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Berühmte russische Künstler

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In der bunten Reihe von Jahren ferner Kindheit blieb Wladimir Alexandrowitsch Wassiljew ein wunderschöner Sommertag besonders lebendig in Erinnerung. „Ich betrachte diesen Tag als entscheidend für mein Leben als Künstler. Zum ersten Mal erlebte ich dieses Gefühl des besonderen Glücks, der Fülle des Lebens, das mich später, als ich Künstler wurde, so oft überwältigte, in jenen Momenten, in denen man mit der Natur allein gelassen wird und sie immer wieder mit neuem, freudigem Staunen begreift.

Korovin Konstantin Alekseevich, berühmter russischer Maler und Theaterkünstler. Er studierte an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur – an der Architekturabteilung (1875) und dann (seit 1876) an der malerischen Abteilung von I. Pryanishnikov., V, Perov, L. Savrasov! und V. Polenov. Mehrere Monate (1882-83) studierte er an der St. Petersburger Akademie der Künste. Er schloss seine Kunstausbildung an der Schule ab (1883-1886).

Kramskoi Iwan Nikolajewitsch
(1837-1887)

Kramskoy Ivan Nikolaevich, ein herausragender russischer Maler und fortschrittlicher Künstler. Geboren in Ostrogozhsk, Provinz Woronesch, in einer armen bürgerlichen Familie. Seine ersten Kenntnisse erhielt er an der Kreisschule. Ich zeichne seit meiner Kindheit alleine. Im Alter von sechzehn Jahren begann er als Retuscheur für einen Fotografen aus Charkow

Kuindzhi Archip Iwanowitsch
(1842-1910)

K.I. Kuindzhi war der Sohn eines armen griechischen Schuhmachers aus Mariupol, er wurde früh zum Waisen und musste alles in seinem Leben selbst erreichen. In den frühen 1860er Jahren führte ihn seine Leidenschaft für das Zeichnen nach St. Petersburg, wo er zweimal versuchte, an der Akademie der Künste aufgenommen zu werden, was jedoch erfolglos blieb. Es mangelte ihm an Vorbereitung, da er seine gesamte Malerfahrung als Retuscheur in einer Fotowerkstatt sammelte.

Kustodijew Boris Michailowitsch
(1878 - 1927)

Kustodiev Boris Mikhailovich, ein herausragender russischer sowjetischer Maler, Grafiker, Theaterkünstler und Bildhauer. Er wurde in Astrachan am Ufer der Wolga geboren und verbrachte seine Kindheit, Jugend und Jugend. Anschließend lebte er, bereits ein bekannter Maler, lange Zeit im Dorf in der Nähe von Kineshma und baute dort eine Hauswerkstatt, die er „Terem“ nannte. An der Wolga wuchs Kustodiev auf und reifte als Künstler. Wolga und das Volk der Wolga widmeten ihm viele seiner Gemälde. Heimat vermittelte ihm ein tiefes Wissen über das russische Leben und Volksleben, eine Liebe zu lauten, überfüllten Jahrmärkten, Festen, Ständen und jenen leuchtenden und fröhlichen Farben, die mit ihm in die russische Malerei Einzug hielten.

Lagorio Lev Feliksovich
(1827-1905)

Lagorio Lev Feliksovich – russischer Landschaftsmaler, Marinemaler. Geboren in der Familie eines neapolitanischen Konsuls in Feodosia. Sein Lehrer war I. K. Aivazovsky. Seit 1843 studierte Lagorio in St. Petersburg an der Akademie der Künste bei A. I. Sauerweid und M. N. Vorobyov.

Levitan Isaak Iljitsch
(1861-1900)

Geboren in der litauischen Stadt Kybarty in der Familie eines Eisenbahnangestellten. Er studierte an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur (1873–74) bei A. Savrasov und V. Polenov. Ab 1884 trat er auf Ausstellungen des Wanderervereins auf; seit 1891 - Mitglied des Vereins. Seit 1898 - Akademiker der Landschaftsmalerei. Levitan hat viele wundervolle, gefühlvolle Bilder der russischen Natur geschaffen. In seinem Werk wurde der lyrische Ansatz entwickelt, der der Malerei seines Lehrers und Mentors A. Savrasov innewohnt.

Malewitsch Kasimir Sewerinowitsch
(1878-1935)

Der Name Kasimir Malewitsch erlangte schnell seinen rechtmäßigen Platz in der Geschichte der russischen Kunst, sobald die offizielle sowjetische Ideologie zusammenbrach. Dies geschah mit umso größerer Leichtigkeit, als der große Künstler längst auch außerhalb des Vaterlandes dauerhaften Ruhm erlangt hatte. Die ihm gewidmete Bibliographie sollte als separate Ausgabe erscheinen und besteht zu neun Zehnteln aus Büchern und Artikeln über Fremdsprachen: Zahlreiche Studien auf Russisch wurden seit Ende der 1980er Jahre veröffentlicht, als nach Jahrzehnten des Schweigens und der Blasphemie die erste große Ausstellung Malewitschs in seiner Heimat stattfand.

Maljutin Sergej Wassiljewitsch
(1859-1937)

Der zukünftige Künstler wurde am 22. September 1859 in einer Moskauer Kaufmannsfamilie geboren. Er blieb drei Jahre lang Waise und wuchs im Haus einer Tante, der Frau eines kleinen Beamten, auf. Der Junge wurde auf eine Handelsschule und dann auf einen Buchhaltungskurs geschickt, woraufhin er als Angestellter in Woronesch eingesetzt wurde. Künstlerische Neigungen zeigten sich schon früh. Aber das Umfeld war für ihre Entwicklung nicht förderlich. Erst Ende der 1870er Jahre, als er zur Wanderausstellung kam, die in Woronesch eröffnet wurde, sah Maljutin zum ersten Mal echte Malerei. Langjährige vage Träume haben Konkretheit gefunden: Trotz aller Schwierigkeiten ist die Entscheidung gefallen, Künstler zu werden.

Nesterow Michail Wassiljewitsch
(1862- 1942)

Nesterow Michail Wassiljewitsch, ein herausragender russisch-sowjetischer Künstler. Geboren in Ufa in einer Kaufmannsfamilie. Er studierte an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur (1877-86) und an der Akademie der Künste bei V. Perov, I. Pryanishnikov und P. Chistyakov. Ich habe es zunächst selbst ausprobiert heimisches Genre: „The Victim of Buddies“ (1881), „Exam in ländliche Schule» (1884). 1882 heiratete er Maria Martynova, die 1885 an den Folgen einer Geburt starb. Diese Tragödie hatte großen Einfluss auf alle weiteren Arbeiten des Künstlers. Er verzichtete auf leichte Genres und wandte sich historischen und religiösen Themen zu.

Perow Wassili Grigorjewitsch
(1834-1882)

Einer der Pioniere der realistischen Malerei in den 60er Jahren war Wassili Grigorjewitsch Perow- der Nachfolger der anklagenden Tendenzen Fedotovs. In den Unruhen und Ängsten des russischen Lebens findet er den Nährboden für seine Kreativität, den Nährboden, ohne den ein Künstler nicht existieren kann. Perov stürzt sich mutig und offen in die Schlacht und prangert die Falschheit und Heuchelei der kirchlichen Riten an ( „Landprozession zu Ostern“, 1861), Parasitismus und Verderbtheit von Priestern und Mönchen ( „Teetrinken in Mytischtschi“, 1862; beide in der Tretjakow-Galerie in Moskau).

Polenow Wassili Dmitrijewitsch
(1844- 1927)

Geboren in St. Petersburg in einer Künstlerfamilie. Mutter ist Künstlerin, Vater ist ein berühmter Archäologe und Bibliograph, Mitglied der Akademie der Wissenschaften, Kenner und Liebhaber der Künste. Als Kind studierte er Musik. Er absolvierte das Gymnasium in Petrosawodsk und trat in die Klasse der Akademie der Künste (1863) ein Historienmalerei und gleichzeitig an der juristischen Fakultät der Universität St. Petersburg. Er gab seinen Musikunterricht jedoch nicht auf und sang einige Zeit im Akademischen Chor. Noch während seines Studiums besuchte er Deutschland und Frankreich und bewunderte R. Wagner und J. Offenbach.

Repin Ilja Jefimowitsch
(1844-1933)

Repin Ilja Jefimowitsch, ein herausragender russischer Künstler, Vertreter des demokratischen Realismus. Geboren in Chuguev, Provinz Charkow, in der Familie eines Militärsiedlers. Im Alter von dreizehn Jahren begann er in Chuguev Malerei beim Künstler N. Bunakov zu studieren. Er arbeitete in Artels der Ikonenmalerei. 1863 kam er nach St. Petersburg und trat in die Zeichenschule der Gesellschaft zur Förderung der Künste ein. Treffen mit I. Kramskoy, der zum Mentor des jungen Künstlers wurde lange Jahre.

Roerich Nikolaus Konstantinowitsch
(1874- 1947)

Roerich Nikolaus Konstantinowitsch, ein herausragender russischer Künstler, Kunsthistoriker, Archäologe und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens. Geboren in St. Petersburg. Er studierte in St. Petersburg am Mey-Gymnasium (1883–93). Er nahm Zeichenunterricht bei M. Mikeshin. Er absolvierte die juristische Fakultät der Universität St. Petersburg (1893–96) und die Malereiabteilung der Akademie der Künste (1893–97) in der Klasse von A. Kuindzhi. Letzterer versuchte, bei seinen Schülern ein Gefühl für die dekorative Wirkung von Farben zu entwickeln. Ohne sich zu weigern, nach der Natur zu arbeiten, bestand er darauf, dass die Bilder aus dem Gedächtnis gemalt wurden. Der Künstler musste die Idee des Bildes ertragen.

Savitsky Konstantin Apollonowitsch
(1844-1905)

Savitsky Konstantin Apollonovich, russischer Maler und Genremaler. Geboren in Taganrog in der Familie eines Militärarztes. 1862 trat er in die Akademie der Künste in St. Petersburg ein, musste diese jedoch aufgrund unzureichender Vorbereitung nach zwei intensiven Jahren verlassen unabhängige Arbeit 1864 trat er erneut in die Akademie ein. 1871 erhielt er eine kleine Goldmedaille für das Gemälde Kain und Abel. Bereits in seiner akademischen Zeit stand er dem Artel von I. Kramskoy und später dem Verband der Wanderkunstausstellungen nahe und stellte auf der 2. Wanderausstellung (1873) aus. Dies löste Unzufriedenheit mit der Verwaltung der Akademie aus, die Savitsky aus der Akademie verwies (1873), weil sie das erste Mal, das sich ergab, bemängelte (eine wegen Heirat nicht fristgerecht bestandene Prüfung).

Savrasov Alexey Kondratievich
(1830-1890)

Es gibt Gemälde, ohne die man sich die russische Kunst nicht vorstellen kann, genauso wie man sich die russische Literatur ohne Tolstois „Krieg und Frieden“, Puschkins „Eugen Onegin“ nicht vorstellen kann. Und das muss nicht groß sein und komplexe Arbeit. Eine solche wahre Perle der russischen Landschaftsmalerei war ein kleines bescheidenes Gemälde von Alexei Kondratievich Sawrasov (1830-1897) „Die Türme sind angekommen“. Sie trat 1871 auf der ersten Ausstellung des Wanderervereins auf.

Serow Valentin Alexandrowitsch
(1865-1911)

Schon zu Lebzeiten von V. A. Serov und noch mehr nach seinem Tod stritten Kunsthistoriker und Künstler darüber, wer Serov war: der letzte Maler der alten Schule des 19. Jahrhunderts. oder ein Vertreter der neuen Kunst? Die richtige Antwort auf diese Frage wäre: beides. Serov ist traditionell; In der Geschichte der russischen Malerei könnte man ihn als Sohn Repins bezeichnen. Aber die wahren Nachfolger der Traditionen bleiben nicht an der gleichen Stelle stehen, sondern machen sich auf die Suche. Serov suchte mehr als andere. Er kannte das Gefühl der Zufriedenheit nicht. Er war die ganze Zeit unterwegs. Damit wurde er zu dem Künstler, der die Kunst des 19. und 20. Jahrhunderts organisch verband.

Surikow Wassili Iwanowitsch
(1848-1916)

Surikow Wassili Iwanowitsch, ein herausragender russischer Historien- und Genremaler. „Sibirien hat in mir Ideale historischer Art erzogen.“ Geboren in Krasnojarsk in der Familie eines Kosakenoffiziers. Sein Vater, ein leidenschaftlicher Musikliebhaber, spielte hervorragend Gitarre und galt als angesehen der beste Sänger Krasnojarsk. Mutter war eine ausgezeichnete Stickerin.

Fedotow Pawel Andrejewitsch
(1815-1852)

Pawel Andrejewitsch Fedotow wurde am 22. Juni 1815 in Moskau geboren. Mein Vater diente als Beamter und ging jeden Morgen zur Arbeit. Die Familie Fedotov war groß, es ging ihr nicht gut, aber sie verspürten keine große Not. Die Nachbarn waren einfache Leute – kleine Beamte, pensionierte Militärs, arme Kaufleute. Pavlusha Fedotov war besonders freundlich zu den Söhnen von Kapitän Golovachev, die gegenüber wohnten, und seine kleine Schwester, die „scharfäugige Lyubochka“, wie er sie nannte, war mit Katenka Golovachev in ihrem Alter befreundet.

Schischkin Iwan Iwanowitsch
(1832-1898)

Betreten Sie den Saal der Tretjakow-Galerie, in dem Gemälde von Iwan Iwanowitsch Schischkin hängen, und es wird Ihnen so vorkommen, als seien der feuchte Atem des Waldes und der frische Wind der Felder hereingeweht, es sei sonniger und heller geworden. In Shishkins Bildern sehen wir diesen frühen Morgen im Wald nach einem Nachtsturm, dann die endlosen Weiten der Felder mit einem Weg, der zum Horizont führt, dann die geheimnisvolle Dämmerung des Walddickichts.

Yuon Konstantin Fedorovich
(1875-1958)

Das Schicksal hat es auf jede erdenkliche Weise begünstigt K. F. Yuonu. Er lebte langes Leben. Er hatte eine äußerst glückliche Ehe. Die Menschen um ihn herum liebten ihn. Er hatte nie mit Not zu kämpfen. Der Erfolg kam für ihn sehr früh und begleitete ihn immer. Nach der Revolution warteten Ehrungen, hohe Auszeichnungen, Titel, sozusagen Führungspositionen auf ihn. Es gab weniger Widrigkeiten – es kam zu einem mehrjährigen Streit mit seinem Vater (einem Bankangestellten) aufgrund von Yuons Heirat mit einer Bäuerin und dem frühen Tod eines seiner Söhne.

Russische Künstler

Akimow Nikolai Pawlowitsch
(1901-1968)

N. P. Akimov kam ziemlich jung nach St. Petersburg und war fast sein ganzes Leben lang fest mit dieser Stadt verbunden. Er studierte im Atelier von S. M. Seidenberg (1915–18), einige Jahre später trat er in die Akademie der Künste ein, verließ diese jedoch, ohne sein Studium abzuschließen. war verlobt Buchgrafiken und schaffte es, sich einen Namen zu machen, fand sich aber wirklich in der Szenografie wieder. Die Arbeit am Theater faszinierte ihn Ende der 1920er Jahre so sehr. Er wandte sich auch der Regie zu und machte es zu seinem zweiten, wenn nicht ersten Beruf: 1933 leitete er das Leningrader Musikhaus und 1935 das berühmte Leningrader Komödientheater. künstlerischer Leiter Dies blieb er bis zu seinem Tod (außer 1949–55, als er gezwungen war, zu einer anderen Mannschaft zu wechseln).

Nissky Georgy Grigorjewitsch
(1903-1987)

Der Künstler verbrachte seine Kindheit an einem kleinen Bahnhof in der Nähe von Gomel. Der örtliche Maler V. Zorin, der die Zeichnungen des jungen Mannes sah, riet ihm, sein Studium der bildenden Künste fortzusetzen. Nissky befolgte den Rat und betrat das nach M. Vrubel benannte Gomel Fine Arts Studio. Seine Fähigkeiten wurden bemerkt und 1921 wurde er zu Vorbereitungskursen an den Höheren Künstlerischen und Technischen Werkstätten nach Moskau geschickt. 1923 wechselte Nissky in die Malereiabteilung, wo seine Lehrer A. D. Drevin und R. R. Falk waren.

Pachomow Alexej Fjodorowitsch
(1900-1973)

In der Region Wologda, in der Nähe der Stadt Kadnikov, am Ufer des Flusses Kubena, liegt das Dorf Varlamov. Dort wurde am 19. September (2. Oktober 1900) ein Junge einer Bäuerin namens Efimiya Petrovna Pakhomova geboren, die Alexei hieß. Sein Vater, Fjodor Dmitrijewitsch, stammte von „bestimmten“ Bauern ab, die die Schrecken der Leibeigenschaft in der Vergangenheit nicht kannten. Dieser Umstand spielte eine wichtige Rolle in der Lebensweise und den vorherrschenden Charaktereigenschaften, entwickelte die Fähigkeit, sich einfach, ruhig und würdevoll zu verhalten.

Ein Besucher des Russischen Museums, der von der Ikonographieausstellung in den Saal von Peter I. gelangt, erlebt ähnliche Empfindungen wie Neo im Film „Matrix“, der eine rote Pille aus den Händen von Morpheus nahm. Gerade jetzt waren wir von vergeistigten Bildern, leuchtenden Farben und harmonischen Linien umgeben, die nur annähernd dem ähnelten, was um uns herum sichtbar war, aber mit ihrer unkörperlichen Schönheit in unserer Welt das Gesetz und die Ordnung repräsentierten, die während der Erschaffung des Universums geschaffen wurden. Willkommen in der Realität – wenn wir die Schwelle überschreiten, tauchen wir ein in diese Welt dunkler Farben und bewusster Körperlichkeit, geformt durch das Licht der Reliefgesichter, als ob sie sich von schwarzen Hintergründen lösen würden. Wir kamen, um nachzuschauen, gerieten aber selbst ins Kreuzfeuer der Ansichten: Fast alle Exponate hier sind Porträts. Von nun an und für das gesamte kommende Jahrhundert wird das Porträt zum Synonym der russischen Malerei werden.

Die Geschichte des russischen Porträts des 18. Jahrhunderts ist ein Bild des visuellen Selbstbewusstseins der Nation, des sich im Laufe der Zeit entfaltenden Prozesses der Erlangung eines „Gesichts“ durch eine russische Person. In der Petruszeit gewöhnt man sich an das Erscheinungsbild eines in die soziale Hierarchie eingebundenen Individuums. Ausgehend vom Klassenstandard, der auf ein eher begrenztes Repertoire an Posen und Gesichtsausdrücken fixiert ist, entwickelt das Porträt subtilere Beziehungen zwischen dem Erscheinungsbild und der inneren Welt der Figur. Mit dem Aufkommen des Sentimentalismus wird das Leben der Seele zum Wert, zum Zeichen einer Persönlichkeit, die Natur und Zivilisation harmonisch verbindet. Schließlich werden die Romantik und die Ära von 1812 – wahrscheinlich zum ersten Mal in der russischen Kunst – die Entstehung des Bildes eines innerlich freien Menschen ermöglichen.

Apropos Porträt: Es gibt ein paar Dinge, die man beachten sollte. Erstens ist er in einer Klassengesellschaft ein Privileg, ein Marker und zugleich ein Garant für den Status eines Vorbilds. In den allermeisten Fällen wurden Vertreter der höchsten sozialen Schichten zu den Helden der Porträts. Ein Porträt, bei dem die notwendigen Konventionen des Bildes (Pose, Kostüm, Umgebung und Attribute) beachtet und vereinbart werden, bestätigt automatisch den hohen sozialen Status seiner Figur. Das Porträt spiegelt und überträgt die Standards des sozialen Verhaltens. Er scheint zu sagen: „Vor dir.“ edler Mann. Sei wie er!“ So stellt ein Adelsporträt seit Jahrhunderten nicht nur eine adlige Figur dar, sondern auch einen Menschen, der sich durch anmutige Leichtigkeit auszeichnet, also ein Eigentum, das seit langem als körperlicher Ausdruck von Adel und Erziehung dient und daher zur Elite gehört.

Porträtmalerei ist eine Art Industrie. Die Natur des Porträtmarktes lässt auf ein hohes Maß an Vereinheitlichung schließen. Porträts werden ganz klar in feierliche (zeremonielle) und intimere (private) Porträts unterteilt. Sie wiederum implizieren ein bestimmtes Set an Formaten, Posen und Attributen sowie eine entsprechende Preisliste, die berücksichtigt, ob der Künstler das Porträt von Anfang bis Ende selbst ausgeführt hat oder weniger wichtige Arbeitsbereiche Lehrlingen anvertraut hat.

Von seinen ersten Schritten in der Antike an spielte das Porträt eine magische Rolle: Es ersetzte das Dargestellte buchstäblich und verlängerte sein Leben nach dem Tod. Die Erinnerung an diese archaischen Funktionen begleitete das Porträt auch dann, als es zu einer der Gattungen der Malerei und Bildhauerei der Neuzeit wurde. Es wurde insbesondere durch literarische Werke vermittelt, die die imaginäre Kommunikation mit einem Porträt beschrieben: poetische „Interviews“ mit ihm, Geschichten über das Verlieben in Porträts und in der Ära der Romantik schreckliche Geschichten über lebendig werdende Bilder. Sie sagen notwendigerweise, dass das Porträt „wie lebendig“ ist, er „atmet“, ihm nur die Gabe der Sprache fehlt usw. In der Regel waren die von den Dichtern beschriebenen Bilder das Ergebnis ihrer Fantasie. Die von der Literatur über Jahrhunderte hinweg bewahrte Tradition selbst legte jedoch den Weg für die Wahrnehmung des Porträts und erinnerte daran, dass es nicht nur zur Welt der Kunst gehört, sondern in direktem Zusammenhang mit dem Problem der menschlichen Existenz steht.

Die klassische Kunsttheorie legt wenig Wert auf das Porträt. Dieses Genre nimmt auch in der akademischen Hierarchie einen angemessenen Platz ein. Ende des 18. Jahrhunderts glaubte man beispielsweise, dass „im Porträt ... Art immer nur eine Figur dargestellt wird, und zwar größtenteils in derselben Position ... Diese Art kann nicht ... mit der historischen ... verglichen werden“. Zu dieser Zeit hätte die Porträtmalerei, verbunden mit der Nachahmung der unvollkommenen Natur, noch nicht zu einem prestigeträchtigen Beruf werden dürfen. In Russland hat sich inzwischen eine andere Situation entwickelt: Das von der Gesellschaft nachgefragte Porträt ist zu einem der sichersten Wege des Künstlers zum Erfolg geworden. Beginnend mit Louis Caravaque, Ivan Nikitin oder Georg Groot gehörte die Erstellung von Porträts zu den Hauptaufgaben der Hofmaler. Aber der Künstler der ersten Hälfte - Mitte des 18. Jahrhunderts ist immer noch ein Arbeiter mit mehreren Stationen: Der Sheremetev-Leibeigene Ivan Argunov erfüllte die verschiedenen Launen des Besitzers und beendete seine Karriere als Verwalter, indem er die Malerei aufgab; Andrei Matveev und Ivan Vishnyakov beaufsichtigten die Architekten und Dekorateure des Kanzleramts von den Gebäuden aus; Alexei Antropov hatte ähnliche Aufgaben in der Synode. Für nur eine Kopie seines vom Senat in Auftrag gegebenen Krönungsporträts von Peter III. erhielt der Künstler jedoch 400 Rubel – nur ein Drittel weniger als sein jährliches Synodengehalt.

Alexey Antropov. Porträt von Peter III. 1762

Mit der Gründung der Akademie der Künste im Jahr 1757 begann sich die Situation zu ändern. Zuvor erlernte der russische Porträtmaler wie ein Renaissance-Lehrling sein Handwerk in der Werkstatt eines praktizierenden Künstlers oder nahm Unterricht bei einem prominenten Gast. Der vierzigjährige Antropov verbesserte sich unter der Anleitung von Pietro Rotari, einem Maler mit europäischem Ruf, der nach Russland zog. Argunov studierte bei Groot und unterrichtete im Auftrag der Kaiserin selbst das Malen von Sängern, die „vor ihren Stimmen schlafen“, darunter der zukünftige Historienmaler Anton Losenko. Grundlage der Künstlerausbildung war nun eine ganzheitliche, über Generationen bewährte Methode. Die Porträtklasse der Akademie wurde 1767 gegründet.

Trotz des scheinbar niedrigen Status des Genres haben von neun Studenten der ersten Zulassung, die die Akademie abgeschlossen haben, fünf ihren Abschluss als Porträtmaler gemacht, und nur zwei haben sich auf historische Malerei spezialisiert. Porträts nahmen einen wichtigen Platz in akademischen Ausstellungen ein und ermöglichten dem Künstler eine vollwertige Karriere – die Ernennung zum „ernannten“ (d. h. korrespondierenden Mitglied) oder sogar zum Akademiker. Den ersten Titel erhielt Borovikovsky 1794 für das Bild von Katharina II. bei einem Spaziergang im Zarskoselski-Park und ein Jahr später den zweiten für das Porträt von Großfürst Konstantin Pawlowitsch. Das Porträt einer Person eines kreativen Berufs allein könnte seinen Status symbolisch erhöhen. Levitsky stellte den Architekten Kokorinov im Jahr 1769 nach dem Standard eines Staatsmannporträts dar: Der Rektor der Akademie der Künste mit einem Schwert und in einem luxuriösen Anzug, der seinem Jahresgehalt entspricht, zeigt mit einer edlen Geste auf einen Sekretär mit einer akademischen Schatzkammer, dem Siegel der Akademie und ihrem Plan. Vier Jahre später wird der Künstler dieses Schema in einem Porträt des Vizekanzlers Fürst Golitsyn buchstäblich reproduzieren.

Wladimir Borowikowski. Katharina II. bei einem Spaziergang im Park Zarskoje Selo. 1794Staatliche Tretjakow-Galerie

Wladimir Borowikowski. Porträt des Großherzogs Konstantin Pawlowitsch. 1795Tschuwaschisches Staatliches Kunstmuseum

Dmitri Levitsky. Porträt von A. F. Kokorinov. 1769

Dmitri Levitsky. Porträt des Vizekanzlers Fürst A. M. Golitsyn. 1772Staatliche Tretjakow-Galerie

Die zweite Hälfte des Jahrhunderts eröffnet dem Porträtmaler eine Alternative – die Arbeit im Privatauftrag. Fjodor Rokotow stammte höchstwahrscheinlich von Leibeigenen ab, diente aber dem Adel in der Militärabteilung. Als seine Karriere an der Akademie der Künste scheiterte, zog er zwischen 1766 und 1767 nach Moskau, und der wohlhabende Adel der alten Hauptstadt bildete den umfangreichen Kundenkreis des Künstlers. An seinem Beispiel können wir uns ein Bild von der Stellung des gefragten Malers machen. Für das auf eigene Initiative gemalte königliche Porträt verlieh Ekaterina Rokotov 500 Rubel. Der erste Historiograph der russischen Kunst des 18. Jahrhunderts, Jacob Shtelin, bezeugt, dass der Künstler selbst in St. Petersburg „so geschickt und berühmt war, dass er nicht alle ihm bestellten Werke allein bewältigen konnte ... Er hatte etwa 50 Porträts in seiner Wohnung, sehr ähnlich, an denen außer dem Kopf nichts fertiggestellt war [dabei waren wahrscheinlich Lehrlinge beteiligt].“ Kostete sein Standardporträt in den 1770er Jahren 50 Rubel, so wurde es in den 1780er Jahren bereits auf hundert geschätzt. Dies ermöglichte es dem Künstler, ein Grundstück für 14.000 Rubel zu erwerben, darauf ein zweistöckiges Steinhaus zu bauen, Mitglied des Englischen Clubs zu werden und sich die verärgerte Bemerkung eines Zeitgenossen zu verdienen: „Rokotov wurde arrogant und wichtig für den Ruhm.“

Fjodor Rokotow. Krönungsporträt von Katharina II. 1763 Staatliche Tretjakow-Galerie

Der Kontrast zwischen der Ikonographie und dem Porträt des 18. Jahrhunderts zeigt deutlich die Radikalität der Petrusrevolution. Doch die Europäisierung der Bildformen begann schon früher. Im 17. Jahrhundert schufen die Meister der Rüstkammer und andere Ikonographen eine Mischung aus Ikone und Porträt – Parsuna (vom Wort „Person“, das in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Russland das Wort „Porträt“ ersetzte). Bereits Ende des 17. Jahrhunderts nutzte die Parsuna mit Nachdruck das von Polen und der Ukraine entlehnte Schema des europäischen Frontport-Tre-Ta. Aus dem Porträt entstand die Aufgabe – das Erscheinen einer Person in ihrer sozialen Rolle. Aber die Bildmittel bleiben in vielerlei Hinsicht ikonisch: die Flächigkeit von Form und Raum, die Konventionalität der Körperstruktur, der erklärende Text im Bild, die ornamentale Interpretation von Gewändern und Attributen. Diese Merkmale des 18. Jahrhunderts blieben lange Zeit im provinziellen Adelsporträt, in den Porträts der Kaufleute und des Klerus erhalten.

Porträt des Zaren Alexej Michailowitsch. Parsuna von einem unbekannten russischen Künstler. Ende der 1670er – Anfang der 1680er Jahre Staatliches Historisches Museum

Der in Italien studierte Petrovsky-Rentner Ivan Nikitin ist der erste russische Meister, der die Parsuna „vergessen“ hat. Seine Porträts sind recht einfach komponiert, er verwendet nur wenige ikonografische Typen, malt selten von Hand und bevorzugt dunkle Farben. Seine Porträts zeichnen sich oft durch eine besondere Plausibilität aus, das Gesicht wird mit nachdrücklicher Erleichterung behandelt, das Erkennen überwiegt die Idealisierung. Kanzler Gavriil Golovkin ist ein Idealbild der meritokratischen Monarchie Peters: Die langgestreckte Pyramide der vom Licht erfassten Figur wird von einem ovalen Gesicht gekrönt, das von einer Perücke umrahmt wird. Ruhige Würde, Stolz und Selbstbewusstsein werden dem Helden sowohl durch eine zurückhaltende, aber natürliche Pose als auch durch einen direkten Blick, der dem Betrachter begegnet, vermittelt. Das zeremonielle Leibchen mit Orden und Schleife verschmilzt fast mit dem Hintergrund, sodass Sie die ganze Aufmerksamkeit auf das Gesicht richten können. Die dunkle Umgebung drängt Golovkin hinaus, der Pinsel seiner linken Hand markiert die Grenze des Leinwandraums, und die filigrane blaue Schärpenschleife scheint sie zu durchbrechen und in unseren Raum einzudringen. Dieser malerische Trick, der die Illusion von Präsenz erzwingt, trägt gleichzeitig dazu bei, die psychologische und soziale Distanz zwischen Modell und Betrachter zu verringern, die im vorpetrinischen Parsun unüberwindbar war.

Iwan Nikitin. Porträt des Staatskanzlers Graf G. I. Golovkin. 1720er Jahre Staatliche Tretjakow-Galerie

Nach seiner Rückkehr aus den Niederlanden schuf Andrei Matveev um 1729 sein Porträt mit seiner jungen Frau. Wenn wir dieser heute allgemein akzeptierten Identifizierung zustimmen, dann haben wir nicht nur das erste bekannte Selbstporträt eines russischen Malers vor uns. In diesem Bild der Raznochintsy wird ein für das damalige Russland unerwartetes Gleichgewicht zwischen einem Mann und einer Frau dargestellt. Mit der linken Hand ergreift der Künstler feierlich die Hand seines Begleiters; rechts lenkt sie gönnerhaft umarmend auf den Betrachter. Doch jegliche formale Bedeutung dieser Gesten der Dominanz und Aneignung wird plötzlich ausgelöscht. In einer sehr unkompliziert organisierten Leinwand befindet sich die weibliche Figur nicht nur zur rechten Hand des Mannes, sondern nimmt auch genau den gleichen Bildraum ein wie er, und die Köpfe der Ehepartner sind streng in einer Linie angeordnet, als wären sie auf der gleichen Höhe der Schuppen eingefroren.

Andrey Matveev. Selbstporträt mit seiner Frau. Vermutlich 1729 Staatliches Russisches Museum

Das Porträt aus der Mitte des Jahrhunderts ist größtenteils keine Darstellung der Persönlichkeit, sondern des Status. Ein typisches Beispiel sind die Lobanov-Rostov-Ehegatten von Ivan Argunov (1750 und 1754). Trotz der Erkennbarkeit der Charaktere vor dem Betrachter sind es vor allem der „edle Edelmann“ und die „liebenswürdige Schönheit“, deren Position durch eine einheitliche Uniform, einen Hermelinmantel und ein Kleid mit Silberstickerei endgültig fixiert wird. Ein Künstler der Mitte des 18. Jahrhunderts – russischer und ausländischer – vermittelt das Kostüm und seine Elemente äußerst sorgfältig: Stoff, Stickerei, Spitze; schreibt Schmuck und Auszeichnungen ausführlich aus. In diesen Porträts von Argunov ist der Körper der Figur durch den Raum eingeschränkt und entlang der Leinwandebene verteilt, und die Stoffe und Dekorationen sind so detailliert bemalt, dass sie an die Parsuna mit ihrer dekorativen Wirkung und besonderen, oberflächlichen Sicht erinnern. menschlicher Körper.

Iwan Argunow. Porträt des Fürsten I. I. Lobanow-Rostowski. 1750Staatliches Russisches Museum

Iwan Argunow. Porträt der Prinzessin E. A. Lobanova-Rostovskaya. 1754Staatliches Russisches Museum

Heute schätzen wir mehr jene Werke des russischen Porträts des 18. Jahrhunderts, in denen das konventionelle Bild seine Integrität verloren zu haben scheint und der Anstand (das Gleichgewicht zwischen Ideal und Realem im Porträt) zugunsten der Plausibilität verletzt wird. Darin liegt offensichtlich der Reiz, den das Bild der zehnjährigen Sarah Fermor (1749) für den modernen Betrachter ausübt. Ivan Vishnyakov, der Untergebene ihres Vaters in Kancelaria aus Gebäuden, präsentierte das Kind in Form eines erwachsenen Mädchens und beschrieb eine zerbrechliche Figur in einer zeremoniellen Komposition mit einer Säule und einem Vorhang im Hintergrund. Daher die Attraktivität solcher Bilder, bei denen ein Gesicht ohne äußere Schönheit der Schlüssel zu einer wahrheitsgetreuen Charakterübertragung zu sein scheint: Dies sind die Anthropo-Porträts der Staatsdame Anastasia Izmailova (1759) oder Anna Buturlina (1763).

Iwan Wischnjakow. Porträt von Sarah Eleonora Fermor. 1749Staatliches Russisches Museum

Alexey Antropov. Porträt einer Staatsdame A. M. Izmailova. 1759Staatliche Tretjakow-Galerie

Alexey Antropov. Porträt von A. V. Buturlina. 1763Staatliche Tretjakow-Galerie

Zu dieser Reihe gehören auch Porträts der Chripunows von Argunow (1757). Kozma Khripunov, ein älterer Mann mit einer massiven Nase, hält ein Blatt gefaltetes Papier in seinen Händen und stoppt den Betrachter mit einem scharfen Blick, als würde er vom Lesen aufblicken. Seine junge Frau hält ein aufgeschlagenes Buch in den Händen und blickt uns mit ruhiger Würde an (laut Beichtbüchern ist Feodosia Khripunova kaum älter als zwanzig Jahre: Die Figuren in Porträts des 18. Jahrhunderts wirken oft älter als ihr Alter). Anders als im modernen Frankreich, wo in der Ära der Enzyklopädie das Buch selbst in einem aristokratischen Porträt keine Seltenheit war, werden die Charaktere russischer Gemälde des 18. Jahrhunderts nur sehr selten gelesen. Die Porträts der Chripunows in Europa, die nicht reich an Attributen und zurückhaltend in der Art sind, würden als Porträts des dritten Standes eingestuft, die die Werte der Aufklärung widerspiegeln. Bei ihnen – wie zum Beispiel im Porträt des Arztes Leroy von Jacques Louis David (1783) – kommt es nicht auf den Status, sondern auf die Aktivität des Helden an, nicht auf das gute Aussehen, sondern auf den ehrlich dargestellten Charakter.

Iwan Argunow. Porträt von K. A. Khripunov. 1757

Iwan Argunow. Porträt von Kh. M. Khripunova. 1757Moskauer Museumsanwesen „Ostankino“

Jacques Louis David. Porträt von Dr. Alphonse Leroy. 1783 Musée Fabre

Die Namen Rokotov und Levitsky sind zum ersten Mal im Russland des New Age mit der Idee einer streng individuellen Art verbunden, die Modelle zu unterwerfen scheint: Jetzt können wir getrost von einer Dame sprechen, die „von Rokotovs Leinwand abstammt“, von einem Herrn „von einem Porträt von Levitsky“. Beide Maler unterscheiden sich in Stil und Geist und lassen uns in ihren Porträts nicht nur Bilder bestimmter Personen sehen, sondern auch die Malerei als solche spüren, was sich auf Strich, Textur und Farbe auswirkt – unabhängig von der Handlung. Dies ist offensichtlich ein Beweis für eine allmähliche Veränderung des Status des Künstlers, seines Selbstwertgefühls und des aufkommenden öffentlichen Interesses an Kunst.

Rokotov ist der erste Meister des emotionalen Porträts in Russland. Die Ausbildung seines Auftretens ist mit dem Einfluss des italienischen Rotary verbunden, dessen mädchenhafte „Köpfe“ als pikante Rokoko-Schmuckstücke gelten. Aber Rokotov konnte in ihnen ein Beispiel für vielfältige, subtile, schwer fassbare Intonationen sehen – was die Bilder des russischen Künstlers selbst auszeichnet. Vom dunklen Hintergrund seiner Vorgänger geht Roko-tov zu einem unbestimmten Hintergrund über, wie ein Dunst, der die Figur dem Betrachter nicht so sehr näher bringt, sondern ihn aufnimmt. In Uniform oder Kleid gekleidet, erhält der Körper eine untergeordnete Bedeutung, das Gesicht dominiert nun vollständig. Es lohnt sich, genauer hinzuschauen, wie Rokotov die Augen malt: Bei Dingen wie dem berühmten Porträt von Alexandra Struyskaya (1772) wird die Pupille mit verschmolzenen Strichen in engen Farben und mit hellem Glanz bemalt – der Blick verliert an Klarheit, gewinnt aber an Tiefe. Die Unschärfe der Umgebung, die Glätte der Konturen sowie der verschwommene, aber satte Blick der Charaktere erzeugen ein Gefühl der Mehrdimensionalität der Charaktere, das keine Analogien in der russischen Porträtmalerei aufweist, in der vor allem bei Frauen Emotionen eine entscheidende Rolle spielen. In dieser Hinsicht sind Rokotovs Charaktere Menschen des Sentimentalismus, bei denen nicht soziale Rollen und Ambitionen im Vordergrund stehen, sondern die emotionale Tiefe und geistige Beweglichkeit eines Menschen.

Fjodor Rokotow. Porträt von A. P. Struiskaya. 1772 Staatliche Tretjakow-Galerie

Es scheint kein Zufall zu sein, dass Rokotovs anspruchsvoller, aber frei von äußeren Einflüssen wirkender Stil in Moskau im Einklang mit der von ihr geschätzten Tradition Gestalt annahm Privatsphäre, Familie und Freundschaft. Zur gleichen Zeit blühte in der aristokratischen und höfischen Hauptstadt Katharinas, den künstlerischen Moden der Welt folgend, der brillanteste Maler auf Russland XVIII Jahrhundert - Dmitri Levitsky. Im Werk des aus der Familie eines ukrainischen Priesters stammenden Absolventen der St. Petersburger Akademie der Künste erreichte die russische Malerei erstmals europäisches Niveau. Er war mit der Gabe ausgestattet, vollwertige und edle Bilder zu schaffen, mit der Fähigkeit, verschiedene Texturen – Stoffe, Stein, Metall, den menschlichen Körper – mit betörender Genauigkeit zu übertragen. Gleichzeitig führte eine Reihe seiner Werke die russische Kunst in den Kontext der fortgeschrittenen Geistesbewegungen dieser Zeit ein.

So wurden die für die russische Aufklärung relevanten Ideen der Unterordnung der Autokratie unter das Gesetz von Levitsky in dem Gemälde „Katharina II. – Gesetzgeberin im Tempel der Göttin der Gerechtigkeit“ (1783) verkörpert. Das zeremonielle Porträt des Herrschers verkörpert immer sein offizielles Bild. Levitskys Leinwand ist ein einzigartiger Fall, wenn das Bild des Monarchen, das den Kanonen des Genres voll und ganz entspricht, eine Botschaft der Gesellschaft an den Herrscher ist und die Bestrebungen des aufgeklärten Adels vermittelt.

Dmitri Levitsky. Porträt von Katharina der Gesetzgeberin im Tempel der Göttin der Gerechtigkeit. 1783 Staatliches Russisches Museum

Die Kaiserin, die einen Lorbeerkranz und eine Zivilkrone trägt, opfert ihren Frieden und verbrennt Mohnblumen auf einem Altar unter der Themis-Statue mit der Aufschrift „Für das Gemeinwohl“. Auf dem Sockel der Skulptur ist das Profil von Solon, dem athenischen Gesetzgeber, eingraviert. Der Reichsadler sitzt auf Gesetzesbüchern, und in der Meeresöffnung hinter der Königin ist die russische Flotte unter der St.-Andreas-Flagge mit dem Merkurstab zu sehen, ein Zeichen des geschützten Handels, also Frieden und Wohlstand. Neben dem aufklärerischen Rechtsstaatsgedanken sind hier auch andere politische Untertöne möglich. Es wurde vermutet, dass das Gemälde zum Mittelpunkt des Porträtensembles der Duma der Ritter des St. Wladimir-Ordens werden und sich in Zarskoje Selo Sofia befinden sollte, wodurch es in den ideologischen Apparat Katharinas einging.

Dieses Porträt, dessen Programm Nikolai Lwow und dessen Auftrag Alexander Bezborodko gehört, war wahrscheinlich das erste Werk der russischen Malerei, das sich als gesellschaftliches Ereignis herausstellte. Es steht im Einklang mit der Ode an Derzhavin „“, die im selben Jahr 1783 erschien. Dann druckte Ippolit Bogdanovich eine Strophe an den Künstler, in der Levitsky, nachdem er das ideologische Programm des Porträts umgesetzt hatte, das erste Beispiel einer direkten Ansprache eines russischen Malers an die Öffentlichkeit darstellt. Somit übernahm das Porträt die Funktion einer Erzählung historische Leinwand, das die Ideen formt, die die Gesellschaft begeistern und zu einem Ereignis für ein relativ breites Publikum wird. Dies ist eines der ersten Anzeichen eines neuen Prozesses für Russland: Die bildende Kunst dient nicht mehr den utilitaristischen Bedürfnissen der Elite (Darstellung politischer und persönlicher Ambitionen, Dekoration des Lebens, Visualisierung von Wissen usw.) und wird nach und nach zu einem wichtigen Element der nationalen Kultur, das einen Dialog zwischen verschiedenen Teilen der Gesellschaft organisiert.

Sieben Gemälde der „Smolyanki“-Serie, gemalt in den Jahren 1772-1776, zeigen neun Schülerinnen des Smolny-Instituts für edle Jungfrauen unterschiedlichen „Alters“ (Studienzeiten). Dies ist ein Denkmal für ein Experiment, das die Schlüsselideen der europäischen Aufklärung widerspiegelte: die Erziehung eines neuen Menschen, die Fortbildung der Frauen. Sie weisen auch deutlich auf einen allmählichen Wandel in der Einstellung gegenüber der Periode hin. Menschenleben: Wenn früher ein Kind in einem russischen Porträt in der Regel als kleiner Erwachsener dargestellt wurde, dann demonstrieren Smolyanki Schritte auf dem Weg zur Adoleszenz, die in dieser Porträtserie erstmals als eigenständige, eigenständige Bühne fungiert. Die Mädchen tanzen, spielen Theaterrollen, aber die beiden Bilder der „älteren Schülerinnen“ Glafira Alymova und Ekaterina Molchanova, die die Serie abschließen, scheinen zusammenzufassen und die beiden Hypostasen einer aufgeklärten Frau zu verkörpern. Alymova spielt die Ar-Fe und repräsentiert die Künste, die mit der sinnlichen Natur des Menschen verbunden sind. Mol-cha-nova repräsentiert das intellektuelle Prinzip. Sie posiert mit einem Buch und einer Vakuumpumpe – einem modernen Werkzeug, mit dem Sie die materielle Natur der Welt erkunden können. Aus einem Porträtattribut wird hier ein Zeichen fortgeschrittenen Wissens, das auf einem wissenschaftlichen Experiment basiert.

Dmitri Levitsky. Porträt von Feodosia Rzhevskaya und Nastasya Davydova. 1771–1772Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Ekaterina Nelidova. 1773Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Jekaterina Chruschtschowa und Jekaterina Chowanskaja. 1773Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Alexandra Levshina. 1775Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Ekaterina Molchanova. 1776Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Glafira Alymova. 1776Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Natalia Borshchova. 1776Staatliches Russisches Museum

Die Werke von Vladimir Borovikovsky, Levitskys Schüler und Landsmann, zeigen deutlich, dass sentimentale Werte in den letzten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts zur Grundlage für die Darstellung einer Privatperson wurden. Jetzt ist das Porträt deutlich in Front und Privat geschichtet. Bewusster Luxus erstrahlt im Bild des „Diamantenprinzen“ Kurakin (1801-1802), der wegen seiner Liebe zum Schmuck und seiner prunkvollen Pracht so genannt wird. Es zeigt, wie bei mehreren Gemälden Goyas, dass die Pracht der Malerei zu einem der letzten Argumente für die Größe der Aristokratie wird: Die Vorbilder selbst können dem vom Genre diktierten Pathos nicht mehr immer standhalten.

Wladimir Borowikowski. Porträt von Prinz A. B. Kurakin. 1801-1802 Staatliche Tretjakow-Galerie

Ein hybrides Merkmal der „Epoche der Sensibilität“ ist ein Bild von Katharina II. in Zarskoje Selo (siehe oben). Das Ganzkörperporträt vor dem Hintergrund des Denkmals militärischen Ruhms ist in einem betont kammermusikalischen Stil gehalten: Es zeigt die Kaiserin im Schlafrock im Moment eines einsamen Spaziergangs durch die Gassen des Parks. Catherine gefiel das Porträt nicht, aber höchstwahrscheinlich schlug sie Puschkin die Inszenierung von Masha Mironovas Treffen mit der Kaiserin in „Die Tochter des Kapitäns“ vor. Mit Borovikovsky wird die Landschaft zum ersten Mal bei russischen Künstlern zum dauerhaften Hintergrund des Porträts und bezeichnet eine ganze Reihe von Ideen, die mit den Ideen von Natürlichkeit, Sensibilität, Privatsphäre und der Einheit verwandter Seelen verbunden sind.

Natur als Projektion spiritueller Erfahrungen - charakteristisch Kultur des Sentimentalismus, die besagt, dass die innere Welt eines Menschen zu einem bedingungslosen Wert wird. Zwar nimmt in vielen Werken Borovikovskys die „Beteiligung an der Natur“ der Figur den Charakter eines Klischees an, was darauf hindeutet, dass Sensibilität und Natürlichkeit zur Mode geworden sind. Besonders deutlich wird dies in den meisterhaft ausgeführten Frauenporträts, die dem Ideal junger „natürlicher“ Schönheit folgen und die Posen und Attribute des Models nachzeichnen. Andererseits ermöglichte dieser pastorale Porträtrahmen die Einbeziehung von Leibeigenen in die Figuren. Dies sind zum Beispiel „Lizinka und Dashinka“ (1794) – Hofmädchen aus Lemberg, die den Maler bevormundeten und im Aussehen kaum von jungen Adligen zu unterscheiden waren.

Wladimir Borowikowski. Lizynka und Dashinka. 1794 Staatliche Tretjakow-Galerie

Wenn die russische Malerei in der Person von Levitsky und Borovikovsky den zeitgenössischen künstlerischen Trends entsprach, dann löste die nächste Generation russischer Hafenmaler ein neues Problem: Ihre Kunst baute endlich einen Dialog mit auf tolles Gemälde Europa des 16.-17. Jahrhunderts, dessen Tradition im vorpetrinischen Russland fehlte. Voraussetzungen dafür waren der Aufbau der Eremitage-Sammlung von einzigartiger Qualität bereits zur Katharinenzeit sowie lange Auslandsreisen der erfolgreichen Absolventen der Akademie junger Künstler. Karl Bryullov entwarf sein eigenes Bild nach den Mustern des „alten Meisters“ und stellte gleichzeitig auf russischem Boden die Pracht des Vandijk-Zeremonienporträts mit seinem symphonischen Farbluxus („Reiterin“, 1831; Porträt der Schischmarjow-Schwestern, 1839) wieder her.

Orest Kiprensky. Porträt des Vaters des Künstlers Adam Karlovich Schwalbe. 1804 Staatliches Russisches Museum

Im Porträt von Puschkin (1827) wird der Dialog mit der Tradition auf der Ebene der Ikonographie aufgebaut, die für Europäer an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert noch verständlich ist. Die auf der Brust verschränkten Arme und der ins Leere gerichtete Blick des Dichters erinnern an die Personifikationen der Melancholie – eines Temperaments, das seit der Renaissance als Zeichen des Genies galt.

Orest Kiprensky. Porträt von A. S. Puschkin. 1827 Staatliche Tretjakow-Galerie

Der kollektive Held von Kiprenskys Werken war die Generation von 1812. Diese Porträts zeichnen sich durch das ungehemmte „Verhalten“ der Charaktere aus, das in der russischen Kunst beispiellos ist. Es ist wichtig, das „formelle“ Porträt von Oberst Evgraf Davydov (1809) und eine Reihe grafischer Porträts der Teilnehmer zu vergleichen Vaterländischer Krieg 1812–1814 (Alexey Lansky, Mikhail Lansky, Alexei Tomilov, Yefim Chaplits, Pjotr ​​​​Olenin und andere, alle – 1813). Die erste variiert den für Europa im 18. und frühen 19. Jahrhundert charakteristischen Typus des Adelsporträts. Davydovs Pose zeugt nicht nur von distanzierter Leichtigkeit, sie veredelt die Figur auch ikonografisch, da sie auf den berühmten „Ruhenden Satyr“ von Praxiteles zurückgeht: Die Perfektion der klassischen Statue garantiert die Würde des Helden der Leinwand. Aber der sinnliche Körperfrieden der Satire ist nur die Kehrseite seiner tierischen Natur, und Kiprensky nutzt diese Erinnerung an den Prototyp (sowohl symbolisch als auch plastisch) perfekt und schafft das Bild eines Helden, der sich in entspannter Ruhe befindet, sich aber wie eine Feder aufrichten kann. Jedes der Bleistiftporträts junger „Veteranen“ ist ebenfalls ein Stück weit einem Porträtklischee untergeordnet, doch zusammen zeigen sie eine beispiellose grafische Freiheit und eine Vielfalt formaler Lösungen: Körperdrehungen, Kopfneigungen, Gesten und Blicke. In jedem einzelnen Fall ging der Künstler nicht von vorgegebenen Rollen aus, sondern von der Persönlichkeit, die sich vor ihm entfaltete. Diese Leichtigkeit der Charaktere, gepaart mit der demonstrativen Leichtigkeit der Darbietung, wirkt als sichtbare Verkörperung des inneren „Selbstverständnisses“ der Generation – ein Freiheitsgefühl, das in der russischen Geschichte bis dahin beispiellos war.

06.07.2019 um 15:34 · VeraSchegoleva · 11 620

Top 10 der berühmtesten Porträtmaler, deren Namen jeder kennen sollte

Ein Porträt ist ein Abbild einer Gruppe von Personen oder einer einzelnen Person mit absoluter Genauigkeit. Normalerweise handelt es sich dabei um eine Zeichnung, die in einem bestimmten Stil erstellt wurde.

Ein Porträtkünstler reproduziert ein Bild aus der Erinnerung oder zeichnet eine Person aus dem Leben. Porträtmaler vermitteln durch ihre Gemälde nicht nur das Aussehen von Menschen, sondern auch ihre einzigartigen Merkmale, Charaktereigenschaften.

Ein Porträt ist eine individuelle Haltung des Künstlers gegenüber einer bestimmten Person. Eine solche Interpretation einer Person ist elitär, exklusiv und nicht jedem zugänglich, daher wertvoll und sehr attraktiv.

Betrachten Sie die berühmtesten Porträtmaler, die das spirituelle Wesen der Menschen durch Gemälde am besten offenbarten.

10. Anthony Van Dyck

Anthony Van Dyck- Grafiker und Meister religiöser Themen und Hofporträts. Seine Heimat ist Belgien.

Dieser Künstler war ein Wunderkind, er schuf sein Selbstporträt im Alter von vierzehn Jahren. Als Van Dyck achtzehn Jahre alt war, wurde er in die Lukasgilde aufgenommen, die Drucker, Bildhauer und Künstler vereinte.

Bereits im Alter von zwanzig Jahren begann Van Dyck, Porträts von Aristokraten anzufertigen, die sich durch unglaubliches Können auszeichneten. Typischerweise erreichten Porträtmaler dieses Niveau im Alter von vierzig Jahren.

Der Meister schenkte seinen Händen immer große Aufmerksamkeit: Sie waren schön, anmutig, entspannt und hatten lange Finger. Die Arbeit von Van Dyck ist an der Art und Weise der Handzeichnung zu erkennen.

Van Dyck lebte in Italien und war Hofmaler in England.

Bemerkenswerte Porträts: „Köpfe eines Ältesten“, „Familienporträt“, „Porträt des Kardinals Guido Bentivoglio“, „Porträt Karls I. auf der Jagd“.

9. Hans Holbein

Hans Holbein der Jüngere- Einer der berühmtesten Deutsche Künstler. Er lernte das Zeichnen von Holbein dem Älteren, seinem Vater, der sich auf Altarmalerei spezialisiert hatte.

Der Meister wurde im Alter von einundzwanzig Jahren berühmt. Er war Maler am Hofe Heinrichs VIII.

Die von Hans Holbein geschaffenen Porträts sind sehr genau, er vermittelte die Bilder und Charaktere der dargestellten Personen mit größter Klarheit. Der Künstler spielte souverän mit Hell-Dunkel, er betonte gern verschiedene kleine Details, die seine Idee unterstreichen.

Viele Porträts des Meisters sind nicht frei von Sarkasmus und Ironie: Sie verraten seine wahre Haltung gegenüber den dargestellten Personen.

Bemerkenswerte Porträts: „Porträt von Thomas More“, „Porträt von Erasmus von Rotterdam“, „Porträt von Heinrich VIII.“.

8. Diego Velasquez

Diego Velazquez- Maler aus Spanien, Hofmaler Philipps IV. Velázquez begann im Alter von zehn Jahren Malerei zu studieren.

Bereits im Alter von achtzehn Jahren gelang es dem Künstler, eine eigene Werkstatt zu eröffnen: Francisco Pacheco, sein Lehrer, half ihm dabei.

Am Anfang kreative Art und Weise Velasquez stellte Stillleben und verschiedene Küchenszenen dar. Farbe und Schattierung, Farbsättigung wurden zu den Merkmalen dieser Gemälde.

Dann zog der Meister in die Hauptstadt und wurde Hofmaler. Er malte nicht nur maßgeschneiderte Zeremonienporträts, sondern versuchte auch, die unglücklichsten und gedemütigtesten Menschen einzufangen: Freaks, Narren, Zwerge.

Berühmte Porträts: „Der Gastwirt“, „Der alte Koch“, „Porträt des spanischen Königs Philipp IV. in Rüstung“, „Porträt einer Dame mit Fächer“, „Narr Juan von Österreich“.

7. Ilja Jefimowitsch Repin

Ilja Jefimowitsch Repin- Russischer Künstler, Professor, Lehrer, Mitglied der Kaiserlichen Akademie der Künste. Einer der Hauptvertreter des russischen Realismus.

In seiner Jugend lebte der Künstler in Armut. Er versuchte, mit dem Verkauf seiner Bilder Geld zu verdienen.

Dann bekam Repin für ein gutes Studium die Möglichkeit, nach Europa zu gehen, um ausländische Kunst zu studieren. Zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits großen Ruhm erlangt und begann, große Aufträge zu erhalten.

Charakteristische Merkmale von Repins Werk sind häufige Appelle an emotionale Höhepunkte, die Zurschaustellung sozialer Ängste und Aufgaben sowie ein subtiler Psychologismus.

Berühmte Porträts: „Porträt von Leo Tolstoi“, „Porträt von Mussorgski“, „Porträt der Mutter“, „Porträt von Konstantin Petrowitsch Pobedonostsew“.

6. Rembrandt Van Rijn

Rembrandt- Künstler aus Holland, Meister des Hell-Dunkels, Graveur. Er war einer der größten Vertreter des goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei.

Seine Bilder verkörperten das gesamte Spektrum menschlicher Erfahrungen. Rembrandt zog es vor, kleinere Details wegzulassen und so viel wie möglich preiszugeben Geisteszustand die dargestellte Person.

Der zukünftige Meister begann mit dreizehn Jahren das Zeichnen zu lernen. Er war ständig auf der Suche nach Kreativität und schuf Gemälde verschiedener Genres: Porträts, Genreszenen, Landschaften, Stillleben und so weiter.

Bemerkenswerte Porträts: „Die junge Saskia“, „Porträt von Jan Utenbogart“, „Flora“, „Porträt von Maria Trip“.

5. Peter Paul Rubens

Rubens- Flämischer Maler, Sammler, Diplomat. Er wurde zu einem der Hauptvertreter der Barockkunst. In der Porträtmalerei kam das Talent des Meisters voll zur Geltung. Gestik, Blick, Kopfdrehung, Pose des Models waren für ihn schon immer sehr wichtig.

Rubens stellte das schöne Geschlecht dar und genoss sozusagen deren Sinnlichkeit, Weiblichkeit und Körperpracht.

Der Künstler verfügte über eine sehr hohe Arbeitsfähigkeit: Er konnte von morgens bis abends Gemälde schaffen. Während seiner Arbeit unterhielt sich Rubens sehr gern mit Studenten und Besuchern.

Berühmte Porträts: „Porträt der Marquise Brigitta Spinola Doria“, „Porträt der Magd Infantin Isabella“, „Porträt von Helena Fourman mit zwei Kindern“.

4. Albrecht Dürer

Dürer- Grafiker und Maler aus Deutschland, einer der berühmtesten Vertreter der westeuropäischen Renaissance. Er hinterließ nicht nur Gemälde, sondern auch Abhandlungen und Stiche.

Albrecht Dürer perfektionierte die Kunst des Holzschnitts. Er lebte in Italien, studierte kreative Methoden Italienische Künstler.

Dürer schuf viele Selbstporträts, besonders gern zeichnete er in seiner Jugend selbst. Seine Arbeit ist durchdrungen vom Wunsch, die Naturgesetze zu kennen, sowie der Anziehungskraft auf die ideale, harmonische Schönheit. Es ist von einer hohen Gefühlsintensität und einem rebellischen Geist durchdrungen.

Bemerkenswerte Porträts: „Porträt des Erasmus von Rotterdam“, „Porträt des Bernhard von Riesen“, „Kaiser Maximilian I.“.

3. Tizian

Tizian Vecellio- ein berühmter Maler aus Italien. Sein Werk ist mit Ewigkeit und Unsterblichkeit verbunden. Den Pinseln dieses Künstlers wurden zu seinen Lebzeiten magische Eigenschaften zugeschrieben.

Tizian schuf wunderbare Porträts: Es schien, als seien die Seelen der Dargestellten darin verborgen. Er malte viele epische Gemälde zu mythologischen und religiösen Themen.

Tizians Schaffensweg war fruchtbar und lang: Der Künstler wurde fast hundert Jahre alt. Seine Bilder wurden immer wieder kopiert, aber niemand konnte jemals das gleiche Niveau erreichen.

Bemerkenswerte Porträts: „Porträt von Petro Aretino“, „Porträt von Karl V.“, „Porträt einer jungen Frau“.

2. Raphael Santi

Raphael- Italienischer Grafiker und Maler. Seine Gemälde spiegelten die Ideale der Renaissance wider.

Die Welt wurde sauberer und freundlicher, als die Augen der von Raffael dargestellten Madonnen sie zu betrachten begannen: Pasadena, Sixtinische, Orleans, Conestabile.

Er verkörperte in den Gemälden gekonnt verschiedene emotionale Schattierungen. Raffael galt als einer der „ausgewogensten“ Künstler. Der Meister starb sehr früh, im Alter von 37 Jahren, hinterließ aber ein kolossales künstlerisches Erbe.

Bemerkenswerte Porträts: „Donna Velata“, „Porträt von Castiglione“, „Porträt von Julius II.“, „Porträt von Papst Leo X. mit zwei Kardinälen“.

1. Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci – italienischer Künstler, Architekt, Bildhauer, Wissenschaftler, Musiker, . Er war ein einzigartiger „universeller Mann“.

Forschungen, Entdeckungen und Schöpfungen von da Vinci waren der Zeit um mehr als eine Ära voraus. Er half bei der Entwicklung der Stadtplanung und Anatomie.

Auch Da Vincis Aussehen war auffällig: engelhaftes Aussehen, große Statur und unglaubliche Stärke.

Für diesen Künstler war die Malerei eine Ergänzung zur Wissenschaft: Er konzentrierte sich stets auf die Erfassung der Realität.

Bemerkenswerte Porträts: „Mona Lisa“, „Dame mit Hermelin“, „Porträt von Ginerva de Benci“, „Porträt eines Musikers“.

Leserwahl:

Einführung

I. Russische Porträtmaler der Ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert

1.3 Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847)

II. Verband der Wanderkunstausstellungen

Kapitel IV. Kunst Porträtgemälde

Abschluss

Der Zweck dieser Arbeit besteht darin, über die Bedeutung des Porträts als eine der Hauptgattungen der Kunst, über seine Rolle in der Kultur und Kunst dieser Zeit zu berichten, die Hauptwerke der Künstler kennenzulernen, etwas über russische Porträtmaler des 19. Jahrhunderts sowie über ihr Leben und Werk zu erfahren.

In dieser Arbeit betrachten wir die Porträtkunst im 19. Jahrhundert:

Die größten Meister der russischen Kunst des 19. Jahrhunderts

Verband der Wanderkunstausstellungen.

Was ist ein Porträt?

Die Entstehungsgeschichte des Porträts.

Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts - die Zeit der Hinzufügung des Genresystems in der russischen Malerei. In der Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. die realistische Richtung setzte sich durch. Das Wesen des russischen Realismus wurde von jungen Malern bestimmt, die 1863 die Akademie der Künste verließen und gegen den klassischen Stil sowie historische und mythologische Themen rebellierten, die in die Akademie eingepflanzt worden waren. Diese Künstler organisierten sich 1870

Partnerschaft Wanderausstellungen, dessen Aufgabe es war, den Mitgliedern der Partnerschaft die Möglichkeit zu geben, ihre Arbeiten auszustellen. Dank seiner Aktivitäten wurden Kunstwerke einem breiteren Menschenkreis zugänglich. Pawel Michailowitsch Tretjakow (1832–1898) sammelte ab 1856 Werke russischer Künstler, vor allem der Wanderer, und schenkte 1892 seine Gemäldesammlung zusammen mit der Sammlung seines Bruders S. M. Tretjakow nach Moskau. Im Porträtgenre schufen die „Wanderer“ eine Galerie mit Bildern prominenter Kulturschaffender ihrer Zeit: ein Porträt von Fjodor Dostojewski (1872) von Wassili Perow (1833–1882), ein Porträt von Nikolai Nekrassow (1877–1878) von Iwan Kramskoi (1837–1887), ein Porträt von Modest Mussorgski (1881) von Ilja Repin (1844–1930), Porträt von Leo Tolstoi (1884) von Nikolai Ge (1831–1894) und einer Reihe anderer. Als Gegner der Akademie und ihrer künstlerischen Politik wandten sich die Wanderers der sogenannten zu. „niedrige“ Themen; In ihren Werken tauchen Bilder von Bauern und Arbeitern auf.

Das Wachstum und die Ausweitung des künstlerischen Verständnisses und Bedarfs spiegelt sich in der Entstehung vieler Kunstvereine, Schulen, einer Reihe privater Galerien (der Tretjakow-Galerie) und Museen nicht nur in den Hauptstädten, sondern auch in den Provinzen sowie in der Einführung in die Schulausbildung im Zeichnen wider.
All dies zeigt im Zusammenhang mit dem Erscheinen einer Reihe brillanter Werke russischer Künstler, dass die Kunst auf russischem Boden Wurzeln schlug und national wurde. Die neue russische Nationalkunst unterschied sich deutlich dadurch, dass sie die Hauptströmungen der russischen Kunst klar und stark widerspiegelte. öffentliches Leben.

I. Russische Porträtmaler der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

1.1 Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836)

Geboren am 13. (24.) März 1782 auf dem Gut Nezhinskaya (in der Nähe von Koporye, heute in der Region Leningrad). Er war der leibliche Sohn des Gutsbesitzers A. S. Dyakonov, der in der Familie seines Leibeigenen Adam Schwalbe verzeichnet war. Nach Erhalt seiner Freiheit studierte er an der St. Petersburger Akademie der Künste (1788–1803) bei G. I. Ugryumov und anderen. Er lebte in Moskau (1809), Twer (1811), St.

Das allererste Porträt – des Adoptivvaters von A.K. Schwalbe (1804, Russisches Museum, St. Petersburg) – zeichnet sich durch seine emotionale Färbung aus. Im Laufe der Jahre verbesserte sich das Können von Kiprensky, das sich in der Fähigkeit manifestierte, nicht nur sozio-spirituelle Typen (die in der russischen Kunst der Aufklärung vorherrschten), sondern auch einzigartige Einzelbilder zu schaffen. Es ist selbstverständlich, dass es üblich ist, die Geschichte der Romantik in der russischen bildenden Kunst mit den Gemälden von Kiprensky zu beginnen.

Russischer Künstler, herausragender Meister der russischen Sprache bildende Kunst Romantik, bekannt als wunderbarer Porträtmaler. Porträts von Kiprensky sind von besonderer Herzlichkeit, besonderer Einfachheit durchdrungen, sie sind erfüllt von seiner hohen und poetischen Liebe zu einem Menschen. In den Porträts von Kiprensky sind die Merkmale seiner Zeit immer spürbar. Dies ist jedem seiner Porträts stets inhärent – ​​und dem romantischen Bild des jungen V.A. Schukowski und der weise E.P. Rostopchin (1809), Porträts: D.N. Chwostow (1814 Tretjakow-Galerie), der Junge Tschelischtschow (1809 Tretjakow-Galerie), E.V. Davydov (1809 GRM).

Ein unschätzbar wertvoller Teil von Kiprenskys Werk sind grafische Porträts, die hauptsächlich mit Bleistift, getönten Pastellkreiden, Wasserfarben und Buntstiften angefertigt werden. Er porträtiert General E.I. Chaplitsa (TG), P.A. Olenina (TG). In diesen Bildern haben wir Russland vor uns, die russische Intelligenz vom Vaterländischen Krieg von 1812 bis zum Dezemberaufstand.

Porträts von Kiprensky erscheinen vor uns komplex, nachdenklich und in der Stimmung wechselhaft. Die verschiedenen Facetten der menschlichen Natur enthüllen und Spirituelle Welt Kiprensky nutzte in seinen frühromantischen Porträts stets unterschiedliche Möglichkeiten der Malerei. Zu seinen Meisterwerken gehören eines der besten Lebensporträts von Puschkin (Staatliche Tretjakow-Galerie von 1827) und ein Porträt von Avdulina (Russisches Museum von 1822). Die Traurigkeit und Nachdenklichkeit von Kiprenskys Helden ist erhaben und lyrisch.

„Liebling der leichtfüßigen Mode,

Obwohl nicht britisch, nicht französisch,

Du hast wieder erschaffen, lieber Zauberer,

Ich, ein Haustier reiner Musen. -

Und ich lache über das Grab

Für immer aus den Fesseln des Todes verschwunden.

Ich sehe mich wie in einem Spiegel

Aber dieser Spiegel schmeichelt mir.

Es heißt, dass ich nicht demütigen werde

Die Leidenschaften wichtiger Aoniden.

Von nun an wird mein Aussehen bekannt sein, -

Puschkin schrieb an Kiprenski als Dank für sein Porträt. Puschkin schätzte sein Porträt und dieses Porträt hing in seinem Büro.

Eine besondere Abteilung bilden Kiprenskys Selbstporträts (mit Quasten hinter dem Ohr, um 1808, Tretjakow-Galerie; und andere), die vom Pathos der Kreativität durchdrungen sind. Er besitzt auch eindringliche Bilder russischer Dichter: K.N. Batyushkov (1815, Zeichnung, Museum des Instituts für Russische Literatur der Russischen Akademie der Wissenschaften, St. Petersburg; V.A. Zhukovsky (1816). Der Meister war auch ein virtuoser Grafiker; hauptsächlich mit einem italienischen Bleistift arbeitend, schuf er eine Reihe bemerkenswerter Alltagstypen (wie der blinde Musiker, 1809, Russisches Museum). Kiprensky starb am 17. Oktober in Rom. 1836.

1.2 Wassili Andrejewitsch Tropinin (1776-1857)

Ein Vertreter der Romantik in der russischen bildenden Kunst, ein Meister der Porträtmalerei. Geboren am 19. (30.) März 1776 im Dorf Karpovka (Provinz Nowgorod) in der Familie des Leibeigenen Grafen A. S. Minikh; später wurde er dem Grafen I. I. Morkov als Mitgift für die Tochter von Minich zur Verfügung gestellt. Als Junge zeigte er die Fähigkeit zum Zeichnen, doch der Meister schickte ihn nach St. Petersburg, um eine Ausbildung zum Konditor zu machen. Er besuchte Kurse an der Akademie der Künste, zunächst heimlich und ab 1799 – mit Erlaubnis von Morkov; Während seines Studiums lernte er O.A. Kiprensky kennen. Im Jahr 1804 berief der Besitzer den jungen Künstler zu sich, und von da an lebte er abwechselnd entweder in der Ukraine, auf dem neuen Morkovo-Anwesen Kukavka, oder in Moskau, als Leibeigener Maler, der gleichzeitig die Haushaltsaufgaben des Gutsbesitzers erledigen musste. 1823 erhielt er seine Freiheit und den Titel eines Akademikers, doch nachdem er seine Karriere in St. Petersburg aufgegeben hatte, blieb er in Moskau.

Ein Künstler aus Leibeigenen, der mit seinem Werk in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts viel Neues in die russische Malerei brachte. Erhielt den Titel eines Akademikers und wurde der meiste berühmter Künstler Moskauer Porträtschule der 20-30er Jahre. Später wird die Farbe von Tropinins Gemälde interessanter, die Volumina sind meist klarer und skulpturaler geformt, aber vor allem wächst ein rein romantisches Gefühl für die bewegten Elemente des Lebens, Tropinin ist der Schöpfer einer besonderen Art von Porträt – eines Gemäldes. Porträts, in denen Merkmale des Genres vorgestellt werden, Bilder mit einer bestimmten Handlung: „Lacemaker“, „Spinner“, „Guitarist“, „Golden Sewing“.

Die besten Porträts von Tropinin, wie das Porträt von Arsenys Sohn (1818 Tretjakow-Galerie), Bulakhov (1823 Tretjakow-Galerie). Tropinin folgt in seiner Arbeit dem Weg der Klarheit und Ausgewogenheit mit einfachen Porträtkompositionen. In der Regel erfolgt das Bild auf einem neutralen Hintergrund mit einem Minimum an Accessoires. Genau so funktioniert Tropinin A.S. Puschkin (1827) – in freier Position am Tisch sitzend, gekleidet in ein Hauskleid, das das natürliche Erscheinungsbild betont.

Frühe Arbeiten Tropinina sind farblich zurückhaltend und in der Komposition klassisch statisch ( Familienporträts Morkovyh, 1813 und 1815; beide Werke befinden sich in der Tretjakow-Galerie, Moskau). In dieser Zeit schafft der Meister auch ausdrucksstarke lokale, kleinrussische Bilder vom ukrainischen Typ (1810er Jahre, Russisches Museum, St. Petersburg). Bulakow, 1823; K. G. Ravich, 1823; beide Porträts in der Tretjakow-Galerie).

Im Laufe der Jahre nimmt die Rolle der spirituellen Atmosphäre – ausgedrückt durch den Hintergrund und wichtige Details – immer mehr zu. Das beste Beispiel ist das Selbstporträt mit Pinsel und Palette aus dem Jahr 1846, in dem sich der Künstler vor einem Fenster mit spektakulärem Blick auf den Kreml vorstellte. Tropinin widmet eine Reihe von Werken Künstlerkollegen, die bei der Arbeit oder in der Betrachtung dargestellt werden (I.P. Vitali, ca. 1833; K.P. Bryullov, 1836; beide Porträts in der Tretjakow-Galerie; und andere). Gleichzeitig ist dem Stil von Tropinin stets ein besonders intimer, heimeliger Geschmack inhärent. In der beliebten Frau im Fenster (basierend auf dem Gedicht „Der Schatzmeister“ von M. Yu. Lermontov, 1841) erhält diese entspannte Aufrichtigkeit eine erotische Note. Die späten Werke des Meisters („Diener mit Damast, Geld zählend“, 1850er Jahre, ebd.) zeugen vom Verblassen der Farbbeherrschung, nehmen jedoch das für die Wanderer charakteristische ausgeprägte Interesse am dramatischen Alltag vorweg. Ein wichtiger Bereich von Tropinins Werk sind auch seine scharfen Bleistiftskizzen. Tropinin starb am 3. (15.) Mai 1857 in Moskau.

Russischer Künstler, Vertreter der Romantik (vor allem für seine ländlichen Genres bekannt). Geboren am 7. (18.) Februar 1780 in Moskau in einer Kaufmannsfamilie. In seiner Jugend diente er als Beamter. Er studierte Kunst größtenteils auf eigene Faust und kopierte die Gemälde der Eremitage. In den Jahren 1807–1811 nahm er Malunterricht bei VL Borovikovsky. Er gilt als Begründer des russischen gedruckten Cartoons. Gebildeter Landvermesser, der den Dienst verlässt, um sich der Malerei zu widmen. Im Porträtgenre schuf er mit Pastell, Bleistift, Öl erstaunlich poetische, lyrische, romantische Bilder, angefacht von einer romantischen Stimmung – ein Porträt von V.S. Putyatina (TG). Zu seinen schönsten Werken dieser Art zählen sein eigenes Porträt (Museum Alexanders III.), saftig und kräftig gemalt, in angenehmen, dichten Grau-Gelb- und Gelb-Schwarz-Tönen, sowie ein von ihm gemaltes Porträt des alten Malers Golovochy (Kaiserliche Akademie der Künste).

Venetsianov ist ein erstklassiger Meister und eine außergewöhnliche Person; worauf Russland ziemlich stolz sein sollte. Er suchte eifrig junge Talente direkt beim Volk, vor allem bei den Malern, auf und zog sie zu sich. Die Zahl seiner Schüler betrug über 60 Personen.

Während des Vaterländischen Krieges von 1812 schuf er eine Reihe agitatorischer und satirischer Bilder zum Thema des Volkswiderstands gegen die französischen Besatzer.

Er malte meist kleine Porträts, die von subtiler lyrischer Inspiration geprägt waren (M. A. Venetsianova, die Frau des Künstlers, Ende der 1820er Jahre, Russisches Museum, St. Petersburg; Selbstporträt, 1811, Tretjakow-Galerie). 1819 verließ er die Hauptstadt und lebte seitdem in dem von ihm gekauften Dorf Safonkovo ​​​​(Provinz Twer), inspiriert von den Motiven der umliegenden Landschaft und des ländlichen Lebens. Die besten Gemälde Venetsianovs sind auf ihre Art klassisch und zeigen diese Natur in einem Zustand idealisierter, aufgeklärter Harmonie; Andererseits herrscht in ihnen offensichtlich ein romantisches Element vor, der Reiz liegt nicht in Idealen, sondern in einfachen Naturgefühlen vor dem Hintergrund der heimischen Natur und des Lebens. Seine Bauernporträts (Zakharka, 1825; oder Bäuerin mit Kornblumen, 1839) erscheinen als Fragmente derselben aufgeklärten, natürlichen, klassisch-romantischen Idylle.

Neue kreative Suchen werden durch den Tod des Künstlers unterbrochen: Venetsianov starb am 4. Dezember (16) 1847 im Twerer Dorf Poddubie an den Folgen von Verletzungen – er wurde aus dem Wagen geworfen, als die Pferde auf einer rutschigen Winterstraße ins Schleudern gerieten. Das pädagogische System des Meisters, das die Liebe zur einfachen Natur kultivierte (um 1824 gründete er seine eigene Kunstschule), wurde zur Grundlage einer besonderen venezianischen Schule, der charakteristischsten und originellsten aller persönlichen Schulen der russischen Kunst des 19. Jahrhunderts.

1.4 Karl Pawlowitsch Brjullow (1799-1852)

Geboren am 29. November (10. Dezember) 1798 in der Familie des Künstlers P. I. Bryullov, Bruder des Malers K. P. Bryullov. Er erhielt seine Grundschulausbildung von seinem Vater, einem Meister der dekorativen Schnitzerei, und studierte anschließend an der Akademie der Künste (1810–1821). Im Sommer 1822 wurden er und sein Bruder auf Kosten der Society for the Encouragement of the Arts ins Ausland geschickt. Nachdem er Deutschland, Frankreich, Italien, England und die Schweiz besucht hatte, kehrte er 1830 nach St. Petersburg zurück. Seit 1831 - Professor an der Akademie der Künste. Ein Mann von bemerkenswertem Schicksal, lehrreich und eigenartig. Seit seiner Kindheit ist er von Eindrücken der russischen Realität umgeben. Nur in Russland fühlte er sich zu Hause, er strebte nach ihr, er sehnte sich nach ihr in einem fremden Land. Bryullov arbeitete mit Inspiration, Erfolg und Begeisterung. Innerhalb von zwei bis drei Monaten erschienen in seinem Atelier Meisterwerke der Porträtmalerei, darunter Porträts von Semenova, Dr. Orlov, Nestor und Platon Kukolnik. In den Porträts von Bryullov, die mit gnadenloser Wahrheit und außergewöhnlich hohem Können ausgeführt wurden, kann man die Zeit, in der er lebte, den Wunsch nach echtem Realismus, die Vielfalt, Natürlichkeit und Einfachheit der dargestellten Person erkennen.

Ausgehend von der Historienmalerei galt Bryullovs Interesse der Porträtmalerei, in der er sein ganzes kreatives Temperament und seine Brillanz seines Könnens zeigte. Sein brillantes dekoratives Gemälde „Reiterin“ (1832 Tretjakow-Galerie), das eine Schülerin der Gräfin Yu.P. darstellt. Samoilova Giovanina Pacchini. Porträt von Samoilova selbst mit einer anderen Schülerin – Amazilia (1839, Russisches Museum). Im Gesicht des Schriftstellers Strugovshchikov (1840 Tretjakow-Galerie) kann man die Spannung des Innenlebens ablesen. Selbstporträt (1848 Tretjakow-Galerie) – ein traurig dünnes Gesicht mit durchdringendem Blick. Ein sehr naturgetreues Porträt von Prinz Golitsin, der auf einem Sessel in seinem Büro ruht.

Bryullov besitzt eine starke Vorstellungskraft, ein scharfes Auge und eine treue Hand. Er brachte lebende Schöpfungen hervor, die den Grundsätzen des Akademismus entsprachen.

Relativ frühe Abreise praktische Arbeit, der Meister war aktiv an der Lehre an der Akademie der Künste beteiligt (ab 1831 - Professor). Er hinterließ auch ein reiches grafisches Erbe: zahlreiche Porträts (E.P. Bakunina, 1830–1832; N.N. Puschkina, Ehefrau des großen Dichters; A.A. Perovsky, 1834; alle in Aquarell; usw.), Illustrationen usw.; hier zeigten sich die romantischen Züge seines Talents noch direkter als in der Architektur. Er starb am 9. (21) Januar 1887 in St. Petersburg.

Ein inspirierendes Beispiel für die Partnerschaft war das St. Petersburger Artel der Künstler, das 1863 von Teilnehmern des „Aufstands der Vierzehn“ (I. N. Kramskoy, A. I. Korzukhin, K. E.) gegründet wurde. Skandinavische Mythologie. Um die ideologische und wirtschaftliche Freiheit der Kreativität zu verteidigen, begannen die „Artels“, eigene Ausstellungen zu organisieren, doch um die Wende der 1860er und 1870er Jahre waren ihre Aktivitäten praktisch zum Erliegen gekommen. Ein neuer Impuls war der Appell an das „Artel“ (1869). Mit entsprechender Genehmigung finden Wanderkunstausstellungen in allen Städten des Reiches statt, in der Form: a) den Bewohnern der Provinzen die Möglichkeit zu geben, sich mit der russischen Kunst vertraut zu machen und ihren Fortschritt zu verfolgen; b) Entwicklung der Liebe zur Kunst in der Gesellschaft; und c) es Künstlern leichter machen, ihre Werke zu vermarkten.“ So entstand zum ersten Mal in der bildenden Kunst Russlands (mit Ausnahme von Artel) eine mächtige Künstlergruppe, nicht nur ein befreundeter Kreis oder eine Privatschule, sondern eine große Gemeinschaft von Gleichgesinnten, die (trotz des Diktats der Akademie der Künste) davon ausging, den Entwicklungsprozess nicht nur auszudrücken, sondern auch unabhängig zu bestimmen künstlerische Kultur landesweit.

Die theoretische Quelle der schöpferischen Ideen der „Wanderer“ (die in ihrer Korrespondenz sowie in der damaligen Kritik zum Ausdruck kamen – vor allem in den Texten von Kramskoy und den Reden von V. V. Stasov) war die Ästhetik der philosophischen Romantik. Neue Kunst, befreit vom Kanon akademischer Klassiker. Tatsächlich wollen sie den Verlauf der Geschichte aufzeigen und so in ihren Bildern wirkungsvoll die Zukunft vorbereiten. Unter den „Wanderern“ erschien die Moderne überhaupt als ein solcher künstlerischer und historischer „Spiegel“: Im Mittelpunkt der Ausstellungen standen Genre- und Alltagsmotive, Russland in seinem vielfältigen Alltag. Der Beginn des Genres gibt den Ton für Porträts, Landschaften und sogar Bilder der Vergangenheit vor, die den spirituellen Bedürfnissen der Gesellschaft möglichst nahe kommen. In der späteren Tradition, auch in der sowjetischen Tradition, die den Begriff des „Peredwischniki-Realismus“ tendenziös verzerrte, wurde die Sache auf sozialkritische, revolutionär-demokratische Themen reduziert, von denen es tatsächlich einige gab. Es ist wichtiger, die beispiellose analytische und sogar visionäre Rolle im Auge zu behalten, die hier nicht so sehr den berüchtigten sozialen Fragen, sondern der Kunst als solcher zukommt, indem sie ihr eigenes souveränes Urteil über die Gesellschaft schafft und sich dadurch in ihren eigenen, idealerweise autarken künstlerischen Bereich trennt. Diese über die Jahre gewachsene ästhetische Souveränität wurde zur unmittelbaren Schwelle der russischen Symbolik und Moderne.

Auf regelmäßigen Ausstellungen (insgesamt waren es 48), die zunächst in St. Petersburg und Moskau, dann in vielen anderen Städten des Reiches, von Warschau bis Kasan und von Nowgorod bis Astrachan, gezeigt wurden, konnte man im Laufe der Jahre immer mehr Beispiele nicht nur des romantisch-realistischen, sondern auch des modernistischen Stils sehen. Die schwierigen Beziehungen zur Akademie endeten schließlich seit Ende des 19. Jahrhunderts in einem Kompromiss. (dem Wunsch Alexanders III. folgend, „die Spaltung zwischen den Künstlern zu beenden“), wurde ein bedeutender Teil der angesehensten Wanderer in die akademische Fakultät aufgenommen. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts in der Partnerschaft verschärften sich die Spannungen zwischen Innovatoren und Traditionalisten; die Wanderers vertraten nicht mehr, wie sie selbst meinten, alles, was in Russland künstlerisch fortschrittlich war. Die Gesellschaft verlor rapide an Einfluss. 1909 wurden seine Provinzausstellungen eingestellt. Der letzte bedeutende Aktivitätsschub erfolgte im Jahr 1922, als die Gesellschaft eine neue Erklärung verabschiedete, in der sie ihren Wunsch zum Ausdruck brachte, das Leben im modernen Russland widerzuspiegeln.

Kapitel III. Russische Porträtmaler der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts

3.1 Nikolai Nikolajewitsch Ge (1831-1894)

Russischer Künstler. Geboren am 15. (27.) Februar 1831 in Woronesch in der Familie eines Gutsbesitzers. Er studierte an den mathematischen Fakultäten der Universitäten Kiew und St. Petersburg (1847–1850) und trat dann in die Akademie der Künste ein, die er 1857 abschloss. Er wurde stark von K. P. Bryullov und A. A. Ivanov beeinflusst. Lebte in Rom und Florenz (1857-1869), in St. Petersburg und seit 1876 auf der Ivanovsky-Farm in der Provinz Tschernihiw. Er war einer der Gründer der Association of the Wanderers (1870). Er malte viel Porträts. Noch während seines Studiums an der Akademie der Künste begann er mit der Arbeit an Porträts. Im Laufe seiner jahrelangen Kreativität malte er viele seiner Zeitgenossen. Im Grunde handelte es sich hierbei um fortgeschrittene Kulturschaffende. MICH. Saltykov - Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoi und andere. Ge besitzt eines der besten Porträts von A.I. Herzen (1867, Staatliche Tretjakow-Galerie) – das Bild eines russischen Revolutionärs, eines feurigen Kämpfers gegen Autokratie und Leibeigenschaft. Doch die Idee des Malers beschränkt sich nicht auf die Übertragung äußerer Ähnlichkeit. Herzens Gesicht spiegelte wie aus der Dämmerung gerissen seine Gedanken wider, die unbeugsame Entschlossenheit eines Kämpfers für soziale Gerechtigkeit. In diesem Porträt wird das Geistige festgehalten historische Figur, verkörperte die Erfahrung ihres ganzen Lebens, voller Kampf und Angst.

Seine Werke unterscheiden sich von den Werken Kramskoys durch ihre Emotionalität und Dramatik. Porträt des Historikers N.I. Kostomarov (1870, Staatliche Tretjakow-Galerie) ist ungewöhnlich schön, temperamentvoll, frisch und frei geschrieben. Das Selbstporträt entstand kurz vor seinem Tod (1892-1893, KMRI), das Gesicht des Meisters erstrahlt vor kreativer Inspiration. Das Porträt von N. I. Petrunkevich (1893) wurde vom Künstler am Ende seines Lebens gemalt. Das Mädchen ist in fast dargestellt vollständige Höhe am offenen Fenster. Sie ist in das Lesen vertieft. Ihr Gesicht im Profil, die Neigung des Kopfes und die Körperhaltung drücken einen Gedankenzustand aus. Wie nie zuvor legte Ge großen Wert auf den Hintergrund. Die Farbharmonie zeugt von den unverbrauchten Kräften des Künstlers.

Ab den 1880er Jahren wurde Ge ein enger Freund und Anhänger Leo Tolstois. Um den menschlichen Inhalt der Evangeliumspredigt hervorzuheben, geht Ge zu einer immer freieren Schreibweise über und verschärft die Farb- und Lichtkontraste bis zum Äußersten. Der Meister malte wundervolle Porträts voller innerer Spiritualität, darunter ein Porträt von Leo Tolstoi an seinem Schreibtisch (1884). Auf dem Bild von N. I. Petrunkevich vor dem Hintergrund eines zum Garten offenen Fensters (1893; beide Porträts in der Tretjakow-Galerie). Ge starb am 1. (13.) Juni 1894 auf dem Bauernhof Ivanovsky (Provinz Tschernigow).

3.2 Wassili Grigorjewitsch Perow (1834-1882)

Geboren in Tobolsk am 21. oder 23. Dezember 1833 (2. oder 4. Januar 1834). Er war der uneheliche Sohn eines örtlichen Staatsanwalts, Baron G. K. Kridener, aber der Nachname „Perov“ wurde dem zukünftigen Künstler von seinem Alphabetisierungslehrer, einem Provinzdiakon, in Form eines Spitznamens gegeben. Er studierte an der Arzamas School of Painting (1846–1849) und der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur (1853–1861), wo einer seiner Mentoren S. K. Zaryanko war. Er wurde insbesondere von P.A. Fedotov, dem Meister der satirischen Zeitschriftengrafik, sowie von ausländischen Meistern – von W. Hogarth und Genremalern der Düsseldorfer Schule – beeinflusst. Lebte in Moskau. Er war eines der Gründungsmitglieder der Association of the Wanderers (1870).

Die besten Porträtwerke des Meisters stammen aus der Wende der 60er und 70er Jahre: F.M. Dostojewski (1872, Tretjakow-Galerie) A.N. Ostrowski (1871, Tretjakow-Galerie), I.S. Turgenjew (1872, Russisches Museum). Dostojewski ist besonders ausdrucksstark, völlig in schmerzhafte Gedanken versunken, nervös die Hände auf dem Knie verschränkt, ein Bild höchster Intelligenz und Spiritualität. Aufrichtige Genreromantik verwandelt sich in Symbolik, durchdrungen von einem traurigen Gefühl der Gebrechlichkeit. Porträts des Meisters (V. I. Dal, A. N. Maikov, M. P. Pogodin, alle Porträts - 1872), die eine für die russische Malerei beispiellose spirituelle Spannung erreichen. Kein Wunder, dass das Porträt von F. M. Dostojewski (1872) zu Recht als das beste in der Ikonographie des großen Schriftstellers gilt.

In den letzten Jahrzehnten seines Lebens entdeckt der Künstler ein herausragendes Talent als Essayschreiber (Geschichten „Tante Marya“, 1875; „Unter dem Kreuz“, 1881; und andere; letzte Ausgabe – Geschichten des Künstlers, M., 1960). Von 1871 bis 1882 lehrte Perov an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, wo zu seinen Schülern N. A. Kasatkin, S. A. Korovin, M. V. Nesterov und A. P. Ryabushkin gehörten. Perov starb am 29. Mai (10. Juni 1882) im Dorf Kuzminki (damals in der Nähe von Moskau).

3.3 Nikolai Alexandrowitsch Jaroschenko (1846-1898)

Geboren am 1. Dezember (13) 1846 in Poltawa in einer Militärfamilie. Er absolvierte die Michailowski-Artillerie-Akademie in St. Petersburg (1870), diente im Arsenal und ging 1892 im Rang eines Generalmajors in den Ruhestand. Er studierte Malerei an der Zeichenschule der Gesellschaft zur Förderung der Künste bei I. N. Kramskoy und an der Akademie der Künste (1867–1874). Er reiste viel – in die Länder Westeuropas, des Nahen und Mittleren Ostens, des Urals, der Wolga, des Kaukasus und der Krim. Er war Mitglied (seit 1876) und einer der Führer der Association of the Wanderers. Er lebte hauptsächlich in St. Petersburg und Kislowodsk.

Seine Werke können als Porträt bezeichnet werden – wie „Stoker“ und „Prisoner“ (1878, Staatliche Tretjakow-Galerie). „Stoker“ – das erste Bild eines Arbeiters in der russischen Malerei. „Gefangener“ – ein relevantes Bild in den Jahren der stürmischen populistischen Revolutionsbewegung. „Cursist“ (1880, Russisches Museum) Ein junges Mädchen mit Büchern geht über den nassen Bürgersteig von St. Petersburg. In diesem Bild kam die gesamte Ära des Kampfes der Frauen um die Unabhängigkeit des spirituellen Lebens zum Ausdruck.

Jaroschenko war ein hochgebildeter Militäringenieur starker Charakter. Der Wanderer-Künstler diente mit seiner Kunst revolutionären demokratischen Idealen. Meister des sozialen Genres und Porträts im Geiste der Wanderers. Er machte sich einen Namen mit ausdrucksstarken Bildkompositionen, die das Mitgefühl für die Welt der gesellschaftlich Ausgegrenzten wecken. Eine besondere Art verstörender, „gewissenhafter“ Ausdruck verleiht den besten Porträts von Jaroschenko Leben (P.A. Strepetova, 1884, ebenda; G.I. Uspensky, 1884, Kunstgalerie, Jekaterinburg; N.N. Ge, 1890, Russisches Museum, St. Petersburg). Jaroschenko starb am 25. Juni (7. Juli 1898) in Kislowodsk.

3.4 Iwan Nikolajewitsch Kramskoi (1837-1887)

Geboren in der Provinz Woronesch in der Familie eines kleinen Beamten. Von Kindheit an liebte er Kunst und Literatur. Nach seinem Abschluss an der Bezirksschule im Jahr 1850 arbeitete er als Schreiber und dann als Retuscheur für einen Fotografen. 1857 landete er in St. Petersburg und arbeitete in einem Fotoatelier. Im Herbst desselben Jahres trat er in die Akademie der Künste ein.

Der vorherrschende Bereich künstlerischer Leistung blieb für Kramskoys Porträt. Kramskoy ist im Porträtgenre eine erhabene, hochspirituelle Persönlichkeit. Er schuf eine ganze Galerie mit Bildern der größten Persönlichkeiten der russischen Kultur – Porträts von Saltykov – Shchedrin (1879, Staatliche Tretjakow-Galerie), N.A. Nekrasov (1877, Tretjakow-Galerie), L.N. Tolstoi (1873, Staatliche Tretjakow-Galerie), P.M. Tretjakow (1876, Staatliche Tretjakow-Galerie), I.I. Shishkin (1880, Russisches Museum), D.V. Grigorowitsch (1876, Staatliche Tretjakow-Galerie).

Kramskoys künstlerische Art zeichnet sich durch eine gewisse protokollarische Trockenheit, Monotonie der kompositorischen Formen und Schemata aus, da das Porträt die Merkmale seiner Arbeit als Retuscheur in seiner Jugend zeigt. Das Porträt von A.G. Litovchenko (1878, Staatliche Tretjakow-Galerie) mit malerischer Fülle und Schönheit von Braun- und Olivtönen. Es entstanden auch kollektive Werke von Bauern: „Woodsman“ (1874, Staatliche Tretjakow-Galerie), „Mina Moiseev“ (1882, Russisches Museum), „Bauer mit Zaumzeug“ (1883, KMRI). Immer wieder wandte sich Kramskoy dieser Form der Malerei zu, in der zwei Genres aufeinandertrafen – Porträt und Alltagsleben. Zum Beispiel Werke der 80er Jahre: „Unbekannt“ (1883, Staatliche Tretjakow-Galerie), „Untröstliche Trauer“ (1884, Staatliche Tretjakow-Galerie). Einer der Höhepunkte von Kramskoys Werk ist das Porträt von Nekrasov, Selbstporträt (1867, Staatliche Tretjakow-Galerie) und das Porträt des Agronomen Vyunnikov (1868, Museum der BSSR).

Von 1863 bis 1868 unterrichtete Kramskoy an der Zeichenschule der Gesellschaft zur Förderung von Künstlern. Im Jahr 1870 wurde Kramskoy einer der Gründer des TPHV. Beim Schreiben eines Porträts griff Kramskoy häufig auf grafische Techniken zurück (Verwendung von Most, Tünche und Bleistift). So entstehen die Porträts der Künstler A.I. Morozov (1868), G.G. Myasoedov (1861) – Staatliches Russisches Museum. Kramskoy ist ein Künstler mit großem kreativem Temperament, ein tiefer und origineller Denker. Er kämpfte stets für eine fortschrittliche realistische Kunst, für deren ideologischen und demokratischen Inhalt. Er arbeitete erfolgreich als Lehrer (an der Zeichenschule der Society for the Encouragement of Arts, 1863-1868). Kramskoy starb am 24. März (5. April 1887) in St. Petersburg.

3.5 Ilja Jefimowitsch Repin (1844-1930)

Geboren in Chuguev in der Provinz Charkow in der Familie eines Militärsiedlers. Seine erste künstlerische Ausbildung erhielt er an der Schule für Typografen und bei den örtlichen Künstlern I.M. Bunakov und L.I. Persanova. 1863 kam er nach St. Petersburg, studierte an der Zeichenschule der Gesellschaft zur Förderung von Künstlern bei R.K. Schukowski und I.N. Kramskoy wurde 1864 in die Akademie der Künste aufgenommen.

Repin ist einer der besten Porträtmaler seiner Zeit. Eine ganze Galerie mit Bildern seiner Zeitgenossen wurde von ihm erstellt. Mit welcher Geschicklichkeit und Kraft werden sie auf seinen Leinwänden festgehalten. In Repins Porträts ist alles bis in die letzte Falte durchdacht, jedes Merkmal ist ausdrucksstark. Repin verfügte über die größte Fähigkeit des Künstlers, das Wesen der psychologischen Eigenschaften zu durchdringen, indem er die Traditionen von Perov, Kramskoy und Ge fortsetzte und Bilder berühmter Schriftsteller, Komponisten und Schauspieler hinterließ, die die russische Kultur verherrlichten. In jedem Einzelfall fand er unterschiedliche kompositorische und koloristische Lösungen, mit denen er das Bild der dargestellten Person am ausdrucksvollsten zum Ausdruck bringen konnte. Wie scharf der Chirurg Pirogov blinzelt. Die traurig schönen Augen der Künstlerin Strepetova (1882, Staatliche Tretjakow-Galerie) huschen umher, und das scharfe, intelligente Gesicht der Künstlerin Myasoedov, des nachdenklichen Tretjakow, ist gemalt. Mit gnadenloser Wahrheit schrieb er „Protodeacon“ (Kirchenpfarrer 1877, Russisches Museum). Patient M.P. wurde mit Wärme geschrieben. Mussorgsky (1881, Tretjakow-Galerie), wenige Tage vor dem Tod des Komponisten. Die Porträts des jungen Gorki, des weisen Stasov (1883, Russisches Museum) und anderer sind eindringlich ausgeführt. „Herbststrauß“ (1892, Staatliche Tretjakow-Galerie) ist ein Porträt von Veras Tochter, wie sonnig das Gesicht der Tochter des Künstlers im warmen Schatten eines Strohhuts leuchtet. Mit großer Liebe vermittelte Repin mit seiner Jugend, Fröhlichkeit und Gesundheit ein attraktives Gesicht. Die weiten Felder, die noch blühen, aber vom Gelb des Grases, den grünen Bäumen und der Transparenz der Luft berührt werden, verleihen dem Werk eine belebende Stimmung.

Das Porträt war nicht nur das führende Genre, sondern auch die Grundlage von Repins Werk im Allgemeinen. Bei der Arbeit an großen Leinwänden wandte er sich systematisch Porträtstudien zu, um das Aussehen und die Eigenschaften der Figuren zu verdeutlichen. Dies ist das Porträt des Glöckners, das mit dem Gemälde „Die Prozession in der Provinz Kursk“ (1880-1883, Staatliche Tretjakow-Galerie) verbunden ist. Vom Buckligen ausgehend betonte Repin beharrlich das Prosaische, das Elend seiner Kleidung und seines gesamten Erscheinungsbildes, die Gewöhnlichkeit der Figur mehr als ihre Tragödie und Einsamkeit.

Die Bedeutung Repins in der Geschichte der russischen Kunst ist enorm. Besonders in seinen Porträts kommt seine Nähe zu den großen Meistern der Vergangenheit zum Ausdruck. Im Porträt erreichte Repin den Höhepunkt seiner bildnerischen Kraft.

Repins Porträts sind lyrisch überraschend attraktiv. Er schafft scharf charakteristische Volksfiguren, zahlreiche perfekte Bilder kultureller Persönlichkeiten und anmutige weltliche Porträts (Baronin V. I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Besonders farbenfroh und aufrichtig sind die Bilder der Verwandten des Künstlers: eine Reihe von Gemälden mit Repins Frau N. I. Nordman-Severova. Virtuos sind auch seine rein grafischen Porträts, die mit Graphitstift oder Kohle ausgeführt wurden (E.Duse, 1891; Prinzessin M.K.Tenisheva, 1898; V.A.Serov, 1901). Repin erwies sich auch als hervorragender Lehrer: Er war Professor und Leiter der Werkstatt (1894–1907) und Rektor (1898–1899) der Akademie der Künste, gleichzeitig unterrichtete er in der Schulwerkstatt von Tenisheva.

Nach der Oktoberrevolution von 1917 wurde der Künstler von Russland getrennt, als Finnland die Unabhängigkeit erlangte, zog er nie in seine Heimat, obwohl er Kontakt zu dort lebenden Freunden (insbesondere zu K. I. Chukovsky) pflegte. Repin starb am 29. September 1930. 1937 veröffentlichte Tschukowski eine Sammlung seiner Memoiren und Artikel über Kunst (Far Close), die später mehrmals nachgedruckt wurde.

3.6 Valentin Alexandrowitsch Serow (1865-1911)

Geboren in St. Petersburg in der Familie des Komponisten A.N. Serow. Seit seiner Kindheit war V.A. Serow war von Kunst umgeben. Repin war der Lehrer. Serow arbeitete in der Nähe von Repin mit frühe Kindheit und entdeckte sehr bald Talent und Unabhängigkeit. Repin schickt ihn an die Akademie der Künste zu P.P. Tschistjakow. Der junge Künstler erlangte Respekt und sein Talent erregte Bewunderung. Serov schrieb „Das Mädchen mit den Pfirsichen“. Serovs erstes großes Werk. Trotz der geringen Größe wirkt das Bild sehr schlicht. Es ist in Rosa- und Goldtönen geschrieben. Für dieses Gemälde erhielt er eine Auszeichnung der Moskauer Gesellschaft der Kunstliebhaber. Im folgenden Jahr malte Serow ein Porträt seiner Schwester Maria Simonowitsch und nannte es später „Das von der Sonne erleuchtete Mädchen“ (1888). Das Mädchen sitzt im Schatten und die Lichtung im Hintergrund wird von den Strahlen der Morgensonne beleuchtet.

Serov wurde ein modischer Porträtmaler. Posiert vor ihm berühmte Schriftsteller, Aristokraten, Künstler, Künstler, Unternehmer und sogar Könige. Im Erwachsenenalter schrieb Serov weiterhin an Verwandte und Freunde: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serow führte die Befehle der Gekrönten Alexander III. und Nikolaus II. aus. Der Kaiser ist in einer einfachen Jacke des Preobrazhensky-Regiments dargestellt; Dieses Gemälde (1917 zerstört, aber in der Nachbildung des Autors aus demselben Jahr erhalten; Tretjakow-Galerie) wird oft als das beste Porträt des letzten Romanow angesehen. Der Meister malte sowohl betitelte Beamte als auch Kaufleute. An jedem Porträt arbeitete Serov bis zur Erschöpfung, mit voller Hingabe, als wäre die Arbeit, die er begonnen hatte, sein letztes Werk. Der Eindruck von spontaner, leichter Kunstfertigkeit verstärkte sich in Serovs Bildern und dadurch, dass er frei in den unterschiedlichsten Techniken (Aquarell, Gouache, Pastell) arbeitete und so den Unterschied zwischen einer Studie und einem Bild minimierte oder sogar ganz aufhob. Auch die Schwarz-Weiß-Zeichnung war eine gleichwertige Form der Kreativität (deren Selbstwertgefühl wurde in seinem Werk aus dem Jahr 1895 fixiert, als Serov einen Zyklus von Tierskizzen anfertigte und an der Illustration der Fabeln von I. A. Krylov arbeitete).

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Serov wird vielleicht der erste Porträtmaler in Russland, wenn jemand in dieser Hinsicht unterlegen ist, dann nur ein Repin. Es scheint, dass ihm intime lyrische Bilder, weiblich und kindisch (N. Ya. Derviz mit einem Kind, 1888–1889; Mika Morozov, 1901; beide Porträts stammen aus der Tretjakow-Galerie) oder Bilder kreativer Menschen (A. Masini, 1890; K. A. Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; N. A. Leskov, 18) am besten gelingen 94; alle - an der gleichen Stelle), wobei der farbenfrohe Eindruck und der freie Strich den Geisteszustand des Modells widerspiegeln. Aber noch offiziellere, weltliche Porträts verbinden auf organische Weise subtile Kunstfertigkeit mit der nicht weniger subtilen Begabung eines Künstler-Psychologen. Zu den Meisterwerken des „säkularen“ Serow gehört der Graf F. F. Sumarokow-Elston (später Fürst Jussupow), 1903, Russisches Museum; G. L. Girshman, 1907; V. O. Girshman, 1911; I.A. Morozov, 1910; Prinzessin O. K. Orlova, 1911; alles ist da).

In den Porträts des Meisters dieser Jahre dominiert die Moderne mit ihrem Kult einer starken und flexiblen Linie, einer monumentalen eingängigen Geste und Pose vollständig (M. Gorki, 1904, A. M. Gorki-Museum, Moskau; M. N. Ermolova, 1905; F. I. Chaliapin, Kohle, Kreide, 1905; beide Porträts - in der Tretjakow-Galerie; Ida Rubinstein, Tempera, Kohle, 1910, Russisches Museum). Serov hinterließ auch eine dankbare Erinnerung an sich selbst als Lehrer (1897–1909 unterrichtete er an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, wo zu seinen Schülern K. F. Yuon, N. N. Sapunov, P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K. S. Petrov-Vodkin gehörten). Serow starb am 22. November (5. Dezember 1911) in Moskau.

Kapitel. Die Kunst des Porträts

Das Porträt ist ein bedeutendes und wichtiges Genre in der Kunst. Das Wort „Porträt“ selbst geht auf das altfranzösische Wort „pourtrait“ zurück, was bedeutet: das Bild des Teufels im Teufel; es geht auch auf das lateinische Verb „protrahere“ zurück – also „herausziehen“, „entdecken“; später - „darstellen“, „Porträt“. Im Russischen entspricht das Wort „Porträt“ dem Wort „like“.

In der bildenden Kunst, zu der dieser Begriff ursprünglich gehört, versteht man unter einem Porträt das Bild einer bestimmten Person oder Personengruppe, in dem das individuelle Erscheinungsbild eines Menschen vermittelt, wiedergegeben, seine innere Welt, das Wesen seines Charakters offenbart wird.

Das Bild einer Person ist das Hauptthema der Malerei. Das Studium beginnt mit Skizzen des Kopfes. Alle formalen Bilder sind der Bilderzeugung, der Übertragung des psychischen Zustands eines Menschen, untergeordnet. In der Malerei sollte das Bild eines menschlichen Kopfes aus der Natur unserer üblichen dreidimensionalen Sicht und unserem Verständnis der Welt um uns herum entsprechen.

Die Methoden der Kopfbemalung in der russischen akademischen Schule der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts führen die Tradition fort, die Form mit Hilfe starker und heißer Schatten zu formen. Wir können akademische Methoden beurteilen, indem wir die Werke von O. Kiprensky, K. Bryullov, A. Ivanov betrachten. Es ist unmöglich, akademische Methoden für alle Künstler als etwas Gleiches zu betrachten, aber was den Studenten der Akademie gemeinsam ist, ist die Disziplin der Form.

Ein Porträt kann als durchaus zufriedenstellend angesehen werden, wenn die intimen und persönlichen Züge der abgebildeten Person zum Ausdruck kommen, wenn das Original exakt wiedergegeben wird, mit allen Merkmalen seines Aussehens und seines inneren individuellen Charakters, in seiner vertrautesten Haltung, mit seinem charakteristischsten Ausdruck. Die Erfüllung dieser Anforderung gehört zum Aufgabenbereich der Kunst und kann zu höchst künstlerischen Ergebnissen führen, wenn sie von begabten Meistern durchgeführt wird, die ihren persönlichen Geschmack und ihr Naturgefühl in die Wiedergabe der Realität einbringen.

Malerei ist in erster Linie ein Bild von Form, Volumen. Daher wird die Form oft in einer Farbe exakt mit allen Details vorgearbeitet. Dann wurden die Lichter kalt, dick und strukturiert bemalt; Schatten heiß, transparent, mit Lacken, Ölen, Harzen. All dies gilt für die Ölmalerei. Aquarelle dieser Zeit sind nur getönte Zeichnungen, und Tempera wurde für Kirchengemälde verwendet, fernab von Werken aus der Natur.

Sehr wichtig In der akademischen Malerei gab es einen Arbeitsablauf, ein System. Durch Trocken- und Nassglasur erhielt der Kopf seine endgültige Form, Farbe und Ausdruck. Aber wahrscheinlich einige Köpfe von K.P. Bryullov malte sofort und behielt dabei strenge Modellierung, kaltes Licht und heiße Schatten bei. Die gleichen heißen Schatten liegen auf den Porträts von I. N. Kramskoy. Ihre Rötung wird durch das normalerweise diffuse Museumslicht gemildert. Fällt jedoch ein Sonnenstrahl auf das Porträt, staunt man über die bedingte Helligkeit der roten Schatten.

Die Impressionisten schenkten der Bedeutung von warmem und kaltem Licht bei der Gestaltung eines lebenden Kopfes größte Aufmerksamkeit. Entweder sind die Lichter kalt und die Schatten warm oder umgekehrt. In jedem Modell werden die Bedingungen der Situation ausgewählt, basierend auf dem Teint, der Kleidung und dem allgemeinen Erscheinungsbild. Um eine interessante Beleuchtung zu erzeugen, werden Bildschirme verwendet – Pappe, Leinwand, Papier. Der Bildschirm kann einen Teil des Hintergrunds oder der Kleidung abdunkeln, wodurch das Gesicht besser zur Geltung kommt.

Behalten Sie die vorbereitende Skizze von M. A. Vrubel für das Porträt von N. I. Zabela-Vrubel bei, in der die Grenzen aller Farbänderungen mit Bleistift eingezeichnet sind. Die Gesichtsoberfläche ist mosaikartig in sehr kleine Bereiche unterteilt. Wenn Sie jeden von ihnen mit der entsprechenden Farbe füllen, ist das Porträt fertig.

Das Porträtbild spiegelt nicht nur das Modell, sondern auch den Künstler selbst wider. Daher wird der Autor durch seine Werke anerkannt. Auf den Porträts verschiedener Künstler sieht die gleiche Person völlig unterschiedlich aus. Schließlich bringt jeder von ihnen seine Einstellung zum Modell, zur Welt, seine Gefühle und Gedanken, seine Art zu sehen und zu fühlen, seine geistige Verfassung, seine Weltanschauung in das Porträt ein. Der Künstler kopiert nicht nur das Modell, er reproduziert nicht nur sein Aussehen – er kommuniziert seine Eindrücke von ihr, vermittelt, drückt seine Vorstellung von ihr aus.

Das Porträtgenre nahm einen großen Platz im akademischen Bildungssystem ein, da Lehrer des frühen 19. Jahrhunderts darin die Darstellung einer Person als Möglichkeit für den Künstler sahen, sich direkt mit der Natur auseinanderzusetzen.

Mit der Entwicklung und Etablierung demokratischer Tendenzen in der russischen Kunst im Prozess der Lösung gemeinsamer kreativer Probleme kommt es zu einer Konvergenz der Suche in verschiedenen Genres, insbesondere in der Porträtmalerei.

Die Arbeit an einem Porträt bringt den Künstler in engen Kontakt mit Vertretern verschiedener sozialer Schichten. moderne Gesellschaft und die Arbeit aus der Natur erweitert und vertieft das Verständnis der Psychologie der im Bild verkörperten Bilder erheblich. Die Porträtmalerei wird mit typischem bereichert Volksbilder. Die psychologischen Eigenschaften des Porträtierten, sein moralisches und soziales Verständnis werden vertieft. Im Porträt spürt man vor allem nicht nur eine kritische Lebenseinstellung, sondern auch die Suche nach positives Bild, mit der größten Kraft manifestiert sich in den Bildern von Vertretern der Intelligenz.

Russische Kunst verfügt über eine reiche Tradition realistischer Porträtmalerei, die bis ins 18. Jahrhundert zurückreicht und ein bedeutendes Erbe hinterlassen hat. Sie entwickelten sich in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts fruchtbar. In diesen Epochen war es das Porträt, das in der realistischen Vollständigkeit seiner Bilder relativ frei von der Macht des Kanons war und sowohl der Handlung vorausging – der historischen als auch der alltäglichen Malerei, die in der russischen Kunst erst die ersten Schritte machte.

Die besten Porträtmaler des 18. Jahrhunderts und der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts vermitteln uns die typischen Merkmale ihrer Zeitgenossen. Doch die Aufgaben der Typisierung bei gleichzeitiger Bewahrung des Individuums im Menschenbild gerieten in diesen Porträts in Konflikt mit dem vorherrschenden klassischen Konzept, in dem das Typische als abstrakt vom Individuum verstanden wurde. Im Porträt des Wanderers stoßen wir jedoch auf ein umgekehrtes Verständnis des Typischen: Je tiefer in die Individualität eines Menschen eingedrungen wird, desto konkreter und heller wird sein Bild nachgebildet, desto deutlicher treten in seinem Porträt die Gemeinsamkeiten hervor, die sich unter dem Einfluss bestimmter Lebensumstände herausgebildet haben.

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