Das Kostüm im Ballett ist einer der wichtigen Bestandteile der Gestaltung der Aufführung, die sowohl den Anforderungen eines bestimmten ideologischen und figurativen Inhalts als auch den Besonderheiten der choreografischen Kunst entspricht. Die Rolle des Kostüms im Ballett ist wichtiger als im Schauspiel oder in der Oper, da das Ballett frei von verbalem Text ist und seine spektakuläre Seite eine erhöhte Last trägt. Wie in anderen Theaterformen prägt das Kostüm im Ballett die Figuren, offenbart ihre historischen, sozialen, nationalen und individuellen Eigenheiten. Gleichzeitig muss es den Anforderungen der Tanzbarkeit genügen, d. h. leicht und bequem zum Tanzen sein, die Struktur des Körpers nicht verbergen, sondern offenbaren, Bewegungen nicht behindern, sondern unterstützen und betonen. Die Anforderungen an figurativ-charakteristische Konkretheit und Tanzbarkeit geraten oft in Konflikt miteinander. Sowohl exzessive „Lebenszeit“ als auch die schematische Verarmung eines Ballettkostüms sind Extreme, die im Einzelfall nur durch den besonderen Inhalt und die Gattung eines bestimmten Werkes gerechtfertigt werden können. Die Kunst des Ballettkünstlers liegt darin, diese Widersprüche und Extreme zu überwinden, eine organische Einheit von Bild und Tanz zu erreichen.
Das Ballettkostüm als Kleidung der Figuren ist gleichzeitig ein Element der ganzheitlichen künstlerischen Lösung der Aufführung, die die Aufgabe stellt, ihre Farbe und Farbabstimmung mit der Kulisse zu einem einzigen Bild "einzufügen". . Das Kostüm ist das „beweglichste“ Element der visuellen Gestaltung des Balletts. Deshalb kann er einen dynamischen Anfang hineinbringen, ihn mit Rhythmen füllen, die den Rhythmen der Musik entsprechen. Das Kostüm ist in diesem Sinne gleichsam ein Bindeglied in der Synthese bildende Kunst und Musik in einer Ballettaufführung.
Hauptkostüme Schauspieler normalerweise individueller als Corps de Ballet-Kostüme. Die Vereinheitlichung der Kostüme des Corps de Ballet betont seine Emotionalität und stellt nicht dar. Bedeutung, entspricht der Einheit und Verallgemeinerung von Tanzkompositionen. Der Unterschied in Farbe und manchmal in Form von Kostümen offenbart oft den Kontrast verschiedener Gruppen des Corps de Ballet in einem Massentanz oder in polyphon komplexen choreografischen Kompositionen (z. B. in der Prozessionsszene in der "Legend of Love") , inszeniert von Yu. N. Grigorovich, Art. S B. Virsaladze). In Fällen, in denen das Corps de Ballet eine echte, vielfältige Menge darstellt, können seine Kostüme auch individualisiert werden (z. B. die Personen im 1. Akt von Don Quijote, inszeniert von A. A. Gorsky, Künstler K. A. Korovin, 1900). Die Kostüme der Hauptfiguren stimmen in Schnitt und Farbe meist mit den Kostümen des Corps de Ballet überein, werden mit diesen nach dem Prinzip der Einheit oder des Kontrasts kombiniert, je nach spezifischem figurativen Inhalt des Tanzes.
Das Kostüm im Ballett hat sich im Zusammenhang mit der Entwicklung der choreografischen Kunst selbst historisch verändert. In den ersten Entwicklungsstadien unterschied es sich fast nicht von der Alltagskleidung des höfisch-aristokratischen Umfelds. Bei barocken Aufführungen war das Kostüm besonders üppig und oft schwer. In der Zeit des Klassizismus erschien eine stilisierte antike Tunika (Tunika), und Volkskostüme begannen, in Comedy-Balletts einzudringen. Reformer Ballett Theater J. J. Nover in con. 18. Jahrhundert nahm große Änderungen am Kostüm vor, machte es leichter, vereinfachte Schuhe und verkürzte Frauenkleider. In der Kunst der Romantik fand jedoch eine radikale Reform des Ballettkostüms statt, die zur Bildung seiner modernen Grundlagen führte ("La Sylphide", 1832, "Giselle" in post. F. Taglioni usw.). Anstelle eines Haushaltsrocks begannen sie, eine lange Tunika zu verwenden (nicht zu verwechseln mit einer antiken Tunika!), die zum Vorgänger des Rudels wurde; Schuhe mit Absätzen wurden durch spezielle Ballettschuhe ersetzt, die das Tanzen auf Spitze ermöglichten. Der Gegensatz von realer und fantastischer Welt wurde durch die Kostüme betont. Die verallgemeinerte idealisierte Natur symphonischer Tanzkompositionen drückte sich in der Einheit der Corps de Ballet-Kostüme aus. In den Auftritten von A. Saint-Leon und M. I. Petipa verwandelte sich die romantische Tunika in ein Rudel, das später immer kürzer wurde.
Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der Tracht leisteten schon früh russische Künstler. 20. Jahrhundert Für L. S. Bakst wurde das eigentliche Konzept eines Kostüms in Verbindung mit der choreografischen Bewegung geboren; in seinen skizzen werden die kostüme in den scharf charakteristischen, oft übertriebenen bewegungen der tänzer dargestellt. Die Kostüme von K. A. Korovin zeichnen sich durch ihren koloristischen Reichtum und ihre malerische Einheit mit der Szenerie aus. Das subtile Gespür für die Zeit und die Individualität des Charakters, charakteristisch für A. N. Benois, spiegelte sich auch in seinen Kostümen wider. In den Kostümen von N. K. Roerich werden die Urgewalt und die primitive Exotik seiner Figuren transportiert. Die Künstler der „World of Art“ verabsolutierten oft die farbliche Bedeutung der Tracht und interpretierten sie als rein malerischen Fleckchen großes Bild, den Tänzer manchmal ignorieren oder sogar unterdrücken (z. B. B. I. Anisfeld). Aber gleichzeitig waren sie eine außerordentliche Bereicherung künstlerische Ausdruckskraft und Bilder eines Ballettkostüms.
Im sowjetischen Ballett der in den 1920er Jahren entstandene Kostümstil. F. F. Fedorovsky und A. Ya. Golovin, stand den Maltraditionen der "Welt der Kunst" teilweise nahe. Gleichzeitig haben Vertreter des freien Tanzes (Anhänger von A. Duncan) die alte Tunika (Tunika) wiederbelebt. In den Experimenten von K. Ya. Goleizovsky führten die Tänzer ihre Nummern in Trikots, "Leotards", auf, die den Körper entblößten, aber gleichzeitig das Kostüm auf eine Ballettuniform reduzierten. Studio "Drum Ballet" N. S. Gremina kultivierte Alltagskostüme. Merkmale des Konstruktivismus spiegelten sich in den Skizzen von A. A. Exter, in "Dances of Machines" von N. M. Forreger, in der Einführung von Produktionsuniformen in Balletten über die Moderne ("The Bolt" im Design von T. G. Bruni usw.). Im Ballettdrama der 30-50er Jahre. Künstler strebten nach maximaler historischer, gesellschaftlicher, alltagstauglicher Konkretisierung des Kostüms und näherten es dramatischen Kostümen an. Theater ("Lost Illusions" von Asafiev im Design von V. V. Dmitriev, 1936 usw.). Sehr wichtig in diesen Jahren hatte die Schaffung von Bühne. Optionen für nar. Kostüme, im Zusammenhang mit der weiten Verbreitung von Kojenensembles. Tanz, national Balletttruppen und beliebte Szenen in Ballettaufführungen (The Flames of Paris, 1932, und Partisan Days von Asafiev, 1937, entworfen von Dmitriev; Heart of the Mountains, 1938, und Laurencia, 1939, entworfen von S. B. Virsaladze und anderen). Im Gegensatz zu den Trends in der Entwicklung eines Ballettkostüms, das für diese Zeit charakteristisch ist, vom Ende. 50er Merkmale von Abstraktion und Schematismus, Monotonie und Monotonie des Balletts im Ballett tauchten auf, insbesondere bei der Inszenierung von handlungslosen Balletten zur Symphonie. Musik.
Ein herausragender Kostümbildner ist S. B. Virsaladze. Seine Werke (insbesondere in den von Yu. N. Grigorovich inszenierten Performances) zeichnen sich durch eine organische Einheit von figurativer Charakterisierung und Tanz aus. Der Künstler verarmt das Kostüm nie, verwandelt es nie in eine saubere Uniform und ein abstraktes Schema. Sein Kostüm spiegelt stets die figurativen Züge des Helden wider und ist gleichzeitig in Bewegung konzipiert, in Einheit mit der Idee und dem Werk des Choreografen geschaffen. Virsaladze kleidet weniger die Charaktere als den Tanz. Seine Kostüme zeichnen sich durch einen hohen, oft raffinierten Geschmack aus. Ihr Schnitt und ihre Farbe bringen Tanzbewegungen zur Geltung und betonen sie. Die Kostüme in Virsaladzes Performances werden in ein bestimmtes System gebracht, das den Besonderheiten der Choreographie entspricht. Sie werden farblich auf die Szenerie abgestimmt, entwickeln ihr Bildthema weiter, fügen neue farbige Striche hinzu, dynamisieren sie im Einklang mit Tanz und Musik. Virsaladzes Werke zeichnen sich durch eine Art „malerischen Symphonismus“ aus, der maßgeblich durch das Ballettkostümsystem geschaffen wird.
Das moderne Balletttheater zeichnet sich durch eine Vielzahl künstlerischer Kostümlösungen aus. Er transformiert die gesamte historische Erfahrung der Kostümentwicklung und ordnet sie den besonderen künstlerischen Aufgaben einer bestimmten Aufführung unter.

Die Geschichte der Ballettkostüme begann vor mehreren Jahrhunderten. Die ersten Primaballerinas waren gezwungen, obwohl luxuriös aussehende, aber extrem schwere Kleider zu tragen: Puffige lange Röcke und Korsetts waren mit Streuungen von Steinen, Perlen und Volants verziert, was die Bewegungen einschränkte. Die Ballettkleidung für Frauen hat sich durch den Choreografen Filippo Taglioni, der im 19. Jahrhundert erstmals ein völlig neues Kostüm entwickelte und Spitzenschuhe für seine Tochter erfand, grundlegend verändert. Andere Kenner der Geschichte behaupten, dass Maria Taglioni die Entdeckerin wurde, aber das Kleidungsdesign selbst wurde vom Künstler Eugene Lamy entworfen. Und im März 1839 sah die Welt zum ersten Mal Maria Taglioni auf der Spitze, die anmutig komplexe Ballettschritte vorführte.

Seitdem begann sich die Ballettkleidung schnell zu verändern und wurde kürzer und leichter. Schließlich war es wirklich schwierig, in weiten Röcken mit schweren Korsetts auf Spitzenschuhen zu tanzen. Röcke wurden aus luftigen Stoffen genäht, ihre Länge reichte bis zu den Knien und änderte sich leicht nach oben oder unten. Auch die Lautstärke nahm allmählich ab.

Eine ganze Epoche in der Entwicklung des Balletts in der UdSSR war die Zeit des „Eisernen Vorhangs“. Dann wurde das klassische Tutu am häufigsten verwendet. Und aufgrund der Tatsache, dass die Trends der westlichen Fashionistas den sowjetischen Ballerinas verschlossen waren, erkannte die Weltgemeinschaft im Laufe der Zeit, dass die russische Schule in Technik und Schönheit der Leistung ihresgleichen sucht. Anmutige Körperlinien, die dem Ideal der Bewegung nachempfunden sind - russische Ballerinas wurden von dem Moment an, als der "Vorhang" fiel, bis heute von allen bewundert.

Im modernen Tanz gibt es keine so strengen Anforderungen an die Kleidung. Zum Beispiel, Ballettkostüm für ein Mädchen kann es aus einem Trainingsrock und Strumpfhosen, einem Badeanzug und weißen Socken bestehen. Natürlich wird das Kostüm für Aufführungen völlig anders sein. Trotzdem treten Ballerinas heute in eng anliegenden Kleidern, in Strumpfhosen, in frei geschnittenen Röcken auf und können natürlich nicht auf einen klassischen Sonnenrock verzichten.

Die Packung verdient immer besondere Aufmerksamkeit. Schließlich erhält das Ballerina-Kostüm mit ihr die vollständige Vervollständigung des Bildes. Die gängigsten Packungsarten sind:

1. Das klassische Tutu ist ein runder, stehender Rock aus 10-12 Lagen, der auf Ballerinas in solchen Produktionen zu sehen ist, wie zum Beispiel " Schwanensee"," Don Quijote "," Paquita "usw. Meistens wird ein Stahlbügel zur starren Fixierung eingesetzt. Eine Ausnahme können Bündel für die Kleinsten sein. Um den Rock immer in Form zu halten, ist es vorzuziehen, ihn aufzubewahren im Sonderfall im Stehen .

2. Tutu-Glocke oder Chopinka - ein länglicher, luftiger Rock. Es hat keine starren Ringe und die Anzahl der Stofflagen ist viel geringer als beim klassischen. Dadurch wirken Ballerinas besonders ehrfürchtig und zart. Chopinka ist ideal, um romantische Rollen zu spielen. Zum Beispiel für die Produktion von "Sylphilia", "Vision of the Rose".

3. Chiton – ein einlagiger Guipure-Rock, der einem ohnehin schon schlanken Modell noch mehr Zerbrechlichkeit verleiht Weiblicher Körper auf der Bühne. Am häufigsten getragen für die Produktion von "Romeo und Julia".

Jede Ballettkleidung, die Sie bei uns kaufen können, spiegelt Individualität wider, betont Raffinesse und Weiblichkeit. Obwohl es scheint, dass zum Beispiel ein klassischer Rock nicht anders genäht werden kann, wird ein leichtes Absenken oder Anheben der Kanten vollständig ausfallen neues Aussehen! Verzieren Sie mit Perlen, Strasssteinen, Perlen, Streifen, Federn - und jetzt erhalten Sie ein völlig neues Kostüm, das sonst niemand hat. Kontaktieren Sie uns – und wir machen Ihr Bild perfekt!

Sie gilt zu Recht als höchste Stufe der choreografischen Kunst, wo der Tanz zur musikalischen Bühnenperformance wird. Diese Kunstform entstand im 15.-16. Jahrhundert, viel später als der Tanz. Zunächst war es eine höfisch-aristokratische Kunst. Tanz ist das wichtigste Ausdrucksmittel im Ballett, aber die dramaturgische Grundlage, die Szenografie, die Arbeit der Kostüm- und Lichtdesigner sind von nicht geringer Bedeutung.

Klassisches Ballett ist ein Geschichtentanz, bei dem Tänzer immer eine Geschichte durch Tanz erzählen. Das klassische Ballett in mehreren Akten widmet sich traditionell Mythen, Märchen, historische Themen. Genre-Aufführungen können heroisch, komisch, Folklore sein.

Der Ursprung des Namens ist entweder das lateinische Ballo - „Ich tanze“ oder das französische Balleto, das die gleiche Bedeutung hat.

Ballett ist sowohl eine Tanzaufführung als auch eine Spielart der Theater- und Musikkunst, bei der mit Hilfe von Plastizität und Choreografie ausdrucksstarke künstlerische Bilder entstehen.

Die Theatralisierung des Tanzes begann in Italien im 15. Jahrhundert, als Tanzmeister begannen, Hof- und Gesellschaftstänze auf der Grundlage von Volkstänzen zu kreieren.

Erstes Ballett

Die erste Ballettaufführung, bei der Tanz, Musik, Pantomime und Wort kombiniert wurden, fand Ende des 16. Jahrhunderts in Frankreich am Hof ​​von Katharina von Medici statt. Es hieß "Circe and the Nymphs" und wurde von Baltazarini di Belgiojoso inszeniert, einem wunderbaren Choreografen und Geiger, der mit seinem Violinorchester aus Italien angereist war.

Es war eine Inszenierung mit uralter Handlung, die den Grundstein für die Entwicklung des französischen Hofballetts legte. Zwischenspiele, Pastorale, Maskeraden und Tanzdivertissement wurden schnell zum Höhepunkt höfischer Festlichkeiten.

Grundlegende Kanons des Balletts, zusammengestellt von Pierre Beauchamp

Jeder Tanz hat im Grunde bestimmte Regeln, und der Tanz wurde zum Ballett, als der Choreograf Pierre Beauchamp die Kanons einer edlen Tanzweise beschrieb.

Beauchamp teilte die Bewegungen des Tänzers in Gruppen ein – Sprünge, Kniebeugen, verschiedene Körperhaltungen und Drehungen. Die Grundlage dieser Art von Tanzkunst war das Prinzip der Eversion der Beine, dank derer sich der Körper in verschiedene Richtungen bewegen konnte. Die obigen Bewegungen wurden basierend auf drei Handpositionen und fünf Fußpositionen ausgeführt.

Entwicklung des Balletts

Von diesem Moment an begann die Entwicklung des Balletts, das im 18. Jahrhundert zu einer eigenständigen Kunst wurde.

Die Entwicklung der Ballettschulen beginnt in ganz Europa und erreicht Russland, wo 1738 das Russische Kaiserliche Ballett in St. Petersburg gegründet wurde.

Die frühen Tänzer hatten es schwer - sie trugen sehr komplexe Kostüme, schwere Röcke machten es schwierig, sich zu bewegen. Aber allmählich änderte sich das Kostüm - Ballettschuhe verloren ihre Absätze, die Roben der Ballerinas wurden leicht und luftig.

Choreografen brachten Tänzern bei, Emotionen mit Gesten und Mimik auszudrücken, mythologische Themen wurden durch Geschichten über ferne Länder ersetzt, Liebesgeschichten und Märchen. In dieser Form hat sich das klassische Ballett bis heute als eine der bildenden Tanzkünste erhalten.

Ein bisschen über die Geschichte des Ballettkostüms Eine Ballerina ist in den Köpfen jeder Person sicherlich in einem Tutu vertreten. Dieses Bühnenkostüm ist aus dem klassischen Ballett nicht mehr wegzudenken. Dies war jedoch nicht immer der Fall. Das moderne Bild einer Ballerina hat, bevor es endgültig geformt wurde, viele Veränderungen erfahren und einen langen Weg zurückgelegt. Viele mögen überrascht sein, aber vor dem zweiten Hälfte XIX Jahrhundertelang traten Ballerinas auf der Bühne einfach in eleganten Kleidern auf, die sich kaum von denen unterschieden, in denen die Zuschauer kamen. Es war ein Kleid mit Korsett, etwas kürzer als üblich, ziemlich klobig. Ballerinas traten immer in Absätzen auf. Der Anteil der Ballerinas wurde durch die neue Mode für die Antike etwas erleichtert. Übrigens wurden mythologische Handlungen im Ballett verwendet, zum Beispiel Cupid und Psyche. Damen fingen an, luftige, durchscheinende Kleider mit hoher Taille zu tragen. Sie wurden sogar leicht angefeuchtet, damit der Stoff besser am Körper anliegt. Unter den Kleidern wurden Strumpfhosen und an den Füßen Sandalen getragen. Doch im Laufe der Zeit wurde die Technik der Ballerinas komplizierter und für die Bühne wurde leichtere Kleidung erforderlich. Zuerst wurden die Korsetts prima aufgegeben, dann die Röcke gekürzt und das Kleid selbst begann zu passen wie eine zweite Haut. Wer hat die Packung erfunden. Erstmals in einem Ballettröckchen trat Maria Taglione am 12. März 1839 vor das Publikum. An diesem Tag fand die Premiere von „La Sylphide“ statt, bei der die Ballerina die Hauptrolle der Märchenfee spielte. Für eine solche Rolle war ein entsprechendes Outfit erforderlich. Es wurde für die Tochter von Filippo Taglioni erfunden. Einer Version zufolge wurde die unbeholfene Figur der Maria zum Anstoß für die Entstehung der späteren klassischen Ballettkleidung. Um die Mängel zu verbergen, hat sich Taglioni ein Kleid ausgedacht, das der Heldin Leichtigkeit und Anmut verleiht. Das Kleid wurde nach den Skizzen von Eugene Lamy erstellt. Dann wurde der Rock aus Tüll genäht. Zwar war das Tutu damals gar nicht so kurz wie heute. Die nächste „Umwandlung“ des Rudels erfolgte wenig später. Doch zunächst nahm die Ballettwelt selbst solch bescheidene Kleidung mit Anfeindungen auf. Das Tutu war vor allem nicht nach dem Geschmack von Ballerinas mit nicht sehr schönen Beinen. Doch die Freude des Publikums und der Kunstkritik, die die Leichtigkeit der Tänzer bewunderten, kannte keine Grenzen. Nicht die letzte Rolle spielte dabei ein Rudel. So hat dieses Kostüm Wurzeln geschlagen und wurde dann zu einem Klassiker. Übrigens gibt es eine Legende über Maria Taglioni. Als sie die Grenze zu Russland passierte, fragten die Zollbeamten, ob sie Schmuck bei sich habe. Dann hob die Ballerina ihren Rock und zeigte ihre Beine. Maria war die erste, die Spitzenschuhe trug. Wie sich das Tutu in Russland gewöhnt hat. Das zaristische Russland war konservativ und akzeptierte die Neuheit nicht sofort. Dies geschah erst ein halbes Jahrhundert später. Aber in unserem Land änderte sich das Rudel erneut. Prima wurde zum Innovator Bolschoi-Theater Adeline Juri in den frühen 1900er Jahren. Der launischen Dame gefiel der lange Rock nicht, in dem sie für Fotografen posieren sollte. Die Ballerina nahm einfach die Schere und schnitt ein ordentliches Stück des Saums ab. Seitdem ist die Mode für kurze Rucksäcke vorbei. Wie sonst hat sich das Rudel verändert. Obwohl das Tutu seit Anfang des 20. Jahrhunderts die Form und Form angenommen hat, die wir bis heute kennen, wurde schon immer damit experimentiert. In Produktionen wie Marius Petipa konnte sich die Ballerina in Kostümen verschiedener Stilrichtungen verkleiden. In einigen Szenen trat sie in der üblichen "zivilen" Kleidung auf, und für Soloparts zog sie ein Tutu an, um all ihr Können und Talent zu demonstrieren. Anna Pavlova trat in einem langen und weiten Rock auf. In den 1930er und 1940er Jahren kehrte das Ballettröckchen aus dem 19. Jahrhundert auf die Bühne zurück. Erst jetzt wurde sie anders genannt - "shopenka". Und das alles, weil Mikhail Fokin die Tänzer in seine Chopiniana kleidete. Andere Regisseure verwendeten gleichzeitig ein kurzes und üppiges Tutu. Und seit den 60er Jahren ist daraus nur noch ein flacher Kreis geworden. Womit auch immer die Packung verziert ist: Strasssteine, Glasperlen, Federn, Edelsteine. Woraus bestehen Verpackungen? Ballettröckchen sind aus einem leicht durchscheinenden Stoff - Tüll - genäht. Zuerst erstellen Designer eine Skizze. Natürlich werden die Merkmale der Figur jeder Ballerina berücksichtigt, und daher ist die Skizze des Kleides für jede Tänzerin unterschiedlich. Die Breite des Tutus richtet sich nach der Körpergröße der Ballerina. Im Durchschnitt beträgt sein Radius 48 cm.Als nächstes machen sich die Näherinnen ans Werk. Das ist eine mühselige Arbeit, denn die Handwerkerinnen müssen die Stofffalten auf eine bestimmte Weise legen. Eine Packung nimmt mehr als 11 Meter Tüll auf. Es dauert ungefähr zwei Wochen, um eine Packung herzustellen. Bei aller Modellvielfalt gibt es beim Schneidern strenge Regeln. So werden beispielsweise niemals Reißverschlüsse oder Knöpfe an Rucksäcken angenäht, die sich während einer Aufführung lösen können. Als Befestigungselemente werden nur Haken verwendet, aber in strenger Reihenfolge, oder besser gesagt in einem Schachbrettmuster. Und manchmal, wenn die Produktion besonders schwierig ist, werden die Tutus von Hand an die Tänzer genäht, bevor sie auf die Bühne gehen. Was sind die Packungen. Das Rudel hat viele Namen. Wenn Sie also irgendwo die Wörter „Tunika“ oder „Tutu“ hören, wissen Sie, dass sie dasselbe Paket bedeuten. Lassen Sie uns nun herausfinden, welche Arten von Packungen es gibt. Das klassische Tutu ist ein pfannkuchenförmiger Rock. Die Solisten sind übrigens direkt an der Entstehung ihres Kostüms beteiligt. Sie können sich für eine Tutu-Form entscheiden, die parallel zum Boden oder mit einem leicht fallenden Rock sein kann. "Shopenka", ein langer Rock, nähe ich auch aus Tüll. Diese Rockform eignet sich sehr gut zum Gestalten von Fabelwesen oder unbelebten Wesen. Der Vorteil eines solchen Outfits besteht darin, dass es unzureichend angezogene Knie und andere Mängel verbirgt, aber die Aufmerksamkeit auf die Füße lenkt. Eine andere Art von Kleidung, die nicht aus dem Ballettgebrauch herauskommt, ist eine Tunika. Sein Rock ist einlagig, häufiger aus Chiffon genäht. In diesem Kleid wird die Rolle der Julia gespielt. Warum brauchen wir Tutus während der Proben? Für Proben von Ballettaufführungen werden Tutus separat genäht. Sie lassen sich leichter an- und ausziehen als solche, in denen Ballerinas auf die Bühne gehen. So können alle Teile eines Bühnenkostüms zusammengenäht werden, während für Proben kein Mieder benötigt wird, sondern nur ein Rock mit Höschen. Außerdem haben Probepackungen nicht so viele Schichten. Ein Probe-Tutu ist ein Muss. Tänzer sollen schließlich sofort sehen, wo das Tutu stört, wo es hochrutschen oder von einem Partner verletzt werden kann. Und der Regisseur wird in der Lage sein, ein Tanzmuster zu bilden. Wo sonst kommt ein Tutu zum Einsatz. Das Tutu ist so fest verankert, dass es nicht nur auf der Ballettbühne zum Einsatz kommt. Richtig, außerhalb ihres Rudels dient sie für komische Nummern von Varieté-Künstlern und sogar im Zirkus.

Als ich das Internet weiter nach einer Übereinstimmung mit dem Suchwort "Ballett" durchsuchte, stieß ich auf meine Lieblingsressource Gey.ru, deren Bewohner, wie sich herausstellte, Ballett sehr mögen. Und sie schenken ihm viel Aufmerksamkeit.
Hier ist, was ich zum interessantesten (und mehr als einmal diskutierten) Thema Ballettkostüm entdeckt habe.

Ballettkostüm für Herren: von Mieder und Pantalons bis hin zu voller Nacktheit

Für Männer im Ballettkostüm begann alles mit so viel Schnickschnack, dass man sich heute gar nicht mehr vorstellen kann, wie man in solchen Outfits nicht nur tanzen, sondern sich einfach auf der Bühne bewegen kann. Doch die Tänzer zeigten sich als echte Kämpfer für die vollständige Befreiung des Körpers von den Fesseln der Lumpen. Der Weg, den sie zurücklegen mussten, um fast nackt vor dem Publikum zu erscheinen, nur die "Scham" mit einem Feigenblatt namens Bandage oder sogar nackt zu bedecken, erwies sich als lang, dornig und skandalös.
Rock auf dem Rahmen
Was war ein Tänzer in den Anfängen des Balletts? Das Gesicht des Künstlers wurde von einer Maske verdeckt, sein Kopf war mit einer hohen Perücke mit flauschigen, flauschigen Haaren geschmückt, deren Enden auf seinen Rücken fielen. Über der Perücke wurde ein weiterer unglaublicher Kopfschmuck angezogen. Anzugstoffe waren schwer, dicht und großzügig gepeitscht. Die Tänzerin erschien auf der Bühne in einem Rock auf einem Rahmen, der fast bis zu den Knien reichte, und in hochhackigen Schuhen. Mäntel aus Gold- und Silberbrokat wurden auch in der Männerkleidung verwendet und reichten bis zu den Fersen zurück. Nun, nur ein Weihnachtsbaum, der nicht mit bunten Glühbirnen leuchtet.
Ende des 18. Jahrhunderts begann sich das Ballettkostüm allmählich zu verändern und wurde leichter und eleganter. Grund ist die kompliziertere Tanztechnik, die die Befreiung des männlichen Körpers von schweren Outfits erfordert. Kostüminnovationen werden wie immer vom Trendsetter Paris diktiert. Der Hauptdarsteller trägt jetzt eine griechische Tunika und Sandalen, deren Riemen sich um den Knöchel und den Ansatz der Wade der nackten Beine wickeln. Der Tänzer des Demi-Charakter-Genres tritt in einem kurzen Leibchen, Schlüpfer und langen Strümpfen auf, der Tänzer der charakteristischen Rolle - in einem Theaterhemd mit offenem Kragen, Jacke und Hose. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts taucht ein so wichtiges Merkmal der Herrenkleidung auf, das übrigens bis heute als fleischfarbene Strumpfhose erhalten geblieben ist. Diese erstaunliche Erfindung wird dem Kostümdesigner der Pariser Oper Mallo zugeschrieben. Aber es ist unwahrscheinlich, dass dieser talentierte Monsieur sich vorgestellt hat, dass sein engmaschiges Produkt im 20. Jahrhundert zu etwas Elastischem werden würde.
Albert ohne Hose
Alles verlief nach Tradition und Anstand, bis der große Reformer des Balletttheaters und leidenschaftlicher Bewunderer des heißen männlichen Körpers, Sergei Diaghilev, der Welt sein Unternehmen zeigte - Diaghilevs Russische Jahreszeiten. Hier fing alles an - Skandale, Lärm, Hysterie und alle möglichen Geschichten, die sowohl mit Diaghilev selbst als auch mit seinen Liebhabern verbunden waren. Wenn früher eine Ballerina auf der Bühne regierte und die Tänzerin mit ihr die Rolle eines gehorsamen Gentlemans spielte, half er bei der Drehung, damit er nicht fiel, hob ihn höher, um den Balletomanes zu zeigen, was sich unter ihren Röcken befand Diaghilev macht den Tänzer zur Hauptfigur seiner Performances.
Ein lauter Skandal, der nicht mit Diaghilevs besonderer sexueller Orientierung, sondern nur mit einem Bühnenkostüm zusammenhängt, brach 1911 bei dem Stück "Giselle" aus, in dem Vaslav Nijinsky - Diaghilevs offizieller Liebhaber - den Grafen Albert tanzte. Der Tänzer trug alles, was für die Rolle erforderlich war – einen Trikotanzug, ein Hemd, eine kurze Tunika, aber es gab kein Höschen, das zu dieser Zeit für einen Tänzer obligatorisch war. Und deshalb erschienen Nijinskys ausdrucksstarke Hüften dem Publikum in ihrem offenen Appetit, was die bei der Aufführung anwesende Kaiserin Maria Feodorovna empörte. Die skandalöse Geschichte endete mit der Entlassung von Nijinsky "wegen Ungehorsam und Respektlosigkeit" auf der kaiserlichen Bühne. Doch die tänzerische Suche nach dem Künstler hörte nicht auf, er setzte seinen Kampf für die Freiheit des Körpers im Tanz fort. Im selben Jahr trat Nijinsky im Ballett „Das Phantom der Rose“ in einem von Lev Bakst entworfenen Kostüm auf, das der Figur wie angegossen passte. Wenig später, in The Afternoon of a Faun, steht die Tänzerin Nijinsky in solch einem frechen Trikot auf der Bühne, das auch heute noch modern und sexy wirkt. All diese Enthüllungen finden zwar bereits außerhalb des heimischen, aber hartnäckigen Russlands statt.

Das süße Wort ist Bandage
In den fünfziger Jahren erfand der Zauberer des Tanzes, der den Körper vergötterte, insbesondere den Mann, Maurice Bejart ein universelles Outfit für Tänzer und Tänzer: ein Mädchen in schwarzen Strumpfhosen, ein junger Mann in Strumpfhosen und mit nacktem Oberkörper. Dann wird das Outfit des jungen Mannes verbessert, und der junge Mann bleibt in nur einem Verband. Aber in der Sowjetunion gab es, wie Sie wissen, keinen Sex. Auf der Ballettbühne stand er auch nicht. Ja, natürlich gab es Liebe, aber rein - "The Fountain of Bakhchisaray", "Romeo and Julia", aber keine Offenheit. Dies gilt auch für Herrenbekleidung. Die Tänzerin zog eine enge Unterhose an, darüber eine Strumpfhose und darüber noch eine Wattehose. Auch wenn Sie durch das stärkste Teleskop schauen, werden Sie keine Reize sehen. Trotzdem gab es im sowjetischen Vaterland schamlose Draufgänger, die sich eine solche Uniform nicht gefallen lassen wollten. Sie sagen, dass bei einer der Aufführungen im Kirov (Mariinsky) Theater im Jahr 1957 der herausragende Tänzer Vakhtang Chabukiani in einer sehr offenen Form auf der Bühne erschien: in weißen Leggings, die direkt auf seinem nackten Körper getragen wurden. Der Erfolg hat alle denkbaren Grenzen überschritten. Scharfzüngig wandte sich die hervorragende Ballettlehrerin Agrippina Vaganova beim Anblick der Tänzerin an die, die mit ihr in der Loge saßen, und witzelte: "Ich sehe so einen Strauß auch ohne Okulare!"
In die Fußstapfen von Chabukiani trat ein weiterer Kirovsky-Tänzer, damals noch kein Ballett-Dissident und weltberühmter Schwuler, sondern nur ein Theatersolist, Rudolf Nureyev. Die ersten beiden Akte von „Don Quijote“ tanzte er in traditioneller Tracht, die von den sowjetischen Behörden erlaubt war – in Strumpfhosen, über denen kurze Hosen mit Puffs getragen wurden. Vor dem dritten Akt brach hinter den Kulissen ein echter Skandal aus: Der Künstler wollte nur einen weißen, eng anliegenden Trikotanzug über einem speziellen Ballettverband und keine Hose tragen: „Ich brauche diese Lampenschirme nicht“, sagte er. Die Theaterleitung verlängerte die Pause um eine Stunde und versuchte, Nurejew zu überzeugen. Als sich der Vorhang schließlich öffnete, war das Publikum schockiert: Es schien allen, als hätte er vergessen, seine Hose anzuziehen.
Rudolf strebte generell nach größtmöglicher Nacktheit. In Corsair ging er mit nacktem Oberkörper aus, und in Don Quijote erweckte ein unglaublich dünner Trikotanzug die Illusion nackter Haut. Aber mit voller Kraft drehte sich der Künstler bereits außerhalb der sowjetischen Heimat um. So erscheint Nurejew in dem von ihm für das National Ballet of Canada inszenierten „Dornröschen“ in einen bodenlangen Umhang gehüllt. Dann dreht er dem Publikum den Rücken zu und senkt langsam, langsam den Umhang, bis er direkt unter dem Gesäß gefriert.

Zwischen den Beinen - Mantelschulter
Erzählt Theaterkünstler Alla Kozhenkova:
- Wir haben eine Ballettaufführung gemacht. Bei der Anprobe des Kostüms sagt mir der Solist, dass ihm das Kostüm nicht gefällt. Ich kann nicht verstehen, was los ist: Alles passt gut, er sieht toll aus in diesem Anzug ... Und plötzlich dämmert es mir - er mag das Codpiece nicht, es scheint, dass es zu klein ist. Am nächsten Tag sage ich zur Schneiderin: "Nehmen Sie bitte die Schulter vom Mantel und stecken Sie sie in die Bandage." Sie sagte zu mir: "Warum? Warum?" Ich sagte ihr: "Hör zu, ich weiß, was ich sage, es wird ihm gefallen." Bei der nächsten Anprobe zieht die Tänzerin das gleiche Kostüm an und sagt mir fröhlich: „Siehst du, es ist viel besser geworden.“ Und nach einer Sekunde fügt er hinzu: "Nur scheint es mir, dass Sie eine weibliche Schulter eingefügt haben, aber sie ist klein ... Sie müssen eine männliche einfügen." Ich musste lachen, aber ich tat, was er verlangte. Die Schneiderin nähte eine Schulter aus dem Raglanärmel eines Herrenmantels in die Bandage. Der Künstler war vor Glück im siebten Himmel.
Früher wurde eine Hasenpfote eingesetzt, doch jetzt ist sie nicht mehr in Mode – nicht das Format, sondern die Mantelschulter ist gefragt.
Nureyev war ein Pionier der Nacktheit in Leningrad, und in Moskau wurde er von Maris Liepa konkurriert. Wie Nureyev verehrte er seinen Körper und entblößte ihn genauso entschlossen. Es war Liepa, die als erste in der Hauptstadt die Bühne in einem Verband betrat, der unter einer Strumpfhose getragen wurde.
Mann oder Frau?
Aber das Interessanteste ist, dass Männer im 20. Jahrhundert versuchten, ihren Körper nicht nur so weit wie möglich zu entblößen, sondern ihn auch zu verhüllen. Einigen gefielen besonders die Ballettkostüme der Frauen. Ein echter Schock wurde in Russland durch die Gründung des Männerballetts von Valery Mikhailovsky verursacht, dessen Künstler allen Ernstes das Frauenrepertoire in den echtesten Damenkostümen aufführten.
- Valery, wer hatte die Idee, eine so ungewöhnliche Truppe zu gründen? Ich frage Michailowski.
- Die Idee gehört mir.
- Jetzt ist es schwierig, das Publikum mit etwas zu beeindrucken, aber wie Ihre sozusagen weiblich-männlichen Tänze vor zehn Jahren wahrgenommen wurden, als das Team auftrat. Wurde Ihnen homosexuelles Schockieren vorgeworfen?
- Ja, es war nicht einfach. Es gab allerlei Klatsch. Trotzdem begrüßt uns das Publikum mit Freude. Und es gab keine Vorwürfe der Homosexualität. Obwohl es jedem freisteht, zu denken und zu sehen, was er will. Wir werden niemanden überzeugen.
- Gab es vor Ihrem Männerballett etwas Ähnliches in der Welt des Tanzes?
- Es gibt eine Firma Trocadero de Monte Carlo in New York, aber was sie tun, ist völlig anders. Sie haben eine grobe Parodie auf klassischen Tanz. Wir parodieren auch Ballett, aber wir tun es, indem wir einen Beruf besitzen.
- Sie wollen sagen, dass Sie die Technik des weiblichen klassischen Tanzes perfekt beherrschen?
- Im Allgemeinen haben wir zunächst nicht versucht, eine Frau im Ballett zu ersetzen. Eine Frau ist so schön, dass es sich nicht lohnt, in sie einzudringen. Und egal wie elegant, raffiniert und plastisch ein Mann ist, er wird niemals so tanzen, wie eine Frau tanzt. Deshalb sollten Frauenparts mit Humor getanzt werden. Was wir demonstrieren.
Aber zuerst war es natürlich notwendig, die weibliche Technik zu beherrschen.
- Und wie groß sind die Schuhe Ihrer jungen Männer? Männlich oder weiblich?
- Von einundvierzig bis dreiundvierzig. Und das war auch ein Problem - in der Natur gibt es keine Damen-Ballettschuhe in dieser Größe, also werden sie für uns auf Bestellung gefertigt. Übrigens hat jeder der Tänzer einen eigenen Namensblock.
- Wie versteckst du deine Männlichkeit - Muskeln, Brustbehaarung und alle möglichen anderen pikanten Details?
- Wir verbergen nichts und versuchen nicht, die Öffentlichkeit zu täuschen; im Gegenteil, wir betonen, dass nicht Frauen, sondern Männer vor ihnen sprechen.
- Und doch kann jemand getäuscht werden. Es müssen viele lustige Episoden gewesen sein?
- Ja, das war genug. Es war, wie es scheint, in Perm. Die Jungs, bereits geschminkt, mit Perücken, wärmen sich auf der Bühne vor Beginn der Vorstellung auf, und ich stehe hinter der Bühne und höre das Gespräch zweier Putzfrauen. Der eine sagt zum anderen: "Hör mal, hast du schon mal so dicke Ballerinas gesehen?" Worauf sie antwortet: "Nein, niemals, aber hörst du, von welchem ​​Bass sie reden?" - "Ja, was gibt es zu wundern, alles verraucht."
- Hat einer der männlichen Zuschauer Ihren Künstlern Hand und Herz gereicht?
- Nein. Zwar kam einmal ein Zuschauer hinter die Bühne, der viel Geld für eine Eintrittskarte bezahlt hatte, und verlangte, man solle ihm beweisen, dass vor ihm nicht Frauen, sondern Männer sprachen, heißt es aus dem Zuschauerraum, er habe nicht geschminkt.
- Und wie hast du es bewiesen?
- Die Jungs waren schon ausgezogen, ohne Packs, und er verstand alles.
Alles wird gefilmt
Tatsächlich können Sie das Publikum heute mit nichts überraschen: weder mit einem Mann im Tutu noch mit den engsten Trikots oder sogar einem Verband. Wenn auch nur mit einem nackten Körper ... Heute taucht immer häufiger ein nackter Körper in Gruppen auf, die sich bekennen moderner Tanz. Dies ist eine Art Köder und verführerisches Spielzeug. Ein nackter Körper kann traurig, erbärmlich oder verspielt sein. Einen solchen Witz spielte vor einigen Jahren in Moskau die amerikanische Truppe Ted Shawn's Dancing Men. Auf der Bühne erschienen junge Leute, bescheiden gekleidet in kurzen Frauenkleidern, die an Kombinationen erinnerten. Kaum hatte der Tanz begonnen, geriet der Zuschauerraum in Ekstase. Tatsache ist, dass die Männer unter den Röcken nichts trugen. Das Publikum, in dem wahnsinnigen Wunsch, einen besseren Einblick in die Wirtschaft der reichen Männer zu bekommen, die sich ihnen plötzlich öffnete, flog fast von den Sitzen. Die Köpfe der begeisterten Zuschauer verdrehten sich nach den tänzerischen Pirouetten, und die Augen schienen aus den Okularen des Fernglases zu verschwinden, das im Nu auf der Bühne klebte, wo die Tänzer ausgelassen in ihrem schelmischen Tanz herumtollten. Es war sowohl lustig als auch aufregend, stärker als jeder der coolsten Striptease.
Unser ehemaliger Landsmann und jetzt internationaler Star Vladimir Malakhov tritt völlig nackt in einem der Ballette auf. Übrigens, als Wladimir noch in Moskau lebte, wurde er gerade wegen seiner nicht-traditionellen sexuellen Orientierung im Eingang seines eigenen Hauses schwer geschlagen (also musste er am Kopf genäht werden). Jetzt tanzt Malakhov auf der ganzen Welt, auch völlig nackt. Er selbst glaubt, dass Nacktheit nicht schockierend sei, sondern die künstlerische Bildsprache des Balletts, in dem er tanzt.

Ende des 20. Jahrhunderts siegte der Körper im Kampf um seine Freiheit über das Kostüm. Und es ist natürlich. Was ist schließlich eine Ballettaufführung? Es ist ein Tanz der Körper, der die Körper der Zuschauer erweckt. Und am besten beobachtet man eine solche Darbietung mit dem Körper, nicht mit den Augen. Für dieses körperliche Erwachen des Publikums braucht der Tanzkörper völlige Freiheit. Es lebe die Freiheit!
Der Artikel stammt aus der Informationsquelle www.gay.ru.