Vorgänger Es besteht kein Zweifel daran, dass ein Kunstwerk von der Persönlichkeit und dem Wirken seines Schöpfers geprägt ist. Darüber hinaus ist, jeweils auf seine Weise, auch der Einfluss der Vorgängerdichter an der Entstehung eines dichterischen Werkes beteiligt.

Die Vorgänger der Wrights Der wahre Pionier des Flugs, der schwerer als Luft ist, war Sir George Cayley (1773–1857), der, in den Worten von Orville Wright, „mehr über die Prinzipien der Luftfahrt wusste als jeder seiner Vorgänger, und zwar genauso viel.“ wie jeder seiner Nachfolger.“ „. In denen

(Handschuhmacher), oft in verschiedene öffentliche Ämter gewählt. Er besuchte keine Gottesdienste, wofür er hohe Geldstrafen zahlte (möglicherweise war er ein heimlicher Katholik).

Shakespeares Mutter, geborene Mary Arden (1537–1608), gehörte zu einer der ältesten sächsischen Familien.

Es wird angenommen, dass Shakespeare an der Stratford „Grammar School“ (englisch „Grammar School“) studierte, wo er eine ernsthafte Ausbildung erhielt: Der Stratford-Lehrer für Latein und Literatur schrieb Gedichte in Latein. Einige Gelehrte behaupten, dass Shakespeare die Schule von König Edward VI. in Stratford-upon-Avon besuchte, wo er die Werke von Dichtern wie Ovid und Plautus studierte, aber die Schultagebücher sind nicht erhalten, und jetzt kann nichts mit Sicherheit gesagt werden.

Büste von Shakespeare in St. Trinity in Stratford

Alle erhaltenen Unterschriften Shakespeares auf Dokumenten (-) zeichnen sich durch eine sehr schlechte Handschrift aus, aufgrund derer einige Forscher davon ausgehen, dass er zu diesem Zeitpunkt schwer erkrankt war. Shakespeare starb am 23. April 1616. Traditionell geht man davon aus, dass er an seinem Geburtstag starb, es ist jedoch nicht sicher, dass Shakespeare am 23. April geboren wurde.

Shakespeares Autogramm zu seinem Testament

Drei Tage später wurde Shakespeares Leichnam in der St. Dreieinigkeit. Auf seinem Grabstein ist ein Epitaph eingraviert:

In der Kirche wurde auch eine bemalte Shakespeare-Büste aufgestellt, daneben befinden sich zwei weitere Epitaphien – in lateinischer und in englischer Sprache. Das lateinische Epitaph vergleicht Shakespeare mit dem weisen Pylos-König Nestor, Sokrates und Vergil.

Shakespeare hinterließ eine Witwe, Anne (gest. 1623), und beide Töchter. Der letzte direkte Nachkomme Shakespeares war seine Enkelin Elizabeth Barnard (1608–1670), Tochter von Susan Shakespeare und Dr. John Hall. Drei Söhne von Judith Shakespeare (verheiratet mit Queenie) starben jung, ohne Nachkommen.

Schaffung

Shakespeares literarisches Erbe gliedert sich in zwei ungleiche Teile: poetisch (Gedichte und Sonette) und dramatisch. V. G. Belinsky schrieb: „Es wäre zu kühn und seltsam, Shakespeare als eigentlichen Dichter einen entscheidenden Vorteil gegenüber allen Dichtern der Menschheit zu verschaffen, aber als Dramatiker hat er jetzt keinen Rivalen mehr, dessen Name neben seinen Namen gesetzt werden könnte.“ ” .

Dramaturgie

Englisches Drama und Theater zur Zeit von William Shakespeare

Zu Beginn der Regierungszeit Elisabeths (Elizabeth I. von England, 1533-1603), die 1558 den Thron bestieg, gab es keine besonderen Gebäude für Aufführungen, obwohl es damals bereits eine ganze Reihe funktionierender Schauspieltruppen gab. Zu diesem Zweck wurden Gasthäuser oder Säle von Bildungseinrichtungen und Privathäusern genutzt. Im Jahr 1576 baute der Unternehmer James Burbage (1530-1597), der als Schauspieler in der Truppe der Leicester's Men begann, das erste besondere Gebäude für Theateraufführungen – das Theatre. Es wurde außerhalb der Stadt am Rande von Shoreditch (Shoreditch) errichtet. William Shakespeare war seit mindestens 1594 Teil von Burbages Chamberlain's Men, die sich aus Schauspielern zusammensetzte, die zuvor drei verschiedenen Ensembles angehörten. Als James Burbage 1597 starb, lief der Pachtvertrag für das Grundstück, auf dem sich das Theater befand, aus. Während über die Frage der neuen Räumlichkeiten entschieden wurde, fanden die Auftritte der Truppe im nahegelegenen Curtain Theatre (The Curtain, 1577-1627) statt, das von Henry Lanman gegründet wurde. Inzwischen wurde Thearte demontiert und Stück für Stück auf die andere Seite des Flusses transportiert. Anfang 1599 war der Bau abgeschlossen und die neues Theater, das „The Globe“ (The Globe) genannt wurde. Burbages Söhne Cuthbert und Richard (Cuthbert Burbage und Richard Burbage, 1567–1619) wurden Eigentümer der Hälfte des Gebäudes und boten an, den Rest des Wertes auf mehrere Aktionäre der Truppe aufzuteilen. So wurde Shakespeare einer der Miteigentümer des Globe. Im Jahr 1613, während der Aufführung von „Heinrich VIII.“, brach das Strohdach des Theaters ein und es brannte bis auf die Grundmauern nieder. Ein Jahr später wurde an gleicher Stelle der „zweite Globus“ (Der zweite Globus) mit Ziegeldach errichtet. Zu dieser Zeit erfolgte im englischen Theaterumfeld die Entstehung neuer Stücke oft auf der Grundlage der Verwendung bestehender Texte, die verändert und ergänzt wurden. Auch William Shakespeare nutzte in seinem Werk diese Methode und verbesserte die in verschiedenen Quellen gefundenen Materialien. In der Zeit von 1595 bis 1601 findet eine aktive Entwicklung statt Karriere als Schriftsteller. Shakespeares Können verleiht seinen Werken und seiner Truppe Ruhm.

Englische Dramatiker, Vorgänger und Zeitgenossen von William Shakespeare

In der Ära Shakespeares gab es neben dem damals erfolgreichen Globe Theatre in London mehrere andere namhafte Theater, die miteinander konkurrierten. Theater „Rose“ (The Rose, 1587-1605), erbaut vom Geschäftsmann Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). Das Swan Theatre (The Swan, 1595–1632), das vom Juwelier und Kaufmann Francis Langley (Francis Langley, 1548–1602) erbaut wurde, das Fortune Theatre, dessen Bau im Jahr 1600 begann, und andere. Einer der berühmtesten Dramatiker Shakespeares war der talentierte Dichter Christopher Marlowe (1564-1593), unter dessen Einfluss Shakespeare zweifellos gleich zu Beginn seines Schaffens geriet und dessen Stücke alle damals im Rose Theatre aufgeführt wurden. Er war einer der Dramatiker – „Akademiker“ mit Oxford- oder Cambridge-Diplomen, zu denen auch Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lyly (John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567-) gehörten. 1601), George Peele (1556–1596) und Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558–1625). Neben ihnen arbeiteten auch andere Schriftsteller ohne Universitätsausbildung, deren Schriften auf die eine oder andere Weise Shakespeares Werk beeinflussten. Dies ist Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594), der ein früheres Stück über Hamlet schrieb, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, gest. 1599), Autor des Stücks „Two Spitzmäuse aus Abingdon“ (Die zwei wütenden Frauen von Abingdon), auf deren Grundlage Shakespeares Komödie „Die lustigen Weiber von Windsor“ (Die lustigen Weiber von Windsor, 1597–1602) entstand.

Theatertechnik in der Ära von William Shakespeare

Theatertechnik in der Ära Shakespeares - Das Shakespeare-Theater entspricht zweifellos dem System des Stücks, das ursprünglich von Gruppen umherziehender Komiker in Gasthäusern und Hotelhöfen aufgeführt wurde; Diese Hotelhöfe bestanden normalerweise aus einem Gebäude, das im zweiten Stock von einem offenen Etagenbalkon umgeben war, an dem sich die Zimmer und Eingänge zu ihnen befanden. Eine wandernde Truppe, die einen solchen Hof betreten hatte, inszenierte eine Szene in der Nähe eines der Rechtecke seiner Mauern; Die Zuschauer saßen im Innenhof und auf dem Balkon. Die Bühne war in Form einer Holzplattform auf Böcken angeordnet, von der ein Teil in den offenen Hof hinausging und der andere, die Rückseite, unter dem Balkon blieb. Ein Vorhang fiel vom Balkon. So entstanden sofort drei Plattformen: die vordere – vor dem Balkon, die hintere – unter dem Balkon hinter dem Vorhang und die obere – der Balkon selbst über der Bühne. Das gleiche Prinzip liegt der Übergangsform des englischen Theaters des 16. und frühen 17. Jahrhunderts zugrunde. Das erste öffentliche stationäre Theater wurde 1576 von der Schauspielerfamilie Burbage in London (oder besser gesagt außerhalb Londons, außerhalb der Stadtgrenzen, da Theater innerhalb der Stadt nicht erlaubt waren) erbaut. Im Jahr 1599 wurde das Globe Theatre gegründet, mit dem die meisten Werke Shakespeares verbunden sind. Shakespeares Theater kennt den Zuschauerraum noch nicht, wohl aber den Hof als Reminiszenz an Hotelhöfe. Ein solch offener, dachloser Saal war von einer oder zwei Galerien umgeben. Die Bühne war mit einem Dach überdacht und stellte die gleichen drei Podeste des Hotelhofs dar. Der vordere Teil der Bühne schmiegte sich fast zu einem Drittel in den Zuschauerraum – ein stehendes Parterre (womit der Name „par terre“ – auf dem Boden – wörtlich genommen wird). Auch der demokratische Teil des Publikums, der das Parterre füllte, umgab in einem dichten Ring die Bühne. Der privilegiertere, aristokratische Teil des Publikums ließ sich liegend und auf Hockern auf der Bühne selbst an den Rändern nieder. Die Geschichte des Theaters dieser Zeit weist auf die ständige Feindschaft und den Streit hin, der manchmal sogar in einen Kampf zwischen diesen beiden Zuschauergruppen mündete. Die Klassenfeindschaft der Handwerker und Arbeiter gegen die Aristokratie wirkte hier ziemlich lautstark. Im Allgemeinen gab es diese Stille, die unser Auditorium kennt, nicht in Shakespeares Theater. Die Rückseite der Bühne war durch einen Schiebevorhang abgetrennt. Dort wurden meist intime Szenen aufgeführt (zum Beispiel in Desdemonas Schlafzimmer), sie spielten dort auch, wenn es darum ging, die Handlung schnell an einen anderen Ort zu verlegen und die Figur in einer neuen Position zu zeigen (zum Beispiel dort in Marlos Drama „Tamerlane“) ist eine Notiz: „Der Vorhang wird zurückgezogen, und Zenokrate liegt im Bett, Tamerlane sitzt neben ihr“, oder in „ Wintermärchen» Shakespeare: „Pauline zieht den Vorhang zurück und offenbart Hermine, die in Form einer Statue steht“). Das Vorderdeck war Hauptbühne Sie wurde auch für Prozessionen eingesetzt, damals im Theater beliebt, für die Darstellung des damals äußerst beliebten Fechtens (eine Szene im letzten Akt von Hamlet). Auch Clowns, Jongleure und Akrobaten traten hier auf und unterhielten das Publikum zwischen den Szenen des Hauptstücks (im Shakespeare-Theater gab es keine Pausen). Anschließend wurden bei der späteren literarischen Verarbeitung von Shakespeare-Dramen einige dieser clownesken Einlagen und clownesken Bemerkungen in den gedruckten Text übernommen. Jede Aufführung endete zwangsläufig mit einem „Jiga“ – einem besonderen Lied mit einem Tanz, der von einem Clown vorgetragen wurde; Die Totengräberszene in Hamlet war zu Shakespeares Zeiten eine Clownerie, später war sie voller Pathos. Im Shakespeare-Theater gibt es immer noch keinen scharfen Unterschied zwischen einem dramatischen Schauspieler und einem Akrobaten, einem Narren. Es stimmt, dieser Unterschied entwickelt sich bereits, er ist spürbar, er ist im Entstehen begriffen. Aber die Kanten sind noch nicht gelöscht. Die Verbindung zwischen dem Shakespeare-Schauspieler und dem Possenreißer, dem Histrion, dem Jongleur, dem clownesken „Teufel“ des mittelalterlichen Mysteriums und dem possenhaften Possenreißer ist noch nicht gebrochen. Es ist durchaus verständlich, warum der Kesselbauer aus „Der Widerspenstigen Zähmung“ beim Wort „Komödie“ zunächst an die Tricks des Jongleurs erinnert. Die obere Szene wurde verwendet, wenn die Handlung durch die Logik der Ereignisse oben dargestellt werden musste, beispielsweise auf den Mauern der Festung („Coriolanus“), auf Julias Balkon („Romeo und Julia“). In solchen Fällen gibt es im Skript einen Vermerk „oben“. So wurde beispielsweise eine solche Anordnung praktiziert – oben war eine Festungsmauer abgebildet, und der nach unten zurückgezogene Vorhang der hinteren Plattform bedeutete gleichzeitig, dass sich die Stadttore vor dem Sieger öffneten. Ein solches System des Theaters erklärt auch die Struktur von Shakespeares Dramen, die noch keine Einteilung in Akte kennen (diese Einteilung wurde nach Shakespeares Tod in der Ausgabe von 1623 vorgenommen), weder einen exakten Historismus noch einen bildlichen Realismus. Die für elisabethanische Dramatiker so charakteristische Parallelität der Handlungen in ein und demselben Stück wird in erklärt In letzter Zeit eine eigenartige Anordnung der Bühne, die dem Publikum von drei Seiten zugänglich ist. Das sogenannte Gesetz der „zeitlichen Kontinuität“ dominiert diese Szene. Die Entwicklung einer Handlung ermöglichte es der anderen, sozusagen „hinter den Kulissen“ weiterzumachen, was den entsprechenden Zeitraum der „Theaterzeit“ zwischen den Abschnitten dieser Handlung ausfüllte. Aufbauend auf kurzen Episoden mit aktivem Spiel wird die Action relativ schnell von Ort zu Ort übertragen. Dies spiegelt sich auch in der Tradition der Mysterienszenen wider. Ein neuer Abgang derselben Person oder auch nur ein paar Schritte auf der Bühne mit einer entsprechenden textlichen Erklärung deuteten also bereits auf einen neuen Ort hin. In „Viel Lärm um Nichts“ sagt Benedict beispielsweise zu dem Jungen: „Ich habe ein Buch am Fenster in meinem Zimmer, bring es hierher in den Garten“ – das bedeutet, dass die Handlung im Garten stattfindet. Manchmal wird in den Werken Shakespeares ein Ort oder eine Zeit nicht so einfach, sondern durch eine umfassende poetische Beschreibung angegeben. Das ist einer seiner Lieblingstricks. Beispielsweise sagt Lorenzo in „Romeo und Julia“ im Bild nach der Szene der mondhellen Nacht: „Das klare Lächeln des dämmernden grauäugigen Düsteren treibt bereits die Nacht voran und vergoldet die Wolke des Ostens mit Streifen.“ des Lichts ...“ Oder die Worte des Prologs zum ersten Akt von „Heinrich V.“: „... Stellen Sie sich vor, dass sich hier die Ebenen der beiden Königreiche weit erstrecken, deren Ufer, so nah aneinander geneigt, sich trennen der schmale, aber gefährliche mächtige Ozean. Ein paar Schritte Romeo mit Freunden bedeutete, dass er von der Straße zum Haus zog. Zur Bezeichnung eines Ortes wurden auch „Titel“ verwendet – Tafeln mit einer Inschrift. Manchmal stellte die Szene mehrere Städte gleichzeitig dar, und Inschriften mit ihren Namen reichten aus, um den Betrachter in Aktion zu orientieren. Mit dem Ende der Szene verließen die Charaktere die Bühne, manchmal blieben sie sogar zurück – zum Beispiel verließen verkleidete Gäste die Bühne nicht, die die Straße zum Haus der Capulets entlang gingen („Romeo und Julia“), und das Erscheinen von Lakaien mit Servietten bedeutete, dass sie bereits angekommen waren und sich in den Gemächern der Capulets befanden. Drama galt zu dieser Zeit nicht als „Literatur“. Der Dramatiker strebte nicht nach der Autorschaft, und das war auch nicht immer möglich. Die Tradition des anonymen Dramas entstand im Mittelalter durch Wandertruppen und blieb bestehen. So taucht der Name Shakespeare erst 1593 unter den Titeln seiner Stücke auf. Was der Theaterautor schrieb, hatte er nicht zur Veröffentlichung gedacht, sondern hatte ausschließlich das Theater im Sinn. Ein erheblicher Teil der Dramatiker der elisabethanischen Ära war an ein bestimmtes Theater gebunden und verpflichtete sich, diesem Theater ein Repertoire zu liefern. Der Wettbewerb der Truppen erforderte eine große Anzahl von Theaterstücken. Für den Zeitraum von 1558 bis 1643 wird ihre Zahl in England auf über 2.000 Namen geschätzt. Sehr oft wird das gleiche Stück von mehreren Truppen aufgeführt, wobei jede auf ihre eigene Weise überarbeitet und an die Truppe angepasst wird. Anonyme Autorenschaft schloss literarisches Plagiat aus, und wir konnten nur von „Piraten“-Konkurrenzmethoden sprechen, wenn ein Stück nach Gehör, nach einer ungefähren Aufzeichnung usw. gestohlen wurde. Und in Shakespeares Werk kennen wir eine Reihe von Stücken, die verwendet wurden von Handlungssträngen aus bereits existierenden Dramen. Das sind zum Beispiel Hamlet, König Lear und andere. Das Publikum verlangte nicht den Namen des Autors des Stücks. Dies wiederum führte dazu, dass das geschriebene Stück lediglich die „Grundlage“ für die Aufführung darstellte, der Text des Autors während der Proben in keiner Weise verändert wurde. Die Auftritte der Narren werden oft mit der Bemerkung „Der Narr sagt“ gekennzeichnet, die dem Theater den Inhalt der Narrenszene oder Improvisationen des Narren selbst verleiht. Der Autor verkaufte sein Manuskript an das Theater und machte in der Folge keine Urheberrechtsansprüche oder Rechte daran geltend. Die gemeinsame und damit sehr schnelle Arbeit mehrerer Autoren an einem Stück war sehr verbreitet, zum Beispiel entwickelten einige eine dramatische Intrige, andere einen komischen Teil, Possen von Narren, wieder andere zeigten alle möglichen „schrecklichen“ Effekte, die sehr waren damals populär usw. e. Am Ende der Ära, zu Beginn des 17. Jahrhunderts, begann das literarische Drama bereits auf die Bühne zu kommen. Die Entfremdung zwischen „gelehrten“ Autoren, säkularen „Amateuren“ und professionellen Dramatikern wird immer geringer. Literaturautoren (z. B. Ben Jonson) beginnen, für das Theater zu arbeiten, Theaterautoren wiederum werden zunehmend veröffentlicht.

Die Frage der Periodisierung

Forscher von Shakespeares Werken (dänischer Literaturkritiker G. Brandes, Herausgeber des russischen Gesamtwerks von Shakespeare S. A. Vengerov) präsentierten Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts anhand der Chronologie der Werke seine spirituelle Entwicklung von a „heitere Stimmung“, Glaube an den Triumph der Gerechtigkeit, humanistische Ideale am Anfang des Weges zur Enttäuschung und Zerstörung aller Illusionen am Ende. Allerdings in letzten Jahren Es herrschte die Meinung, dass die Schlussfolgerung über die Identität des Autors aus seinen Werken ein Fehler sei.

1930 schlug der Shakespeare-Gelehrte E. K. Chambers eine Chronologie von Shakespeares Werk nach Genres vor, die später von J. McManway korrigiert wurde. Es gab vier Perioden: die erste (1590–1594) – früh: Chroniken, Renaissancekomödien, „Tragödie des Grauens“ („Titus Andronicus“), zwei Gedichte; die zweite (1594-1600) – Renaissancekomödien, die erste reife Tragödie („Romeo und Julia“), Chroniken mit Elementen der Tragödie, antike Tragödie („Julius Caesar“), Sonette; der dritte (1601-1608) – große Tragödien, antike Tragödien, „dunkle Komödien“; der vierte (1609-1613) – Märchendramen mit tragischem Anfang und glücklichem Ende. Einige der Shakespeare-Gelehrten, darunter A. A. Smirnov, kombinierten die erste und zweite Periode zu einer frühen Periode.

Erste Periode (1590-1594)

Die erste Periode ist ungefähr 1590-1594 Jahre.

Nach literarischen Methoden man kann von einer Periode der Nachahmung sprechen: Shakespeare ist seinen Vorgängern noch immer völlig ausgeliefert. Nach Stimmung Diese Zeit wurde von Befürwortern der biografischen Herangehensweise an das Studium von Shakespeares Werk als eine Zeit des idealistischen Glaubens an die besten Aspekte des Lebens definiert: „Der junge Shakespeare bestraft das Laster in seinen historischen Tragödien enthusiastisch und besingt enthusiastisch hohe und poetische Gefühle – Freundschaft.“ , Selbstaufopferung und vor allem Liebe“ (Vengerov) .

Wahrscheinlich waren Shakespeares erste Stücke die drei Teile von Heinrich VI. Holinsheds Chroniken dienten als Quelle für diese und die folgenden historischen Chroniken. Das Thema, das alle Shakespeare-Chroniken vereint, ist der Wandel in einer Reihe schwacher und unfähiger Herrscher, die das Land in Bürgerkriege und Bürgerkriege führten Bürgerkrieg und die Wiederherstellung der Ordnung mit dem Beitritt der Tudor-Dynastie. Wie Marlowe in Edward II. beschreibt Shakespeare nicht nur historische Ereignisse, sondern erforscht die Motive hinter den Handlungen der Figuren.

S. A. Vengerov sah den Übergang zur zweiten Periode „in Abwesenheit Spielzeug Poesie der Jugend, was für die erste Periode so charakteristisch ist. Die Helden sind noch jung, aber sie haben bereits ein anständiges Leben geführt und Das Wichtigste im Leben ist für sie das Vergnügen. Der Teil ist pikant, lebhaft, aber schon jetzt sind die sanften Reize der Mädchen der beiden Veronier und noch mehr Julias überhaupt nicht darin enthalten.

Gleichzeitig schafft Shakespeare einen unsterblichen und höchst interessanten Typus, der bisher in der Weltliteratur keine Entsprechung hatte – Sir John Falstaff. Der Erfolg beider Teile Heinrich IV„Nicht zuletzt das Verdienst dieser markantesten Figur der Chronik, die sich sofort großer Beliebtheit erfreute. Der Charakter ist zweifellos negativ, aber mit einem komplexen Charakter. Ein Materialist, ein Egoist, ein Mann ohne Ideale: Ehre bedeutet ihm nichts, ein aufmerksamer und einsichtiger Skeptiker. Er leugnet Ehre, Macht und Reichtum: Er braucht Geld nur, um an Nahrung, Wein und Frauen zu kommen. Aber die Essenz des Komischen, der Kern des Bildes von Falstaff ist nicht nur sein Witz, sondern auch ein fröhliches Lachen über sich selbst und die Welt um ihn herum. Seine Stärke liegt in der Erkenntnis der menschlichen Natur, alles, was einen Menschen bindet, ist ihm widerlich, er ist die Verkörperung der Freiheit des Geistes und der Skrupellosigkeit. Als Mann der vergangenen Zeit wird er dort nicht gebraucht, wo der Staat mächtig ist. In der Erkenntnis, dass eine solche Figur in einem Drama über einen idealen Herrscher fehl am Platz ist, in „ Heinrich V Shakespeare entfernt es: Das Publikum wird einfach über Falstaffs Tod informiert. Der Überlieferung nach wird angenommen, dass Shakespeare ihn auf Wunsch von Königin Elizabeth, die Falstaff wieder auf der Bühne sehen wollte, in „ Die lustigen Weiber von Windsor» . Aber das ist nur eine blasse Kopie des ehemaligen Falstaff. Er hat sein Wissen über die Welt um ihn herum verloren, es gibt keine gesunde Ironie und kein Lachen mehr über sich selbst. Nur ein selbstzufriedener Schurke blieb übrig.

Wesentlich erfolgreicher ist der Versuch, im Schlussspiel des zweiten Drittels zum Falstaff-Typ zurückzukehren - "Zwölfte Nacht". Hier haben wir in der Person von Sir Toby und seinem Gefolge sozusagen eine zweite Ausgabe von Sir John, allerdings ohne seinen funkelnden Witz, aber mit der gleichen ansteckenden, gutmütigen Ritterlichkeit. Es passt auch perfekt in den Rahmen der „Falstaffian“-Zeit, in der es größtenteils um eine grobe Verspottung von Frauen geht "Der Widerspenstigen Zähmung".

Dritte Periode (1600-1609)

Die dritte Periode seiner künstlerischen Tätigkeit umfasst ungefähr 1600-1609 Jahre lang bezeichnen Befürworter der subjektivistischen biografischen Herangehensweise an Shakespeares Werk die Zeit der „tiefen spirituellen Dunkelheit“ und betrachten das Erscheinen der melancholischen Figur Jacques in der Komödie als Zeichen einer veränderten Weltanschauung "Wie du es magst" und nannte ihn fast den Vorgänger von Hamlet. Einige Forscher glauben jedoch, dass Shakespeare nach dem Vorbild von Jacques nur die Melancholie verspottete und die Zeit der angeblichen Enttäuschungen im Leben (nach Ansicht der Befürworter der biografischen Methode) durch die Fakten von Shakespeares Biografie nicht wirklich bestätigt wird. Die Zeit, in der der Dramatiker die größten Tragödien schuf, fällt mit der Blüte seiner schöpferischen Kräfte, der Lösung materieller Schwierigkeiten und dem Erreichen einer hohen Stellung in der Gesellschaft zusammen.

Um 1600 schafft Shakespeare "Weiler" ist laut vielen Kritikern sein tiefgreifendstes Werk. Shakespeare behielt die Handlung der bekannten Rachetragödie bei, richtete seine ganze Aufmerksamkeit jedoch auf die spirituelle Zwietracht, das innere Drama des Protagonisten. Ein neuer Heldentyp wurde in das traditionelle Rachedrama eingeführt. Shakespeare war seiner Zeit voraus – Hamlet ist nicht der übliche tragische Held, der Rache für die göttliche Gerechtigkeit ausübt. Als er zu dem Schluss kommt, dass es unmöglich ist, die Harmonie mit einem Schlag wiederherzustellen, erlebt er die Tragödie der Entfremdung von der Welt und verurteilt sich selbst zur Einsamkeit. Nach der Definition von L. E. Pinsky ist Hamlet der erste „reflexive“ Held der Weltliteratur.

Die Helden von Shakespeares „großen Tragödien“ sind herausragende Menschen, in denen sich Gut und Böse vermischen. Angesichts der Disharmonie der Welt um sie herum treffen sie eine schwierige Entscheidung: Wie sie darin existieren sollen, gestalten ihr eigenes Schicksal und tragen die volle Verantwortung dafür.

Gleichzeitig schafft Shakespeare ein Drama. Im ersten Folio von 1623 wird es als Komödie eingestuft, Komik fehlt in diesem ernsten Werk über einen ungerechten Richter fast. Sein Name bezieht sich auf die Lehre Christi über die Barmherzigkeit, im Verlauf der Handlung gerät einer der Helden in Lebensgefahr und das Ende kann als bedingt glücklich angesehen werden. Dieses problematische Werk passt nicht in ein bestimmtes Genre, sondern steht an der Grenze der Genres: Zurück zur Moral ist es auf die Tragikomödie ausgerichtet.

• Sonette, die einem Freund gewidmet sind: 1 -126
• Einen Freund singen: 1 -26
• Freundschaftsprüfungen: 27 -99
• Die Bitterkeit der Trennung: 27 -32
• Erste Enttäuschung bei einem Freund: 33 -42
• Sehnsüchte und Ängste: 43 -55
• Wachsende Entfremdung und Melancholie: 56 -75
• Rivalität und Eifersucht gegenüber anderen Dichtern: 76 -96
• „Winter“ der Trennung: 97 -99
• Feier der erneuerten Freundschaft: 100 -126
• Sonette, die einem dunkelhäutigen Liebhaber gewidmet sind: 127 -152
• Fazit – die Freude und Schönheit der Liebe: 153 -154

Sonett 126 verstößt gegen den Kanon – es hat nur 12 Zeilen und ein anderes Reimmuster. Manchmal wird es als Abschnitt zwischen zwei bedingten Teilen des Zyklus betrachtet – Sonette, die der Freundschaft gewidmet sind (1-126) und an die „dunkle Dame“ gerichtet sind (127-154). Sonett 145 geschrieben im jambischen Tetrameter statt im Pentameter und unterscheidet sich im Stil von den anderen; manchmal wird es der Frühzeit zugeschrieben und seine Heldin wird mit Shakespeares Frau Anna Hathaway identifiziert (deren Nachname, vielleicht als Wortspiel „Hass weg“, im Sonett vorkommt).

Dating-Probleme

Erste Veröffentlichungen

Es wird geschätzt, dass die Hälfte (18) von Shakespeares Stücken zu Lebzeiten des Dramatikers auf die eine oder andere Weise veröffentlicht wurde. Als wichtigste Veröffentlichung von Shakespeares Nachlass gilt das Folio von 1623 (das sogenannte „First Folio“), herausgegeben von Edward Blount und William Jaggard als Teil des sogenannten. „Chester-Sammlung“; Drucker Worrall und Col. Diese Ausgabe umfasste 36 Shakespeare-Stücke – alle außer „Pericles“ und „Zwei edle Verwandte“. Es ist diese Ausgabe, die allen Forschungen auf dem Gebiet Shakespeare zugrunde liegt.

Dieses Projekt wurde durch die Bemühungen von John Heminge und Henry Condell (1556–1630 und Henry Condell, gest. 1627), Freunden und Kollegen Shakespeares, ermöglicht. Dem Buch geht eine Botschaft an die Leser im Namen von Heminge und Condell sowie eine poetische Widmung an Shakespeare – Zur Erinnerung an meinen Geliebten, den Autor – des Dramatikers Ben Jonson (Benjamin Jonson, 1572-1637) voraus war zugleich sein literarischer Gegner, Kritiker und Freund, der zur Veröffentlichung des First Folio, oder wie es auch genannt wird – „The Great Folio“ (Das Große Folio von 1623) beitrug.

Kompositionen

Stücke, die allgemein als Shakespeare gelten

• Die Komödie der Irrtümer (g. – Erstausgabe, – wahrscheinliches Jahr der Erstproduktion)
• Titus Andronicus (g. – Erstausgabe, Urheberschaft ist umstritten)
• Romeo und Julia
• Ein Sommernachtstraum
• Kaufmann von Venedig (r. – Erstausgabe, – wahrscheinliches Entstehungsjahr)
• König Richard III. (r. – Erstausgabe)
• Measure for Measure (g. – Erstausgabe, 26. Dezember – Erstproduktion)
• König John (r. – Erstausgabe des Originaltextes)
• Heinrich VI. (r. – Erstausgabe)
• Heinrich IV. (r. – Erstausgabe)
• Love's Labour's Lost (g. - Erstausgabe)
• Wie es euch gefällt (Schreibweise - - gg., d. - Erstausgabe)
• Zwölfte Nacht (Schreiben – nicht später, gest. – Erstausgabe)
• Julius Caesar (Schreiben -, g. - Erstausgabe)
• Heinrich V. (r. – Erstausgabe)
• Viel Lärm um Nichts (r. - Erstausgabe)
• Die lustigen Weiber von Windsor (G. – Erstausgabe)
• Hamlet, Prinz von Dänemark (r. – erste Ausgabe, r. – zweite Ausgabe)
• Ende gut, alles gut (Schreiben - - gg., g. - Erstausgabe)
• Othello (Erstellung – spätestens im Jahr, Erstausgabe – im Jahr)
• König Lear (26. Dezember
• Macbeth (Schöpfung – ca., Erstausgabe – ca.)
• Antonius und Kleopatra (Schöpfung – gest., Erstausgabe – gest.)
• Coriolanus (r. – Jahr des Schreibens)
• Perikles (g. - Erstausgabe)
• Troilus und Cressida (gest. – Erstveröffentlichung)
• Tempest (1. November – erste Produktion, Stadt – erste Ausgabe)
• Cymbeline (Schrift - g., g. - Erstausgabe)
• Wintermärchen (g. – die einzige erhaltene Ausgabe)
• Der Widerspenstigen Zähmung (gest. – Erstveröffentlichung)
• Zwei Veronier (gest. – Erstveröffentlichung)
• Heinrich VIII. (r. – Erstveröffentlichung)
• Timon von Athen (gest. – Erstveröffentlichung)

Apokryphen und verlorene Werke

Hauptartikel: Apokryphen und verlorene Werke von William Shakespeare

In einer Handschrift, die Shakespeares Unterschriften sehr ähnelt, sind drei Seiten eines gemeinsamen, nie aufgeführten Theaterstücks „Sir Thomas More“ geschrieben (unzensiert). Die Orthographie des Manuskripts stimmt mit den gedruckten Ausgaben von Shakespeares Stücken überein (damals gab es noch kein gemeinsames System der englischen Rechtschreibung). Bestätigte Shakespeares Autorschaft und stilistische Analyse.

Es gibt eine Reihe anderer, die Shakespeare zugeschrieben werden (oder kreative Teams mit seiner Beteiligung) Theaterstücke und Gedichte.

• The Reign of King Edward III, möglicherweise gemeinsam mit Thomas Kyd verfasst (1596).
• Love's Efforts Rewarded (1598) – ein Stück, das entweder verloren gegangen ist oder unter einem anderen Titel bekannt ist („Ende gut, alles gut“ oder „Der Widerspenstigen Zähmung“).
• Cardenio („Double Lies, or Lovers in Distress“) – gemeinsam mit John Fletcher verfasst (1613, herausgegeben 1728 von Lewis Theobald). Nach traditioneller Auffassung handelt es sich bei der Veröffentlichung von 1728 um eine Fälschung, während der Text, an dem Shakespeare beteiligt war, verloren geht. In letzter Zeit glauben jedoch einige Forscher, dass der bekannte Text „Cardenio“ keine Fälschung ist und möglicherweise Shakespeare-Zeilen enthält.
• Yorkshire Tragedy (n/a, Hrsg. 1619, Jaggard)
• Sir John Oldcastle (n/a, Hrsg. 1619, Jaggard)

Fälschungen

• Vortigern und Rowena – Autor. William Henry Irland

„Shakespeare-Frage“

Über Shakespeares Leben ist wenig bekannt – er teilt das Schicksal der überwiegenden Mehrheit der anderen englischen Dramatiker dieser Zeit, deren Privatleben für die Zeitgenossen kaum von Interesse war. Es gibt einen Standpunkt, den sogenannten Anti-Stratfordianismus oder Nicht-Stratfordianismus, dessen Anhänger die Urheberschaft von Shakespeare (Shakspere) aus Stratford leugnen und glauben, dass „William Shakespeare“ ein Pseudonym ist, unter dem eine andere Person oder Personengruppe steht versteckte sich. Zweifel an der Gültigkeit der traditionellen Sichtweise sind mindestens seit 1848 bekannt (und einige Anti-Stratfordianer sehen Hinweise darauf auch in früherer Literatur). Gleichzeitig besteht unter Nicht-Stratfordianern keine Einigkeit darüber, wer genau der wahre Autor von Shakespeares Werken war. Die Zahl der von verschiedenen Forschern vorgeschlagenen möglichen Kandidaten beläuft sich derzeit auf mehrere Dutzend.

Der russische Schriftsteller Lew Nikolajewitsch Tolstoi basiert in seinem kritischen Aufsatz „Über Shakespeare und Drama“ auf einer detaillierten Analyse einiger der beliebtesten Werke Shakespeares, insbesondere: „König Lear“, „Othello“, „Falstaff“, „Hamlet“. usw. – wurde scharfer Kritik an Shakespeares Fähigkeiten als Dramatiker ausgesetzt.

Bernard Shaw kritisierte den romantischen Shakespeare-Kult im 19. Jahrhundert, indem er das Wort „Bardo-Anbetung“ (dt. Bardolatrie).

Shakespeares Werke in anderen Kunstformen

Nach und nach entwickelte sich die neue Dramaturgie, die das Theater des Mittelalters ablöste – Mysterien, allegorische Moral und primitive Volksposse.

In den dreißiger Jahren des 16. Jahrhunderts schrieb Bischof Bayle, ein glühender Protestant, ein Theaterstück, das sich gegen den Katholizismus richtete. Er veranschaulichte seine Gedanken anhand eines Beispiels aus der Geschichte Englands – dem Kampf von König Johann dem Landlosen (reg. 1199 bis 1216) gegen den Papst. In Wirklichkeit war dieser König eine unbedeutende Person, aber er lag dem protestantischen Bischof am Herzen, weil er mit dem Papst verfeindet war. Bayle verfasste eine Moral, in der personifizierte Tugenden und Laster agierten. Die zentrale Figur des Stücks hieß Tugend. Aber gleichzeitig wurde es King John genannt. Unter den düsteren Gestalten, die Laster verkörpern, heißt eine Illegally Seized Power, sie ist auch der Papst; die andere heißt Anstiftung zur Revolte, sie ist auch die Legatin des Papstes. Bayles „King John“ ist eine Art Theaterstück, in dem die Allegorien der alten mittelalterlichen Moral mit dem neuen historischen Genre kombiniert wurden, das später in Shakespeares historischen Stücken seine Blüte erlebte. Bayles „King John“ wurde von Literaturhistorikern mit einem Kokon verglichen: Es ist keine Raupe mehr, aber noch kein Schmetterling.

Gleichzeitig begann sich in den dreißiger Jahren des 16. Jahrhunderts in England das sogenannte „Schuldrama“ zu entwickeln. Es wird so genannt, weil es innerhalb der Mauern von Universitäten und Schulen entstand: Die Stücke wurden von Professoren und Lehrern geschrieben, von Studenten und Schülern aufgeführt. Man kann es aber auch in dem Sinne als „Schuldrama“ bezeichnen, dass die Dramatiker, die es selbst schufen, noch lernten, Theaterstücke zu schreiben, indem sie antike Autoren studierten und sie nachahmten. In den dreißiger Jahren des 16. Jahrhunderts entstand die erste Komödie in englischer Sprache, Ralph Royster-Deuster; Sein Autor war ein damals bekannter Lehrer, Nicholas Youdl, Direktor der Eton School. In den fünfziger Jahren schrieben die gelehrten Juristen Sackville und Norton die erste Tragödie auf Englisch – Gorboduk.

Aber das alles war nur „Schule“. Echte, lebendige dramatische Werke entstanden erst, als Leute von Universitäten – „Universitätsköpfe“ – begannen, ihre Stücke professionellen Schauspielern zu geben. Dies geschah in den achtziger Jahren des 16. Jahrhunderts.

Im Jahr 1586 erscheinen zwei Stücke, die besondere Aufmerksamkeit verdienen. Der Autor des ersten Stücks ist Thomas Kidd (der auch das erste Stück über Hamlet schrieb, das uns leider nicht überliefert ist).

Das Kinderspiel sei eine typische „Tragödie aus Donner und Blut“, wie man damals sagte. Der Titel selbst ist beredt: „Spanische Tragödie“. Dies ist ein noch primitiver Versuch, die Macht menschlicher Gefühle darzustellen. Auf der Bühne erscheint die schreckliche Gestalt der Rache, die an die Bilder einer alten Moral erinnert. Sofort kommt der Geist des ermordeten Andrea zum Vorschein, der sich über die abscheulichen Mörder beschwert und nach seinem schrecklichen Begleiter ruft. Die Aktion beginnt. Der junge Mann Horatio liebt das schöne Mädchen Belimperia, und sie liebt ihn. Aber auch Balthasar, der Sohn des portugiesischen Königs, liebt Belimperia. Balthasar wird mitgenommen, um Belimperias Bruder, dem Verbrecher Lorenzo, zu helfen. In einer mondhellen Nacht, in der junge Leute im Garten sitzen und einander ihre Liebe erklären, kommen maskierte Mörder auf die Bühne und töten Horatio mit Dolchen. Auf der damaligen englischen Bühne stellte man gerne Morde und andere „Schrecken“ dar: Einem Schauspieler wurde eine Flasche roten Essigs unter einen weißen Umhang gestellt; Der Dolch durchbohrte die Blase und auf dem weißen Umhang erschienen rote Flecken. Nachdem sie Horatio mit Dolchen erstochen haben, hängen die Mörder seine Leiche an einen Baum – offenbar, um dem Publikum die mit Blut befleckte Leiche deutlicher zu zeigen. Anschließend nehmen die Attentäter Belimperia gewaltsam mit. Horatios Vater, der alte Jeronimo, rennt zu ihren Schreien hinaus – in einem Hemd, mit einem Schwert in der Hand. Als er die Leiche seines Sohnes an einem Baum hängen sieht, spricht er einen donnernden Monolog aus, in dem er zur Rache aufruft ... Alles, was auf der Bühne passiert, wird von Rache und dem Geist des ermordeten Andrea beobachtet, der jubelnd auf Rache wartet. denn Horatios Mörder sind auch seine Mörder. Doch der alte Jeronimo zögert: Es sei nicht leicht, sich am Königssohn zu rächen. Der unglückliche alte Mann denkt sehnsüchtig über das Leben nach. „O Welt! ruft er. „Nein, nicht die Welt, sondern eine Ansammlung von Verbrechen!“ Er vergleicht sich mit einem einsamen Reisenden, der sich in einer verschneiten Nacht verirrt hat ... Andreas Geist wird von Angst erfasst. Er wendet sich an Vengeance, sieht aber, dass sie schläft. „Wach auf, Rache!“ ruft er verzweifelt. Die Rache erwacht. Und dann kommt dem alten Jeronimo ein Gedanke. Um sein Ziel zu erreichen, plant er, am Hof ​​ein Theaterstück zu inszenieren (der Leser hat bereits einige Ähnlichkeiten zwischen dieser Tragödie und Shakespeares Hamlet bemerkt; wir erinnern uns noch einmal daran, dass Kidd der Autor des ersten Stücks über Hamlet war). An der von Jeronimo inszenierten Aufführung nehmen Belimperia, die in seinen Plan eingeweiht wird, sowie Balthasar und Lorenzo teil. Im Laufe des Stücks müssen sich die Charaktere gegenseitig töten. Der alte Jeronimo sorgt dafür, dass es statt „theatralischer“ Morde zu echten Morden kommt. Die Aufführung endet, aber die Schauspieler stehen nicht vom Boden auf. Der spanische König verlangt von Jeronimo eine Erklärung. Hieronimo weigert sich zu antworten und beißt sich zur Bestätigung seiner Weigerung die Zunge ab und spuckt sie aus. Dann befiehlt der König, ihm einen Stift zu geben, damit er eine Erklärung schreiben kann. Hieronimo bittet mit Zeichen, ihm ein Messer zum Schärfen seiner Feder zu geben, und ersticht sich mit diesem Messer. Eine jubelnde Rache erscheint über einem Haufen blutiger Leichen, was darauf hindeutet, dass die wahre Vergeltung noch bevorsteht: Sie beginnt in der Hölle.

Alles in diesem Stück ist durch und durch theatralisch, bedingt, melodramatisch. Thomas Kidds „Spanische Tragödie“ ist der Vorfahre jenes „romantischen“ Trends in der Dramaturgie der Shakespeare-Ära, der Tragödien wie zum Beispiel „Der weiße Teufel“ oder „Die Herzogin von Malfi“ von Shakespeares Zeitgenossen hervorbrachte – Webster.

Im selben Jahr, 1586, entstand ein Theaterstück ganz anderer Art. Der Titel lautet „Arden from the city of Feversham“ (der Autor ist uns unbekannt). Das ist ein Familiendrama. Darin wird erzählt, wie eine junge Frau, Alice Arden, und ihr Liebhaber Moseby Alices Ehemann töteten. Der Mord selbst wird mit großer Kraft dargestellt, als Alice vergeblich versucht, die Blutflecken wegzuwaschen (dieses Motiv wurde von Shakespeare mit grandioser Kraft in der berühmten Szene entwickelt, in der Lady Macbeth halb schlafend und von Erinnerungen überwältigt umherirrt). Alles in diesem Stück ist lebenswichtig und realistisch. Und die Handlung selbst wurde vom Autor aus dem wirklichen Leben entlehnt. Im Nachwort bittet der Autor das Publikum um Verzeihung dafür, dass das Stück keine „Ausschmückungen“ enthält. Für die Kunst genüge laut Autor die „einfache Wahrheit“. Dieses Stück kann als Vorläufer jener Richtung in der Dramaturgie der Shakespeare-Ära bezeichnet werden, die sich um die Darstellung des Alltags bemühte, wie etwa Thomas Heywoods wunderbares Drama „A Woman Killed by Kindness“. Shakespeares Werk vereint beide Strömungen – romantisch und realistisch.

Das war der Prolog. Die wahren Ereignisse beginnen mit dem Auftritt der Stücke von Christopher Marlowe auf der Londoner Bühne. Marlowe wurde wie Shakespeare 1564 geboren und war nur zwei Monate älter als er. Marlos Heimat war die antike Stadt Canterbury. Christopher Marlos Vater besaß ein Schuhgeschäft. Die Eltern schickten ihren Sohn an die Universität Cambridge in der Hoffnung, ihn zum Priester zu machen. Doch nach ihrem Universitätsabschluss landete Marlo statt auf dem Kirchenaltar auf der Bühne der Londoner Bühne. Aber er war nicht dazu bestimmt, Schauspieler zu werden. Der Legende nach brach er sich das Bein und musste mit der Schauspielerei aufhören. Dann begann er, Theaterstücke zu schreiben. Sein grandioses Epos in zwei Teilen und zehn Akten „Tamerlane der Große“ erschien 1587–1588. In diesem Epos erzählt Marlo vom Leben, den Kriegen und dem Tod des berühmten Feldherrn des XIV. Jahrhunderts.

„Skythischer Hirte“, „Räuber von der Wolga“ wird Tamerlane in Marlos Stück von den östlichen Königen genannt, die er vom Thron stürzt und ihre Königreiche erobert. Tamerlanes Armee besteht laut Marlo aus „einfachen Landjungen“. Marlo porträtiert Tamerlane als muskulösen Riesen. Dies ist ein Mann von phänomenaler körperlicher Stärke, unzerstörbarem Willen und elementarem Temperament. Es ähnelt den mächtigen Figuren, die Michelangelos Meißel geschaffen hat. Das für die Renaissance so typische Motiv der Verherrlichung des irdischen Lebens erklingt in diesem grandiosen dramatischen Epos laut; Von der Bühne sind Worte zu hören: „Ich denke, dass himmlische Freuden nicht mit königlicher Freude auf Erden verglichen werden können!“

Tamerlane ist wie Marlo selbst ein leidenschaftlicher Freidenker. In einem seiner stürmischen, donnernden Monologe sagt er, dass das Ziel des Menschen darin besteht, „für immer zu unendlichem Wissen aufzusteigen und für immer in Bewegung zu sein, wie die Himmelssphären, die keine Ruhe kennen“. Dieser fabelhafte Held ist voller Kraft. Er fährt in einem Streitwagen auf die Bühne, an den anstelle von Pferden die von ihm gefangenen Könige gespannt sind. „Hey, ihr verwöhnten asiatischen Nörgler!“ schreit er und treibt sie mit seiner Peitsche voran.

Marlos nächstes Stück war „Die tragische Geschichte des Doktor Faust“. Es war die erste dramatische Adaption der berühmten Legende. Marlos Stück spiegelte den für die Renaissance so charakteristischen Wunsch des Menschen wider, die Kräfte der Natur zu besiegen. Faust verkauft seine Seele an Mephistopheles, um „die goldenen Gaben des Wissens zu erlangen“ und „in die Schatzkammer der Natur einzudringen“. Er träumt davon, seine Heimatstadt mit einer Kupfermauer zu umschließen und sie für den Feind unzugänglich zu machen, den Flusslauf zu ändern, eine Brücke über den Atlantik zu schlagen, Gibraltar zu füllen und Europa und Afrika zu einem einzigen Kontinent zu verbinden ... „Wie grandios das ist.“ alles ist!" - bemerkte Goethe, der einige Merkmale von Marlos Tragödie für seinen Faust verwendete.

Der grandiose Umfang der Fantasie, der gewaltige Druck der Kräfte, wie mit Mühe, charakterisieren Marlos Werk. „Marlos kraftvoller Vers“, schrieb Ben Jonson. Shakespeare spricht auch vom „kraftvollen Ausspruch“ von Marlowe.

Die Puritaner, die den Kodex der neuen bürgerlichen Moral schufen, waren empört über den leidenschaftlichen Freidenker, der seine Ansichten offen predigte. Eine nach der anderen erreichten den Geheimrat der Königin Denunziationen. Und selbst das einfache Volk blickte manchmal nicht ohne abergläubische Angst auf das, was auf der Bühne geschah, obwohl Marlowes Stücke bei ihnen ein großer Erfolg waren. Sogar in London gab es ein solches Gerücht. Einmal, nach der Aufführung von Faust, stellte sich heraus, dass der Schauspieler, der die Rolle des Mephistopheles spielte, krank war und nicht ins Theater ging. Wer spielte dann an diesem Tag Mephistopheles? Die Schauspieler stürmten in die Umkleidekabine und erst dann ahnten sie anhand des Schwefelgeruchs, dass der Teufel selbst an diesem Tag auf der Londoner Bühne auftrat.

Marlo schrieb mehrere weitere Theaterstücke (sein bestes Stück in Bezug auf die Lebendigkeit der von ihm geschaffenen Menschenporträts ist die historische Chronik „König Edward II“). Doch sein erstaunliches Talent sollte sich nicht in voller Stärke entfalten. Am 30. Mai 1593 wurde Christopher Marlowe, in seinem dreißigsten Lebensjahr, in einer Taverne getötet. Die Puritaner jubelten. „Der Herr hat diesen bellenden Hund an den Haken der Rache gesetzt“, schrieb einer von ihnen.

Um den Tod von Marlo ranken sich viele Legenden. Einige Legenden erzählen, dass Marlo in einer Schlägerei unter Alkoholeinfluss ums Leben kam, nachdem er sich mit seinem Mörder wegen einer Prostituierten gestritten hatte; andere sagten, er sei gefallen, als er die Ehre eines unschuldigen Mädchens verteidigte. Bis vor Kurzem wurde diesen Legenden ernsthaft zugehört. Und erst 1925 gelang es dem amerikanischen Professor Leslie Hotson, in den englischen Archiven Dokumente zu finden, die neues Licht auf die Umstände von Marlos Tod werfen (Hotsons Entdeckungen sind im Buch „Leslie Hotson. The Death of Cristopher Marlowe, 1925“ dargelegt). Und es stellte sich heraus, dass der Mord an Marlo das Werk des Geheimrats von Königin Elizabeth war; Bei der Ermordung von Marlo war ein gewisser Field anwesend – ein Agent des Geheimen Rates.

So starb der „Vater des englischen Dramas“ Christopher Marlowe, ohne seine schöpferischen Kräfte vollständig zu offenbaren. Und gerade in diesem Jahr, als sein Stern, der mit hellem, leidenschaftlichem und ungleichmäßigem Glanz brannte, unterging, begann der Stern von William Shakespeare am Theaterhimmel Londons aufzusteigen. Im Gegensatz zu seinen Vorgängern, die eine Universitätsausbildung und „Universitätsgeister“ hatten, war dieser neue Dramatiker ein bloßer Schauspieler.

Wir haben nur einige der Vorgänger Shakespeares erwähnt. Tatsächlich nutzte Shakespeare umfassend die gesamte literarische Vergangenheit seines Heimatlandes. Er hat viel von Chaucer übernommen (zum Beispiel führt uns Shakespeares Gedicht „Lucretia“ mit seinen Handlungswurzeln zu Chaucers „Legends of Good Women“; die Bilder von Theseus und Hippolyta in der Komödie „Ein Sommernachtstraum“ wurden wahrscheinlich von „ „The Knight's Tale“ aus Chaucers berühmten Canterbury Tales, Chaucers Gedicht Troilus and Cressida beeinflusste Shakespeares gleichnamige Komödie usw.). Shakespeare verdankte Edmund Spenser, dem Autor von The Faerie Queene, und anderen Dichtern seiner Schule viel. Aus „Arcadia“ von Philip Sidney entlehnte Shakespeare die Handlung, die er im Bild des von seinem Sohn Edmund („König Lear“) verratenen Gloucester verkörperte – auch Shakespeare würdigte den Euphuismus. Unter den Vorläufern Shakespeares sind schließlich die namenlosen Erzähler englischer Volksballaden zu nennen. In der englischen Volksballade entsteht das tragische Handlungsdrama, das so typisch für das Werk Shakespeares und seiner Zeitgenossen ist. Viele Gedanken und Gefühle, die seit langem unter den Menschen existieren und sich in Volksballaden und Liedern widerspiegeln, haben in Shakespeares Werk eine brillante künstlerische Verkörperung gefunden. Die Wurzeln dieser Kreativität reichen tief in den Volksboden.

Von den Werken der ausländischen Literatur wurde Shakespeare vor allem von den italienischen Kurzgeschichten Boccaccio und Bandello beeinflusst, aus denen Shakespeare eine Reihe von Handlungssträngen für seine Stücke entlehnte. Eine ins Englische übersetzte Sammlung italienischer und französischer Kurzgeschichten mit dem Titel „The Hall of Delights“ war Shakespeares Handbuch. Für seine „Römischen Tragödien“ („Julius Caesar“, „Coriolanus“, „Antonius und Kleopatra“) griff Shakespeare Handlungsstränge aus Plutarchs „Leben berühmter Persönlichkeiten“ auf, die er in Norths englischer Übersetzung las. Zu seinen Lieblingsbüchern gehörten auch Ovids Metamorphosen in einer englischen Übersetzung von Golding.

Shakespeares Werk wurde von vielen Dichtern, Schriftstellern und Übersetzern vorbereitet.