Autorul eseului este N. V. Tumanina
Opera rusă este cea mai valoroasă contribuție la vistieria teatrului muzical mondial. Născută în epoca de glorie clasică a operei italiene, franceze și germane, opera rusă în secolul al XIX-lea. nu numai că a ajuns din urmă cu alte școli naționale de operă, dar le-a și întrecut. Natura multilaterală a dezvoltării teatrului de operă rus în secolul al XIX-lea. a contribuit la îmbogățirea artei realiste mondiale. Lucrările compozitorilor ruși au deschis o nouă zonă a creativității operei, au introdus în ea conținut nou, noi principii pentru construirea dramaturgiei muzicale, apropiind arta operei de alte tipuri de creativitatea muzicală mai ales pentru simfonie.
Istoria operei clasice ruse este indisolubil legată de dezvoltarea viata publica Rusia, cu dezvoltarea gândirii ruse avansate. Opera s-a remarcat prin aceste conexiuni deja în secolul al XVIII-lea, apărând ca fenomen național în anii 70, epoca dezvoltării iluminismului rus. Formarea școlii de operă rusă a fost influențată de ideile iluministe, exprimate în dorința de a portretiza cu adevărat viața oamenilor.
Astfel, opera rusă de la primii pași se conturează ca o artă democratică. Intrigile primelor opere rusești au prezentat adesea idei împotriva iobăgiei, care erau, de asemenea, caracteristice teatrului de teatru și literaturii ruse la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Cu toate acestea, aceste tendințe nu se dezvoltaseră încă într-un sistem integral; ele erau exprimate empiric în scene din viața țăranilor, în arătarea asupririi lor de către proprietarii de pământ, în imagine satirică nobleţe. Așa sunt intrigile primelor opere rusești: „Nenorocirea din trăsură” de V. A. Pashkevich (c. 1742-1797), libret de Ya. B. Kniazhnin (post, în 1779); „Cocherii pe aşezare” E. I. Fomina (1761-1800). În opera „Moarul - un vrăjitor, un înșel și un potrivire” cu un text de A. O. Ablesimov și muzică de M. M. Sokolovsky (în cea de-a doua versiune - E. I. Fomina), este exprimată ideea nobilimii muncii unui fermier și ridiculizată nobilul fantezie. În opera de M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich „Sankt Petersburg Gostiny Dvor” un cămătar și un mită sunt reprezentați într-o formă satirică.
Primele opere rusești au fost piese cu episoade muzicale în cursul acțiunii. Scenele de conversație erau foarte importante în ele. Muzica primelor opere a fost strâns legată de cântecele populare rusești: compozitorii au folosit pe scară largă melodiile cântecelor populare existente, reluându-le, făcându-le la baza operei. În „Melnik”, de exemplu, toate caracteristicile personajelor sunt date cu ajutorul cântecelor populare de altă natură. În opera „Sankt Petersburg Gostiny Dvor” este reprodusă cu mare acuratețe o ceremonie populară de nuntă. În „Cocherii pe cadru” Fomin a creat primul exemplu de operă corală populară, stabilind astfel una dintre tradițiile tipice ale operei ruse de mai târziu.
Opera rusă s-a dezvoltat în lupta pentru identitatea sa națională. Politica curții regale și a vârfului societății nobiliare, patronând trupele străine, era îndreptată împotriva democrației artei rusești. Figurile operei rusești au trebuit să învețe abilități de operă pe mostre de opera vest-europeană și, în același timp, să apere independența direcției lor naționale. Această luptă este în curs ani lungi a devenit o condiție pentru existența operei rusești, luând noi forme în noi etape.
Alături de opera-comedie în secolul al XVIII-lea. au apărut și alte genuri operistice. În 1790, la curte a avut loc o reprezentație sub titlul „Administrația inițială a lui Oleg”, textul pentru care a fost scris de împărăteasa Ecaterina a II-a, iar muzica a fost compusă în comun de compozitorii K. Canobbio, J. Sarti și V. A. Pashkevich. În opera remarcabilului compozitor rus D. S. Bortnyansky (1751-1825), genul operistic este reprezentat de operele lirice Soimul și Fiul rival, a căror muzică, din punct de vedere al dezvoltării formelor și priceperii operistice, poate fi pusă la egalitate cu exemplele moderne de operă vest-europeană.
Opera a fost folosită în secolul al XVIII-lea. mare popularitate. Treptat, opera din capitală a pătruns în teatrele imobiliare. Teatrul de fortăreață la începutul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea. oferă exemple individuale extrem de artistice ale interpretării de opere și roluri individuale. Sunt nominalizați cântăreți și actori ruși talentați, cum ar fi, de exemplu, cântăreața E. Sandunova, care a jucat pe scena capitalei, sau actrița iobag a Teatrului Sheremetev P. Zhemchugova.
Realizări artistice ale operei rusești din secolul al XVIII-lea. a dat impuls dezvoltării rapide a teatrului muzical în Rusia în primul sfert al secolului al XIX-lea.
Legăturile teatrului muzical rusesc cu ideile care determină viața spirituală a epocii se întăresc în special în ani. Războiul Patriotic 1812 şi în anii mişcării decembriste. Tema patriotismului, reflectată în comploturile istorice și contemporane, devine baza multor dramatice și spectacole muzicale. Ideile de umanism, protestul împotriva inegalității sociale inspiră și fertiliză arta teatrală.
La începutul secolului al XIX-lea. încă nu pot vorbi despre operă sens deplin acest cuvânt. rol important în limba rusă teatru muzical joacă genuri mixte: tragedie cu muzică, vodevil, operă comică, operă-balet. Înainte de Glinka, opera rusă nu cunoștea opere a căror dramaturgie s-ar baza doar pe muzică fără episoade rostite.
O. A. Kozlovsky (1757-1831), care a creat muzică pentru tragediile lui Ozerov, Katenin, Shakhovsky, a fost un compozitor remarcabil al „tragediei pe muzică”. Compozitorii A. A. Alyabyev (1787-1851) și A. N. Verstovsky (1799-1862) au lucrat cu succes în genul vodevilului, care au compus muzică pentru o serie de vodeviluri cu conținut umoristic și satiric.
Operă începutul XIX V. a dezvoltat tradiţiile din perioada anterioară. Un fenomen caracteristic au fost spectacolele de zi cu zi, acompaniate de cântece populare. Exemple de acest gen sunt spectacolele: „Yam”, „Gatherings”, „Girlfriend”, etc., a căror muzică a fost scrisă de compozitorul amator A.N. Titov (1769-1827). Dar atât de departe de a epuiza bogata viață teatrală a epocii. Înclinația către tendințele romantice tipice acelei vremuri s-a exprimat în entuziasmul societății pentru spectacole de basm-fantastice. Sirena Niprului (Lesta), care a avut mai multe părți, s-a bucurat de un succes deosebit. Muzica acestor opere, care formau, parcă, capitolele romanului, a fost scrisă de compozitorii S. I. Davydov, K. A. Kavos; a fost folosită parțial muzica compozitorului austriac Cauer. „Sirena Niprului” nu a părăsit scena multă vreme, nu numai datorită intrigii distractive, care în principalele sale caracteristici anticipează intriga „Sirenei” lui Pușkin, nu numai datorită producției luxoase, ci și datorită muzicii melodice, simple și accesibile.
Compozitorul italian K. A. Kavos (1775-1840), care a lucrat în Rusia de la o vârstă fragedă și a depus mult efort în dezvoltarea spectacolului de operă rusească, a făcut prima încercare de a crea o operă istorico-eroică. În 1815, a pus în scenă opera Ivan Susanin la Sankt Petersburg, în care, pe baza unuia dintre episoadele luptei poporului rus împotriva invaziei poloneze de la începutul secolului al XVII-lea, a încercat să creeze un spectacol național-patriotic. Această operă a răspuns stării de spirit a societății care a supraviețuit războiului de eliberare împotriva lui Napoleon. Opera lui Kavos se distinge favorabil printre operele moderne prin priceperea unui muzician profesionist, încrederea în folclorul rus, vivacitatea acțiunii. Cu toate acestea, nu se ridică peste nivelul numeroaselor „opere de salvare” ale compozitorilor francezi, care defilează pe aceeași scenă; Kavos nu a putut crea în ea epopeea populară-tragică pe care Glinka a creat-o douăzeci de ani mai târziu, folosind același complot.
Cel mai mare compozitor din prima treime a secolului al XIX-lea. A. N. Verstovsky, care a fost menționat drept autor de muzică pentru vodevil, ar trebui recunoscut. Operele sale „Pan Tvardovsky” (postează în 1828), „Mormântul lui Askold” (postează în 1835), „Vadim” (postează în 1832) și altele au constituit o nouă etapă în dezvoltarea operei rusești înainte de Glinka. Lucrarea lui Verstovsky a reflectat trăsături de caracter romantismul rusesc. Antichitatea rusă, tradițiile poetice ale Rusiei Kievene, basmele și legendele stau la baza operelor sale. rol semnificativ au un element magic pentru ei. Muzica lui Verstovsky, adânc înrădăcinată, bazată pe arta cântecului popular, a absorbit origini populareîn sensul cel mai larg. Personajele sale sunt tipice artei populare. Fiind un maestru al dramaturgiei operistice, Verstovsky a creat scene romantice colorate cu conținut fantastic. Un exemplu al stilului său este opera „Askold's Grave”, care s-a păstrat în repertoriu până în zilele noastre. A arătat cele mai bune trăsături ale lui Verstovsky - un dar melodic, un fler dramatic excelent, capacitatea de a crea imagini vii și caracteristice ale personajelor.
Lucrările lui Verstovsky aparțin perioadei preclasice a operei ruse, deși semnificația lor istorică este foarte mare: ele rezumă și dezvoltă toate cele mai bune calități perioada anterioară și contemporană de dezvoltare a muzicii de operă rusă.
Din anii 30. secolul al 19-lea Opera rusă intră în perioada sa clasică. Fondatorul clasicilor operei rusești M. I. Glinka (1804-1857) a creat opera istorică și tragică „Ivan Susanin” (1830) și fabulosul epopee - „Ruslan și Lyudmila” (1842). Aceste opere au pus bazele pentru două dintre cele mai importante tendințe ale teatrului muzical rus: opera istorică și epopeea magică. Principiile creative ale lui Glinka au fost implementate și dezvoltate de următoarea generație de compozitori ruși.
Glinka s-a dezvoltat ca artist într-o epocă umbrită de ideile decembrismului, ceea ce i-a permis să ridice conținutul ideologic și artistic al operelor sale la o înălțime nouă, semnificativă. A fost primul compozitor rus, în a cărui operă imaginea poporului, generalizată și profundă, a devenit centrul întregii opere. Tema patriotismului din opera sa este indisolubil legată de tema luptei poporului pentru independență.
Perioada anterioară a operei rusești a pregătit apariția operelor lui Glinka, dar diferența lor calitativă față de operele rusești anterioare este foarte semnificativă. În operele lui Glinka, realismul gândirii artistice nu se manifestă în aspectele sale private, ci acționează ca o metodă creativă holistică care ne permite să dăm o generalizare muzicală și dramatică a ideii, temei și intrigii operei. Glinka a înțeles problema naționalității într-un mod nou: pentru el a însemnat nu numai dezvoltarea muzicală a cântecelor populare, ci și o reflectare profundă și multifațetă în muzică a vieții, sentimentelor și gândurilor oamenilor, dezvăluirea trăsăturilor caracteristice ale aspectului său spiritual. Compozitorul nu s-a limitat la a reflecta viața populară, ci a întruchipat în muzică trăsăturile tipice ale viziunii populare asupra lumii. Operele lui Glinka sunt opere muzicale și dramatice integrale; nu au dialoguri vorbite, conținutul este exprimat prin intermediul muzicii. În loc de numere separate, nedezvoltate, solo și corale ale operei comice, Glinka creează forme mari și detaliate de operă, dezvoltându-le cu o adevărată pricepere simfonică.
În „Ivan Susanin” Glinka a cântat trecutul eroic al Rusiei. Cu mare adevăr artistic, imaginile tipice ale poporului rus sunt întruchipate în operă. Dezvoltarea dramei muzicale se bazează pe opoziția diferitelor sfere muzicale naționale.
„Ruslan și Lyudmila” este o operă care a marcat începutul operelor populare epice rusești. Semnificația lui „Ruslan” pentru muzica rusă este foarte mare. Opera a avut impact nu numai asupra genurilor teatrale, ci și asupra celor simfonice. Majestuos eroic și misterios de magic, precum și imaginile colorate-orientale ale „Ruslan” au hrănit muzica rusă pentru o lungă perioadă de timp.
Glinka a fost urmat de A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), un artist tipic al epocii anilor 40-50. secolul al 19-lea Glinka a avut o mare influență asupra lui Dargomyzhsky, dar, în același timp, în opera acestuia din urmă au apărut noi calități, născute din noile condiții sociale, noi teme care au ajuns la arta rusă. Simpatia caldă pentru o persoană umilită, conștientizarea perniciozității inegalității sociale, o atitudine critică față de ordinea socială sunt reflectate în opera lui Dargomyzhsky, asociată cu ideile de realism critic din literatură.
Calea lui Dargomyzhsky ca compozitor de operă a început odată cu crearea operei Esmeralda, după V. Hugo (postată în 1847), iar opera centrală a compozitorului ar trebui considerată The Mermaid (bazată pe drama lui A. S. Pușkin), pusă în scenă în 1856. În această operă, Dargomyzhsky a stabilit pe deplin direcția operei lui. Drama inegalității sociale dintre fiicele iubitoare ale morarului Natasha și Prinț l-a atras pe compozitor prin relevanța temei. Dargomyzhsky a întărit latura dramatică a intrigii, subminând elementul fantastic. Rusalka este prima operă liric-psihologică cotidiană rusă. Muzica ei este profund populară; pe bază de cântec, compozitorul a creat imagini vii ale eroilor, a dezvoltat un stil declamator în părțile personajelor principale, a dezvoltat scene de ansamblu, dramatizându-le semnificativ.
Ultima operă a lui Dargomyzhsky, Oaspetele de piatră, după Pușkin (postată în 1872, după moartea compozitorului), aparține unei perioade diferite în dezvoltarea operei rusești. Dargomyzhsky a stabilit în el sarcina de a crea un realist limbaj muzical reflectând intonațiile vorbirii. Compozitorul a abandonat aici formele tradiționale de operă - arii, ansamblu, cor; părțile vocale ale operei prevalează asupra părții orchestrale, Oaspetele de piatră a pus bazele uneia dintre direcțiile perioadei ulterioare a operei rusești, așa-numita operă recitativă de cameră, prezentată ulterior de Mozart și Salieri de Rimski-Korsakov, Cavalerul avar de Rahmaninov și alții. Particularitatea acestor opere este că toate sunt scrise nemodificate text complet„micile tragedii” ale lui Pușkin.
În anii 60. Opera rusă a intrat într-o nouă etapă a dezvoltării sale. Pe scena rusă apar lucrările compozitorilor cercului Balakirev („Mâna cea puternică”) și Ceaikovski. În aceiași ani, s-a desfășurat munca lui A. N. Serov și A. G. Rubinshtein.
Opera de operă a lui A. N. Serov (1820-1871), devenit celebru ca critic muzical, nu poate fi clasată printre fenomenele foarte semnificative ale teatrului rus. Cu toate acestea, la un moment dat, operele sale au jucat un rol pozitiv. În opera „Judith” (post, în 1863), Serov a creat o operă de natură eroic-patriotică bazată pe o poveste biblică; în opera Rogneda (compusă și pusă în scenă în 1865), s-a îndreptat spre epoca Rusiei Kievene, dorind să continue linia lui Ruslan. Cu toate acestea, opera nu a fost suficient de adâncă. De mare interes este cea de-a treia operă a lui Serov, Forța dușmană, bazată pe drama lui A. N. Ostrovsky Don’t Live As You Want (postată în 1871). Compozitorul a decis să creeze o operă cântec, a cărei muzică ar trebui să se bazeze pe surse primare. Cu toate acestea, opera nu are un singur concept dramatic, iar muzica ei nu se ridică la culmile generalizării realiste.
A. G. Rubinshtein (1829-1894), ca compozitor de operă, a început prin compunerea operei istorice Bătălia de la Kulikovo (1850). a creat opera lirică Theramors și opera romantică Copiii stepei. Cea mai bună operă a lui Rubinstein, Demonul după Lermontov (1871), a supraviețuit în repertoriu. Această operă este un exemplu de operă lirică rusă în care cele mai talentate pagini sunt dedicate exprimării sentimentelor personajelor. Scenele de gen din The Demon, în care compozitorul a folosit muzica populară a Transcaucaziei, aduc o savoare locală. Opera Demonul a fost un succes în rândul contemporanilor care au văzut în protagonist imaginea unui bărbat din anii 1940 și 1950.
Opera operistică a compozitorilor din The Mighty Handful și Ceaikovski a fost strâns legată de noua estetică a anilor 1960. Noile condiții sociale propun noi sarcini artiștilor ruși. Problema principala epoca a devenit problema reflectării în operele de artă viata popularaîn toată complexitatea și inconsecvența ei. Impactul ideilor democraților revoluționari (mai ales a lui Cernîșevski) s-a reflectat în domeniul creativității muzicale prin atracția pentru teme și intrigi semnificative universal, orientarea umanistă a lucrărilor și glorificarea înaltelor forțe spirituale ale poporului. De o importanță deosebită în acest moment este tema istorică.
Interesul pentru istoria poporului lor în acei ani este tipic nu numai pentru compozitori. Știința istorică în sine se dezvoltă pe scară largă; la care apelează scriitorii, poeţii şi dramaturgii tema istorica; se dezvoltă pictura de istorie. Epocile loviturilor de stat, a revoltelor țărănești, a mișcărilor de masă sunt de cel mai mare interes. Un loc important îl ocupă problema relației dintre popor și puterea regală. Operele istorice ale lui M. P. Mussorgsky și N. A. Rimsky-Korsakov sunt consacrate acestui subiect.
Operele lui M. P. Mussorgsky (1839-1881), Boris Godunov (1872) și Hovanshchina (finalizate de Rimski-Korsakov în 1882) aparțin ramurii istorice și tragice a operei clasice rusești. Compozitorul le-a numit „drame muzicale populare”, deoarece oamenii sunt în centrul ambelor lucrări. Ideea principală„Boris Godunov” (bazat pe tragedia cu același nume a lui Pușkin) - conflict: țar - oameni. Această idee a fost una dintre cele mai importante și acute din era post-reformă. Mussorgski a vrut să găsească o analogie cu prezentul în evenimentele din trecutul lui Rus. Contradicția dintre interesele populare și puterea autocratică se arată în scenele unei mișcări populare care se transformă într-o răscoală deschisă. În același timp, compozitorul acordă o mare atenție „tragediei conștiinței” trăită de țarul Boris. Imagine cu mai multe fațete Boris Godunov este una dintre cele mai înalte realizări ale creativității operei mondiale.
A doua dramă muzicală a lui Mussorgsky, Khovanshchina, este dedicată revoltelor Streltsy de la sfârșitul secolului al XVII-lea. Elementul mișcării populare în toată forța ei exuberantă este minunat exprimat de muzica de operă, bazată pe regândirea creativă a artei cântecului popular. Muzica lui „Khovanshchina”, la fel ca muzica lui „Boris Godunov”, se caracterizează printr-o tragedie înaltă. Baza milei melodice a ambelor opere este sinteza cântecului și începuturilor declamative. Inovația lui Mussorgski, născută din noutatea concepției sale, și soluția profund originală a problemelor dramaturgiei muzicale ne fac să plasăm ambele opere ale sale printre cele mai înalte realizări ale teatrului muzical.
Opera de A. P. Borodin (1833-1887) „Prințul Igor” se alătură, de asemenea, grupului de lucrări muzicale istorice (complotul său a fost „Povestea campaniei lui Igor”). Ideea de dragoste pentru patria-mamă, ideea de unire în fața inamicului este dezvăluită de compozitor cu mare dramatism (scene în Putivl). Compozitorul a îmbinat în opera sa monumentalitatea genului epic cu un început liric. În întruchiparea poetică a lagărului Polovtsian, sunt implementate preceptele lui Glinka; la randul lui, imagini muzicale La est de lângă Borodin a inspirat mulți ruși și compozitori sovietici pentru a crea imagini orientale. Minunatul dar melodic al lui Borodin s-a manifestat în stilul larg de cânt al operei. Borodin nu a avut timp să termine opera; Prințul Igor a fost completat de Rimski-Korsakov și Glazunov și pus în scenă în versiunea lor în 1890.
Genul dramei muzicale istorice a fost dezvoltat și de N. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908). Oamenii liberi din Pskov care se răzvrătesc împotriva lui Ivan cel Groaznic (opera Femeia din Pskov, 1872) este înfățișat de compozitor cu măreție epică. Imaginea regelui este plină de dramă autentică. Elementul liric al operei, asociat cu eroina - Olga, îmbogățește muzica, aducând în maiestuos concept tragic trăsături de tandrețe și moliciune sublimă.
P. I. Ceaikovski (1840-1893), cel mai faimos pentru operele sale lirico-psihologice, a fost autorul a trei opere istorice. Operele Oprichnik (1872) și Mazepa (1883) sunt dedicate evenimentelor dramatice din istoria Rusiei. În opera The Maid of Orleans (1879), compozitorul s-a orientat spre istoria Franței și a creat imaginea eroinei naționale franceze Ioana d’Arc.
O caracteristică a operelor istorice ale lui Ceaikovski este înrudirea lor cu operele sale lirice. Compozitorul dezvăluie în ele trăsăturile caracteristice ale epocii descrise prin soarta oamenilor individuali. Imaginile eroilor săi se disting prin profunzimea și veridicitatea transmiterii lumii interioare complexe a unei persoane.
Pe lângă dramele muzicale populare-istorice din opera rusă a secolului al XIX-lea. un loc important îl ocupă operele populare de basm, larg reprezentate în opera lui N. A. Rimski-Korsakov. Cele mai bune opere de basm ale lui Rimski-Korsakov sunt Fecioara zăpezii (1881), Sadko (1896), Kashchei Nemuritorul (1902) și Cocoșul de aur (1907). Un loc aparte îl ocupă opera Povestea orașului invizibil Kitezh și Fecioara Fevronia (1904), bazată pe legendele populare despre invazia tătar-mongolă.
Operele lui Rimski-Korsakov uimesc prin varietatea de interpretări ale genului povestilor populare. Fie aceasta este o interpretare poetică a ideilor populare antice despre natură, exprimată într-un basm minunat despre Fecioara Zăpezii, fie o imagine puternică a vechiului Novgorod, fie o imagine a Rusiei la începutul secolului al XX-lea. în imaginea alegorică a regatului rece Kashcheev, apoi o adevărată satiră asupra sistemului autocratic putred în imagini populare de basm („Cocoșul de aur”). În diferite cazuri, metodele de reprezentare muzicală a personajelor și tehnicile dramaturgiei muzicale a lui Rimski-Korsakov sunt diferite. Cu toate acestea, în toate operele sale se poate simți pătrunderea creativă profundă a compozitorului în lumea ideilor populare, a credințelor populare, în viziunea asupra lumii a oamenilor. Baza muzicii operelor sale este limbajul cântecelor populare. Încrederea pe arta Folk, caracterizarea personajelor prin utilizarea diferitelor genuri populare este o trăsătură tipică a lui Rimsky-Korsakov.
Punctul culminant al operei lui Rimski-Korsakov este epopeea maiestuoasă despre patriotismul poporului rus din opera Legenda orașului invizibil Kitezh și Fevronia Fecioarei, unde compozitorul a atins o mare culme de generalizare muzicală și simfonică a temei.
Printre alte varietăți de operă clasică rusă, unul dintre locurile principale aparține operei lirico-psihologice, al cărei început a fost pus de Rusalka lui Dargomyzhsky. Cel mai mare reprezentant al acestui gen în muzica rusă este Ceaikovski, autorul unor lucrări strălucitoare incluse în repertoriul mondial de operă: Eugene Onegin (1877-1878), Vrăjitoarea (1887), Regina de pică (1890), Iolanta (1891). Inovația lui Ceaikovski este asociată cu direcția lucrării sale, dedicată ideilor umanismului, protestului împotriva umilinței omului, credinței într-un viitor mai bun pentru omenire. Lumea interioara oamenii, relațiile lor, sentimentele lor sunt relevate în operele lui Ceaikovski prin combinarea eficienței teatrale cu dezvoltarea simfonică consecventă a muzicii. Opera de operă a lui Ceaikovski este unul dintre cele mai mari fenomene ale lumii muzicale și teatrale. Art XIX V.
Un număr mai mic de lucrări este reprezentat în opera de operă a compozitorilor ruși. Cu toate acestea, aceste câteva mostre se disting prin identitatea lor națională. Nu există lejeritate distractivă, comedie în ele. Majoritatea s-au bazat pe poveștile lui Gogol din Evenings on a Farm near Dikanka. Fiecare dintre opera-comedii reflecta caracteristicile individuale ale autorilor. În opera lui Ceaikovski „Cherevici” (1885; în prima versiune – „Fierarul Vakula”, 1874) predomină elementul liric; în „Noaptea de mai” de Rimski-Korsakov (1878) – fantastic și ritual; în Târgul Sorochinskaya al lui Mussorgsky (anii 70, neterminat) - pur comedic. Aceste opere sunt exemple ale abilității de a reflecta realistă a vieții oamenilor în genul comediei de personaje.
O serie de așa-numite fenomene paralele în teatrul muzical rus se învecinează cu clasicele operei rusești. Avem în vedere munca compozitorilor care nu au creat opere de o semnificație durabilă, deși și-au adus propria contribuție la dezvoltarea operei rusești. Aici este necesar să denumim operele lui Ts. A. Cui (1835-1918), membru al cercului Balakirev, critic muzical proeminent al anilor 60-70. Operele lui Cui „William Ratcliffe” și „Angelo”, care nu părăsesc stilul convențional romantic, sunt lipsite de dramă și, uneori, de muzică strălucitoare. Suporturile ulterioare ale lui Cui sunt de mai puțină importanță (" fiica căpitanului”, „Mademoiselle Fifi”, etc.). Însoțirea operei clasice a fost opera unui dirijor remarcabil și director muzical opere la Sankt Petersburg de E. F. Napravnik (1839-1916). Cea mai cunoscută este opera sa „Dubrovsky”, compusă în tradiția operelor lirice ale lui Ceaikovski.
Dintre compozitorii care au interpretat la sfârșitul secolului al XIX-lea. pe scena de operă trebuie să-l numim pe A. S. Arensky (1861-1906), autorul operelor Vis pe Volga, Rafael și Nal și Damayanti, precum și pe M. M. Ippolitov-Ivanov (1859-1935), a cărui operă Asya, după I. S. Turgheniev, a fost scrisă în Tcharikkov manner of . Se deosebește în istoria operei rusești „Oresteia” de S. I. Taneyev (1856-1915), după Eschil, care poate fi descrisă ca un oratoriu teatral.
În același timp, S. V. Rachmaninov (1873-1943) a acționat ca compozitor de operă, compunând până la sfârșitul conservatorului (1892) o oneră într-un act „Aleko”, susținută în tradițiile lui Ceaikovski. Operele ulterioare ale lui Rahmaninov - Francesca da Rimini (1904) și Cavalerul avar (1904) - au fost scrise în natura cantatelor de operă; sunt comprimate pe cat posibil. acțiune scenică iar începutul muzical-simfonic este foarte dezvoltat. Muzica acestor opere, talentată și strălucitoare, poartă amprenta originalității stilului creativ al autorului.
Dintre fenomenele mai puțin semnificative ale artei operistice de la începutul secolului al XX-lea. să numim opera de A. T. Grechaninov (1864-1956) „Dobrynya Nikitich”, în care caracteristici opera clasică de basm-epopee a făcut loc versurilor romantice, precum și operei lui A. D. Kastalsky (1856-1926) „Clara Milic”, în care elemente de naturalism se îmbină cu un lirism impresionant sincer.
Secolul al XIX-lea - epoca clasicilor operei rusești. Compozitorii ruși au creat capodopere în diferite genuri de operă: dramă, epopee, tragedie eroică, comedie. Ei au creat o dramă muzicală inovatoare care s-a născut în strânsă legătură cu conținutul inovator al operelor. Rolul important, definitoriu al scenelor populare de masă, caracterizarea cu mai multe fațete a personajelor, noua interpretare a formelor tradiționale de operă și crearea de noi principii de unitate muzicală a întregii opere sunt trăsături caracteristice clasicilor operei rusești.
Opera clasică rusă, care s-a dezvoltat sub influența gândirii filozofice și estetice progresive, sub influența evenimentelor din viața publică, a devenit unul dintre aspectele remarcabile ale operei rusești. cultură națională secolul al 19-lea Întreaga cale de dezvoltare a operei ruse în ultimul secol a mers paralel cu marea mișcare de eliberare a poporului rus; compozitorii s-au inspirat din idei înalte de umanism și iluminism democratic, iar lucrările lor sunt pentru noi exemple grozave de artă cu adevărat realistă.
La 9 decembrie 1836 (27 noiembrie, stil vechi), pe scena Teatrului Bolșoi din Sankt Petersburg a avut loc premiera operei lui Mihail Ivanovici Glinka O viață pentru țar, care a marcat începutul unei noi ere în muzica de operă rusă.
Cu această operă a început drumul de pionierat al primului compozitor clasic rus, împingându-l la nivel mondial. Vom vorbi despre cele mai semnificative descoperiri muzicale ale lui Glinka.
Prima Opera Nationala
M. I. Glinka și-a realizat pe deplin adevăratul scop în timpul călătoriilor sale în Europa. A fost departe de patria sa, compozitorul a decis să creeze o adevărată operă rusă și a început să caute un complot potrivit pentru ea. La sfatul lui Jukovski, Glinka a stabilit o poveste patriotică - o legendă despre isprava lui Ivan Susanin, care și-a dat viața în numele salvării patriei sale.
Pentru prima dată în muzica de operă mondială, a apărut un astfel de erou - de origine simplă și cu cele mai bune caracteristici. caracter national. Pentru prima dată într-o lucrare muzicală de această amploare, au sunat cele mai bogate tradiții ale folclorului național, compoziția rusă. Publicul a acceptat opera cu furie, recunoașterea și faima au ajuns la compozitor. Într-o scrisoare adresată mamei sale, Glinka a scris:
„Aseară, dorințele mi-au fost în sfârșit îndeplinite, iar munca mea îndelungată a fost încununată cu cel mai strălucit succes. Publicul mi-a acceptat opera cu un entuziasm extraordinar, actorii și-au pierdut cumpătul cu zel... împăratul-suveran... mi-a mulțumit și a vorbit îndelung cu mine...”.
Opera a fost foarte apreciată de critici și personalități culturale. Odoevski a numit-o „începutul unui nou element în artă - perioada muzicii ruse”.
Epopeea basmului vine în muzică
În 1837, Glinka a început să lucreze la o nouă operă, de această dată apelând la poemul Ruslan și Lyudmila a lui A. S. Pușkin. Ideea de a pune în muzică epopeea basmului i-a venit lui Glinka în timpul vieții poetului, care trebuia să-l ajute cu libretul, dar moartea lui Pușkin a întrerupt aceste planuri.
Premiera operei a avut loc în 1842 - pe 9 decembrie, la exact șase ani după Susanin, dar, din păcate, nu a adus același succes răsunător. Societatea aristocratică, condusă de familia imperială, a întâmpinat producția cu ostilitate. Criticii și chiar susținătorii lui Glinka au reacționat ambiguu la operă.
„La sfârșitul actului al V-lea, familia imperială a părăsit teatrul. Când cortina a fost coborâtă, au început să mă sune, dar au aplaudat foarte neprietenos, între timp au șuierat cu râvnă și, în principal, de pe scenă și din orchestră, ”
îşi aminti compozitorul.
Motivul acestei reacții a fost inovația lui Glinka, cu care a abordat crearea lui Ruslan și Lyudmila. În această lucrare, compozitorul a combinat motive și imagini complet diferite care anterior păruseră incompatibile ascultătorului rus - liric, epic, folclor, oriental și fantastic. În plus, Glinka a lăsat cunoscută privitorului forma școlilor de operă italiană și franceză.
Această epopee fabuloasă de mai târziu a fost consolidată în lucrările lui Rimski-Korsakov, Ceaikovski, Borodin. Dar la acel moment, publicul pur și simplu nu era pregătit pentru acest tip de revoluție în muzica de operă. Opera lui Glinka a fost mult timp considerată ca nu o lucrare de scenă. Unul dintre apărătorii ei, criticul V. Stasov, a numit-o chiar „o martiră a timpului nostru”.
Începuturile muzicii simfonice rusești
După eșecul lui Ruslan și Lyudmila, Glinka a plecat în străinătate, unde a continuat să creeze. În 1848, a apărut celebra „Kamarinskaya” - o fantezie pe temele a două cântece rusești - nuntă și dans. Muzica simfonică rusă provine din Kamarinskaya. După cum și-a amintit compozitorul, a scris-o foarte repede, motiv pentru care a numit-o fantezie.
„Vă asigur că atunci când am compus această piesă, m-am ghidat de singurul sentiment muzical interior, fără să mă gândesc la ce se întâmplă la nunți, la felul în care umblă ortodocșii noștri”,
spuse Glinka mai târziu. Este interesant că „experti” apropiați împărătesei Alexandra Feodorovna i-au explicat că într-un loc al lucrării se poate auzi clar cum „un om beat bate la ușa colibei”.
Așa că, prin cele mai populare două melodii rusești, Glinka a aprobat tip nou muzica simfonicași a pus bazele dezvoltării sale ulterioare. Ceaikovski a comentat lucrările în felul următor:
„Întreaga școală simfonică rusă, ca întregul stejar dintr-un stomac, este cuprinsă în fantezia simfonică „Kamarinskaya”.
Școala de compozitori rusești, ale cărei tradiții au fost continuate de școlile sovietice și ruse de astăzi, a început în secolul al XIX-lea cu compozitori care combinau arta muzicală europeană cu melodiile populare rusești, legând împreună forma europeană și spiritul rus.
Puteți vorbi mult despre fiecare dintre acești oameni celebri, toată lumea nu are simplu, și uneori chiar destinele tragice, dar în această recenzie am încercat să oferim doar descriere scurta viata si operele compozitorilor.
1. Mihail Ivanovici Glinka
(1804-1857)
Mihail Ivanovici Glinka în timp ce compunea opera Ruslan și Lyudmila. 1887, artistul Ilya Efimovici Repin
„Pentru a crea frumusețe, trebuie să fii pur în suflet.”
Mihail Ivanovici Glinka este fondatorul muzicii clasice ruse și primul compozitor clasic autohton care a atins faima mondială. Lucrările sale, bazate pe tradițiile de secole ale muzicii populare rusești, au fost un cuvânt nou în arta muzicală a țării noastre.
Născut în provincia Smolensk, educat la Sankt Petersburg. Formarea viziunii asupra lumii și ideea principală a lucrării lui Mihail Glinka a fost facilitată de comunicarea directă cu personalități precum A.S. Pushkin, V.A. Jukovsky, A.S. Griboyedov, A.A. Delvig. Impulsul creator lucrării sale a fost adăugat de o călătorie de lungă durată în Europa la începutul anilor 1830 și de întâlniri cu cei mai importanți compozitori ai vremii - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn și mai târziu cu G. Berlioz, J. Meyerbeer.
Succesul a venit lui M.I. Glinka în 1836, după producția operei „Ivan Susanin” („Viața pentru țar”), care a fost primită cu entuziasm de toată lumea, pentru prima dată în muzica mondială, arta corală rusă și practica simfonică și operă europeană au fost combinate organic și a apărut un erou asemănător cu Susanin, a cărui imagine rezumă cele mai bune trăsături ale caracterului național.
VF Odoevski a descris opera ca „un element nou în artă și începe o nouă perioadă în istoria sa - perioada muzicii ruse”.
Cea de-a doua operă, epica Ruslan și Lyudmila (1842), la care s-a lucrat pe fundalul morții lui Pușkin și în condițiile dificile de viață ale compozitorului, datorită naturii profund inovatoare a operei, a fost primită în mod ambiguu de public și autorități și i-a adus lui M.I. Glinka dureri. După aceea, a călătorit mult, trăind alternativ în Rusia și în străinătate, fără să înceteze să compună. Romancele, operele simfonice și camerale au rămas în moștenirea lui. În anii 1990, „Cântecul patriotic” al lui Mihail Glinka a fost imnul oficial al Federației Ruse.
Citat despre M.I. Glinka:„Întreaga școală simfonică rusă, ca întregul stejar într-o ghindă, este cuprinsă în fantezia simfonică „Kamarinskaya”. P.I. Ceaikovski
Fapt interesant: Mihail Ivanovici Glinka nu se distingea prin starea de sănătate bună, în ciuda acestui fapt, era foarte ușor și cunoștea foarte bine geografia, poate dacă nu ar fi devenit compozitor, ar fi devenit un călător. Știa șase limbi straine, inclusiv persană.
2. Alexandru Porfirevici Borodin
(1833-1887)
Alexander Porfiryevich Borodin, unul dintre cei mai importanți compozitori ruși din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, pe lângă talentul său de compozitor, a fost chimist, medic, profesor, critic și avea un talent literar.
Născut la Sankt Petersburg, încă din copilărie, toată lumea din jurul lui și-a remarcat activitatea neobișnuită, entuziasmul și abilitățile în diverse direcții, în primul rând în muzică și chimie.
A.P. Borodin este un compozitor rus de pepite, nu a avut profesori muzicieni profesioniști, toate realizările sale în muzică se datorează muncă independentă stăpânirea tehnicii de compunere.
Formarea lui A.P.Borodin a fost influențată de opera lui M.I. Glinka (precum toți compozitorii ruși ai secolului al XIX-lea) și două evenimente au dat impuls unui studiu atent al compoziției la începutul anilor 1860 - în primul rând, cunoștința și căsătoria cu talentatul pianist E.S.
La sfârșitul anilor 1870 și 1880, A.P. Borodin a călătorit și a făcut turnee extinse în Europa și America, s-a întâlnit cu cei mai importanți compozitori ai timpului său, faima sa a crescut, a devenit unul dintre cei mai faimoși și populari compozitori ruși din Europa la sfârșitul secolului al XIX-lea.
Locul central în opera lui A.P.Borodin este ocupat de opera „Prințul Igor” (1869-1890), care este un exemplu de epopee eroicăîn muzică și pe care el însuși nu a avut timp să-l termine (a fost completat de prietenii săi A.A. Glazunov și N.A. Rimsky-Korsakov). În „Prințul Igor”, pe fundalul unor picturi maiestuoase evenimente istorice, reflectat ideea principala din toată opera compozitorului - curaj, măreție calmă, noblețe spirituală a celui mai bun popor rus și puterea puternică a întregului popor rus, manifestată în apărarea patriei.
În ciuda faptului că A.P. Borodin a lăsat un număr relativ mic de lucrări, opera sa este foarte diversă și este considerat unul dintre părinții muzicii simfonice rusești, care a influențat multe generații de compozitori ruși și străini.
Citat despre A.P. Borodin:„Talentul lui Borodin este la fel de puternic și uimitor atât în simfonie, cât și în operă și în romantism. Principalele sale calități sunt puterea și lățimea gigantice, amploarea colosală, rapiditatea și impetuozitatea, combinate cu pasiune, tandrețe și frumusețe uimitoare. V.V. Stasov
Fapt interesant: Reacția chimică a sărurilor de argint ale acizilor carboxilici cu halogeni, rezultând hidrocarburi halogenate, a fost numită după Borodin, pe care a fost primul care l-a investigat în 1861.
3. Modest Petrovici Musorgski
(1839-1881)
„Sunetele vorbirii umane, ca manifestări exterioare ale gândirii și sentimentelor, trebuie, fără exagerare și violență, să devină muzică veridică, exactă, dar artistică, extrem de artistică.”
Modest Petrovici Mussorgsky este unul dintre cei mai străluciți compozitori ruși ai secolului al XIX-lea, membru al Mighty Handful. Munca inovatoare a lui Mussorgsky a fost cu mult înaintea timpului său.
Născut în provincia Pskov. Ca mulți oameni talentați, din copilărie a dat dovadă de talent în muzică, a studiat la Sankt Petersburg, a fost, conform tradiției familiei, un militar. Evenimentul decisiv care a determinat că Mussorgski nu s-a născut pentru serviciu militar, iar pentru muzică, a fost întâlnirea lui cu M.A. Balakirev și aderarea la „Mighty Handful”.
Mussorgski este grozav pentru că în operele sale grandioase - operele „Boris Godunov” și „Hovanshchina” - a surprins în muzică reperele dramatice ale istoriei ruse cu o noutate radicală pe care muzica rusă nu a cunoscut-o înaintea lui, arătând în ele o combinație de scene populare de masă și o bogăție diversă de tipuri, caracterul unic al poporului rus. Aceste opere, în numeroase ediții atât ale autorului, cât și ale altor compozitori, sunt printre cele mai populare opere rusești din lume.
O altă lucrare remarcabilă a lui Musorgski este ciclul de piese pentru pian „Picturi la o expoziție”, miniaturi colorate și inventive sunt impregnate de tema refrenului rusesc și de credința ortodoxă.
A existat totul în viața lui Mussorgsky - atât măreție, cât și tragedie, dar el s-a remarcat întotdeauna prin puritate spirituală autentică și dezinteres.
Ultimii săi ani au fost grei - tulburarea vieții, nerecunoașterea creativității, singurătatea, dependența de alcool, toate acestea i-au determinat moartea prematură la 42 de ani, a lăsat relativ puține compoziții, dintre care unele au fost finalizate de alți compozitori.
Melodia specifică și armonia inovatoare a lui Mussorgsky au anticipat unele trăsături ale dezvoltării muzicale a secolului al XX-lea și au jucat un rol important în dezvoltarea stilurilor multor compozitori din lume.
Citat despre M.P. Mussorgsky:„Sună inițial rusesc în tot ceea ce a făcut Mussorgsky” N. K. Roerich
Fapt interesant: La sfârșitul vieții, Mușorgski, sub presiunea „prietenilor” săi Stasov și Rimski-Korsakov, a renunțat la drepturile de autor asupra operelor sale și le-a prezentat lui Tertiy Filippov.
4. Piotr Ilici Ceaikovski
(1840-1893)
„Sunt un artist care poate și trebuie să aducă onoare Patriei sale. Simt o mare putere artistică în mine, nu am făcut încă nici măcar o zecime din ceea ce pot face. Și vreau să o fac cu toată puterea sufletului meu.”
Piotr Ilici Ceaikovski, poate cel mai mare compozitor rus al secolului al XIX-lea, a ridicat arta muzicală rusă la cote fără precedent. Este unul dintre cei mai importanți compozitori de muzică clasică mondială.
Originar din provincia Vyatka, deși rădăcinile sale paterne sunt în Ucraina, Ceaikovski a arătat abilități muzicale încă din copilărie, dar prima sa educație și muncă a fost în domeniul dreptului.
Ceaikovski este unul dintre primii compozitori „profesioniști” ruși - a studiat teoria muzicii și compoziția la noul Conservator din Sankt Petersburg.
Ceaikovski a fost considerat un compozitor „occidental”, spre deosebire de figurile populare ale „Mighty Handful”, cu care a avut relații bune de creație și prietenie, dar opera sa nu este mai puțin impregnată de spiritul rus, el a reușit să îmbine în mod unic moștenirea simfonică occidentală a lui Mozart, Beethoven și Schumann cu tradițiile rusești din moștenirea lui Mikhail Glinka.
Compozitorul a dus o viață activă - a fost profesor, dirijor, critic, persoană publică, a lucrat în două capitale, a făcut turnee în Europa și America.
Ceaikovski a fost o persoană destul de instabilă din punct de vedere emoțional, entuziasm, deznădejde, apatie, irascibilitate, furie violentă - toate aceste dispoziții s-au schimbat destul de des în el, fiind o persoană foarte sociabilă, s-a străduit mereu spre singurătate.
Este o sarcină dificilă să scoți în evidență ceva mai bun din opera lui Ceaikovski, el are mai multe lucrări de dimensiuni egale în aproape toate genuri muzicale- operă, balet, simfonie, muzică de cameră. Iar conținutul muzicii lui Ceaikovski este universal: cu melodism inimitabil, îmbrățișează imaginile vieții și morții, dragostea, natura, copilăria, operele literaturii ruse și mondiale sunt dezvăluite într-un mod nou, procesele profunde ale vieții spirituale sunt reflectate în ea.
Citat de compozitor:„Viața are farmec doar atunci când constă în alternanța bucuriilor și a necazurilor, a luptei dintre bine și rău, din lumină și umbră, într-un cuvânt, din diversitatea în unitate.”
„Un mare talent necesită multă muncă grea”.
Citat de compozitor: „Sunt pregătit zi și noapte să stau ca gardian de onoare în pridvorul casei în care locuiește Piotr Ilici - într-atât de mult îl respect” A.P. Cehov
Fapt interesant: Universitatea Cambridge în lipsă și fără a susține o dizertație i-a acordat lui Ceaikovski titlul de doctor în muzică, iar Academia de Arte Frumoase din Paris l-a ales membru corespondent.
5. Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov
(1844-1908)
N.A. Rimsky-Korsakov și A.K. Glazunov cu studenții lor M.M. Chernov și V.A. Senilov. Fotografie 1906 Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov este un compozitor rus talentat, una dintre cele mai importante figuri în crearea unei moșteniri muzicale interne de neprețuit. Lumea sa particulară și închinarea la frumusețea eternă a universului, admirația pentru miracolul ființei, unitatea cu natura nu au analogi în istoria muzicii.
Născut în provincia Novgorod, conform tradiției familiei, a devenit ofițer de marină, pe o navă de război a călătorit în multe țări din Europa și două Americi. El a primit educația muzicală mai întâi de la mama sa, apoi a luat lecții particulare de la pianistul F. Canille. Și din nou, mulțumită lui M.A. Balakirev, organizatorul Mighty Handful, care l-a introdus pe Rimsky-Korsakov în comunitatea muzicală și i-a influențat opera, lumea nu l-a pierdut pe talentatul compozitor.
Locul central în moștenirea lui Rimski-Korsakov îl ocupă opere - 15 lucrări care demonstrează diversitatea deciziilor de gen, stilistice, dramatice și compoziționale ale compozitorului, având totuși un stil aparte - cu toată bogăția componentei orchestrale, liniile vocale melodice sunt principalele.
Două direcții principale disting opera compozitorului: prima este istoria Rusiei, a doua este lumea basmelor și a epicului, pentru care a primit porecla de „povestitor”.
Pe lângă independent direct activitate creativă N.A. Rimsky-Korsakov este cunoscut ca publicist, compilator de colecții de cântece populare, în care a arătat un mare interes și, de asemenea, ca finalist al lucrărilor prietenilor săi - Dargomyzhsky, Mussorgsky și Borodin. Rimski-Korsakov a fost fondatorul școlii de compozitori, ca profesor și șef al Conservatorului din Sankt Petersburg, a produs aproximativ două sute de compozitori, dirijori, muzicologi, printre care Prokofiev și Stravinsky.
Citat de compozitor:„Rimski-Korsakov a fost un om foarte rus și un compozitor foarte rus. Cred că această esență primordială rusească a lui, baza sa profundă folclor-rusă, ar trebui apreciată în mod special astăzi. Mstislav Rostropovici
Fapt despre compozitor: Nikolai Andreevici și-a început prima lecție de contrapunct astfel:
Acum voi vorbi mult, iar tu vei asculta cu mare atenție. Atunci voi vorbi mai puțin, iar tu vei asculta și te vei gândi și, în cele din urmă, nu voi vorbi deloc și vei gândi cu capul tău și vei lucra independent, pentru că sarcina mea ca profesor este să devin inutilă pentru tine...
Un teatru rar astăzi nu are un repertoriu rusesc: pun în scenă opere clasice de Piotr Ceaikovski și Nikolai Rimski-Korsakov, Modest Musorgski și Igor Stravinski, Serghei Prokofiev și Dmitri Șostakovici. Portalul „Culture.RF” a studiat afișele din diferiți ani în căutarea lucrări casnice iubit în Occident, din secolul al XIX-lea până în zilele noastre.
secolul al 19-lea
În 1844, directorul Capelei Cântătoare a Curții din Sankt Petersburg, compozitorul Alexei Lvov, a prezentat opera Bianca și Gualtiero la Teatrul Regal din Dresda. 10 ani mai târziu, la Weimar a fost prezentată opera lui Anton Rubinstein Vânători siberieni - dirijată compozitor celebruși pianistul Franz Liszt. Acestea au fost primele opere care au primit recunoaștere în străinătate. Adevărat, astăzi Rubinstein este cunoscut pentru o altă operă - „Demonul” și Lvov – ca autor al imnului „Doamne să salveze țarul!”.
Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, muzica rusă a fost interpretată în aproape toate sălile importante din Europa și SUA - Mihail Glinka, Anton Rubinstein și Pyotr Ceaikovski au devenit fața ei în Occident. Publicul european a văzut „Viața pentru țar” și „Ruslan și Lyudmila” de Glinka în 1866, respectiv 1867 - spectacolele au avut loc la Praga. În același loc, în anii 1880 și 1890, au avut loc premierele europene ale operelor lui Piotr Ceaikovski „Slujitoarea din Orleans”, Eugene Onegin și dama de pică».
„Glinka, ca și Bortnyansky, a studiat cu basurmanii... dar numai în forme. Spiritul interior al creațiilor sale, conținutul muzicii sale este complet original. Glinka a scris opere cu adevărat rusești și a creat o școală cu totul nouă, dacă nu, cel puțin o școală de muzică, căreia îi aparțin și sunt urmașul lui Glinka.
Piotr Ceaikovski. Dintr-o scrisoare către editorul Peter Jurgenson
În 1887, la New York a fost interpretată opera lui Anton Rubinstein Nero. Și un an mai târziu, în ciuda tradiției de a traduce libretul, la Londra și-au interpretat propriul „Demon” în original.
1900-1930
La 5 martie 1910, The Queen of Spades de Ceaikovski a fost prezentată pentru prima dată în America la New York Metropolitan Opera. limba germana. Premiera a fost condusă de compozitorul austriac Gustav Mahler, iar părțile principale au fost interpretate de vedetele vremii - Leo Slezak și Emmy Destinn. În 1913, la Mitropolit a fost interpretată opera lui Modest Mussorgsky „Boris Godunov”, iar în 1917 - „Prințul Igor” de Alexander Borodin. În 1920, publicul din New York a fost prezentat cu „Eugene Onegin” – în italiană și cu vedetele italiene Claudia Muzio și Giuseppe De Luca. Publicul european a urmărit, de asemenea, Fecioara zăpezii de Nikolai Rimski-Korsakov și opera comică a lui Musorgski Târgul Sorochinsky.
În același timp, muzica rusă a cucerit și tânărul, dar deja celebrul festival european de la Salzburg: în 1928, o delegație din Leningrad a sosit în orașul Mozart. cântăreț de opera Nikolai Chesnokov a interpretat rolul lui Pancrasio în opera comică contemporană Peștera din Salamanca a compozitorului austriac Bernhard Paumgartner. Libretul în limba rusă pentru operă a fost scris de regizorul și tenorul sovietic Emmanuil Kaplan. De asemenea, a cântat rolul lui Kashchei în Kashchei Nemuritorul de Rimski-Korsakov și a pus în scenă " oaspete de piatră» Alexander Dargomyzhsky. Rolul lui Kashcheevna la Festivalul de la Salzburg din 1928 a fost interpretat de viitoarea vedetă Teatru academic operă și balet (azi - Mariinsky) Sofia Preobrazhenskaya.
1930-1990
În ciuda războaielor mondiale și a Cortinei de Fier, baletele și muzica compozitorilor ruși au continuat să apară pe scenele străine de-a lungul secolului al XX-lea. Dar era diferit cu operele: din anii 1930 până în anii 1990, practic nu au continuat în teatrele europene - au montat doar spectacole populare. De exemplu, Boris Godunov a fost interpretat la Salzburg, pus în scenă de șeful festivalului Herbert von Karajan: opera a rulat timp de trei ani la rând - din 1965 până în 1967. Basul bulgar Nikolay Gyaurov a strălucit în partea de titlu, tenorul Teatrului Bolșoi Alexei Maslennikov a jucat rolul Pretenditorului - Grigory Otrepyev. În 1971, o înregistrare a „Boris Godunov” a fost lansată sub bagheta unui dirijor austriac cu Maslennikov în rolul Yurodivy și Galina Vishnevskaya în rolul Marina Mnishek. Data viitoare când Festivalul de la Salzburg a prezentat o operă rusească a fost abia în 1994 - și din nou a fost Boris Godunov.
Mai des decât alții în timpul Războiului Rece, principalul teatru al Americii, Opera Metropolitană, a apelat la moștenirea rusă. De mai multe ori a deschis sezonul cu nume rusești: în 1943 și 1977 - „Boris Godunov”, în 1957 și 2013 - „Eugene Onegin”. În 1950, Khovanshchina a lui Modest Mussorgsky a fost pusă în scenă aici, deși în engleză. Peisajul spectacolului a fost creat de celebrul artist emigrat rus Mstislav Dobuzhinsky.
Teatrul dorea să pună în scenă opere în limba originală, dar nu existau cântăreți vorbitori de limbă rusă de înaltă clasă în Occident, iar vizitele unice ale soliştilor de la Teatrul Bolshoi nu au schimbat imaginea de ansamblu.
„Limba rusă prezintă o problemă deosebită, deoarece vocile rusești sunt diferite de italiană, franceză sau germană. Cântecul rusesc are un timbru caracteristic care rezonează în piept; dacă este interpretat corect, sună ca din măruntaiele pământului.
Steve Coen. Criticul cultural
Și totuși, în 1972, The Queen of Spades a sunat cu libretul original. În spectacol au fost angajați tenorul suedez cu rădăcini rusești Nikolai Gedda și soprana bulgară Raina Kabaivanska. Primul profesor de limba rusă la Metropolitan Opera a fost fostul cântăreț Georgy Cekhanovsky. A urmat pronunția, vocea și decorul.
În 1974, Boris Godunov a fost eliberat în limba rusă. Poloneza pentru actul polonez a fost coregrafiată de un originar din Sankt Petersburg, fondatorul baletului american, coregraful George Balanchine. Din 1977, Eugene Onegin a fost cântat în limba rusă în Mitropolie; în 1979, soliștii Teatrului Bolșoi Makvala Kasrashvili și Yuri Mazurok au interpretat principalele părți în acest spectacol. În 1985, Khovanshchina a revenit pe scenă în limba originală.
timp nou
După 1991, Jucatorul de Serghei Prokofiev, Cocoșul de aur și Mozart și Salieri de Nikolai Rimski-Korsakov, Aleko, Cavalerul avar și Francesca da Rimini de Serghei Rahmaninov, Vrăjitoarea de Piotr Ceaikovski au început să apară din ce în ce mai des în afișele europene.
Repertoriul Operei Metropolitane a fost completat cu noi titluri: operele lui Șostakovici Lady Macbeth districtul Mtsensk„și“ Nasul”, Prokofiev - „Jucător de noroc” și „Război și pace”, Ceaikovski - „Mazepa ”și „Iolanta”. Aproape la toate premierele „rusești” au participat dirijorul șef Teatrul Mariinsky Valery Gergiev și soliști din Sankt Petersburg.
În 2002, Teatrul Mariinsky și Opera Metropolitană au creat o producție comună Război și pace, în regia lui Andrei Konchalovsky. Apoi, publicul și criticii au fost foarte impresionați de tânăra Anna Netrebko în rolul Natasha Rostova. Rolul lui Andrei Bolkonsky a fost interpretat de Dmitri Hvorostovsky. În 2014, pentru prima dată de la premiera din New York din 1917, aici a fost pusă în scenă opera lui Borodin, Prințul Igor. Dmitry Chernyakov a devenit regizor, iar Ildar Abdrazakov, basul Teatrului Mariinsky, a jucat rolul principal.
În ultimii 20 de ani, Festivalul de la Salzburg a prezentat și multe opere rusești: Boris Godunov și Khovanshchina de Musorgski, Eugen Onegin, Regina de pică și Mazeppa de Ceaikovski, Război și pace de Prokofiev, Privighetoarea de Stravinski. În vara anului 2017, opera lui Dmitri Șostakovici Lady Macbeth din districtul Mtsensk a fost prezentată pentru prima dată la Salzburg, iar în august 2018, Regina de pică va fi pusă în scenă pentru a doua oară în istoria festivalului. În acest sezon, Opera de Stat din Viena dăruiește Khovanshchina, Eugene Onegin și The Gambler.
La Opera Națională din Paris sunt organizate și spectacole rusești. În primăvara anului 2017, regizorul rus Dmitri Cernyakov a deschis parizienilor piesa de zăpadă a lui Rimski-Korsakov, rar interpretată în Europa, iar cu un an mai devreme, interpretarea lui Cernyakov pe muzica lui Ceaikovski, opera Iolanta și baletul Spărgătorul de nuci, interpretate într-o singură seară, ca în premiera sezonului 1892, au devenit aici în clipa din 1892.
În iunie 2018, Opera din Paris va prezenta o nouă interpretare a lui Boris Godunov în regia celebrului regizor belgian Ivo van Hove, iar în sezonul 2019/20, premiera Prințului Igor va fi pusă în scenă de australianul Barry Kosky.
7 opere rusești de renume mondialArtistul și scriitorul rus Konstantin Korovin.
Boris Godunov. Încoronare. 1934. Schiță de decor pentru opera lui M. P. Mussorgsky „Boris Godunov”
Originară ca o imitație a modelelor occidentale, opera rusă a adus o contribuție valoroasă la vistieria întregii culturi mondiale. Apărând în epoca de glorie clasică a operelor franceze, germane și italiene, opera rusă din secolul al XIX-lea nu numai că a ajuns din urmă școlile naționale de operă clasică, dar le-a depășit și pe acestea. Este interesant că compozitorii ruși au ales în mod tradițional subiecte cu caracter pur popular pentru lucrările lor.
1
„Viața pentru țar” Glinka
Opera „O viață pentru țar” sau „Ivan Susanin” povestește despre evenimentele din 1612 - campania poloneză a noilor împotriva Moscovei. Baronul Yegor Rozen a devenit autorul libretului, însă, în epoca sovietică, din motive ideologice, editarea libretului a fost încredințată lui Serghei Gorodetsky. Opera a avut premiera în Teatrul Bolșoi Petersburg în 1836. Multă vreme rolul lui Susanin a fost interpretat de Fiodor Chaliapin. După revoluție, Viața pentru țar a părăsit scena sovietică. Au existat încercări de a adapta complotul la cerințele noului timp: așa a fost acceptat Susanin în Komsomol, iar versurile finale au sunat ca „Glorie, glorie, sistem sovietic”. Datorită lui Gorodețki, când opera a fost pusă în scenă la Teatrul Bolșoi în 1939, „sistemul sovietic” a fost înlocuit cu „poporul rus”. Din 1945, Teatrul Bolșoi a deschis în mod tradițional sezonul cu diverse producții ale lui Ivan Susanin de Glinka. Cea mai mare producție a operei din străinătate a fost realizată, poate, în La Scala din Milano.
2
Boris Godunov de Musorgski
Opera, în care țarul și poporul sunt aleși ca două personaje, a fost începută de Mussorgski în octombrie 1868. Pentru a scrie libretul, compozitorul a folosit textul tragediei cu același nume a lui Pușkin și materiale din Istoria statului rus a lui Karamzin. Tema operei a fost domnia lui Boris Godunov chiar înainte de vremea necazurilor. Mussorgsky a finalizat prima ediție a operei Boris Godunov în 1869, care a fost prezentată comitetului teatral al Direcției Teatrelor Imperiale. Cu toate acestea, recenzenții au respins opera, refuzând să o pună în scenă din cauza lipsei de strălucire rol feminin. Mussorgski a introdus în operă un act „polonez”. linia dragostei Marina Mnishek și False Dmitry. El a adăugat și o scenă monumentală a unei revolte populare, care a făcut finalul mai spectaculos. În ciuda tuturor ajustărilor, opera a fost din nou respinsă. A fost pusă în scenă doar 2 ani mai târziu, în 1874, pe scena Teatrului Mariinsky. În străinătate, premiera operei a avut loc la Teatrul Bolshoi din Marea Operă din Paris pe 19 mai 1908.
3
Regina de pică de Ceaikovski
Opera a fost finalizată de Ceaikovski la începutul primăverii anului 1890 la Florența, iar prima producție a avut loc în decembrie același an la Teatrul Mariinsky din Sankt Petersburg. Opera a fost scrisă de compozitor la ordinul Teatrului Imperial, iar pentru prima dată Ceaikovski a refuzat să preia comanda, argumentând refuzul său prin lipsa „prezenței scenice adecvate” în complot. Este interesant că în povestea lui Pușkin personaj principal poartă numele de familie Hermann (cu două „n” la sfârșit), iar în operă principalul actor devine un om pe nume Herman - aceasta nu este o greșeală, ci o schimbare intenționată a autorului. În 1892, opera a fost pusă în scenă pentru prima dată în afara Rusiei, la Praga. Apoi - prima producție la New York în 1910 și premiera la Londra în 1915.
4
„Prințul Igor” Borodin
Monumentul a stat la baza libretului literatura rusă veche„Povestea campaniei lui Igor”. Ideea complotului i-a fost sugerată lui Borodin de criticul Vladimir Stasov la una dintre serile muzicale de la Şostakovici. Opera a fost creată pe parcursul a 18 ani, dar nu a fost niciodată finalizată de compozitor. După moartea lui Borodin, lucrările la lucrare au fost finalizate de Glazunov și Rimsky-Korsakov. Există o părere că Glazunov a reușit să restabilească din memorie interpretarea autorului a uverturii de operă pe care a auzit-o odată, cu toate acestea, Glazunov însuși a respins această opinie. În ciuda faptului că Glazunov și Rimski-Korsakov au făcut cea mai mare parte a lucrării, ei au insistat că prințul Igor este în întregime o operă a lui Alexandru Porfirevici Borodin. Premiera operei a avut loc la Teatrul Mariinsky din Sankt Petersburg în 1890, după 9 ani a fost văzută de un public străin la Praga.
5
Cocoșul de aur de Rimski-Korsakov
Opera Cocoșul de aur a fost scrisă în 1908 pe baza basmului cu același nume al lui Pușkin. Această operă a fost ultima operă a lui Rimski-Korsakov. Teatrele imperiale au refuzat să pună în scenă opera. Dar, de îndată ce publicul a văzut-o pentru prima dată în 1909, la Opera din Moscova a lui Serghei Zimin, opera a fost pusă în scenă la Teatrul Bolșoi o lună mai târziu, iar apoi și-a început procesiunea triumfală în jurul lumii: Londra, Paris, New York, Berlin, Wroclaw.
6
„Lady Macbeth din districtul Mtsensk” de Shestakovici
Opera, bazată pe romanul omonim al lui Leskov, a fost finalizată în decembrie 1930 și a fost montată pentru prima dată la Teatrul Mihailovski din Leningrad în ianuarie 1934. În 1935, opera a fost prezentată publicului din Cleveland, Philadelphia, Zurich, Buenos Aires, New York, Londra, Praga, Stockholm. În a doua jumătate a anilor 1930 până în anii 1950, opera i s-a interzis punerea în scenă în Rusia, iar Șestakovici însuși a fost condamnat de conducerea Partidului Comunist din țară. Lucrarea a fost descrisă ca o „mizerie în loc de muzică”, „făcută în mod deliberat peste cap” și a servit ca un imbold pentru persecuția compozitorului. Spectacolele din Rusia au reluat abia în 1962, dar publicul a văzut o operă numită Katerina Izmailova.
7
„Oaspetele de piatră” Dargomyzhsky
Ideea operei a venit de la Alexander Dargomyzhsky în 1863. Cu toate acestea, compozitorul s-a îndoit de succesul său și a considerat lucrarea drept o „recunoaștere” creativă, „distracție față de Don Giovanni” al lui Pușkin. A scris muzică pentru textul lui Pușkin din „Oaspetele de piatră”, fără a schimba niciun cuvânt în el. Cu toate acestea, problemele cardiace nu i-au permis compozitorului să termine lucrarea. A murit, cerând în testament prietenii săi Cui și Rimski-Korsakov să finalizeze lucrarea. Opera a fost prezentată pentru prima dată publicului în 1872 pe scena Teatrului Mariinsky din Sankt Petersburg. Premiera străină a avut loc abia în 1928 la Salzburg. Această operă a devenit una dintre „pietrele de temelie”, fără să știm este imposibil să înțelegem nu numai muzica clasică rusă, ci și cultura generală a țării noastre.
