Potrivit lui A. .P. Cehov. În Săptămâna Mare, Laptevii au fost la școala de artă la expoziția de artă... Problema percepției artei
(1) În Săptămâna Mare, Laptevii au fost la școala de pictură la o expoziție de artă.
(2) Laptev știa numele tuturor artiști celebriși nu a ratat nicio expoziție. (3) Uneori vara la dacha el însuși picta peisaje cu vopsele și i se părea că are un gust minunat și că dacă ar fi studiat, atunci probabil că din el ar fi ieșit un artist bun. (4) Acasă avea tablouri de dimensiuni tot mai mari, dar proaste; cei buni sunt spânzurați rău. (Z) S-a întâmplat de mai multe ori să plătească scump pentru lucruri care mai târziu s-au dovedit a fi un fals grosolan. (6) Și este remarcabil că, timid în general în viață, era extrem de îndrăzneț și de încrezător în sine la expozițiile de artă. (7) De ce?
(8) Iulia Sergheevna a privit imaginile, ca un soț, cu pumnul sau prin binoclu și a fost surprinsă că oamenii din imagini erau la fel de vii, iar copacii la fel de reali; dar ea nu a înțeles, i s-a părut că la expoziție sunt multe tablouri identice și că tot scopul artei este tocmai acela că în tablouri, când le privești cu pumnul, oamenii și obiectele ies în evidență parcă ar fi. au fost reale.
(9) - Aceasta este pădurea lui Shishkin, - i-a explicat soțul ei. (10) - Întotdeauna scrie același lucru... (11) Dar atenție: o astfel de zăpadă mov nu se întâmplă niciodată... (12) Dar băiatul ăsta mâna stângă dreapta mai scurta.
(13) Când toată lumea era obosită și Laptev s-a dus să-l caute pe Kostya pentru a merge acasă, Iulia s-a oprit în fața unui mic peisaj și l-a privit cu indiferență. (14) În prim plan este un râu, în spate un pod de bușteni, pe partea cealaltă o potecă care dispare în iarbă întunecată, un câmp, apoi în dreapta o bucată de pădure, lângă el un foc: trebuie să păzească noaptea. . (15) Și în depărtare se stinge zorile de seară.
(1b) Julia și-a imaginat cum mergea ea însăși de-a lungul podului, apoi de-a lungul potecii, din ce în ce mai departe, și de jur împrejur era liniște, smucituri adormiți țipau, un foc strălucea în depărtare. (17) Și dintr-un motiv oarecare, i s-a părut brusc că acești nori care se întindeau pe partea roșie a cerului, și pădurea și câmpul pe care îl văzuse de mult și de multe ori, se simțea singură și ea voia să meargă şi să meargă pe cărare ; și unde era un zori de seară, o reflectare a ceva nepământesc, veșnic se odihnea.
(18) - Ce bine scris! spuse ea, surprinsă că imaginea i-a devenit deodată clară. (19) - Uite, Alioşa! (20) Observați cât de liniște este aici?
(21) Ea a încercat să explice de ce i-a plăcut atât de mult acest peisaj, dar nici soțul ei, nici Kostya nu au înțeles-o. (22) A continuat să privească peisajul cu un zâmbet trist, iar faptul că alții nu au găsit nimic special în el a îngrijorat-o. (23) Apoi a început din nou să se plimbe prin holuri și să examineze tablourile, a vrut să le înțeleagă și nu i se mai părea că în expoziție sunt multe tablouri identice. (24) Când ea, întorcându-se acasă, pentru prima dată în viață, a atras atenția asupra tabloului mare atârnat în holul de deasupra pianului, a simțit dușmănie față de ea și a spus:
(25) - Vaneaza sa ai astfel de poze!
(26) Și după aceea, cornișe de aur, oglinzi venețiene cu flori și picturi ca cea care atârna peste pian, precum și raționamentul soțului ei și al lui Kostya despre artă, au trezit în ea un sentiment de plictiseală, supărare și uneori chiar ură.
(După A.P. Cehov)
Informații text
Compoziţie
Ai observat că se întâmplă ca o poză să te lase indiferent, iar în fața alteia să îngheți într-o tăcere reverentă, un fel de melodie sună fără să-ți rănească deloc sentimentele, iar alta te întristează sau te bucură. De ce se întâmplă asta? Cum percepe o persoană arta? De ce unii oameni se cufundă în lumea creată de artist, în timp ce alții rămân surzi la lumea frumosului? Un fragment din povestea lui A.P.Cehov „Trei ani” m-a făcut să mă gândesc la problema percepției artei.
A.P. Cehov povestește cum familia Laptev vizitează o expoziție de artă. Capul cunoaște numele tuturor artiștilor celebri, nu ratează nicio expoziție, uneori pictează el însuși peisaje. Soția lui la începutul pasajului „s-a uitat la poze ca pe un soț”, i s-a părut că scopul artei este să „iasă în evidență oamenii și obiectele ca și cum ar fi reale”. Soțul observă doar negativul din imagini: fie „o astfel de zăpadă mov nu se întâmplă niciodată”, fie brațul stâng al băiatului pictat este mai scurt decât cel drept. Și o singură dată, adevărata esență a artei i-a fost dezvăluită Iuliei Sergheevna. În fața ei era un peisaj obișnuit cu un râu, un pod de bușteni, o potecă, o pădure și un incendiu, dar deodată a văzut că „unde era un zori de seară, o reflectare a ceva nepământesc, etern” se odihnește. Pentru o clipă, i s-a dezvăluit adevăratul scop al artei: să trezească în noi sentimente, gânduri, experiențe deosebite.
A.P.Cehov este unul dintre acei scriitori care nu ne oferă soluții gata făcute, ci ne face să le căutăm. Așa că eu, reflectând asupra pasajului, am înțeles, după cum mi se pare, poziția lui în problema scopului artei, a percepției ei. Arta poate spune multe unei persoane sensibile, îl face să se gândească la cele mai misterioase și intime, trezește în el sentimente mai bune.
Sunt de acord cu această interpretare a impactului artei asupra unei persoane. Din păcate, nu am putut încă să vizitez marile muzee, la concerte de muzică clasică, așa că îmi voi permite să mă refer la opinia scriitorilor, pentru că sunt multe lucrări în care autorii încearcă să dezlege misterul percepției umane asupra artei. .
Unul dintre capitolele cărții lui D. S. Likhachev „Scrisori despre bine și frumos” se numește „Înțelegerea artei”. În ea, autorul vorbește despre marele rol al artei în viața umană, că arta este „magie uimitoare”. În opinia sa, arta joacă un rol important în viața întregii omeniri. Lihaciov susține că trebuie să înveți să înțelegi arta. Premiată cu darul de a înțelege arta, o persoană devine mai bună din punct de vedere moral și, prin urmare, mai fericită, deoarece recompensată prin artă cu darul unei bune înțelegeri a lumii, a oamenilor din jurul său, a trecutului și a celor îndepărtați, o persoană este mai ușor prietenă. cu alți oameni, cu alte culturi, cu alte naționalități, el mai ușor de trăit.
A. I. Kuprin scrie despre modul în care arta poate influența sufletul uman în Brățara granat. Prințesa Vera Sheina, întorcându-se după ce și-a luat rămas bun de la Jheltkov, care s-a sinucis, pentru a nu-l deranja pe cel pe care a iubit-o atât de mult, îi cere prietenei ei pianistă să cânte ceva pentru ea, fără să se îndoiască că va auzi că Beethoven.
o lucrare pe care Jheltkov i-a lăsat-o moștenire pentru a o asculta. Ea ascultă muzică și simte că sufletul ei se bucură. Ea a crezut că pe lângă ea a trecut o mare dragoste, care se repetă doar o dată la o mie de ani, cuvintele i-au fost compuse în minte, iar în gândurile ei coincid cu muzica. „Sfințit să fie Numele dumneavoastră, păru să-i spună muzica. Melodia uimitoare părea să se supună durerii ei, dar o și consola, așa cum ar fi consolat-o Jheltkov.
Da, puterea artei adevărate este mare, puterea influenței ei. Poate influența sufletul unei persoane, îl înnobilează, ridică gândurile.
Mai multe argumente.
Într-o nuvelă de V.P. Astafiev „Un basm aproape și departe”, povestește despre cum se naște muzica, ce efect poate avea asupra unei persoane. În copilărie, naratorul a auzit vioara. Violonistul a cântat compoziția lui Oginsky, iar această muzică l-a șocat pe tânărul ascultător. Violonistul i-a povestit cum s-a născut melodia. Compozitorul Oginsky a scris-o, luându-și la revedere de la patria sa, el a reușit să-și transmită tristețea în sunete, iar acum ea trezește cele mai bune sentimente în oameni. Compozitorul însuși a dispărut, violonistul a murit, care a oferit ascultătorului momente minunate de înțelegere a frumuseții, un băiat a crescut... Odată ajuns în față, a auzit sunetele unei orgi. A sunat aceeași muzică, aceeași poloneză Oginsky, dar în copilărie a provocat lacrimi, șoc, iar acum melodia suna ca un străvechi strigăt de luptă, numit undeva, forțat să facă ceva pentru ca focurile războiului să se stingă, astfel încât oamenii nu s-ar ghemui împotriva ruinelor în flăcări ca să vină în casa lor, sub acoperiș, la rudele și cei dragi, pentru ca cerul, cerul nostru veșnic, să nu arunce explozii și să nu ardă cu foc infernal.
K. G. Paustovsky povestește în povestea „Coș cu conuri de brad” despre compozitorul Grieg și întâlnirea lui întâmplătoare cu fetița Dagny. Dulcea fetiță l-a surprins pe Grieg cu spontaneitatea ei. „Îți voi da un lucru”, îi promite compozitorul fetei, „dar va fi peste zece ani”. Au trecut acești zece ani, Dagny a crescut și într-o zi la un concert muzica simfonica i-a auzit numele. Mare compozitor s-a ținut de cuvânt: i-a dedicat fetei o piesă muzicală, devenită celebră. După concert, Dagny, șocat de muzică, exclamă: „Ascultă, viață, te iubesc”. Si aici ultimele cuvinte poveste: „... viața ei nu va fi în zadar”.
6. Gogol „Portret”. Artistul Chartkov în tinerețe avea un talent bun, dar dorea să obțină totul din viață deodată. Odată obține un portret al unui bătrân cu ochi surprinzător de vioi și groaznici. Are un vis în care găsește 1000 de piese de aur. A doua zi, acest vis devine realitate. Dar banii nu au adus fericire artistului: și-a cumpărat un nume dând mită editorului, a început să picteze portrete ale celor puternici, dar nu mai avea nimic din scânteia talentului. Un alt artist, prietenul lui, a dat totul artei, învață constant. Locuiește de multă vreme în Italia, stând ore întregi inactiv la picturile marilor artiști, încercând să înțeleagă secretul creativității. Poza acestui artist, văzută de Chartkov la expoziție, este frumoasă, l-a șocat pe Chartkov. Încearcă să picteze imagini reale, dar talentul lui este irosit. Acum cumpără capodopere ale picturii și le distruge într-un acces de nebunie. Și numai moartea oprește această nebunie distructivă.
Potrivit lui I. Bunin. Bazat pe povestea cărții. Întins pe treiera în cuptor, am citit mult timp... În scopul art
(1) Întins pe aria din omet, am citit îndelung - și deodată m-am revoltat. (2) Citesc din nou de dimineața devreme, din nou cu o carte în mâini! (3) Și așa de la o zi la alta, din copilărie! (4) Și-a trăit jumătate din viață într-un fel de lume inexistentă, printre oameni care nu fuseseră niciodată, inventaseră, îngrijorați de destinele lor, bucuriile și necazurile lor, ca și cum ar fi ale lui, legându-se de mormânt cu Avraam. și Isaac, cu pelasgii și etruscii, cu Socrate și Iulius Cezar, Hamlet și Dante, Gretchen și Chatsky, Sobakevici și Ophelia, Pechorin și Natasha Rostova! (5) Și cum să mă descurc acum printre sateliții reali și ficționali ai existenței mele pământești? (6) Cum să le separ, cum să determine gradul de influență lor asupra mea?
(7) Am citit, am trăit din invențiile altora, iar câmpul, moșia, satul, oamenii, caii, muștele, bondarii, păsările, norii - totul trăia de la sine, viata reala. (8) Și așa am simțit brusc și m-am trezit dintr-o obsesie de carte, am aruncat cartea în paie și cu surpriză și bucurie, cu niște ochi noi privesc în jur, văd ascuțit, aud, miros - cel mai important, Simt ceva neobișnuit de simplu și în același timp neobișnuit de complex, acel lucru profund, minunat, inexprimabil care există în viață și în mine și care nu este niciodată scris corect în cărți.
(9) În timp ce citeam, schimbările aveau loc în secret în natură. (10) Era soare, festiv; acum totul este întunecat, liniștit. (11) Încetul cu încetul norii și norii s-au adunat pe cer, pe alocuri, mai ales spre miazăzi, sunt încă strălucitori, frumoși, iar spre apus, în spatele satului, în spatele vițelor lui, ploioase, albăstrui, plictisitoare. (12) Miros cald, ușor de ploaie îndepărtată. (13) Un oriol cântă în grădină.
(14) Un țăran se întoarce din cimitir de-a lungul unui drum purpuriu uscat care trece între arie și grădină. (15) Pe umăr este o lopată albă de fier cu pământ albastru negru lipită de ea. (16) Fața este întinerită, limpede. (17) Pălăria este de pe fruntea transpirată.
(18) - Am plantat fetei mele un tufiș de iasomie! spune el vesel. - Sanatate buna. (19) Citiți totul, inventați toate cărțile?
(20) El este fericit. (21) Ce? (22) Numai prin ceea ce trăiește în lume, adică face ceva cel mai de neînțeles din lume.
(23) Oriolul cântă în grădină. (24) Orice altceva este liniștit, tăcut, nici măcar cocoșii nu se aud. (25) Ea cântă singură - scoate încet triluri jucăușe. (26) De ce, pentru cine? (27) Este pentru tine, pentru viața pe care o trăiește grădina, moșia de o sută de ani? (28) Sau poate că această moșie trăiește pentru cântatul ei la flaut?
(29) „Am plantat un tufiș de iasomie pe fetița mea”. (30) Fata știe despre asta? (31) Omul i se pare că știe și poate că are dreptate. (32) Un bărbat va uita de acest tufiș până seara - pentru cine va înflori? (33) Dar va înflori și se va părea că nu fără motiv, ci pentru cineva și pentru ceva.
(34) „Citi totul, inventezi toate cărțile”. (35) De ce să inventezi? (36) De ce eroine și eroi? (37) De ce un roman, o poveste, cu un complot și un deznodământ? (38) Teama veșnică de a părea insuficient de livresc, nu suficient de asemănătoare cu cele care sunt glorificate! (39) Și chinul veșnic – să taci pentru totdeauna, să nu vorbești exact despre ceea ce este cu adevărat al tău și singurul real care necesită expresia cea mai legitimă, adică o urmă, întruchipare și păstrare, cel puțin într-un cuvânt!
Compoziţie
Ce poveste uimitoare a lui A.P. Cehov! Ca întotdeauna cu acest scriitor, nu veți înțelege imediat ce a vrut să spună cu lucrarea sa, la ce întrebări sugerează să se gândească.
Zi de vara. Eroul liric citește o carte, pe care o aruncă deodată cu indignare: „A trăit jumătate din viață într-o lume inexistentă, printre oameni care nu fuseseră niciodată, inventaseră, îngrijorați de soarta lor, de bucuriile și necazurile lor, ca și cum ar fi erau ale lui...” I se pare că s-a trezit dintr-o obsesie de carte și se uită cu alți ochi la „lucrurile profunde, minunate, inexprimabile din viață”. În jurul naturii minunate, peisaj în continuă schimbare. Apare o nouă față: un bărbat cu o față limpede, întinerită. „Am plantat un tufiș de iasomie pe fetița mea”, spune el. Înțelegem că a plantat acest tufiș pe mormântul fiicei sale. Deci de ce să ne bucurăm? Suntem perplexi împreună cu eroul. Și apoi vine o înțelegere: fata nu va ști despre acest tufiș, dar va înflori „din motive întemeiate, dar pentru cineva și pentru ceva”. Și din nou o întoarcere la vechile gânduri: de ce să scrii romane, povești? Și aici vine o perspectivă: problema care îl îngrijorează atât de mult pe eroul lui Cehov, cât și pe scriitorul însuși este problema scopului artei. De ce are nevoie o persoană să se exprime în cărți, în poezie, în muzică, într-o imagine? Așa aș formula întrebarea care decurge din reflecțiile eroului liric.
Și răspunsul la acesta se află în ultima propoziție a textului: „Și chinul veșnic este să taci pentru totdeauna, să nu vorbești despre ceea ce este cu adevărat al tău și singurul prezent care necesită cea mai legală expresie, adică o urmă, întruchipare. și conservare, chiar și într-un cuvânt! » Poziția autorului, dacă este exprimată cu alte cuvinte, este următoarea: scopul creativității, scopul artei este de a spune oamenilor ceea ce te entuziasmează, de a exprima sentimentele pe care le trăiești, de a lăsa o „urmă de încarnare” pe Pământ.
Problema scopului artei i-a îngrijorat pe mulți scriitori. Să ne amintim
A. S. Pușkin. În poemul „Profetul” „Glasul lui Dumnezeu” a făcut apel la poet:
„Scoală-te, proorocule, vezi și ascultă,
Îndeplinește-mi voința
Și, ocolind mările și pământurile,
Arde inimile oamenilor cu verbul.”
„A arde inimile oamenilor cu verbul” înseamnă a trezi sete în ei o viață mai bună, luptă. Și în poezia „Mi-am ridicat un monument nu făcut de mână...”, scrisă cu puțin timp înainte de moartea sa, poetul afirmă măreția unui monument poetic în comparație cu alte modalități de a perpetua meritul.
O persoană căreia Dumnezeu i-a dat talentul de a spune ceva al lui oamenilor nu poate să tacă. Sufletul lui cere să lase o urmă pe pământ, să întruchipeze și să-și păstreze „eu” într-un cuvânt, într-un sunet, într-o imagine, într-o sculptură…
2. Percepția operelor de artă ca co-creație. Fenomenul de catharsis
Problema percepției operelor de artă are mai multe fațete și necesită o abordare interdisciplinară pentru analiza sa cuprinzătoare. Analiza sa în cadrul esteticii se realizează de obicei pe baza unei largi implicări și asimilare a cunoștințelor din psihologie, sociologie, filozofie, semiotică, studii culturale, istoria și teoria artei etc.
Între timp, analiza estetică a percepției nu se reduce la detalii și nu este o sumă mecanică de caracteristici unilaterale preluate din diferite domenii ale cunoașterii. Interesul esteticii pentru această problemă provine din însuși subiectul ei - procesul de asimilare estetică a realității de către o persoană.
Evident, percepția în acest proces este o verigă, un canal și un mecanism important pentru ca noi să înțelegem proprietățile estetice ale lumii înconjurătoare și transformarea acesteia în conformitate cu legile frumuseții.
Percepția estetică se bazează pe capacitatea umană de a răspunde la frumos, de a o recunoaște în realitate, formată în procesul de filo- și ontogeneză. După cum sa menționat deja, din punct de vedere estetic, o persoană percepe orice obiect - natural, public, inclusiv art. În acest sens, în teorie și practică, capacitatea de percepție estetică se distinge ca o viziune holistică și figurativă a realității, precum și percepția artistică propriu-zisă, ca aceeași capacitate, care vizează înțelegerea valorii estetice a operelor de artă.
În teoria estetică, problema perceptia artistica intrat cu mult timp în urmă. Una dintre primele încercări de a o rezolva poate fi considerată învățătura lui Aristotel despre catharsis - purificarea sufletului uman în procesul de percepere a artei.
De remarcat că în estetica secolului XX, actul de percepție este interpretat în principal ca unul pur spiritual, neîndreptat către niciun act. K. S. Stanislavsky a remarcat și această caracteristică. Oamenii merg la teatru pentru distracție, a spus el, dar pe nesimțite îl părăsesc cu sentimente și gânduri trezite, îmbogățite cu cunoașterea vieții frumoase a spiritului... Teatrul este o forță puternică de influență spirituală asupra mulțimilor de oameni care caută. comunicare.
Într-o cultură orientată spre european, această orientare externă non-pragmatică a percepției artistice, noncreativitatea sa externă a format o tradiție conform căreia creația de opere de artă are o semnificație socială și estetică mai mare în comparație cu percepția lor de către privitori, ascultători, cititori. În acest sens, există o atenție sporită acordată operei artiștilor, poeților, muzicienilor, actorilor și altor creatori de opere de artă, în timp ce, în același timp, interesul scăzut pentru alți participanți la comunicarea artistică, denotat colectiv prin conceptul neinformativ și impersonal. de „public”.
În același timp, în unele culturi din Orient, arta de a percepe arta este deosebit de apreciată. În special, estetica budismului Zen afirmă egalitatea fundamentală a activității creatoare a creatorului și a celui care percepe. Se crede că în procesul creativ capacitatea de a vedea, de a crea o imagine în sufletul cuiva nu este mai puțin semnificativă decât însăși activitatea de a crea opere de artă. Această idee, de altfel, este prezentă și în teoria simboliștilor, care cred, de asemenea, că o operă de artă există nu numai ca punct final al aprofundării personalității creatoare a creatorului, ci trebuie să fie neapărat un imbold pentru viață. a celor care o percep, care realizează ascensiunea spirituală. O atitudine similară a fost exprimată și de M. Bakhtin, menționând că, dacă principalul lucru pentru un artist este „produsul creativității” separat de el, adică o operă de artă, atunci pentru privitor, ascultător, cititor, principalul produsul este el însuși, personalitatea lui. Principalul specific al creativității perceperii unei opere de artă constă tocmai în faptul că în procesul de percepție se realizează dezvoltarea acesteia, are loc o formare, o creație a unei persoane într-un mod special inerent artei. Această abordare, reflectată într-o serie de lucrări ale autorilor ruși (A. A. Potebnya, D. N. Ovsyaniko-Kulikovskii, A. Bely, Vyach. Ivanov, A. Leontiev, M. Bakhtin și alții), a ajutat de fapt la formarea și aprobarea traditiiîn estetica noastră consideră percepția artei ca co-creație.
Am observat deja că o operă de artă ca obiect de percepție este o combinație a celui mai înalt nivel de complexitate. Și în mod ideal, desigur, percepția ar trebui să corespundă acestui nivel. Cei care sunt înclinați să creadă că perceptorul (destinatarul) experimentează impactul unei opere de artă asupra principiului unui fel de analogie a vieții nu au dreptate.
Desigur, în percepție există un nivel de impresii și experiențe directe. Se poate presupune că în unele cazuri percepția se limitează la simpla recunoaștere.
mănâncă și destinatarul va experimenta ceea ce Aristotel a numit „bucuria recunoașterii”. O, cât de asemănător!... Totuși, o astfel de percepție apare de obicei la nivelul formei exterioare a unei opere de artă, adică a intrigii acesteia, concretizarea figurativă a temei. Există însă și o formă internă – tocmai acel „labirint de legături” despre care vorbea L. N. Tolstoi, adică un sistem interdependent în fiecare dintre elementele sale, care servește la exprimarea ideii autorului, a „super-sarcinii” unei opere. de arta.
Datorită multidimensionalității lor structurale și de conținut, operele de artă autentice necesită și formează cele mai complexe și înalte forme de percepție umană în procesul de interacțiune cu publicul. Trecând la o operă de artă, percepem nu numai linii, culori, sunete, imagini exprimate în cuvinte, ci și ceea ce este ascuns sau conținut în ele - gândurile și sentimentele artistului, traduse în sistem figurat. Cum a făcut-o, sub ce formă este exprimat conținutul, care este „limbajul” lucrării nu ne scapă.
Structura personalității umane în potențialul său este capabilă în mod optim de o percepție integrată, holistică, figurativă bazată pe dezvoltarea egală a ambelor principii, pe interconectarea lor bine coordonată. Și o imagine artistică, care, așa cum sa menționat deja în capitolele anterioare, are o natură integrală, o persoană o poate percepe numai creând această imagine, recreând-o în sufletul său. Prin acest rezultat, percepția artistică, de fapt, diferă de percepția obișnuită, care se reduce doar la extragerea de către subiect a unor informații despre obiect. Este absurd chiar să presupunem că în peisajele lui I. Shishkin sau I. Levitan, să zicem, există o singură „logică” a obiectelor naturale - o plantație de pini de lemn, coasta Golfului Finlandei, spațiile de apă din râul care se deschide dintr-un abrupt înalt etc., numai reproducere exactă, naturalistă... Se cuvine să amintim în acest sens rândurile din poemul lui I. A. Bunin:
Nu, nu peisajul mă atrage,
Privirea lacomă nu va observa culorile,
Și ce strălucește în aceste culori:
Dragoste și bucurie de a fi.
La aceste cuvinte ale poetului, se poate adăuga că „privirea” celui care percepe dezvăluie nu numai ceea ce provoacă sentimente vesele și strălucitoare, ci și tristețe, tristețe și chiar durere psihică. Și pentru a exprima toate acestea într-o operă de artă, nu numai logica realității este importantă, ci și logica specială a structurii artistice a operei, natura specială a relațiilor și
legături de elemente. În picturile artiștilor menționați mai sus, „vorbirea” este nu numai mișcarea intrigii, ci și construcția compozițională și structurală, plasticitatea și relieful, sistemul de culori și scorul de lumină-umbră și multe altele ... Sunt toate aceste elemente prezentat sub forma unui sistem artistic organizat într-un anumit fel, trebuie doar să creați un „câmp figurativ” care atrage privitorul ca un magnet, provocându-i un răspuns emoțional adecvat și anumite reflecții. Datorită lor și prin intermediul lor, se produce efectul transferului psihologic al privitorului la modelul figurativ de viață, prezentat în opera de artă. Cu toată natura sa iluzorie, artificialitatea, ea are capacitatea, în cazul unei opere de o enormă putere artistică, de a evoca în cei care percep acea stare, despre care poetul spunea: „Voi vărsa lacrimi pentru idee”. Viața inventată de artist devine, parcă, a noastră.
În consecință, în actul de comunicare de a percepe o operă de artă, este esențial să înțelegem limbajul specific în care ne vorbește. Artistul, în timp ce este încă în procesul de creare a unei opere, trebuie să țină cont de acest lucru. Structura artistică internă a lucrărilor ar trebui să fie capabilă să formeze percepția la nivelul gândurilor, ideilor, sentimentelor încorporate în ea. Rezolvarea acestei probleme, de fapt, este supusă selecției celor mai potrivite semne figurative în mijloace figurative și expresive, realizată de artist în procesul de creativitate. Și în acest sens se spune pe bună dreptate că un artist adevărat creează întotdeauna după legile percepției umane.
În structura percepției estetice, ar trebui să se distingă cel puțin trei canale de comunicare:
1) generalizare artistică, adică perceperea unei opere de artă ca fenomen integral, la nivelul unității formelor și conținutului ei. Percepând-o, dezvăluim originalitatea genului, trăsăturile stilului și alte caracteristici destul de generale ale operei, de obicei exprimate în judecăți precum „Aceasta este o comedie” sau „Aceasta este o lucrare realistă” etc.;
2) potenţial asociativ o operă de artă, concepută pentru conectarea activă a energiei intelectual-senzuale a persoanei care percepe. În procesul de percepție, modelul figurativ al vieții prezentat într-o operă de artă este într-o oarecare măsură comparat cu experiența vieții reale, evocă anumite asocieri la privitori, ascultători și cititori. Fiecare artist este încă în proces de creare a unei opere,
organizându-și materialul, se așteaptă să evoce anumite asociații la cei care percep. În consecință, atât din partea celor care percep o operă de artă, cât și din partea sarcinilor creative rezolvate de artist, percepția este un act asociativ;
3) În fine, în percepție este posibil să se manifeste ceea ce se numește puterea sugestivă a artei, asociat cu capacitatea sa de a sugera, efect aproape hipnotic asupra celui care percepe, cu contagiozitatea lui deosebită. În calitatea sa dată, o operă de artă autentică este ca un „mănunchi de energie”, a cărui putere magică excită cele mai complexe procese mentale din noi. L. N. Tolstoi a scris despre „infecția” perceptorului cu gânduri, sentimente, imagini prezentate de artist în lucrare.
Însăși manifestarea acestui gen de conexiuni în actul comunicativ al percepției artistice servește uneori drept bază pentru a afirma că nu este altceva decât o repetare a procesului de creație care a avut loc în timpul creării operei. În același timp, nu se ține cont de faptul că perceptorul transformă mereu, transformă în felul său ceea ce este dat în opera de către artist. Imaginea pe care o creează nu este nicidecum o copie, nu un echivalent subiectivizat al unei lucrări terminate, ci ceva independent, recreat în mintea celui care percepe pe baza și ținând cont de propriile idei și experiență. Desigur, trebuie să ținem cont întotdeauna de gradul de relație estetică dintre autor și perceptor, dar, așa cum a remarcat pe bună dreptate B. Croce, „nu se poate considera un mic artist, un mic sculptor, un mic muzician, un mic poet, un mic scriitor” (Croce B. Estetica ca știință despre expresie și ca lingvistică generală. - M., 1920. - S. 14).
Privitorul, ascultătorul, cititorul, de regulă, prezintă propria sa relatare lucrării, de multe ori habar nu despre chinurile creative și experiențele autorului în procesul de creare a acesteia. În același timp, nu este deloc exclusă situația, aceea că acolo unde autorul a vărsat lacrimi peste eroul său, perceptorul poate avea un zâmbet ironic. Oricum ar fi, percepția este un proces creativ activ și tocmai din cauza acestei particularități fiecare dintre noi în imaginație recreează imaginea „propriului nostru” Boris Godunov, „al nostru” Grigory Melekhov ... Procesul de construcție spirituală internă a imaginilor de către perceptori, bazată pe înțelegerea limbajului operei, interpretarea și evaluarea modelelor figurative de viață - aceasta este co-crearea, o componentă foarte importantă a comunicării artistice care aduce adevărată plăcere estetică.
În același timp, cu toată activitatea percepției individuale și cu amploarea gamei de interpretări ale aceleiași lucrări de către diferiți subiecte, nu se poate nega prezența în ea. continut obiectiv. După cum notează pe bună dreptate M. S. Kagan, „o abordare a acestei probleme complexe necesită identificarea în percepția artistică a dialecticii obiectivului și subiectivului, invariant și variant-interpretativ, absolut și relativ” (Kagan M. S. Lectures on marxist-leninist estetics. - L . , 1971.- S. 507). Conținutul artei, cu toată convenționalitatea mijloacelor vizuale și expresive folosite, nu este o ficțiune pură și solidă care nu are nimic de-a face cu realitatea. Ceea ce este descris în lucrare trebuie să aibă ceva de-a face cu realitatea pentru perceptor. Mai mult, așa cum demonstrează istoria cultura artistica, există trăsături stabile, tipice, regulate ale percepției, care sunt caracteristice fiecărei epoci și fiecărui grup social.
Deci, percepția artistică este cea mai complexă lucrare de sentimente, gânduri și imaginație a perceptorului de artă. Desigur, nu toată lumea este la fel de pregătită să desfășoare o astfel de muncă.
Nivelul actual de dezvoltare estetică a oamenilor este adesea de așa natură încât nu permite realizarea unei percepții holistice a lucrării, realizarea sintezei părților sale individuale într-o singură impresie. Mai mult, într-un număr tipuri complexe arta, cu percepția lor mai mult sau mai puțin adecvată, cere sintetizarea în o mie de mii de variante. Deci, de exemplu, datorită structurii cu mai multe elemente a unui spectacol de operă, percepția acesteia de către un spectator-ascultător nepregătit este deosebit de dificilă.
Într-adevăr, în acest caz, devine necesară sintetizarea unor elemente precum decorul, lumina, culoarea, costumele personajelor etc., adică ceea ce caracterizează latura artistică și vizuală a spectacolului, cu elemente ale seriei muzicale - melodice-. Structura ritmică, tonalitatea, timbrul, puterea și înălțimea, trăsăturile de intonație și alte nuanțe ale dramaturgiei muzicale, fără a pierde atenția asupra soluției compoziționale a spectacolului și a manifestării individualității lor creative de către interpreți și multe altele. Sintetizând toate acestea într-o imagine holistică este legată, desigur, de implicarea deplină a tuturor „mecanicilor mentale” a privitorului-ascultător și este posibilă în mod fundamental cu o dezvoltare estetică suficient de avansată a personalității percepute.
Din punct de vedere estetic, ochiul liber vede reflectarea vieții într-o operă de artă în principal acolo unde se întâlnește cu o reproducere mai mult sau mai puțin naturalistă, credibilă.
produsul imaginilor naturii, evenimentelor istorice, acțiunilor. Dincolo de pragul percepției rămâne ceea ce se ascunde în spatele domeniului pictural propriu-zis, adică ceea ce necesită generalizare semantică, pătrundere în straturile profunde ale realității artistice. Și apoi povestea lui Saltykov-Shchedrin „Konyaga” este interpretată ca o lucrare „despre cai”, iar pictura „Orbul” a lui P. Brueghel apare ca o schiță obișnuită a unui grup de oameni nefericiți care, din cauza bolii lor fizice, găsesc ei înșiși într-o situație foarte dificilă și fără speranță. Un efect atât de semnificativ din punct de vedere estetic al ascensiunii spirituale a personalității în contactul ei cu opere de artă cu adevărat mari, atât de profund șoc intern iar purificarea, desigur, în acest caz nu are loc. În consecință, se poate afirma că arta în impactul ei asupra unei anumite părți a publicului nu atinge rezultatul dorit, rămâne parcă „închisă”, nerevendicată.
Psihologii, între timp, într-un efect cathartic vezi principalul rezultat al impactului artei asupra individului și în nevoia de catharsis - una dintre principalele atitudini psihologice față de artă. De fapt, aceasta corespunde tradiției în utilizarea acestui concept în sensul esenței experienței estetice, care a apărut chiar și printre filozofii greci antici. În interpretările moderne ale catharsisului, nu există nicio îndoială că este un mecanism prin și cu ajutorul căruia se îndeplinesc funcțiile artei, de altfel, nu numai hedoniste și educative, ci și cognitive. Mai mult, datorită catarsisului, privitorul, ascultătorul, cititorul se ridică de la cunoașterea conexiunilor pur exterioare la înțelegerea sensului, esenței lor. Experiențele proprii ale perceptorului suferă un fel de renaștere. Sistemul artistic ia în stăpânire gândurile și sentimentele sale, îl face să simpatizeze și să contribuie, există un sentiment de ridicare spirituală și iluminare.
Puterea de a percepe arta a fost superb transmisă de Apollon Grigoriev într-o poezie dedicată marelui artist Mochalov:
Era timpul – sala de teatru
A înghețat, apoi a gemut,
Și un vecin pe care nu-l cunosc
Mi-a strâns mâna convulsiv,
Și eu însumi l-am apăsat ca răspuns,
În suflet, trăind chinul, care nu are nume.
Mulțimea, ca o fiară flămândă, urla,
A înjurat, apoi a iubit
Atotputernic a domnit asupra ei
Un puternic vrăjitor formidabil.
Într-adevăr, operele de artă talentate ne oferă posibilitatea de a pătrunde „în interiorul vieții”, de a experimenta fragmentele ei. Ele actualizează și îmbogățesc experiența noastră, ridicând-o de la un nivel privat pur individual de idealuri și forme perfecte. Arta, potrivit lui G. I. Uspensky, familiarizează o persoană „cu sentimentul de fericire de a fi o persoană”, ne arată pe toți și ne face plăcere „noi cu o oportunitate vizibilă de a fi frumoși”.
Spre deosebire de înțelegerea freudiană a catharsisului ca scufundare în adâncurile inconștientului, estetica rusă prezintă un punct de vedere diferit asupra naturii acestui fenomen. În special, este fundamentată poziția conform căreia catharsis este mecanismul în implementarea funcțiilor artei, prin care inconștientul se transformă în conștient, are loc o armonizare a tuturor relațiilor individului. Această transformare devine posibilă datorită includerii perceptorului de artă într-un sistem de valori diferit, mai mare.
Catharsisîn acest context apare ca conștientizare, ca o extindere a granițelor conștiinței individuale către universal. Natura sa psihologică este exprimată prin starea de „ordine interioară, armonie spirituală care apare ca urmare a dominației idealurilor superioare, universale în sufletul uman” (Florenskaya T. A. Catharsis ca conștientizare // Sat. Creativitatea artistică. - L., 1982) .
Idealul estetic trăiește în primul rând în artă. Fiind înțeleasă ideologic, dă o mare semnificație socială și putere artei. Sentimentele trăite în procesul de percepere a unei opere de artă trezesc aspirații morale și intelectuale într-o persoană.
Catharsis ca purificare a sufletului, ca plăcere estetică nu este identică cu simpla plăcere, deoarece este însoțită de o întreagă gamă de sentimente polare - de la bucurie, admirație și simpatie până la durere, dispreț și ură. În același timp, plăcerea estetică nu poate fi redusă la niciun proces – fie că este vorba de memorie, imaginație sau contemplare.
Fenomenul de catharsis prezintă o fuziune de emoții și intelect, sentimente și gânduri, pur personal și semnificativ social, extern și intern, relevant și istoric. Și în această calitate, catharsisul poate fi calificat drept cea mai înaltă formă de dezvoltare estetică a realității artistice de către o persoană. Într-o personalitate dezvoltată estetic, în comunicarea sa cu arta, nevoia de catharsis devine decisivă.
LITERATURĂ
Asmus V.F. Lectura ca muncă și creativitate // Întrebări de literatură.- 1961. - Nr. 2.
Întrebări de istorie și teoria esteticii.- M., 1975.
Volkova E. O operă de artă - subiectul analizei estetice. - M., 1976.
Vygotsky L. Psihologia artei - M., 1965.
Creativitate artistică.- L., 1982.
| " |
Una dintre principalele probleme pe care le ridică Sergey Lvovich Lvov în textul propus spre analiză este problema înțelegerii operelor de artă. Fara indoiala Acest subiect nu poate lăsa pe nimeni indiferent, deoarece arta este o parte integrantă a vieții fiecăruia; arta este ceva care oferă unei persoane oportunități de creștere și dezvoltare personală, forțându-l să meargă înainte, să fie constant în căutarea a ceva nou și interesant.
Autorul consideră că operele de artă sunt înțelese de o persoană care dedică timp și efort acestei înțelegeri, acordă suficientă atenție. Arta se dezvăluie de bunăvoie și curând unei persoane ale cărei gânduri le ocupă, în care arde focul creativității, în care există o sete irezistibilă de înțelegere și cunoaștere, dorință de nou, de necunoscut.
Așadar, Serghei Lvovici vorbește despre viața lui de student, despre tovarășii săi „de liceu”. Tinerii „s-au implicat serios în literatură, istorie, limbi”, au participat la seminarii și prelegeri, au fost la curent cu noutățile teatrale, nu au ratat seri literareîntr-un efort de a învăța, de a înțelege arta în toate manifestările ei, de a profita de orice ocazie pentru a obține noi impresii.
Acest lucru este ilustrat de propozițiile 8-17: elevii au încercat să facă cât mai mult posibil, de fiecare dată „făcându-și timp” atât pentru premiere, cât și pentru seri. Am încercat să ne scriem, înțelegând astfel arta direct, devenind o parte a ei.
Adevărata problemă devine ca autorul să înțeleagă clasicul opere muzicale: a încercat să țină pasul cu tovarășii săi, ascultând cu răbdare sunetele radiogramei, dar „s-a plictisit, lânceia, chinuit”, negăsind în muzică acel farmec aparte pe care îl vedeau prietenii. Într-o zi are loc o „pauză” - seara de autor a tânărului Șostakovici - care s-a dovedit a fi un imbold pentru naratorul de a înțelege muzica „serioasă”, care mai târziu devine parte integrantă a vieții sale, chiar o nevoie, o necesitate. . Astfel, autorul înțelege arta treptat, pas cu pas, străduindu-se spre cunoaștere și lucrând asupra lui însuși, dându-i putere, timp și atenție, dorind să se alăture înțelegerii și bucuriei camarazilor săi.
Înțelegând arta, o persoană începe să gândească și să se simtă mai subtil, ca și cum ar fi să o atingă. Împreună cu arta, el ajunge să înțeleagă simplul, valori adevărate: frumusețe, dragoste, umanitate, realizând că arta este aceeași parte integrantă viata umana ca aceste valori. Asa de, personaj principal Povestea lui Kuprin Bratara cu granat ascultă Appassionata lui Beethoven, ascultă și plânge. Muzica îi umple sufletul de căldură și calm. Înțelegând arta, Vera începe să aprecieze marele, dragoste adevarata Zheltkova, își dă seama cum i s-a dăruit fără urmă, acest lucru aparent imperceptibil, om scund cum a idolatrizat-o pe eroina, cât de devotat i-a fost până la sfârșitul zilelor sale. Astfel, arta o ajută pe prințesă să înțeleagă că este iertată și să se elibereze de greutatea din suflet, cunoscând adevăratele valori universale, dintre care una este arta.
Înțelegerea operelor de artă să fie uneori dificilă, să fie treptată, să necesite putere, timp, sete de cunoaștere și interes nemărginit, arta este o parte inseparabilă a vieții umane, una dintre componentele sale cele mai importante care formează mintea și sufletul unei persoane. Viața fără artă pare gri, lipsită de sens, categoric, pentru că arta este creația unui nou, excepțional. Asa de, personaj principal Romanul lui Turgheniev „Părinți și fii” Evgheni Bazarov a negat complet și complet orice manifestare de artă, creativitate. Nihilist convins, Eugene nu a vrut să înțeleagă poezia, muzica, pictura, doar plângându-se: cât de lipsită de sens este arta care nu poartă scopuri practice. Bazarov este radical și categoric în judecățile sale, dar în fața morții, după ce a trecut testele prieteniei și iubirii, eroul își dă seama că lumea ar putea străluci cu culori strălucitoare pentru el dacă ar fi observat mai devreme frumosul și ar fi găsit farmec în creație. , și nu în distrugere.
După citirea textului propus, înțelegem că scopul principal al lui Serghei Lvovich a fost acela de a transmite cititorului ideea că arta este mai probabil să fie dezvăluită celor care, în primul rând, caută să o cunoască ei înșiși și dorința de a înțelege. arta este o dorință naturală, necesară, universală.
Există adevăruri de netăgăduit, dar ele mint adesea în zadar, fără a răspunde în niciun fel activitate umana, din cauza lenei sau ignoranței noastre.
Un astfel de adevăr incontestabil se referă la scris, și mai ales la opera prozatorilor. Constă în faptul că cunoașterea tuturor domeniilor conexe ale artei - poezie, pictură, arhitectură, sculptură și muzică - îmbogățește neobișnuit. lumea interioara proză și conferă o expresivitate deosebită prozei sale.
Compoziţie
Citiți multe cărți. Dar dintr-un motiv oarecare, unii dintre ei au fost uitați, pierduți în conștiință, fără a lăsa nimic nici minții, nici inimii? Poate că autorii acestor lucrări nu au reușit să reflecte viața în mod viu și veridic? Această problemă a pus-o K. G. Paustovsky în textul său.
Scriitorul, vorbind despre cei care nu pot crea o imagine vie, folosește astfel de epitete: „Motivul acestei melancolii... în ochiul lui lent, de pește”. Să fim atenți la ce capacitate are această descriere: aici există o lipsă de interes pentru ceea ce se întâmplă în jur, și răceală emoțională, și conștiință limitată, și lene de gândire și orbire spirituală.
Această orbire devine subiectul unor reflecții speciale ale scriitorului: el observă absurditatea apariției cărților scrise „de orbi pentru cei văzători”. Paustovski își încheie raționamentul cu următorul gând: „Cel care îi iubește poate vedea bine oamenii și pământul”. Acesta este secretul tuturor succesului, iar cauza tuturor eșecurilor este iubirea sau absența ei. Doar o inimă iubitoare este capabilă să perceapă lumea în toate culorile și imaginile ei.
Autorul își definește poziția pe baza motivelor „prozei șterse și incolore”. Este o consecință a „morții” sau este vorba despre o lipsă de cultură? Dacă în suflet există muguri de dragoste pentru lume și oameni și este încă în viață, atunci totul poate fi corectat: pentru asta trebuie să înveți de la adevărații maeștri - de la artiști. Paustovsky se citează ca exemplu: cum a învățat de la un pictor familiar să privească totul ca și cum „trebuie pictat cu vopsele”. În câteva cuvinte, poți defini opinia scriitorului astfel: dacă vrei să fii un scriitor bun, iubește lumea și învață să o vezi în culori.
Este imposibil să nu fii de acord cu asta, pentru că cei mai străluciți scriitori și-au creat astfel creațiile nemuritoare. De ce ne amintim cum Petrușa Grinev i-a acordat o haină de iepure de oaie unui vagabond care se apropia? La urma urmei, în mare parte pentru că această haină notorie din piele de oaie „a apărut”. Nu a fost aruncat neglijent, nu a fost servit cu o mână generoasă, ci doar „a apărut”, înclinându-se pe brațele întinse Savelich, strălucind cu blana lui pufoasă, albă ca zăpada. Cu câtă tandrețe și tandrețe este desenată această scenă! Și ce zici de gândacii, negri ca prunele, din crăpăturile camerei ocupate de Cicikov? Este posibil să uităm de ele? Și așa se aruncă și se întorc și se mișcă în mintea lor până înțelegi: nu degeaba Gogol a lăsat acești gândaci în spațiul poeziei sale. Și veți ghici: ce fel de urâciune și noroi nu ne atrage pe calea vieții, ducându-ne în rătăcire.
K. G. Paustovsky, vorbind despre „timpul pierdut în mod prostesc”, încearcă să ne arate cum sunt create adevărate opere de artă care pot trezi mintea și inima. Nu putem pierde timpul prețios pe care ne-a alocat soarta creând și citind ceva care nu conține dragoste pentru oameni și pentru viață.
Ce proporție din timpul liber alocă oamenii autoeducației? Al suta, al miilea? Mintea umană devine învechită de-a lungul anilor, devine mai puțin receptivă la noile cunoștințe. De ce se întâmplă asta, unde dispare activitatea anterioară? Bagajul interior este ceva ce este completat de noi de-a lungul vieții, ceva ce „întindem” din cufăr cu cunoștințe și luăm cu noi, iar ceva rămâne acolo „până când vremuri mai bune”, stă, este uitat. Dar de ce oamenii amână mereu să meargă la muzeu, galerie, teatru? Artă. Și-a pierdut influența? În secolele al XVIII-lea și al XIX-lea, era la modă în societatea nobilimii să vorbească franceza. Mulți spun că acesta este unul dintre cele mai stupide tendințe. Aștepta. Dar este minunat să fii pe aceeași lungime de undă cu cei care se străduiesc pentru dezvoltarea personală. Nu-i așa? Deci, să luăm în considerare problemele artei în argumentele care confirmă prezența lor.
Ce este adevărata artă?
Ce este arta? Sunt aceste pânze, maiestuoase etalate în galerie, sau nemuritoarea „Patru anotimpuri” de Antonio Vivaldi? Pentru cineva, arta este un buchet de flori sălbatice culese cu dragoste, este un maestru modest care își dă capodopera nu la o licitație, ci celui a cărui bătaie a inimii a trezit un geniu, a permis sentimentului să devină sursa a ceva etern. Oamenii cred că tot ceea ce este spiritual este supus cunoașterii, citesc o multitudine de cărți care îi pot face experți într-o societate specială, într-o societate în care a nu înțelege adâncimea pătratului lui Malevici este o adevărată crimă, un semn de ignoranță.
Să ne amintim poveste celebră Mozart și Salieri. Salieri, „... a dezintegrat muzica ca un cadavru”, dar steaua călăuzitoare a luminat calea lui Mozart. Arta este supusă doar inimii care trăiește cu un vis, iubire, speranță. Îndrăgostește-te, atunci cu siguranță vei deveni parte din arta numită dragoste. Problema este sinceritatea. Argumentele de mai jos sunt dovada acestui lucru.
Care este criza artei? Problema art. Argumente
Unora li se pare că arta de astăzi nu mai este ceea ce era pe vremea lui Buonarroti, Leonardo da Vinci. Ce sa schimbat? Timp. Dar oamenii sunt la fel. Iar în Renaștere, creatorii nu erau întotdeauna înțeleși, nici măcar pentru că populația nu avea un nivel ridicat de alfabetizare, ci pentru că pântecele vieții absoarbe cu lăcomie sentimente, prospețime tinerească și începuturi bune. Dar literatură? Pușkin. Era talentul lui demn doar de intrigi, calomnii și 37 de ani de viață? Problema cu arta este că nu este apreciată până când creatorul, care este întruchiparea darului cerului, nu încetează să mai respire. Lăsăm soarta să judece arta. Ei bine, iată ce avem. Numele compozitorilor sunt străine de auz, cărțile adună praf pe rafturi. Prin acest fapt, problema artei în argumentele din literatură este cel mai clar prezentată.
„Cât de greu este să fii fericit astăzi,
Râzi în hohote, deplasat;
Nu ceda sentimentelor false
Și trăiește fără un plan - la întâmplare.
Să fiu cu cel al cărui strigăt se aude de kilometri întregi,
Dușmanii încearcă să ocolească;
Nu repeta că ești jignit de viață,
Inima vrednică deschisă larg.”
Literatura este singurul gen de artă care vorbește despre probleme în așa fel încât să vrei imediat să rezolvi totul.
Problema artei, argumente din literatură... De ce o ridică atât de des autorii în operele lor? Numai o natură creativă este capabilă să urmărească calea căderii spirituale a omenirii. Să luăm drept argument celebrul roman al lui Hugo Catedrala Notre Dame din Paris". Povestea a fost generată de un cuvânt „ANA” GKN (c greacă „rock”). Nu doar simbolizează soarta eroilor, ci și distrugerea ciclică a inviolabilului: „Tocmai asta se face cu minunatele biserici din Evul Mediu de două sute de ani încoace... Preotul le pictează. , zgârie arhitectul; apoi oamenii vin și îi nimicesc.” În aceeași lucrare, în fața noastră apare tânărul dramaturg Pierre Gringoire. Ce cădere scăzută i s-a pregătit chiar la începutul călătoriei sale! Lipsa de recunoaștere, vagabondaj. Iar moartea i s-a părut o cale de ieșire, dar până la urmă s-a dovedit a fi unul dintre puținii care se așteptau la un final fericit. A gândit mult, a visat mult. Tragedie sufletească a dus la triumful public. Scopul său este recunoașterea. S-a dovedit a fi mai realistă decât dorința lui Quasimodo de a fi cu Esmeralda, decât visul Esmeraldei de a deveni singura pentru Phoebus.
Este ambalajul important în artă?
Probabil că toată lumea a auzit combinația „formă de artă”. Care este ideea semnificației sale? Problema artei în sine este ambiguă și necesită o abordare specială. Forma este o stare particulară în care un obiect există, manifestarea sa materială în mediu inconjurator. Arta - cum o simțim? Arta este muzică și literatură, este arhitectură și pictură. Aceasta este ceea ce percepem la un nivel spiritual special. Muzica - sunetul tastelor, al corzilor; literatură - o carte, al cărei miros este comparabil doar cu aroma pâinii proaspăt coapte; arhitectura - suprafata aspra a zidurilor, spiritul secular al vremii; pictura este riduri, pliuri, vene, toate trăsăturile frumoase non-ideale ale celor vii. Toate acestea sunt forme de artă. Unele dintre ele sunt vizuale (materiale), în timp ce altele sunt percepute într-un mod special, iar pentru a le simți nu este deloc necesară atingerea lor. A fi sensibil este un talent. Și atunci nu va mai conta deloc în ce cadru se află Mona Lisa și din ce dispozitiv sună Sonata la lumina lunii a lui Beethoven.Problema formei de artă și a argumentelor este complexă și necesită atenție.
Problema influenței artei asupra omului. Argumente
Mă întreb care este esența problemei? Arta... S-ar părea, ce impact, în afară de pozitiv, poate avea?! Dacă problema este că a pierdut iremediabil controlul asupra minții umane și nu mai poate face o impresie puternică?
Să luăm în considerare toate opțiunile posibile. În ceea ce privește impactul negativ, să ne amintim pânze precum „The Scream”, „Portretul Mariei Lopukhina” și multe altele. Nu se știe din ce motiv așa ceva Povești mistice, dar se crede că pot avea un impact negativ asupra oamenilor care privesc pânzele. Rănile provocate persoanelor care au jignit tabloul lui E. Munch, soarta schilodă a fetelor sterpe care priveau nefericita frumusețe cu istorie tragică, înfățișată de Borovikovsky cu puțin timp înainte de moartea ei. Mult mai teribil este faptul că în zilele noastre arta este fără suflet. Nici măcar nu poate trezi o emoție negativă. Ne minunăm, admirăm, dar după un minut, sau chiar mai devreme, uităm ce am văzut. Indiferența și lipsa oricărui interes este o adevărată nenorocire. Noi, oamenii, suntem făcuți pentru ceva grozav. Toți, fără excepție. Alegerea este a noastră: să fim la fel sau nu. Problema artei și argumentele sunt acum înțelese, iar de acum înainte fiecare își va promite că va trăi cu inima.
