Автор на есето е Н. В. Туманина

Руската опера е най-ценният принос в съкровищницата на световния музикален театър. Родена в ерата на класическия разцвет на италианската, френската и немската опера, руската опера през 19 век. не само настига другите национални оперни школи, но и ги изпреварва. Многостранният характер на развитието на руския оперен театър през 19 век. допринесе за обогатяването на световното реалистично изкуство. Произведенията на руските композитори откриха нова област на оперното творчество, внесоха в него ново съдържание, нови принципи за изграждане на музикална драматургия, доближавайки оперното изкуство до други видове музикално творчествоособено за симф.

Историята на руската класическа опера е неразривно свързана с развитието Публичен животРусия, с развитието на напредналата руска мисъл. Операта се отличава с тези връзки още през 18 век, възниквайки като национално явление през 70-те години, ерата на развитието на руското просвещение. Формирането на руската оперна школа е повлияно от просветителски идеи, изразяващи се в желанието за правдиво изобразяване на живота на народа.

Така руската опера от първите си стъпки се оформя като демократично изкуство. Сюжетите на първите руски опери често излагат антикрепостнически идеи, които са характерни и за руския драматичен театър и руската литература в края на 18 век. Тези тенденции обаче все още не са се развили в цялостна система; те са изразени емпирично в сцени от живота на селяните, в показване на потисничеството им от земевладелците, в сатиричен образблагородство. Такива са сюжетите на първите руски опери: "Нещастието от каретата" на В. А. Пашкевич (ок. 1742-1797), либрето на Я. Б. Княжнин (пост, 1779 г.); „Кочияши на монтаж“ Е. И. Фомина (1761-1800). В операта "Мелничарят - магьосник, измамник и сватовник" по текст на А. О. Аблесимов и музика на М. М. Соколовски (във втората версия - Е. И. Фомина) идеята за благородството на творчеството на изразява се земеделец и се осмива благородното перчене. В операта на М. А. Матински - В. А. Пашкевич "Санкт-Петербургски гостин двор" в сатирична форма са изобразени лихвар и подкупник.

Първите руски опери са пиеси с музикални епизоди в хода на действието. Сцените на разговор бяха много важни в тях. Музиката на първите опери беше тясно свързана с руските народни песни: композиторите използваха широко мелодиите на съществуващите народни песни, преработвайки ги, правейки ги основа на операта. В "Мелник" например цялата характеристика на героите е дадена с помощта на народни песни от различен характер. В операта „Санкт-Петербургски гостин двор” с голяма точност е възпроизведен народен сватбен обред. В „Кочияши на рама“ Фомин създава първия пример за народна хорова опера, като по този начин залага една от типичните традиции на по-късната руска опера.

Руската опера се развива в борбата за своята национална идентичност. Политиката на кралския двор и върховете на благородното общество, покровителстващи чуждестранни трупи, беше насочена срещу демократичността на руското изкуство. Дейците на руската опера трябваше да усвоят оперни умения върху образците на западноевропейската опера и в същото време да защитят независимостта на своето национално направление. Тази битка е в ход дълги годинистава условие за съществуването на руската опера, приемайки нови форми на нови етапи.

Наред с операта-комедия през XVIIIв. се появяват и други оперни жанрове. През 1790 г. в двора се провежда представление под заглавието „Първоначалното управление на Олег“, текстът за който е написан от императрица Екатерина II, а музиката е композирана съвместно от композиторите К. Каноббио, Й. Сарти и В. А. Пашкевич. изпълнението не е толкова оперно, колкото ораториално по природа и до известна степен може да се счита за първия пример на музикално-историческия жанр, толкова широко разпространен през 19 век. В творчеството на изключителния руски композитор Д. С. Бортнянски (1751-1825) оперният жанр е представен от лиричните опери „Соколът“ и „Съперническият син“, чиято музика по отношение на развитието на оперните форми и умения може да бъде поставена на наравно със съвременните образци на западноевропейската опера.

Операта е била използвана през 18 век. голяма популярност. Постепенно операта от столицата навлиза в имението на театрите. Крепостният театър на границата на 18-ти и 19-ти век. дава отделни високохудожествени примери за изпълнение на опери и отделни роли. Номинирани са талантливи руски певци и актьори, като например певицата Е. Сандунова, която е играла на столичната сцена, или крепостната актриса на Шереметевския театър П. Жемчугова.

Художествените постижения на руската опера от 18 век. дава тласък на бързото развитие на музикалния театър в Русия през първата четвърт на 19 век.

Връзките на руския музикален театър с идеите, определящи духовния живот на епохата, са особено засилени през годините Отечествена война 1812 г. и през годините на декабристкото движение. Темата за патриотизма, отразена в исторически и съвременни сюжети, става основа на много драматични и музикални изпълнения. Идеите на хуманизма, протестът срещу социалното неравенство вдъхновяват и оплодяват театралното изкуство.

В началото на XIXв. все още не мога да говоря за опера в пълен смисълтази дума. голяма роля в рус музикален театъриграят смесени жанрове: трагедия с музика, водевил, комична опера, опера-балет. Преди Глинка руската опера не е познавала произведения, чиято драматургия да се основава само на музика без никакви устни епизоди.

О. А. Козловски (1757-1831), който създава музика за трагедиите на Озеров, Катенин, Шаховски, е изключителен композитор на "трагедия върху музиката". В жанра на водевила успешно работят композиторите А. А. Алябиев (1787-1851) и А. Н. Верстовски (1799-1862), които композират музика за редица водевили с хумористично и сатирично съдържание.

Опера началото на XIX V. развиват традициите от предишния период. Характерно явление са битовите представления, придружени с народни песни. Примери от този вид са изпълнения: „Ям“, „Сборове“, „Приятелка“ и др., Музиката за които е написана от любителски композитор А. Н. Титов (1769-1827). Но с това далеч не се изчерпва богатият театрален живот на епохата. Склонността към романтичните тенденции, характерни за това време, се изразява в ентусиазма на обществото към приказно-фантастичните представления. Днепърската русалка (Леста), която имаше няколко части, се радваше на особен успех. Музиката за тези опери, които формират, така да се каже, главите на романа, е написана от композиторите С. И. Давидов, К. А. Кавос; частично е използвана музиката на австрийския композитор Кауер. "Днепърската русалка" не слизаше от сцената дълго време не само поради забавния сюжет, който в основните си черти предшества сюжета на "Русалката" на Пушкин, не само благодарение на луксозната продукция, но и благодарение на мелодична, проста и достъпна музика.

Италианският композитор К. А. Кавос (1775-1840), който от младини работи в Русия и полага много усилия за развитието на руското оперно представление, прави първия опит да създаде историко-героична опера. През 1815 г. той поставя в Санкт Петербург операта "Иван Сусанин", в която въз основа на един от епизодите от борбата на руския народ срещу полското нашествие в началото на 17 век се опитва да създаде национално-патриотичен производителност. Тази опера отговаря на настроението на обществото, преживяло освободителната война срещу Наполеон. Операта на Кавос се отличава благоприятно сред съвременните творби с умението на професионален музикант, разчитането на руския фолклор, живостта на действието. Въпреки това, тя не се издига над нивото на многобройните "спасителни опери" на френски композитори, дефилиращи на същата сцена; Кавос не можа да създаде в него народно-трагическия епос, който Глинка създаде двадесет години по-късно, използвайки същия сюжет.

Най-големият композитор от първата третина на XIX век. Трябва да се признае А. Н. Верстовски, който беше споменат като автор на музика за водевил. Неговите опери "Пан Твардовски" (поставена през 1828 г.), "Асколдовият гроб" (поставена през 1835 г.), "Вадим" (поставена през 1832 г.) и други представляват нов етап в развитието на руската опера преди Глинка. Отразена е работата на Верстовски черти на характераРуски романтизъм. Руската античност, поетичните традиции на Киевска Рус, приказките и легендите са в основата на неговите опери. значителна роляте имат магически елемент в себе си. Музиката на Верстовски, дълбоко вкоренена, основана на народното песенно изкуство, погълната фолклорен произходв най-широк смисъл. Героите му са типични за народното творчество. Като майстор на оперната драматургия, Верстовски създава романтично колоритни сцени с фантастично съдържание. Пример за неговия стил е запазената в репертоара и до днес опера „Асколдов гроб“. Той показа най-добрите черти на Верстовски - мелодичен дар, отличен драматичен усет, способност да създава живи и характерни образи на герои.

Произведенията на Верстовски принадлежат към предкласическия период на руската опера, въпреки че историческото им значение е много голямо: те обобщават и развиват всички най-добри качествапредишен и съвременен период от развитието на руската оперна музика.

От 30-те години. 19 век Руската опера навлиза в своя класически период. Основателят на руската оперна класика М. И. Глинка (1804-1857) създава историко-трагическата опера "Иван Сусанин" (1830) и приказната епопея - "Руслан и Людмила" (1842). Тези опери поставиха началото на две от най-важните направления в руския музикален театър: историческа опера и магически епос. Творческите принципи на Глинка са реализирани и развити от следващото поколение руски композитори.

Глинка се развива като художник в епоха, засенчена от идеите на декабризма, което му позволява да издигне идейно-художественото съдържание на своите опери на нова, значителна височина. Той е първият руски композитор, в чието творчество образът на народа, обобщен и дълбок, става център на цялото произведение. Темата за патриотизма в неговото творчество е неразривно свързана с темата за борбата на народа за независимост.

Предишният период на руската опера подготви появата на оперите на Глинка, но тяхната качествена разлика от по-ранните руски опери е много значителна. В оперите на Глинка реализмът на художествената мисъл не се проявява в частните си аспекти, а действа като цялостен творчески метод, който ни позволява да дадем музикално и драматично обобщение на идеята, темата и сюжета на операта. Глинка разбира проблема за националността по нов начин: за него това означава не само музикалното развитие на народните песни, но и дълбоко, многостранно отразяване в музиката на живота, чувствата и мислите на хората, разкриването на характерни черти на неговия духовен облик. Композиторът не се ограничава с отразяването на народния живот, а въплъщава в музиката характерните черти на народния мироглед. Оперите на Глинка са цялостни музикално-драматични произведения; нямат говорни диалози, съдържанието се изразява чрез музика. Вместо отделни, неразработени солови и хорови номера на комичната опера, Глинка създава големи, детайлни оперни форми, развивайки ги с истинско симфонично умение.

В "Иван Сусанин" Глинка възпява героичното минало на Русия. С голяма художествена истина в операта са въплътени характерни образи на руския народ. Развитието на музикалната драма се основава на противопоставянето на различни национални музикални сфери.

„Руслан и Людмила“ е опера, поставила началото на руската народна епопея. Значението на "Руслан" за руската музика е много голямо. Операта оказва влияние не само върху театралните жанрове, но и върху симфоничните. Величествените героични и мистериозно магически, както и колоритно-ориенталски образи на "Руслан" подхранваха руската музика дълго време.

Глинка е последван от А. С. Даргомижски (1813-1869), типичен художник от ерата на 40-50-те години. 19 век Глинка имаше голямо влияние върху Даргомижски, но в същото време в творчеството на последния се появиха нови качества, родени от нови социални условия, нови теми, които дойдоха руско изкуство. Горещо съчувствие към унижен човек, осъзнаване на пагубността на социалното неравенство, критично отношение към социалния ред са отразени в творчеството на Даргомижски, свързано с идеите на критичния реализъм в литературата.

Пътят на Даргомижски като оперен композитор започва със създаването на операта "Есмералда" по В. Юго (поставена през 1847 г.), а централната оперна творба на композитора трябва да се счита за "Русалка" (по драмата на А. С. Пушкин), поставена през 1856 г. В тази опера талантът на Даргомижски се разкрива напълно и се определя посоката на неговото творчество. Драмата на социалното неравенство между любящите дъщери на мелничарката Наташа и принца привличат композитора с актуалността на темата. Даргомижски засилва драматичната страна на сюжета, като омаловажава фантастичния елемент. Русалка е първата руска битова лирико-психологическа опера. Нейната музика е дълбоко народна; на песенна основа композиторът създава живи образи на герои, развива декламационен стил в ролите на главните герои, развива ансамблови сцени, значително ги драматизира.

Последната опера на Даргомижски, „Каменният гост“, по Пушкин (поставена през 1872 г., след смъртта на композитора), принадлежи към различен период от развитието на руската опера. Даргомижски постави в него задачата да създаде реалистичен музикален езикотразяване на речеви интонации. Тук композиторът изоставя традиционните оперни форми - арии, ансамбъл, хор; вокалните части на операта преобладават над оркестровата част, Каменният гост полага основите на едно от направленията на следващия период на руската опера, така наречената камерна речитативна опера, представена по-късно от Моцарт и Салиери на Римски-Корсаков, Рахманинов Скъперникът рицар и др. Особеността на тези опери е, че всички те са написани непроменени пълен текст„малки трагедии” на Пушкин.

През 60-те години. Руската опера навлезе в нов етап от своето развитие. На руската сцена се появяват творбите на композиторите от Балакиревския кръг („Могъщата шепа“) и Чайковски. През същите години се разгръща работата на А. Н. Серов и А. Г. Рубинштейн.

Оперното творчество на А. Н. Серов (1820-1871), който се прочу като музикален критик, не може да се причисли към много значимите явления на руския театър. По едно време обаче оперите му изиграха положителна роля. В операта "Юдит" (пост, 1863 г.) Серов създава творба с героично-патриотичен характер, основана на библейски сюжет; в операта Рогнеда (композирана и поставена през 1865 г.) той се обърна към епохата на Киевска Рус, като искаше да продължи линията на Руслан. Операта обаче не беше достатъчно дълбока. Голям интерес представлява третата опера на Серов „Вражеската сила“, базирана на драмата на А. Н. Островски „Не живейте както искате“ (публикувана през 1871 г.). Композиторът решава да създаде песенна опера, чиято музика трябва да се основава на първични източници. Операта обаче няма единна драматургична концепция, а музиката й не се издига до висините на реалистичното обобщение.

А. Г. Рубинштейн (1829-1894), като оперен композитор, започва с композирането на историческата опера "Куликовската битка" (1850). създава лиричната опера „Тераморс“ и романтичната опера „Децата на степите“. Най-добрата опера на Рубинщайн, „Демон“ от Лермонтов (1871), е оцеляла в репертоара. Тази опера е пример за руска лирична опера, в която най-талантливите страници са посветени на изразяване на чувствата на героите. Местен колорит внасят жанровите сцени от „Демонът“, в които композиторът използва народната музика на Закавказието. Операта "Демон" имаше успех сред съвременниците, които виждаха в главния герой образа на човек от 40-те и 50-те години на миналия век.

Оперното творчество на композиторите на "Могъщата шепа" и "Чайковски" е тясно свързано с новата естетика на 60-те години. Новите социални условия поставят нови задачи пред руските художници. Основният проблемепоха се превърна в проблема за отражението в произведенията на изкуството народен животв цялата му сложност и непоследователност. Въздействието на идеите на революционните демократи (най-вече Чернишевски) се отразява в областта на музикалното творчество чрез влечението към универсално значими теми и сюжети, хуманистичната насоченост на произведенията и възхвалата на високите духовни сили на хората. От особено значение в този момент е историческата тема.

Интересът към историята на своя народ през онези години е характерен не само за композиторите. Самата историческа наука се развива широко; писатели, поети и драматурзи се обръщат към историческа тема; се развива историческа живопис. Най-голям интерес представляват епохите на преврати, селски въстания, масови движения. Важно място заема проблемът за отношението между народа и царската власт. На тази тема са посветени историческите опери на М. П. Мусоргски и Н. А. Римски-Корсаков.

Оперите на М. П. Мусоргски (1839-1881), "Борис Годунов" (1872) и "Хованщина" (завършени от Римски-Корсаков през 1882 г.) принадлежат към историческия и трагичен клон на руската класическа опера. Композиторът ги нарича "народни музикални драми", тъй като в центъра на двете творби е народът. основна идея"Борис Годунов" (по едноименната трагедия на Пушкин) - конфликт: цар - народ. Тази идея беше една от най-важните и остри в следреформената епоха. Мусоргски искаше да намери аналогия с настоящето в събитията от миналото на Русия. Противоречието между народните интереси и автократичната власт е показано в сцените на народно движение, прераснало в открито въстание. В същото време композиторът отделя голямо внимание на "трагедията на съвестта", преживяна от цар Борис. Многостранен образБорис Годунов е едно от най-високите постижения на световното оперно творчество.

Втората музикална драма на Мусоргски „Хованщина“ е посветена на стрелческите въстания в края на 17 век. Стихията на народното движение в цялата му буйна сила е чудесно изразена от музиката на операта, основана на творческото преосмисляне на народното песенно изкуство. Музиката на "Хованщина", подобно на музиката на "Борис Годунов", се характеризира с висок трагизъм. В основата на мелодическата миля на двете опери е синтезът на песенно и декламационно начало. Новаторството на Мусоргски, породено от новаторството на неговата концепция, и дълбоко оригиналното решение на проблемите на музикалната драматургия ни карат да наредим и двете му опери сред най-високите постижения на музикалния театър.

Операта на А. П. Бородин (1833-1887) "Княз Игор" също се присъединява към групата на историческите музикални произведения (нейният сюжет е "Словото за похода на Игор"). Идеята за любовта към родината, идеята за обединение в лицето на врага се разкрива от композитора с голяма драма (сцени в Путивъл). Композиторът съчетава в своята опера монументалността на епическия жанр с лирическо начало. В поетичното въплъщение на половецкия лагер са изпълнени заповедите на Глинка; на свой ред, музикални снимкиИзток близо до Бородин вдъхнови много руснаци и съветски композиториза създаване на ориенталски образи. Чудесният мелодичен дар на Бородин се проявява в широкия певчески стил на операта. Бородин нямаше време да завърши операта; „Княз Игор“ е завършен от Римски-Корсаков и Глазунов и поставен в техен вариант през 1890 г.

Жанрът на историческата музикална драма е разработен и от Н. А. Римски-Корсаков (1844-1908). Свободните граждани на Псков, въстанали срещу Иван Грозни (опера "Жената от Псков", 1872 г.), са изобразени от композитора с епично величие. Образът на краля е пълен с неподправен драматизъм. Лиричният елемент на операта, свързан с героинята - Олга, обогатява музиката, внасяйки във величественото трагично понятиечерти на възвишена нежност и мекота.

П. И. Чайковски (1840-1893), най-известен със своите лирико-психологически опери, е автор на три исторически опери. Оперите "Опричник" (1872) и "Мазепа" (1883) са посветени на драматични събития от руската история. В операта "Орлеанската дева" (1879) композиторът се обръща към историята на Франция и създава образа на националната френска героиня Жана д'Арк.

Особеност на историческите опери на Чайковски е тяхното родство с неговите лирични опери. В тях композиторът разкрива характерните черти на изобразяваната епоха чрез съдбите на отделни хора. Образите на неговите герои се отличават с дълбочината и истинността на предаването на сложния вътрешен свят на човек.

В допълнение към народно-историческите музикални драми в руската опера от XIX век. важно място заемат народните приказни опери, широко представени в творчеството на Н. А. Римски-Корсаков. Най-добрите приказни опери на Римски-Корсаков са „Снежната девойка“ (1881), „Садко“ (1896), „Кашчей Безсмъртният“ (1902) и „Златното петле“ (1907). Специално място заема операта „Сказание за невидимия град Китеж и девицата Феврония“ (1904), базирана на народни легенди за татаро-монголското нашествие.

Оперите на Римски-Корсаков учудват с разнообразието от интерпретации на жанра на народната приказка. Или това е поетична интерпретация на древни народни представи за природата, изразени в прекрасна приказка за Снежната девойка, или мощна картина на древен Новгород, или образ на Русия в началото на 20 век. в алегоричния образ на студеното кашчеевско царство, след това истинска сатира върху гнилата автократична система в приказни популярни образи („Златният петел“). В различни случаи методите за музикално изобразяване на героите и техниките на музикалната драматургия на Римски-Корсаков са различни. Във всичките му опери обаче се усеща дълбокото творческо проникване на композитора в света на народните представи, народните вярвания, в светогледа на народа. В основата на музиката на неговите опери е езикът на народните песни. Разчитане на Народно изкуство, характеризирането на героите чрез използването на различни фолклорни жанрове е типична черта на Римски-Корсаков.

Върхът на творчеството на Римски-Корсаков е величественият епос за патриотизма на народа на Русия в операта "Легенда за невидимия град Китеж и девойката Феврония", където композиторът достига голяма висота на музикално и симфонично обобщение на тема.

Сред другите разновидности на руската класическа опера едно от основните места принадлежи на лирико-психологическата опера, чието начало е положено от Русалката на Даргомижски. Най-големият представител на този жанр в руската музика е Чайковски, автор на блестящи произведения, включени в световния оперен репертоар: Евгений Онегин (1877-1878), Чаровницата (1887), Пиковата дама (1890), Йоланта (1891) ). Новаторството на Чайковски се свързва с посоката на творчеството му, посветена на идеите на хуманизма, протеста срещу унижението на човека, вярата в по-доброто бъдеще на човечеството. Вътрешен святхората, техните взаимоотношения, техните чувства се разкриват в оперите на Чайковски чрез съчетаване на театралната ефектност с последователното симфонично развитие на музиката. Оперното творчество на Чайковски е едно от най-големите явления на световното музикално и театрално творчество. изкуство XIX V.

По-малък брой произведения са представени в оперното творчество на руските композитори комедийна опера. Тези няколко проби обаче се отличават с националната си идентичност. В тях няма забавна лекота, комедия. Повечето от тях са базирани на разказите на Гогол от „Вечери във ферма край Диканка“. Всяка от оперите-комедии отразява индивидуалните характеристики на авторите. В операта на Чайковски "Черевички" (1885; в първия вариант - "Ковач Вакула", 1874) преобладава лирическият елемент; в "Майска нощ" на Римски-Корсаков (1878) - фантастично-ритуален; в Сорочинския панаир на Мусоргски (70-те, незавършен) - чисто комедиен. Тези опери са пример за умението за реалистично отразяване на живота на хората в жанра на комедията на героите.

Към руската оперна класика се присъединяват редица така наречени паралелни явления в руския музикален театър. Имаме предвид творчеството на композитори, които не са създали произведения с трайно значение, но са дали своя принос за развитието на руската опера. Тук е необходимо да се назоват оперите на Ц. А. Кюи (1835-1918), член на Балакиревския кръг, виден музикален критик от 60-70-те години. Оперите на Кюи "Уилям Ратклиф" и "Анджело", които не напускат конвенционалния романтичен стил, са лишени от драматизъм и понякога ярка музика. По-късните подкрепа на Cui са от по-малко значение (" Дъщерята на капитана“, „Мадмоазел Фифи“ и др.). Съпътстващата класическа опера беше дело на изключителен диригент и музикален директоропери в Петербург от Е. Ф. Направник (1839-1916). Най-известна е операта му "Дубровски", композирана в традицията на лиричните опери на Чайковски.

От композиторите, изпълнявали в края на 19в. на оперната сцена трябва да посочим А. С. Аренски (1861-1906), авторът на оперите "Сън на Волга", "Рафаел и Нал" и "Дамаянти", както и М. М. Иполитов-Иванов (1859-1935), чиято опера "Ася", след И. С. Тургенев, е написана в лиричния маниер на Чайковски. Отделно стои в историята на руската опера "Орестея" от С. И. Танеев (1856-1915), според Есхил, която може да бъде описана като театрална оратория.

В същото време С. В. Рахманинов (1873-1943) действа като оперен композитор, композирайки до края на консерваторията (1892) едноактна онера „Алеко“, издържана в традициите на Чайковски. По-късните опери на Рахманинов - Франческа да Римини (1904) и Скъперникът (1904) - са написани в естеството на оперни кантати; те се компресират максимално. сценично действиеа музикално-симфоничното начало е много развито. Музиката на тези опери, талантлива и ярка, носи отпечатъка на оригиналността на творческия стил на автора.

От по-малко значимите явления на оперното изкуство от началото на 20 век. да наречем операта на А. Т. Гречанинов (1864-1956) "Добриня Никитич", в която характеристикиприказно-епичната класическа опера отстъпи място на романтичната лирика, както и операта на А. Д. Касталски (1856-1926) „Клара Милич“, в която елементите на натурализма се съчетават с искрен впечатляващ лиризъм.

XIX век - ерата на руската оперна класика. Руските композитори са създали шедьоври в различни жанрове на операта: драма, епос, героична трагедия, комедия. Те създадоха новаторска музикална драма, родена в тясна връзка с новаторското съдържание на оперите. Важната, определяща роля на масовите народни сцени, многостранната характеристика на героите, новата интерпретация на традиционните оперни форми и създаването на нови принципи на музикалното единство на цялото произведение са характерни черти на руската оперна класика.

Руската класическа опера, която се развива под влиянието на прогресивната философска и естетическа мисъл, под влияние на събитията в обществения живот, се превърна в една от забележителните страни на руската опера. национална култура 19 век Целият път на развитие на руската опера през миналия век върви успоредно с великото освободително движение на руския народ; композиторите са били вдъхновени от високите идеи на хуманизма и демократичното просвещение и техните произведения са за нас велики образци на истинско реалистично изкуство.

На 9 декември 1836 г. (27 ноември стар стил) на сцената на Болшой театър в Санкт Петербург се състоя премиерата на операта на Михаил Иванович Глинка „Живот за царя“, която бележи началото на нова ера в руската оперна музика .

С тази опера започва пионерският път на първия руски класически композитор, който го издига до световно ниво. Ще говорим за най-значимите музикални открития на Глинка.

Първа национална опера

М. И. Глинка напълно осъзна истинската си цел по време на пътуванията си в Европа. Далеч от родината си композиторът решава да създаде истинска руска опера и започва да търси подходящ сюжет за нея. По съвет на Жуковски Глинка се спря на патриотична история - легенда за подвига на Иван Сусанин, който даде живота си в името на спасяването на родината си.

За първи път в световната оперна музика се появи такъв герой - с прост произход и с най-добри черти. национален характер. За първи път в музикално произведение от такъв мащаб прозвучаха най-богатите традиции на националния фолклор, руската песен. Публиката прие операта с гръм и трясък, признание и слава дойде при композитора. В писмо до майка си Глинка пише:

„Снощи желанията ми най-накрая бяха изпълнени и дългият ми труд се увенча с най-блестящ успех. Публиката прие моята опера с изключителен ентусиазъм, актьорите изпуснаха нервите си от плам... суверенът-император... ми благодари и дълго разговаря с мен...”.

Операта беше високо оценена от критици и културни дейци. Одоевски го нарече "началото на нов елемент в изкуството - периода на руската музика".

Приказният епос идва в музиката

През 1837 г. Глинка започва работа върху нова опера, като този път се обръща към поемата на А. С. Пушкин „Руслан и Людмила“. Идеята за поставяне на музика от приказния епос дойде на Глинка по време на живота на поета, който трябваше да му помогне с либретото, но смъртта на Пушкин наруши тези планове.

Премиерата на операта се състоя през 1842 г. - на 9 декември, точно шест години след Сусанин, но, уви, не донесе същия огромен успех. Аристократичното общество, водено от императорското семейство, посрещна продукцията с враждебност. Критиците и дори поддръжниците на Глинка реагираха двусмислено на операта.

„В края на 5-то действие императорското семейство напусна театъра. Когато завесата се спусна, те започнаха да ме викат, но ръкопляскаха много неприветливо, междувременно ревностно съскаха и главно от сцената и оркестъра,

– припомни си композиторът.

Причината за тази реакция беше иновацията на Глинка, с която той се приближи до създаването на Руслан и Людмила. В това произведение композиторът комбинира напълно различни мотиви и образи, които преди това са изглеждали несъвместими на руския слушател - лирични, епични, фолклорни, ориенталски и фантастични. Освен това Глинка остави познатата на зрителя форма на италианската и френската оперна школа.

Този по-късен приказен епос се засилва в произведенията на Римски-Корсаков, Чайковски, Бородин. Но по това време публиката просто не беше готова за този вид революция в оперната музика. Операта на Глинка отдавна не се счита за сценично произведение. Един от нейните защитници, критикът В. Стасов, дори я нарече "мъченица на нашето време".

Началото на руската симфонична музика

След провала на Руслан и Людмила Глинка заминава в чужбина, където продължава да твори. През 1848 г. се появява известната "Камаринская" - фантазия по темите на две руски песни - сватбена и танцова. Руската симфонична музика произхожда от Камаринская. Както си спомня композиторът, той го е написал много бързо, поради което го е нарекъл фентъзи.

„Мога да ви уверя, че когато композирах това произведение, се ръководех от единственото вътрешно музикално усещане, а не мислех какво се случва на сватбите, как ходят нашите православни хора“,

Глинка каза по-късно. Интересно е, че „експерти“, близки до императрица Александра Фьодоровна, й обясниха, че на едно място от работата ясно се чува как „пиян мъж чука на вратата на хижата“.

И така, чрез двете най-популярни руски песни, Глинка одобри нов тип симфонична музикаи постави основите за по-нататъшното му развитие. Чайковски коментира работата по следния начин:

„Цялата руска симфонична школа, като целият дъб в стомаха, се съдържа в симфоничната фантазия „Камаринская“.

Руската композиторска школа, чиито традиции са продължени от съветската и днешната руска школа, започва през 19 век с композитори, които съчетават европейското музикално изкуство с руските народни мелодии, свързвайки европейската форма и руския дух.

Можете да говорите много за всеки от тези известни хора, всеки не е прост, а понякога дори трагични съдби, но в това ревю сме се опитали да дадем само Кратко описаниеживота и творчеството на композитора.

1. Михаил Иванович Глинка

(1804-1857)

Михаил Иванович Глинка, докато композира операта "Руслан и Людмила". 1887 г., художник Иля Ефимович Репин

"За да създаваш красота, човек трябва да е чист по душа."

Михаил Иванович Глинка е основоположник на руската класическа музика и първият местен класически композитор, постигнал световна слава. Неговите произведения, основани на вековните традиции на руската народна музика, бяха нова дума в музикалното изкуство на нашата страна.

Роден в Смоленска губерния, учил в Санкт Петербург. Формирането на мирогледа и основната идея на творчеството на Михаил Глинка беше улеснено от прякото общуване с личности като А. С. Пушкин, В. А. Жуковски, А. С. Грибоедов, А. А. Делвиг. Творческият импулс към творчеството му е добавен от дългосрочно пътуване до Европа в началото на 1830-те години и срещи с водещите композитори на времето - В. Белини, Г. Доницети, Ф. Менделсон и по-късно с Г. Берлиоз, Дж. Майербира.

Успехът дойде на М. И. Глинка през 1836 г., след като постави операта "Иван Сусанин" ("Живот за царя"), която беше възторжено приета от всички, за първи път в световната музика, руското хорово изкуство и европейската симфонична и оперна практика бяха органично съчетани и се появи и герой, подобен на Сусанин, чийто образ обобщава най-добрите черти на националния характер.

В. Ф. Одоевски описва операта като "нов елемент в изкуството и започва нов период в неговата история - периодът на руската музика".

Втората опера, епосът „Руслан и Людмила“ (1842), върху която се работи на фона на смъртта на Пушкин и в трудните условия на живот на композитора, поради дълбоко новаторския характер на произведението, беше двусмислено приета от публиката и властите и донесе на М. И. Глинка тежки преживявания. След това пътува много, живее последователно в Русия и в чужбина, без да спира да композира. В наследството му остават романси, симфонични и камерни творби. През 90-те години "Патриотичната песен" на Михаил Глинка е официален химн на Руската федерация.

Цитат за M.I.Glinka:„Цялата руска симфонична школа, като целият дъб в жълъд, се съдържа в симфоничната фантазия „Камаринская“. П. И. Чайковски

Интересен факт:Михаил Иванович Глинка не се отличаваше с добро здраве, въпреки това той беше много лесен и познаваше географията много добре, може би, ако не беше станал композитор, щеше да стане пътешественик. Знаеше шест чужди езици, включително персийски.

2. Александър Порфиревич Бородин

(1833-1887)

Александър Порфиревич Бородин, един от водещите руски композитори от втората половина на 19 век, освен таланта си на композитор, е химик, лекар, учител, критик и има литературен талант.

Роден в Санкт Петербург, от детството си всички около него отбелязват неговата необичайна активност, ентусиазъм и способности в различни посоки, предимно в музиката и химията.

А. П. Бородин е руски самороден композитор, той не е имал професионални учители музиканти, всичките му постижения в музиката се дължат на самостоятелна работаовладяване на техниката на композиране.

Формирането на A.P. Бородин е повлияно от работата на M.I. Глинка (както и всички руски композитори от 19-ти век) и две събития дадоха тласък на плътната окупация на композицията в началото на 1860-те - първо, запознанството и брака с талантливата пианистка E.S. Protopopova, и второ, срещата с M.A. Балакирев и присъединяване към творческата общност на руските композитори, известна като „Могъщата шепа“.

В края на 1870-те и 1880-те години А. П. Бородин пътува и обикаля много в Европа и Америка, среща се с водещите композитори на своето време, славата му нараства, той става един от най-известните и популярни руски композитори в Европа в края на 19 век век.

Централно място в творчеството на А. П. Бородин заема операта "Княз Игор" (1869-1890), която е пример за национална героичен епосв музиката и който самият той не е имал време да завърши (завършен е от неговите приятели А. А. Глазунов и Н. А. Римски-Корсаков). В "Княз Игор", на фона на величествени картини исторически събития, отразено основната идеяот цялото творчество на композитора - смелост, спокойно величие, духовно благородство на най-добрите руски хора и могъщата сила на целия руски народ, проявена в защитата на родината.

Въпреки факта, че А. П. Бородин е оставил сравнително малък брой произведения, творчеството му е много разнообразно и той се смята за един от бащите на руската симфонична музика, който е повлиял на много поколения руски и чуждестранни композитори.

Цитат за А. П. Бородин:„Талантът на Бородин е еднакво силен и удивителен както в симфонията, така и в операта и в романса. Основните му качества са гигантска сила и широта, колосален размах, бързина и устрем, съчетани с невероятна страст, нежност и красота. В. В. Стасов

Интересен факт:Химическата реакция на сребърни соли на карбоксилни киселини с халогени, водеща до халогенирани въглеводороди, е кръстена на Бородин, която той е първият, който изследва през 1861 г.

3. Модест Петрович Мусоргски

(1839-1881)

„Звуците на човешката реч, като външни прояви на мисъл и чувство, трябва без преувеличение и изнасилване да се превърнат в истинска, точна музика, но артистична, високохудожествена.“

Модест Петрович Мусоргски е един от най-блестящите руски композитори на 19 век, член на Могъщата шепа. Новаторската работа на Мусоргски е много по-напред от времето си.

Роден в Псковска губерния. Подобно на много талантливи хора, той от детството проявява талант в музиката, учи в Санкт Петербург, според семейната традиция е военен. Решаващото събитие, което определи, че Мусоргски не е роден за военна служба, а за музика - срещата му с М. А. Балакирев и присъединяването към "Могъщата шепа".

Мусоргски е велик, защото в грандиозните си произведения - оперите "Борис Годунов" и "Хованщина" - той улови в музика драматичните етапи от руската история с радикална новост, която руската музика не познаваше преди него, показвайки в тях комбинация от масови народни сцени и разнообразно богатство от типове, уникален характер на руския народ. Тези опери, в множество издания както от автора, така и от други композитори, са сред най-популярните руски опери в света.

Друго забележително произведение на Мусоргски е цикълът от пиеси за пиано „Картини от изложба“, цветни и изобретателни миниатюри са проникнати от руската рефренна тема и православната вяра.

В живота на Мусоргски имаше всичко - и величие, и трагедия, но той винаги се отличаваше с истинска духовна чистота и незаинтересованост.

Последните му години са трудни - житейски безпорядък, непризнаване на творчеството, самота, пристрастеност към алкохола, всичко това определя ранната му смърт на 42 години, оставя сравнително малко композиции, някои от които са завършени от други композитори.

Специфичната мелодия и новаторската хармония на Мусоргски предугаждат някои черти на музикалното развитие на 20 век и играят важна роля в развитието на стиловете на много световни композитори.

Цитат за М. П. Мусоргски:„Изконно руски звучи във всичко, което е правил Мусоргски“ Н. К. Рьорих

Интересен факт:В края на живота си Мусоргски под натиска на своите „приятели“ Стасов и Римски-Корсаков се отказва от авторските права върху произведенията си и ги подарява на Тертий Филипов.

4. Пьотър Илич Чайковски

(1840-1893)

„Аз съм артист, който може и трябва да отдаде чест на родината си. Чувствам голяма артистична сила в себе си, още не съм направил и една десета от това, което мога. И искам да го направя с всички сили на душата си.”

Пьотър Илич Чайковски, може би най-великият руски композитор на 19 век, издига руското музикално изкуство до невиждани висоти. Той е един от най-значимите композитори на световната класическа музика.

Родом от провинция Вятка, въпреки че корените му по бащина линия са в Украйна, Чайковски проявява музикални способности от детството си, но първото му образование и работа е в областта на правото.

Чайковски е един от първите руски "професионални" композитори - учи музикална теория и композиция в новата консерватория в Санкт Петербург.

Чайковски беше смятан за „западен“ композитор, за разлика от фолклорните фигури на „Могъщата шепа“, с които имаше добри творчески и приятелски отношения, но творчеството му не по-малко е проникнато с руския дух, той успя да съчетае уникално западното симфонично наследство на Моцарт, Бетовен и Шуман с руските традиции, наследени от Михаил Глинка.

Композиторът е водил активен живот – бил е педагог, диригент, критик, общественик, работил е в две столици, гастролирал е в Европа и Америка.

Чайковски беше доста емоционално нестабилен човек, ентусиазъм, униние, апатия, избухливост, бурен гняв - всички тези настроения се променяха в него доста често, тъй като беше много общителен човек, той винаги се стремеше към самота.

Трудна задача е да се отдели нещо най-добро от творчеството на Чайковски, той има няколко произведения с еднакъв размер в почти всички музикални жанровеОпера, балет, симфония, камерна музика. А съдържанието на музиката на Чайковски е универсално: с неподражаем мелодизъм тя обхваща образите на живота и смъртта, любовта, природата, детството, произведенията на руската и световната литература се разкриват по нов начин, в нея се отразяват дълбоки процеси на духовния живот. .

Цитат на композитора:„Животът има очарование само когато се състои от редуване на радости и скърби, от борба между доброто и злото, на светлина и сянка, с една дума, от разнообразие в единство.“

"Големият талант изисква много упорит труд."

Цитат на композитора: „Готов съм ден и нощ да стоя като почетен караул на верандата на къщата, в която живее Пьотър Илич - до такава степен го уважавам“ А. П. Чехов

Интересен факт:Кеймбриджкият университет задочно и без защита на дисертация присъжда на Чайковски титлата доктор по музика, както и Парижката академия за изящни изкуства го избира за член-кореспондент.

5. Николай Андреевич Римски-Корсаков

(1844-1908)

Н. А. Римски-Корсаков и А. К. Глазунов със своите ученици М. М. Чернов и В. А. Сенилов. Снимка 1906 г

Николай Андреевич Римски-Корсаков е талантлив руски композитор, една от най-важните фигури в създаването на безценно местно музикално наследство. Неговият особен свят и преклонението пред вечната всеобхватна красота на Вселената, възхищението от чудото на битието, единството с природата нямат аналози в историята на музиката.

Роден в провинция Новгород, според семейната традиция той става морски офицер, на военен кораб обикаля много страни в Европа и две Америки. Музикалното си образование получава първо от майка си, а след това взима частни уроци от пианиста Ф. Канил. И отново, благодарение на М. А. Балакирев, организаторът на Могъщата шепа, който въведе Римски-Корсаков в музикалната общност и повлия на творчеството му, светът не загуби талантливия композитор.

Централно място в наследството на Римски-Корсаков заемат оперите - 15 произведения, демонстриращи разнообразието от жанрови, стилови, драматургични и композиционни решения на композитора, но въпреки това притежаващи особен стил - с цялото богатство на оркестровия компонент, мелодичните вокални линии са основните.

Две основни посоки отличават творчеството на композитора: първото е руската история, второто е светът на приказките и епоса, за което той получава прозвището "разказвач".

В допълнение към директните независими творческа дейностН. А. Римски-Корсаков е известен като публицист, съставител на сборници с народни песни, към които проявява голям интерес, а също и като финалист на произведенията на своите приятели - Даргомижски, Мусоргски и Бородин. Римски-Корсаков е основател на композиторската школа, като учител и ръководител на консерваторията в Санкт Петербург, той създава около двеста композитори, диригенти, музиковеди, сред които Прокофиев и Стравински.

Цитат на композитора:„Римски-Корсаков беше много руски човек и много руски композитор. Смятам, че тази негова изконно руска същност, неговата дълбока фолклорно-руска основа днес трябва да бъде особено ценена. Мстислав Ростропович

Факт за композитора:Николай Андреевич започна първия си урок по контрапункт така:

Сега аз ще говоря много, а вие ще слушате много внимателно. Тогава ще говоря по-малко, а вие ще слушате и мислите, и накрая, аз изобщо няма да говоря, а вие ще мислите със собствената си глава и ще работите независимо, защото моята задача като учител е да ви стана ненужен .. .

Рядък театър днес се справя без руски репертоар: те поставят класически опери от Пьотър Чайковски и Николай Римски-Корсаков, Модест Мусоргски и Игор Стравински, Сергей Прокофиев и Дмитрий Шостакович. Порталът "Culture.RF" проучи плакатите от различни години в търсене на домашни работиобичани на Запад, от 19 век до наши дни.

19 век

През 1844 г. директорът на Петербургската придворна певческа капела, композиторът Алексей Лвов, представя операта „Бианка и Гуалтиеро“ в Кралския театър на Дрезден. 10 години по-късно операта "Сибирски ловци" на Антон Рубинщайн е показана във Ваймар - дириг. известен композитори пианистът Франц Лист. Това са първите опери, получили признание в чужбина. Вярно, днес Рубинщайн е известен с друга опера - "Демон", а Лвов - като автор на химна "Боже, царя пази!".

До края на 19 век руската музика се изпълнява в почти всички големи зали в Европа и САЩ - Михаил Глинка, Антон Рубинщайн и Пьотър Чайковски стават нейно лице на Запад. Европейската публика видя "Живот за царя" на Глинка и "Руслан и Людмила" съответно през 1866 и 1867 г. - представленията се проведоха в Прага. На същото място през 1880-те и 1890-те години са европейските премиери на оперите на Пьотър Чайковски „Орлеанската дева“, „Евгений Онегин“ и Пикова дама».

„Глинка, подобно на Бортнянски, учи при басурманите ... но само във форми. Вътрешният дух на неговите творения, съдържанието на музиката му е напълно оригинално. Глинка написа истински руски опери и създаде съвършено нова, ако не школа, то поне музикална школа, към която принадлежа и съм рожба на Глинка.

Пьотър Чайковски. От писмо до издателя Питър Юргенсън

През 1887 г. операта "Нерон" на Антон Рубинщайн е представена в Ню Йорк. И година по-късно, въпреки традицията за превод на либретото, в Лондон те изпълниха неговия собствен „Демон“ в оригинала.

1900-1930-те години

На 5 март 1910 г. „Дама пика“ от Чайковски е представена за първи път в Америка в Метрополитън опера в Ню Йорк. Немски. Премиерата бе диригирана от австрийския композитор Густав Малер, а главните партии бяха изпълнени от звездите на времето - Лео Слезак и Еми Дестин. През 1913 г. в Метрополитен е представена операта на Модест Мусоргски „Борис Годунов“, а през 1917 г. – „Княз Игор“ от Александър Бородин. През 1920 г. на нюйоркската публика е представен "Евгений Онегин" - на италиански и с италианските звезди Клаудия Муцио и Джузепе Де Лука. Европейските зрители също гледаха „Снежанката“ от Николай Римски-Корсаков и комичната опера „Сорочински панаир“ на Мусоргски.

В същото време руската музика завладява младия, но вече известен в Европа Залцбургски фестивал: през 1928 г. делегация от Ленинград пристига в града на Моцарт. оперен певецНиколай Чесноков изпълни ролята на Панкрасио в съвременната комична опера „Пещерата на Саламанка“ от австрийския композитор Бернхард Паумгартнер. Либретото на руски език за операта е написано от съветския режисьор и тенор Емануил Каплан. Той също така пее ролята на Кашчей в "Кашчей Безсмъртният" на Римски-Корсаков и поставя " каменен гост» Александър Даргомижски. Ролята на Кащеевна на фестивала в Залцбург през 1928 г. е изпълнена от бъдещата звезда Академичен театъропера и балет (днес - Мариински) София Преображенска.

1930-1990-те години

Въпреки световните войни и Желязната завеса, балети и музика от руски композитори продължават да се появяват на чужди сцени през целия 20 век. Но с оперите беше различно: от 30-те до 90-те години те практически не вървяха в европейските театри - поставяха само популярни представления. Например „Борис Годунов“ е представена в Залцбург, поставена от шефа на фестивала Херберт фон Караян: операта се играе три години подред – от 1965 до 1967 г. В заглавната част блесна българският бас Николай Гяуров, а в ролята на Претендента - Григорий Отрепиев, влезе тенорът от Болшой театър Алексей Масленников. През 1971 г. е издаден запис на "Борис Годунов" под палката на австрийски диригент с Масленников в ролята на Юродиви и Галина Вишневская в ролята на Марина Мнишек. Следващият път, когато фестивалът в Залцбург представя руска опера, е едва през 1994 г. - и отново това е "Борис Годунов".

По-често от други по време на Студената война главният театър на Америка, Метрополитън опера, се обръщаше към руското наследство. Няколко пъти той открива сезона с руски имена: през 1943 и 1977 г. - "Борис Годунов", през 1957 и 2013 г. - "Евгений Онегин". През 1950 г. тук е поставена "Хованщина" на Модест Мусоргски, но на английски. Сценографията на спектакъла е създадена от известния руски художник-емигрант Мстислав Добужински.

Театърът искаше да поставя опери на оригиналния език, но на Запад нямаше рускоезични певци от висока класа и еднократните посещения на солисти от Болшой театър не промениха общата картина.

„Руският език представлява особен проблем, защото руските гласове са различни от италианските, френските или немските. Руското пеене има характерен тембър, който резонира в гърдите, ако се изпълнява правилно, звучи като от недрата на земята.

Стив Коен. Културният критик

И все пак през 1972 г. Пиковата дама прозвучава с оригиналното либрето. В спектакъла бяха ангажирани шведският тенор с руски корени Николай Геда и българското сопрано Райна Кабаиванска. Първият преподавател по руски език в Метрополитън опера е бившият певец Георгий Чехановски. Следи произношението, вокалите и сценографията.

През 1974 г. "Борис Годунов" излиза на руски език. Полонезата за полския акт е хореографирана от родом от Санкт Петербург, основателят на американския балет, хореографът Джордж Баланчин. От 1977 г. "Евгений Онегин" се пее на руски език в "Метрополитън", а през 1979 г. солистите на Болшой театър Маквала Касрашвили и Юрий Мазурок изпълняват главните партии в това представление. През 1985 г. Khovanshchina се завръща на сцената на оригиналния език.

ново време

След 1991 г. Комарджията от Сергей Прокофиев, Златното петле и Моцарт и Салиери от Николай Римски-Корсаков, Алеко, Скъперникът и Франческа да Римини от Сергей Рахманинов, Чаровницата » Пьотр Чайковски.

Репертоарът на Метрополитън опера се попълни с нови заглавия: оперите на Шостакович „Лейди Макбет“ Мценска област”и„ Нос ”, Прокофиев -„ Комарджия ”и„ Война и мир ”, Чайковски -„ Мазепа ”и„ Йоланта ”. Почти всички "руски" премиери бяха посетени от главния диригент Мариински театърВалерий Гергиев и солисти от Санкт Петербург.

През 2002 г. Мариинският театър и Метрополитън опера създават съвместна постановка „Война и мир“, режисирана от Андрей Кончаловски. Тогава публиката и критиците бяха силно впечатлени от младата Анна Нетребко в ролята на Наташа Ростова. Парцията на Андрей Болконски беше изпълнена от Дмитрий Хворостовски. През 2014 г., за първи път след нюйоркската премиера през 1917 г., тук е поставена операта "Княз Игор" на Бородин. Режисьор става Дмитрий Черняков, а главната роля изпълнява Илдар Абдразаков, басът на Мариинския театър.

През последните 20 години Залцбургският фестивал представи и много руски опери: Борис Годунов и Хованщина от Мусоргски, Евгений Онегин, Пиковата дама и Мазепа от Чайковски, Война и мир от Прокофиев, Славеят от Стравински. През лятото на 2017 г. операта на Дмитрий Шостакович „Лейди Макбет от Мценската област“ беше показана за първи път в Залцбург, а през август 2018 г. „Дама Пика“ ще бъде поставена за втори път в историята на фестивала. Този сезон Виенската държавна опера дава „Хованщина“, „Евгений Онегин“ и „Коцкарят“.

Руски представления се играят и в Парижката национална опера. През пролетта на 2017 г. руският режисьор Дмитрий Черняков откри за парижани „Снежанката“ на Римски-Корсаков, рядко изпълнявана в Европа, а година по-рано спектакълът на Черняков по музика на Чайковски, операта „Йоланта“ и балета „Лешникотрошачката“, представени на същия вечер, се превърна в гвоздея на сезона тук.премиера през 1892г.

През юни 2018 г. Парижката опера ще представи нова интерпретация на „Борис Годунов“ под режисурата на известния белгийски режисьор Иво ван Хоув, а през сезон 2019/20 г. премиерата на „Княз Игор“ ще бъде поставена от австралиеца Бари Коски.

7 руски опери със световна слава

Руски художник и писател Константин Коровин.
Борис Годунов. Коронация. 1934. Скица на декора за операта на М. П. Мусоргски "Борис Годунов"

Възникнала като имитация на западни модели, руската опера има ценен принос в съкровищницата на цялата световна култура. Появила се в ерата на класическия разцвет на френската, немската и италианската опера, руската опера през 19 век не само настига класическите национални оперни школи, но и ги изпреварва. Интересно е, че руските композитори традиционно избират теми от чисто народен характер за своите произведения.

1

"Живот за царя" Глинка

Операта "Живот за царя" или "Иван Сусанин" разказва за събитията от 1612 г. - полската кампания на шляхтата срещу Москва. Барон Егор Розен стана автор на либретото, но в съветско време по идеологически причини редактирането на либретото беше поверено на Сергей Городецки. Премиерата на операта е през Болшой театърПетербург през 1836 г. Дълго време ролята на Сусанин се изпълнява от Фьодор Шаляпин. След революцията „Живот за царя“ напуска съветската сцена. Имаше опити да се адаптира сюжетът към изискванията на новото време: така Сусанин беше приет в Комсомола, а последните редове звучаха като „Слава, слава, съветска система“. Благодарение на Городецки при поставянето на операта в Болшой театър през 1939 г. „съветската система“ е заменена от „руския народ“. От 1945 г. Болшой театър традиционно открива сезона с различни постановки на Иван Сусанин от Глинка. Най-мащабната постановка на операта в чужбина е реализирана може би в Миланската Ла Скала.

2

Борис Годунов от Мусоргски

Операта, в която царят и народът са избрани като два героя, е започната от Мусоргски през октомври 1868 г. За написването на либретото композиторът използва текста на едноименната трагедия на Пушкин и материали от „История на руската държава“ на Карамзин. Темата на операта е царуването на Борис Годунов точно преди Смутното време. Мусоргски завършва първото издание на операта "Борис Годунов" през 1869 г., което е представено на театралната комисия на Дирекцията на императорските театри. Рецензентите обаче отхвърлиха операта, отказвайки да я поставят поради липсата на яркост женска роля. Мусоргски въвежда в операта "полски" акт любовна линияМарина Мнишек и Лъжедмитрий. Той добави и монументална сцена на народно въстание, което направи финала по-зрелищен. Въпреки всички корекции, операта отново е отхвърлена. Тя е поставена само 2 години по-късно, през 1874 г., на сцената на Мариинския театър. В чужбина премиерата на операта се състоя в Болшой театър в Парижката Гранд Опера на 19 май 1908 г.

3

Пиковата дама от Чайковски

Операта е завършена от Чайковски през ранната пролет на 1890 г. във Флоренция, а първата постановка се състоя през декември същата година в Мариинския театър в Санкт Петербург. Операта е написана от композитора по поръчка на Императорския театър и за първи път Чайковски отказва да поеме поръчката, аргументирайки отказа си с липсата на "подходящо сценично присъствие" в сюжета. Интересно е, че в разказа на Пушкин главен геройноси фамилията Херман (с две „н“ накрая), а в операта осн актьорстава мъж на име Херман - това не е грешка, а умишлена авторска смяна. През 1892 г. операта е поставена за първи път извън Русия в Прага. След това – първата постановка в Ню Йорк през 1910 г. и премиерата в Лондон през 1915 г.

4

"Княз Игор" Бородин

Паметникът е в основата на либретото древноруска литература„Сказание за похода на Игор“. Идеята за сюжета е предложена на Бородин от критика Владимир Стасов на една от музикалните вечери при Шостакович. Операта е създавана в продължение на 18 години, но така и не е завършена от композитора. След смъртта на Бородин работата по творбата е завършена от Глазунов и Римски-Корсаков. Има мнение, че Глазунов е успял да възстанови по памет авторското изпълнение на оперната увертюра, която някога е чул, но самият Глазунов опроверга това мнение. Въпреки факта, че Глазунов и Римски-Корсаков свършиха по-голямата част от работата, те настояха, че „Княз Игор“ е изцяло опера на Александър Порфиревич Бородин. Премиерата на операта се състоя в Мариинския театър в Санкт Петербург през 1890 г., след 9 години беше видяна от чуждестранна публика в Прага.

5

Златният петел от Римски-Корсаков

Операта „Златното петле“ е написана през 1908 г. по едноименната приказка на Пушкин. Тази опера е последната творба на Римски-Корсаков. Императорските театри отказват да поставят операта. Но веднага след като публиката я вижда за първи път през 1909 г. в Московската опера на Сергей Зимин, операта е поставена в Болшой театър месец по-късно и след това започва своето триумфално шествие по света: Лондон, Париж, Ню Йорк, Берлин, Вроцлав.

6

„Лейди Макбет от Мценската област“ от Шестакович

Операта, базирана на едноименния роман на Лесков, е завършена през декември 1930 г. и е поставена за първи път в Михайловския театър в Ленинград през януари 1934 г. През 1935 г. операта е показана на публиката в Кливланд, Филаделфия, Цюрих, Буенос Айрес, Ню Йорк, Лондон, Прага, Стокхолм. През втората половина на 30-те до 50-те години операта е забранена за поставяне в Русия, а самият Шестакович е осъден от ръководството на комунистическата партия на страната. Произведението е описано като "бъркотия вместо музика", "умишлено направено наопаки" и послужи като тласък за преследването на композитора. Представленията в Русия се възобновяват едва през 1962 г., но публиката вижда опера, наречена "Катерина Измайлова".

7

"Каменен гост" Даргомижски

Идеята за операта идва от Александър Даргомижски през 1863 г. Композиторът обаче се съмнява в успеха му и разглежда произведението като творческо "разузнаване", "забавление над Дон Жуан" на Пушкин. Той пише музика към текста на Пушкин от „Каменният гост“, без да промени нито една дума в него. Проблемите със сърцето обаче не позволиха на композитора да завърши работата. Той умира, като моли в завещанието си приятелите си Цуи и Римски-Корсаков да завършат работата. За първи път операта е представена на публиката през 1872 г. на сцената на Мариинския театър в Санкт Петербург. Чуждестранната премиера се състоя едва през 1928 г. в Залцбург. Тази опера се превърна в един от „основополагащите камъни“, без да го знаем, е невъзможно да разберем не само руската класическа музика, но и общата култура на нашата страна.