the Encouragement of Artists, die beabsichtigte, Ivanov zur Verbesserung nach Italien zu schicken, beschloss, seine Fähigkeiten erneut zu testen, indem sie ein neues Thema aufstellte: „Bellerophon führt einen Feldzug gegen die Chimäre“ (1829, Russisches Museum).

Trotzdem wurde ihm eine Dienstreise ins Ausland zugesprochen. Zu dieser Zeit war Ivanov bereits Autor mehrerer Gemälde, fertigte riesige Zeichnungen antiker Statuen an - „Laocoön“, „Venus Medicea“, „Borghesian Fighter“ (alle in der Staatlichen Tretjakow-Galerie), viele Zeichnungen von akademischen Modellen. Seine frühen Alben enthalten auch eine Reihe von Skizzen in Bleistift und Sepia zu historischen und antiken Themen, darunter flackern einige Skizzen aus der Natur; Porträts sind noch seltener. Aus der Zeit vor seiner Abreise ins Ausland existiert ein kleines, mit Ölfarben gemaltes Selbstporträt (1828, Staatliche Tretjakow-Galerie).

Als Hommage an den Klassizismus begann Ivanov in Rom ein Gemälde im Geiste von Poussin „Apollo, Hyazinthe und Zypresse, beschäftigt mit Musik und Gesang“ (1831-1834, Staatliche Tretjakow-Galerie), wobei er die Denkmäler der antiken Skulptur verwendete. Das Gemälde blieb unvollendet. Trotzdem ist es eines der vollkommensten Werke des russischen Klassizismus. Die schön gruppierten Figuren wirken wie animierte Statuen.

Baumlaub kontrastiert wunderbar mit der Farbe nackter Körper: die zarte Körperfarbe der Hyazinthe, die dunkle Farbe der Zypresse und die Figur des Apollo, als wäre sie aus Elfenbein geschnitzt. Das Bild ist eine musikalisch abgestimmte, harmonische Komposition. Der Vergleich der Skizzen zeigt, dass Ivanov bewusst die musikalische Schönheit glatter Linien und plastischer Perfektion der Form suchte. Wunderbar inspiriertes Gesicht von Apollo. Ivanov nahm den Kopf von Apollo Belvedere als Grundlage für das Bild und atmete hinein neues Leben ist das Gefühlsleben. Diese Methode der Verarbeitung alter Bilder wurde für Ivanov in der ersten Hälfte seiner Arbeit zur Hauptmethode.

Beim erneuten Lesen der Evangelien fand Ivanov schließlich eine Verschwörung, die keiner der Gauner vor ihm aufgegriffen hatte: das erste Erscheinen des Messias (Christus) vor den Menschen, der auf die Erfüllung ihrer gehegten Bestrebungen wartete, vorhergesagt von Johannes dem Täufer. Ivanov nahm an, dass diese Geschichte die ganze Bedeutung des Evangeliums enthielt. Seiner Meinung nach könnte dieser Plot die hohen moralischen Ideale der gesamten Menschheit so verkörpern, wie ihre Zeitgenossen sie verstanden. Die Arbeit an Skizzen des Gemäldes begann im Herbst 1833.

Von Beginn seiner Arbeit an betrachtete think-k die Handlung eher als historisch denn als religiös und eliminierte alle Merkmale ihrer mystischen Interpretation. Er entwarf einen Plan für ein Jahrzehnt, der der extremen Komplexität des Entwurfs entsprach. Dieser Plan erschreckte die ungläubigen St. Petersburger "Wohltäter" von Ivanov durch seine Dauer und hohen Kosten. Trotz Drohungen der Society for the Encouragement of Thins, ihm alle Existenzmittel zu entziehen, gab Iwanow nicht auf. Er beschäftigte sich eingehend mit den Denkmälern der antiken Kunst und der Monumentalmalerei der italienischen Renaissance. Unfähig, eine Reise nach Palästina zu unternehmen, um sich mit Volkstypen und Landschaften von Orten vertraut zu machen, die mit der Evangeliumslegende in Verbindung gebracht werden, suchte Ivanov nach der geeigneten Natur in Italien.

1835 Iwanow beendet und für die akademische Ausstellung „Die Erscheinung Christi vor Maria Magdalena nach der Auferstehung“ (RM) nach St. Petersburg geschickt; der erfolg des bildes übertraf die erwartungen von think-ka: er erhielt den titel eines akademikers und verlängerte seinen aufenthalt in italien um weitere drei jahre.

In der Statuenhaftigkeit der Figuren in diesem Bild (insbesondere Christus, der an eine Statue von Thorvaldsen erinnert), in der bedingten Draperie und Landschaft, die als fast neutraler Hintergrund für die Figuren dient, leistete Ivanov dem Akademismus den letzten Tribut. Dies entsprach voll und ganz der ursprünglichen Absicht des Bildes, in dem der Künstler seine Fähigkeit zur Aktdarstellung zeigen wollte. menschlicher Körper und Vorhänge. Doch daneben faszinierte ihn hier die Aufgabe, eine weinende Schönheit darzustellen. weibliches Gesicht und Figurenbewegung. Radikalere Veränderungen am Bild wagte er nicht, obwohl die Kompositionen Giottos, die er in Italien auf demselben Grundstück sah, die Idee anregten, die „offizielle Nacktheit“ ganz aufzugeben.

Der komplexe Gesichtsausdruck der Magdalena (ein Lächeln unter Tränen) und die gut gefundene Position der Beine Christi (basierend auf einer tiefen Kenntnis der Anatomie und die seiner Figur die Illusion von Bewegung verleiht) sind die realistischsten Merkmale des Bildes in seiner Gesamtheit akademische Struktur.

Nach Abschluss dieser Arbeit widmete sich die Haube wieder ganz der Entwicklung der Hauptidee. Die Arbeit an „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“ (1837-1857, Staatliche Tretjakow-Galerie) beschäftigte den größten Teil von Iwanows Leben. Die erhaltenen zahlreichen Materialien (Skizzen, Skizzen, Zeichnungen) und die umfangreiche Korrespondenz der Künstler ermöglichen es, die Hauptetappen des enormen Werks zu restaurieren. Die ersten Skizzen stammen aus dem Jahr 1833, sie wurden also noch vor der ersten Italienreise angefertigt.

1837 Die Komposition des Gemäldes war bereits so weit entwickelt, dass der Künstler es auf eine große Leinwand übertragen konnte, und im nächsten Jahr schattierte er es und malte es mit Terdesienoy.

K1845 „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“ war im Wesentlichen abgeschlossen, mit Ausnahme einiger Einzelheiten (das Gesicht eines Sklaven, die aus dem Wasser auftauchenden Figuren, die mittlere Gruppe).

Die weitere Arbeit ging in zwei Richtungen - die endgültige Konkretisierung der Charaktere der Charaktere und die zweite - das Studium der Landschaft zu einzelnen Themen aufgrund der Bildkomposition (Urbäume, Erde, Steine, Wasser, ferne Bäume und Berge). ). Möglicherweise ging all diesen Arbeiten eine Suche nach dem allgemeinen Ton des Bildes voraus, für deren Lösung Ivanov in Venedig, in unmittelbarer Nähe der großen venezianischen Koloristen, eine kleine Skizze („Skizze in venezianischen Tönen“) schrieb. 1839, Staatliche Tretjakow-Galerie), die die Farbe des Bildes „Erscheinung Christi vor dem Volk“ weitgehend vorbestimmt.

Ende 1838 es gab eine Arbeitspause. Zu dieser Zeit traf Ivanov N. V. Gogol, der dann in Rom ankam. Sie wurden Freunde. Ihre Freundschaft war geprägt von Ivanovs unerwarteter Anziehungskraft auf die Themen des Volkslebens. Unter dem Einfluss des Schriftstellers schuf Ivanov eine Reihe von Genre-Aquarellen, die Szenen aus dem Leben des einfachen Volkes darstellen. Sie sind poetisch, vital und von spiritueller Wärme durchdrungen. Komplexe mehrfigurige Kompositionen werden durch die Einwirkung von Licht vereint. Der Mond wirft sein ruhiges Licht auf eine Gruppe von Kindern und Mädchen, die im Chor Ave Maria („Ave Maria“, 1839, Russisches Museum) singen, das warme Licht der Kerzen spiegelt sich in Spiegelungen auf Gesichtern und Kleidern. Unter den brennenden Strahlen der südlichen Sonne spielt sich eine süße Szene ab („Der Bräutigam wählt Ohrringe für die Braut“, 1838, Staatliche Tretjakow-Galerie), die Mädchenfiguren im Aquarell „Oktoberferien in Rom. An der Ponte Mole“ (1842, Russisches Museum). Im Aquarell „Oktoberferien in Rom. Szene in der Loggia“ (1842, Staatliche Tretjakow-Galerie) zeigt einen spielerischen Tanz. Die schnellen Bewegungen der Menschen rund um den schlaksigen Engländer kommen in einer komplexen und schönen Silhouette zum Ausdruck. Ohne den Einfluss von Gogol ist das Auftreten dieser Genreszenen unerklärlich.

In allen Aquarellen Ivanovs überwiegt das Prinzip der psychologischen Verbindung zwischen menschlichen Figuren das Prinzip der klassischen architektonischen Komposition. Hood-k strebte in ihnen eindeutig nach der lebensnahen Wahrhaftigkeit der Bewegungen der Figuren, ihrer Beziehungen.

In den ersten beiden Genre-Aquarellen stand Ivanov praktisch vor Beleuchtungsproblemen. Besonders schwierig war diese Aufgabe bei dem Aquarell „Ave Maria“, bei dem sich das kalte und gleichmäßige Mondlicht mit dem warmen und zitternden Kerzenlicht und dem weichen Licht einer Laterne vor dem Madonnenbild vereint.

Das Problem der Lichtdurchlässigkeit, das den Künstler Ende der 40er Jahre besonders beschäftigte, stellte er erstmals in dem bereits erwähnten Aquarell „Der Bräutigam wählt Ohrringe für die Braut“. Ein Vergleich zweier Versionen dieser Zeichnung (der Staatlichen Tretjakow-Galerie und des Russischen Museums) zeigt, dass Ivanov versucht hat, die Beleuchtung als verbindendes Prinzip zu verwenden.

K1845 „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“ war im Wesentlichen abgeschlossen, mit Ausnahme einiger Einzelheiten (das Gesicht eines Sklaven, die aus dem Wasser auftauchenden Figuren, die mittlere Gruppe). Rechts und links im Bild im Wasser des Jordan getaufte Menschen, hinter Johannes eine Gruppe zukünftiger Apostel, in der Mitte und rechts Menschenmassen, die von den Worten des Johannes begeistert sind. Im Vordergrund malte der Künstler einen Sklaven, der sich darauf vorbereitet, seinen Herrn einzukleiden. Die Handlung spielt im Jordantal, die fernen Hügel sind mit Bäumen bewachsen. Ein riesiger alter Baum überschattet das Laub der Mittelgruppe.

Um das Problem zu lösen: Um die Menschheit darzustellen, die auf ihre Befreiung wartet, sah sich Ivanov im Recht, alles zu verwenden, was die Weltkunst zuvor erreicht hatte. Er entnahm Proben der Plastizität aus antiken griechischen Skulpturen, studierte antike Originale in Rom und Florenz, studierte Renaissance-Malerei: Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Ghirlandaio und vor allem Raffael.

Offensichtlich verspürte Ivanov von den ersten Schritten der Arbeit an der Bildkomposition an das Bedürfnis, menschliche Figuren in Gruppen zu organisieren, die durch eine Gemeinsamkeit miteinander verbunden oder umgekehrt in bewussten Kontrasten verglichen werden. Diese Gruppen wurden wie folgt definiert: ein alter Mann und ein junger Mann, die aus dem Wasser auftauchen, eine Gruppe von Jüngern, angeführt von dem Täufer und links von einer Figur eines Skeptikers abgeschlossen, die Vordergrundgruppe eines reichen Mannes und eines Sklaven , und schließlich eine Gruppe – ein zitternder Vater und ein zitternder Sohn – die die gesamte Komposition rechts flankieren. Darüber hinaus sind viele Figuren im Schatten platziert, in der Mitte des Bildes in der Menschenmenge, die den oberen rechten Teil der Leinwand einnimmt. Diese Figuren sind ebenfalls in Gruppen organisiert.

Von entscheidender Bedeutung ist die Figur Johannes des Täufers. Es befindet sich fast im Zentrum und organisiert die gesamte Komposition mit seiner mächtigen Kraft. Im Bild des Täufers verwendete Ivanov die Denkmäler der italienischen Malerei und vor allem Raffael, was dem Bild keineswegs seine eigene Ausdruckskraft nahm. John auf dem Bild ist von einem feurigen Temperament erfüllt; er verbrennt die Herzen der Menschen mit dem Verb. Mit einer gewaltigen Geste weist er auf den herannahenden Messias. Er war der erste, der den Messias sah und erkannte. Seine Geste bestimmt die Bewegung der gesamten kompositorischen Struktur des Bildes.

Hood-k hat sich zum Ziel gesetzt, in jeder der Figuren den typischsten Ausdruck jeder Person zu erreichen. Charakter. Besonders gelungen sind ihm die Bilder des Täufers, der Apostel Johannes, Andreas, Nathanael und des Sklaven, deren Studien zu den besten gehören. Kein Wunder, dass Kramskoi den Iwanowo-Täufer für „ein ideales Porträt“ hielt.

Charakteristisch ist, dass jeder Figur, jedem Typus, der im Bild enthalten ist, ein reales Porträt zugrunde liegt. In der nächsten Phase zieht die Haube die Köpfe antiker Skulpturen an, als würde sie sie mit den klassischen Merkmalen der lebendigen Natur formen.

„Die Erscheinung Christi vor dem Volk“ verbindet die erhabene Idee der Befreiung der Menschheit mit einer monumentalen Form.

Bis 1845 enthalten Skizzen der Wandgemälde "Die Auferstehung Christi", die für die Kathedrale von Christus dem Erlöser bestimmt waren, die von K.A.Ton gebaut wurde. In dieser Zeit kam Ivanov auf die Idee, einen ganzen Zyklus von Gemälden zu biblischen Themen zu schaffen. Diese Wandbilder sollten die Wände eines besonderen öffentlichen Gebäudes bedecken (keine Kirche, wie der Künstler selbst immer betonte). Ihre Themen und Abfolge orientierten sich eher an dem Buch „Das Leben Jesu“ von D. Strauss, basierten jedoch auf einem tiefen und unabhängigen Studium der Primärquellen durch den Künstler selbst. Ivanov beschloss, hier die Entwicklung der Überzeugungen der Menschheit in ihrer engen Beziehung und historischen Bedingung darzustellen. In einem Zyklus von Skizzen, der diese Idee verkörperte, erhielten die für den romantischen Historismus so typischen Probleme des historischen Schicksals des Volkes, des Verhältnisses zwischen Volk und Individuum die tiefgreifendste Lösung im Vergleich zur gesamten russischen Historienmalerei des 2. 3. Jahrhundert. Auffallend ist die Fülle und unendliche Vielfalt der von Ivanov angefertigten Aquarellskizzen zu biblischen Themen (fast alle werden in der Staatlichen Tretjakow-Galerie aufbewahrt).

Es ist schwierig, die besten unter den Skizzen hervorzuheben. Daher sollten wir uns nur auf die charakteristischeren konzentrieren. So zum Beispiel die Skizze „Drei Wanderer verkünden Abraham die Geburt Isaaks“, deren Komposition durch ihre Monumentalität, die Verschmelzung von Mensch und Natur und die Ausdruckskraft der Figuren auffällt. Nicht weniger interessant ist das Sammeln von Manna in der Wildnis, eine Massenszene, in der fliehende Menschen von einem freudigen Wirbelsturm erfasst werden, oder die Prozession der Propheten, voller kraftvoller, erstaunlicher Rhythmen. Trotz der Tatsache, dass Ivanovs Idee nur in Skizzen blieb, gehören diese Skizzen zu den größten Kunstgütern.

Seine Landschaften sind wunderbar. "Appian Way" (1845, Staatliche Tretjakow-Galerie). „Der Golf von Neapel bei Castellammare“ (1846, Staatliche Tretjakow-Galerie). Ivanov betrat entschlossen den Pfad des Freilichts. In seiner Malerei wird die Natur nicht wie in den Werken der Klassiker durch Mythos, sondern durch Realität.

Ivanovs Werk, das weit über die romantischen Ideale der Epoche hinausgeht, ist der stärkste Ausdruck der realistischen Ausrichtung der russischen Kunst Mitte des 19. Jahrhunderts.

In den frühen Jahren seiner Pensionierung in Italien, in den frühen 1830er Jahren, malte Ivanov ein wunderschönes Gemälde „Apollo, Zypresse und Hyazinthe beim Musizieren und Singen“.

Brillante Skizzen von Wandgemälden für den von ihm konzipierten „Tempel der Menschheit“ In „Biblical Sketches“ versuchte Ivanov, die Wahrheit des Evangeliums mit der historischen Wahrheit, das legendäre Mythische mit der Realität, das Erhabene mit dem Gewöhnlichen, das Tragische mit dem Alltagsleben organisch zu verbinden.

Kunst der Mitte (40er - 50er Jahre) des 19. Jahrhunderts - die "Gogol" -Periode der russischen Kultur

Fedotov, Pavel Andreevich(1815-1852) - ein berühmter russischer Künstler und Zeichner, der Begründer des kritischen Realismus in der russischen Malerei.

In der Arbeit von Fedotov wurde zum ersten Mal in der russischen Kunst ein Programm des kritischen Realismus umgesetzt. Die „anklagende Ausrichtung“ betraf auch das „Frühstück eines Aristokraten“.

Das Bild "Die Witwe" Fedotov spielte in mehreren Versionen und bewegte sich konsequent auf das Ziel zu - das menschliche Unglück so zu zeigen, wie es wirklich ist.

Das Gemälde "Anker, mehr Anker!" ganzheitlich in der Farbe - schlammiges Rot und eine bedrohliche emotionale Stimmung. Die Leinwand ist wirklich tragisch: In ihr tritt die Melancholie der unansehnlichen Routine und die Sinnlosigkeit des Daseins in den Vordergrund.