Als ich die Halle des Gogol Centers verließ, wurde mir klar, dass ich etwas Weitreichendes und Riesiges gesehen hatte. Genau die gleichen Beinamen könnten in Bezug auf die russische Seele verwendet werden. 
Um sich auf die Inszenierung von „Wer lebt gut in Russland“ vorzubereiten, organisierte Serebrennikow mit seinen jungen Schauspielern eine Expedition in Städte und Dörfer, genauer gesagt in die Heimatorte des Autors des Gedichts und seiner Helden. Ziel des Experiments ist es, die Luft der Hauptstadt auszuatmen und die Luft von Feldern, Wiesen und Dörfern einzuatmen. Und dann doch Volks-Nekrasov Der Geist der Moskauer Jugend ist nicht zu verstehen. Ich weiß nicht, ob diese Feldstudie die Ursache oder nur das Talent der Gogol Center-Truppe ist, aber für meinen Geschmack hat die Aufführung die Klassiker wiederbelebt.
Die Aktion ist in 3 Abschnitte unterteilt.
Der Anfang des ersten Teils, der „Der Streit“ heißt, ist eine Frage, die jeder kennt, der an der Schulbank sitzt Wer lebt glücklich und frei in Russland? Ihm werden bunt zusammengewürfelte Männer antworten, die auf Stühlen sitzen und gekleidet sind, was immer sie wollen. Mit einem Mikrofon wird ein Erzähler zwischen ihnen wandeln, dessen Botschaft und Manierismus eher an den Leiter einer Schulung oder gar an einen anonymen Kreis von Betroffenen erinnern. Und die Zeilen, die er geäußert hat, sind an die Halle gerichtet:
In welchem Jahr - zählen
In welchem Land – rate mal
Auf dem Säulenweg
Sieben Männer kamen zusammen...
Der Zuschauer lacht. Der Betrachter erinnert sich an die Schule, eine Literaturstunde über Nikolai Alekseevich Nekrasov, eine Geschichtsstunde über die Abschaffung der Leibeigenschaft.
Und auf der Bühne am Mikrofon erscheint bereits ein imposantes Mädchen und stimmt ein Lied an. Auf dem Programm steht, es sei Rita Krohn. Alle Richter der Stimme hätten sich an sie gewandt. Sie wird die Dekoration des ersten Teils der Aufführung sein. 
Auf der Bühne werden sie Streiche spielen, Streiche spielen, nach der Wahrheit suchen, und die armen Männer werden offen sein. Nikita Kukushkin, Ivan Fominov, Semyon Steinberg, Evgeny Sangadzhiev, Mikhail Troinik, Philipp Avdeev, Andrey und Timofey Rebenkov lieben ihre Rollen, fangen auf subtile Weise die einfache Essenz der Bauernschaft ein und vermitteln dem Saal die Energie ländlicher Tapferkeit. 
Der Fund des Regisseurs war die Grasmücke, die mit menschlicher Stimme mit Nekrasov sprach und den Bauern ein hohes Lösegeld für ihr Küken versprach, das ihnen in die Hände fiel. Die Bühne kommt ohne Vögel aus. Sie werden vom Jugendlichen und seiner geheimnisvollen Wandermutter gespielt, die von gespielt wird Evgenia Dobrovolskaya. Für den Betrachter wird es nur ein Samenkorn sein. Die Schauspielerin ist von Kopf bis Fuß in ein schwarzes Gewand gehüllt, ihre Augen sind hinter einer schwarzen Brille verborgen. Dennoch ist die schauspielerische Kraft spürbar. Ihr großer Abgang steht im dritten Teil noch bevor.
Der gesamte erste Akt hat viele Nervenenden, aber der Hauptnerv ist es Nikita Kukuschkin. Die Tatsache, dass dieser Schauspieler ein Nugget ist und nicht von dieser Welt, wurde mir schon beim Zuschauen klar (M) Student. 
Wenn man es auf der Straße sieht, denkt man, dass dieser Typ schon dort war Strafkolonie, und wenn Sie ihn auf der Bühne sehen, werden Sie sich für ein solches Urteil im Aussehen schämen. 
Ich würde sagen, dass er irgendwie christlich spielt, als ob er entweder das Evangelium oder Dostojewski im Blick hätte.
Und das Publikum kann den Applaus nicht zurückhalten, als er den Monolog an den Meister mit dem stärksten Refrain beendet Alles gehört dir, alles gehört dem Meister, in dem von der einen Seite eine gefährliche Anschuldigung und von der anderen Demut und Unterwerfung zu hören ist:
Alles gehört dir, alles gehört dem Meister –
Unsere alten Häuser
Und kranke Bäuche
Und wir selbst gehören Ihnen!
Das Korn, das in die Erde geworfen wird
Und Gartengemüse
Und die Haare sind ungepflegt
Männerkopf -
Alles gehört dir, alles gehört dem Meister!
Und schließlich die Musik. Ich möchte allen, die an der musikalischen Gestaltung der Aufführung mitgewirkt haben, ein großes, respektvolles Dankeschön aussprechen. Die Qualität ist so hoch, dass Blumen in Ihren Ohren erblühen, selbst wenn Sie allen im Saal sitzenden Menschen die Augen verbinden. Es tut mir leid, aber ich kann nicht anders, als diese Namen aufzulisten:
Keyboards und Gesang – Andrey Polyakov
Schlagzeug – Roman Shmakov
Trompete - Dmitry Vysotsky und Vladimir Avilov
Bassgitarre, Gesang – Dmitry Zhuk
Brillante Sängerinnen – Rita Kron (auch Saxophonistin) und Maria Selezneva spielten „Wo kann ich so ein Lied bekommen“, „Oh, ich habe es, ich habe es gecovert“, „Ich schaue in die blauen Seen“, „ „Ich bin die Erde“, „Eine schneeweiße Kirsche blühte unter dem Fenster“.
Die Musikkomposition mit Improvisation zum Thema „Das Haus der aufgehenden Sonne“ (Die Tiere) wurde von einem Doktoranden des nach mir benannten Moskauer Staatlichen Konservatoriums zusammengestellt. PI. Tschaikowsky Denis Khorov.
Wir brechen in der 1. Pause auf. Als Begleitung können Sie so tun, als wären Sie an einem Buffet – gehen Sie zum Kühlschrank und machen Sie sich ein Sandwich.
Forderung. Teil zwei – „Drunk Night“. Für den Zuschauer dauert es ein wenig, etwa 25 Minuten. Die Schauspieler sagen kein Wort. Wir werden uns die Choreografie betrunkener Körper ansehen. Verantwortlich dafür war Anton Adasinsky, ein in bestimmten Kreisen bekannter Musiker, Gründer des DEREVO-Theaters und Schauspieler (2011 erhielt er bei den Filmfestspielen von Venedig Standing Ovations für seinen Mephistopheles in A. Sokurovs Faust). Aber es stellt sich heraus, dass er auch Choreograf ist. 
Als ich beobachtete, was passierte, konnte ich nicht umhin, es mit dem zu vergleichen, was ich 2013 in der Big Controversial Production sah Heiliger Frühling. 
Bewegungschaos und völlige Freiheit der anatomischen Plastizität. Betrunkene Männer bewegen sich zum A-cappella-Gesang von 7 Mädchen. Dünn und sehr hübsch. Dennoch handelt es sich hierbei um eine musikalische Veranstaltung und nicht nur um eine Aufführung. 
Die Musik für diesen Teil wurde von Ilya Demutsky geschrieben – Komponist, Dirigent, Interpret und Leiter des Vokalensembles Cyrilique.
Der zweite Teil ist aufgrund seiner Kürze talentiert. 
Die Zuschauer werden aus dem Saal zur 2. und letzten Pause eskortiert, während wir hinter den wandernden Männern weitergehen. Im dritten Teil veranstalten sie ein „Fest für die ganze Welt“.
Matryona (Evgenia Dobrovolskaya) wird die Tischdecke vor ihnen bedecken. Zwar werden sie sich schon vor dem Essen mit einer Frage an sie wenden, die sie über das Glück quält, denn „Es ist nicht nur eine Sache der Männer, einen glücklichen Menschen zu finden, lasst uns die Frauen spüren!“ (fühlen = fragen). Zu Beginn ihrer Antwort filmen die Männer Matryona vor der Kamera. Auch wenn der Betrachter weit weg sitzt, sieht er auf der Leinwand zunächst das schüchterne und verwirrte Gesicht einer einfachen Frau.
Dobrovolskayas Spiel ist brennend. 
Was Nekrasov Matrjona in den Mund legte, ist an sich sicherlich ergreifend und tragisch. Aber es ist eine Sache, auf den Seiten eines Gedichts über diese Trauer zu lesen, und eine andere, Matryona vor sich zu sehen. 
Evgenia Dobrovolskaya verkörperte authentisch das Bild einer äußerlich bescheidenen, aber innerlich vom Unglück verbrannten Dorffrau und enthüllte den Bauern und Zuschauern gefühlvoll die bitteren Episoden ihres Lebens, die in den Tiefen ihrer Erinnerung verborgen waren, die schmerzhaftesten und tragischsten Dazu gehörte der Tod des kleinen Sohnes Djomuschka, um den sich der alte Großvater nicht kümmerte, während Matrjona auf dem Heufeld war und die Schweine ihn fraßen. Der Fluch, den sie ihren Übeltätern schickt, wird tiefer als aus der Kehle gerissen. 
Ich dachte, Tränen würden aus meinen Augen spritzen wie aus einer Gießkanne, und diejenigen, die vor mir saßen, würden denken, es sei Regen.
Die Moral ihres Beichtmonologs richtet sich an die Bauern – es ist nicht gut, einer russischen Frau eine Frage zum Glück zu stellen:
Und du - zum Glück steckst du deinen Kopf fest!
Schade, gut gemacht!
Gehen Sie zum Beamten
An den edlen Bojaren,
Geh zum König
Fass Frauen nicht an
Hier ist Gott! mit nichts passieren
Bis zum Grab!
Matryonas Unglück ist schwarz, aber im dritten Akt ist nicht alles so düster. Es gibt helle und sagenhaft schöne Kostüme Frauen zeigen
wie auf einem Podium. Warum nicht die Moskauer Modewoche? 
Wir nehmen das Gedicht nicht immer als etwas Grandioses wahr, aber durch die Inszenierung von Serebrennikov versteht man, was für eine epische Leinwand Nekrasov gewebt hat. IN Schulalter Selten war jemand hinter Nekrasovs klangvollem, fröhlichem Poesiestil in der Lage, das Ausmaß der Prosa und nicht der Poesie zu erkennen.
Mich berührte Kirill Serebrennikovs Fürsorge nicht nur für den Originaltext, sondern auch für Nekrasovs besondere Liebe zu Russland:
Du bist arm
Du bist reichlich vorhanden
Du bist geschlagen
Du bist allmächtig
Mutter Rus!
Während ich diesen Beitrag schrieb, wurde mir klar, dass ich bald definitiv zum zweiten Mal hingehen werde. Das passiert mir selten, aber hier ist vieles zusammengefallen. Und weiter. Bisher ist die Aufführung zu einer der Spitzenleistungen dessen geworden, was ich im Gogol Center gesehen habe. 
P.S. Über der Hand, die sich nicht erhob, erinnerte man sich an einen Wermutstropfen. Aber jedes Lob ist gut, wenn noch eine Prise Kritik dazukommt. Gleich zu Beginn des 3. Teils gefiel mir nicht, dass die Schauspieler „Zu den Leuten gehen“ mit einem Eimer Wodka und Brot unterwegs waren. Sie boten jemandem einen Stapel an, der den Grund für ihr Glück nennen würde. Nun, das ist übertrieben, Leute. Auf diese Zirkustricks können Sie verzichten.
Aufbauend auf Assoziationen ruft Kirill Serebrennikovs Performance „Who Lives Well in Rus'“ im Gogol Center eine wechselseitige Steigerung der assoziativen Empfänglichkeit des Betrachters hervor. Was ich mit meinem inkohärenten Text zu demonstrieren versuche. Das Vorhandensein von Zitaten ist kein Wunsch, Bildung zu zeigen, sondern die Unfähigkeit, alles nur in eigenen Worten wiederzugeben. Es gibt Krückenautoren, die einem helfen, auf den Beinen zu bleiben, wenn ein Schiff wie diese Aufführung auf einen zukommt.Als ich vor sechs Monaten mit meinen Schauspielstudenten der Moskauer Kunsttheaterschule (Kurs von E. Pisarev) sprach, wurde mir klar, dass es für sie weder einen Unterschied noch eine Distanz zwischen dem 19. und dem 20. Jahrhundert gibt. Und vor kurzem fragte mich eine sehr junge und sehr talentierte Person, die im Fernsehen arbeitete, als sie ein Foto von Viktor Nekrasov sah: „Wer ist das?“ Er reagierte auf meine Antwort: „Das ist derjenige, der in Russland gut leben sollte.“» schrieb"?Ich war durch Gespräche mit den Studenten bereits vorbereitet und war nicht überrascht. Это сначала я думала, что неспособность членить историю на периоды и видеть различия, говорит об их недообразованности, но постепенно мне стало казаться, что здесь дело в ином: время для них, словно пространство в кино, снятое длиннофокусным объективом, - вроде бы человек идет (also, Zeit vergeht, Leerzeichen wird verstrichen), die Bewegung ist für den Betrachter jedoch nicht wahrnehmbar.
Oder vielleicht ist diese Unempfindlichkeit gegenüber der Bewegung der Zeit ein besonderer psychologischer Zustand, der in Zeiten auftritt, in denen die Geschichte einen traumatischen Sprung macht. Eine andere Erklärung kann akzeptiert werden, d. h. ein völlig anderes Verständnis von Zeit und Raum, um den Gedanken zu verstärken, zitiere ich Helena Blavatsky:
„Die Ewigkeit kann weder Vergangenheit noch Zukunft haben, sondern nur die Gegenwart, ebenso wie der grenzenlose Raum im streng wörtlichen Sinne weder ferne noch nahe Orte haben kann. Unsere auf den engen Bereich unserer Erfahrung beschränkten Vorstellungen versuchen, sich, wenn nicht an ein Ende, so doch zumindest an einen Anfang von Zeit und Raum anzupassen, aber keines von beiden existiert wirklich, denn in diesem Fall gäbe es keine Zeit. ewig und Raum – grenzenlos. Die Vergangenheit existiert nicht mehr als die Zukunft, wie wir gesagt haben; nur unsere Erinnerungen überleben; und unsere Erinnerungen sind nur schnell aufblitzende Bilder, die wir in den Spiegelungen dieser Vergangenheit erfassen, widergespiegelt in den Strömen des astralen Lichts ...“
Jetzt drehe ich mich in die andere Richtung. Kürzlich war ich bei einem Konzert eines brillanten Musikers und Freundes Vyacheslav Ganelin. Er improvisierte am Klavier. Plötzlich linke Hand ging zum Synthesizer, und der rechte konnte plötzlich für eine Sekunde beim Schlagzeuger landen. Als ich mir die musikalische Handlung anhörte, die der Komponist und Interpret ohne Worte erzählte, dachte ich, dass Ganelin wahrscheinlich ein Beidhändigkeitsspieler sei, vergaß jedoch nach dem Konzert, ihn danach zu fragen.
Die Performance „Who Lives Well in Rus“ wurde von Kirill Serebrennikov wie folgt inszeniert: 1. Es gibt keine Distanz zwischen Vergangenheit und Zukunft, sie ist komprimiert – ein imaginäres Objektiv mit langer Brennweite, das bewusst für die Arbeit gewählt wurde. 2. Dies ist eine beidhändige Aufführung, da die rechte und linke Hand des Regisseurs (wie die von Ganelin) unterschiedlich arbeiteten, wodurch ein unglaublich subtiler, komplexer und kraftvoller Mechanismus der Aufführung entstand.
Fast alle Werke von Kirill Serebrennikov handeln vom Vaterland, d.h. über das Land, in dem er geboren wurde und leben möchte, und versucht es deshalb mit seinem Verstand zu verstehen, vermeidet aber das Wissen, dass „man nur an Russland glauben kann“. Er beschäftigt sich mit der intellektuellen Psychoanalyse Russlands. Als gebildeter Mann seiner Generation und gleichzeitig mit reinem und tiefem Respekt vor den Erfahrungen seiner Vorgänger präsentiert Serebrennikov die Ergebnisse seiner psychoanalytischen Sitzung in der Sprache der Weltkultur, die nicht an eine bestimmte Geschichte gebunden ist Zeitraum. Wer hat diese Sprache geschaffen? Ich nenne nur einige Regisseure (obwohl es Künstler und Musiker gibt): Lyubimov, Efros, Fellini, Tarkovsky, Balabanov ... Ein Beispiel? Einer der ersten Schauspieler der letzten Taganka von Ljubow, Dmitri Wyssozki, tritt in dem Stück „Wer lebt gut in Russland“ mit einer Trompete auf, während Leonid Kanevsky mit ihr in dem Stück „104 Seiten über die Liebe“ von Efros auftrat, und so weiter Dies ist der Schlussszene des Films „8 ½“ Fellini entlehnt (Efros zitierte auch Fellini). Manche mögen sagen, dass ich alles erfinde, aber Serebrennikow hat Porträts von Regisseuren der Vorfahren im Foyer des Theaters, so wie auf Taganka Porträts von Stanislawski, Wachtangow, Meyerhold und Brecht lebten.
Wenn Serebrennikov diesen Text liest, wird er sagen, dass ich falsch liege und dass er an so etwas nicht gedacht hat. Ja, er hat wahrscheinlich nicht darüber nachgedacht, aber sein Unterbewusstsein hat darüber nachgedacht, und für eine Person von außen ist die Arbeit des Unterbewusstseins einer anderen Person auffälliger, daher werde ich nicht verlieren, selbst wenn Serebrennikov mit meinen Ideen nicht einverstanden ist Vertrauen in meine Einschätzung seiner Leistung.
Dies ist eine Performance über Russland, über seine Mikro- und Makrokosmen, über den russischen Abgrund zwischen dem Realen und dem Irrealen. In „Wem in Russland“ ist Russland ein Gefängnis, analog zu „Dänemark ist ein Gefängnis“, also gibt es irgendwo in der Ferne Stacheldraht, aus dem der Name des Stücks gewoben ist. Es leuchtet regelmäßig mit Neon auf und imitiert so das Zeichen eines modernen Ladens.
Die erste Aktion ist „Streit“. Hier erweist sich ein Kampf zwischen zwei Männern als eine Form des russischen Dialogs und ein Gruppenkampf als Ausdruck russischer Katholizität. Alles basiert auf den traditionellen Dualitäten, die Yuri Lotman und Boris Uspensky im Artikel „Die Rolle dualer Modelle in der Dynamik der russischen Kultur“ beschrieben haben. Sie leiteten den russischen Dualismus ab Orthodoxe Tradition in dem es keinen Platz für das Fegefeuer gab und wo nur Himmel und Hölle blieben, und deshalb muss der russische Held, obwohl er an der Gabelung von drei Straßen steht, nur zwischen zwei wählen: Leben oder Tod; Es gibt einen Gott, und ich bin ein Diener Gottes; oder es gibt keinen Gott – und alles ist erlaubt.
Das wichtigste russische Doppelmodell in der Aufführung ist der Gegensatz von Männern und Frauen. Lediglich in zwei Szenen kommt es zu einer Vermischung der beiden Geschlechtergruppen. In diesem Zusammenhang möchte ich an ein weiteres Thema erinnern, das der bemerkenswerte Wissenschaftler Michail Epstein beschrieben hat, nämlich über die Besonderheiten der russischen Freundschaft. Ich zitiere:
« Natürlich nicht unter sowjetischer Herrschaft, aber schon früher, in den tatarischen Steppen und auf dem russischen Land, entwickelten sich dieses getrennte Leben und gleichgeschlechtliche Süchte. Die Männer, wie erwartet, mit den Männern und die Frauen – mit den Frauen, und Gott verbiete den ersteren, reich zu werden oder Gleichberechtigung für die zweiten zu fordern. Von hier aus ist es nicht mehr weit bis zur Askese der Bolschewiki, die nicht im Geringsten klösterlicher, nicht christlicher Art ist, sondern genau in der spontanen bäuerlichen Homosexualität verwurzelt ist. „Ich habe mich nachts mit einer Frau angelegt – am nächsten Morgen wurde ich selbst eine Frau.“ Und dann wird der stolze Razin seine Schande los – er wirft Mutter Wolga eine persische Prinzessin zu, um wieder in den Männerkreis einzutreten. Also warfen die Revolutionäre ihre Familien und andere männliche „Schwächen“ in die Wolga, damit sie, Gott bewahre, nicht wütend würden und die Verachtung ihrer Kameraden nicht erregten. So kichern Teenager in Scharen über Mädchen. Dies ist das nervöse Stadium der Unreife, in dem sie die sexuelle Nichtdiskriminierung in der Kindheit bereits hinter sich gelassen haben, aber noch nicht zum Geschlechtsverkehr im Erwachsenenalter gekommen sind und nun in Herden wandeln, Jungen und Mädchen getrennt ”.
Hier im Stück werden Männer und Frauen getrennt. Der Zilpzalp-Vogel versprach, eine selbst zusammengestellte Tischdecke herzustellen, und die Männer warten auf ein Wunder vom Himmel, und von dort fällt ... eine Soldatenuniform. Die Armee ist eine Form einer Männermannschaft, in der der Soldat gefüttert und gewaschen wird, wie es der Trällerer versprochen hat. Aufgrund der aktiven Aktionen dieser Mannschaft wird jedoch mehr als eine Generation russischer Jungen ausschließlich von Frauen erzogen , weil männliche Väter im Land der Weiten unserer Heimat liegen blieben. Dies wird im zweiten Akt sein: „Drunk Night“.
Der zweite Akt basiert auf einem weiblichen Gesang „Es gibt keinen Tod“ und einem männlichen traumwandlerischen Tanz. Es beginnt so, als wäre es nicht „Wer soll in Russland gut leben“, sondern „Bobok“ von Dostojewski, also mit Zombiebewegungen. Allmählich verwandelt sich dieser Tanz in ein Geständnis eines törichten Körpers, dann in einen Tanz von Lastkahnschleppern, in die Beerdigung eines Revolutionärs, so dass ganz am Ende des Aktes russische Jungen auftauchen, die aus Zombies aufgewachsen sind und die jemand geschickt hat. zu Tode“ ging plötzlich in die Tiefen der Bühne, die wie ein endloser, tragisch wehrloser Gang mit unerschütterlicher Hand erscheint.“ Zu welchem Tod? Es ist nicht bekannt, wie wir wissen, gab es allein in Russland im 20. Jahrhundert viele Möglichkeiten zu töten: Zivil, 1937, patriotisch, afghanisch ... irgendetwas, aber es gab genug Kriege. Die Jungs gehen, und der Regen strömt von oben herab, die von Nebel überwuchert ist. Der Nebel scheint wie ein endloser Bart Gottes, so lang, dass ein Russe nicht dorthin gelangen kann, wo er wächst.
Dieser letzte Akt von Sereberennikows zweitem Akt erinnerte mich an eine Szene aus Rimas Tuminas‘ Eugen Onegin im Wachtangow-Theater. Tatjana Larina war in einem Wagen auf dem Weg nach Moskau, und aus irgendeinem Grund wirkte der Wagen, ohne sich optisch zu verändern, wie ein schwarzer Trichter von 1937. Wie das passiert ist, weiß ich nicht, aber ich habe es deutlich gesehen, oder vielleicht war es ein Abdruck der Familiengeschichte auf der Netzhaut meines Auges.
Der dritte Akt ist das Schicksal von Matryona (Evgenia Dobrovolskaya), das zum Schicksal des Landes heranwächst. Im ersten Akt war es Evgenia Dobrovolskaya, die den Vogel spielte, der den Bauern Militäruniformen schickte, d. h. „Das Mutterland ruft.“ In der letzten Folge hebt der Monolog der Schauspielerin die Aufführung auf das Niveau einer Volkstragödie.
Im dritten Akt - zwei Modevorführungen. Bei den Frauen blieb die Tracht in allen Variationen dem Thema und der roten Farbe treu. Mit einer Ausnahme – Trauerschwarz. Und die der Männer – ganz am Ende der Aufführung, wenn Männer in Khakihosen nach einer musikalischen Phrase wie auf Befehl T-Shirts mit unterschiedlichen Aufschriften übereinander anziehen. Die Inschrift spricht von Zugehörigkeit und Abhängigkeit zu einer Gruppe, einer Idee, einem Anführer, einem Getränk oder einer Handvoll Apofigisten. Genau wie der Baron in „At the Bottom“: „Mir kommt es so vor, als hätte ich mich mein Leben lang nur umgezogen ... aber warum? ... und das war's ... wie im Traum ... warum? ... A?"
Plötzlich schien es so
« Wer lebt gut in Russland?» - eine Performance über Frauen, über ihre stoische Unveränderlichkeit und über Männer, die auf der Suche nach Glück in den Tod gehen. Und er spricht auch darüber (ich sage es mit den Worten von Nikolai Erdman):« in die Masse einer degradierten Person» .Kirill Serebrennikov versammelt wie einst Lyubimov Gleichgesinnte – und seine Schüler und Vertreter anderer Theater sowie Musiker, Künstler und Sänger. Er lädt Anton Adasinsky ein. Serebrennikov stützt sich nicht mit seinem ganzen Talent auf die Standpunkte anderer Menschen, er erdrückt sie nicht unter sich, sondern sucht seinen eigenen Standpunkt, indem er mit und im Team arbeitet.
Serebrennikov ist ein brillanter Collagenkünstler, er ist der russische Theaterkünstler Kurt Schwitters, der mit verschiedenen Ebenen der Performance arbeitet. Hier gibt es eine Überlagerung, eine Vermischung und Transparenz, wenn ein Thema, eine Zeit, eine Idee durch ein anderes Thema, eine andere Zeit und eine andere Idee hindurchscheint. Und nicht nur Themen – es gibt auch einen historischen Karneval mit Kleidung aus verschiedenen Zeiten und sozialen Schichten und einer musikalischen Mischung aus Folk-, Pop-, Klassik- und Rockmelodien aus verschiedenen Epochen. Und hier ist Serebrennikov, wenn nicht der Erbe von Lyubimov, so doch ein direkter Dirigent des Begriffs, den Lyubimov aus der Emigration mitbrachte und als erster in Russland verwendete –
"Montage" .Die Schichten in Serebrennikovs Performance sind das Produkt freier Assoziationen zu einem bestimmten Thema, das heißt, dies ist es, was die Surrealisten automatisches Schreiben nannten. Er arbeitet mit Impulsen, die aus dem Unterbewusstsein kommen. Er ist ein forschendes Medium, ein Kontaktnehmer, und das Stück „Wer lebt gut in Russland“ ist eine Channeling-Sitzung sowohl für Schauspieler als auch für Zuschauer. Die Antworten kommen in Form von Bildern. Theater – als magisches Mittel, um einen Menschen zu reinigen und ihn in einen Zustand der Unschuld zurückzuführen. Was im Stück „Wem es gut ist, in Russland zu leben“ geschieht, ist Erlösung durch die Kunst.
Es ist gut für das Publikum im Gogol Center, intelligente Leute und einfach sympathisch. Jeder Bürger, dem Kultur nicht gleichgültig ist, kann diesen Live-Theaterraum besuchen. Eine Eintrittskarte für die Vorstellung ist lediglich für den Zutritt zum Theatersaal erforderlich, der immer voll ist. Im vom talentierten Kirill Serebrennikov geschaffenen Zentrum können Sie an jedem Tag:
Mit Geschmack in einem Café sitzen, interessiert Vorträgen zuhören (vor jeder Aufführung sprechen sie über die Epoche, den Dramatiker, schaffen die nötige Stimmung),
Schlendern Sie neugierig umher und machen Sie Fotos zwischen den Installationen,
Wenn Sie neugierig sind, erhalten Sie Zugang zur Theatermediathek (nur ein Reisepass ist erforderlich).
Und doch gibt es im Zentrum das „Gogol-Kino“ mit einer Geschichte und ausgewählten Premieren und „Gogol +“, wo man „live“ mit Schauspielern, Dramatikern und Regisseuren sprechen kann.
Im Allgemeinen besteht kein Grund, das Publikum hierher zu locken, es ist im Gogol Center - etwas Besonderes, so etwas wie das, dem das Taganka-Theater in den stagnierenden Siebzigern nicht nur wegen seines unbestreitbaren Talents, sondern auch wegen seines Revolutionärs treu blieb Charakter, Unähnlichkeit, Eigensinn.
Die Aufführung „WHO WILL LIVE WELL IN Rus“ ist ein Epos im Hinblick auf die Stärke seiner Konzeption, seines Textes, seines Geistes und seiner Ausführung. Es dauert vier Stunden mit zwei Pausen.
Drei Teile, drei Akte – „Dispute“, „Drunken Night“, „Feast for the Whole World“ – sind so unterschiedlich, als ob einem abends drei Vorstellungen statt einer gezeigt würden. Sie müssen sich nur auf die Wahrnehmung einer komplexen mehrdimensionalen Aktion einstellen. Und es ist verständlich, warum berühmte Opernhäuser Kirill Serebrennikov eingeladen haben. Der zweite Teil von „Drunken Night“ ist eine reine Oper, modern, meisterhaft, spannend und komplex umgesetzt. Hervorheben möchte ich das höchste Gesangsniveau der Schauspielerinnen des Gogol Centers – Rita Kron, Maria Selezneva, Irina Bragina, Ekaterina Steblina und andere.
Eine umfassende, mehrdimensionale Geschichte fasziniert, fesselt, die Zeit vergeht wie im Flug. Zwar verließen in der ersten Pause mehrere Personen das Theater, doch dies hatte keinen Einfluss auf die Qualität und Quantität des Publikums.
Ich betrachte mich nicht als Fan der Arbeit von Kirill Serebrennikov, obwohl ich mir von ganzem Herzen Sorgen um seine mache weiteres Schicksal- als Person und als freier Schöpfer. Aber bei dieser Aufführung, die bereits im dritten Jahr auf der Bühne des Gogol-Zentrums steht und ein außergewöhnliches Kulturereignis ist, habe ich alles akzeptiert. Ich war von der Arbeit eines eingespielten, freundlichen, professionellen Theaterteams begeistert. Plastiklösung (Anton Adasinsky), Gesang und musikalische Gestaltung(Komponisten Ilya Demutsky und Denis Khorov), ausdrucksstarke Kostüme (Polina Grechko, Kirill Serebrennikov). Aber das Wichtigste ist natürlich die Idee des Regisseurs. Wir alle haben die Nekrasov-Schule einmal kurz ohne Freude besucht und geglaubt, dass es in diesem Gedicht um ferne und fremde Zeiten geht und nicht um uns. Aber es ist die Zeit gekommen, in der es alle betrifft und noch immer alle betreffen wird. Auf die Frage „Wer lebt glücklich und frei in Russland?“ folgen heute so enttäuschende Antworten, dass selbst Optimisten die Augen ausgehen.
Nekrasovs Text, heute von Kirill Serebrennikov übersetzt, ist umwerfend. Die ikonische Pipeline, die der Regisseur-Szenograf quer durch das gesamte Bühnenland verlegt hat, erfasst die gesamte verarmte Bevölkerung (Frauen in Baumwollroben und Männer in Alkohol-T-Shirts). Alle Kräfte, Mittel und Jahre – diese Pfeife. Den Rest der Zeit verbringen wir mit alten Fernsehern und Wodka mit Handgemenge. In der Tiefe hinter dem Rohr sieht man eine Mauer mit Stacheldraht darauf ... wohin? - Der Künstler reflektiert prophetisch. Und sieben Bauern machen sich auf den Weg, gequält von Fragen, die sie nicht ausdrücken können, und beschließen, das Volk zu fragen: „Wer lebt glücklich und frei in Russland?“
Wie gehen sie Heimatland wie sie sich abmühen - Sie müssen nebenbei sehen und nicht vergessen, die Aufschriften auf zahlreichen T-Shirts immer wieder zu lesen, mit dem Herzen zuzuhören und nachzudenken ... denken ...
Und wie die Folksängerin im Stil von Zykina-Voronets – die schöne Rita Kron – von Fragen ablenkt und das Ohr erfreut.
Die vielfarbige Aufführung ist wie Russland, stellenweise gruselig, unhöflich, unansehnlich, aber schön, freundlich, immens ...
Bei der Produktion gibt es viele Überraschungen. Im dritten Teil der Aufführung zum Beispiel jubeln müde Zuschauer, Nekrasovs „Muschiks“, die durch den Saal wandern, mit einem Haufen und servieren Wodka aus einem Eimer denen, die die Frage beantworten, warum er glücklich ist. Primitive Antworten wie: „Ich freue mich, weil mir der Auftritt wirklich gefällt …“ werden in keiner Weise gefördert.
Die zentrale Figur des Finales ist der Monolog der „glücklichen“ Frau. Matrena (Evgenia Dobrovolskaya) spricht über ihr Russisch weiblicher Lappen so dass die gesamte männliche Bevölkerung stirbt. Demut als Reaktion auf Demütigung ist das Einzige, was Russland seit Jahrhunderten bewahrt, während es durch Aufstände und Revolutionen, Stagnation und Perestroika, Feudalismus, Sozialismus, Kapitalismus wandert ...
Was erwartet dich, was willst du, Rus'?
Gibt keine Antwort...
Foto von Ira Polyarnaya
GogolCentre, Performance „Who Lives Well in Rus“, Regie: Kirill Serebrennikov
Die neue Saison im Gogol Center wurde mit einer Premiere unter der Schirmherrschaft des Chereshnevy Les Festivals eröffnet. Im Anschluss an Nekrasov stellte sich Regisseur Kirill Serebrennikov die Frage: „Wer lebt gut in Russland?“ Ich habe gemeinsam mit den Schauspielern nach der Antwort darauf gesucht. Zunächst begaben sie sich gemeinsam auf eine Expedition zu den Lebensorten des Autors und der Helden des Gedichts. Die erste Station war Karabikha – Nekrasovs Anwesen.
Nekrasov schrieb, dass er das Gedicht „Wem es gut ist, in Russland zu leben“ „nach Worten“ zusammengestellt habe. Kirill Serebrennikov begann mit der Zusammenstellung einer Inszenierung auf der Grundlage dieses Gedichts während einer Reise mit der Truppe des Gogol-Zentrums durch Russland.
Der Regisseur nahm die jungen Künstler mit, um zu sehen, wie das Land funktioniert, und um sich zu verlieben – was wichtig ist! - Es ist einfach so. Er sagt, dass man das in einer komfortablen Hauptstadt nicht verstehen kann! Sie spielen hier nicht über die Bauern. Nekrasovs Text wurde den heutigen Helden in den Mund gelegt – einem Volk, das bei Reisenden einen widersprüchlichen Eindruck hinterließ. Eigentlich wie der Autor der Originalquelle.
„Diese „Qualität“, diese Bandbreite – „Du bist arm, du bist reich, du bist arm, du bist reich, du bist schrecklich, du bist schön“ – die Bandbreite an Gefühlen, Leidenschaften, menschlichen Qualitäten – das ist sehr wichtig „Eigentum Russlands, und das ist wichtig für das Verständnis von Nekrasov“, ist Regisseur Kirill Serebrennikov überzeugt.
Wie Nekrasov bestand die Aufführung aus verschiedenen Teilen, separaten Kapiteln. Das Prinzip der Collage spiegelte sich im Genre wider. Hier und Performance und Drama und Rockoper. Der zweite Teil der Aufführung heißt „Drunk Night“. Sie ist sprachlos. Einzig und allein auf Choreografie aufgebaut.
„Wir haben die Geschichte der „Betrunkenen“ verlassen, wir haben die Geschichte des Wodkas verlassen, wir haben die Geschichte eines sündigen Mannes in einer wattierten Jacke verlassen – wir sind zu einer anderen Realität dieses über die Welt fliegenden Mannes gelangt, der Glück will !“, erklärt der Regisseur-Choreograf Anton Adasinsky.
Das kollektive Bild der „Russin“ lag auf den Schultern von Evgenia Dobrovolskaya, die speziell für diese Produktion eingeladen wurde. Es ist nicht das erste Mal, dass Serebrennikov sich kopfüber in Experimente mit den Klassikern stürzt. Die Schauspielerin nahm nicht an der Expedition teil.
„Ich muss nicht durch Russland reisen. Ich weiß das alles gut genug. Nekrasov ist eine Art Dichter, er hat über dieses Russland geschrieben, das die Jungs einfach gesehen haben, und es ist wunderbar geworden Dokumentarfilm. Aber das ist alles unbewusst und liegt immer noch im Blut“, sagt Evgenia Dobrovolskaya, Volkskünstlerin Russlands.
Sowohl das nach der Abschaffung der Leibeigenschaft verfasste Gedicht als auch diese Aufführung handeln von Freiheit und Sklaverei. Über die Wahl, die ein Russe trifft. Und über die „russische Welt“, deren Grenzen und Wesen die Schöpfer des Stücks zu finden versuchen. Und auf die sakramentale Frage „Wer lebt glücklich und frei in Russland?“ antworten sie wie Nikolai Nekrasov nicht.
