Das Genre „Puppen“ wird als tragische Farce definiert. Genauer kann man es sich nicht vorstellen: Von der Tragödie, die Tränen und Katharsis hervorruft, bis hin zur Farce, die zum Lachen führt, ist auf diesem Stoff alles spielbar. Man hatte das Gefühl, dass im November eine Farce mit unerwarteten tragischen Elementen präsentiert wurde (Pygmalions Blick auf Pomponina – „Was wird als nächstes passieren?“). Im Dezember spielten sie eine Tragödie mit Elementen einer Farce. Ich bin nicht gerade bewandert in der Theatertheorie, aber soweit meine klassische Ausbildung ausreicht, gibt es mehrere Herangehensweisen an das Theater, von denen einer (wenn ich mich nicht irre, laut Stanislavsky) impliziert: Der Zuschauer muss vergessen, dass er sich in der befindet Theater, vor ihm liegt die Bühne und die Künstler, um sich im Geschehen aufzulösen und völlig an das zu „glauben“, was auf der Bühne passiert. Und es gibt eine Annäherung an das Theater, so Bertolt Brecht – der Zuschauer muss sich im Gegenteil ständig daran erinnern, dass er im Theater ist.

Ich habe also keine Ahnung, woher ich diese Wahrnehmung habe, aber ich hatte das starke Gefühl, dass ich im November eine Aufführung sah, die näher an der zweiten Version und im Dezember an der ersten lag. Es passte definitiv nicht in meinen Kopf, dass ich Künstler sah. Pygmalion, der Herzog, Brandakhlyst waren auf der Bühne, und sie spielten keine Aufführung vor mir, nein, ich war es, der zufällig irgendwo in Madrid war und plötzlich die Ankunft von Senor Pygmalion mit seinen Puppen erspähte ...

Es war von Anfang an anders. Sehr ernsthafte und intensive Unternehmer und unerwartet interessante Schauspieler. Normalerweise verschmolzen ihre Worte für mich irgendwie zu einem gemeinsamen „Brei“, aber eine solche Lesung fand auch statt. Endlich habe ich verstanden, wo aus den „echten“ Monologen von Lear, Hamlet und Othello der Text „über Puppen“ wurde. Diesmal konnten die „Schauspieler“ nicht nur die Tatsache vermitteln, dass sie im Allgemeinen durchschnittliche Schauspieler sind, sondern auch eine gewisse Dramatik vermitteln – „Was ist mit uns, sind wir schlimmer als Puppen?“...

Und dann kam Herzog Alducar. Normalerweise gehe ich im ersten Akt vorsichtig mit dem Herzog um, normalerweise ist er etwas pompös-theatralisch (aber das ist eher notwendig – ohne das wird es keinen brillanten Kontrast zu „Du gehörst mir“ im zweiten Akt geben). Doch dieses Mal bekam ich schon beim ersten Monolog eine Gänsehaut: „Ihre Gesichter waren strahlend …“ Ehrlich gesagt hatte ich in seinem Finale ernsthafte Angst – aber ist Igor Olegovich Smelovsky etwas passiert? Das Stück war unbeschreiblich: Leid und Sehnsucht auf Aldukars Gesicht, ein leidenschaftlicher Wunsch, ausgedrückt von einer Person, die zu hochrangig war, als dass sie sich erlaubt hätte, über ihre leidenschaftlichen Wünsche zu sprechen. „Die Jugendträume haben mich längst verlassen.“ Ein solches Selbst wird sich nicht immer eingestanden, und es ist dem Zufall entgangen – vor unzufriedenen Schauspielern, vor profanen Unternehmern. Wahnsinn. Und die unglaubliche Zärtlichkeit von Aurelia, die ihren Mann immer noch verstehen kann ... Dann wurde es immer interessanter ... Hatte man früher das Gefühl, dass die Tragödie des Herzogs eher auf seine Unfähigkeit und seinen Unwillen zurückzuführen war, seinen eigenen Launen und Leidenschaften zu widerstehen, so geschah gestern alles aufgrund der Unfähigkeit, ihnen zu widerstehen. Tolle Schaukeln aus: „Sell me a Pom Pom!!!“ zu „Nun, es steht nicht zum Verkauf, also steht es auch nicht zum Verkauf...“ Es ist unmöglich, mit Worten alles zu beschreiben, was sich auf der Bühne in dem Moment abspielte, als der Herzog Pomponina mitnahm. Berauscht ... beängstigend (nur Pomponina merkt das noch nicht), schwenkte er eine zerrissene Krawatte und wer wusste, „was als nächstes passieren würde“, konnte hier einen Hauch von Pygmalions Peitsche erkennen.

Irgendwie war der Widerspruch des Herzogs zu Pygmalion besonders spürbar, obwohl er formal immer anwesend war: Mehrmals stehen sie an verschiedenen Enden der Bühne, der Herzog wiederholt seine Gesten nach Pygmalion. Wie nie zuvor spürte man, dass es einen Kampf um eine Frau, um das Besitzrecht, einen Konflikt zweier Besitzer gab.

Die nächste Version von Pygmalion (wie die meisten Charaktere in dieser Aufführung ist Pygmalion nie zweimal derselbe) ist ebenfalls schwer mit Worten zu beschreiben: In ihm herrschte eine erstaunliche Anspannung, als ob er, als er gerade auf der Bühne erschien und sich über seinen gelungenen Witz freute, bereits wusste, dass er dem Untergang geweiht war. Wie viel Gefühl steckte in dem Monolog „Du hast für mich alle in der sublunaren Welt in den Schatten gestellt“ ... Der Moment war deutlich sichtbar, als er sich von einem brillanten Schöpfer (eine Geschichte über die Präsentation von Puppen in Washington) in einen brillanten Verrückten verwandelte („und dann habe ich beschlossen – nein, ich werde hier nicht aufhören“). Ich war bereit, mit ihm zu weinen – diesem Mann im Theater und diesem Jungen ...

Problem: Ich sollte die Figur vor der Bühne anschauen, aber ich schaue ständig jemand anderen an. Während der Aufführung des Liedes „Kuckuckskinder“ wurde ich plötzlich von Pygmalion abgelenkt ... Er erstarrte, er spielte mit seinen Händen, als würde er auf den Tasten spielen, und ... er macht sich Sorgen um sie, seine Puppen, er möchte, dass sie Erfolg haben ... Das zweite Mal - als Pygmalion Pomponina ansah. Er weinte fast ... er sah aus wie ein verliebter Mann, er konnte vorher nichts sagen - wir hätten sowieso alle von seiner Liebe verstanden. Das ist der Unterschied: Die Gefühle des Herzogs für Pomponina sind eine halbe Leidenschaft mit Zärtlichkeit, die stärkste, weil er bereits „nichts zu verlieren“ hat. Pygmalions Gefühl ist Liebe, die schließlich zu einem schmerzhaften Gefühl wurde. Aber wer wird an dieser Liebe zweifeln? Schließlich versteht er alles, dass Pomponina nur eine Puppe ist, seine Schöpfung, dass es keine gegenseitigen Gefühle gibt, die er gerne hätte. Und doch... hofft er. Schließlich könnten es auch Tränen der Hoffnung sein...

Nur dieses Mal wurde mir klar, dass Pygmalions Monolog über Pomponin mehr Fragen als Antworten aufwirft. Wann wurde ihm klar, dass er in seine Schöpfung verliebt war? Er hat es geschaffen – und das Gefühl ist aufgewacht? Oder hat er sich in die wunderschöne Pomponina verliebt, die gerade entstand? (Schließlich war es kein Zufall, dass er ihr nicht nur etwas gegeben hat weiblicher Name- aber der Name einer Waldnymphe). Oder wollte er bewusst eine Puppe machen, eine Frau, die er lieben würde?

Wie gruselig er war, wirklich gruselig, als er „seine Kreationen“ entdeckte. Hier war es ein wirklich schrecklicher und grausamer Tyrann und Despot, wo Brandakhlyst ist ... Tadellos geglättetes Haar zerzaust plötzlich ... Es brach fast augenblicklich, es war nur nötig zu schießen, und ... auch eine Puppe. Das Perfekteste. Eine Puppe, die ihr Wesen nicht kannte ...

Giovanni Brandachlist. Wie Pygmalion war er gestern wieder anders. Die Hälfte, als ich diesen Helden im September sah – gruselig, beängstigend; halb wie bei der Oktobervorstellung - er versuchte, das Publikum zu provozieren. Dadurch erwies sich das Bild als dünner als sonst, es war unmöglich zu erkennen, wie es darin verging, floss – zusammen mit erstaunlicher Plastizität: von fast menschlich bis schon Marionette, von gruselig bis lustig, vom Lächeln des Publikums bis zur Gänsehaut. Es gab irgendwie mehr Manierismus in der Stimme, die Intonationen nachahmte, der Charakter schien noch frecher zu werden (als er die Unternehmer in der Rolle des falschen Pygmalion begrüßte – „Gut! Großartig!“), und gleichzeitig war Brandakhlyst härter und wütender (im Vergleich zur vorherigen Aufführung). Und außerdem – ich war von der Geste wieder sehr berührt – eine an mein Gesicht erhobene Hand, eine kleine Szene ohne Worte (vor den „Nachtstrichen“). In diesem Moment schossen viele Gedanken durcheinander: Weint sie oder scheint sie, und kann eine mechanische Puppe überhaupt weinen, insbesondere die grausame Brandakhlist?

Das Ergebnis ist eine Art mechanische Schöpfung, sowohl beängstigend als auch attraktiv.

Und es bringt auch viele Gedanken hervor. Warum macht ihm die Rolle des „ersten“ Pygmalion so viel Spaß? Vielleicht weil sie ihn für einen Menschen halten? Mit welcher Freude streckt Aurelia ihm im ersten Akt die Hände zum Kuss entgegen – und mit welchem ​​Ekel rennt sie im zweiten davon („Wohin bist du gegangen?“). Was fühlt er wirklich, denn tatsächlich ist er, Giovanni Brandakhlist, eine Art „Puffer“ zwischen Pygmalion und Puppen. Aber er ... er bekommt wahrscheinlich am meisten. Die Tragödie eines Charakters wie Brandakhlyst ist eine völlig andere Kategorie als die Tragödie von Herzog Aldukar oder Pygmalion.

Separat - über Einfallsreichtum. Schließlich haben wohl alle Künstler Angst, den Text zu vergessen. In der „Pressekonferenz“-Szene verwechselte der falsche Pygmalion, Dmitry Erin, die Antworten und auf die Frage: „Wie viele Auftritte haben Sie gegeben?“ antwortete „Niemand hat sich bisher beschwert“, aber die Antwort auf die Frage „Wie viel Prozent geht an Unternehmer?“ wurde noch nicht beantwortet. Im selben Moment zuckte Brandakhlyst in einer sich windenden Marionette – er brach zusammen und blockierte das Programm. Die Zuschauer, die zum ersten Mal bei den „Dolls“ waren, haben wahrscheinlich bei weitem nicht alle verstanden, worum es ging. Darüber hinaus ging die Pressekonferenz wie erwartet weiter – auf die Frage nach dem Prozentsatz antwortete der falsche Pygmalion gereizt: „Gut! Normal!“. Aber als regelmäßiger Zuschauer bewunderte ich auf jeden Fall, wie großartig der Fehler plötzlich Teil des Bildes wurde.

Nach dieser Betrachtung fiel mir eine andere Szene ein, die mir vorher entgangen war – wahrscheinlich, weil sie an sich etwas beiläufig war: Im Vordergrund war der allgemeine Tanz der Puppen, und der Herzog, Pygmalion standen am Bühnenrand, und Brandakhlist kam auf sie zu. Geeignet, um die Zustimmung seines „Schöpfers und Meisters“ zu finden. Selbst für eine mechanische Puppe, ein „artikuliertes Wesen“, erweist sich diese Anerkennung als so wichtig und angenehm. Und Pygmalion kann, wie sich herausstellte, auch nicht nur ein „Schöpfer“, nicht nur ein „Tyrann“, sondern auch ein „guter Meister“ sein. Für mich wurden nach dieser Episode einige neue Farben zu den Merkmalen von Brandakhlyst und Pygmalion hinzugefügt.

Pompomina. Der Rest der Künstler hat es gewissermaßen einfacher. Sie können nur mit der Theatertruppe im Südwesten verglichen werden, und selbst dann ist es schwierig, so unterschiedlich sind unsere „Puppen“. Und nur Pomponina bekommt sie immer: Und weil es in der Komödie drei Schauspielerinnen gibt, die diese Rolle spielen; und weil einst das Publikum von Nischni Nowgorod von Karina Dymont verwöhnt wurde. Bei drei Vorstellungen habe ich drei verschiedene Heldinnen gesehen, und jetzt kann ich zumindest vergleichen. Yulia Palagina versuchte, anders zu sein, „völlig anders“ zu sein, Yulia Lykova wirkte wie eine sehr junge Pomponina (irgendwann kam mir sogar eine Assoziation mit Suok, „der Puppe von Tuttis Erben“, in den Sinn). Pygmalions Liebe zu ihr ist die Liebe eines Mannes, der älter und weiser ist (aber immer noch machtlos gegenüber der „schönen Pomponina“). Sie möchte „Blumen, Süßigkeiten, alles“ bekommen, weil es angenehm ist. Und ich möchte „andere Kontinente“ sehen, weil sie sie noch nie zuvor gesehen hatte. Marina Zamyslovas Pomponina schien mir eine „erwachsenere“ Heldin zu sein, als ob sie „erfahrener“ wäre und auf ihre Art, auf eine Puppenart, das Leben kennt. Diese Pompomina möchte Blumen, weil sie weiß, dass sie sie verdient. Sie möchte die Kontinente sehen, weil sie aus ihrem gewohnten Umfeld ausbrechen muss. Diese Pomponina ist seltsam, ungewöhnlich, geheimnisvoll, in ihrem fast menschlichen Bewusstsein und Verständnis für alles, was passiert, steht sie ständig im Gegensatz zur Marionettennaivität – als Ergebnis ist eine sehr interessante Version der Heldin entstanden.

Tante Hortensia – Teresita, ein Paar, das ich vom ersten Anschauen von „Dolls“ an vergötterte, war von ihrer besten Seite. Schon bei den ersten Worten von „Tante“ war klar, dass es schick werden würde. Dmitry Kryukov hat etwas Außergewöhnliches getan. Eine wilde, seltsame Frau (nämlich eine Frau, nach meiner Wahrnehmung spielt Matoshin in Moskau immer noch ein mysteriöses Wesen eines völlig unbestimmten Geschlechts), das von Manierismen zu Unhöflichkeit übergeht („Sing!“), eine so emotionale Tante, über deren Intonationen und Bemerkungen das gesamte Publikum lacht. Ihre Nichte spiegelt sie wunderbar mit ihrem unnachahmlichen Gesichtsausdruck und ihrer „gruseligen Plastizität“ wider. Und dieses Mal, wie lustig Teresita herauskam („Fahr, bring uns Glück!“ – mein Lieblingszitat, wahrscheinlich aus der ganzen Aufführung), wie furchtbar Krokhobor bellte „unnötig unberechenbar!“, ich schauderte sogar.

Alle Puppen waren gut, und die besondere Bissigkeit von Balabol und die Romantik (und natürlich der Gesichtsausdruck) von Cherubim, ungewöhnlich emotional im Gegensatz zur üblichen Strenge, erwiesen sich als Kapitän Mamon, wunderbar schöne Puppen Marilonda und Dondinella (genannt „trrrrrrrrr!“, um mit nur einem „Kuckuck!“ viel zu sagen).

Noch nie gab es nach einem Auftritt so viele unterschiedliche Gedanken. Ich frage mich schon „was als nächstes passieren wird“ ... also was ich im Januar auf „Dolls“ sehen werde. Zweifellos etwas völlig Neues und Anderes.

In der Tat. Eine gut organisierte Gruppe von Männern in kurzen Hosen und Overknee-Stiefeln – das destabilisiert die Psyche vieler Menschen. Auch gegen Homoerotik (schwarze Farbe, Latex oder Leder, viel Kosmetik, Ausschnitte wo interessant) gibt es wenig Einwände.
Spektakulär, ziemlich stilvoll, im Rahmen eines billigen öffentlichen Stils, ein bisschen beschämt.
Und das ist nichts. Am Inhalt ändert das alles nichts. Manche tiefgründig, manche oberflächlich.
Ja, die Schauspieler scheinen Höschen zu tragen und im Allgemeinen freizügige Outfits zu tragen, aber hervorragende Texte bestehen aus dem Aufblitzen von Körpern unter kurzen T-Shirts, und sie vergessen nicht, sie auszusprechen, und nicht einmal, sie auszusprechen, mit Temperament, fast predigend.

Der Einführungsteil war für mich furchtbar interessant. All diese Witze und klassischen Theatermonologe sind eine super Aufwärmübung. Die Schauspieler, die die Produzenten spielen, sind brillant und charmant. So. Aufwärmen der Lebenden vor dem Treffen mit den Mechanismen und ihrem Manager – dem Puppenspieler Karabas-Barabas. Es scheint, dass der Herzog-Pinocchio bereit ist, das letzte Hemd im Voraus zu verschenken. Er,

(Zusammenbruch)

und erwähnt rührend seine Liebe zum Theater. Darüber hinaus sind es diese Puppen, ein echtes Wunder und so weiter. Sie sind schön, perfekt, besser als echte Schauspieler, weil sie nicht müde werden (während des Stücks wird dies sofort durch den Satz „Oh, du bist müde! ..“ und Tramp-Pum-Pum widerlegt), sie beschweren sich nicht und so weiter.

Ihr Hauptwunsch ist Freiheit, oder besser gesagt, Wille (und Frieden? Das wird es mit Sicherheit sein). Interessant jedoch. Es ist immer noch interessant.

Wai, wai, Bambino,
Vai vedrai, vai;
Wai, wai, Piccino,
Vai vedrai, vai,
Vedrai.

Geh, geh, Baby
Geh und du wirst sehen, geh;
Geh, geh, Kleiner
Geh und du wirst sehen, geh
Du wirst sehen.

Darüber hinaus handelt der Herzog nach dem üblichen Schema: Er jagt die attraktivste Puppe, stiehlt sie und ist nicht besonders an der Zustimmung nicht nur des Besitzers, sondern auch des Opfers selbst interessiert. Pimpinona - dagegen braucht sie eine Gesellschaft von Puppen. Aber der Herzog ist offenbar von Schlaf und leidenschaftlicher Liebe erfasst. (ins Theater? Ja, natürlich) Er möchte sie, eine Puppe von ausgezeichneter Qualität, allein besitzen. Und es stellt sich sofort die Frage: Wie sieht es mit der Wartung aus? Vor dem Diebstahl wäre es notwendig, sich mit dem Handbuch, der Bedienungsanleitung, vertraut zu machen. Aber nein. Nur um das Beste zu stehlen. Oh, die Aristokratie ist überall gleich und unverbesserlich. Meins ist alles hier. Warum also liebt eine Dame mit dem magischen Namen Aurelia einen so unkomplizierten Mann, sogar einen Herzog? Aus Schönheitsgründen, schätze ich. Liebe ist ein Wunder, man kann es nicht erklären.

Taube manca la fortuna
Es gibt nicht mehr mit dem Herzen
Ma coi piedi sulla luna,
Oh mio fanciullo
Vedrai, vai vedrai che un sorriso
Nasconde spesso un grand dolore,
Vai vedrai follia dell „uomo.“

Wahnsinn,
Gehen Sie und sehen Sie, was sich hinter dem Lächeln verbirgt
Oft gibt es große Schmerzen
Gehen Sie und Sie werden den menschlichen Wahnsinn sehen.

Anstelle des Puppenspielers müsste der Herzog in sein Team aufgenommen werden. Irgendwie verpuppen, und das war's. Schneiden Sie die Lederhose bis aufs Äußerste ab ... und weiter auf die Bühne. Aber das Stück hat seine eigene Logik und sein eigenes Ende. Einfach. Alle sind gestorben. Diejenigen, die die Lebenden mit allerlei Unsinn verführten. Es gab einen Traum, Dunst und Erinnerungen an die Zukunft. Völlig benommen von dem, was sie sahen, ihre Stiefel im Schnee schlurfend und unverständlich darüber nachdenkend, was sie sahen, verließen sie das Theater.

Na ja, wow, in unserer Stadt finden Auftritte statt.
Pompomina-ahh, ich will in den Zirkus gehen! Das ist Wahnsinn?

Uraufführung des Regionaltheaters Kaliningrad.
Ein Theaterstück von Valery Belyakovich nach der tragischen Posse von Jacinto Grau „Señor Pygmalion“.
Regisseur und Produktionsdesigner - Vyacheslav Vittikh (Moskau).

Einen solchen theatralischen Schock hat die Kaliningrader Öffentlichkeit wohl noch nie erlebt.
Dass ein Spektakel (rasante Action, unerwartete Stunts, Monologe und Dialoge, individuelle Plastizität und ein gut abgestimmtes Teamspiel von Schauspielern, Musik- und Lichteffekten) das Publikum derart elektrisiert und begeistert – so etwas können wir uns seit dem Sieg russischer Fußballspieler über Holland mit einem Stand von 3:0 nicht mehr erinnern.
Scharen von Menschen sollten auf die Straße gehen und rufen: „Unser Theater ist ein Champion!“

Zum Glück, Theateraufführung- eine exklusive Sache, und nicht jeder kann sie sehen.
Das ist der einzige Grund, warum die Stadt überlebt hat.

Ehrlich gesagt habe ich nicht erwartet, dass ich müde bin letzten Jahren Theater solcher Energiekraft.
Der gerade angekommene Zauberer, der Meister, holte seine wunderbaren und zugleich schrecklichen Puppen aus dem Koffer – und sie sorgten für Furore.

Im Grunde war es so. Der Regisseur brachte eine präzise, ​​robuste und gut durchdachte Bühnenlösung mit – und verkörperte sie (mit Hilfe einer talentierten und erfahrenen Kaliningrader Truppe sowie Kunst- und Produktionsteil) in einer atemberaubend schönen Aufführung.
Vergessen Sie dabei nicht, etwas schwer fassbares und vor allem etwas zu tun: Ihrer kollektiven Schöpfung das Geheimnis des Lebens einzuhauchen. Genauer gesagt - um Leben und Geheimnis einzuhauchen ...

Nun, wie entsteht Adam oder Galatea aus gewöhnlichem Ton?
Es ist unwahrscheinlich, dass wir das verstehen werden, und es ist unwahrscheinlich, dass wir es wiederholen können.
Pygmalionen sind heute selten.

Die Aufführung besticht durch den Mut und die Einfachheit der gefundenen Lösungen.
Der Vorhang öffnet sich und Trapezkünstler schweben wie lebende Puppen über uns. Das Spektakel dauert ein paar Sekunden – aber das Gefühl kindlicher Freude ist bereits in die Seele eingedrungen und hat das Publikum mitgerissen.
Jetzt werden sie an alle Konventionen glauben, denn sie haben sich bereits in der Welt des Theaters und Zirkus wiedergefunden.

Die Bühne ist kreisförmig eingezäunt, wie eine Arena, mit Säulen hinter der Bühne, aber wenn sie auf wundersame Weise beleuchtet werden (Lichtdesignerin - Lyudmila Voronina), heben sie sich, darunter erscheinen transparente Kisten mit Puppen. Wie Kristallsärge-Sarkophage. Und welches wird herauskommen? Ist er lebendig oder tot? Kann man ihm (oder ihr) vertrauen?
Diese Frage hält den ganzen Saal in Atem – und findet keine Antwort.

Wenn die Mimik des Sprechers nicht mit der Bedeutung des Gesagten übereinstimmt, wird es irgendwie unangenehm und der Betrachter lacht nervös.
Der Schauspielerin Marina Yungans gelingt der nötige tragikomische Effekt auf brillante Weise, indem sie mit grotesken Clownplastiken das Bild einer Puppe namens Captain Momona kreiert.
Eine riesige Waffe - wenn auch eine Requisite, aber wer weiß, ob eine Feder im Kopf abspringt ... Mechanismen sehen zwar aus wie Menschen, aber sie wissen nicht, wie sie es bereuen sollen.

Andere Figuren(ein Team spanischer Produzenten, ähnlich den Matadoren) werden so auf der Bühne positioniert, dass sie jederzeit den Platz dieser geheimnisvollen Puppen einnehmen können. Die streng symmetrische Anordnung der Gruppe macht sie nicht zu Statisten. Und umgekehrt!
Jeder einzelne Charakter wird, obwohl alle nach dem Prinzip „Rot und Schwarz“ – Menschen, „Weiß und Rot“ – Puppen gekleidet sind, individuell präsentiert, wunderschön gekleidet, erkennbar und einzigartig.

Man kann Nadezhda Ilyina und Lyudmila Zinovieva nicht aus den Augen lassen. Die Rollen sind nicht die Hauptrollen, aber die visuelle Belastung beträgt hundertprozentig.
Drei geehrte Künstler – Nikolai Zakharov, Volemir Gruzets, Yuri Kharlambov – verdienen es, für Geld neben ihnen fotografiert zu werden.
Der höllische Pjotr-Meuter würde vielleicht die großen tragischen Schauspieler in Pygmalions Monolog in den Schatten stellen.
Die charismatische Figur von Alexei Pereberin steht im Mittelpunkt jeder Komposition.
Was die plastisch und komödiantisch begabten Alexander Fedorenko und Anton Zakharov leisten, verdient individuellen Applaus und eine Zugabe.

Aber die erstaunlichste Rolle ging an Alena Kolesnik. Um eine solche Rolle zu spielen, ist kein Oscar nötig!
Natürlich helfen ihr gewinnende, dramatische Musik und wahnsinnig schönes Design, aber die Schauspielerin vermittelt die duale und dunkle Essenz ihrer Figur mithilfe ihrer herausragenden Fähigkeiten, ihres Könnens und ihres Talents.
Was in ihrem Gesicht geschrieben (gezeichnet) ist, ist buchstäblich die Doppelzüngigkeit der Schönheit,
findet in jedem Moment ihres Daseins auf der Bühne eine überzeugende Bestätigung.
Eine tödliche Versuchung geht vom Bild von Pompanina aus.
Und wir glauben, dass selbst der Herzog selbst ihrem zerstörerischen Charme nicht widerstehen konnte.

Aber über andere Puppen haben wir nichts gesagt! Über gleichzeitig lustige und gruselige Charaktere, sehr treffend, im Genre einer tragischen Farce, gespielt von wunderbaren jungen Schauspielern. Jeder von ihnen ist ein Individuum. Und zusammen – ein kraftvolles, eingespieltes Ensemble.
Dem Theater gelang es vor allem, den Zuschauer emotional davon zu überzeugen, dass jede Figur in dieser modernen tragischen Farce leidensfähig ist, „mit Preiselbeersaft vergeht“ und dass dies alles mit seinem eigenen Leben zusammenhängt.

Nein, wer es nicht gesehen hat, wird es immer noch nicht verstehen.
Wie kann ein Mensch, der schlafen möchte, die Mitternachtsfreuden der Fußballfans nicht verstehen?

Schlaf in Frieden, Mann, der das Theater nicht gesehen hat!

Inszeniert wurde das Theaterstück „Señor Pygmalion“ des spanischen Dramatikers Jacinto Grau aus dem Jahr 1921 mit einer für die Ära des Konstruktivismus typischen Handlung über mechanische Puppen und einer für diese Zeit beispiellosen Vorahnung der Globalisierung. amerikanisch Theatergruppe Regisseur Pygmalion terrorisiert Europa mit öffentlichkeitswirksamen Angriffen auf Puppentheater, die zu unglaublichen Ausverkaufszahlen führen und traditionelle Theater zur Schließung zwingen. Puppen aus Kunstfasern sind von Menschen nicht zu unterscheiden, sie denken, reden, interagieren, Emotionen werden als elektrische Entladung übertragen. Ihr „Carabas“ Pygmalion – ein gewalttätig verrückter Künstler, der in seinem Erfolg die Misserfolge seiner Jugend sublimierte, als er gezwungen war, die Welt der Menschen, die ihn ablehnten, gegen sein „Puppenhaus“ einzutauschen, triumphiert.

Es gibt Legenden über das schauspielerische Talent von Valery Belyakovich. Als Premiere seiner Truppe tritt er auf die Bühne, um etwas Bedeutendes zum Ausdruck zu bringen, etwa die Weltseele, die sich der Welt alle hundert Jahre offenbart. In „Dolls“ wartet der Schauspieler für die Titelrolle während der gesamten Aufführung auf einen besonderen Spezialeffekt. Während sein Held, der höllische Meisterpuppenspieler, das Publikum zweimal täuscht, statt sich selbst trainierte Puppen schickt, um effektiv für fünf Minuten auszusteigen und das Theater zu schließen, ist er von der „Plastikwelt“ seiner Kreationen enttäuscht. Der Schwindel endete mit einer Selbstentblößung ohne Happy End. „Der Selbstmord von Valery Belyakovich“ – diese Aufführung hätte heißen sollen.

Wovon spricht Belyakovich – ganz offensichtlich in seinem eigenen Namen, und bringt seine Erfahrungen denen eines besessenen Puppenspielers näher? Über die totale Verwüstung, darüber, dass die Idee des Theaters – mit der Kunst die Welt zu verändern – mitsamt der Pionierbegeisterung in Vergessenheit geraten ist. Die Tatsache, dass Pygmalion es leid ist, darauf zu warten, dass die Puppen „sprechen“, und dass er den Schauspielern freien Lauf lässt und das Theater den Menschen widmet, nicht aber den Puppen. „Damals wurde ich vom Feuer des Schöpfers verbrannt, und jetzt bin ich am Boden zerstört“, lehnt Belyakovich die Idee eines „Regietheaters“ ab. Er hat echte Tränen im Gesicht – das Credo des Theaters im Südwesten ist erschöpft, das Theater als Idee des Autors vom Regisseur ist gestorben, nur ein „Theater für Menschen“, eine „lebende Truppe“, ein Theater ohne Gewalt ist zur Aufführungsfabrik geworden. Als der Regisseur auf einer Codenote anfängt, Claudius' Monolog „Ich trage das Siegel eines uralten Fluches auf mir – der Ermordung meines Bruders“ zu lesen, wird es vielleicht völlig unangenehm. Belyakovich setzt sich dem Publikum und seiner eigenen Truppe aus und gesteht den „Mord“ nicht nur an seinen Schauspielbrüdern, sondern auch an seinem eigenen Bruder Sergei Belyakovich, der die südwestliche Truppe verlassen hat. Ohne den plötzlichen Tod von Viktor Avilov ist das schon ganz klar So Diese Show würde nicht funktionieren.

Valery Belyakovich baute die Aufführung auf Zweifeln an seiner eigenen Kunst auf und beging eine schmerzhafte Tat – eine von denen, die definitiv in die Geschichte des Theaters eingehen werden. Belyakovich schrieb nie Theatermanifeste und wurde zum Verbitterten Theatersalbei, der über die Fragilität der Theateridee und die Frage nach dem Recht des Regisseurs auf Macht über Menschen nachdachte. Dies ist aber auch ein Akt des Lehrers, der zugab, dass der Kommunikationsfaden mit den Schülern verloren gegangen sei. Die Puppen sind die Crème der Truppe: Karina Dymont, Oleg Leushin, Valery Afanasiev, Anatoly Ivanov, Alexei Vanin, Vladimir Koppalov.

Verdammt interessant, wie sich dieses Theater weiterentwickeln wird. Wird Belyakovichs exhibitionistischer Monolog zu einem neuen Credo des Theaters im Südwesten und wird es dem Regisseur gelingen, das Theater aus der Sackgasse zu führen, wenn die Frage nach der Existenz einer bestimmten Truppe öffentlich, vor dem Publikum, zur Sprache gebracht wird? Der findige Beljakowitsch verwandelte die Krise des Theaters in ein Theaterereignis.

FILMREZENSION VON NATALIA SIRIVLY

LEERES HAUS

„Empty House“ (ein anderer Name ist „Golf Club No. 3“) ist der vierte Film der südkoreanischen Regisseurin Kim Ki-Duk, der 2004 in unserem Verleih erschien. In diesem Fall ist es nicht die rekordverdächtige Fruchtbarkeit des Koreaners, die auffällt – etwas, aber fernöstliche Menschen wissen, wie man arbeitet –, sondern der transzendente Grad an Perfektion, den Kim Ki-Duk in jedem neuen Bild mit Mozart’scher Leichtigkeit erreicht. Zwei Wochen. Das Ergebnis ist ein Meisterwerk, das Kritiker begeistert Auf der ganzen Welt nur Freudenseufzer und seliges Gebrüll: „Oh-oh-oh! Mmmm!!!“

Das Haus war voll, ein kleiner Saal war bis auf den letzten Platz gefüllt. Sie saßen auf seitlichen Stühlen und Ottomanen, die auf den Stufen standen. Aber es gab genug Platz für alle und die Bühne ist hier von absolut allen Punkten gut sichtbar. Selbst wenn eine große Person vorne sitzt, ist es perfekt sichtbar, da die Reihen eine gute Höhe haben.

Die „Puppen“ interpretieren den ewigen Mythos von Pygmalion, der den Menschen erschuf und sich in seine Schöpfung verliebte. Der große Puppenspieler Senor Pygmalion, Schöpfer des berühmten Puppentheater, dessen Puppen kaum von lebenden Menschen zu unterscheiden sind, kommt direkt vom Broadway nach Madrid.

Schauspieler lokaler Theater, deren Auftritte durch Gastdarsteller ersetzt wurden, sind empört, aber hinter ihrer Empörung steckt Angst: Was wäre, wenn diese Puppen sie, echte Schauspieler, wirklich übertreffen würden und sie dann nicht mehr gebraucht und gefragt wären, und dies ist der Zusammenbruch des Schauspielberufs, das Ende der Theaterkreativität.

Das ist der Konflikt, und dahinter stecken immer neue Fragen. Können lebendige Gefühle und Leidenschaften durch ihre mechanische Nachahmung ersetzt werden? Können die Schöpfungen menschlicher Hände wie die Schöpfungen Gottes sein? Kann ein Mensch wie Gott seine eigene Welt erschaffen und sie verwalten? Dies sind die schwierigen Fragen, die Valery Belyakovichs Stück „Puppen“ im Theater im Südwesten aufwirft.

In unserer Zeit, in der Roboter fest im Leben verankert sind und Menschen in einigen Tätigkeitsbereichen ersetzen, erscheint die Handlung nicht fantastisch. Es gibt jedoch den mystischen Moment, die Puppe wiederzubeleben und Leben, Bewusstsein und sogar den Geist in sie zu investieren. Und die von Senor Pygmalion geschaffenen Puppen sind wunderschön, unermüdlich und praktisch ewig. Sie altern nicht, ermüden nicht und benötigen für die Arbeit ihres mechanischen Herzens lediglich Energiezufuhr.

Die wunderschönen Körper und Gesichter der Puppen von Senor Pygmalion rufen beim Publikum Leidenschaft hervor. Manche Fans begleiten das Puppenspielertheater auf all seinen Tourneen, einfach um ihren Idolen nahe zu sein. Jede Puppe ist einzigartig, jede hat ein gewisses Talent. Die eine hat eine schöne Stimme, nur ist sie verstimmt, die andere tanzt wie eine echte Ballerina, aber nicht wie eine Ballettsolistin, die dritte hat das Talent einer dramatischen Schauspielerin und stellt sich vor, die Königin des Theaters zu sein. Unfähig, seine Gefühle zu kontrollieren, verliert der souveräne Seigneur Herzog Adulkar (O. Leushin) den Verstand und entführt die kleine Pomponina (K. Dymont), die ihm den Kopf verdreht. Sie werden von der Frau des Herzogs, Aurelia (O. Ivanova), verfolgt.

Aber wer hätte gedacht, dass alle anderen Puppen der Pygmalion-Truppe ihrer Freundin zu Hilfe eilen würden! Geisteslose Kreaturen, die der Belustigung des Publikums und der Verbesserung des Wohlergehens ihres Schöpfers dienen sollen, fliehen am Vorabend der Aufführung plötzlich aus dem Theater und erklären sich für frei.

Foto von der Website des Theaters im Südwesten

Unnachahmliche Tänze, Bewegungen, Plastizität, Saltos, Stunts und Sprünge im Licht bunter Scheinwerfer erwecken das Gefühl, als wären wir in einem der Theater Madrids bei der Präsentation wiederbelebter Puppen. Sie tauchen aus den verspiegelten Türen ihrer Logen auf und lassen ihre Augen bis zum Ende der Aktion nicht los. Man möchte sie bewundern und gleichzeitig ist es für sie unheimlich, wenn die Geißel des Puppenmachers greift. Und wenn sie sich auf die Bühne legen und sich neben dem ermordeten Pygmalion beruhigen, bleibt ihnen nur noch das Weinen. Das Mädchen neben mir konnte ihre Tränen nicht zurückhalten. Doch dann standen sie auf und die Tränen versiegten.

Und vorher lachten wir fröhlich über die Witze der Brandachlyst-Puppe und der Madrider Unternehmer, die keineswegs mittelalterlich, aber heute sehr aktuell waren. Die Madrider Schauspieler waren zunächst beleidigt über das Auftauchen des Puppentheaters und die Absage ihrer Aufführungen, würdigten dann aber das Können des Puppenspielers und lasen echte Monologe von Othello, Hamlet und König Lear, und es war klar, dass es sich um echte dramatische Schauspieler handelte. Diese Monologe wurden in die Handlung eingeflochten und verliehen ihr gewissermaßen mehr Authentizität. Besonders gut gefielen mir Oleg Leushin als Herzog Adulkar und die Miniaturkarina Dymont als Pomponina. Frauenrollen Die Puppen Marilonda (O. Avilova) und Dondinella (I. Barysheva) waren bemerkenswert emotional und plastisch ausgeführt.

Foto von der Website des Theaters im Südwesten

Es gibt viele Parallelen in der Aufführung, hier findet jeder etwas für sich. Die Geschichte, wie Pygmalion dazu kam, sein Theater zu erschaffen, hat mich „mit Gänsehaut“ geschockt. Schon in seiner Kindheit, als er mit seinen Eltern Spanien verließ, mit einer Holzpuppe in der Hand, gründete er 27 Jahre lang seine eigene Truppe. Eine der Parallelen ist das politische Regime. Hier lacht jeder, aber wie richtig bemerkt. Durch die Nachahmung von Menschen schaffen Puppen ihre eigenen Selbstverwaltungsorgane: „Ihr werdet das Parlament sein, und ihr werdet das Volk sein, das von allen unterdrückt wird. Und ich werde bei Pygmalion bleiben und zu euren Gunsten ausspionieren ...“. In diesem Fall können Puppen, die ihres Besitzers überdrüssig sind und Freiheit wollen, mit den müden Menschen eines (nicht unbedingt unseres) Landes in Verbindung gebracht werden, und Pygmalion, ein Millionär, der sich mit Gott gleichsetzt, kann als eine Art Präsident dargestellt werden. Und als die Puppen, der „Usurpator“-Macht Pygmalions überdrüssig, beschlossen, vor ihm davonzulaufen und eine neue zu bauen, unabhängiges Leben, Sie sterben. Wie im Leben ist das Ende der Aufführung vorherbestimmt.

Foto von der Website des Theaters im Südwesten

Am Ende erscheint der echte Pygmalion vor dem Publikum, und es gibt nur drei von ihnen in der Aufführung. Der erste ist ein falscher Pygmalion, der in Wirklichkeit eine Brandakhlyst-Marionette (D. Nagretdinov) ist, die am Bahnhof die Theaterfiguren von Madrid spielte. Der zweite ist Pygmalion (E. Bakalov), der durch eine Kugel starb, umgeben von toten Puppen, ihrem Schöpfer. Und der dritte – Pygmalion (A. Vanin), der den letzten Monolog liest, würdigt die Live-Schauspieler, die sofort beginnen, ihre Monologe aus Shakespeare zu lesen, mit denen die Aufführung begann. Hauptrefrain: „Das sind Puppen!“ es klingt jedes Mal anders, und nun zweifelt Pygmalion selbst daran, ob er ein Mann oder eine Puppe ist. Und die Puppen werden menschlich und erleben für sie ungewöhnliche Gefühle.

Die Aufführung ist sehr schön, die verspiegelten Türen der Puppenkästen verwandeln sich in Spiegel des Theaters des antiken Madrid, das Lichtspiel, das entweder ein feierliches, festliches Licht einer Rampe oder ein Spiegelbild einer schwingenden einsamen Laterne in der Nähe einer verlassenen Hütte ist. Und in diesem gespenstischen Licht erscheinen, reflektieren und verschwinden Charaktere, gekleidet in komplizierte oder minimal figurbetonte Kleidung. Die Musik ist perfekt gewählt, entweder steigert sie die Stimmung und steigert die Atmosphäre, dann entspannt sie und ruft zum Spaß auf. Und es erklingt dort, wo es notwendig ist, und spielt seine Rolle in der Aufführung.
Video vom YouTube-Kanal des Theaters:

Die Aufführung von Valery Belyakovichs „Dolls“ wurde in das Projekt „ Kulturelles Erbe RF: beste Leistungen". Die Uraufführung erfolgte im Juli 2004, einer für das Theater sehr schwierigen Zeit. Valery Belyakovich - ein unermüdlicher Erfinder und Experimentator - greift das Stück des spanischen Dramatikers Jacinto Grau „Señor Pygmalion“ auf und überarbeitet es zu aktuellen Themen. Kreative Aktivitäten dann, nach 13 Jahren, blieb es genauso relevant und modern. Abschlussmonolog von Valery Belyakovich:

Vielen Dank an das Theaterteam für die Gelegenheit, dieses Wunder zu sehen, und für die Einladung, besonderer Dank geht an Anna atlanta_s . Abonnieren Sie die Community der Blogger in Moskau moscultura und Sie werden über die interessantesten Ereignisse unserer Stadt informiert.