Wahrscheinlich schreibe ich zuerst meine Eindrücke vom Stück selbst und dann - von der Aufführung.

Die Geschichte ist überhaupt nicht angenehm. Beim Lesen stellt sich gleich zu Beginn ein Gefühl von Übelkeit und Feindseligkeit ein, und am Ende fordert der Körper eindringlich die Auslösung einer natürlichen Reaktion. Daher ist es für alle Fälle besser, sich im Voraus mit Plastiktüten einzudecken.

In einer abgelegenen irischen Stadt leben zwei Gryms: eine 70-jährige Mutter (Meg) und eine 40-jährige Tochter (Maureen). Und es ist niemand sonst zwischen ihnen. Megs andere Töchter sind seit langem verheiratet und leben getrennt, während Maureen nie eine eigene Familie hat. Und sie haben nicht einmal eine Katze oder einen Hund, die ihre Aufmerksamkeit zumindest manchmal voneinander ablenken würden. Deshalb spritzen sie ihre ganze Energie, die wie ein über die Jahre heruntergefallenes Gewirr aus Liebe und Hass eng gewoben ist, aufeinander.
Die Mutter versucht auf jede erdenkliche Weise, ihre Tochter zu kontrollieren, aus Angst, sie zu verlieren und allein gelassen zu werden. Und als eine Bedrohung in Form eines Mannes auftaucht, der bereit ist, Maureen mit nach Amerika zu nehmen, verhindert sie dies mit allen Mitteln. Infolgedessen tötet die Tochter ihre Mutter mit einem Schlag eines glühenden Schürhakens. Aber Maureen findet immer noch kein Glück - in Amerika, wo sie so eifrig war, wartet niemand auf sie. Mutter hat sich durchgesetzt. Hier, auf den ersten Blick, und die ganze Geschichte.

Ich kann nicht sagen, dass mich diese Geschichte sehr bewegt hat. Es war schwer zu lesen, ja. Aber tiefe Bedeutung geschrieben - warum hat der Autor es geschrieben? - blieb mir nach dem ersten Lesen ein Rätsel. Ich hatte erwartet, es im Theater zu lösen. Vorfreude schwirrten mir Fragen durch den Kopf: Wie haben sie diesen alltäglichen Schrecken inszeniert, welche Akzente haben sie gesetzt, was wollten sie sagen? Immerhin ist die Aufführung ein Ergebnis der Arbeit des Regisseurs und kreatives Team, ist in der Lage, die Botschaft des dramatischen Stoffes zu enthüllen, künstlerisch darzustellen, was nicht an der Oberfläche des Textes liegt.

Allerdings war ich enttäuscht. Ich sah nur eine Illustration des Stücks, das ich am Morgen las. Leider habe ich nicht verstanden, worin sich die Arbeit des Regisseurs in dieser Produktion ausdrückt. Das einzige, was dem Ergebnis der Regie zugeschrieben werden kann, ist der Versuch, die Hauptfiguren zu gewöhnlichen Frauen zu machen, in denen trotz allem mehr Liebe füreinander als Hass herrscht.

Von Anfang an, als ich es las, hatte ich das Gefühl, dass Maureen ihre Mutter kaum ertragen kann und nicht einmal mehr versucht, ihre Negativität zu verbergen. Zu Beginn der Aufführung sehen wir eine eher zurückhaltende Maureen, die mit fast christlicher Geduld auf die Launen ihrer alten Mutter eingeht und der nur gelegentlich Wuttöne unterlaufen.

Ich denke, es war kein Zufall, dass McDonagh den Schmutz, der in einem Menschen steckt, umgekrempelt und die Beziehung zwischen Mutter und Tochter vergröbert und verschärft hat.
Und der Regisseur, der das grobe Material glättet und den Stil des Autors aus dem Stück herauslässt, verarmt meiner Meinung nach die Produktion, macht die Palette möglicher Farben dürftig.

McDonaghs Spiel ist eher skizzenhaft. Es gibt keine langen, emotionalen Monologe darin, die Phrasen sind manchmal sogar zu kurz, ruckelig. Es gibt nicht viele Informationen über das Schicksal der Helden darin. Wenn Sie das Schema des Stücks grafisch darstellen, erhalten Sie meiner Meinung nach so etwas wie die Struktur eines Kristalls, bei dem anstelle von Atomen die Hauptpunkte des Stücks (Sätze, Wörter, Ereignisse) stehen. Atome verbinden sich miteinander und bilden Gitterzellen, und es gibt ziemlich viele Zellen. Alle Zellen sind leer.

Nur auf den Text des Stücks zu gehen, ist meiner Meinung nach ein Fehler, es wird sich als elementare Übertragung eines leeren Schemas herausstellen. Meiner Meinung nach besteht die Aufgabe des Direktors darin, die leeren Zellen auszufüllen. Der Regisseur stellt viele Fragen und findet Antworten darauf. Er muss die Gründe für das Verhalten der Charaktere verstehen und den Schauspielern erklären, ihr Schicksal fantasieren, in ihre Vergangenheit zurückkehren und die Gegenwart spüren. Mir scheint, der Schlüssel zu diesem Stück liegt darin, das zu spielen, was nicht darin steht, was nicht darin steht, und den Text als Hilfsmittel wahrzunehmen.

Und es gibt viele Fragen zum Stück! Je mehr ich darauf zurückkomme, desto mehr finde ich darin innere Schichten. Fantasie hilft, die Geschichte zu beenden, sie umfangreicher zu machen.

Warum hat sich Maureens Schicksal so entwickelt? Warum haben ihre Schwestern geheiratet und sie nicht? Ich bin sicher, der Spitzname Königin der Schönheit“ ist nicht aus dem Nichts entstanden, und vor zwanzig Jahren und später war sie attraktiv genug, dass Männer ihr Schicksal mit ihr vereinen oder zumindest eine gute Zeit haben wollten. Aber sie blieb bis zu ihrem vierzigsten Lebensjahr für alle uneinnehmbar. Warum? Es scheint, dass Pato, der Mann, der so plötzlich in ihr Leben zurückkehrte, die einzige Liebe war, die vor zwanzig Jahren in ihrem Herzen geboren wurde und die sie ihr ganzes Leben lang sorgfältig bewahrte, ohne sie gegen etwas anderes einzutauschen.

Vor zwanzig Jahren ging Pato zum Arbeiten nach England.
Vielleicht ging Maureen seinetwegen fünf Jahre später auch nach England zum Arbeiten? Vielleicht nicht für das Geld? Schließlich könnte sie wie ihre Schwestern heiraten und sich in Familienangelegenheiten vertiefen. Ich glaube, sie ist nach England gegangen, um Pato zu suchen.
Aber anscheinend war die Suche erfolglos. Öl wurde ins Feuer gegossen durch die verächtliche Haltung ihrer Verdienstkolleginnen – Engländerinnen, die sie, eine besuchende Irin, ständig verspotteten. Ständige nervöse Anspannung führte zu einem Zusammenbruch und Maureen landete in einer psychiatrischen Klinik.

Ihre Mutter holte sie eigenverantwortlich aus dem Krankenhaus. ungefähr raten wahrer Grund Krankheit der Tochter, ich glaube, Meg hatte Angst vor ihrem Rückfall. Vielleicht hat ihr Privatleben auch nicht geklappt. Das Stück erwähnt nie ihren Ehemann, den Vater ihrer Kinder. Vielleicht hat er auch einmal Irland verlassen? Kein Wunder, dass Maureen sagt: „Oh, dieses Irland. Irgendjemand geht die ganze Zeit." Und vielleicht haben sie deshalb in ihrem Haus ein Porträt hängen, nicht von ihrem Vater, sondern von Robert Kennedy, einem fernen Ideal. Und derjenige, der tatsächlich im Leben dieser Familie war, wurde einfach für immer gelöscht?
Und ich glaube nicht, dass Meg eine verrückte alte Frau ist. Es scheint mir, dass alle ihre Leiden fiktiv sind. Und schmerzende Beine und Rücken und Entzündungen Blase. Ich glaube, sie schüttet absichtlich ihren Urin ins Waschbecken, um ihre angebliche Schwäche, ihre Unfähigkeit, vernünftig zu handeln, und dementsprechend ihre absolute Abhängigkeit von Maureen zu demonstrieren. Und sie verbrennt Briefe von Pato, nicht weil sie nicht will, dass ihre Tochter glücklich ist, sondern weil sie sie vor einer Wiederholung eines seelischen Traumas bewahren will. Sie traut Männern nicht. Das hat sie die Erfahrung gelehrt.

Und so – Schicht für Schicht entfernen – öffnet es sich wahre Bedeutung Theaterstücke. Und seine wahre Bedeutung ist LIEBE.

Als Ergebnis sehen wir, was passieren kann, wenn es einem Menschen nicht erlaubt ist, sich selbst zu lieben, Liebe zu geben. Liebe lebt in ihm, wächst, bahnt sich seinen Weg durch alle Hindernisse. Die zerstörerische Kraft der Liebe. Die schützende Liebe der Mutter zerstört die Tochter, der Wunsch der Tochter, bei ihrem geliebten Mann zu sein, entpuppt sich am Ende als mörderisch. Liebe im Schraubstock, Liebe ohne Segen. Wenn wir die Liebe töten, tötet die Liebe uns.

Vielleicht ein Theaterstück darüber?

Hinter der schwarzen Hülle - so ein Licht!
Aber ich denke, genau das ist es. Und es muss gespielt werden.

Die Aufführung ist die Spitze des Eisbergs, und unter Wasser liegt ein riesiges Fundament aus der akribischen Arbeit des gesamten Theaterteams.

Ich bin mir sicher, dass alles, was ich oben beschrieben habe, auch im Theater bei der Analyse eines Stücks gemacht wurde. Dennoch ist der BDT ein professionelles Theater und kein Laienzirkel.
Eine andere Frage - wie effektiv war diese Arbeit? Aus meiner subjektiven Zuschauermeinung ist noch nicht alles herausgekommen. Oft hat man das Gefühl, dass die Schauspieler selbst nicht verstehen, was sie spielen, sie haben die Geschichte des Bildes noch nicht vollständig geformt, sie haben noch nicht alles gefühlt.

Aber was Theater so gut macht, ist, dass nach der Premiere die Arbeit am Stück, an jeder einzelnen Rolle, nicht aufhört. Und ich glaube wie immer, dass die Aufführung immer noch voller Säfte sein wird und den Zuschauer überraschen, erregen, schockieren wird. Gott segne.

Ein dynamisches, actiongeladenes und charakterstarkes Spektakel. Die Generation, die mit der "Begleitung" zahlreicher Veröffentlichungen der Zeichentrickserie "Tom und Jerry" aufgewachsen ist und gelebt hat, ist in eine Zeit endgültiger und unwiderruflicher Showdowns eingetreten, die alle möglichen "i" punktiert ... - und wird niemanden lassen runter! Der schwierigste psychologische und kreative Kampf zwischen den beiden Heldinnen - Maureen (dargestellt von Varvara Babayants) und Meg (dargestellt von der verehrten Künstlerin Russlands Marina Zhurilo) - hält Sie in Atem, geht hin und wieder auf die Nerven und macht auch wieder glücklich Sie denken darüber nach, was nahe Menschen zu emotionalen Ausbrüchen führt, zu Angriffen unmotivierter Aggression, deren Folgen tödlich sind. Anzumerken ist außerdem, dass die "Partner" dieses Spiel in einem guten Ton spielen, in einem hektischen Tempo traditioneller irischer Melodien, wie sie sagen, "Kopf an Kopf" durch alle emotionalen Höhen einer Gruselgeschichte gehen, balancieren auf der Kante ... Sie sind brutal und wehrlos, gnadenlos und verletzlich, charmant und schrecklich zugleich ... Sie fühlen sich in ihren grausamen Zweikampf hinein, Sie lachen über ihre Witze, "Tricks" und "Witze", Sie fühlen ihre Einsamkeit als die eigene ... Ein zur schwarzen Komödie gewordenes Gesellschaftsdrama "a la Tarantino", das die Frage nach dem Verhältnis von Realem und Imaginärem, Originalem und Klischeehaftem in unseren Köpfen deutlich aufwirft, nach dem, was uns erschüttert Seele und Leben. Wenn das Duell vorbei ist und alle Signale des Seins von rastlosen Heldinnen verloren sind, ist es besonders freudig zu erkennen, dass die "Toten" sich immer noch erheben und verneigen werden, denn es gibt etwas zu applaudieren und wem! Und die Spuren des Verbrechens werden definitiv weggespült und übermalt ... bis zur nächsten Show.
Die Aufführung wurde vom regionalen Festival "Theatrical Spring-2017" in der Nominierung "Bestes weibliches Duett" (Varvara Babayants und Maria Nestryan) ausgezeichnet.

Direktor - Timur Fairusow, Künstler - Themistokles Atmadzas, Kostümbildnerin Olga Atmadzas, Leiter der bildenden Kunst Tatjana Bezmenova

Besetzung:

Verdienter Künstler Russlands Marina Zhurilo(Mega), Varvara Babayants(Mauren) Nikolai Kawerin(Pato) Alexander Nosyrev(Strahl)

Aktionsdauer: 1 Stunde 20 Minuten

kleine Bühne

Für wen ist die Aufführung? Erwachsene

Showtermine:

Etwas Außergewöhnliches erwartet uns. Beginnen wir mit der Kreativität "Fliegender Ire" Wir treffen zum ersten Mal auf den Dramatiker und Filmregisseur Martin McDonagh, obwohl sein Name in den Weiten des russischen Theaters ziemlich bekannt ist, sind seine Stücke sowohl bei Experimentatoren als auch bei traditionellen Konservativen gefragt. So heißt es "Tschechow des XXI Jahrhunderts", Das „Tarantino aus dem Theater“, Er „der vielversprechendste Dramatiker Europas“ und darüber hinaus "Kannibalen-Geschichtenerzähler", welche „Mit seinen Theaterstücken-Horrorgeschichten ... durch das„ Schlechte “lehrt er „Gutes“. Er gilt als moderner Meister "makabra"(Es gab ein solches Genre in der mittelalterlichen europäischen Kunst, als um die Wende vom 10. zum 11. Jahrhundert alle auf das Ende der Welt warteten und warteten, über die menschliche Sterblichkeit und die Gebrechlichkeit der Existenz sprachen und in jeder Hinsicht teilnahmen "Tanz des Todes", schuf Bilder, Musik, allegorische Dramen zu diesem Thema ... Ja, sie haben nicht auf das Ende der Welt gewartet. A "makaber" blieb. Und er machte sich Ende des 20. Jahrhunderts bemerkbar). Man kann die Position des Autors verstehen, der glaubt, dass die moderne Welt zu grausam ist, es keinen Platz für Illusionen gibt und jede Wahrheit relativ ist ... Aber gleichzeitig zeichnet er Bilder von Grausamkeit (und McDonagh - "körperlich", "fleischlich", "blutig", brutal Dramatiker), er ist entfernt ironisch. Und es scheint, als sei er in das Leben einer Provinzstadt eingetaucht – eher absurd und phantastisch. Seine Monster quälen sich natürlich umsonst (selbst aus geringfügigen Gründen), aber gleichzeitig sind sie nette, sogar in gewisser Weise hübsche Menschen, nicht freundlich, aber auch nicht so böse. Und wer hat endlich Recht, wer ist schuld - es ist unmöglich festzustellen ... Jeder hat Recht und jeder ist schuldig ... „McDonagh ist ein unglaublicher Autor: Er hat viel Witziges und viel Tragisches. Grausam, ergreifend und gleichzeitig sehr menschlich kommen seine Geschichten von Gott und führen zu Gott. Regisseur Sergei Fedotov, der „Pionier“ der Arbeit des Dramatikers in Russland, definierte die Besonderheit seiner Weltanschauung auf diese Weise und betonte, dass es unmöglich ist, diese Stücke mit gewöhnlichen Schauspielmitteln zu spielen. „Hier brauchen wir eine neue Ästhetik, einen neuen Ansatz – die ultimative Wahrhaftigkeit, Superpsychologie, wie im Film.“ Ob unsere Regisseure und Künstler das schaffen werden, ist schwer vorherzusagen, aber es ist wichtig und zu hoffen.

Das Stück „The Beauty Queen (Beauty of Linen)“ (1996) brachte der 26-jährigen arbeitslosen Londonerin Weltruhm: In acht Tagen geschrieben, am Broadway inszeniert, erhielt es die Theaterpreise „Evening Standard“ und „Tony“. Es hat alles, was man für Publikumserfolg braucht: eine schneidig verdrehte, unvorhersehbare Handlung, Benefizrollen, schwarzen Humor und die Möglichkeit verschiedenster inszenierter Interpretationen (von Naturalismus bis Extravaganz). Ja, und viele haben sich auf die eine oder andere Weise der häuslichen Tyrannei gestellt: Egal, wie man die Qual der alternden Frauen Maureen und Meg versteht, die durch den Willen des Schicksals aufeinander angewiesen waren, sich zu sorgen, zu kümmern und zu zerreißen. Im Sinne des Autors sind sie Tochter und Mutter: Die erste sucht den Abgrund und die Leere des Daseins zu entfliehen („To America! To Boston!“), die zweite hat genau davor Angst. Beide kämpfen für die Liebe – doch wie immer heiligt der Zweck nicht die Mittel, und unbrauchbare Mittel verfälschen das angestrebte Ziel … Doch nach dem Plan des Regisseurs Timur Fairuzov spielen die Heldinnen nur unter den „vorgeschlagenen Umständen“ , was den altbekannten Alltagskonflikt betont außergewöhnlich, man kann sogar sagen, kreativ macht…

"-Auf dem Hügel

-Und der Hügel ist hoch

-Was für ein Großer!

-und cool

„Und cool und dreckig …“

Es waren einmal Maureen und Meg. Und sie hatten ... einen Schaukelstuhl ... und einen Schürhaken ...

„-Und was brauchst du für einen Schürhaken

- Gut und schwer

-Schwer und lang

- Solide, schwer und lang ... Sie können leicht ein halbes Dutzend Bullen ausknocken und dann richtig hinzufügen, damit Blut spritzt ...

„Was ist ein Haus ohne Schürhaken …“

"Echte Sensation", "Das Wunder der modernen Bühne", "Der wichtigste Dramatiker des 21. Jahrhunderts", "Tarantino aus dem Theater" - das ist der Name der Moderne Irischer Dramatiker Martin McDonagh der schärfste Kritiker der Alten und Neuen Welt. Seine Stücke haben alle erdenklichen und unvorstellbaren Dramapreise erhalten, darunter den Evening Standard Award, den Tony Award und den Laurence Olivier Award. Er ist festangestellter Dramatiker am Royal National Theatre! Sein kühner Erfolg liegt auch darin begründet, dass er als erster Dramatiker seit Shakespeare vier Stücke gleichzeitig im Londoner West End auf die Bühne brachte. Das Phänomen McDonaghs Popularität als Theaterschauspieler kann nur mit seinen eigenen Filmexperimenten mithalten: dem Kurzfilm „Six Shooter“, der mit einem „OSCAR“ ausgezeichnet wurde, und dem abendfüllenden Film „Lie Down in Bruges“.

Das Interesse an seiner Dramaturgie ist nicht nur mit einer Modeerscheinung verbunden. Die Stücke des Iren sind wie ein Koffer mit doppeltem Boden. Gekonnt zeichnet er Alltagssituationen, verdreht die Handlung, zeichnet Charaktere mit wenigen Strichen, würzt die Dialoge mit einer gehörigen Portion schwarzen Humors. Aber ein Haufen Haushaltsdetails, die sich übereinander stapeln, erzeugt plötzlich ein Gefühl der Absurdität des Lebens. Und seine Charaktere, die sich sogar gegenseitig mit Beleidigungen überschütten, tun dies distanziert, nicht ernsthaft, sondern als würden sie an einer Art Spiel teilnehmen ...

Die Theaterbesucher von Schadrinsk können sich am 19. April mit der Arbeit dieses herausragenden Drehbuchautors und Dramatikers vertraut machen! Die Produktion der Schönheitskönigin von Leenane auf der Kleinen Bühne des Theaters wird von Pjotr Nezluchenko aufgeführt, Gewinner des Preises des Gouverneurs der Region Swerdlowsk, beliebter Schauspieler, talentierter Regisseur und Komponist des Dramatheaters A. P. Chekhov Serov.

Shadrinsky-Theaterbesucher erinnern sich sehr gut an seinen Richard in dem Stück von Yulia Baturina „Richard III“, das das Serov Drama Theatre zum Shadrinsky Goose Festival in unsere Stadt brachte. Richard, gespielt von Pyotr Nezluchenko, ist ein Narrenkönig, ein hässlicher Narr, leicht und anmutig, mit Humor und Tränen, der kleinen Unfug und große Gräueltaten begeht, zynisch und gewöhnliche Liebe, Verrat, Blut, Wein und Wasser vermischt ...

Übrigens wurde die Rolle von Richard beim XXXII. Regionaltheaterfestival zu Pyotr Nezluchenko gebracht die besten Werke Theater der Region und Jekaterinburg "Bravo" Sieg in der Nominierung "Bester Schauspieler in einer Drama-Aufführung", und zum zweiten Mal wurde er zum besten Schauspieler in der Region Swerdlowsk ernannt.

Jetzt inszeniert Pjotr Nezlutschenko auf der Schadrinsker Bühne eine ergreifende Performance über Liebe und Hass, über Familie und ihre Abwesenheit, über Träume und eine illusorische Wahrnehmung der Realität, über unerfüllte Pläne und ein vergeudetes Leben. Jedes Mädchen träumt davon, eine Prinzessin zu werden, jede Frau möchte geliebt und begehrt werden - die Königin der Schönheit. "Beauty Queen" ist eine Geschichte über zwei Frauen, Mutter und Tochter.

Die alte irische Wohnung einer alten Frau, alles schäbig und ungestrichen. Ein schmutziger Kühlschrank mit einer überklebten Seite des Esquire-Magazins und anderen veralteten Geräten in Form eines mikrowellengroßen Radios und eines Schwarz-Weiß-Röhrenfernsehers. Der Kamin flackert und knistert schwach. Ein Faden, der sich bis zur Kelle erstreckt, hängt wie ein Spinnennetz von der Decke. Hier ist kein Platz für Freude. Passend zur Raumstimmung prasselt Regen auf das Glas, Tropfen fließen auf die Fensterbank...

Auftritte an kleine Bühne ganz anders wahrzunehmen. Es gibt keine Trennung zwischen Bühne und Zuschauerraum. Hier befindet sich der Betrachter viel näher an den Figuren der Performance und ist eine Art unsichtbare Person, die zum stummen, bewegungslosen Zeugen der Geschehnisse in einer fremden Wohnung geworden ist.

Eine alte, hilflose Mutter und eine einsame, unglückliche Tochter kämpfen bis zum Tod um ihr Glück.

Das Temperament beider Heldinnen sprengt alle erdenklichen Grenzen, so wirkt der Showdown wie eine Farce, mitunter wie ein echter „Küchenkrimi“.

Alle Mittel werden verwendet, von banalen Skandalen über die Demonstration von Papieren aus einer Nervenheilanstalt bis hin zum Übergießen mit kochendem Öl ...

Künstler sind in der neuen Aufführung beschäftigt - Nadezhda Malysheva,

Ljubow Stroganowa,

Foto von Irina Kaledina

Oleg Sinzow. . Der Hit von Martin McDonagh spielte in "Satyricon" ( Wedomosti, 7.5.2007).

Roman Dolzhansky. . Martin McDonagh durchstreift die Moskauer Theater ( Kommersant, 8.5.2007).

Irina Alpatowa, Natalia Kaminskaja. Moskau Saison Martin McDonagh. "Pillow Man" im Moskauer Art Theatre, benannt nach A.P. Chekhov, "Lonely West" und "Beauty Queen" im Satyricon ( Kultur, 17.5.2007).

Marina Davydova. . Nach „Schönheitskönigin“ von Konstantin Raikin in „Satyricon“ wurde völlig klar, dass sich das neue Drama mitunter nicht nur für innovative Regisseure, sondern auch für begünstigte Künstler eignet ( Iswestija, 30.5.2007).

Königin der Schönheit. Satyrikon. Drücken Sie über das Spiel

Wedomosti, 7. Mai 2007

Oleg Sinzow

Dein Poker ist gut

Martin McDonaghs Hit spielte in „Satyricon“

"Beauty Queen" von Martin McDonagh ist schwer zu verderben oder stark neu zu zeichnen. Die Hauptfrage, die auf der Bühne entschieden wird, ist daher die schauspielerische: Wird die komische alte Mutter die ganze Decke über sich ziehen, oder wird die Schauspielerin, die die Tochter spielt, genug Halt haben, um sich zu widersetzen? Im Satyricon besitzt Denis Suchanow, verkleidet als alte Frau, die Decke vollständig.

In dieser Saison wird der Name des Iren Martin McDonagh unserem Publikum definitiv in Erinnerung bleiben. Kirill Serebrennikow veröffentlicht seinen „Pillow Man“ im Moskauer Kunsttheater, Konstantin Raikin schießt mit einem Wams zurück - nach der „Queen of Beauty“ im „Satyricon“ wird es „The Lonely West“ geben.

Die „Königin“ selbst ist bereits die zweite in Folge in Moskau (im Herbst wurde das Stück von Mikhail Bychkov im Vakhtangov-Theater aufgeführt). Und ob es noch mehr geben wird – dieser berüchtigte Hit gewann vier Tony Awards, nachdem er am Broadway gezeigt wurde.

Das Stück verbindet auf glückliche Weise zwei Win-Win-Dinge - einen vertrauten Alltagskonflikt (jeder Zuschauer kann es versuchen, wenn nicht an seiner eigenen Familie, dann an seinem Nachbarn) und eine Benefizrolle mit reichen Gelegenheiten für Travestie. Im Perm-Theater „At the Bridge“, das die „Queen of Beauty“ zum Festival „New Drama“ brachte, spielte diese Rolle ebenfalls ein Schauspieler, keine Schauspielerin.

Zu erklären, warum sich Theater für einen solchen Schritt entscheiden, ist wahrscheinlich genauso überflüssig wie die Details eines innerstaatlichen Krieges nachzuerzählen, in dem eine 40-jährige Tochter unverschämt handelt und eine 80-jährige Mutter untergräbt. Der Schauspieler, in alte Frauenlumpen gehüllt, murmelnd und um Haferbrei bettelnd, verleiht der alltäglichen Handlung jene komische Distanziertheit, die McDonagh selbst anwendet.

Seinen dramatischen Brei kocht er aus der Axt: zwei, drei Löffel schwarzer Humor pro Glas Melodram, eine Prise Thriller und Absurdität – und schon bekommt der Konflikt einen theatralischen Beigeschmack, der den meisten sicher gefallen wird. Na ja, Salz und Pfeffer ist Sache der Schauspieler und des Regisseurs, der mit der „Schönheitskönigin“ kaum mehr anfangen kann als ein Koch mit einem Rezept für Haferflocken.

Der Künstler Denis Sukhanov ordnet langsam seine Beine neu – gerade noch rechtzeitig, um die ganze kleine Bühne zu sehen, auf der die Künstler Maria Danilova und Alexei Trefilov in akribischer Kleinarbeit ein kümmerliches Interieur mit einem rostigen Kühlschrank, einem Waschtisch und einem Gasherd aufgebaut haben, der sogar mit Gas versorgt wird . Die Zuschauer sitzen ganz nah beieinander, und Suchanow trainiert gekonnt Nahaufnahme: Schluckauf zart, Hände zittern mäßig, Stimme rasselt ganz natürlich. Aber das ist fast alles, was gesagt werden kann - die Rolle wurde bereits an die Organik des Schauspielers angepasst, aber noch nicht wie ein alter Sessel eingerichtet: Wenn Denis Sukhanov es schafft, sich bequemer darin einzunisten, besteht die Chance, dass die Publikum wird nicht nur lachen, wie jetzt.

Bisher hat sie nichts mehr zu tun: Suchanow zieht regelmäßig die komische Seite der Aufführung, aber alles andere sackt zwischenzeitlich ab. Die Hauptsache, an die man sich im Spiel von Angelina Varganova (Tochter) erinnert, ist, wie wütend sie die Böden wäscht. Gute, natürlich alltägliche Beobachtung und genaue Charakterisierung des Charakters; Sogar das Drama in dieser Aktion ist definitiv vorhanden. Doch die Kommunikation mit einem Bühnenpartner ist für die Schauspielerin schwieriger als Skizzen mit Schrubber und Schürhaken, denen Regisseur Konstantin Raikin auf Anregung von Martin McDonagh die Rolle einer Tschechow-Waffe zuwies.

Kommersant, 8. Mai 2007

Fliegender Ire

Martin McDonagh durchstreift die Moskauer Theater

Auf der kleinen Bühne des Theaters „Satyricon“ zeigten sie die Uraufführung des Stücks „The Queen of Beauty“ nach dem Theaterstück von Martin McDonagh, inszeniert vom künstlerischen Leiter des Theaters Konstantin Raikin. Buchstäblich in einer Woche wird Mr. Raikin hier ein weiteres Stück des berühmten irischen Dramatikers „The Lonely West“ präsentieren. Den ersten Teil der Dilogie sah sich ROMAN DOLZHANSKY an.

Wenn bei uns einer der Dramatiker geliebt wird, dann auf einmal und im Rennen. Das aktuelle Theaterjahr in Moskau kann man schon jetzt zu Recht als Spielzeit des Iren Martin McDonagh bezeichnen. Es scheint, dass kein einziger ausländischer zeitgenössischer Autor gleichzeitig in solchen Mengen und in völlig unterschiedlichen Theatern aufgeführt wurde - im Vakhtangov-Theater und im Meyerhold-Zentrum, im Tschechow-Moskau-Kunsttheater und jetzt im Satyricon sowie unter den Regisseuren am bemerkenswertesten sind Konstantin Raikin, Kirill Serebrennikov, Mikhail Bychkov. Der Grund für die Begeisterung für das Werk des 37-jährigen Iren ist ganz einfach und zum Glück ausschließlich künstlerischer Natur: Er ist in der Tat ein sehr guter Dramatiker.

Egal, wie man an seine Texte herangeht, sie sind voller Verdienste. Mr. McDonagh ist nicht aus dem Nichts aufgetaucht – er beerbt die anerkannten Klassiker. Gleichzeitig ist er das Fleisch vom Fleisch der modernen relativistischen Kultur – nur die Faulen erinnerten sich nicht an Quentin Tarantino und David Lynch im Zusammenhang mit McDonagh. Dabei entpuppt sich der Dramatiker nicht als Eigentum einer Handvoll theatralischer Feinschmecker-Intellektueller: Er verdreht bekanntlich die Handlung, beherrscht zuverlässig die Dialoge und schreibt die Rollen gut vor, und zwar die Rollen unserer Zeitgenossen. Nicht umsonst spielt die Handlung der meisten Stücke von Martin McDonagh im irischen Outback - es stellt sich heraus, dass sie sich kaum von den Bewohnern des Outbacks, zum Beispiel dem russischen, unterscheiden. Und die Schauspieler, die sich normalerweise darüber beschweren, dass sie in modernen Stücken oft "nichts zu spielen" haben, erheben solche Ansprüche nicht gegen den Iren, der die Bühnen ganz Europas erobert hat.

So ernst die Regisseure, die Mr. McDonaghs Werke bereits in Russland inszeniert haben, auch sein mögen, die Tatsache, dass dieser Dramatiker Konstantin Raikin schwer „beleidigt“ hat, ist besonders aufschlussreich. Regisseur Raikin liest neue Stücke natürlich mit den Augen eines Schauspielers und überprüft die Texte intuitiv auf die Fähigkeit, das Publikum mit einem lebhaften Theaterspiel zu fesseln, und nicht nur, sagen wir, philosophischer Tiefe oder literarischem Wert. Deshalb hat er viele Jahre (seit "Contrabass") nicht gespielt und in seinem Theater (anscheinend nicht einmal) eine neue Dramaturgie inszeniert. Und dann ließ er sich nicht nur treiben und inszenieren, sondern zog sich auf die kleine Bühne zurück, auf der er seit mehr als zehn Jahren weder als Regisseur noch als Schauspieler aufgetreten war, da er die Belegung des großen Saals in gewährleisten musste die eine oder andere Kapazität.

"Beauty Queen" benötigt natürlich eine kleine Szene: Die Beziehung einer alten kapriziösen Mutter und einer überreifen Tochter, die gezwungen ist, sich um sie zu kümmern, soll eingehend beleuchtet werden. Gleichzeitig wächst eine schreckliche und komische Geschichte von häuslicher Tyrannei und häuslichem Mord, die aus dem Alltag „herauskriecht“ – aus einem alten Kleiderschrank, aus einem Kleiderbügel an der Tür, aus einem Fernseher, der australische Fernsehserien zeigt, aus klumpigem Brei auf einem Gasherd gekocht, von einem Mopp, der den Boden wischt, vom schlurfenden Gang einer alten Frau - Meg Folan hat geschwollene Beine, wirres, aber spärliches graues Haar, einen schweren, schmutzigen Po und riesige Brüste, die ihr bis zum Bauch hängen.

Spielen Sie Meg, eine ältere Schauspielerin, beschreiben Sie es mit solchen Begriffen Aussehen Die Heldin würde sich nicht sehr wohl fühlen: Nun, wie das Theater einfach die Textur eines alten Menschen verwendet. Die böse Mutter wird jedoch von einem Mann gespielt - einem der Premierminister von "Satyricon", einem ziemlich jungen Denis Suchanow. Er ist ein ausgezeichneter Schauspieler, muss ich sagen. Dies war jedoch zuvor bekannt. Aber die Rolle der Meg baut Mr. Suchanow wirklich virtuos auf und dirigiert sie. Er verwandelt eine unangenehme, mürrische alte Mutter in ein seltsames Halbtier - jedenfalls jagt Meg für die Briefe, die für ihre Tochter ins Haus gebracht werden, buchstäblich instinktiv, wie ein gieriges Raubtier, das auf die erste Gelegenheit wartet, Beute zu machen .

Bei aller Kontinuität der Existenz in der Rolle und alltäglichen Zuverlässigkeit der Reinkarnation hebt Denis Suchanow genau die wichtigsten scharfen Gesten hervor, für die die Heldin in Erinnerung bleibt. Faszinierend und nachdenklich balanciert der Schauspieler am Rande der Comic-Groteske – er ist einfach so unterhaltsam, dass der Zuschauer in dem Moment, in dem Maureens Tochter als Vergeltung für ihre Gemeinheit heißes Öl aus einer Bratpfanne auf die Hand ihrer Mutter gießt, immer noch aufrichtig entsetzt ist. Darüber hinaus offenbart Mr. Sukhanov, ein Schauspieler mit glänzendem Talent, eine so wesentliche Qualität wie professionelle Zartheit - Angelina Varganova, die die Tochter im Rahmen der alltäglichen Authentizität spielt, dh mit weniger "gewinnenden" Mitteln arbeitet, geht nicht verloren neben Mega.

Konstantin Raikin vergrößert den Altersunterschied zwischen den Charakteren. Die alte Frau in seinem Stück ist älter als in dem Stück. Und Maureen und ihr gescheiterter Verlobter Pato (Yakov Lomkin) sind deutlich weniger als die von McDonagh geforderten vierzig Jahre – sie wirken eher wie unerfahrene junge Menschen als lebende Einzelgänger, die nach der letzten Chance suchen, ihr Privatleben zu verbessern. Umso akuter ist jedoch das Motiv von Maureens seelischer Unausgeglichenheit, die ihre Mutter einst aus einer psychiatrischen Klinik mitnahm – ein wichtiger psychologischer Umstand, den Mr. Raikin nicht vermisste und von ihm zu einem außerhäuslichen Finale kultivierte, als Maureen Sie geht nach der Beerdigung ihrer von ihr getöteten Mutter mit einem Koffer in ein verschneites und windiges Nirgendwo. Nicht weniger interessant ist die Version, die in anderen Produktionen der „Königin der Schönheit“ zu sehen ist – Maureen wird definitiv zu einer ermordeten Mutter, die dazu verdammt ist, ein Jahrhundert auf demselben Stuhl zu verbringen. Martin McDonagh entwickelt sich sicherlich zu einem modernen Klassiker: Es ist an der Zeit, die Interpretationen seiner Stücke durch verschiedene Regisseure zu vergleichen.

Iswestija, 30. Mai 2007

Marina Davydova

Horror als Attraktion

Die allgemeine Leidenschaft für Martin McDonagh markierte in dieser Saison eine weitere Stufe in der Beziehung zwischen der russischen Bühne und dem modernen Drama. Nach „Queen of Beauty“ von Konstantin Raikin in „Satyricon“ wurde völlig klar, dass sich das neue Drama mitunter nicht nur für innovative Regisseure, sondern auch für begünstigte Künstler eignet.

So wie nicht jeder junge Mensch in Russland ein neuer Russe ist, ist nicht jedes kürzlich geschriebene Stück ein neues Drama. Letzteres hat eine Reihe charakteristischer Merkmale, darunter bewusste Sozialität, atemberaubende Brutalität und erschreckende Nicht-Normativität. All dies zusammen (und getrennt) garantiert nicht die literarischen Vorzüge des Textes, aber garantiert, dass er in den Käfig fällt. Spielt McDonagh zweifellos aus dem Clip. Und da ihre literarischen Qualitäten viel höher sind als das allgemeine Durchschnittsniveau des neuen Schreibens, ihre Bühnenschicksal- nirgendwo ist glücklicher.

Es gibt jedoch eine Eigenschaft in ihnen, die für die Stücke der neuen Welle nicht ganz charakteristisch ist. Es ist äußerst selten, in diesen Stücken Benefizrollen zu finden. Immerhin ein Held neues Schauspiel, egal was er anstellt, er ist immer noch ein Mann der Masse und eine Hintergrundfigur. Und genau die Art des Benefiztheaters in den Köpfen der Apologeten des neuen Dramas ist ein Phänomen, das zur bürgerlichen Kunst gehört und vom bürgerlichen Publikum begrüßt wird, das, selbst wenn man ihm einen Pfahl auf den Kopf setzt, immer noch zu sich kommen wird genieße die Aufführung.

McDonagh bot mit einer Sicht auf die grausame Welt, die den Säulen des neuen Schreibens ähnelte – Sigarev, Ravenhil, Mayenburg – eine andere Art der theatralischen Darstellung dieser Sichtweise. Seine im irischen Outback lebenden Monster fühlen sich ganz hingezogen zu den Charakteren mit Großbuchstaben. Sie können im vollen Umfang ihrer schauspielerischen Natur gespielt werden, Premiership. Ganz besonders gilt das natürlich für die überall inszenierte Schönheitskönigin, auch am Broadway. Nun, warum ist die Figur nicht eine schreckliche Mutter, stark in ihrer Schwäche, attraktiv in ihrem Ekel, die ihre eigene Tochter quält. Murmeln, Grunzen, Stinken.

Raikin enthüllt die wohltuende Natur dieser McDonagh-Horrorgeschichte und vertraut die Rolle der Mutter der Premiere seiner Truppe an, einem sehr talentierten Denis Sukhanov. Er hat recht. Aus der Macabra über den Terrorismus im Inland kann man nicht viel Sinn machen. Und hier interessiert nicht die Bedeutung, sondern die Möglichkeit des Spiels. Alle Details der Plastizität der alten Frau, alle Merkmale der Sprache der alten Frau, alle ekelhaften Seiten des Alters, unterstützt durch reichhaltiges Make-up und Fett an geeigneten Stellen - all dies wird von Suchanow genau bemerkt und lebhaft verkörpert. Man möchte dieses Werk unter dem Mikroskop betrachten und die Details auskosten, also wurde die Aufführung entgegen der Gepflogenheit von Raikin auf einer kleinen Bühne inszeniert. Vor uns steht Seine Majestät der Schauspieler in einer Siegerrolle, und die Schauspieler, die ihm assistieren, sind nur Schauspieler. Und obwohl die Tochter (Angelina Varganova) mit einem hohen Maß an künstlerischer Überzeugungskraft in der Aufführung Brei kocht und die Böden wäscht, ist ihre Natürlichkeit für diese Geschichte nicht sehr notwendig. Sie ist von einer anderen Oper. Aber Suchanow - von diesem. Das ist es!

In der Alltagsschrift Macabra von Sigarev ("Plasticine") oder Mayenburg ("Feuergesicht") riefen die Hauptfiguren lebhafte Gefühle hervor und den allgemeinen Horror des Lebens - Horror. In der "Queen of Beauty" passiert, was einfach nicht passiert - sowohl Mord als auch Folter. Hier gießt die außer sich geratene Tochter heißes Öl auf die Hand ihrer eigenen Mutter. Aber dieser Horror ruft keinen Horror hervor, und die Charaktere des Stücks sind nicht erbärmlicher als die Charaktere postmoderner Actionfilme.

Raikin hat nicht nur die wohltuende, sondern auch die nicht häusliche Natur dieses Spiels richtig erraten. Nicht umsonst tritt er das Motiv der seelischen Unausgeglichenheit seiner Tochter in die Pedale: Im Finale geht sie in eine Art wirbelnden Lokomotivrauch weit weg, ins Land der Träume, und plötzlich denkt man, ob sie das Ganze nicht geträumt hat Alptraum. Doch der Chef des Satyricon wagte es noch immer nicht, die „Königin der Schönheit“ endgültig in eine Phantasmagorie, in eine theatralische Burleske zu verwandeln. Er hat gewöhnlich umgeleitet Gruselgeschichte vom Leben der unteren sozialen Schichten zum Mainstream des alltäglichen Dramas, nachdem wir auf der Bühne eine Haushaltsdekoration (Künstler Maria Danilova und Alexei Trefilov) mit einem Ofen gebaut haben, den wir noch in Gemeinschaftswohnungen haben, mit einem alten Kleiderschrank und einem vorsintflutlichen FERNSEHER. Vergeblich. Er war dran der richtige Weg. Egal wie realistisch McDonaghs Charaktere sind, sie sind immer noch nicht real. Sie befinden sich nicht im Raum des Lebens, wenn auch voller Gruselgeschichten, sondern im Raum eines Genrespiels.

Die Stücke des berühmten Iren markierten einen wichtigen Wendepunkt in der Geschichte des neuen Dramas: Es begann langsam aus dem Untergrund in die Massenkultur zu kriechen. Die ihr innewohnende Grausamkeit hörte auf zu schockieren, sondern begann eher zu amüsieren. Die schrecklichsten Aspekte des Lebens können die Grundlage für eine große Anziehungskraft sein – das ist McDonaghs implizites Pathos. Nach „Beauty Queen“ will man nicht an die Unvollkommenheit der menschlichen Natur denken, sondern an die Perfektion der handelnden Natur. Glücklicherweise gibt das Spiel von Denis Sukhanov dafür allen Grund.

"Schönheitskönigin" (Absolventen des Workshops von Alexander Ogarev (GITIS))

„Woher wusste ich, dass die Schönheitskönigin von Linein persönlich erscheinen würde.“

Martin McDonagh. Ein Name, der seit 10 Jahren auf den Seiten der Theaterzeitschriften in Russland zu finden ist. Einer der beliebtesten in moderne Welt Dramatiker. Ein Ire, der in der Lage ist, in die verborgensten Winkel des Betrachters vorzudringen und dort eine gute Zeit zu haben. Sein Name auf dem Plakat vermag selbst das kleinste und unbekannteste Theater zu Ruhm zu bringen. Seine Inszenierungen verlassen die Bühne nicht lange Jahre und sind durchweg erfolgreich. Ein legendärer Mann, der zu Lebzeiten zu einer Ikone wurde. Ein Mann, dessen Stücke weltweit Hunderte von Preisen gewonnen haben. Regisseur des Oscar-prämierten Kurzfilms Six Shooter. Der Autor, der seine Charaktere so tief und gründlich vorschreibt, ihre Charaktere und Innere, so aufmerksam auf jedes Detail in seinen Werken - ob Theaterstück oder Film, spielt keine Rolle -, dass es unmöglich scheint, etwas zu verderben. Es scheint so.
Bis gestern war ich davon überzeugt, dass McDonaghs Stücke der Höhepunkt der Perfektion sind, und die Inszenierung eines davon würde der Truppe Erfolg garantieren. Ein bisschen fanatisch, da stimme ich zu. Aber die Truppe der Absolventen des Workshops von Alexander Ogarev (GITIS), die das Stück "Queen of Beauty" auf dem Gelände des Projekts "Open Stage" inszenierte, brachte mich erfolgreich vom Himmel auf die Erde.
Um ehrlich zu sein, habe ich überhaupt nicht verstanden, was das war. Ich habe noch nie so schwache und rohe Darbietungen gesehen. Außerdem ist dies keine Studentenproduktion - nein. Alle Darsteller sind etablierte Schauspieler mit ihrer eigenen etablierten Truppe und ihrem eigenen Repertoire. Die Aufführung läuft seit langem vom ersten Mal an, von Uraufführungs-"Pfosten" kann also keine Rede sein. Dennoch schöpft die Produktion niveaumäßig maximal aus Kursarbeit Studenten im ersten Jahr. Darüber hinaus gilt dies für alle - sowohl Schauspieler als auch Regisseure und Techniker.
Zunächst - "Beauty Queen" - das zweite Stück von Martin McDonagh und das erste, das ihm Weltruhm, Ruhm und sozusagen nebenbei 2 höchste Theaterpreise auf einmal einbrachte - "Evening Standard" und " Tony-Preis“. Mit diesem Stück eröffnet der Autor seine berühmte Connemara-Trilogie und stellt dem Publikum die Bewohner der Kleinstadt Linen in der Grafschaft Galway vor. McDonaghs berühmtestes Connemara-Stück The Lonely West, das bereits von Dutzenden von Theatern in ganz Russland aufgeführt wurde, ist einfach ein durchschlagender Erfolg beim heimischen Publikum.
In "Schönheitskönigin" sprechen wir über die nicht gerade angenehme Familie - die 40-jährige Maureen und ihre abnormale 70-jährige Mutter, die in ewigen Streitereien am Rande der Stadt leben. Bis eines Tages Maureens Ex-Freund Pato Dooley für kurze Zeit nach Linen zurückkehrt, auf den seine Mutter, die allein den Tod fürchtet, sofort grundlos eifersüchtig wird. Infolgedessen heizt sich die Situation innerhalb der Familie nur noch auf.
Aber zurück zur Einstellung. Übrigens fange ich vielleicht mit Kritik am Publikum an. Beim letzten Besuch auf der „Open Stage“ war ich fast begeistert – die Aufführung fand auf einer großen Bühne statt, man spürte eine ernsthafte Herangehensweise, mit einem Wort – alles war praktisch auf höchstem Niveau Kammertheater. Diesmal wurde ein kleiner Bereich im Foyer für die Show eingenommen, das Publikum saß auf absolut unbequemen Stühlen im Saal ohne Gefälle, auf gleicher Ebene, und der Bereich selbst glich einer Bühne, naja, ziemlich abgelegen und war übersichtlich nicht zur Vorführung von Darbietungen gedacht. Urteilen Sie selbst - wo haben Sie gesehen, dass das Licht während der Aufführung über einen Schalter gesteuert wurde? "Klick" - das Licht ging dort aus, "Klick" - ging hier aus. "Klicken" - eingeschaltet. Das ist das schlimmste Licht, das ich je in meinem Leben gesehen habe. Er hat die Atmosphäre der Aufführung ziemlich erfolgreich im Keim erstickt. Mit einem Wort - ich gebe der Halle eine solide Einheit von 10. Es gab praktisch nichts Schlimmeres.
Es wird auch ziemlich schwierig sein, die Arbeit eines Toningenieurs zu loben. Die Konsole stand direkt hinter dem Publikum, im Saal, aber auch das trug nicht dazu bei, synchron mit den Schauspielern zu agieren, was auch den Gesamteindruck der Inszenierung prägte. Generell mochte ich die Arbeit mit Ton nicht - das Radio und der Fernseher funktionierten irgendwie absolut unverständlich und fielen komplett aus dem Gesamtgeschehen heraus. Aus dem Radio kommende „Grüße“ klangen völlig fremd und passten nicht in das Soundschema der Aufführung. Mit anderen Worten, es gibt noch viel zu tun.
Was die Schauspieler betrifft - sie haben mich ehrlich gesagt überrascht. Es war schwer, überhaupt Schauspielerei zu nennen - alles ist durch und durch falsch und weit hergeholt. Sie spielen manchmal zu wenig, lassen die Szenen ehrlich gesagt versagen, dann im Gegenteil, sie übertreiben, was zumindest lustig und unverständlich aussieht. Vor allem habe ich ein solches Spiel nicht von Maria Yelsukova erwartet, die ich glücklicherweise früher beim Stück „20 Minuten mit einem Engel“ gesehen habe, das nach dem gleichnamigen Stück von Vampilov inszeniert wurde. Und wenn Maria in Vampilovs Inszenierung die höchste Klasse zeigte und wirklich auf der Bühne glänzte, dann trat sie hier überhaupt nicht in das Bild ein. Für den Anfang - nicht geschlagenes Aussehen. Um die Rolle der "vierzigjährigen, hässlichen, aber schlanken" Maureen zu übernehmen, ist sie sehr jung und wirklich schönes Mädchen- Es ist übertrieben. Wie kann man die Atmosphäre des Ortes und der stattfindenden Ereignisse vermitteln, wenn die Schauspieler selbst mit ihrem Auftritt schamlos von der Bühne lügen? Als nächstes ist das Spiel. Wie ich schon sagte, ich habe Maria schon früher in Aktion gesehen und bin mir absolut sicher, dass sie eine großartige Schauspielerin ist. Was zum Teufel war also in „Beauty“ los? Es gibt praktisch keine Emotionen, das völlige Fehlen einer Atmosphäre der Hoffnungslosigkeit und der allgemeinen Stimmung der Heldin, eine offen verschmolzene Verzweiflungsszene im letzten Streit mit ihrer Mutter und ein völlig unverständliches Flirtspiel mit Pato. Obwohl ich zugeben muss, dass die Szenen von Maschas Glück sehr erfolgreich waren, ebenso wie die letzte Szene - in Bezug auf die emotionale Wahrnehmung der Heldin. Aber ich werde etwas später auf das Finale zurückkommen.
Anastasia Egorova passte überhaupt nicht ins Bild. Wieder ein hübsches, dünnes Mädchen in der Rolle der "siebzigjährigen, dicken" alten Frau Meg? Nun, warum? Warum fragst du? Und egal wie Anastasia versuchte, die alte Frau darzustellen - mit all ihren senilen Possen und Gewohnheiten, in vielerlei Hinsicht "dank" des Fehlens von Make-up und des "senilen Geistes", wurde nichts daraus. Es gab keine merkliche Übertreibung in Anastasias Spiel, aber es gab ein offenes Defizit in emotionaler Hinsicht – vollständig. Wenn Meg beim Lesen des Stücks echten Hass mit einem leichten Rest von Mitleid hervorrief, dann rief sie in der Aufführung überhaupt keine Emotionen hervor. Ein eher schwaches Spiel auf dem Niveau der heimischen Serien. Obwohl, wiederum - es gab ein paar Szenen, wie zum Beispiel mit einem Brief und einem Besuch von Ray, die es wert sind, gelobt zu werden. Aber Sie müssen zugeben, einige zwei gute Szenen in der ganzen Aufführung sind sehr frivol.
Doch die Darsteller der Rollen der Dooley-Brüder machten einen sehr gemischten Eindruck. Einerseits passen sie in die Bilder wo hinein bessere Mädchen(obwohl so weit wie möglich vom Original entfernt), andererseits beide völlig schamlos übertrieben. Und es war eine großartige Ablenkung vom Geschehen und sogar ein wenig nervig. Ray, dargeboten von Dzhangar Badmaev und Pato Sergey Kulikov, verhielt sich völlig undörflich und trug nicht dazu bei, die Atmosphäre eines irischen, gottvergessenen Outbacks zu schaffen. Besonders beeindruckt hat mich die Auswahl der Schauspieler. Er hatte den meisten Spaß. Nun, wie, erklären Sie, die Wahl von Vertretern verschiedener Rassen für die Rolle von Verwandten (!) Brüdern wahrzunehmen, ohne diese Tatsache vollständig zu schlagen und ohne dem Betrachter etwas zu erklären? Muss ich dem Regisseur erklären, dass alles, absolut alles, was auf der Bühne passiert und erscheint, auf die eine oder andere Weise erklärt werden muss und dass jede Abweichung vom Original einen wichtigen Grund haben muss? Wenn eine kleine Szene angemessen gespielt wird, wenn keine Requisiten vorhanden sind, dann hilft der Stil des Minimalismus, aber wenn nicht einer (ich merke: nicht einer!) der Schauspieler dem Typ seines Helden entspricht, und das Direktor erklärt dies überhaupt nicht - nun, das führt überhaupt nicht zu positiven Gedanken mit entsprechenden Schlussfolgerungen.
Im Allgemeinen hat die Regisseurin Anna Gusarova die meisten Beschwerden. Weil sie in der Lage war, alles zu ruinieren, was in dem Stück war. Keine einzige Atmosphäre jenes alten irischen Hinterlandes, für das das Publikum McDonagh so sehr liebt, wurde nicht geschaffen, kein einziger Widerspruch zum Original wurde in irgendeiner Weise geschlagen. Ich hatte den Eindruck, dass die Inszenierung am letzten Abend vor der Prüfung hastig inszeniert wurde und in dieser Form beim Publikum ankam. Insbesondere die Detailarbeit wurde nicht perfekt ausgeführt. Die Schauspieler bewegten sich wie zufällig, ihre Bewegungen (insbesondere ihre Hände) waren nicht koordiniert, die Dialoge waren künstlich. Die Einfügung des Game of Thrones-Moments ist umso entsetzlicher angesichts der Zeit, in der das Stück stattfindet und darin erwähnt wird. Oh ja – ich kann nicht umhin, das offen gesagt „durchgesickerte“ Ende zu erwähnen. Dies ist das stärkste Finale aller sieben McDonagh-Stücke, wirklich umwerfend und erschreckend, während es in der Aufführung fast keinen emotionalen Ausbruch verursachte und, wie man so sagt, vorbeiging. Wie es möglich war, ein solches Ende zu ruinieren - man kann nur raten. Und das, obwohl alle Worte des Stücks gesagt und alle Handlungen ausgeführt wurden. Aber - ohne Wirkung. Der einzige wirklich würdige Moment und ein interessanter Fund ist der Moment mit dem Fenster am Anfang. Hier waren sie überrascht, erfreut - ich stimme zu.
Im Großen und Ganzen war ich von meinem Vorstellungsbesuch sehr enttäuscht und nenne es eine offene Unvollkommenheit, studentische Laienarbeit und keine vollwertige Aufführung, die einer großen Bühne würdig wäre. Schade, dass Zeit und Geld für diese Veranstaltung verschwendet wurden. Ich denke, dass die Produktion den Betrag, der dafür verlangt wird, absolut nicht wert ist und gut abgeschlossen werden sollte. Sowohl der Regisseur als auch die Schauspieler. Meiner Meinung nach das kraftvollste und psychologisch schwierigste Stück von McDonagh, das, wenn es richtig inszeniert ist, den Zuschauer erschüttert und ihn leicht fassungslos nach Hause gehen lässt. Wohingegen sich die „Open Stage“ und die Absolvententruppe der Werkstatt von Alexander Ogarev als eine Art nüchterne Farce entpuppten, ein ziemlich ruppiges Handwerk, alles in Knoten und Unebenheiten. Und obwohl das Potenzial der Schauspieler sichtbar ist, zeigen sie es aus irgendeinem Grund in dieser Aufführung in keiner Weise.
Ich hoffe, dass sich die Autoren der Produktion trotz der ziemlich harten Worte nicht angegriffen fühlen, sondern die Kommentare zur Kenntnis nehmen und versuchen, die Aufführung zu erweitern und zu pflegen, um eine Kreation zu schaffen, die beim nächsten Sieg würdig ist Internationales Fest Martin McDonagh. Und mit Vergnügen werde ich kommen, um eine ausgereiftere und genauere Produktion zu sehen.
In der Zwischenzeit rate ich definitiv niemandem, zu dieser Aufführung zu gehen. Vor allem - wenn Ihnen der Name des Dramatikers noch nicht bekannt ist.