Komposition

G. Ibsens Theaterstück „Nora“ („Ein Puppenhaus“) sorgte in der Gesellschaft für heftige Kontroversen, mancherorts in den Wohnzimmern wurde sogar eine Durchsage angebracht: „Sprechen Sie bitte nicht über „Puppenhaus““. Eigentlich begann das neue Drama mit den Worten der Hauptfigur Ibsen, die zu ihrem Mann Gelmer sagte: „Wir haben etwas zu besprechen.“ Ibsen schuf eine Art Spiel-Diskussions-Genre, bei dem es den Charakteren nicht darum geht, im Leben Erfolg zu haben, sondern im Dialog nach wahren Beweisen für die Wahrheit zu suchen. Die Theaterdebatte sorgte auch im Leben für Diskussionen.

Tatsache ist, dass selbst bei der heutigen Emanzipation einer Frau Noras Verhalten - ihre Trennung von Kindern - nicht als Norm angesehen werden kann und zu Ibsens Zeiten gegen die öffentliche Moral verstieß.

Die Rolle der Nora ist eine große Prüfung für jede Schauspielerin. Von den berühmten Schauspielerinnen wurde Nora von der Italienerin Eleonora Duse und der Russin Vera Komissarzhevskaya gespielt. Die erste kürzte den Text des Stückes, während die zweite komplett nach Ibsen spielte.

Es wurde davon ausgegangen, dass in Kunstwerk, und auch im Drama gibt es eine eigene Logik der Charakterentwicklung, die das Handeln der Helden bestimmt, das heißt, im Leben eines Helden kann nach diesem Konzept nichts Unerwartetes passieren. Nora ist eine liebevolle Mutter, und nach der Logik des normalen Denkens kann ein Streit mit ihrem Mann nicht der Grund dafür sein, dass sie ihre Kinder verlässt. Wie konnte dieser „Vogel“, „Eichhörnchen“ sich zu einer solchen Tat entschließen und seinen Standpunkt so hartnäckig verteidigen?

Ibsen folgte nicht dem Weg der Standard-Ereignisauflösung. Er war ein Innovator auf dem Gebiet des Dramas, und so wurde die psychologische Unzulänglichkeit der Charaktere zu seinem Symbol für die Unzulänglichkeit sozialer Beziehungen. Ibsen schuf ein analytisches, kein psychologisch alltägliches Stück, und das war neu. Ibsen zeigte, wie ein Mensch trotz allem, trotz psychologischer Gewissheit es wagt, er selbst zu sein.

„Ich muss selbst herausfinden, wer Recht hat – die Gesellschaft oder ich“, verkündet Nora ihrem Mann. - Ich kann mich nicht mehr damit zufrieden geben, was die Mehrheit sagt und was sie in Bücher schreiben. Ich selbst muss über all diese Dinge nachdenken und versuchen, sie zu verstehen.“

Nachdem Ibsen ein Stück mit neuer Stimmung (analytisch) geschaffen hatte, "entlud" es es nicht von alltäglichen Details. So beginnt das Stück mit einem Weihnachtsbaum, den Nora am Heiligen Abend gekauft und nach Hause gebracht hat. Weihnachten ist für Katholiken und Protestanten der wichtigste Feiertag des Jahres, es ist die Verkörperung von familiärem Komfort und Wärme. Neben dem Weihnachtsbaum gibt der Dramatiker viele weitere Alltagsdetails. Dies ist Noras neapolitanisches Kostüm, in dem sie auf der Party eines Nachbarn tanzen wird, um dann im selben Kostüm ein entscheidendes Gespräch mit Gelmer zu beginnen. Dies ist der Briefkasten, in dem sich ein aufschlussreicher Brief des Wucherers befindet, Ranks Visitenkarte mit einem Zeichen seines bevorstehenden Todes. Nora verlässt Gelmer und möchte nur die Dinge mitnehmen, die sie bei ihrer Hochzeit von zu Hause mitgebracht hat. Sie ist „befreit“ von den Dingen des „Puppenhauses“, von allem, was ihr unaufrichtig, fremd vorkommt. In vielen Details versuchte Ibsen die „Vermüllung“ des Lebens im Hause Helmer darzustellen. Gleichzeitig helfen diese Details des Subtextes dem Leser und dem Betrachter, die Essenz des Geschehens zu verstehen.In seiner Rede bei seiner Feier im Norwegischen Frauenbund im Jahr 1898 sagte der Schriftsteller: „Danke für den Toast, aber Ich muss die Ehre ablehnen, bewusst zur Frauenbewegung beizutragen. Ich habe nicht einmal das Wesentliche verstanden. Und die Sache, für die Frauen kämpfen, scheint mir universell zu sein ... "

Als die kühnsten zu Ibsens Zeiten galten Noras Äußerungen und Handlungen am Ende des Stücks, als Gelmer sie aus Angst, dass seine Frau die Familie verlassen könnte, an ihre Pflichten gegenüber ihrem Mann und ihren Kindern erinnert. Nora erwidert: „Ich habe andere Pflichten und dieselben Heiligen. Pflichten mir selbst gegenüber." Gelmer greift auf das letzte Argument zurück: „Zunächst einmal sind Sie eine Frau und eine Mutter. Das ist das Wichtigste." Nora antwortet (an dieser Stelle gab es Applaus): „Ich glaube nicht mehr daran. Ich denke, dass ich zuallererst ein Mensch bin, genau wie du … oder zumindest darauf achten sollte, ein Mensch zu werden.“

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert zur Fahne des Feminismus geworden, erregt Ibsens Stück hundert Jahre später kein Interesse mehr dort, wo es einst tosenden Beifall fand, also in Norwegen, in Russland und natürlich auch in anderen Ländern. Natürliche Frage: warum? Sind alle Probleme, die Nora dazu gebracht haben, sich so zu verhalten, verschwunden? Vielleicht weil es in der Nora um einen Sonderfall des Befreiungskampfes des Individuums geht? "A Doll's House" ist jedoch ein Stück, das die Diskrepanz zwischen einem äußerlich erfolgreichen Leben und seiner inneren Not zeigt. Vielleicht das Problem der Befreiung des Menschen in frühes XXI Jahrhundert so wie es in Ibsens Schauspiel inszeniert wird, wirkt es weit hergeholt, heißt es in unserem: "Eine Dame ist wahnsinnig fett". schweres Leben nicht bevor.

Neben der Aufmerksamkeit für das Schicksal der Hauptfigur gibt es noch ein weiteres wichtiges Thema in dem Stück. Laut F. M. Dostojewski ist die Verwandlung der Menschheit in gedankenlose und gelassene Puppen, die den Puppenspielern gehorchen (wie im Stück: Gelmer - Nora), eine schreckliche Gefahr. Auf der Skala der Zivilisation führt das „Spielen mit Puppen“ zur Schaffung totalitärer Regime und zum Tod ganzer Nationen. Aber Ibsen kann diese Schlussfolgerungen natürlich nicht ziehen. Die Familie ist für ihn die Gesellschaft, ihr Abdruck. Und dem kann man nur zustimmen.

Ibsens Dramen, die durch alle Theater der Welt gingen, hatten einen starken Einfluss auf das Weltdrama. Das Interesse des Künstlers an geistiges Leben Helden und ihre Kritik an der gesellschaftlichen Realität werden an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert zu Gesetzmäßigkeiten des fortgeschrittenen Dramas.

Schade, dass es heute fast keine Stücke von G. Ibsen im Repertoire unserer Theater gibt. Nur gelegentlich hört man Edvard Griegs Musik zu einem anderen Ibsen-Werk – dem damit verbundenen Drama „Peer Gynt“. Volkskunst, mit der Welt der Märchen. Das charmante Bild von Solveig, tief philosophische Bedeutung Dramen zogen die Aufmerksamkeit aller Schönheitsliebhaber auf Peer Gynt.

B. Shaw – der Gründer der „Fabian Society“ – wartete auf die Ablösung des Kapitalismus durch den Sozialismus. Angefangen als Theaterkritiker. Der Beginn der literarischen Tätigkeit ist mit dem unabhängigen Theater von J. Gray verbunden, das den Zuschauer in moderne Stücke einführte (damals gab es Shakespeare-Stücke in allen Theatern und "gut gemachte" Alltagsstücke; Gray inszenierte Ibsen, Tschechow, B. Show ). 1925 erhielt er den Nobelpreis für Literatur.

B. Shaw behauptet neuer Typ Drama ist intellektuell. Der Hauptort ist nicht Intrige, sondern Diskussion. Er reflektierte seine Ansichten in dem Werk "Die Quintessenz des Ibsenismus" und erklärte sich selbst zum Anhänger Ibsens. Er stellte die Aufgabe, die Gesellschaft zu reformieren, daher der soziale, öffentliche Klang des Stücks.

Die Hauptaufgabe des Dramatikers ist es, auf die Gegenwart zu reagieren. Das Problem der Familie und der Gleichstellung der Frau.

Shaws eigener Held ist ein Mann, der das Leben realistisch betrachtet. Der Gegensatz zwischen Realist und Idealist – Ibsens beste Stücke bauen auf diesem Gegensatz auf. Der Idealist setzt eine Maske auf, um der Realität nicht ins Gesicht zu sehen, der Realist sieht der Realität ins Gesicht.

Die neue Moral orientiert sich an den menschlichen Bedürfnissen. Die Show widersetzt sich ästhetischen Normen. Die Quintessenz besteht in der Leugnung aller Normen.

Die Show ringt mit Shakespeare: "Ibsen befriedigt ein Bedürfnis, das von Shakespeare nicht befriedigt wird." Das Shakespeare-Thema bleibt durch Kontroversen bestehen (eine Reihe von Essays: "Vorwürfe des Barden", "Shakespeare Forever", "Is Shakespeare the Best?"). Die Show stellt sich gegen den Shakespeare-Kult, seine Nachahmung; seine Technik gilt als veraltet. Das Ergebnis der Kontroverse mit Shakespeare ist „Sheks vs. Shev“.

Drama Diskussion. Keine Helden, sondern Ideen. Jede Figur ist Träger der These. Äußere Konflikte weichen inneren. Eine besondere Rolle spielt der Dialog – dynamisch, scharf, problematisch, geht über die Handlung hinaus. (Ibsen gilt als Schöpfer des philosophischen „Dramas der Ideen“)

Die Sendung sieht nicht die Aufgabe, Freude zu bereiten, er will in die Diskussion hineinziehen, den Leser aktiv machen. (Darin steht er Ibsen nahe, dessen Aufgabe es ist, den Zuschauer zum Mitautor des Stücks zu machen; der Konflikt der Ideen sollte sich durch den Konflikt der wirklichen Interessen der Menschen manifestieren).

Shaws Entdeckung: das Vorhandensein eines Paradoxons in den Stücken. 2 Arten von Paradoxen: 1) widerspricht dem akzeptierten Standpunkt; 2) interner Widerspruch (Shaw hat oft Typ 1). Shaws Aufgabe ist es, den Geist des Lesers mit Hilfe von Paradoxien von Stereotypen zu befreien. Unsinn (Unsinn). Shaws Paradox ist immer sozial gerichtet. Paradox ist nicht nur durch die Dialoge, sondern auch durch das Verhalten der Charaktere.

Umfangreiche Bemerkungen, von denen jede wichtig ist (in der Nähe eines Prosatextes). Shaws Stücke sind nicht nur inhaltlich innovativ, sondern auch inhaltlich (ein neuer Ansatz zur Dramaturgie). In vielen Stücken steht die weibliche Figur im Mittelpunkt der Erzählung ( philosophische Theorie Lebenskraft).

Shaws Neuerung: ausführliche Bemerkungen, keine Liste Schauspieler, weibliche Bilder im Vordergrund ein Extra-Handlungsheld (das Epos durchdringt das Drama).

Wie Ibsen nutzte Shaw die Bühne, um seine sozialen und moralischen Ansichten zu fördern, und füllte seine Stücke mit scharfen, angespannten Diskussionen. Er hat jedoch nicht nur, wie Ibsen, Fragen aufgeworfen, sondern auch versucht, sie zu beantworten, und zwar wie ein Schriftsteller voller historischem Optimismus.

Ibsen hat das Leben hauptsächlich in düsteren, tragischen Farben dargestellt. Die Show ist sogar wo spöttisch wir redenüber etwas ganz Ernstes. Er steht der Tragödie ablehnend gegenüber und widersetzt sich der Katharsis-Lehre. Laut Shaw sollte ein Mensch das Leiden nicht ertragen und ihm "die Fähigkeit nehmen, die Essenz des Lebens zu entdecken, Gedanken zu wecken, Gefühle zu erziehen". Die Show schätzt die Komödie sehr und nennt sie "die raffinierteste Form der Kunst". In Ibsens Werk verwandelt es sich laut Shaw in eine Tragikomödie, „in ein Genre, das sogar noch höher steht als die Komödie“.

Alle Helden Ibsens "gehören der Komödie an, sie sind nicht hoffnungslos, weil er, indem er sie zeigt, die falschen Konstruktionen des Intellekts kritisiert, und alles, was den Intellekt betrifft, kann geheilt werden, wenn der Mensch lernt, besser zu denken." Comedy, so Shaw, leugnet Leiden und erzieht den Zuschauer zu einer vernünftigen und nüchternen Haltung gegenüber der Welt um ihn herum.

Wie Ibsen ist auch Shaw ständig bestrebt, die effektivsten Wege und Mittel der Repräsentation zu finden. Mit dem „Bild des Lebens in den Lebensformen selbst“ ist er schon früh recht zufrieden. Später kommt er zu dem Schluss, dass dieses Prinzip den Inhalt der philosophischen Diskussion „verschleiert“ und sich auf verallgemeinerte konventionelle Kunstformen bezieht, die laut Shaw am besten für intellektuelles Drama geeignet sind. Deshalb sind in Shaws Dramaturgie die unterschiedlichsten Formen der Schauspielkunst so stark vertreten, von gesellschaftskritischen und sozialphilosophischen Stücken bis hin zu Farcen und „politischen Extravaganzen“ – dem Genre des witzig-phantastischen Schauspiels des späten 18 wiederbelebt. -Anfang XIX v.

Kapitel XVI.

BERNARD SHOW: "INTELLIGENTES THEATER"

Die ersten zwanzig Jahre: von Dublin nach London. - Showkritiker: im Ringen um ein neues Theater. —« Unangenehme Spiele: Witwerhaus,« Mrs. Warren's Profession - Am Ende des Jahrhunderts: Angenehme Spiele und« Drei Stücke für Puritaner. - Anfang des Jahrhunderts: neue Themen, neue Helden. - "Pygmalion": Galatea in moderne Welt. - Erste Weltkrieg: "Ein Haus, in dem Herzen brechen." — Zwischen den beiden Weltkriegen: später Shaw. — Shaws dramatische Methode: die Musik der Paradoxien.

Meine Art zu scherzen ist, die Wahrheit zu sagen.

George Bernard Shaw war mehr als ein großartiger Schriftsteller, ein innovativer Dramatiker, der zum Klassiker wurde. auf globaler Ebene. Seine Witze und Paradoxien wurden in die ganze Welt verstreut. Sein Ruhm war so groß, dass er einfach G.B.S. genannt wurde; er wurde von denen gehört, die seine Stücke nie gesehen oder gelesen hatten. Wie seine berühmten Landsleute W. Churchill, B. Russell und G. Wells war er ein großer Engländer, dessen Präsenz in seinem Leben mehrere Generationen mit patriotischem Stolz empfanden.

Die ersten zwanzig Jahre: von Dublin nach London

"Der rotbärtige irische Mephistopheles" - so genannt Bernard Shaw von seinem Biografen E. Hughes. Das Wort "irisch" ist hier sehr bedeutsam. Bernard Shaw war mit seiner Heimat tief verbunden, er widmete ihr sein Theaterstück John Bull's Other Island (1904). Bis 1922 blieb Irland tatsächlich eine britische Kolonie. "Green Island" hat viele satirische Autoren hervorgebracht, die mit scharfem kritischem Blick ausgestattet und mit Heuchelei und Falschheit unvereinbar sind: D. Swift, R. Sheridan, O. Wilde und natürlich B. Shaw. Und später – der große James Joyce, der Autor von „Ulysses“, und zwei Nobelpreisträger – der Dichter W. Yeats und der Dramatiker S. Beckett, einer der Begründer des „Drama des Absurden“.

Dublin: der Beginn der Reise. George Bernard Shaw (George Bernard Shaw. 1S56-1950), geboren in Dublin, gehörte zu jener keineswegs kleinen Kategorie von Schriftstellern, die Anerkennung fanden, nachdem sie in jungen Jahren durch Dornen gegangen und Schicksalsschläge erlebt hatten. Obwohl die Vorfahren des Dramatikers einer Adelsfamilie angehörten, war sein Vater ein bescheidener Kaufmann und eigentlich ein Versager, was seinen Charakter beeinflusste und seine Weinsucht bestimmte. Sein Sohn sah ihn selten nüchtern. Die Mutter, die erfolglos mit der Sucht ihres Mannes zu kämpfen hatte, war gezwungen, die Familie zu unterstützen. Sie lehrte! Musik, sang, dirigierte den Chor. Zu den zahlreichen Talenten des zukünftigen Dramatikers gehört die von seiner Mutter geerbte Musikalität. Der Vater lehrte seinen Sohn, auf die Probleme des Lebens mit Spott oder Ironie zu reagieren.

Die Situation in der Familie war nicht einfach, die Kinder waren sich selbst überlassen. Später, als er sich seinen 90ern näherte, erinnerte sich Shaw; „Ich war nicht glücklich in Dublin, und wenn Geister aus der Vergangenheit auftauchen, möchte ich sie mit einem Schürhaken zurücktreiben.“ Die Kindheit war "schrecklich", "ohne Liebe".

Shaws Kindheit fiel mit dem Aufstieg des Befreiungskampfes in Irland zusammen. 1858 entstand die "Irish Revolutionary Brotherhood"; manchmal wurden seine Mitglieder "Fenianer" genannt. 1867 brach in Dublin ein Aufstand aus, der rücksichtslos niedergeschlagen wurde. Shaw nannte sich selbst einen jungen Fenianer.

Bernard Shaw war in der Tat Autodidakt. Er begann im Alter von 4-5 Jahren zu lesen und beherrschte ziemlich schnell alle englischen Klassiker, insbesondere Shakespeare und Dickens, sowie Werke der Weltliteratur. Mit 11 Jahren wurde er auf eine evangelische Schule geschickt, wo er nach eigenen Angaben der vorletzte oder letzte Schüler war. Weniger als ein Jahr später wechselte er an die English School of Science and Commerce, die er im Alter von 15 Jahren abschloss: School B, Shaw betrachtete die erfolgloseste Phase seiner Biografie. Nach seinem Abschluss arbeitete Shaw für eine Immobilienagentur. Zu seinen Aufgaben gehörte das Eintreiben von Mieten von den Bewohnern der ärmsten Viertel der irischen Hauptstadt. Aber natürlich konnte er bürokratische Pflichten nicht ernst nehmen. Spirituelle, intellektuelle Interessen haben ihn bereits überwältigt. Er las unersättlich, liebte Politik.

1876 ​​ereignete sich ein schicksalhaftes Ereignis in Shaws Leben: Er kündigte die Agentur und trat zurück. verließ Irland und zog nach London. "Die Arbeit meines Lebens war aufgrund meiner irischen Erfahrung unmöglich in Dublin auszuführen." erklärte er später.

Frühe Jahre in London. In der Hauptstadt bekam Shaw einen Job bei einer Telefongesellschaft, aber sein Einkommen war so gering, dass er bald kündigte. Shaw sprach darüber mit Ironie: „Das Telefonepos endete 1879, und im selben Jahr begann ich mit dem, was jeder literarische Abenteurer damals begann und viele bis heute beginnen. Ich habe einen Roman geschrieben."

Der Roman hieß An Unreasonable Liaison (1880), gefolgt von zwei weiteren: An Artist's Love (1S8S) und Cashel Byron's Profession (1S83). Letzterer widmete sich dem Profisport, dem Boxen. Shaw betrachtete Sportarten wie Boxen, Golf und Fußball als unvernünftig, was nur darauf hindeutet, dass die Menschheit unaufhaltsam erniedrigt wird.

Romane, die an Verlage geschickt wurden, wurden abgelehnt.Shaw hatte keinen Namen oder Unterstützung; Er erhielt über 60 Absagen. Später wurden seine Romane von gebührenfreien sozialistischen Zeitungen mit kleiner Auflage veröffentlicht.

Zu dieser Zeit lebte Shaw in Armut und lebte von Gelegenheitsjobs. Manchmal half ihm seine Mutter, 1885 erschien sein erster Artikel in der Presse.

Fabian. In London interessierte sich Shaw für Politik. Er erklärte seine Ankunft in der Hauptstadt insbesondere damit, dass er sich der Weltkultur anschließen musste. Und bald bewies er es mit seiner Kreativität, seinem Engagement für die neuesten künstlerischen Trends. Gleichzeitig wurde der Kreis seiner öffentlichen Interessen entscheidend erweitert. Die Show zeigte ein wachsendes Interesse an sozialistischen Ideen, was leicht vorhersehbar war: Eine Person, die Arbeitslosigkeit und Armut aus erster Hand kannte, konnte nicht umhin, eine Gesellschaft zu kritisieren, in der Heuchelei und Profitkult regierten.

Die Show trifft auf die bekannten Ideologen des reformistischen Sozialismus, Sydney und Beatrice Webb, und schließt sich der von ihnen gegründeten Fabian Society an, benannt nach Fabius Maximus (Cunctator), einem römischen Feldherrn, dessen Name als Verkörperung der Langsamkeit ein Begriff geworden ist Vorsicht. Die Fabianer wurden die Ideologen der englischen Version des „demokratischen Sozialismus“.

Shaw war viel radikaler als die orthodoxen Fabianer. Er war in den Reihen friedlicher Demonstrationen zu sehen, er sprach auch bei Kundgebungen, insbesondere im Hyde Park. „Ich bin ein Mann von der Straße, ein Agitator“, sagte er über sich.

V. I. Lenin sagte, dass Shaw „ein guter Kerl ist, der in die Mitte der Fabianer gefallen ist. Er ist viel weiter links als alle um ihn herum.“ Diese Bemerkung von V. I. Lenin gilt seit langem als grundlegend für russische Showexperten.

Einer der Zeitgenossen des Dramatikers erinnerte sich, wie er Shaw in der Bibliothek des Fabian Museums sah: Er studierte gleichzeitig Marx' Kapital und die Partitur von Wagners Oper Das Rheingold. Diese Kombination ist die ganze Show! Er war ein Kunstmensch, ein Freigeist, ein Individualist, der sich einer strengen, dogmatischen Theorie nicht ganz unterwerfen konnte. Shaw schrieb über politische Themen, während er eine besondere scherzhaft humorvolle oder offen paradoxe Intonation an den Tag legte.

In diesen Jahren wurde Shaw ein brillanter Redner, er lernte, jeden ernsthaften Gedanken auf einfache und prägnante Weise zu präsentieren. Die Erfahrung des öffentlichen Redens spiegelte sich dann in seiner Arbeit wider - in der Schaffung von Theaterstücken und Diskussionen.

Show-Kritiker: Im Ringen um ein neues Theater

Shaw kam relativ spät zur Dramaturgie, nachdem er sich bereits ab Mitte der 1880er Jahre als origineller Theater- und Musikkritiker einen Namen gemacht hatte. Die Show liebte das Theater, lebte es. Er selbst besaß zweifellos schauspielerische Daten, er las seine Stücke besser als sie.

Shaws Arbeit an seinen ersten Stücken ging Hand in Hand mit der intensiven Arbeit eines Theaterkritikers.

In den 1880er Jahren war die Lage im englischen Theater alarmierend. Das Repertoire bestand aus zwei Teilen. Moderne Themen wurden hauptsächlich von französischen Autoren (Dumas, Sardou) präsentiert, Stücke mit Komödien- und Unterhaltungscharakter, leichte Melodramen, die das bürgerliche Publikum vom Ernst abbringen sollten Lebensprobleme. Das klassische Repertoire beschränkte sich auf die Werke Shakespeares, die Inszenierungen seiner Stücke waren brillant. Shaw bewunderte seinen großen Vorgänger und argumentierte gleichzeitig mit ihm auf Augenhöhe. Diese Kontroverse setzte sich während des gesamten Lebens des Dramatikers fort. Er wollte England vor Jahrhunderten der "sklavischen Unterwerfung" unter Shakespeare "retten", weil er glaubte, dass die Probleme seiner Werke der Vergangenheit angehören. Die Show träumte von einem problematischen, intellektuellen, ernsthaften, an die Gegenwart gerichteten Theater, in dem intensive Diskussionen nicht abkühlten, das Aufeinanderprallen der Standpunkte der Figuren nicht aufhörte. A. G. Obraztsova schreibt, dass das Theater der Zukunft seiner Ansicht nach "aufgefordert war, eine kreative Vereinigung auf einer neuen Ebene zwischen der Theaterkunst - der Kunst der geschlossenen Theaterbühnen und dem Oratorium - der Kunst der Straßen und Plätze, der Marktschreier und Tribünen zu schließen."

"Heroischer Schauspieler" Shaw befürwortete leidenschaftlich ein "offenes Theater der Lehre". Dies bedeutete jedoch keineswegs, dass er, während er die voreingenommene Kunst verteidigte, deren ästhetischen Charakter ignorierte oder der Bühne die Funktion einer einfachen Propaganda aufzwingen wollte. Shaw versuchte jedoch eindeutig, die soziale und erzieherische Funktion des Theaters zu betonen, seine Fähigkeit, nicht nur die Seelen und Emotionen des Publikums, sondern auch seinen Verstand zu beeinflussen.

Shaw formulierte sein Grundprinzip wie folgt: „Drama macht Theater, nicht Theater macht Drama.“ Er glaubte, dass von Zeit zu Zeit „ein neuer Impuls in der dramatischen Kunst geboren wird“ und suchte dies in seinen Stücken zu verwirklichen.

Der Dramatiker billigte keine Schauspieler, die nur nach Selbstdarstellung suchten, wofür er eines der Idole der Schauspielszene kritisierte - Henry Irving. Shaws Ideal war der heldenhafte Schauspieler, frei von Wichtigtuerei, falschen Emotionen, falscher Freude und Leid. „Jetzt braucht es Helden, in denen wir uns wiedererkennen können“, betonte Shaw. Ein solches Bild könnte von einem Schauspieler verkörpert werden, der nicht nur eine feine emotionale Organisation besitzt, sondern auch einen Intellekt, eine soziale Einstellung. Es war notwendig, einen Helden zu zeigen, in dem "Leidenschaften die Philosophie entstehen lassen ... die Kunst, die Welt zu regieren", und nicht nur zu "Hochzeiten, Prozessen und Hinrichtungen" führen. Shaws moderner Held war einer, dessen persönliche Loyalität durch "breitere und seltenere öffentliche Interessen" ersetzt wurde.

"Die Quintessenz des Ibsenismus". Shaw wählte Ibsen als seinen Verbündeten. Er wurde ein leidenschaftlicher Förderer des großen Norwegers in England, wo seine Stücke später als in anderen europäischen Ländern auf die Bühne kamen. Shaw sprach mit lebhafter Sympathie über Ibsen, sah in ihm einen Erneuerer, der der Dramaturgie jene frische Richtung gab, die die moderne Bühne brauchte, einen Künstler, der "ein Bedürfnis befriedigte, das Shakespeare nicht befriedigte". Shaws zahlreiche Artikel und Rezensionen über den Autor von A Doll's House wurden in seinem Buch The Quintessence of Ibsenism (1891) gesammelt. Shaw interpretierte Ibsens Dramen und schrieb ihm seine eigenen ästhetischen Ansichten zu. Wie ein Kritiker treffend bemerkte, stellte er sich vor, „was Ibsen denken würde, wenn er Bernard Shaw wäre“. Nach dem Treffen mit Ibsen begann das „Vor-Ibsen-Spiel“ bei ihm „zunehmende Irritation und Langeweile“ zu verursachen. Ibsen half Shaw zu verstehen, wie wichtig das Stück ist, in dem "die Probleme, Charaktere und Handlungen der Charaktere berührt und diskutiert werden, die für das Publikum selbst von direkter Bedeutung sind". Ibsens Haupterneuerungen hängen damit zusammen. Er habe „die Diskussion eingeführt und ihre Rechte erweitert“, so dass sie „in das Geschehen eingedrungen und schließlich mit ihm verschmolzen“ sei. Gleichzeitig schien das Publikum in die Diskussionen einbezogen, geistig daran beteiligt zu sein. Diese Bestimmungen galten gleichermaßen für die Poetik von Shaw selbst.

Musikkritiker: "Ein echter Wagnerianer." Eine andere Richtung in Shaws Tätigkeit war die Musikkritik. Er spürte und begriff auf seine Art das für die Jahrhundertwende so wichtige Zusammenspiel verschiedener Kunstgattungen: Malerei, Literatur, Musik. Shaw schrieb mit Gründlichkeit und Professionalität über die großen klassischen Komponisten Beethoven und Mozart. Aber sein Idol, dem er viele Werke widmete, war Richard Wagner (1813-13).

Für Shaw stehen die Namen Ibsen und Wagner nebeneinander: ersterer war Reformer des Dramas, letzterer der Oper. In The True Wagnerian (1898) schrieb Shaw: „… Als Ibsen das Drama am Genick packte, während Wagner die Oper packte, musste sie wohl oder übel vorwärts gehen …“ Wagner war auch „der Meister des Theaters." Ihm gelang die Verschmelzung von Musik und Wort, hatte einen enormen, noch nicht ganz bedeutungsvollen Einfluss auf die Literatur. Für Shaw war die tiefe, philosophische Bedeutung von Wagners Werk offensichtlich, in dessen musikalischen Dramen bestimmte Ereignisse nicht so sehr dargestellt, sondern ihre Essenz zum Ausdruck gebracht wurden. Gleichzeitig wurde die Musik selbst zu einer Handlung, die die gewaltige Kraft menschlicher Leidenschaften vermittelt.

"Unangenehme Stücke": "Witwerhaus", "Mrs. Warrens Beruf"

"Freies Theater". Die Entstehung des "neuen Dramas" am Ende des 19. Jahrhunderts. begleitet von einer theatralischen Revolution. Es wurde vertreten durch das "Freie Theater" (1887-1896) A. Antoine in Frankreich, die literarische und theatralische Gesellschaft "Freie Bühne" (1889-1894) O. Brama in Deutschland, das "Unabhängige Theater" (1891-1897) in England, organisiert von J. T. Grein, wo öfter europäische Theaterstücke aufgeführt wurden Englische Dramatiker. In diesem Theater erblickte 1892 Shaws erstes Stück The Widower's House das Licht der Bühne. Shaw wandte sich jedoch viel früher der Dramaturgie zu: 1885 komponierte er zusammen mit dem Kritiker und Übersetzer von Ibsen W. Archer ein Theaterstück. Später wurde dieses Stück in überarbeiteter Form in den Zyklus Unangenehme Spiele (1898) aufgenommen.

"Unangenehme Spiele". Im Vorwort zum Zyklus schrieb Shaw: „I use here dramatische Handlung um den Betrachter zum Nachdenken über einige unangenehme Tatsachen zu bringen ... Ich muss meine Leser warnen, dass sich meine Kritik gegen sie selbst richtet und nicht gegen Bühnenfiguren ... "

Shaw stellte seinen Stücken oft lange Vorworte voran, in denen er seine Absicht direkt erklärte und die Charaktere charakterisierte. Wie sein großer Zeitgenosse G. Wells (zu dem Shaw eine schwierige Beziehung hatte) gab es in Shaws Werken immer ein aufschlussreiches Element. Über die „Witwerhäuser“ schrieb er: „... Ich habe gezeigt, dass die Ehrbarkeit unserer Bourgeoisie und die Aristokratie der jüngeren Söhne aus Adelsfamilien sich von der Armut der städtischen Slums ernährt, wie eine Fliege sich von Fäulnis ernährt. Dieses Thema ist nicht angenehm.

Shaws frühe Stücke lösten einen breiten öffentlichen Aufschrei aus. Sie bestimmten die Hauptparameter seiner dramatischen Metrologie. Die Stücke werfen wichtige gesellschaftliche Fragen auf. Die Bewegung der Handlung wird weniger von Intrigen als vielmehr von einem Meinungsstreit bestimmt. Die Diskussion treibt das Handeln an, bestimmt den inneren Konflikt. Das sorgfältige Studium von Ibsens Texten durch den jungen Shaw ist besonders ausgeprägt in der Anprangerung von Betrug und Heuchelei, die den wahren Sachverhalt verschleiern. Seine Figuren erleben wie die von Ibesnovsky eine Offenbarung.

"Witwerhaus". Das Stück "Widower's House" spiegelte Shaws Eindrücke von seiner Arbeit in Dublin als Mieteintreiber wider. Dies ist ein Stück über die Ausbeutung einiger Menschen durch andere, über die ungerechte Organisation der Gesellschaft mit ihrer offensiven Polarisierung von Reichtum und Vermögen. Daher die Ironie und der bittere Spott des Autors. Die Überschrift ist ironisch und parodiert den Ausdruck „Haus der Witwen“, der auf die Bibel zurückgeht, also die Wohnung der Armen. Der Name des Protagonisten ist ironisch – der Gutsbesitzer, Ausbeuter und Geldfresser Sartorius (von lat. „heilig“). Die Handlung des Stücks ist einfach. Die Hauptereignisse haben einen Hintergrund (wie in einer Reihe von Ibsens Stücken).

Doch während sie sich in Deutschland erholten, lernten der reiche Sartornus und seine Tochter, die charmante Blanche, den jungen englischen Arzt Trent kennen. Blanche und Trent verliebten sich ineinander. Es geht um die Ehe. In London stattet Trent Sartorius einen Besuch ab, aber es gibt einige Komplikationen. Trent erfährt, dass das große Geld seines zukünftigen Schwiegervaters nicht auf rechtschaffene Weise erworben wurde: Sartorius bereicherte sich auf Kosten der Miete, die von den armen Slumbewohnern eingenommen wurde. Die Situation verschlechtert sich nach Trents Gespräch mit Lickcheese, einem von Sartorius gefeuerten Mieteintreiber. Die Geschichte von Likchiz ist eine ergreifende Episode in dem Stück. Lickchees erledigte gewissenhaft seine Arbeit: „Er hat Geld ausgekratzt, wo kein anderer in seinem Leben ausgekratzt hätte ...“ Er zeigt Trent eine Tüte Geld und sagt: „Hier ist jeder Cent mit Tränen vergossen: Er würde Brot kaufen ein Kind, weil das Kind hungrig ist und vor Hunger weint - und ich komme und reiße ihnen den letzten Groschen aus der Kehle “, Likchiz schämt sich für eine solche Arbeit, kann sie aber nicht ablehnen, da in diesem Fall seine eigenen Kinder außen vor bleiben brot.

Die Gier von Sartorius ist grenzenlos. Als Likchiz ohne Wissen des Besitzers die Treppe für ein paar Cent repariert, weil ihre Notlage den Mietern Verletzungen droht, feuert Sartorius ihn. Lickcheese bittet Trent, ein gutes Wort für ihn einzulegen, aber das ärgert den jungen Mann, der aufrichtig glaubt, dass sein zukünftiger Schwiegervater "ganz recht" hat. In seiner Zurechtweisung an Trent, das "unschuldige Lamm", trägt Lickcheese zur Charakterisierung von Sartorius als "dem schlimmsten aller Grundbesitzer in London" bei. Wenn Likchiz den unglücklichen Mietern „lebend die Haut abgerissen“ hätte, dann wäre Sartorius selbst das nicht ausreichend erschienen. In Zukunft "entlarvt" der Dramatiker Trent selbst. Der Held ist bereit, Blanche ohne das Geld ihres Vaters zu heiraten, um mit ihr von seinem eigenen unabhängigen Einkommen zu leben, dessen Quelle alle die gleichen Slumhäuser sind, da das Land, auf dem sie gebaut sind, seiner reichen Tante gehört.

Helden sind durch gegenseitige Verantwortung verbunden. Likcheese, wieder eingestellt bei der Arbeit, hilft Sartorius dabei, einen weiteren profitablen Betrug zu "kurbeln". „Im Finale fasst Trent, ohne Blanches Mitgift aufzugeben, das Geschehene zusammen: „Es sieht so aus, als wären wir hier alle eine Bande!“

"Frau Warrens Beruf". Shaws zweites Stück, The Heartbreaker (1893), war nicht erfolgreich, aber das dritte, Mrs. Warren's Profession (1894), sorgte für Aufsehen. Die Zensur verbot seine Produktion in England, da das Thema Prostitution als unmoralisch galt.

Tatsächlich gab es in dem Stück keine Unmoral, geschweige denn Erotik. Das Problem, das in der ursprünglichen Handlung erkannt wurde, wurde behandelt sozialer Aspekt Sie wuchs aus tiefer Verderbtheit heraus moderne Gesellschaft. Diese Idee wird von Shaw direkt ausgedrückt: "Die einzige Möglichkeit für eine Frau, ihre Existenz zu sichern, besteht darin, ihre Liebkosungen einem Mann zu geben, der es sich leisten kann, sie zu unterstützen."

Das ewige Thema der Literatur – der Konflikt zwischen den Generationen von Vätern und Kindern – erscheint bei Shaw als Konflikt zwischen Mutter und Tochter. Die Hauptfigur Vivi ist ein junges Mädchen, das in einer Pension gut aufgewachsen ist und in London lebt, weit weg von ihrer Mutter, die in Europa lebt. Vivi bis zu einem gewissen Grad Typ " neue Frau". Sie ist eine fähige Mathematikerin, unabhängig, klug, selbstbewusst, nicht „besessen“ von der Ehe, kennt den Preis eines hübschen, aber im Wesentlichen leeren Frank, der in sie verliebt ist.

Dieses Stück hat, wie Widower's Houses, eine Höhepunktszene, in der Vivi danach ihre Mutter Kitty Warren trifft für lange Jahre Trennung.

Nachdem sie ihre Mutter gefragt hat, was sie tut, was die Quellen ihres beachtlichen Einkommens sind, hört Vivi ein schockierendes Geständnis. Als Mrs. Warren offenbart, dass sie die Besitzerin eines Netzwerks von Bordellen in europäischen Hauptstädten ist, bittet eine aufrichtig empörte Vivi ihre Mutter, auf eine solche Einnahmequelle zu verzichten, was jedoch entschieden abgelehnt wird.

Grundsätzlich wichtig Lebensgeschichte von Mrs. Warren zu ihrer Tochter erzählt. In der Familie von Kitty Warrens Eltern gab es vier Töchter: zwei von ihnen, sie und Liz, waren interessante, hübsche Mädchen, die anderen beiden hatten ein diskretes Aussehen. Die Not zwang sie, früh ans Geldverdienen zu denken. Diejenigen der Schwestern, die den üblichen Weg für anständige Mädchen wählten, endeten schlecht. Eine arbeitete zwölf Stunden am Tag für einen mageren Lohn in einer Bleiweißfabrik, bis sie an einer Bleivergiftung starb. Sie hat sich die zweite Mutter zum Vorbild genommen, weil sie einen Arbeiter in einem Lebensmittellager geheiratet hat, ihre drei Kinder für mehr als bescheidenes Geld sauber und ordentlich gehalten hat. Aber am Ende fing ihr Mann an zu trinken: "War es das wert, um ehrlich zu sein?" fragt Missy Warren.

Kitty Warren begann ihre Karriere als Tellerwäscherin in einem Mäßigkeitsrestaurant, bis sie ihre Schwester, die hübsche Lizzie, kennenlernte. Sie überzeugte sie davon, dass Schönheit eine Ware ist, die sich gewinnbringend verkaufen lassen muss. Beginnend mit Einzelhandwerk eröffneten die Schwestern, nachdem sie ihre Ersparnisse zusammengelegt hatten, ein erstklassiges Bordell in Brüssel. Mit Hilfe eines neuen Partners, Crofts, erweiterte Kitty ihr "Geschäft" und gründete Niederlassungen in anderen Städten. Die kluge Vivi nimmt die Argumente ihrer Mutter zur Kenntnis und gibt zu, dass sie "völlig Recht hat, und zwar aus praktischer Sicht". Und doch akzeptiert sie im Gegensatz zu Doctor Trent ("Widower's House") nicht die Philosophie des "schmutzigen Geldes". Sie weist auch die Belästigung durch den reichen Crofts zurück, der ihr eine finanziell vorteilhafte Ehe anbietet.

Vivi ist bei weitem die attraktivste Figur im Stück. Es weckt Assoziationen zu Ibsens Helden, in denen die Sehnsucht nach Wahrheit und Gerechtigkeit unübersehbar ist. Am Ende des Stücks bricht Vivi mit ihrer Mutter: Sie wird ihren eigenen Weg gehen, in einem Notariat arbeiten, ihr Leben mit ehrlicher Arbeit gestalten, sich auf ihren Willen verlassen, ohne ihre moralischen Grundsätze zu gefährden. Aber so bösartig Kitty Warren, Crofts und ihresgleichen auch sein mögen, aus der Logik der dramatischen Handlung folgt, dass nicht nur sie bösartig sind: "Die Gesellschaft, nicht irgendein Individuum, ist der Bösewicht in diesem Stück."

Um die Jahrhundertwende: „Angenehme Spiele“ und „Drei Spiele für Puritaner"

Zwei Jahrzehnte – von der Veröffentlichung von „Unpleasant Plays“ bis zum Ende des Ersten Weltkriegs – eine fruchtbare Etappe im Schaffen von Shaw. Zu dieser Zeit erblickten seine besten Arbeiten, thematisch vielfältig und außergewöhnlich in der Struktur, das Licht der Welt. Shaws zweiter Zyklus hieß Pleasant Pieces. Waren im vorherigen Zyklus die sozioökonomischen Grundlagen der Gesellschaft Gegenstand der Kritik, so werden diesmal die ideologischen Mythen, Illusionen und Vorurteile kritisiert, die fest in den Köpfen der Landsleute des Dramatikers verwurzelt sind. Ziel der Show war es, von der Notwendigkeit einer nüchternen Betrachtung der Dinge zu überzeugen, das öffentliche Bewusstsein zu entmythologisieren.

Der Zyklus umfasste vier Stücke: Arms and Man (1894), Candida (1894), Destiny's Chosen One (1895), Let's wait and see (IS95).

Ausgehend von diesem Zyklus umfasst Shaws Arbeit ein antimilitaristisches Thema, das in diesen Jahren äußerst relevant war.

Eine der Richtungen von Shaws Satire war "Entheroisierung". starke Persönlichkeiten der Ruhm auf dem Schlachtfeld erlangte. So ist das Stück "Der Auserwählte des Schicksals", das den Untertitel "Kleinigkeit" trägt. Die Handlung darin spielt 1796 in Italien, ganz am Anfang der glänzenden Karriere des Protagonisten Napoleon. Die Show reduziert bewusst das Image des Kommandanten. In einem ausführlichen Vorwort zum Stück erklärt der Autor; Napoleons Genialität bestand darin, die Bedeutung der Artilleriekanonade für die Vernichtung so vieler Menschen wie möglich zu verstehen (im Vergleich zu Gewehr- und Bajonettkämpfen). Französische Soldaten plündern in Not und handeln wie Heuschrecken in Italien.

Das Stück ist spielerisch geschrieben und weit davon entfernt, zu folgen historische Fakten. In den Mund von Napoleon legte Argumente über seinen Hauptgegner - England, das Land der "Menschen mittleren Alters", "Ladenbesitzer". Napoleon spricht von englischer Heuchelei. In seinem Monolog sind Stimme und Intonation von Shaw selbst zu erkennen: „Die Engländer sind eine besondere Nation. Kein Engländer kann so tief sinken, dass er keine Vorurteile hat, oder so hoch steigen, dass er von ihrer Macht befreit ist ... Jeder Engländer ist von Geburt an mit einer wundersamen Fähigkeit ausgestattet, dank derer er zum Herrn der Welt wurde ... Seine christliche Pflicht ist es, diejenigen zu erobern, die das Objekt seiner Begierde besitzen ... Er tut, was ihm gefällt, und schnappt sich, was ihm gefällt ... "

Die Briten zeichnen sich durch die Fähigkeit aus, die unehrenhaftesten Handlungen mit Verweisen auf die höchsten moralischen Autoritäten zu rechtfertigen und in einer spektakulären Pose einer moralischen Person zu stehen.

„Es gibt keine Gemeinheit und keine Leistung, die ein Engländer nicht vollbracht hätte; aber es gab keinen Fall, dass der Engländer falsch lag. Er tut alles aus Prinzip: er bekämpft dich aus patriotischen Prinzipien, er beraubt dich aus geschäftlichen Prinzipien; versklavt dich aus imperialem Prinzip; droht Ihnen das Prinzip der Männlichkeit; unterstützt seinen König aus dem loyalen Prinzip und schneidet seinen Kopf vom Prinzip des Republikanismus ab.

In dem in Russland unter dem Namen „Chocolate Soldier“ bekannten Stück „Arms and a Man“ spielt die Handlung während des bulgarisch-serbischen Krieges von 1886, der die sinnlose Selbstvernichtung zweier slawischer Völker zur Folge hatte. Der dramatische Konflikt baut auf Shaws charakteristischer Opposition zweier Charaktertypen auf – einem Romantiker und einem Realisten. Der erste ist der bulgarische Offizier Sergei Saranov, ausgestattet mit einem wunderschönen "Byronischen" Aussehen, ein Liebhaber verbaler Rhetorik, kombiniert mit offensichtlichem Gehabe. Ein anderer Typus ist der Söldner Brünchli, ein Schweizer, der bei den Serben diente, ein praktisch denkender Mann, ironisch, ohne jegliche Illusionen. Ihm spricht Rayna Petkova, eine reiche Erbin, ihr Mitgefühl aus. Im Gegensatz zu Saranov, der patriotisches Pathos ausstrahlt, behandelt Brunchli den Krieg als einträglichen, gut bezahlten Job.

Shaws nächste Sammlung, Three Pieces for Puritans (1901), umfasst The Devil's Disciple (1897), Caesar and Cleopatra (IS9S), The Conversion of Captain Brasbound (1899). Der Name des Spitznamens ist nicht wörtlich zu nehmen, er ist eher ironisch. Im Vorwort zum Zyklus erklärt Shaw, dass er seine Stücke denen gegenüberstellt, in denen eine Liebesbeziehung im Mittelpunkt steht. Die Show ist gegen die Leidenschaft, die über die Vernunft triumphiert. Als Verfechter des „intellektuellen Theaters“ sieht sich Shaw als „Puritaner“ mit einer Herangehensweise an die Kunst.

In den Stücken dieses Zyklus wendet sich Shaw historischen Handlungen zu. In dem Drama The Devil's Apprentice, das das für Shaw so wichtige Antikriegsthema fortsetzt, spielt die Handlung in der Ära der Amerikanischen Revolution im 18. Jahrhundert, im Jahr 1777, als die Kolonisten einen Befreiungskampf gegen die englische Krone starteten . Im Mittelpunkt des Stücks steht Richard Dudgeon, voller Hass auf Unterdrückung und Unterdrücker, auf alle Arten von Heuchelei und Heuchelei.

Das Stück "Cäsar und Cleopatra" ist eine dramatische Entwicklung des Themas der Beziehung zwischen dem großen Feldherrn und der ägyptischen Königin. Dieses Stück baut gewissermaßen auf einer internen Polemik mit Shakespeares Tragödie Antonius und Kleopatra auf. Letzteres wird meist als Apotheose romantischer Liebe interpretiert, der staatliche Interessen geopfert wurden. Antonius und Cleopatra in Shakespeare sind leidenschaftliche Liebende, denen der kalte, umsichtige Octavian gegenübersteht. Die Show verändert das Konzept der Helden und konzentriert sich auf die komplexe Beziehung der siegreichen Römer und Ägypter. Cleopatras Handeln wird nicht nur von einem starken Gefühl für Caesar geleitet, sondern auch von politischem Kalkül. Cäsar ist es auch romantischer Held sondern ein nüchterner Pragmatiker. Er kontrolliert seine Gefühle. Und als ihn die Dinge nach Italien rufen, trennte er sich nicht nur von Cleopatra, sondern versprach der Kaiserin auch, einen Ersatz für sich selbst zu schicken – „ein Römer von Kopf bis Fuß, jünger, stärker, kräftiger“, „der sich nicht versteckt Glatze unter den Lorbeeren des Siegers. Sein Name ist Mark Antony.

Shaws Stück wird sozusagen zu einem Prolog zu Shakespeares, dessen Handlung nach dem Tod Caesars spielt, als die ägyptische Königin ihren neuen Liebhaber trifft.

Anfang des Jahrhunderts: neue Themen, neue Helden

In den frühen 1900er Jahren erlangte Shaw weltweiten Ruhm. Auch sein Privatleben ist geregelt. Im Jahr 1898 hatte Shaw gesundheitliche Probleme. Er unterzog sich einer großen Operation am Bein. Die Wunde heilte lange Zeit nicht - sein Körper war durch Überarbeitung und schlechte vegetarische Ernährung geschwächt. Der kranke Schriftsteller wurde von seiner ergebenen Verehrerin Charlotte Payne-Townsend gepflegt, einer Irin, die er in der Fabian Society kennenlernte. Im selben Jahr heirateten sie. Shaw war 42, Charlotte 43. Sie waren 45 Jahre verheiratet, bis Charlotte 1943 starb. Sie hatten keine Kinder. Diese ihre Vereinigung hatte eine ausgeprägte intellektuelle Grundlage. Shaw war ein eigenartiger Mann, nicht ohne Kuriositäten, sein Büro war ein beeindruckender Anblick. Überall, auf dem Tisch, auf dem Boden, stapelten sich Bücher und Manuskripte. Shaw ließ nicht zu, dass sie berührt wurden, aber Charlotte schaffte es, Shaws Leben zu verbessern, Komfort und minimale Ordnung hineinzubringen. Als Charlotte gefragt wurde, ob es für sie einfach sei, mit einem Genie zu leben, antwortete Ogga: „Ich habe nicht mit einem Nicht-Genie gelebt.“

In den 1900er Jahren war Shaw außergewöhnlich kreativ; nacheinander, etwa einmal im Jahr, wurden seine Stücke veröffentlicht, und in keinem von ihnen wiederholte er: "Man and Superman" (1903), "John Bull's Other Island" (1904), "Major Barbara" (1905), Das Dilemma des Arztes (1906), Die Enthüllung von Blasco Posnet (1909), Androklos und der Löwe (1912), Pygmalion (1913).

"Mensch und Übermensch". Das Theaterstück „Man and Superman“ mit dem Untertitel „Comedy with Philosophy“ war ein Erfolg. Dies ist eine Variation der Geschichte von Don Juan, eine Frau ist mit einem aktiven Prinzip ausgestattet, sie verfolgt einen Mann und versucht, ihn mit sich selbst zu verheiraten.

Der Protagonist, John Tanner, ist ein sozialistischer, reicher junger Mann, C.P.K.B. Er ist attraktiv, Frauen fühlen sich zu ihm hingezogen, aber der Held hat Angst vor ihnen und versucht, eine Ehe zu vermeiden. Shaw legt seine Ideen offenbar dem Helden in den Mund, der The Guide und Pocket Guide for Revolutionaries geschrieben hat. Er kritisiert das kapitalistische System und glaubt, dass Fortschritt nicht durch politischen Kampf erreicht werden kann, sondern als Ergebnis einer aktiven „Lebenskraft“ und einer biologischen Verbesserung der menschlichen Natur.

Tanner's Handbook ist voll von witzigen, paradoxen Aphorismen. Hier sind einige davon: „Die goldene Regel ist, dass es keine goldenen Regeln gibt“; „Die Kunst der Regierung liegt in der Organisation des Götzendienstes“; „In einer Demokratie werden viele Unwissende gewählt, während zuvor einige Korrupte ernannt wurden“; „Man kann kein enger Spezialist werden, ohne ein Dummkopf im weitesten Sinne zu werden“; " Der beste Weg Gebildete Kinder sind diejenigen, die ihre Eltern so sehen, wie sie sind.

Das Stück besteht aus zwei Teilen – einer Komödie über John Tanner und einem Zwischenspiel über Doc Juan. Durch den Vergleich dieser Bilder verdeutlicht der Autor die Essenz des Charakters des Protagonisten. Don Juans Leidenschaft für Frauen wird Tanners spirituellem Don Juan gegenübergestellt – seiner Leidenschaft für neue Ideen, seinem Traum vom Übermenschen. Aber er ist nicht in der Lage, seine Ideen in die Realität umzusetzen.

Major Barbara. Shaws Stücke enthalten offene und scharfe Gesellschaftskritik. In dem Stück „Major Barbara“ ist das Objekt der Ironie die Heilsarmee, in der Hauptfigur Barbara, keineswegs voller Tatendrang. Das Paradoxon in der diese organisierte Wohltätigkeit, die auf Kosten der Reichen besteht, verringert nicht, sondern vermehrt die Zahl der Armen. Unter den Charakteren ist eines der beeindruckendsten Gesichter der Vater der Heldin, der Besitzer der Undershaft-Waffenfabrik. Er sieht sich als Meister des Lebens, sein Motto lautet: „Ohne Scham“, er ist die eigentliche „Regierung des Landes“. Undershaft ist ein Kaufmann des Todes und stolz darauf, in seiner Religion und Moral von Waffen und Torpedos dominiert zu werden. Nicht ohne Vergnügen spricht er über die Meere unschuldigen Blutes, über die zertrampelten Felder friedlicher Bauern und andere Opfer, die der „nationalen Eitelkeit“ zuliebe gebracht werden: „Das alles bringt mir Einkommen: Ich werde nur reicher und bekomme mehr Aufträge, wenn die Zeitungen posaunen darüber."

Es ist nicht schwer vorstellbar, wie relevant dieses Bild für das 20. Jahrhundert geworden ist, insbesondere in Zeiten intensiven Wettrüstens.

Shaw und Tolstoi. Wie seine bemerkenswerten Zeitgenossen Galsworthy und Wells ging Shaw nicht an Tolstois künstlerischem Beitrag vorbei, obwohl er sich auf philosophischer und religiöser Seite von ihm unterschied. Skeptisch gegenüber Autoritäten verwies Shaw Tolstoi dennoch auf die "Herrscher der Gedanken", auf diejenigen, die "Europa führen". 1898, nach dem Erscheinen von Tolstois Abhandlung What is Art? in England, reagierte Shaw darauf mit einer ausführlichen Rezension. Mit einzelnen Tolstoi-Thesen argumentierend, teilte Shaw mit Hauptidee Abhandlung über den sozialen Auftrag der Kunst. Auch Shaw und Tolstoi standen Shakespeare kritisch gegenüber, obwohl sie von unterschiedlichen philosophischen und ästhetischen Prämissen ausgingen.

1903 schickte Shaw sein Theaterstück Man and Superman an Tolstoi, begleitet von einem ausführlichen Brief. Tolstois Haltung gegenüber Shaw war komplex. Er schätzte sein Talent und seinen natürlichen Humor sehr, warf Shaw jedoch vor, nicht ernst genug zu sein und scherzhaft über eine Frage wie den Sinn des menschlichen Lebens zu sprechen.

Shaws anderes Stück, The Exposure of Blasco Posnet (1909), schickte der Autor an Jasnaja Poljana Tolstoi gefiel es. Sie stand im Geiste dem Volksdrama nahe und wurde laut Shaw nicht ohne den Einfluss von Tolstois The Power of Darkness geschrieben.

"Pygmalion": Galatea in der modernen Welt

Am Vorabend des Ersten Weltkriegs schrieb Shaw eines seiner berühmtesten Stücke, Pygmalion (1913). Es war szenischer, traditioneller in der Form als viele seiner anderen Werke und war daher in verschiedenen Ländern erfolgreich und wurde in das klassische Repertoire aufgenommen. Das Stück wurde auch zur Grundlage für das wunderbare Musical „My Fair Lady“.

Der Titel des Stücks bezieht sich auf alter Mythos, überarbeitet von Ovid in seinen Metamorphosen.

Der talentierte Bildhauer Pygmalion hat die unglaublich schöne Statue von Galatsin geschaffen. Seine Schöpfung war so perfekt, dass Pygmalion sich in ihn verliebte, aber seine Liebe blieb unerwidert. Dann wandte sich Pygmalion mit einem Gebet an Zeus und er belebte die Statue wieder. So fand Pygmalion Zerstörung des Glücks.

Als Meister des Paradoxons, der ironischen „Umkehrung“ konventioneller Weisheit, führt Shaw eine ähnliche Operation mit der Handlung eines Mythos durch. In dem Stück ist es nicht Pygmalion (Professor Higgins), der Galatea (Eliza Doolittle) „wiederbelebt“, sondern Galatea – ihr Schöpfer, der ihm wahre Menschlichkeit beibringt.

Protagonisten sind der Phonetikwissenschaftler Professor Henry Higgins, ein herausragender Experte auf seinem Gebiet. Er ist in der Lage, die Herkunft und den sozialen Status des Sprechers anhand der Aussprache zu bestimmen. Der Professor hat sich nie von einem Notizbuch getrennt, in dem er die Dialekte seiner Umgebung aufzeichnet. Higgips ist völlig in die Wissenschaft vertieft, rational, kalt, egoistisch, arrogant und hat Schwierigkeiten, andere Menschen zu verstehen. Der Professor ist ein überzeugter Junggeselle, misstrauisch gegenüber Frauen, in denen er die Absicht sieht, ihm die Freiheit zu stehlen.

Der Zufall bringt ihn in Kontakt mit Eliza Doolittle, einer Floristin von außergewöhnlichem und strahlendem Wesen. Hinter der lustigen Aussprache, dem vulgären Jargon offenbart Shaw ihre Exzentrik und ihren Charme. Die Mängel der Sprache verärgern Eliza und hindern sie daran, einen Job in einem anständigen Geschäft zu bekommen. Sie erscheint Professor Higgins und bietet ihm einen mageren Penny dafür, dass er ihre Lektionen in korrekter Aussprache erteilt. Colonel Pickering, ein Amateur-Liguist, schließt eine Wette mit Higgins ab: Der Professor muss beweisen, dass er in wenigen Monaten aus einem Blumenmädchen eine High Society Frau machen kann.

Higgins' Experiment verläuft erfolgreich, seine Pädagogik wird Früchte tragen, jedoch nicht ohne Probleme. Zwei Monate später bringt der Professor Eliza pünktlich zum Tag des Empfangs zum Haus seiner Mutter, Mrs. Higgins, einer biederen Engländerin. Eine Zeit lang benimmt sich Eliza bewundernswert, verirrt sich aber plötzlich in „Street Buzzwords“. Higgins wird in der Lage sein, die Dinge zu glätten, indem er alle davon überzeugt, dass dies der neue soziale Jargon ist. Elizas nächster Ausstieg in die High Society ist mehr als erfolgreich. Eine junge Frau wird fälschlicherweise für eine Herzogin gehalten, die von ihren Manieren und ihrer Schönheit bewundert wird.

Das Experiment, das Higgins bereits zu ermüden begonnen hatte, war abgeschlossen. Der Professor ist dem Mädchen gegenüber wieder arrogant kalt, was sie zutiefst beleidigt. Shaw legt ihr bittere Worte in den Mund und betont das humanistische Pathos des Stücks: „Du hast mich aus dem Schlamm gezogen! .. Und wer hat dich gefragt? Jetzt dankst du Gott, dass alles schon vorbei ist und es möglich sein wird, mich wieder in den Schlamm zu werfen. Wozu bin ich gut? Woran hast du mich angepasst? Wo soll ich hin? Verzweifelt bewirft das Mädchen Higgins mit Schuhen. Doch auch das bringt den Professor nicht aus der Ruhe: Er ist sich sicher, dass alles klappen wird.

Es gibt tragische Noten im Stück. Die Show sättigt das Stück mit tiefen Bedeutungen. Er tritt für die Gleichberechtigung der Menschen ein, verteidigt Menschenwürde, der Wert einer Person, der am wenigsten an der Schönheit der Aussprache und der Aristokratie der Umgangsformen gemessen wird. Der Mensch ist kein gleichgültiges Material für wissenschaftliche Experimente. Er ist eine Person, die mit Respekt behandelt werden muss.

Eliza verlässt das Haus von Higgips. Und doch schafft sie es, den alten Junggesellen "durchzudringen". Während dieser Monate entwickelte sich Sympathie zwischen dem Professor und Eliza.

Im Finale kehrt Eliza zum Higgins-Haus zurück und fordert den Professor auf, sie um eine Petition zu bitten, wird aber abgewiesen. Sie dankt Pickering für seine wirklich ritterliche Haltung ihr gegenüber und droht Higgins, dass sie als Assistentin seines Rivalen Professor Nepin arbeiten wird.

Die Show bietet ein trauriges "offenes" Ende. Nachdem sie sich erneut mit Higgins gestritten hat, geht Eliza zur Hochzeit ihres Vaters, der ebenfalls eine wundersame Verwandlung durchmachte. Der betrunkene Aasfresser, der in seinem Testament einen beträchtlichen Geldbetrag erhalten hatte, wurde Mitglied der Gesellschaft für moralische Reformen. Higgins verabschiedet sich von Eliza und bittet sie einzukaufen, wobei er ihren verächtlichen Ton ignoriert. Er ist sich sicher, dass Eliza zurückkehren wird.

Shaw selbst schrieb im Nachwort zum Stück, vielleicht weil er zu Witzen neigt oder den Zuschauer verwirren wollte, Folgendes: „... Sie (Elise) hat das Gefühl, dass seine (Higgins) Gleichgültigkeit größer werden wird als die leidenschaftliche Liebe zu anderen gewöhnlichen Naturen. Sie interessiert sich sehr für ihn. Manchmal hat sogar sie den böswilligen Wunsch, ihn allein auf einer einsamen Insel einzusperren ... "

Das Stück eröffnete eine neue Facette des Talents des Dramatikers: Seine Charaktere können nicht nur debattieren und witzige Tauchgänge machen, sondern auch lieben, obwohl sie ihre Gefühle geschickt maskieren.

Die Entstehungsgeschichte des Stücks ist mit Shaws Roman und verbunden berühmte Schauspielerin Patricia Campell. Es war ein Roman in Briefen. Patricia spielte die Rolle von Eliza in Pygmalion. Nachdem er mit Patricia über die Rolle gesprochen hatte, schrieb Shaw: „Ich träumte und träumte und hatte den ganzen Tag und den ganzen nächsten Tag meinen Kopf in den Wolken, als wäre ich noch keine zwanzig. Und ich werde bald 56. Noch nie ist etwas so Lächerliches und so Wunderbares passiert.

Unter den russischen Inszenierungen von Pygmalion ist die Uraufführung im Maly-Theater im Dezember] 943 mit der brillanten D. Zerkalova in der Rolle der Eliza von besonderer Bedeutung.

Erster Weltkrieg: „Heartbreaking House“

Der Erste Weltkrieg war ein Schock für Shaw. Im Gegensatz zu den Schriftstellern, die in ihrer frühen Phase dem „patriotischen“ Standpunkt nahe standen (G. Hauptmann, T. Mann, A. France), nahm Shaw eine mutige, unabhängige Position ein. 1914 veröffentlichte er das Pamphlet „Common Sense About War“, beseelt von antimilitaristischem Pathos, das sich auch in einigen seiner Stücke wiederfindet. "Krieg ist das größte Verbrechen gegen die Menschlichkeit, eine Methode, Konflikte auf barbarischste Weise zu lösen!" Shaw bestand darauf. In seiner Broschüre warnte er vor der Gefahr, sich von patriotischen Gedanken blenden zu lassen. 1915 unterstützte Gorki in einem Brief an Shaw, den er „einen der mutigsten Menschen unserer Zeit“ nannte, seine humanistische Position.

Shaw tauchte Antikriegsstimmungen in eine Reihe kurzer dramatischer Werke, die in die Sammlung „War Plays“ (1919) aufgenommen wurden: „O“ Flaherty, Knight of the Order of Victoria, „Emperor of Jerusalem“, „Anna – Bolshevik Kaiserin" und "August tut ihre Pflicht". Letztes Spiel die erfolgreichste, nah an der Farce.

Lord Augustus von Highcastle ist ein bedeutender Militärbeamter. Ein selbstzufriedener und dummer Aristokrat mit einem "gusseisernen Schädel", verachtend gewöhnliche Menschen, hält er pseudopatriotische Reden. Das hindert ihn nicht daran, einem deutschen Spion wichtige Militärgeheimnisse auszuplaudern.

Shaw reagierte auf die Ereignisse in Russland im Jahr 1917. Er verurteilte die herrschenden Klassen in England, die versuchten, die Bolschewiki durch Intervention zu unterdrücken. Shaw billigte den Sozialismus als Ziel der russischen Revolution. Doch Gewalt als Methode der Bolschewiki war für den Showdemokraten inakzeptabel.

Ein Stück in der Art von Tschechow. In den Kriegsjahren entstand das bedeutendste und komplexeste Drama mit dem ursprünglichen Titel, der zum Aphorismus wurde: "Das Haus, in dem Herzen brechen". Shaw begann 1913 mit der Arbeit an dem Stück, beendete es 1917 und veröffentlichte es nach Kriegsende 1919. Das Stück trägt den Untertitel „Fantasie im russischen Stil über englische Themen“. Wie üblich stellte Shaw dem von breitem, gesellschaftsphilosophischem Sound geprägten Stück ein ausführliches Vorwort voran, das auf seine "russische Spur" hinweist. Dieses Stück war ein Meilenstein für Shaw; es übernahm viele der Motive, Themen und Techniken seiner früheren Dramen. Der Autor betonte das Ausmaß der Idee: Vor dem Betrachter liegt ein kultiviertes, müßiges Europa am Vorabend des Krieges, als die Waffen bereits geladen waren. In dem Stück agiert Shaw als Satiriker und Gesellschaftskritiker und stellt die Gesellschaft als entspannt dar, in einer „überhitzten Raumatmosphäre“, in der „seelenlose Ignoranz und Energie“ herrschen.

Shaw nannte die großen russischen Schriftsteller Tschechow und Tolstoi als seine Vorgänger bei der Entwicklung solcher Probleme. „Tschechow“, sagt Shaw, „hat vier schöne Studien für das Theater über das Haus, in dem Herzen brechen, von denen drei – „Der Kirschgarten“, „Onkel Wanja“ und „Die Möwe“ – in England aufgeführt wurden. Später, im Jahr 1944, schrieb Shaw, er sei fasziniert von Tschechows dramatischen Lösungen für das Thema der Wertlosigkeit von „kulturellen Pennern, die sich nicht mit kreativer Arbeit beschäftigen“.

Laut Shaw porträtierte Tolstoi auch das „Haus“, und tat dies in „The Fruits of Enlightenment“ „grausam und verächtlich“. Für ihn war es das "Haus", in dem Europa "seine Seele abtötet".

In Shaws Stück, einer komplexen, verschlungenen Intrige, koexistiert das Reale mit dem Grotesken und der Fantasie. Helden sind verzweifelte Menschen, die den Glauben verloren haben Lebenswerte die ihre Wertlosigkeit und Verdorbenheit nicht verbergen. Die Ereignisse spielen sich in einem Haus ab, das „wie ein altes Schiff gebaut“ ist. In dem Stück agieren Vertreter dreier Generationen.

Der Besitzer des Hauses ist der achtzigjährige Captain Shotover, ein Mann, der nicht ohne Kuriositäten ist. Als junger Mann erlebte er romantische Meeresabenteuer, wurde aber im Laufe der Jahre zum Skeptiker. Er nennt England „den Kerker der Seelen“. Das Hausschiff wird zum düsteren Symbol. Im Gespräch mit Hector, dem Ehemann einer seiner Töchter, gibt Shotover eine mehr als pessimistische Prognose für die Zukunft seines Landes ab: „Ihr Kapitän liegt auf seiner Koje und saugt Fäkalien direkt aus der Flasche. Und das Team im Cockpit schmollen in die Karten. Sie fliegen, zerbrechen und ertrinken. Glauben Sie, dass die Gesetze des Herrn zugunsten Englands aufgehoben werden, nur weil wir hier geboren wurden? Die Rettung vor einem solchen Schicksal liegt laut Shotover im Studium der „Navigation“, also in der politischen Bildung. Das ist Shaws Lieblingsidee. Die mittlere Generation, die Töchter von Shotover, Hesiona Heshebye und Eddie Utterword, und ihre Ehemänner werden satirisch dargestellt. Sie leben arm, unfruchtbar und verstehen es, aber sie sind kraftlos, sie können sich nur beklagen, sarkastische Bemerkungen machen und über Kleinigkeiten plaudern. Fast alle Charaktere sind in ein Netz aus Lügen verstrickt.

Der einzige Mann der Tat in dieser kunterbunten Gesellschaft im Haus ist Mengen. Shotover hasst ihn. Er hält Vorräte an Dynamit, um die Verhassten in die Luft zu jagen die Umwelt, in der es, wie Hector sagt, fast keine anständigen Menschen gibt.

Zu den wenigen positiven Charakteren gehört die junge Lady Ellie Dan. Es verbindet eine Vorliebe für romantische Illusionen und Praktikabilität. Sie berät sich mit Shotoper, ob sie den reichen Mann Mengen, dessen Geld erworben wird, heiraten soll mit kriminellen Mitteln. Ellie ist bereit, sich an ihn zu „verkaufen“, um „ihre Seele vor der Armut zu retten“. Doch der „gefährliche alte Mann“ Shotoner überzeugt sie davon, dass „Reichtum zehnmal eher in die Hölle stürzt“. Am Ende entscheidet Ellie, dass die beste Option darin besteht, Shotovers Frau zu werden. Ellie erinnert ein wenig an solche Heldinnen der Show wie Vivi, Eliza Doolittle, ausgestattet mit einem Sinn für Würde und einem Durst nach einem besseren Leben.

Das Ende des Stücks ist symbolisch. Der deutsche Luftangriff ist der einzige interessante Veranstaltung, die das "unerträglich langweilige" Dasein der Charaktere verletzte, Eine der Bomben fällt definitiv in die Grube, in der sich Mengen und der Dieb, der ins Haus gekommen ist, versteckt haben. Der Rest der Helden erlebt „wunderbare Sensationen“ und träumt von einem neuen Raid …

Dieses Stück widerlegt ebenso wie Pygmalion die hartnäckigen Vorwürfe Shaws, dass er fast keine reinrassigen menschlichen Charaktere geschaffen habe und nur Träger ideologischer Thesen auf der Bühne agierten, einige Figuren in Männer- und Frauenkostümen.

Das Stück "Haus, wo Herzen brechen" vollendete die wichtigste und fruchtbarste Etappe in der kreativen Entwicklung des Dramatikers. Es lagen noch drei Jahrzehnte Schreibarbeit voller interessanter Recherchen vor uns.

Zwischen den beiden Weltkriegen: Late Shaw

Als der Krieg endete und der Vertrag von Versailles (1919) unterzeichnet wurde, war Shaw bereits 63 Jahre alt. Aber er schien die Last der Jahre nicht zu spüren. Seine letzten Jahrzehnte kreative Weise hier werden sie kurz charakterisiert, da dieser Zeitraum bereits im Laufe der Literatur des 20. Jahrhunderts behandelt wird.

„Zurück zu Methusalem“. Die Showautorin beherrscht neue Themen und Genres, insbesondere die Genres des philosophischen und utopischen politischen Spiels, der Exzentrik und der Farce. Sein Stück in fünf Akten „Zurück zu Methusalem“ (1921) ist eine auf grotesk-phantastische Weise fortgeführte Reflexion über die Probleme der Geschichte und Evolution. Shaws Idee ist originell. Er ist überzeugt, dass die Unvollkommenheit der Gesellschaft in der Unvollkommenheit des Menschen selbst liegt, vor allem in der kurzen Dauer seines irdischen Daseins. Daher die Aufgabe der Verlängerung Menschenleben bis zum Alter von Methusalem, also bis zu 300 Jahre durch systematische biologische Evolution.

„Heilige Johanna“. Das nächste Drama wird produziert. Die Show Saint Joan (1923) trägt den Untertitel A Chronicle in Six Parts with an Epilogue. Darin wandte sich Shaw zu heroisches Thema. Im Mittelpunkt des Stücks steht das Bild von Jeanne d'Arc. Das Bild dieses Mädchens aus dem Volk, das eigentliche Phänomen dieser Person, geheimnisvoll und furchtlos, erregte Bewunderung und war Gegenstand zahlreicher Studien und ideologischer Kontroversen. 1920, Jeanne wurde als Heilige kanonisiert In der künstlerischen Interpretation Das Bild der Jeanne in Shaw hatte herausragende Vorgänger: Voltaire, Friedrich Schiller, Mark Twain, Anatole France.

Im Vorwort zum Stück sprach sich Shaw gegen die Romantisierung seiner Heldin aus, gegen die Verwandlung ihres Lebens in ein sentimentales Melodram. Basierend auf einer objektiven Analyse von Fakten und Dokumenten, der Logik gehorchend gesunder Menschenverstand, schuf Shaw eine echte historische Tragödie. Er präsentierte Jeanne als "ein vernünftiges und kluges Landmädchen von außergewöhnlicher Geistesstärke und Standhaftigkeit".

Im Gespräch mit dem König äußert Jeanne Schlüsselworte zum Verständnis ihres Charakters: „Ich selbst bin von der Erde, und ich habe meine ganze Kraft durch die Arbeit auf der Erde gewonnen.“ Sie sehnt sich danach, ihrem Vaterland zu dienen, der Sache ihrer Befreiung. Mit ihrer Selbstlosigkeit und ihrem Patriotismus stellt sich Jeanne jenen Palastintriganten entgegen, die nur von egoistischen Interessen getrieben werden. Jeannes Religiosität ist eine Manifestation ihres Sinns für spirituelle Freiheit und Sehnsucht nach wahrer Menschlichkeit.

1928 wird Shaw, der zweite Engländer nach Kipling, Preisträger Nobelpreisüber Literatur. 1931 ging er nicht ohne eine Portion Unverschämtheit zu die Sowjetunion dort ihren 75. Geburtstag feiern. Stalin akzeptiert.

In England schrieb und sprach Shaw viel zur Verteidigung unseres Landes. Die Entschuldigung für die Sowjets war keineswegs ein Beweis für Shaws politische Kurzsichtigkeit, obwohl seine Reden sicherlich eine Herausforderung für den Antisowjetismus der britischen Presse empfanden. Vielleicht geriet er, wie einige westliche Schriftsteller in den 1930er Jahren, unter den Einfluss von Stalins mächtiger Propagandamaschine, die auch im Ausland funktionierte.

Theaterstücke der letzten Jahrzehnte. In den Stücken von B. Shaw den letzten Jahren, einerseits ein aktuelles gesellschaftspolitisches Thema, andererseits eine ungewöhnliche, paradoxe Form, ja sogar ein Hang zur Exzentrik und Clownerie. Daher die Schwierigkeit ihrer Bühneninterpretation.

Das Theaterstück „Apple Cart“ (1929), geschrieben im Jahr der schwersten Wirtschaftskrise, trägt den Untertitel „Political Extravaganda“. Der Name geht auf den Ausdruck zurück: „den Apfelkarren umwerfen“, das heißt, die verletzte Ordnung als nicht mehr wiederherstellbar zu betrachten, alle Pläne umzuwerfen. Die Handlung spielt in der Zukunft, im Jahr 1962, und enthält witzige Attacken auf das politische System Englands.

Der Inhalt des Stücks reduziert sich auf die endlosen Scharmützel von König Magnus, einem Mann von Intelligenz und Einsicht, mit seinem Premierminister Proteus und Mitgliedern seines Kabinetts. Proteus gibt zu: „Ich übernehme den Posten des Premierministers aus dem gleichen Grund, aus dem alle meine Vorgänger ihn bekleidet haben: weil ich für nichts anderes gut bin.“ Die Show macht deutlich: Nicht der König, nicht die Minister, sondern Monopole, Konzerne, Geldsäcke haben wirkliche Macht. Vieles von diesem Stück klingt auch heute noch sehr aktuell.

In der Art fröhlicher Possenreißer wird das Stück Bitter but True (1932) fortgeführt, dessen tiefes Thema die geistige Krise der englischen Gesellschaft ist. In einem anderen Stück – „Aground“ (1933) – erklang das für die frühen 1930er Jahre relevante Thema Arbeitslosigkeit und Wege zu ihrer Überwindung. Die Show stellte Karikaturporträts britischer Persönlichkeiten, Premierminister Arthur Chawendero und Mitglieder seiner Regierung nach.

Im Mittelpunkt der utopischen Handlung des Stücks The Simpleton from Unexpected Islands (1934) steht der Glaube des Autors an die Schädlichkeit einer müßigen Existenz. In einer Reihe von Theaterstücken entwirft Shaw Bilder von denen, die ihren Reichtum auf ungerechte Weise erlangt haben (The Millionaire, 1936; Byant's Billions, 1948), indem er Faschismus und Totalitarismus verurteilt; durchdrungen sein Stück "Genf" (1938), Dramatiker Entwicklung; auch historische Themen ("In the Golden Days of King Charles", 1939) Während des Zweiten Weltkriegs forderte Shaw die rasche Eröffnung einer zweiten Front und die europäische Solidarität mit Russland. Zu dieser Zeit sprach er aktiv im Radio, in hielt insbesondere seine kürzeste Rede, die nur aus zwei Worten bestand: „Hilf Russland“.

Death Shaw: Ein Leben in vollen Zügen gelebt. Nach seinem 90. Geburtstag im Jahr 1946 arbeitete der Dramatiker weiter. 1949, ein Jahr vor seinem Tod, schrieb er eine verspielte Puppenkomödie, Shex vs. Shaw, deren Charaktere von Shakespeare und Shaw leicht erraten werden konnten, und führte eine abwesende, verspielte Polemik an.

In den letzten Jahren lebte der Dramatiker allein in der kleinen Stadt Ayot-Saint-Laurence und arbeitete weiter, um eine lebende Legende zu bleiben. Shaw starb am 2. November 1950 im Alter von 94 Jahren. Alle, die ihn kannten, sprachen mit Bewunderung von ihm und bemerkten die erstaunliche Vielseitigkeit dieses Genies.

Lange vor seinem Tod sagte der 44-jährige Shaw in einer Rede: „Ich habe meine Arbeit auf Erden getan und mehr getan, als ich sollte. Und jetzt bin ich zu dir gekommen, um keine Belohnung zu verlangen. Ich beanspruche es zu Recht." Und Shaws Lohn war nicht nur weltweiter Ruhm, Anerkennung und Liebe, sondern vor allem das Bewusstsein, seine Mission auf Erden im vollen Umfang seiner Kräfte und Talente erfüllt zu haben.

Shaws dramatische Methode; Musik der Paradoxien

Shaws schriftstellerische Laufbahn erstreckte sich über ein dreiviertel Jahrhundert. Er war ein Innovator, der die Traditionen der dramatischen Klassiker der Welt fortsetzte und bereicherte. Ibsens Prinzip des „Ideendramas“ wurde von ihm weiterentwickelt und geschärft.

Die Streitigkeiten von Ibsens Charakteren wuchsen zu Shaws langwierigen Diskussionen. Sie dominieren das Stück, absorbieren äußere dramatische Handlungen und werden zu einer Quelle von Konflikten. Oft stellt Shaw seinen Stücken umfangreiche Vorworte voran, in denen er die Charaktere der Charaktere erklärt und das darin diskutierte Problem kommentiert. Seine Figuren sind manchmal weniger psychologisch definierte Einzelfiguren als vielmehr Träger bestimmter Konzepte und Theorien. Ihre Beziehung wird als intellektuelle Rivalität dargestellt, und das Stück selbst wird zum Diskussionsdrama. Als talentierter Redner und Kontroversist überträgt Shaw diese Qualitäten auf seine Charaktere.

Im Gegensatz zu Ibsen, dessen Werk von Dramen dominiert wurde, ist Shaw in erster Linie Komiker. Im Mittelpunkt seiner Methodik steht das sitiriko-humorvolle Prinzip. Die Show ist nah an der Manier des großen Satirikers der Antike Aristophanes, in dessen Stücken das Prinzip der Figurenkonkurrenz verwirklicht wurde.

Die Show wurde mit Swift verglichen. Aber im Gegensatz zu Swift, besonders dem späteren, hasst Shaw keine Menschen. Er hat auch nicht Swifts Düsternis. Aber Shaw wird nicht ohne Ironie und sogar Verachtung auf die Dummheit der Menschen, ihre unausrottbaren Vorurteile und ihre lächerliche Sentimentalität herabblicken.

Seine Polemik mit Shakespeare war trotz aller Extreme nicht nur Shaws Laune, sein Wunsch, die literarische Welt zu schockieren, eine Herausforderung, die fast der Selbstdarstellung diente. Schließlich war es ein Angriff auf eine scheinbar unbestreitbare Autorität. Shaw wollte das herausfordern, was er für die verderbliche Vergötterung Shakespeares hielt, die in seinen Landsleuten verwurzelt war, die arrogante Überzeugung, dass nur in England ein einziger und unübertroffener Dichter über alle Kritik hinauswachsen könne. Daraus folgte, dass alle Dramatiker und Dichter verpflichtet waren, sich in ihrer Arbeit auf Shakespeare zu konzentrieren. Die Show bewies auch, dass es eine andere Dramaturgie geben könnte.

Humor, Satire, Paradoxien. Die Show ist alles andere als lebensecht, ein Spiegelbild der Realität. Sein Theater ist intellektuell. Es dominieren die Elemente Humor und Satire. Seine Figuren sprechen auf komisch-ironische Weise über ernste Dinge.

Shaws Stücke sprühen vor Witz und seinen berühmten Paradoxien. Paradox sind nicht nur die Aussagen von Shaws Helden, sondern auch die Situationen in seinen Stücken und oft auch die Handlungen. Sogar in Othello sagt Shakespeare: "Die lieben alten Paradoxien existieren, um Narren zum Lachen zu bringen." Aber Shaws Sichtweise: "Meine Art zu scherzen ist, die Wahrheit zu sagen."

Viele von Shaws Paradoxien sind aphoristisch. Hier sind einige davon: « Ein vernünftiger Mensch passt sich der Welt an, ein unvernünftiger beharrt auf seinen Versuchen, die Welt sich anzupassen. Daher hängt der Fortschritt immer von unvernünftigen Menschen ab“; „Wenn ein Mann einen Tiger töten will, nennt er das einen Sport; wenn ein tiger sich umbringen will, nennt man das blutrausch. Der Unterschied zwischen Verbrechen und Gerechtigkeit besteht nicht mehr“; „Wer weiß wie – tut; wer nicht weiß, wie es geht - lehrt; wer nicht lehren kann, lehrt lehren“; „Menschen fühlen sich nicht durch Schmeichelei geschmeichelt, sondern durch die Tatsache, dass sie der Schmeichelei würdig sind“; „Eine gesunde Nation fühlt ihre Nationalität nicht, genauso wenig wie ein gesunder Mensch das Gefühl hat, Knochen zu haben. Aber wenn man seine nationale Würde untergräbt, wird die Nation an nichts anderes denken, als sie wiederherzustellen.“

Shaws Paradoxien sprengten den imaginären Anstand allgemein akzeptierter Ideen, betonten ihre Widersprüchlichkeit, Absurdität. Dabei entpuppte sich Shaw als einer der Vorläufer des Theaters des Absurden.

In Shaws Stücken wird Poesie gedacht. Seine Helden sind rational, rational, der Dramatiker sogar gleichsam ironisch über Gefühle, oder genauer gesagt über Sentimentalität. Das heißt aber nicht, dass sein Theater trocken, kalt, dem emotionalen, lyrischen Theater feindlich gegenübersteht.

Ein bemerkenswertes Merkmal von B. Shaws Stücken ist ihre verborgene Musikalität. Sie steht im Einklang mit seiner kreativen Persönlichkeit. Er lebte in einer Atmosphäre der Musik, verehrte die Klassiker, betätigte sich als Musikkritiker, liebte es, Musik zu machen. Er baute seine Stücke nach den Gesetzen der musikalischen Komposition, spürte den Rhythmus der Phrase, den Klang des Wortes. Er schrieb ständig über die Musik der Worte in Rezensionen von Shakespeares Aufführungen. Er nannte die Expositionen seiner Stücke "Ouvertüren", die Dialoge der Charaktere - "Duette", Monologe - "Soloparts". Shaw schrieb über einige der Stücke als "Sinfonien". Da er manchmal mit der Inszenierung seiner Stücke beschäftigt war, achtete Shaw besonders auf das Tempo und den Rhythmus der Aufführung. Monologe, Duette, Quartette, Sole breite Ensembles schufen das musikalische Muster seiner Darbietung. Er gab Anweisungen zu den vier Hauptstimmen des Schauspielers: Sopran, Alt, Tenor, Bass. In seinen Stücken werden verschiedene musikalische Effekte verwendet.

Thomas Mann, einer der Schöpfer des intellektuellen europäischen Romans des 20. Jahrhunderts, bemerkte mit außerordentlicher Subtilität: „Die Dramaturgie dieses Sängersohns und Gesangspädagogen ist die intellektuellste der Welt, was sie nicht daran hindert, Musik zu sein - die Musik der Worte, und sie baut, wie er selbst betont, auf dem Prinzip der musikalischen Entwicklung des Themas auf; bei aller transparenz, expressivität und nüchtern-kritischen gedankenspielerei will sie als musik wahrgenommen werden ... "

Aber natürlich ist das Theater der Show eher ein Theater der „Aufführungen“ als der „Erfahrungen“. Die Umsetzung seiner dramatischen Ideen erfordert von Regisseur und Schauspieler unkonventionelle Herangehensweisen, ein hohes Maß an Konventionalität. Die Rollendarstellung beinhaltet einen ungewöhnlichen Schauspielstil, exzentrisch, grotesk, satirisch pointiert. (Etwas ähnliche Schwierigkeiten ergeben sich bei der Interpretation von Brecht.) Deshalb steht Pygmalion, die am häufigsten aufgeführte Komödie, dem traditionellen Typus am nächsten.

Literatur

Künstlerische Texte

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Kritik. Tutorials

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Obraztsova A. G. Die dramatische Methode von Bernard Shaw / A. G. Obraztsova.- M., 1965.

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B. Sendung über „neues Drama“

In historisch-literarischer Hinsicht markierte das „Neue Drama“, das als radikale Umstrukturierung der Dramaturgie des 19. Jahrhunderts diente, den Beginn der Dramaturgie des 20. Jahrhunderts. In der Geschichte des westeuropäischen „neuen Dramas“ kommt dem norwegischen Schriftsteller Henrik Ibsen (1828-1906) die Rolle eines Erneuerers und Pioniers zu.

B. Shaw, der in Ibsen „einen großen Kritiker des Idealismus“ und in seinen Stücken – einem Prototyp seiner eigenen Theaterdiskussionen – in den Artikeln „Die Quintessenz des Ibsenismus“ (1891), „Der realistische Dramatiker – zu seinem Kritiker" (1894) und auch in zahlreichen Rezensionen, Briefen und Vorworten zu den Stücken analysierte er tiefgreifend die ideologische und künstlerische Innovation des norwegischen Dramatikers und formulierte auf dieser Grundlage seine Vorstellung von den schöpferischen Aufgaben, vor denen die " neues Drama“. Das Hauptmerkmal des "neuen Dramas", so Shaw, ist, dass sie sich entschlossen umdrehte modernes Leben und begann, "Probleme, Charaktere und Handlungen zu diskutieren, die für das Publikum selbst von direkter Bedeutung sind". Ibsen legte den Grundstein für das „neue Drama“, und in den Augen Shaws ist er für das moderne Publikum viel wichtiger als der große Shakespeare. „Shakespeare hat uns auf die Bühne gebracht, aber in Situationen, die uns fremd sind ... Ibsen befriedigt ein Bedürfnis, das Shakespeare nicht befriedigt hat. Es repräsentiert uns selbst, aber uns in unseren eigenen Situationen. Was mit seinen Charakteren passiert, passiert mit uns." Shaw glaubt, dass der moderne Dramatiker den gleichen Weg wie Ibsen gehen sollte. Gleichzeitig gibt Shaw in Bezug auf seine eigene Arbeit zu, dass "er gezwungen ist, das gesamte Material für das Drama entweder direkt aus der Realität oder aus zuverlässigen Quellen zu entnehmen". „Ich habe nichts erschaffen, nichts erfunden, nichts verzerrt, ich habe nur die dramatischen Möglichkeiten offenbart, die in der Realität verborgen liegen.“

Den in der Gesellschaft etablierten „Kult falscher Ideale“ nennt Shaw „Idealismus“ und seine Anhänger „Idealisten“. An sie richtet sich der Rand von Ibsens Satire, der das Recht der menschlichen Person verteidigt, anders als vorgeschrieben zu handeln. moralische Ideale" Gesellschaft. Ibsen, so Shaw, „beharrt darauf, dass das höchste Ziel inspiriert, ewig, sich ständig weiterentwickelnd und nicht äußerlich, unveränderlich, falsch ist … kein Buchstabe, sondern ein Geist … kein abstraktes Gesetz, sondern ein lebendiger Impuls. " Die Aufgabe des modernen Dramatikers besteht gerade darin, die in der Gesellschaft lauernden Widersprüche aufzudecken und den Weg „zu vollkommeneren Formen des öffentlichen und privaten Lebens“ zu finden.

Deshalb ist es notwendig, eine Theaterreform durchzuführen, das Hauptelement der Dramaturgie zu einer Diskussion zu machen, zu einem Aufeinanderprallen unterschiedlicher Ideen und Meinungen. Shaw ist davon überzeugt, dass das Drama eines modernen Stücks nicht auf äußeren Intrigen beruhen sollte, sondern auf scharfen ideologischen Konflikten der Realität selbst. „In den neuen Stücken baut sich der dramatische Konflikt nicht um die vulgären Neigungen einer Person auf, ihre Gier oder Großzügigkeit, ihren Groll oder Ehrgeiz, ihre Missverständnisse und Unfälle und alles andere, sondern um das Aufeinanderprallen verschiedener Ideale.“

Die Ibsen-Schule schließt damit Shaw, geschaffen neue Form Drama, dessen Handlung "in engem Zusammenhang mit der besprochenen Situation steht". Ibsen „führte die Diskussion ein und erweiterte ihre Rechte so weit, dass sie sich, nachdem sie sich ausgebreitet und in die Handlung eingedrungen war, schließlich mit ihm assimilierte. Spiel und Diskussion sind fast synonym geworden. Rhetorik, Ironie, Argumentation, Paradoxon und andere Elemente des „Ideendramas“ sollen den Zuschauer aus dem „emotionalen Schlaf“ wecken, ihn zum Mitfühlen bringen, ihn zum „Teilnehmer“ der entstandenen Diskussion machen – in a Wort, gib ihm nicht „Erlösung in Sensibilität, Sentimentalität“, sondern „das Denken lehren“.