Morgen in einem Kiefernwald. Beschreibung des Gemäldes von Shishkin. Warum wurde der Name des Künstlers Konstantin Savitsky aus dem Entstehungsjahr der Leinwand „Morgen im Kiefernwald Morgen im Kiefernwald“ gelöscht?

Kompositionsplan:

I.I. Shishkin ist Landschaftsmaler.
Frühsommermorgen.
Vordergrund:
- Wald;
- ein vom Sturm zerbrochener Baum;
- lustige Bärenjunge;
- fürsorgliche Mutter;
Hintergrund (Nebel).
Meine Meinung zu diesem Bild.

Iwan Iwanowitsch Schischkin ist ein herausragender russischer Landschaftsmaler. Er schuf viele Gemälde, in denen er die Schönheit und Poesie seiner heimischen Weiten besingt. Endlose Waldweiten, sonnendurchflutete Birken- und Eichenhaine, mächtige Schiffskiefern ....

Auf seinen Leinwänden wird eine vielfältige Pflanzenwelt erstaunlich genau und realistisch dargestellt, die unter dem Pinsel des Meisters zum Leben zu erwachen scheint, atmet, uns Frische und Kühle schenkt, abendliche Traurigkeit hervorruft oder umgekehrt helle Freude aus der Betrachtung weckt Schönheit. Gemälde „Morgen herein Kiefernwald Viele von uns kennen und lieben sie seit ihrer Kindheit. Kein Wunder, dass es als eines der besten Werke Shishkins gilt.

Das Bild zeigt eine große Bärenfamilie. Am frühen Sommermorgen gingen drei kleine Bärenjunge und ihre Bärenmutter spazieren. Die Sonne geht gerade auf. Es beleuchtet sanft die Wipfel riesiger Kiefern. Dichter Nebel hüllt den Wald ein. Es wird sich bald von den Sonnenstrahlen auflösen. Auf einer kleinen Lichtung, wo sich die Bären versammelten, war er fast geschmolzen.

Die Tiere wanderten in einen Nadelwald und entdeckten zufällig einen alten, verdorrten Baum, der während eines kürzlichen Sturms gebrochen war. Sein Stamm brach mit einem Knall in zwei Teile, und seine riesigen Wurzeln stellten sogar die Erde auf den Kopf.

Die auf dem Bild abgebildeten Jungen sind braun gefärbt. Sie sind noch nicht ganz groß, schelmisch, klumpfüßig. Zwei von ihnen haben kleine weiße Halsbänder um den Hals. Der Mutigste von ihnen kletterte fast bis zur Spitze des Stammes eines zerbrochenen Baumes und hing an dessen Kante, klammerte sich mit seinen Krallen an die raue Rinde und sah aus, als würde er in die Schlucht fallen. Und der zweite kam nur so weit bis zur Mitte.

Wahrscheinlich möchte er auch höher klettern, aber es ist beängstigend. Hier sitzt er ungeschickt auf einem Baum und schaut hilflos auf die Bärenmutter, ohne zu wissen, was er als nächstes tun soll. Der dritte, der vorsichtigste, kletterte auf die andere Hälfte des zerbrochenen Baumes, der auf den Hang der Schlucht fiel, aber nicht hineinrollte, sondern sich an den Ästen einer benachbarten Kiefer verfing. Der kleine Bär stellte sich vorsichtig auf die Hinterbeine, legte den Kopf leicht schief und lauschte den Geräuschen des erwachenden Waldes, während er in den dichten Nebel spähte. Dort, im Nebel, wiegen und rascheln hohe, grüne Kiefern.

Der Bär ist groß, zottelig, braun. Wie jede Mutter macht sie sich Sorgen um ihre schelmischen Jungen, die verspielt und unruhig sind. Sie knurrt sogar und warnt sie wahrscheinlich, dass sie vom Baum fallen könnten und vorsichtig sein sollten. Oder vielleicht hat sie eine Gefahr bemerkt und möchte ihre Kinder davor warnen. Es ist Zeit, den Morgenspaziergang zu beenden und tief in den Wald vorzudringen. Sie eilt von einem Bärenjungen zum nächsten, das dunkelgrüne Gras zertrampelt unter ihr.

Der Künstler vermittelt gekonnt die Atmosphäre des frühen Morgens im Wald. Weiches, diffuses Licht fällt durch die dichten Baumkronen und wirkt golden. Im Hintergrund ist der Nebel ein Schleier, durch den schlanke Kiefernstämme zu erahnen sind. Durch einen leicht unscharfen Hintergrund ist die gesamte Aufmerksamkeit des Publikums auf die Bärenfamilie gerichtet.

Ich mag dieses Bild wirklich, weil es eine lustige und lebendige Geschichte zeigt und die Jungen so süß und lustig sind. Ich möchte einfach nur mit ihnen spielen, ihr weiches braunes Fell streicheln!

Die Nonne von Ilja Repin

Ilja Repin. Nonne. 1878. Staatliche Tretjakow-Galerie / Porträt im Röntgenbild

Ein junges Mädchen in streng klösterlicher Kleidung blickt den Betrachter vom Porträt aus nachdenklich an. Das Bild ist klassisch und vertraut – ohne die Memoiren von Lyudmila Alekseevna Shevtsova-Spore, der Nichte von Repins Frau, hätte es bei Kunstkritikern wahrscheinlich kein Interesse geweckt. Sie haben eine interessante Geschichte.

Sophia Repina, geborene Shevtsova, posierte für Ilya Repin für „The Nun“. Das Mädchen war die Schwägerin des Künstlers – und Repin selbst war einst ernsthaft in sie verliebt, heiratete aber ihre jüngere Schwester Vera. Sophia wurde auch die Frau von Repins Bruder Wassili, einem Orchestermitglied des Mariinsky-Theaters.

Dies hinderte den Künstler nicht daran, immer wieder Porträts von Sophia zu malen. Für einen von ihnen posierte das Mädchen in einem zeremoniellen Ballsaal: ein leichtes, elegantes Kleid, Spitzenärmel, hohes Haar. Während der Arbeit an dem Gemälde geriet Repin ernsthaft in Streit mit dem Modell. Wie Sie wissen, kann jeder einen Künstler beleidigen, aber nur wenige können sich so einfallsreich rächen wie Repin. Der beleidigte Künstler „kleidete“ Sophia im Porträt in klösterliche Kleidung.

Die einem Scherz ähnelnde Geschichte wurde durch ein Röntgenbild bestätigt. Die Forscher hatten Glück: Repin entfernte die ursprüngliche Farbschicht nicht, was es ermöglichte, das ursprüngliche Outfit der Heldin im Detail zu untersuchen.

„Park Alley“ von Isaac Brodsky

Isaac Brodsky. Parkgasse. 1930. Privatsammlung / Isaac Brodsky. Parkgasse in Rom. 1911

Repins Schüler Isaac Brodsky hinterließ den Forschern ein ebenso interessantes Rätsel. In der Tretjakow-Galerie befindet sich sein Gemälde „Park Alley“, das auf den ersten Blick unauffällig ist: Brodsky hatte viele Werke zum Thema „Park“. Je weiter man jedoch in den Park hineingeht, desto bunter werden die Schichten.

Einer der Forscher bemerkte, dass die Komposition des Gemäldes verdächtig an ein anderes Werk des Künstlers erinnerte – „Park Alley in Rom“ (Brodsky geizte mit den Originaltiteln). Dieses Gemälde galt lange Zeit als verschollen und seine Reproduktion wurde nur in einer eher seltenen Auflage von 1929 veröffentlicht. Mit Hilfe einer Röntgenaufnahme wurde eine römische Gasse gefunden, die auf mysteriöse Weise verschwunden war – direkt unter der sowjetischen. Der Künstler räumte das bereits fertige Bild nicht ab, sondern nahm lediglich einige einfache Änderungen daran vor: Er wechselte die Kleidung der Passanten in der Mode der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts, „nahm“ den Kindern das Serso weg, Die Marmorstatuen wurden entfernt und die Bäume leicht verändert. So verwandelte sich der sonnige italienische Park mit ein paar leichten Handbewegungen in einen vorbildlichen sowjetischen Park.

Auf die Frage, warum Brodsky beschloss, seine römische Gasse zu verstecken, fanden sie keine Antwort. Es ist jedoch davon auszugehen, dass die Darstellung des „bescheidenen Charmes des Bürgertums“ im Jahr 1930 bereits aus ideologischer Sicht unangemessen war. Dennoch ist „Park Alley“ von allen postrevolutionären Landschaftswerken Brodskys das interessanteste: Trotz der Veränderungen behielt das Bild die bezaubernde Eleganz der Moderne, die leider nicht mehr im sowjetischen Realismus zu finden war.

„Morgen im Kiefernwald“ von Ivan Shishkin

Ivan Shishkin und Konstantin Savitsky. Morgen in einem Kiefernwald. 1889. Staatliche Tretjakow-Galerie

Eine Waldlandschaft mit Jungen, die auf einem umgestürzten Baum spielen, ist vielleicht das Beste bemerkenswerte Arbeit Künstler. Das ist nur die Idee der Landschaft, die Ivan Shishkin von einem anderen Künstler inspiriert hat - Konstantin Savitsky. Er malte auch eine Bärin mit drei Jungen: Bären, einem Waldexperten, Shishkin, gelang das überhaupt nicht.

Shishkin verstand die Waldflora tadellos und bemerkte die kleinsten Fehler in den Zeichnungen seiner Schüler – entweder ist die Birkenrinde nicht auf die gleiche Weise dargestellt, oder die Kiefer sieht aus wie eine Fälschung. Allerdings waren Menschen und Tiere in seinem Werk schon immer eine Seltenheit. Hier kam Savitsky zur Rettung. Übrigens hinterließ er den Jungen mehrere vorbereitende Zeichnungen und Skizzen – er war auf der Suche nach passenden Posen. „Morgen im Kiefernwald“ war ursprünglich nicht „Morgen“: Das Gemälde hieß „Bärenfamilie im Wald“ und es waren nur zwei Bären darauf zu sehen. Als Co-Autor brachte Savitsky seine Unterschrift auf die Leinwand.

Als die Leinwand dem Kaufmann Pavel Tretjakow übergeben wurde, war er empört: Er bezahlte Shishkin (bestellte das Werk des Autors), erhielt aber Shishkin und Savitsky. Shishkin, wie gerechter Mann, schrieb sich die Urheberschaft nicht selbst zu. Aber Tretjakow blieb prinzipiell und löschte Savitskys Unterschrift blasphemisch mit Terpentin vom Bild. Savitsky lehnte später vornehm das Urheberrecht ab und die Bären wurden lange Zeit Shishkin zugeschrieben.

„Porträt eines Chormädchens“ von Konstantin Korovin

Konstantin Korowin. Porträt einer Chorsängerin. 1887. Staatliche Tretjakow-Galerie / Rückseite des Porträts

Auf der Rückseite der Leinwand fanden die Forscher eine Botschaft von Konstantin Korovin auf Karton, die sich als fast interessanter herausstellte als das Gemälde selbst:

„Im Jahr 1883 entstand in Charkow ein Porträt einer Chorsängerin. Geschrieben auf einem Balkon in einem kommerziellen öffentlichen Garten. Repin sagte, als ihm Mamontov S.I. diese Skizze zeigte, dass er, Korovin, schreibe und nach etwas anderem suche, aber wofür es sei – das sei Malerei nur zum Malen. Serov hatte zu diesem Zeitpunkt noch keine Porträts gemalt. Und die Bemalung dieser Skizze wurde für unverständlich befunden??!! Also bat mich Polenov, diese Skizze aus der Ausstellung zu entfernen, da sie weder den Künstlern noch den Mitgliedern – Herrn Mosolov und einigen anderen – gefällt. Das Model war eine hässliche Frau, sogar einigermaßen hässlich.
Konstantin Korowin

Der „Brief“ entwaffnete mit seiner Direktheit und mutigen Herausforderung die gesamte Künstlergemeinschaft: „Serov hatte damals noch keine Porträts gemalt“ – aber sie wurden von ihm, Konstantin Korovin, gemalt. Und er war angeblich der erste, der Techniken verwendete, die für den Stil charakteristisch waren, der später als russischer Impressionismus bezeichnet wurde. Doch all dies stellte sich als Mythos heraus, den der Künstler absichtlich geschaffen hatte.

Die harmonische Theorie „Korowin – der Vorläufer des russischen Impressionismus“ wurde durch objektive technische und technologische Forschung gnadenlos zerstört. Auf der Vorderseite des Porträts fanden sie die Unterschrift des Künstlers in Farbe, etwas tiefer in Tinte: „1883, Charkow.“ In Charkow arbeitete der Künstler von Mai bis Juni 1887: Er malte Bühnenbilder für die Aufführungen der russischen privaten Mamontow-Oper. Darüber hinaus stellten Kunstkritiker fest, dass das „Porträt einer Chorsängerin“ auf eine bestimmte künstlerische Art und Weise – a la prima – angefertigt wurde. Diese Technik der Ölmalerei ermöglichte es, ein Bild in einer Sitzung zu malen. Korovin begann diese Technik erst Ende der 1880er Jahre anzuwenden.

Nach der Analyse dieser beiden Inkonsistenzen, Mitarbeiter Tretjakow-Galerie kam zu dem Schluss, dass das Porträt erst 1887 gemalt wurde, und Korovin fügte ein früheres Datum hinzu, um seine eigene Innovation hervorzuheben.

„Mann und Wiege“ von Ivan Yakimov

Iwan Jakimow. Mann und Wiege.1770. Staatliche Tretjakow-Galerie / Vollversion des Werkes

Lange Zeit gab Ivan Yakimovs Gemälde „Ein Mann und eine Wiege“ Kunsthistorikern Rätsel auf. Dabei ging es nicht einmal darum, dass diese Art von Alltagsskizzen absolut untypisch sind Gemälde XVIII Jahrhundert - das Schaukelpferd in der unteren rechten Ecke des Bildes hat ein zu unnatürlich gespanntes Seil, das logischerweise auf dem Boden hätte liegen müssen. Ja, und für ein Kind von der Wiege an war es noch zu früh, solche Spielzeuge zu spielen. Außerdem passte der Kamin nicht einmal zur Hälfte auf die Leinwand, was sehr seltsam aussah.

„Erleuchtete“ die Situation – im wahrsten Sinne des Wortes – durch Röntgen. Sie zeigte, dass die Leinwand rechts und oben geschnitten war.

Das Gemälde gelangte nach dem Verkauf der Sammlung von Pawel Petrowitsch Tugogoi-Swinin in die Tretjakow-Galerie. Er besaß das sogenannte „Russische Museum“ – eine Sammlung von Gemälden, Skulpturen und Antiquitäten. Doch 1834 musste die Sammlung aus finanziellen Gründen verkauft werden – und das Gemälde „Ein Mann und eine Wiege“ landete in der Tretjakow-Galerie: nicht alles, sondern nur die linke Hälfte. Das rechte Exemplar ist leider verloren gegangen, aber Sie können das Werk dank einer weiteren einzigartigen Ausstellung der Tretjakow-Galerie immer noch in seiner Gesamtheit sehen. Die vollständige Version von Yakimovs Werk befand sich im Album „Sammlung hervorragender Werke russischer Künstler und neugieriger inländischer Antiquitäten“, das Zeichnungen der meisten Gemälde der Svinin-Sammlung enthält.

Im letzten Jahrhundert" Morgen in einem Kiefernwald“, das das Gerücht, den Gesetzen der Arithmetik trotzend, in „Drei Bären“ taufte, zum am häufigsten reproduzierten Bild in Russland wurde: Shishkin-Bären schauen uns aus Bonbonpapier, Grußkarten, Wandteppichen und Kalendern an; Selbst von allen Kreuzstichpackungen, die in All for Needlework-Läden verkauft werden, sind diese Bären die beliebtesten.

Übrigens, wie ist der Morgen hier?!

Es ist schließlich bekannt, dass dieses Gemälde ursprünglich „Die Bärenfamilie im Wald“ hieß. Und sie hatte zwei Autoren – Ivan Shishkin und Konstantin Savitsky: Shishkin malte den Wald, aber die Bären selbst gehörten zu den Pinseln des letzteren. Aber Pavel Tretyakov, der diese Leinwand kaufte, ordnete an, das Gemälde umzubenennen und nur noch einen Künstler, Ivan Shishkin, in allen Katalogen zu belassen.

- Warum? - Mit einer solchen Frage war Tretjakow viele Jahre lang beschäftigt.

Nur einmal erläuterte Tretjakow die Beweggründe für sein Vorgehen.

- Auf dem Bild, - antwortete der Philanthrop, - spricht alles, von der Idee bis zur Ausführung, von der Art der Malerei, von kreative Methode charakteristisch für Shishkin.

„Bär“ – das war der Spitzname von Ivan Shishkin selbst in seiner Jugend.

Shishkin war riesig groß, düster und still und versuchte immer, sich von lauten Gesellschaften und Spaß fernzuhalten, und zog es vor, ganz allein irgendwo im Wald spazieren zu gehen.

Er wurde im Januar 1832 in der bärischsten Ecke des Reiches geboren - in der Stadt Jelabuga in der damaligen Provinz Wjatka, in der Familie des Kaufmanns der ersten Zunft Iwan Wassiljewitsch Schischkin, eines einheimischen Romantikers und Exzentrikers, der ihn liebte weniger Getreidehandel als vielmehr archäologische Forschung und soziale Aktivitäten.

Vielleicht schimpfte Iwan Wassiljewitsch deshalb nicht mit seinem Sohn, als er nach vier Jahren Studium am Kasaner Gymnasium das Studium aufgab, mit der festen Absicht, nie wieder zum Studium zurückzukehren. „Nun, ich gebe auf und gebe auf“, Shishkin Sr. zuckte mit den Schultern, „es ist nicht jedermanns Sache, eine bürokratische Karriere aufzubauen.“

Aber Ivan interessierte sich nur für Wanderungen in den Wäldern. Jedes Mal lief er vor Tagesanbruch von zu Hause weg, kehrte aber erst nach Einbruch der Dunkelheit zurück. Nach dem Abendessen schloss er sich schweigend in seinem Zimmer ein. Er hatte weder Interesse an der Frauengesellschaft noch an der Gesellschaft seiner Altersgenossen, denen er wie ein Waldwilder vorkam.

Die Eltern versuchten, ihren Sohn in das Familienunternehmen einzubinden, aber auch Ivan zeigte kein Interesse am Handel. Darüber hinaus haben ihn alle Kaufleute getäuscht und übervorteilt. „Unser arithmetischer Grammatiker ist in Handelsfragen ein Idiot“, beklagte sich seine Mutter in einem Brief an ihren ältesten Sohn Nikolai.

Doch dann tauchten 1851 Moskauer Künstler im ruhigen Jelabuga auf und wurden berufen, die Ikonostase in der Domkirche zu malen. Mit einem von ihnen - Ivan Osokin - lernte Ivan bald kennen. Es war Osokin, der das Verlangen des jungen Mannes nach Zeichnen bemerkte. Er nahm den jungen Shishkin als Lehrling in einem Artel auf, brachte ihm das Vorbereiten und Rühren von Farben bei und riet ihm später, nach Moskau zu gehen und an der Schule für Malerei und Bildhauerei der Moskauer Kunstgesellschaft zu studieren.

Verwandte, die das Unterholz bereits aufgegeben hatten, wurden sogar munter, als sie vom Wunsch ihres Sohnes erfuhren, Künstler zu werden. Besonders der Vater, der jahrhundertelang davon träumte, die Familie Shishkin zu verherrlichen. Zwar glaubte er, dass er selbst der berühmteste Schischkin werden würde – als Amateurarchäologe, der die alte Teufelssiedlung in der Nähe von Jelabuga freilegte. Deshalb stellte sein Vater Geld für die Bildung bereit, und 1852 machte sich der 20-jährige Iwan Schischkin auf den Weg, um Moskau zu erobern.

Es waren seine sprachbegabten Kameraden an der Schule für Malerei und Bildhauerei, die ihm den Spitznamen „Bär“ gaben.

Wie sich sein Klassenkamerad Pjotr Krymow erinnerte, mit dem Schischkin gemeinsam ein Zimmer in einem Herrenhaus in der Charitonewski-Gasse gemietet hatte, „hat unser Bär bereits alle Sokolniki bestiegen und alle Lichtungen bemalt.“

Er machte jedoch Skizzen in Ostankino, in Sviblovo und sogar in der Dreifaltigkeits-Sergius-Lavra – Shishkin arbeitete wie unermüdlich. Viele wunderten sich: An einem Tag fertigte er so viele Skizzen an, wie andere in einer Woche kaum schaffen könnten.

Im Jahr 1855 beschloss Shishkin nach seinem hervorragenden Abschluss an der Malschule, die Kaiserliche Akademie der Künste in St. Petersburg zu besuchen. Und obwohl Absolventen der Moskauer Schule laut damaliger Rangliste tatsächlich den gleichen Status hatten wie Absolventen der St. Petersburger Akademie der Künste, wollte Shishkin einfach leidenschaftlich das Malen bei den besten europäischen Meistern der Malerei lernen.

Das Leben in der lauten Hauptstadt des Imperiums veränderte Shishkins ungeselligen Charakter überhaupt nicht. Wie er in Briefen an seine Eltern schrieb, wäre er ohne die Gelegenheit, Malerei bei den besten Meistern zu erlernen, schon vor langer Zeit in seine Heimatwälder zurückgekehrt.

„Petersburg ist müde“, schrieb er im Winter 1858 an seine Eltern. - Heute waren wir am Admiralteiskaya-Platz, wo, wie Sie wissen, die Farbe der St. Petersburger Fastnacht herrscht. Es ist alles so ein Unsinn, Unsinn, Vulgarität, und das angesehenste Publikum, das sogenannte höhere Publikum, strömt zu Fuß und in Kutschen herbei, um einen Teil ihrer langweiligen und müßigen Zeit totzuschlagen und sofort zuzusehen, wie das untere Publikum seinen Spaß hat. Und wir, die Leute, die das Durchschnittspublikum ausmachen, wollen nicht zuschauen ...“

Und hier ist ein weiterer Brief, der bereits im Frühjahr geschrieben wurde: „Auf dem Kopfsteinpflaster erschien dieses unaufhörliche Kutschendonner, zumindest stört es mich im Winter nicht.“ Hier kommt der erste Feiertag, unzählige Menschen erscheinen auf den Straßen von ganz Petersburg und machen mit Dreispitz, Helmen, Kokarden und ähnlichem Unsinn Besuch. Seltsamerweise trifft man in St. Petersburg jede Minute entweder einen dickbäuchigen General oder einen Offiziersstab oder einen korrupten Beamten – diese Persönlichkeiten sind einfach zahllos, man könnte meinen, dass ganz Petersburg nur von ihnen voll ist, diesen Tiere ... "

Der einzige Trost, den er in der Hauptstadt findet, ist die Kirche. Paradoxerweise fand Shishkin gerade im lauten St. Petersburg, wo viele Menschen in jenen Jahren nicht nur ihren Glauben, sondern auch ihr sehr menschliches Aussehen verloren, den Weg zu Gott.

In Briefen an seine Eltern schrieb er: „Wir haben eine Kirche an der Akademie im Gebäude selbst, und während des Gottesdienstes verlassen wir den Unterricht und gehen in die Kirche, aber am Abend nach dem Unterricht zur Mahnwache gibt es keine Matinen.“ Und ich sage Ihnen gerne, dass es so angenehm, so gut, so gut wie möglich ist, als ob jemand, der was getan hat, alles stehen lässt, geht, zurückkommt und wieder das Gleiche tut wie zuvor. So gut die Kirche ist, so geht der Klerus voll und ganz darauf ein, der Priester ist ein respektabler, freundlicher alter Mann, er besucht oft unsere Kurse, er spricht so einfach, faszinierend, so anschaulich ...“

Auch Shishkin sah in seinem Studium den Willen Gottes: Er musste den Professoren der Akademie das Recht eines russischen Künstlers beweisen, russische Landschaften zu malen. Das war gar nicht so einfach, denn damals galten die Franzosen Nicolas Poussin und Claude Lorrain als Koryphäen und Götter des Landschaftsgenres, die entweder majestätische Alpenlandschaften oder die schwüle Natur Griechenlands oder Italiens malten. Russische Räume galten als Reich der Wildheit, unwürdig, auf Leinwand dargestellt zu werden.

Ilja Repin, der wenig später an der Akademie studierte, schrieb: „Die Natur ist real, die schöne Natur wurde nur in Italien anerkannt, wo es ewig unerreichbare Beispiele höchster Kunst gab.“ Die Professoren sahen alles, studierten es, wussten es und führten ihre Studenten zum gleichen Ziel, zu den gleichen unvergänglichen Idealen…“

I.I. Schischkin. Eiche.

Aber es ging nicht nur um Ideale.

Ab der Zeit Katharinas II. strömten Ausländer in die Künstlerkreise St. Petersburgs: Franzosen und Italiener, Deutsche und Schweden, Niederländer und Briten arbeiteten an Porträts königlicher Würdenträger und Mitglieder der kaiserlichen Familie. Es genügt, an den Engländer George Doe zu erinnern, den Autor der Heldenporträtserie Vaterländischer Krieg 1812, der unter Nikolaus I. offiziell zum Ersten Künstler des kaiserlichen Hofes ernannt wurde. Und während Shishkin an der Akademie studierte, glänzten am Hof in St. Petersburg die Deutschen Franz Kruger und Peter von Hess, Johann Schwabe und Rudolf Frentz, die sich auf die Darstellung von High-Society-Vergnügungen – vor allem Bällen und Jagd – spezialisiert hatten. Außerdem jagten die russischen Adligen den Bildern zufolge überhaupt nicht in den nördlichen Wäldern, sondern irgendwo in den Alpentälern. Und natürlich inspirierten Ausländer, die Russland als Kolonie betrachteten, die St. Petersburger Elite unermüdlich mit der Idee der natürlichen Überlegenheit alles Europäischen über das Russische.

Es war jedoch unmöglich, Shishkins Sturheit zu brechen.

„Gott hat mir diesen Weg gezeigt; den Weg, auf dem ich jetzt bin, er führt mich entlang; und wie Gott unerwartet zu meinem Ziel führen wird“, schrieb er an seine Eltern. „Eine feste Hoffnung auf Gott tröstet mich in solchen Fällen, und unwillkürlich wird eine Hülle dunkler Gedanken von mir geworfen…“

Er ignorierte die Kritik der Lehrer und malte weiterhin Bilder russischer Wälder, wobei er seine Zeichentechnik bis zur Perfektion verfeinerte.

Und er erreichte sein Ziel: 1858 erhielt Shishkin die Große Silbermedaille der Akademie der Künste für Federzeichnungen und Bildskizzen, die auf der Insel Walaam entstanden waren. Im folgenden Jahr erhielt Shishkin die Goldmedaille der zweiten Konfession für die Walaam-Landschaft, die auch das Recht einräumt, auf Kosten des Staates im Ausland zu studieren.

I.I. Schischkin. Blick auf die Insel Walaam.

Im Ausland sehnte sich Shishkin schnell nach seiner Heimat.

Die Berliner Akademie der Künste wirkte wie ein schmutziger Schuppen. Die Ausstellung in Dresden ist die Identität des schlechten Geschmacks.

„Aus unschuldiger Bescheidenheit machen wir uns Vorwürfe, dass wir nicht schreiben können oder unhöflich, geschmacklos und nicht wie im Ausland schreiben“, schrieb er in sein Tagebuch. - Aber so viel wie wir hier in Berlin gesehen haben - wir haben natürlich viel besseres, nehme ich als General an. Ich habe noch nie etwas Gefühlloseres und Geschmackloseres gesehen als die Malerei hier in der Dauerausstellung – und hier sind nicht nur Dresdner Künstler, sondern aus München, Zürich, Leipzig und Düsseldorf mehr oder weniger allesamt Vertreter der großen deutschen Nation. Natürlich betrachten wir sie mit der gleichen Unterwürfigkeit, wie wir alles im Ausland betrachten ... Von allem, was ich im Ausland gesehen habe, hat mich bisher nichts so verblüfft, wie ich erwartet hatte, sondern im Gegenteil, ich bin selbstbewusster geworden ... »

Er ließ sich weder von der Bergkulisse der Sächsischen Schweiz verführen, wo er bei dem berühmten Tiermaler Rudolf Koller studierte (entgegen Gerüchten konnte Shishkin also hervorragend Tiere zeichnen), noch von den böhmischen Landschaften mit Miniaturbergen oder der Schönheit vergangener Zeiten München, noch Prag.

„Jetzt wurde mir gerade klar, dass ich es nicht geschafft habe“, schrieb Shishkin. „Prag ist nichts Besonderes, und auch die Umgebung ist dürftig.“

I.I. Schischkin. Dorf in der Nähe von Prag. Aquarell.

Nur der uralte Teutoburger Wald mit jahrhundertealten Eichen, der noch an die Zeit des Einmarsches der römischen Legionen erinnert, fesselte kurz seine Fantasie.

Je mehr er durch Europa reiste, desto mehr wollte er nach Russland zurückkehren.

Aus Sehnsucht geriet er sogar einmal in eine sehr unangenehme Geschichte. Einmal saß er in einer Münchner Kneipe und hatte etwa einen Liter Moselwein getrunken. Und er teilte nichts mit einer Gruppe betrunkener Deutscher, die anfingen, groben Spott über Russland und die Russen loszulassen. Ohne auf eine Erklärung oder Entschuldigung der Deutschen zu warten, geriet Iwan Iwanowitsch in eine Schlägerei und schlug, wie Zeugen behaupteten, sieben Deutsche mit bloßen Händen nieder. Infolgedessen ging der Künstler zur Polizei und der Fall könnte eine sehr ernste Wendung nehmen. Aber Shishkin wurde freigesprochen: Der Künstler sei schließlich, so die Ansicht der Richter, eine verletzliche Seele gewesen. Und dies war fast sein einziger positiver Eindruck von der Europareise.

Aber gleichzeitig konnte Shishkin dank der in Europa gesammelten Erfahrungen in Russland das werden, was er wurde.

Im Jahr 1841 ereignete sich in London ein Ereignis, das von seinen Zeitgenossen nicht sofort geschätzt wurde: Der Amerikaner John Goff Rand erhielt ein Patent für eine Zinntube zur Aufbewahrung von Farbe, die an einem Ende umwickelt und am anderen Ende mit einer Kappe verdreht war. Es handelte sich um einen Prototyp der heutigen Tuben, in denen heute nicht nur Farbe verpackt ist, sondern auch viele nützliche Dinge: Creme, Zahnpasta, Essen für Astronauten.

Was könnte häufiger sein als eine Röhre?

Vielleicht fällt es uns heute schwer, uns überhaupt vorzustellen, wie diese Erfindung den Künstlern das Leben erleichtert hat. Jetzt kann jeder einfach und schnell Maler werden: Gehen Sie in den Laden, kaufen Sie eine grundierte Leinwand, Pinsel und ein Set Acryl bzw Ölfarben– und bitte, zeichne so viel du möchtest! Früher stellten Künstler ihre Farben selbst her, indem sie trockene Pigmente in Pulverform bei Händlern kauften und das Pulver dann geduldig mit Öl vermischten. Doch zur Zeit Leonardo da Vincis stellten die Künstler selbst Farbpigmente her, was ein äußerst zeitaufwändiger Prozess war. Und sagen wir mal, das Einweichen von zerkleinertem Blei in Essigsäure zur Herstellung weißer Farbe nahm den Löwenanteil der Arbeitszeit der Maler in Anspruch, weshalb die Gemälde der alten Meister übrigens so dunkel waren, dass die Künstler es versuchten um Tünche zu sparen.

Aber auch das Mischen von Farben auf Basis halbfertiger Pigmente kostete viel Zeit und Mühe. Viele Maler rekrutierten Studenten, um Farben für die Arbeit vorzubereiten. Fertige Farben wurden in hermetisch verschlossenen Tontöpfen und -schalen aufbewahrt. Es ist klar, dass es mit einer Reihe von Töpfen und Krügen für Öl unmöglich war, ins Freie zu gehen, also Landschaften nach dem Vorbild der Natur zu malen.

I.I. Schischkin. Wald.

Und das war ein weiterer Grund, warum die russische Landschaft in der russischen Kunst keine Anerkennung finden konnte: Maler zeichneten einfach Landschaften nach Gemälden europäischer Meister nach, da sie nicht in der Lage waren, aus dem Leben zu schöpfen.

Natürlich könnte der Leser einwenden: Wenn ein Künstler nicht aus dem Leben malen kann, warum könnte er dann nicht aus dem Gedächtnis schöpfen? Oder einfach alles aus dem Kopf machen?

Aber das Zeichnen „aus dem Kopf“ war für Absolventen der Kaiserlichen Akademie der Künste völlig inakzeptabel.

Ilja Repin hat in seinen Memoiren eine merkwürdige Episode, die die Bedeutung von Shishkins Einstellung zur Wahrheit des Lebens verdeutlicht.

„Auf meiner größten Leinwand begann ich, Flöße zu malen. Entlang der breiten Wolga sei eine ganze Reihe von Flößen direkt auf den Betrachter zugelaufen, schrieb der Künstler. - Ivan Shishkin, dem ich dieses Bild zeigte, veranlasste mich, dieses Bild zu zerstören.

- Nun, was meintest du damit? Und das Wichtigste: Schließlich haben Sie das nicht nach Skizzen aus der Natur geschrieben?! Kannst du es jetzt sehen.

Nein, ich habe es mir vorgestellt...

- Das ist es. Vorgestellt! Immerhin liegen diese Baumstämme im Wasser ... Es sollte klar sein: Welche Baumstämme sind Fichte, Kiefer? Und was dann, eine Art „Stoerosovye“! Ha ha! Es gibt einen Eindruck, aber es ist nicht ernst ... "

Das Wort „nicht ernst“ klang wie ein Satz, und Repin zerstörte das Gemälde.

Shishkin selbst, der keine Gelegenheit hatte, im Wald Skizzen mit Farben aus der Natur zu malen, fertigte bei Spaziergängen Skizzen mit Bleistift und Feder an und erlangte so eine filigrane Zeichentechnik. Tatsächlich wurden in Westeuropa seine mit Feder und Tinte angefertigten Waldskizzen seit jeher geschätzt. Shishkin malte auch hervorragend mit Wasserfarben.

Natürlich war Shishkin bei weitem nicht der erste Künstler, der davon träumte, große Leinwände mit russischen Landschaften zu malen. Doch wie verlagert man die Werkstatt in den Wald oder ans Flussufer? Auf diese Frage hatten die Künstler keine Antwort. Einige von ihnen bauten provisorische Werkstätten (wie Surikow und Aiwasowski), aber der Umzug solcher Werkstätten von Ort zu Ort war selbst für bedeutende Maler zu teuer und mühsam.

Fluss.

Wir haben auch versucht, fertig zu packen gemischte Farben im Schweinefleisch Blasen die zu einem Knoten zusammengebunden waren. Dann durchbohrten sie die Blase mit einer Nadel, um etwas Farbe auf die Palette zu drücken, und das entstandene Loch wurde mit einem Nagel verschlossen. Aber meistens platzen die Blasen einfach unterwegs.

Und plötzlich gibt es starke und leichte Tuben mit flüssigen Farben, die man mit sich führen kann – einfach etwas auf die Palette drücken und zeichnen. Darüber hinaus sind die Farben selbst leuchtender und saftiger geworden.

Als nächstes kam die Staffelei, also eine tragbare Kiste mit Farben und einem Leinwandständer, die man mitnehmen konnte.

Natürlich konnten nicht alle Künstler die ersten Staffeleien hochheben, aber Shishkins bärische Stärke erwies sich hier als nützlich.

Die Rückkehr Shishkins nach Russland mit neuen Farben und neuen Maltechniken sorgte für Aufsehen.

Iwan Iwanowitsch passte nicht nur in die Mode – nein, er selbst wurde zum Trendsetter der künstlerischen Mode, und das nicht nur in St. Petersburg, sondern auch in Westeuropa: Seine Werke werden zur Entdeckung auf der Pariser Weltausstellung, erhalten schmeichelhafte Kritiken auf einer Ausstellung in Düsseldorf, was jedoch kein Wunder ist, denn die Franzosen und Deutschen sind der „klassischen“ italienischen Landschaften nicht weniger müde als die Russen.

An der Akademie der Künste erhält er den Professorentitel. Darüber hinaus wurde Shishkin auf Wunsch der Großherzogin Maria Nikolaevna Stanislav 3. Grades vorgestellt.

Außerdem wird an der Akademie eine spezielle Landschaftsklasse eröffnet, und Ivan Ivanovich verfügt sowohl über ein stabiles Einkommen als auch über stabile Studenten. Darüber hinaus erlangt der allererste Student – Fjodor Wassiljew – in kurzer Zeit allgemeine Anerkennung.

Es gab Veränderungen in Shishkins Privatleben: Er heiratete Evgenia Aleksandrovna Vasilyeva, die Schwester seines Schülers. Bald bekamen die Frischvermählten eine Tochter, Lydia, gefolgt von den Söhnen Wladimir und Konstantin.

„Vom Charakter her wurde Iwan Iwanowitsch als Familienvater geboren; weg von seinen Leuten war er nie ruhig, konnte fast nicht arbeiten, es kam ihm ständig so vor, als sei zu Hause sicher jemand krank, etwas sei passiert, schrieb die erste Biografin der Künstlerin Natalya Komarova. – In einem externen Gerät Familienleben Er hatte keine Rivalen und schuf aus fast nichts eine komfortable und schöne Umgebung. Er hatte es furchtbar satt, in den möblierten Zimmern umherzuwandern, und widmete sich mit ganzem Herzen seiner Familie und seinem Haushalt. Für seine Kinder war er der zärtlichste und liebevollste Vater, besonders wenn die Kinder noch klein waren. Jewgenija Alexandrowna war eine einfache und gute Frau, und die Jahre ihres Lebens mit Iwan Iwanowitsch vergingen in ruhiger und friedlicher Arbeit. Die Mittel ermöglichten ihm bereits bescheidenen Komfort, obwohl sich Iwan Iwanowitsch angesichts einer immer größer werdenden Familie nichts Überflüssiges leisten konnte. Er hatte viele Bekannte, oft versammelten sich Kameraden zu ihnen und zwischendurch wurden Spiele veranstaltet, und Iwan Iwanowitsch war der gastfreundlichste Gastgeber und die Seele der Gesellschaft.

Besonders herzliche Beziehungen pflegt er zu den Gründern der Association of Travelling Art Exhibitions, den Künstlern Ivan Kramskoy und Konstantin Savitsky. Für den Sommer mieteten die drei ein geräumiges Haus im Dorf Ilzho am Ufer des Ilzhovsky-Sees unweit von St. Petersburg. Vom frühen Morgen an schloss sich Kramskoy im Atelier ein und arbeitete an „Christus in der Wüste“, und Shishkin und Savitsky machten sich normalerweise an die Skizzen und kletterten bis in die Tiefen des Waldes, ins Dickicht.

Shishkin ging die Sache sehr verantwortungsvoll an: Er suchte lange nach einem Ort, begann dann, die Büsche zu roden, schnitt die Äste ab, damit ihn nichts daran hinderte, die Landschaft zu sehen, die ihm gefiel, und baute aus Ästen und Moos einen Sitzplatz. stärkte die Staffelei und machte sich an die Arbeit.

Savitsky – ein früh verwaister Adliger aus Bialystok – verliebte sich in Iwan Iwanowitsch. Er war ein geselliger Mensch, ein Liebhaber langer Spaziergänge, der das Leben praktisch kannte, er wusste, wie man zuhört, er wusste, wie man selbst spricht. Sie hatten viele Gemeinsamkeiten und deshalb schlossen sich beide gegenseitig an. Savitsky wurde sogar der Pate des jüngsten Sohnes des Künstlers, ebenfalls Konstantin.

Während eines solchen Sommerleidens malte Kramskoy das berühmteste Porträt von Shishkin: kein Künstler, sondern ein Goldgräber in der Wildnis des Amazonas – in einem modischen Cowboyhut, in englischen Reithosen und leichten Lederstiefeln mit eisernen Absätzen. In seinen Händen hält er einen Bergstock, ein Skizzenbuch, einen Farbkasten, einen Klappstuhl, einen Regenschirm vor den Sonnenstrahlen, der lässig auf seiner Schulter hängt – kurzum die gesamte Ausrüstung.

- Nicht nur ein Bär, sondern ein echter Waldbesitzer! rief Kramskoi.

Es war Shishkins letzter glücklicher Sommer.

Zuerst kam ein Telegramm aus Jelabuga: „Heute Morgen ist Pater Iwan Wassiljewitsch Schischkin gestorben. Ich übernehme die Aufgabe, Sie zu informieren.“

Dann starb der kleine Wolodja Schischkin. Jewgenia Alexandrowna wurde schwarz vor Kummer und legte sich zu Bett.

„Schischkin kaut seit drei Monaten an seinen Nägeln und nichts weiter“, schrieb Kramskoi im November 1873. - Seine Frau ist auf die alte Art krank ... "

Dann regneten die Schicksalsschläge einen nach dem anderen. Aus Jalta kam ein Telegramm über den Tod von Fjodor Wassiljew, und als nächstes starb Jewgenia Alexandrowna.

In einem Brief an einen Freund Savitsky schrieb Kramskoy: „E.A. Shishkina befahl, lange zu leben. Sie starb am vergangenen Mittwoch, in der Nacht vom Donnerstag vom 5. auf den 6. März. Am Samstag haben wir sie verabschiedet. Bald. Mehr als ich dachte. Aber das ist zu erwarten.“

Zu allem Überfluss starb auch noch der jüngste Sohn Konstantin.

Iwan Iwanowitsch wurde nicht er selbst. Ich hörte nicht, was meine Verwandten sagten, ich fand weder zu Hause noch in der Werkstatt einen Platz für mich, selbst endlose Wanderungen im Wald konnten den Schmerz des Verlustes nicht lindern. Jeden Tag besuchte er seine Heimatgräber, und als er nach Einbruch der Dunkelheit nach Hause zurückkehrte, trank er billigen Wein bis zur völligen Bewusstlosigkeit.

Freunde hatten Angst, zu ihm zu kommen – sie wussten, dass Shishkin, da er verrückt war, durchaus mit seinen Fäusten auf ungebetene Gäste losgehen konnte. Der Einzige, der ihn trösten konnte, war Savitsky, aber er trank allein in Paris und trauerte um den Tod seiner Frau Jekaterina Iwanowna, die entweder Selbstmord beging oder durch Kohlenmonoxid vergiftet bei einem Unfall ums Leben kam.

Savitsky selbst stand kurz vor dem Selbstmord. Vielleicht konnte ihn nur das Unglück, das seinem Freund in St. Petersburg widerfuhr, von einer irreparablen Tat abhalten.

Nur wenige Jahre später fand Shishkin die Kraft, sich wieder der Malerei zu widmen.

Er malte das Gemälde „Roggen“ – speziell für die VI. Wanderausstellung. Ein riesiges Feld, das er irgendwo in der Nähe von Jelabuga skizzierte, wurde für ihn zur Verkörperung der Worte seines Vaters, die in einem der alten Briefe zu lesen waren: „Der Tod liegt bei einem Menschen, dann das Urteil, dass, wenn ein Mann im Leben sät, er ernten wird.“ ."

Im Hintergrund stehen mächtige Kiefern und – als ewige Erinnerung an den Tod, der immer in der Nähe ist – ein riesiger verdorrter Baum.

Auf der Wanderausstellung von 1878 belegte „Rye“ zwar den ersten Platz.

Im selben Jahr lernte er die junge Künstlerin Olga Lagoda kennen. Als Tochter eines echten Staatsrats und Höflings war sie eine der ersten dreißig Frauen, die von Freiwilligen zum Studium an der Kaiserlichen Akademie der Künste zugelassen wurden. Olga fiel in Shishkins Klasse, und Iwan Iwanowitsch, immer düster und struppig, dem sich außerdem ein struppiger alttestamentarischer Bart wachsen ließ, entdeckte plötzlich mit Überraschung, dass ihm beim Anblick dieses kleinen Mädchens mit bodenlosen blauen Augen und kastanienbraunen Haarsträhnen das Herz ins Herz fiel beginnt etwas stärker als sonst zu schlagen und die Hände beginnen plötzlich zu schwitzen, wie ein rotziger Gymnasiast.

Iwan Iwanowitsch machte ihm einen Heiratsantrag und 1880 heirateten er und Olga. Bald wurde die Tochter Xenia geboren. Der glückliche Shishkin rannte durch das Haus und sang und fegte alles weg, was ihm in den Weg kam.

Und anderthalb Monate nach der Geburt starb Olga Antonowna an einer Entzündung des Bauchfells.

Nein, Shishkin hat dieses Mal nicht getrunken. Er stürzte sich in die Arbeit und versuchte, seinen beiden Töchtern, die keine Mütter mehr hatten, alles zu bieten, was sie brauchten.

Er gab sich nicht die Gelegenheit, schlaff zu werden, beendete ein Bild und spannte die Leinwand für das nächste auf einen Keilrahmen. Er begann sich mit der Radierung zu beschäftigen, beherrschte die Technik des Gravierens und illustrierte Bücher.

- Arbeiten! - sagte Iwan Iwanowitsch. – Arbeiten Sie jeden Tag und gehen Sie diesen Job an, als wäre es eine Dienstleistung. Auf die berüchtigte „Inspiration“ gibt es nichts zu warten ... Inspiration ist die Arbeit selbst!

Im Sommer 1888 ruhten sie erneut „wie eine Familie“ bei Konstantin Savitsky. Ivan Ivanovich – mit zwei Töchtern, Konstantin Apollonovich – mit seiner neuen Frau Elena und seinem kleinen Sohn George.

Und so entwarf Savitsky eine Comic-Zeichnung für Ksenia Shishkina: Eine Bärenmutter schaut ihren drei Jungen beim Spielen zu. Außerdem jagen sich zwei Kinder achtlos gegenseitig, und eines – der sogenannte einjährige Pflegebär – sieht irgendwo im Dickicht des Waldes aus, als würde er auf jemanden warten ...

Shishkin, der die Zeichnung seines Freundes sah, konnte die Jungen lange Zeit nicht aus den Augen lassen.

Was dachte er? Vielleicht erinnerte sich der Künstler daran, dass die heidnischen Votyaks, die noch in der Wildnis des Waldes in der Nähe von Jelabuga lebten, glaubten, Bären seien die nächsten Verwandten der Menschen, und dass die früh verstorbenen, sündlosen Seelen von Kindern in Bären übergehen.

Und wenn er selbst der Bär genannt wurde, dann ist dies seine gesamte Bärenfamilie: Der Bär ist die Frau von Jewgeni Alexandrowna, und die Jungen sind Wolodja und Kostja, und neben ihnen steht die Bärin Olga Antonowna und wartet auf seine Ankunft er selbst - der Bär und der König des Waldes ...

„Diesen Bären muss ein guter Hintergrund gegeben werden“, schlug er schließlich Savitsky vor. - Und ich weiß, was hier geschrieben werden muss ... Lassen Sie uns für ein paar arbeiten: Ich werde den Wald schreiben, und Sie - die Bären, sie erwiesen sich als sehr lebendig ...

Und dann zeichnete Iwan Iwanowitsch mit einem Bleistift eine Skizze des zukünftigen Bildes und erinnerte sich daran, wie er auf der Insel Gorodomlya am Seligersee mächtige Kiefern sah, die ein Hurrikan entwurzelt und in zwei Hälften zerbrochen hatte – wie Streichhölzer. Wer eine solche Katastrophe selbst gesehen hat, wird es leicht verstehen: Der bloße Anblick der in Stücke gerissenen Waldriesen versetzt die Menschen in Fassungslosigkeit und Angst, und an der Stelle, an der die Bäume in das Waldgefüge fielen, bleibt ein seltsamer leerer Raum zurück – solch eine trotzige Leere, die die Natur selbst nicht duldet, aber das ist alles. - immer noch gezwungen zu ertragen; Dieselbe ungeheilte Leere bildete sich nach dem Tod geliebter Menschen im Herzen von Iwan Iwanowitsch.

Entfernen Sie gedanklich die Bären aus dem Bild, und Sie werden das Ausmaß der Katastrophe erkennen, die sich im Wald ereignet hat, die erst vor kurzem passiert ist, gemessen an den vergilbten Kiefernnadeln und der frischen Farbe des Holzes an der Bruchstelle. Aber es gab keine weiteren Erinnerungen an den Sturm. Jetzt strömt das sanfte goldene Licht der Gnade Gottes vom Himmel in den Wald, in dem seine jungen Engel baden ...

Das Gemälde „Die Bärenfamilie im Wald“ wurde erstmals im April 1889 auf der XVII. Wanderausstellung der Öffentlichkeit präsentiert und am Vorabend der Ausstellung von Pawel Tretjakow für 4.000 Rubel gekauft. Von diesem Betrag gab Iwan Iwanowitsch seinem Co-Autor einen vierten Teil – tausend Rubel, was bei seinem alten Freund Unmut hervorrief: Er rechnete mit einer gerechteren Bewertung seines Beitrags zum Bild.

I.I. Schischkin. Morgen in einem Kiefernwald. Etüde.

Savitsky schrieb an seine Verwandten: „Ich kann mich nicht erinnern, ob wir Ihnen geschrieben haben, dass ich bei der Ausstellung nicht völlig abwesend war. Ich habe einmal ein Bild mit Bären im Wald angefangen, da fand ich Gefallen daran. I.I. Sh-n übernahm die Ausführung der Landschaft. Das Gemälde tanzte und Tretjakow fand einen Käufer. Also haben wir den Bären getötet und das Fell geteilt! Aber diese Aufteilung erfolgte mit einigen merkwürdigen Bedenken. So neugierig und unerwartet, dass ich sogar jede Beteiligung an diesem Bild abgelehnt habe, wird es unter dem Namen Sh-na ausgestellt und im Katalog als solcher aufgeführt.

Es stellte sich heraus, dass Fragen solch heikler Natur nicht in einer Tasche verborgen werden können, es begannen Gerichte und Klatsch, und ich musste das Bild mit Sh. signieren und dann die Trophäen von Kauf und Verkauf aufteilen. Das Gemälde wurde für 4 Tonnen verkauft und ich bin Teilnehmer der 4. Aktie! Ich trage zu diesem Thema viele schlechte Dinge in meinem Herzen, und aus Freude und Vergnügen geschah etwas Gegenteiliges.

Ich schreibe Ihnen darüber, weil ich es gewohnt bin, mein Herz für Sie offen zu halten, aber Sie, liebe Freunde, verstehen, dass diese ganze Angelegenheit äußerst heikler Natur ist und es daher notwendig ist, dass dies alles für alle völlig geheim bleibt mit wem ich nicht reden wollte.

Später fand Savitsky jedoch die Kraft, sich mit Shishkin zu versöhnen, obwohl sie nicht mehr zusammenarbeiteten und sich nicht mehr bei ihren Familien ausruhten: Bald zogen Konstantin Apollonovich und seine Frau und seine Kinder nach Penza, wo ihm die Position des Direktors angeboten wurde neu eröffnete Kunstschule.

Als im Mai 1889 XVII Wanderausstellung Tretjakow zog in die Hallen der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur und sah, dass „Die Bärenfamilie im Wald“ bereits mit zwei Unterschriften hing.

Pavel Mikhailovich war, gelinde gesagt, überrascht: Er kaufte ein Gemälde von Shishkin. Aber allein die Tatsache, dass neben dem großen Shishkin der Name des „mittelmäßigen“ Savitsky erschien, verringerte automatisch den Marktwert des Bildes und reduzierte ihn anständig. Urteilen Sie selbst: Tretjakow kaufte ein Gemälde, auf dem der weltberühmte Misanthrop Shishkin, der fast nie Menschen und Tiere malte, plötzlich zum Tiermaler wurde und vier Tiere darstellte. Und nicht nur ein paar Kühe, Robben oder Hunde, sondern wilde „Herren des Waldes“, die – das wird Ihnen jeder Jäger bestätigen – in der Natur nur sehr schwer darzustellen ist, denn die Bärin zerreißt jeden, der es wagt nähere dich ihren Jungen. Aber ganz Russland weiß, dass Shishkin nur aus dem Leben malt, und deshalb sah der Maler die Bärenfamilie im Wald so deutlich, wie er auf Leinwand malte. Und nun stellt sich heraus, dass es nicht Shishkin selbst war, der die Bärin mit Jungen gemalt hat, sondern „etwas da“ Savitsky, der, wie Tretjakow selbst glaubte, überhaupt nicht wusste, wie man mit Farbe umgeht – alle seine Leinwände stellten sich heraus bewusst hell, dann irgendwie erdig-grau. Aber beide waren völlig flach, wie beliebte Drucke, während Shishkins Gemälde Volumen und Tiefe hatten.

Wahrscheinlich war Shishkin selbst derselben Meinung und lud einen Freund nur aufgrund seiner Idee zur Teilnahme ein.

Deshalb befahl Tretjakow, Savitskys Unterschrift mit Terpentin zu löschen, um Shishkin nicht herabzusetzen. Und im Allgemeinen hat er das Gemälde selbst umbenannt – es heißt, es gehe überhaupt nicht um die Bären, sondern um dieses magische goldene Licht, das das ganze Bild zu durchfluten scheint.

Aber hier bei Volksmalerei„Three Bears“ waren zwei weitere Co-Autoren, deren Namen in die Geschichte eingegangen sind, obwohl sie in keiner Ausstellung und keinem Kunstkatalog auftauchen.

Einer von ihnen ist Julius Geis, einer der Gründer und Leiter der Einem-Partnerschaft (später die Süßwarenfabrik Krasny Oktyabr). In der Einem-Fabrik wurden neben allen anderen Süßigkeiten und Schokolade auch thematische Süßigkeitensets hergestellt – zum Beispiel „Schätze der Erde und des Meeres“, „Fahrzeuge“, „Völkertypen der Welt“. Oder zum Beispiel ein Keksset „Moskau der Zukunft“: In jeder Schachtel befand sich eine Postkarte mit futuristischen Zeichnungen über Moskau im 23. Jahrhundert. Julius Geis beschloss außerdem, eine Reihe „Russische Künstler und ihre Gemälde“ herauszubringen, und stimmte Tretjakow zu, nachdem er die Erlaubnis erhalten hatte, Reproduktionen von Gemälden aus seiner Galerie auf den Umschlägen anzubringen. Eine der köstlichsten Süßigkeiten, hergestellt aus einer dicken Schicht Mandelpraline, die zwischen zwei Waffelplatten eingelegt und mit einer dicken Schicht glasierter Schokolade überzogen ist, und erhielt eine Verpackung mit einem Shishkin-Gemälde.

Bald wurde die Veröffentlichung dieser Serie eingestellt, aber die Süßigkeiten mit Bären, genannt „Bear-toed Bear“, wurden als separates Produkt hergestellt.

Im Jahr 1913 zeichnete der Künstler Manuil Andreev das Bild neu: Er fügte der Handlung von Shishkin und Savitsky einen Rahmen aus Fichtenzweigen und Bethlehem-Sternen hinzu, denn in jenen Jahren galt der „Bär“ aus irgendeinem Grund als das teuerste und begehrteste Geschenk für die Weihnachtsferien.

Überraschenderweise überlebte dieses Deckblatt alle Kriege und Revolutionen des tragischen 20. Jahrhunderts. Darüber hinaus wurde „Mischka“ zu Sowjetzeiten zur teuersten Delikatesse: In den 1920er Jahren wurde ein Kilogramm Süßigkeiten für vier Rubel verkauft. Die Süßigkeit hatte sogar einen Slogan, der von Wladimir Majakowski selbst verfasst wurde: „Wenn du „Mishka“ essen willst, besorge dir ein Sparbuch!“

Sehr bald erhielt die Süßigkeit im Volksleben einen neuen Namen – „Three Bears“. Zur gleichen Zeit begann man, das Gemälde von Ivan Shishkin so zu nennen, dessen Reproduktionen, ausgeschnitten aus der Zeitschrift „Ogonyok“, bald in jedem sowjetischen Haus auftauchten – entweder als Manifest eines bequemen bürgerlichen Lebens, das die sowjetische Realität verachtete, oder als Erinnerung Das früher oder später, aber egal, der Sturm wird vorübergehen.

Das Bild ist jedem bekannt, es ist fast in Erinnerung geblieben Grundschule, und so ein Meisterwerk kann man hinterher kaum noch vergessen. Darüber hinaus ziert diese bekannte und beliebte Reproduktion immer wieder die Verpackung der gleichnamigen Schokolade und eignet sich hervorragend als Illustration für Geschichten.

Die Handlung des Bildes

Dies ist wahrscheinlich das beliebteste Gemälde von I.I. Shishkin, der berühmteste Landschaftsmaler, dessen Hände viele wunderschöne Gemälde schufen, darunter „Morgen im Kiefernwald“. Die Leinwand wurde 1889 geschrieben, und Historikern zufolge entstand die Idee der Handlung selbst nicht spontan, Savitsky K.A. schlug sie Shishkin vor. Es war dieser Künstler, der einst auf wundersame Weise einen Bären zusammen mit spielenden Jungen auf der Leinwand darstellte. „Morgen im Kiefernwald“ wurde von einem bekannten Kunstkenner dieser Zeit, Tretjakow, erworben, der das Gemälde für ein Werk Schischkins hielt und ihm die endgültige Urheberschaft direkt zuschrieb.

Einige glauben, dass der Film seine unglaubliche Popularität seiner unterhaltsamen Handlung verdankt. Dennoch ist die Leinwand wertvoll, weil der Zustand der Natur auf der Leinwand überraschend klar und wahrhaftig wiedergegeben wird.

Natur im Bild

Zunächst lässt sich festhalten, dass das Bild einen Morgenwald darstellt, dies ist jedoch nur eine oberflächliche Beschreibung. Tatsächlich stellte die Autorin keinen gewöhnlichen Kiefernwald dar, sondern sein Dickicht, den Ort, der „taub“ genannt wird, und sie ist es, die am Morgen ihr frühes Erwachen beginnt. Das Bild zeigt sehr subtil gezeichnete Naturphänomene:

die Sonne beginnt aufzugehen;

Die Sonnenstrahlen berühren zunächst die Baumwipfel, doch einige schädliche Strahlen sind bereits bis in die Tiefen der Schlucht vorgedrungen.

Bemerkenswert auf dem Bild ist die Schlucht auch deshalb, weil man darin noch Nebel erkennen kann, der sozusagen keine Angst vor den Sonnenstrahlen hat, als ob er nicht verschwinden würde.

Helden des Bildes

Die Leinwand hat auch ihre eigenen Charaktere. Das sind drei kleine Jungen und ihre Bärenmutter. Sie kümmert sich um ihre Jungen, denn auf der Leinwand sehen sie satt, glücklich und unbeschwert aus. Der Wald erwacht, deshalb beobachtet die Bärenmutter sehr genau, wie ihre Jungen herumtollen, kontrolliert ihr Spiel und macht sich Sorgen, wenn etwas passiert ist. Die Jungen kümmern sich nicht um die erwachende Natur, sie sind daran interessiert, auf der Ausrichtung der umgestürzten Kiefer herumzutollen

Das Bild erweckt das Gefühl, dass wir uns im entlegensten Teil des gesamten Kiefernwaldes befinden, auch weil die mächtige Kiefer nach dem Wald völlig herrenlos ist, einst entwurzelt wurde und noch immer in diesem Zustand verbleibt. Dies ist praktisch eine Ecke der echten Tierwelt, in der Bären leben, und ein Mensch riskiert nicht, sie zu berühren.

Schreibstil

Neben der Tatsache, dass das Bild mit seiner Handlung angenehm überraschen kann, ist es unmöglich, den Blick davon abzuwenden, auch weil der Autor versucht hat, alle zeichnerischen Fähigkeiten gekonnt einzusetzen, seine Seele zu stecken und die Leinwand wiederzubeleben. Shishkin hat das Problem des Verhältnisses von Farbe und Licht auf der Leinwand absolut genial gelöst. Es ist interessant festzustellen, dass man im Vordergrund recht klare Zeichnungen und Farben „treffen“ kann, im Gegensatz zur Hintergrundfarbe, die fast transparent erscheint.

Aus dem Bild geht hervor, dass der Künstler tatsächlich von der Anmut und erstaunlichen Schönheit der unberührten Natur begeistert war, die außerhalb der Kontrolle des Menschen liegt.