Interesul pentru artele plastice a cuprins secțiuni din ce în ce mai largi ale societății, ceea ce s-a reflectat în crearea diferitelor societăți de artă, popularitatea tot mai mare a expozițiilor de la Academia de Arte, înființarea revistelor de artă și crearea muzeelor de artă.
Portretul a rămas genul principal în pictură, dezvoltarea lui a fost asociată cu opera lui O.A. Kiprensky și V.A. Tropinină. În lucrările acestor artiști, se poate observa dorința de a surprinde unicitatea lumii spirituale și emoționale a contemporanilor, romantismul se împletește cu trăsăturile realismului. Peisajul s-a dezvoltat odată cu portretul asociat cu numele lui S.F. Shchedrin, care se caracterizează printr-o percepție poetică a aspectului natural al naturii. Genul cotidian este reprezentat de opera lui A.G. Venetsianov, care a ales-o în mod deliberat ca tip de pictură independent și cu drepturi depline, și P.A. Fedotov. Tema picturii lor este națională și democratică. Pictura istorică s-a dezvoltat sub influența războiului din 1812, a creșterii patriotismului și a conștiinței naționale. Această tendință a fost reprezentată de A.A. Ivanov, care a scris tablou faimos Arătarea lui Hristos în popor, A.E. Egorov și alții Unii artiști au lucrat la fel de bine în diferite genuri. Astfel au fost F. Bruni, K.P. Bryullov, cel mai mare artist al timpului său, a cărui operă a întruchipat drama, umanitate, măiestrie strălucitoare.
Aproape întreaga dezvoltare a picturii în acea perioadă a avut loc în cadrul clasicismului, care în pictură a fost numit academism. Academismul s-a concentrat pe cea mai înaltă tehnică vizuală, subiecte mitologice și biblice, compoziție decorativă. În general, pentru pictura secolului al XIX-lea. caracterizat prin extinderea genurilor, a intrigilor, a îmbunătățirii tehnicilor și a aspectelor artistice. Pentru rusă Arte vizuale s-au caracterizat prin romantism și realism. Cu toate acestea, metoda recunoscută oficial a fost clasicismul.
Clasicismul în arhitectură la începutul secolului al XIX-lea. a atins cel mai înalt nivel de dezvoltare, creând teren fertil pentru exprimarea patosului civil. Caracteristică- crearea de ansambluri mari. Arhitectura rusă s-a remarcat prin profesionalism ridicat, căutarea unor noi căi.
Dintre arhitecții de atunci, O.I. Beauvais, care a supravegheat restaurarea Moscovei după incendiul din 1812. Sub conducerea sa au fost create ansambluri urbane unice: Teatru, Voskresenskaya, Piața Roșie; Grădina Alexandru; au fost construite clădiri Teatrul Bolșoi, Manezh - clădiri care au transformat fața orașului. La Sankt Petersburg, clasicismul și-a păstrat caracterul oficial și a reflectat semnificația orașului ca capitală a imperiului. Printre monumentele remarcabile se numără Catedrala Kazan (1801-1811) a arhitectului A.N. Voronichin; clădirea Bursei (1804-1811) a arhitectului Thomas de Thomon; ansambluri urbane K.I. Rossi, care a transformat orașul într-o operă de artă. Proiectul AD. Zaharov, clădirea Amiralității a fost ridicată. Din ea se răspândesc razele străzilor din Sankt Petersburg. Conform proiectului A.A. Montferrand a fost creatorul Catedralei Sf. Isaac - cea mai înaltă clădire din Rusia la acea vreme.
Pentru a înlocui clasicismul, care și-a epuizat posibilitățile, care a intrat în conflict cu nevoile estetice schimbate ale epocii din anii '30. secol al XIX-lea a venit eclectismul. A ei principiu principal- utilizarea elementelor diferitelor stiluri arhitecturale din trecut într-o formă liberă. Arhitectul K.A. Tonul este unul dintre cele mai multe Reprezentanți proeminenți această direcție. Potrivit proiectului său, Catedrala Mântuitorului Hristos (1839-1883) a fost construită în cinstea victoriei din Războiul Patriotic din 1812.
Cele mai semnificative succese au fost obținute în acest moment în domeniul sculpturii monumentale. Exact ca în alte direcții cultura artistica, a existat o influență puternică Războiul Patriotic 1812 au devenit populare temele eroismului, patriotismului etc. Sculptura dezvoltată în cadrul stilului clasicismului, dar trăsăturile realiste capătă o influență destul de puternică. O trăsătură caracteristică a dezvoltării sculpturii rusești în prima jumătate a secolului a fost sinteza sculpturii și arhitecturii, care s-a pronunțat mai ales în crearea ansamblurilor urbane și soluționarea altor probleme de urbanism.
Printre sculptorii monumentali de seamă, un loc aparte îl ocupă V.I. Demuth - Malinovsky și S.S. Pimenov. Împreună cu arhitectul Voronikhin, au creat decorul unic al Catedralei din Kazan, apoi basoreliefuri pentru Institutul Minier. Mai multe statui grandioase au fost sculptate în piatră pentru clădirea Amiralității. Sculptorii au lucrat și în colaborare cu arhitectul Rossi; sculptura arcului clădirii Statului Major este considerată punctul culminant al lucrării lor.
Printre monumentele remarcabile ale epocii se numără monumentul lui Minin și Pojarski din Piața Roșie, realizat de sculptorul I.P. Martos. În imaginile eroilor din secolul al XVII-lea. trăsăturile patriotismului și mândriei naționale sunt întruchipate. Mare importanță a avut opera lui B.I. Orlovsky, autorul figurii unui înger care încoronează Columna Alexandru, monumente ale feldmareșalului M.I. Kutuzov și generalul Barclay de Tolly în fața Catedralei Kazan din Sankt Petersburg. Coloana Alexandru - menhir, unul dintre monumente celebre Petersburg. Ridicat în stil Imperiu în 1834 în centrul Pieței Palatului de către arhitectul Auguste Montferrand prin decret al fratelui mai mic al împăratului Alexandru I, Nicolae I, în memoria victoriei asupra lui Napoleon. Coloana este un obelisc monolit, care stă pe un piedestal decorat cu basoreliefuri cu inscripția dedicată „Rusia recunoscătoare lui Alexandru I”. În vârful coloanei se află o sculptură a unui înger de Boris Orlovsky. Fața îngerului are trăsăturile lui Alexandru I. În mâna stângă, îngerul ține o cruce latină în patru colțuri și își ridică mâna dreaptă la cer. Capul îngerului este înclinat, privirea lui este fixată pe pământ. Coloana este orientată spre Palatul de Iarnă. Ea nu este numai excepțională monument de arhitectură, dar și o mare realizare inginerească a epocii sale. În prima jumătate a secolului al XIX-lea. A apărut arta muzicală rusă independentă, deși influența italiană, germană, scoli franceze. Cultura muzicală națională a Rusiei a fost creată pe baza artei populare, așa cum demonstrează opera lui A.A. Alyabiev, creatorul operei naționale ruse M.I. Glinka. O contribuție semnificativă la dezvoltarea artei muzicale autohtone a avut-o operele inovatoare ale lui A.S. Dargomyzhsky. Combinația de motive populare cu romantismul a dus la apariția unui gen special - romantismul rusesc (A.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, A. Gurilev). În acea perioadă, rolul teatrului de teatru în viața culturală a Rusiei a crescut serios. La Moscova, Teatrul Maly a devenit centrul acestui tip de artă, unde tendințele democratice erau foarte puternice; la Sankt Petersburg - Alexandrinsky, care a păstrat semnificația oficialului. Arta teatrală din acea vreme s-a dezvoltat în cadrul stilului romantismului (în special în opera lui P.S. Mochalov, care a jucat în piesele lui Schiller, Shakespeare; rolul său de Hamlet a avut un succes deosebit). Treptat, pe scena rusă s-a stabilit o direcție realistă grație dramaturgiei lui A.S. Griboedova, N.V. Gogol, A.N. Ostrovsky. Printre actorii care au creat gloria scenei rusești, M.S. Shchepkina, P.S. Mochalova, E.S. Semenov și alții Au existat diverse tipuri de teatre. Teatrele iobagilor aparținând familiilor aristocratice ruse (Șeremetevi, Apraksins, Yusupov etc.) erau încă răspândite. teatre de stat erau puțini (Alexandria și Mariinsky la Sankt Petersburg, Bolșoi și Maly la Moscova). Arta teatrală de balet a ocupat un loc special în viața culturală a Rusiei. S-a dezvoltat în strânsă legătură cu și sub influența lui literatura internă. Baletele „clasicismului pur” erau de domeniul trecutului. Au fost înlocuite cu melodrame sentimentale și producții romantice. În repertoriu au apărut balete, a căror intriga a fost determinată de literatura rusă.
Pictura primei reprize XIX secol:
Tendința picturii realiste a secolului al XVIII-lea rămâne lider în prima jumătate a noului secol, în această perioadă se acordă o atenție deosebită trăsăturilor vieții rusești, care sunt de natură populară și națională. O realizare semnificativă a picturii ruse în prima treime a secolului al XIX-lea a fost dezvoltarea genului portretului. Portretele acestui timp sunt luminate de umanismul epocii Pușkin, cu respectul său nemărginit pentru demnitatea omului. Avântul patriotic provocat de lupta împotriva intervenției franceze din 1812, așteptarea triumfului dreptății sociale au conferit viziunii despre lume a persoanei progresiste din această epocă un caracter exaltat, în același timp, principiul civic s-a îmbinat aici cu cel liric. , intim, care dădea aspectului spiritual al celor mai buni oameni ai vremii o completitudine aparte.
Printre cei mai mari portretiști ruși din prima jumătate a secolului al XIX-lea se numără Vasili Andreevici Tropinin (ani de viață 1776-1857), unul dintre fondatorii romantismului în pictura rusă. În portretele sale, Tropinin a relevat valoarea personalității umane în tot specificul aspectului exterior și al lumii spirituale. Portretele lui Tropinin sunt ușor de recunoscut după expresia facială binevoitoare caracteristică personajelor sale; el și-a înzestrat personajele cu propria sa calm și bunăvoință. Pe lângă portrete, Tropinin a dezvoltat și subiecte de zi cu zi în opera sa, ceea ce îl face și unul dintre fondatorii picturii rusești de gen. „Portretul lui Arsenie Tropinin” poate fi numit o capodopera a operei timpurii a lui Tropinin. Imaginile copiilor au fost deosebit de atractive pentru artist. Majoritatea portretelor pentru copii ale lui Tropinin au o intriga de gen, el înfățișează copii cu animale, păsări, jucării, instrumente muzicale („Băiat cu milă”, „Băiat cu cardonul” și altele). „Portretul lui Arsenie Tropinin” captivează prin sinceritate și puritatea emoțiilor, este scris ușor și general. Colorarea rafinată este construită pe o combinație de tonuri maronii aurii, o nuanță roz al solului și vopseaua de bază strălucește prin stratul de vopsea și geam.|
V. A. Tropinin. Dantelaria. 1823 |
Imaginea unei fete drăguțe, care pentru o clipă și-a ridicat privirea din ocupația ei și s-a uitat la privitor, sugerează că munca ei nu este deloc dificilă, că acesta este doar un joc. O natură moartă este pictată cu atenție și dragoste - dantelă, bobine, o cutie pentru acul. Sentimentul de pace și confort creat de Tropinin în această imagine convinge de valoarea fiecărui moment al existenței umane de zi cu zi.
Formele timpurii ale picturii de gen rusesc includ alte portrete ale iobagelor de aci de la Tropinin - broderii de aur, broderii și filătorii. Fețele lor sunt asemănătoare, arată clar trăsăturile idealului feminin al artistului - un oval blând, ochi în formă de migdale întunecate, un zâmbet prietenos, o privire cochetă. Aceste lucrări ale lui Tropinin se disting prin contururi clare și suprapunere a corpului de vopsele, textura pitorească capătă densitate. Mici, dens așezate, fac picturile să arate ca niște miniaturi de email.|
V. A. Tropinin. Portretul lui A. S. Pușkin. 1827 |
Pușkin este înfățișat stând într-o poziție relaxată, mana dreapta aşezat pe o masă cu o carte deschisă. Fundalul și hainele sunt unite printr-un ton comun auriu-brun, pe care iese în evidență chipul poetului - cea mai intensă pată colorată și centrul compozițional al tabloului. Inspirația autentică strălucește în ochii albaștri larg deschiși ai poetului. Toți contemporanii au remarcat în acest portret o asemănare ireproșabilă cu Pușkin, unde artistul, urmărind conștiincios natura, a reușit să surprindă înalta spiritualitate a poetului.
Anii 1830-1840 reprezintă cel mai mare număr de portrete pictate de Tropinin. Acestea sunt portrete ale primelor persoane din ierarhia orașului și ale persoanelor private - nobili, comercianți, precum și actori, scriitori și artiști apropiați spiritual de Tropinin.În acești ani, sub influența lui Karl Bryullov, care s-a întors în Rusia din Italia, Tropinin a produs lucrări de mari dimensiuni asemănătoare unui portret formal. În portretul lui Bryullov însuși, Tropinin subliniază originalitatea artistică a artistului cu un fundal luxuriant cu ruine antice împletite cu viță de vie și Vezuviu fumegător.
Lucrările ulterioare ale lui Tropinin atrag prin observația lor de gen, anticipând interesul pentru viața de zi cu zi care era caracteristic picturii rusești din anii 1860.
Este de remarcat faptul că Tropinin a fost iobag pentru cea mai mare parte a vieții și a primit libertatea abia la vârsta de 47 de ani (și familia, soția și fiul său, după alți 5 ani), dar, în ciuda acestui fapt, artistul a menținut o atitudine binevoitoare față de oameni. toată viața, înfățișându-i în portrete cu bună dispoziție și cu o expresie plăcută.
Vasily Andreevich Tropinin a creat peste trei mii de portrete de-a lungul lungii sale vieți creative, având un impact uriaș asupra formării școlii de pictură din Moscova și dezvoltării tendințelor realiste în arta rusă.
Se poate numi unul dintre cei mai importanți pictori ruși din prima jumătate a secolului al XIX-lea Karl Pavlovici Bryullov (anii de viață 1799-1852). Bryullov în opera sa gravitează către pânze mari, istorice, designul lor general este adesea romantic, deși păstrează caracteristicile clasicismului și o bază realistă.Karl Bryullov s-a născut în familia unui academician, sculptor în lemn și pictor-decorator. În 1809, Bryullov a fost admis la Academia de Arte, după ce a absolvit cu onoruri, a fost trimis într-o călătorie de pensionar în Italia, unde a pictat o serie de picturi pe tema frumuseții care afirmă viața unei persoane sănătoase, care simte că bucuria de a fi cu toată ființa sa („dimineața italiană”, „amiaza italiană”, „Batșeba”).
Această temă a frumuseții vesele și a armoniei sună distinct în pictura „Amiazul italian”. Bryullov transmite cu pricepere efectul razelor de soare care pătrund în frunze și în ciorchinul de struguri umplut cu suc, urmărește jocul de lumini și umbrele atenuate de reflexe pe pielea neagră a italianului, păstrând în același timp claritatea volumelor de plastic ale ei goale. umerii și brațele pline.
Karl Bryullov poate fi numit și un maestru al portretului ceremonial. Exaltarea romantică a imaginii, caracterul decorativ al acesteia, claritatea plastică a formei volumetrice și materialitatea uimitoare a texturii obiectelor disting cele mai bune portrete ceremoniale ale lui Bryullov, precum Călăreața și două portrete ale contesei Yulia Samoilova.Cu toate acestea, se poate observa că portretele ceremoniale ale lui Bryullov sunt lipsite de semnificația care este inerentă imaginii reprezentative a secolului al XVIII-lea. Multe portrete ceremoniale ale lui Bryullov sunt de natură pur externă, anticipând portretul de salon din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.
Spre deosebire de portretele ceremoniale la comandă, portretele oamenilor de artă realizate de Bryullov (poetul Kukolnik, sculptorul Vitali, fabulistul Krylov, scriitorul și criticul Strugovshchikov) se disting prin acuratețea deosebită a caracteristicilor psihologice ale modelelor.
În portretul lui Vitali, Bryullov îl înfățișează pe sculptor ca pe un creator entuziast, sclipirea ochilor umezi trădează tensiunea stării creatoare, iar hainele simple, cu gulerul întors de o cămașă albă, amintesc de mediul de lucru al sculptorului. Bryullov evidențiază fața și mâna lui Vitali cu lumină puternică, cufundând restul mediului într-un semiîntuneric moale.
K. P. Bryullov. Ultima zi a Pompeii. 1830-1833
Apogeul realizărilor creative, talentul strălucitor și virtuozitatea lui Karl Bryullov poate fi numit un tablou istoric mare „Ultima zi a Pompeii”, care caracterizează romantismul în pictura rusă, amestecat cu idealism și interes sporit pentru aer liber.
În imagine, Bryullov a descris momentul erupției Vezuviului în anul 79 d.Hr. e. și distrugerea orașului Pompei de lângă Napoli. Moartea oamenilor sub influența forțelor oarbe, elementare, este tragic inevitabilă, strălucirea vulcanului și lumina fulgerului luminează mulțimea de oameni care se repezi îngroziți, în căutarea mântuirii. Bryullov combină în imaginile personajelor din acest tablou idealizarea eroică tradițională pentru clasicism și tendința inerentă noii direcții romantice de a portretiza naturile în situații excepționale.
În construirea compoziției picturii, Bryullov folosește regulile de bază ale clasicismului: frontalitatea și natura închisă a compoziției, împărțirea ei în trei planuri în profunzime, distribuția actorilor în grupuri aranjate sub formă de triunghiuri academice. O astfel de construcție a compoziției în stilul clasicismului intră în conflict cu natura generală romantică a ideii de imagine, introducând o oarecare convenționalitate și răceală în imagine.
Spre deosebire de contemporanii săi, care au iluminat picturile cu lumină difuză neutră, Bryullov preia cu îndrăzneală și succes transmiterea celei mai complexe lumini duble: lumină roșie fierbinte de la flacăra unui vulcan în adâncuri și lumină rece, verzuie-albăstruie în prim-plan dintr-un fulger.
Tabloul „Ultima zi a Pompeii” de Karl Bryullov a creat senzație atât în Rusia, cât și în străinătate, marcând primul mare succes internațional al școlii de pictură rusă.
Sculptura primei reprize XIX secol:
|
DE. Rusia. Portretul lui I. P. Martos |
Cel mai proeminent reprezentant al clasicismului rus în sculptura acestei perioade poate fi numit Ivan Petrovici Martos (anii de viață 1754-1835).
În opera lui Martos, un loc mare este ocupat de sculptura memorială. Martos poate fi numit unul dintre creatorii unui tip deosebit de piatră funerară rusă din epoca clasicismului. Printre primele lucrări ale lui Martos care au ajuns până la noi se numără piatra funerară a lui S. S. Volkonskaya, care este o lespede de marmură cu o imagine în basorelief a unei femei care plânge lângă urnă. Silueta zveltă, maiestuoasă este complet drapată în haine lungi, chipul este umbrit de un văl aruncat peste cap și este aproape invizibil. Lucrarea lui Martos este caracterizată de o mare măsură de reținere în transferul durerii umane; o soluție calmă și clară pentru compoziția generală a pietrei funerare.
Aceleași trăsături disting piatra funerară a lui E. S. Kurakina. În locul unei compoziții complexe cu mai multe figuri, sculptorul a așezat pe soclul pietrei funerare doar o singură figură culcată a unei femei; sprijinită pe un medalion oval cu portretul defunctului, o femeie îndurerată își acoperă fața cu mâinile. Pe piedestalul pietrei funerare, Martos a sculptat un basorelief care îi înfățișează pe cei doi fii ai defunctului pe un fundal neted, neutru, caracteristic clasicismului.
Forța și dramatismul sentimentelor umane profunde sunt transmise în această lucrare a lui Martos cu tact artistic și expresivitate plastică.
Tema durerii este dezvăluită în pietrele funerare de marmură ale lui Martos cu o poezie profundă, ei simt o mare sinceritate a sentimentelor, o înaltă înțelegere etică a durerii umane, le lipsește oroarea copleșitoare a morții.
|
I. P. Maptos. Monumentul lui Minin și Pojarski in Moscova. 1804-1818 |
Monumentul lui Minin și Pozharsky este un grup sculptural pe un piedestal de granit cu o formă dreptunghiulară strictă. Întinzându-și mâna spre Kremlin și, parcă ar fi cerut mântuirea patriei, Kuzma Minin îi dă prințului Pojarski o sabie, Pojarski, acceptând sabia și ținând scutul cu mâna stângă, se ridică din patul său, pe care s-a odihnit după el. leziuni.
Imaginea dominantă în grup este figura lui Kuzma Minin; silueta sa puternică domină clar și atrage atenția principală cu un val larg liber al mâinii. Înaltareliefuri sunt tăiate în piedestal de pe ambele părți, înalt relieful din față înfățișează cetățeni patrioti care își donează proprietatea pentru binele Patriei, pe spate îl înfățișează pe prințul Pojarski conducând polonezii de la Moscova.
Martos, prin mijloace laconice, a putut să exprime pe deplin în monument ideea de îndatorire civică și de ispravă în numele patriei, care corespundea pe deplin faptelor și sentimentelor poporului rus după victoria în războiul cu francez în 1812.
Inscripție comemorativă pe piedestal
Lucrările din perioada târzie a lui Martos anticipează tendințele romantice ale sculpturii din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Martos creează monumente care joacă un rol important în crearea structurii figurative a orașelor: către Ducele E. Richelieu în Odesa, Alexandru I în Taganrog, G. A. Potemkin-Tavrichesky în Herson, M. V. Lomonosov în Arhangelsk.Printre lucrările monumentale târzii ale lui Martos se remarcă monumentul lui Richelieu din Odesa, devenit un simbol al acestui oraș. Martos îl înfățișa pe Richelieu îmbrăcat într-o veche togă romană, mișcările sale sunt reținute și expresive, ceea ce subliniază simplitatea nobilă a imaginii. Monumentul este legat din punct de vedere compozițional de ansamblul arhitectural din jur: cu clădiri situate de-a lungul semicercului pieței, cu celebra scară Odesa și Bulevardul Primorsky.
Ivan Petrovici Martos a jucat un rol decisiv în modelarea lucrării multor sculptori ruși din secolul al XIX-lea. A predat la Academia de Arte mai bine de cincizeci de ani, din 1814 fiind rector al acesteia.
În opera multor sculptori din prima jumătate a secolului al XIX-lea, se poate observa un interes tot mai mare pentru transferul realității și o pasiune pentru gen și subiecte de zi cu zi, care vor determina trăsăturile artei în a doua jumătate a secolului. Extinderea temelor lucrărilor sculpturale și interesul pentru gen sunt cele mai caracteristice lucrării lui P. K. Klodt.
Pyotr Karlovich Klodt (ani de viață 1805-1867) - sculptor rus din familia baronală Klodt von Jurgensburg de origine baltico-germană.
În tinerețe, baronul Klodt, la insistențele tatălui său, șeful de stat major al Corpului separat siberian, a intrat în școala de artilerie, dar totul timp liber, i-a dat principalului său hobby: cu cea mai mică ocazie, Klodt a luat un creion sau un briceag și a desenat sau tăiat cai de dimensiuni mici.
La 23 de ani, Klodt s-a retras din serviciul militar și și-a dedicat viața de mai târziu exclusiv sculpturii. În 1830, Klodt a intrat ca voluntar la Academia de Arte, profesorii săi au fost rectorul Academiei I.P. Martos, precum și celebrii maeștri de sculptură S.I. Galberg și B.I. Orlovsky. În același timp, figurinele lui Klodt înfățișând cai au început să se bucure de un mare succes.
Prima lucrare monumentală celebră a lui Klodt poate fi numită un grup sculptural de cai în designul Porților Narva din Sankt Petersburg. Klodt a lucrat la acest mare ordin guvernamental împreună cu sculptori cu experiență precum S. S. Pimenov și V. I. Demut-Malinovsky.
După modelul lui Klodt, pe podul arcului porții au fost instalați un cupru șase cai, purtând carul zeiței gloriei. Spre deosebire de imaginile clasice ale acestui complot, caii interpretați de Klodt se repezi rapid înainte și se cresc, dând întregii compoziții sculpturale impresia de mișcare impetuoasă.
Din 1833 până în 1841, Klodt a lucrat la modele a patru grupuri de îmblânzitori de cai instalate pe podul Anichkov din Sankt Petersburg.Tema cu sunet romantic a acestor grupuri, interpretată în cele mai bune tradiții ale clasicismului rus, poate fi definită ca lupta voinței și minții unei persoane cu forțele naturii. Învins la pământ la prima încercare de a înfrâna animalul, omul devine în continuare câștigător. Volumele elastice clar transmise sunt tipice pentru toate cele patru grupuri, siluetele lor sunt clare și expresive. Datorită acestor calități, grupurile sculpturale ale lui Klodt sunt integrate compozițional în ansamblul urban arhitectural din jur.
|
P. K. Klodt. îmblânzitor de cai. 1833-1841
|
În primul grup, un sportiv gol reține un cal crescut, animalul și persoana sunt tensionate. Creșterea luptei se arată cu ajutorul a două diagonale principale: silueta netedă a gâtului și spatelui calului formează prima diagonală, care se intersectează cu diagonala formată de figura sportivului. Mișcările sunt marcate cu repetări ritmice. |
|
|
În cea de-a doua grupă, capul animalului este întors în sus, gura este descoperită, nările sunt umflate, calul bate aerul cu copitele din față, figura unui bărbat este răsturnată în spirală în încercarea de a asedia cal. Principalele diagonale ale compoziției se apropie, siluetele calului și ale bărbatului par să se împletească. |
|
|
În al treilea grup, bărbatul este aruncat la pământ, iar calul încearcă să se elibereze, arcuindu-și gâtul triumfător, libertatea îi este împiedicată doar de căpăstrul din mâna stângă a bărbatului. Diagonalele principale ale compoziției sunt clar lizibile și intersecția lor iese în evidență. Siluetele unui cal și ale unui bărbat formează o compoziție deschisă, în contrast cu primele două grupuri. |
|
|
În al patrulea grup, o persoană îmblânzește un animal furios: sprijinindu-se pe un genunchi, oprește alergarea sălbatică a calului, strângând căpăstrul cu ambele mâini. Silueta calului formează o diagonală blândă, silueta unui bărbat este acoperită de o draperie care cade din spatele calului. Silueta generală a monumentului devine din nou închisă și echilibrată. |
Klodt refuză aici toate metodele convenționale și idealizante de sculptură ale clasicismului și transmite impresiile sale vii și înfățișarea unui om pe care l-a cunoscut și l-a iubit bine. Sculptorul îl înfățișează pe poet stând într-o ipostază simplă, naturală, concentrându-se pe chipul lui Krylov, care dezvăluie caracteristicile sale personale. În mod neobișnuit, Klodt rezolvă piedestalul monumentului, a cărui întreagă parte din mijloc este ocupată de un înalt relief solid care înconjoară perimetrul cu imagini ale diferitelor animale, personaje ale fabulelor lui Krylov. În ciuda unor critici pentru realismul excesiv în reprezentarea animalelor de pe piedestal, monumentul a fost foarte apreciat și și-a luat locul cuvenit în istoria sculpturii rusești.
De-a lungul vieții, Klodt a acordat multă atenție artei plastice mici - figurine mici care înfățișează cai („Un cal la loc de adăpare”, „Un cal acoperit cu pături, ridicându-se”, „Un cal în galop”, „Un mânz” etc. .). Sculptorul din aceste figurine transmite cu măiestrie caracterul individual al fiecărui animal; acestea sunt portrete adevărate, realizate cu suflet, cu atenție sensibilă și respect autentic pentru natură.Lyagina Yana
Această lucrare ne introduce în arta secolului al XIX-lea. Arta oricărui timp, ca un burete, absoarbe principalele probleme, idei și puncte de vedere ale timpului său. Pentru arta rusă, această împrejurare este cea mai semnificativă, deoarece ea a fost întotdeauna, dacă nu politizată, atunci, în orice caz, strâns legată de ideologia părții conducătoare a societății, fie că este vorba de cercurile sale recționare sau de radicalii revoluționari.
Descarca:
Previzualizare:
Concurs municipal de lucrări abstracte ale elevilor
Instituție de învățământ de stat municipală
liceu cu. Dulceata.
Adresă completă: regiunea Saratov, districtul Ekaterinovski, s. dulceata,
Sf. De lucru d. 1
Lucrare abstracta:
„Arta rusă în secolul al XIX-lea”
Clasa 10
Supraveghetor : Iulia Andreevna Sazonova,
profesor de arte.
Anul universitar 2013-2014
Introducere…………………………………………………………………………………………3
1. Cultura Rusiei secolului al XIX-lea: caracteristici generale…………….….….4
2. Arta rusă în secolul al XIX-lea…………………………………………………….6
2.1 Arta rusă în prima jumătate a secolului al XIX-lea – „Epoca de aur a culturii”………………………………………………………………………….……… 6
2.2 Arta rusă în a doua jumătate a secolului al XIX-lea……………....11
Concluzie………………………………………………………………………………….15
Lista literaturii utilizate…………………………………………………………………16
Introducere
Arta oricărui timp, ca un burete, absoarbe principalele probleme, idei și puncte de vedere ale timpului său. Pentru arta rusă, această împrejurare este cea mai semnificativă, deoarece ea a fost întotdeauna, dacă nu politizată, atunci, în orice caz, strâns legată de ideologia părții conducătoare a societății, fie că este vorba de cercurile sale recționare sau de radicalii revoluționari.
Scopul lucrării - analiza arta rusă a secolului al XIX-lea.
Sarcini:
1.Dă caracteristici generale epocă dată;
2. Descrieți pe scurt arta rusă a secolului XIX în formele sale.
- Cultura Rusiei în secolul al XIX-lea: caracteristici generale
istoria Rusiei Art XIX secolele sunt de obicei împărțite în etape.
Prima jumătate se numește Epoca de Aur a culturii ruse. Începutul său a coincis cu epoca clasicismului în literatura și arta rusă. După înfrângerea decembriștilor, a început o nouă ascensiune în mișcarea socială. Acest lucru a dat speranța că Rusia va face față treptat dificultăților sale. Țara a obținut cele mai impresionante succese în acești ani în domeniul științei și mai ales al culturii. Prima jumătate a secolului a dat Rusiei și lumii Pușkin și Lermontov, Griboedov și Gogol, Belinsky și Herzen, Glinka și Dargomyzhsky, Bryullov, Ivanov și Fedotov.
Artele plastice din prima jumătate a secolului al XIX-lea au o comunitate interioară și o unitate, un farmec unic al idealurilor strălucitoare și umane. Clasicismul este îmbogățit cu noi caracteristici, punctele sale forte se manifestă cel mai clar în arhitectură, pictura de istorie parțial în sculptură. Percepția asupra culturii lumii antice a devenit mai istorică decât în secolul al XVIII-lea și mai democratică. Odată cu clasicismul, direcția romantică este intens dezvoltată și o nouă metodă realistă începe să prindă contur.
Direcția romantică a artei rusești în prima treime a secolului al XIX-lea a pregătit dezvoltarea realismului în următoarele decenii, pentru că într-o anumită măsură a apropiat artiștii romantici de realitate, de simplu. viata reala. Aceasta a fost esența mișcării artistice complexe de-a lungul primei jumătăți a secolului al XIX-lea. În general, arta acestei etape - arhitectură, pictură, grafică, sculptură, aplicată și arta Folk- un fenomen remarcabil, plin de originalitate în istoria culturii artistice ruse. Dezvoltând tradițiile progresiste ale secolului precedent, a creat multe lucrări magnifice de mare valoare estetică și socială, contribuind la patrimoniul mondial.
A doua jumătate este momentul aprobării finale și consolidării formelor și tradițiilor naționale în arta rusă. La mijlocul secolului al XIX-lea, Rusia a cunoscut tulburări severe: războiul Crimeii din 1853-1856 s-a încheiat cu înfrângere. A murit împăratul Nicolae I, Alexandru al II-lea, care a urcat pe tron, a dus la îndeplinire mult așteptata abolire a iobăgiei și alte reforme. „Tema rusă” a devenit populară în artă. Cultura rusă nu a fost izolată în granițele naționale, nu a fost separată de cultura restului lumii.
- Arta rusă în secolul al XIX-lea
Începutul secolului al XIX-lea este o perioadă de ascensiune culturală și spirituală în Rusia. Dezvoltarea culturii ruse în secolul al XIX-lea sa bazat pe transformările timpului anterior. Pătrunderea elementelor relațiilor capitaliste în economie a crescut nevoia de oameni alfabetizați și educați.Un rol pozitiv în viața culturală a țării l-au jucat bibliotecile publice și muzeele (Prima bibliotecă publică a fost deschisă la Sankt Petersburg în 1814). Cultura Rusiei s-a dezvoltat pe fundalul unei conștiințe naționale în continuă creștere a poporul rus și, prin urmare, avea un pronunțat caracter național.
2.1 Arta rusă în prima jumătate a secolului al XIX-lea - „Epoca de aur a culturii
Prima treime a secolului al XIX-lea este numită „epoca de aur” a culturii ruse. Interesul pentru istoria națională a dus la apariția a numeroase romane, nuvele, balade, povestiri în diverse teme istorice. Cele mai cunoscute au fost romanele M.N. Zagoskin (1789--1852) „Iuri Miloslavski, sau rușii în 1612”, „Roslavlev, sau rușii în 1812”, „Kuzma Roșchin”, I.I. Lazhechnikova (1792-- 1869) „Casa de gheață”, „Ultimul Novik”, „Basurman”. Chiar și din titluri este clar că acestea și alte lucrări proză istorică au luat în considerare perioadele de criză ale istoriei Rusiei: lupta intestină a prinților ruși, războaiele rusești de eliberare, intrigile politice și evenimentele care, din punctul de vedere al autorilor lor, au o importanță semnificativă. În același timp, preferințele politice ale autorilor au ieșit mereu în prim-plan. De exemplu, M. N. Zagoskin a fost un susținător clar al monarhiei, iar aceste opinii ale sale se manifestă nu în declarațiile politice ale autorului, ci în eroii săi, în descrierile elementelor vieții de zi cu zi, în funcție de relațiile personale ale personaje pe rezultatul multora evenimente istorice. Și totuși, în centrul tuturor narațiunilor, a existat o idee generală, care s-a conturat cel mai puternic după războiul din 1812 și a fost exprimată pe scurt de I.I. .
Istoria în momentele sale extreme este conținutul genialului „Taras Bulba” de Gogol, „ fiica căpitanului” și „Arapul lui Petru cel Mare” de Pușkin, drama sa „Boris Godunov”, poemul „Poltava” și atât de multe lucrări încât este imposibil să le enumerăm pe toate. LA FEL DE. Pușkin a devenit un simbol al erei sale, când a avut loc o creștere rapidă a dezvoltării culturale a Rusiei. Pușkin este creatorul limbii literare ruse.Opera sa a devenit o valoare durabilă în dezvoltarea nu numai a Rusiei, ci și a culturii mondiale.A fost un cântăreț al libertății și un patriot convins. Poetul a lăsat moștenire urmașilor săi: „Nu este doar posibil, ci și necesar, să fii mândru de gloria strămoșilor tăi... Respectul pentru trecut este trăsătura care deosebește educația de sălbăticie...”.
Idealurile umaniste ale societății ruse s-au reflectat în exemplele extrem de civice ale arhitecturii din acea vreme și în sculptura monumentală și decorativă, în a cărei sinteză pictura decorativă și artă aplicată care ajunge adesea în mâinile arhitecților înșiși. În arhitectura secolului al XIX-lea dominată de clasicism. Clădirile construite în acest stil se disting printr-un ritm clar și calm, proporții corecte. Au existat diferențe semnificative în arhitectura din Sankt Petersburg și Moscova. De asemenea, în mijlocul al XVIII-lea V. Petersburg era un oraș al capodoperelor arhitecturale, cufundat în verdeața moșiilor și era în multe privințe asemănător cu Moscova. Apoi, clădirea obișnuită a orașului a început de-a lungul bulevardelor care îl străbat, raze divergente de la Amiraltate. Clasicismul din Sankt Petersburg nu este arhitectura clădirilor individuale, ci a ansamblurilor întregi care uimesc prin unitatea și armonia lor. . Un rol important în modelarea imaginii arhitecturale a Sankt Petersburgului îl joacă clădirea Amiralității, ridicată conform proiectului. A.D. Zakharova (1761-1811). Fațada Amiralitățiiîntins pe 406 m. În centrul său se află un arc de triumf cu o turlă înaltă aurita, devenit unul dintre simbolurile orașului.
Cel mai mare arhitect al acestui timpAndrei Nikiforovici Voronichin(1759–1814). Principala creație a lui Voronikhin este Catedrala Kazan, a cărei colonada maiestuoasă a format o piață în centrul Nevsky Prospekt, transformând catedrala și clădirile din jur în cel mai important centru urbanistic al centrului Sankt Petersburgului. În 1813, M.I.Kutuzov a fost înmormântat în catedrală, iar catedrala a devenit un fel de monument al victoriilor armelor rusești în războiul din 1812. Mai târziu, pe piață au fost instalate statui ale lui Kutuzov și Barclay de Tolly, executate de sculptor. în faţa catedralei B.I. Orlovsky. Sculptura rusă din anii 30-40 ai secolului XIX. devenind mai democratice. În sculptura de la mijlocul secolului, există două direcții principale: una, venită dinspre clasici, dar ajunsă la academicismul sec; celălalt dezvăluie o dorință de reflectare mai directă și mai multilaterală a realității, ea devine larg răspândită în a doua jumătate a secolului, dar nu există nicio îndoială că ambele direcții își pierd treptat trăsăturile stilului monumental.
Sculptorul care, în anii declinului formelor monumentale, a reușit să obțină un succes semnificativ în acest domeniu, precum și în „formele mici”, a fostPetr Karlovich Klodt(1805–1867), autor de cai pentru Porțile de triumf Narva din Sankt Petersburg (arh. V. Stasov), „Îmblânzitori de cai” pentru Podul Anichkov (1833–1850), monument al lui Nicolae I în Piața Sf. Isaac ( 1850–1859), I.A. . Krylov în grădina de vară (1848-1855), precum și un număr mare de sculpturi de animale. Clasicismul a fost tendința principală în arhitectură și sculptură în prima treime a secolului al XIX-lea. În pictură, a fost dezvoltat în primul rând de artiști academicieni din genul istoric (A.E. Egorov - „Tortura Mântuitorului”, 1814, Muzeul Rus; V.K. Șebuev - „Isprava negustorului Igolkin”, 1839, Muzeul Rus; F.A. Bruni - „Moartea Camilei, sora lui Horace”, 1824, Muzeul Rus; „Șarpele de aramă”, 1826-1841, Muzeul Rus). Dar adevăratele succese ale picturii stau, totuși, într-o direcție diferită - romantismul. Cele mai bune aspirații suflet uman, suișurile și coborâșurile spiritului au fost exprimate prin pictura romantică din acea vreme, și mai ales prin portret. În genul portretului, locul principal trebuie acordat lui Orest Kiprensky (1782–1836).O parte neprețuită a lucrării lui Kiprensky o reprezintă portretele grafice, realizate în principal cu creion italian moale, cu pasteluri colorate, acuarele și creioane colorate. Îl portretizează pe generalul E.I. Chaplitsa (TG), A.R. Tomilova (RM), P.A. Olenina (TG). Apariția portretelor-schițe rapide în creion este în sine semnificativă, caracteristică noului timp: orice schimbare trecătoare a feței, orice mișcare spirituală este ușor de înregistrat în ele. Dar în grafica lui Kiprensky are loc și o anumită evoluție: în lucrările ulterioare nu există imediate și căldură, dar sunt mai virtuozice și mai rafinate în execuție (portretul lui S.S. Shcherbatova, it. car., Galeria de stat Tretiakov).
Un polonez poate fi numit un romantic consistent A.O. Orlovski (1777–1832), S-a asimilat rapid pe pământul rusesc, ceea ce se remarcă mai ales în portretele grafice. În ele, prin toate atributele exterioare ale romantismului european, cu rebeliunea și tensiunea lui, pândește ceva profund personal, ascuns, secret (Autoportret, 1809, Galeria de Stat Tretiakov). Orlovsky, pe de altă parte, a jucat un anumit rol în „călcarea” pe căile către realism datorită schițelor sale de gen, desenelor și litografiilor care descriu Petersburg. scene de stradăși tipurile care au dat viață celebrului catren al lui P.A., Vyazemsky:
Rus' din trecut, îndepărtat
Transmiteți urmașilor
Ai prins-o de vie
Sub creionul popular.
Tot în prima jumătate a secolului al XIX-lea. marcat de înflorirea muzicii ruse, asociată în primul rând cu numeleMihail Ivanovici Glinka(1804–1857), care a intrat în istorie ca primul compozitor rus de importanță mondială. M.I. Glinka este considerat fondatorul muzicii clasice ruse. Operele sale O viață pentru țar și Ruslan și Lyudmila au determinat în mare măsură dezvoltarea ulterioară a rusului muzica de operă pentru multe decenii viitoare. semn distinctiv abordarea creativă a compozitorului a fost utilizarea motivelor folclorului rus, muzicii populare. Glinka a scris și romanțe. Contemporanii lui Glinka au avut o contribuție semnificativă la dezvoltarea culturii muzicale rusești.A.A. Alyabiev, A.E. Varlamov, A.L. Gurilev, cunoscut astăzi în principal ca autori de romanțe.
A.A. Alyabiev. A.L.Gurilev A.E.Vârlamov
2.2 Arta rusă în a doua jumătate a secolului al XIX-lea
Condiţiile dezvoltării culturii în a doua jumătate a secolului al XIX-lea.
A doua jumătate a secolului al XIX-lea - momentul aprobării finale și consolidării formelor și tradițiilor naționale în arta rusă. La mijlocul secolului al XIX-lea. Rusia a cunoscut răsturnări severe: războiul Crimeii din 1853-1856 s-a încheiat cu înfrângere, împăratul Nicolae I a murit, Alexandru al II-lea, care a urcat pe tron, a dus la îndeplinire mult așteptata abolire a iobăgiei și alte reforme. „Tema rusă” a devenit populară în artă. Cultura rusă nu a fost izolată în granițele naționale, nu a fost separată de cultura restului lumii. Realizările artei străine au rezonat în Rusia. La rândul său, cultura rusă a primit recunoaștere la nivel mondial. Cultura rusă a ocupat un loc de cinste în familia culturilor europene.
Artele plastice nu puteau rămâne departe de procesele care au loc în mintea publicului. Stat Galeria Tretiakov la Moscova - una dintre cele mai mari colecții de arte plastice rusești, un centru cultural național de renume mondial. Muzeul poartă numele fondatorului - comerciantul din Moscova P.M. Tretyakov (1832-1898), care și-a donat galeria de artă orașului în 1892, precum și o mică colecție a fratelui său și o casă, care în 1881 a fost deschisă vizitatorilor. .
În acest moment, artiștii ruși au atins un nivel de pricepere care a pus lucrările lor la egalitate cu cele mai bune exemple de artă europeană. Se formează o tendință, care s-a bazat pe ideile de realism critic. Unul dintre primii maeștri ai acestei tendințe a fost Vasily Grigorievich Perov (1833–1882). Lucrările sale de gen („Procesiune rurală de Paște” în 1861, „Văzând mortul” în 1865, „Troica” în 1868) sunt poveștile triste ale vieții oamenilor de rând, expuse în limbajul picturii.
Peisajul a atins o prosperitate fără precedent. Pictura de peisaj a devenit una dintre zonele de vârf de dezvoltare a creativității artistice, acest gen a fost ridicat la noi culmi. Expresiv înseamnă îmbunătățit, tehnică dezvoltată. Peisajul celei de-a doua jumătăți a secolului al XIX-lea nu mai este doar o imagine a „vederi ale peisajelor”, ci o pictură care transmite cele mai subtile mișcări ale sufletului uman prin imagini ale naturii. Cei mai mari maeștri ai peisajului din Rusia au fost A.K. Savrasov (“The Rooks Have Arrived” 1871), I.I. Shishkin (“ Pinery„1873, „Secara” 1878), A.I. Kuinzhi („Birch Grove” 1879, „Noapte de lună pe Nipru” 1880), V.D. Polenov („Curtea Moscovei” 1878).
Culmi ale artei realiste din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. realizat în creativitateI.E. Repin și V.I. Surikov. Pictura istorică și-a găsit cea mai înaltă expresie în opera lui Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916). În istoria artistului, oamenii au fost cel mai interesați de: masele oamenilor și personalitățile puternice și strălucitoare.
Prima lucrare care i-a adus faimă lui V.I. Surikov a fost „Dimineața execuției Streltsy” (1881). Compoziția este construită pe contrast: durerea, ura, suferința, întruchipate în figurile arcașilor care merg la moarte și a celor dragi, se opun lui Petru așezat pe un cal, piatra înghețată în depărtare.
Pe lângă V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov a pictat tablouri pe subiecte istorice. Imaginea istoriei din operele sale are un ton palpabil epic, de basm: „După bătălia lui Igor Svyatoslavich cu polovțienii” (1880), „Alyonushka” (1881), combinația dintre epopee și istorie a fost deosebit de viu manifestată. în pânza grandioasă „Bogatyrs” (1898 G.).
În 1898, la Sankt Petersburg a fost fondată o nouă asociație de artă, care a primit numele"Lumea artei" . În fruntea cercului format stătea artistulA.N. Benois și filantropul S.P. Diaghilev.Nucleul principal al asociației a fostL.S. Bakst, E.E. Lansere, K.A. Somov. The World of Art a organizat expoziții și a publicat o revistă cu același nume. Asociația a inclus o mulțime de artiști:M. A. Vrubel, V. A. Serov, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, A. P. Ryabushkin, N. K. Roerich, B. M. Kustodiev, Z. E. Serebryakova, K. S. Petrov-Vodkin.Miriskussniki a apărat libertatea creativității individuale. Frumusețea a fost recunoscută drept principala sursă de inspirație. Lumea modernă după părerea lor, lipsite de frumusețe și deci nedemne de atenție. În căutarea frumosului, artiștii „Lumii Artei” apelează adesea la monumentele trecutului în lucrările lor.
De asemenea, a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Aceasta este o perioadă de realizări remarcabile în știință și tehnologie. Se dezvoltă chimia, fizica, geografia, biologia...
Dezvoltarea științelor naturii, legăturile largi dintre oamenii de știință ruși și oamenii de știință occidentali au mărturisit un loc suficient în Rusia în comunitatea mondială.
Concluzie.
arta rusă arhitectura ta de pictură
Arta secolului al XIX-lea poate fi comparată cu un mozaic multicolor, în care fiecare piatră are propriul loc, are propriul ei sens. Deci este imposibil să îndepărtezi unul singur, chiar și cel mai mic, fără a încălca armonia întregului. Cu toate acestea, în acest mozaic se află cele mai valoroase pietre, emitând o lumină deosebit de puternică.
De-a lungul secolelor, arta rusă a cunoscut schimbări semnificative, uneori fundamentale: a fost îmbogățită, complicată, îmbunătățită, dar a rămas mereu originală.
Arhitectura rusă, arta plastică, populară și aplicată mărturisesc contribuția neprețuită pe care poporul nostru a adus-o la tezaurul culturii artistice naționale și mondiale.
Secolul al XIX-lea este poate cea mai complexă și interesantă perioadă din istoria artei ruse. Această epocă a dat naștere creativității strălucitoare a lui A.S. Pușkin, populară și universală, plină de vise de libertate. Aceasta este perioada de glorie a culturii spirituale: literatură, filozofie, muzică, teatru și arte plastice.
Bibliografie.
1. Ilyina T.V. Istoria artei: Arta internă. Manual / T.V. Ilyina. - M.: Şcoala superioară, 2007. - 407 p.
2. Cea mai recentă carte de referință completă pentru un elev din clasele 5-11 (volumul 2). E.V. Simonova.
Introducere
În prima jumătate a secolului al XIX-lea, criza sistemului de iobăgie feudal, care a împiedicat formarea ordinii capitaliste, s-a intensificat din ce în ce mai mult. Ideile iubitoare de libertate se răspândesc și se adâncesc în cercurile avansate ale societății ruse. Evenimentele Războiului Patriotic, ajutorul trupelor ruse la eliberarea statelor Europei de sub tirania lui Napoleon au exacerbat stările de spirit patriotice și iubitoare de libertate. Toate principiile de bază ale statului feudal-servist sunt supuse criticii. Natura iluzorie a speranțelor de schimbare a realității sociale cu ajutorul activității de stat a unei persoane luminate devine clară. Revolta decembristă din 1825 a fost prima revoltă armată împotriva țarismului. A avut un impact imens asupra culturii artistice progresive ruse. Această epocă a dat naștere lucrării strălucite a lui A. S. Pușkin, populară și universală, plină de vise de libertate.
Artele plastice din prima jumătate a secolului al XIX-lea au o comunitate interioară și o unitate, un farmec unic al idealurilor strălucitoare și umane. Clasicismul este îmbogățit cu noi caracteristici, punctele sale forte se manifestă cel mai clar în arhitectură, pictura istorică și, parțial, în sculptură. Percepția asupra culturii lumii antice a devenit mai istorică decât în secolul al XVIII-lea și mai democratică. Odată cu clasicismul, direcția romantică este intens dezvoltată și o nouă metodă realistă începe să prindă contur.
După înăbușirea revoltei decembriste, autocrația a instituit un regim reacționar crud. Victimele sale au fost A. S. Pușkin, M. Yu. Lermontov, T. G. Shevchenko și mulți alții. Dar Nicolae I nu a putut înăbuși nemulțumirea oamenilor și gândirea socială progresistă. Ideile de eliberare s-au răspândit, îmbrățișând nu numai nobilimea, ci și inteligența raznochintsy, care a început să joace din ce în ce mai mult rol semnificativîn cultura artistică. V. G. Belinsky a devenit fondatorul esteticii revoluționar-democratice ruse, care a influențat artiștii. El a scris că arta este o formă a conștiinței de sine a oamenilor, a condus lupta ideologică pentru creativitate, aproape de viață și valoroasă din punct de vedere social.
Cultura artistică rusă din prima treime a secolului al XIX-lea a luat contur în timpul unei perioade de ascensiune socială asociată cu evenimentele eroice ale Războiului Patriotic din 1812 și dezvoltarea ideilor anti-iobăgie și iubitoare de libertate din perioada predecembristă. În acest moment, toate tipurile de arte plastice și sinteza lor au ajuns la o înflorire strălucitoare.
În a doua treime a secolului al XIX-lea, din cauza reacției guvernamentale intensificate, arta și-a pierdut în mare măsură acele trăsături progresiste care îi erau caracteristice mai devreme. Până atunci, clasicismul se epuizase în esență. Arhitectura acestor ani a pornit pe calea eclectismului - utilizarea externă a stilurilor din diferite epoci și popoare. Sculptura și-a pierdut semnificația conținutului, a dobândit trăsăturile strălucirii superficiale. Căutări promițătoare s-au conturat doar în sculptura de forme mici, aici, la fel ca și în pictură și grafică, principiile realiste au crescut și s-au întărit, afirmându-se în ciuda rezistenței active a reprezentanților artei oficiale.
Clasicismul din prima jumătate a secolului al XIX-lea, în concordanță cu tendințele romantice, a creat imagini ridicate, spiritualizate, sublime emoțional. Cu toate acestea, apelul la o percepție directă vie a naturii și distrugerea sistemului așa-numitelor genuri înalte și joase contraziceau deja estetica academică, bazată pe canoane clasice. Direcția romantică a artei rusești din prima treime a secolului al XIX-lea a fost cea care a pregătit dezvoltarea realismului în deceniile următoare, pentru că într-o anumită măsură i-a apropiat pe artiștii romantici de realitate, de viața reală simplă. Aceasta a fost esența mișcării artistice complexe de-a lungul primei jumătăți a secolului al XIX-lea. Nu întâmplător formarea la sfârșitul acestei perioade de satiric gen casnicîn pictură și grafică. În general, arta acestei etape - arhitectură, pictură, grafică, sculptură, artă aplicată și populară - este un fenomen remarcabil și plin de originalitate în istoria culturii artistice rusești. Dezvoltând tradițiile progresiste ale secolului precedent, a creat multe lucrări magnifice de mare valoare estetică și socială, contribuind la patrimoniul mondial.
O dovadă importantă a schimbărilor care au avut loc în arta rusă în prima jumătate a secolului al XIX-lea a fost dorința unei game largi de spectatori de a se familiariza cu expozițiile. În 1834, în „Albina de Nord”, de exemplu, s-a raportat că dorința de a vedea „Ultima zi a Pompeii” a lui K. P. Bryullov a măturat populația din Sankt Petersburg, răspândită „în toate statele și clasele”. Această imagine, așa cum susțineau contemporanii, a servit în mare măsură la aducerea „publicului nostru mai aproape de lumea artistică”.
Secolul al XIX-lea s-a remarcat și prin extinderea și adâncirea legăturilor dintre arta rusă nu numai cu viața, ci și cu tradițiile artistice ale altor popoare care au locuit Rusia. Motive și imagini ale periferiei naționale, Siberia, au început să apară în lucrările artiștilor ruși. Compoziția națională a studenților din instituțiile de artă ruse a devenit mai diversă. Nativi din Ucraina, Belarus, Țările Baltice, Transcaucazia și Asia Centrală au studiat la Academia de Arte, la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova organizată în anii 1830.
În a doua jumătate a secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, doar maeștrii individuali, și în primul rând A. A. Ivanov, au trezit interesul pentru lumea artei Rusia. Abia în anii puterii sovietice, arta acestei perioade a primit o largă recunoaștere. În ultimele decenii, istoria artei sovietice a acordat o mare atenție studiului operei maeștrilor din prima jumătate a secolului al XIX-lea, mai ales în legătură cu marile expoziții jubiliare ale lui A. G. Venetsianov, A. A. Ivanov, O. A. Kiprensky, aniversarea a 225 de ani. a Academiei de Arte a URSS.
Pictura din prima jumătate a secolului al XIX-lea Prima jumătate a secolului al XIX-lea este o pagină strălucitoare în cultura Rusiei. Toate direcțiile - pictură, literatură, arhitectură, sculptură, teatru din această epocă sunt marcate de o întreagă constelație de nume care au adus faima mondială artei ruse.
Pictura din prima jumătate a secolului al XIX-lea a avut o mare importanță în viața societății. Dezvoltarea conștiinței de sine națională, cauzată de victoria în Războiul Patriotic din 1812, a ridicat interesul poporului pentru cultură naționalăși istoria, la talentele domestice. Drept urmare, în primul sfert de secol, au apărut pentru prima dată organizații publice, a căror sarcină principală a fost dezvoltarea artelor: Societatea Liberă a Iubitorilor de Literatură, Științe și Arte, Societatea pentru Încurajarea Artiștilor. . Au apărut reviste speciale, au fost făcute primele încercări de a colecta și afișa arta rusă. Micul „Muzeu Rus” privat al lui P. Svinin a câștigat faima, iar în 1825 a fost creată Galeria Rusă la Schitul Imperial. Încă de la începutul secolului, practica Academiei de Arte a inclus expoziții periodice, care au atras mulți vizitatori. În același timp, intrarea la aceste expoziții în anumite zile a oamenilor de rând a fost o mare realizare.
La începutul secolului al XIX-lea, clasicismul a jucat un rol important în pictură. Cu toate acestea, prin anii 1830, această direcție își pierdea treptat importanță publică, și se transformă din ce în ce mai mult într-un sistem de canoane și tradiții formale. Noutatea vederilor a fost introdusă în arta rusă de către romantism, o tendință europeană care a prins contur la începutul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea. Unul dintre principalele postulate ale romantismului, opus clasicismului, este afirmarea personalității unei persoane, a gândurilor și a viziunii asupra lumii ca principală valoare în artă. Consolidarea dreptului unei persoane la independență personală a dat naștere unui interes deosebit pentru lumea sa interioară și, în același timp, și-a asumat libertatea de creativitate a artistului. În Rusia, romantismul și-a dobândit propria sa particularitate: la începutul secolului, a avut o colorare eroică, iar în anii reacției Nikolaev - una tragică. Având ca trăsătură cunoașterea unei anumite persoane, romantismul a devenit baza pentru apariția și formarea ulterioară a unei tendințe realiste, care a fost stabilită în artă în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. O trăsătură caracteristică a realismului a fost apelul la tema vieții populare moderne, stabilirea unei noi teme în arta vieții țăranilor. Aici, în primul rând, este necesar să notăm numele artistului A.G. Venetsianov. Cele mai complete descoperiri realiste din prima jumătate a secolului al XIX-lea s-au reflectat în ani în opera lui P.A. Fedotov.
Realizările remarcabile în arta rusă din prima jumătate a secolului al XIX-lea sunt caracterizate de portrete. Portretul rusesc este genul de pictură care a conectat cel mai direct artiștii cu societatea, cu contemporani de seamă. ziua de glorie pictură portret asociate cu căutarea de noi principii ale creativității artistice și răspândirea romantismului în Rusia. Romantismul este inerent portretelor artiștilor O. A. Kiprensky, V. A. Tropinin, K. P. Bryullov. Cei mai renumiți portretiști ai acestui timp sunt Kiprensky O.A. și Tropinin V.A. Kiprensky O.A. „Autoportret” Tropinin V.A. „Autoportret”, 1846
Kiprensky O.A. (). O pagină specială în pictura rusă este portretele feminine ale artistului. Fiecare dintre portretele sale captivează prin pătrunderea în profunzimile spirituale ale imaginii, originalitatea unică a aspectului și abilitățile excelente de interpretare. Cele mai cunoscute au fost portretele lui E.S. Avdulina (1822), E.A. Teleshova (1828), D.N. Coada (1814). Unul dintre culmile operei lui Orest Adamovich este portretul lui E.P. Rostopchina (1809). Portretul lui E. S. Avdulina Portretul lui E. A. Teleshova Portretul lui D. N. Hvostova Portretul lui E. P. Rostopchina
Celebrul portret al poetului A.S. Pușkin (unul dintre cei mai buni din viața sa) de Kiprensky. Poetul însuși a scris despre acest tablou: „Mă văd, ca într-o oglindă. Dar această oglindă mă măgulește.” Portretul vieții husar colonelul E.V. Davydov (1809). Imaginea lui Davydov, creată de Kiprensky, apare privitorului ca un simbol al erei războaielor cu Napoleon, în ajunul Războiului Patriotic din 1812.
Tropinin Vasily Andreevici (). Fiu de iobag, el însuși iobag până în 1823. Abilitatea de a desena s-a manifestat în copilărie, a studiat la Academia de Arte din Sankt Petersburg, a arătat un succes academic strălucit, a primit medalii de argint și aur. Însă maestrul l-a trimis la moșia ucraineană, unde artistul a locuit aproximativ 20 de ani, a pictat, construit și pictat biserica. Tropinin V.A. a pictat un număr mare de portrete și nu numai oameni celebri și celebri, ci și reprezentanți ai poporului. O atenție deosebită se atrage asupra portretelor pe viață ale marelui poet A.S. Pușkin și eroului Războiului Patriotic din 1812 I.P. Bagration. „Portretul lui Bagration P.I.” „Portretul lui A.S. Pușkin”, 1827
În portretele contemporanilor, oameni din popor, arată artistul frumusete interioara persoană. Așadar, în tabloul „Dântelarul” Tropinin V.A. a reușit să găsească o rară armonie de frumusețe fizică și morală, certitudine socială precum o fată din popor și poezia imaginii. „Dantelăria” este caracteristică picturii ruse din epoca pre-Rătăcitor: tradițiile secolului al XVIII-lea sunt împletite aici cu semne. nouă eră. „Fata cu oala de trandafiri”, 1820 „Chitaristă”, 1823 „Dantelărie”, 1823 „Citoreasă de aur”, 1826
Karl Pavlovich Bryullov () a fost unul dintre cei mai străluciți și, în același timp, controversați artiști din pictura rusă a secolului al XIX-lea. Bryullov avea un talent strălucitor și un mod independent de a gândi. A fost crescut în familia unui artist, din copilărie a fost fascinat de pictură, la 10 ani a intrat la Academia de Arte pentru a studia. În 1822, Karl Bryullov a mers la Roma pentru a studia arta maeștrilor Renașterii. „Autoportret”, 1834 „Autoportret”, 1848 „Portretul contesei Yu. P. Samoilova cu fiica ei adoptivă Amazilia Pacini” „Portretul lui Alexei Tolstoi”, 1832
În perioada italiană a creativității Bryullov loc semnificativ devotat portretului, a pictat faimosul tablou-portret „Călăsătoarea”. În tabloul „Dimineața italiană” nu s-a orientat către subiecte istorice și mitologice, ci spre scena cotidiană a culesului strugurilor. În 1836, Karl Pavlovich Bryullov a devenit profesor la Academia de Arte din Sankt Petersburg, a predat la Academie, în această perioadă a pictat și aproximativ 80 de portrete. „Svetlana ghicitoare”, 1836 „Călăsătoarea”, 1832 „Miezul italian”, 1832 „Portretul surorilor Shishmaryov, 1839
Genul istoric a fost considerat cel mai înalt din Academie. Cele mai bune lucrări ale acestui gen au fost lucrările lui K.P. Bryullov, inclusiv Ultima zi a Pompeii. Această imagine este un exemplu strălucitor artă academică, dar elemente de romantism sunt deja vizibile.
Istoria creației picturii „Ultima zi a Pompeii”. În 1827, la una dintre recepții, artistul a cunoscut-o pe contesa Yulia Pavlovna Samoilova, care a devenit idealul său artistic, cea mai apropiată prietenă și iubire. Împreună cu ea, Karl pleacă în Italia pentru a inspecta ruinele orașelor antice Pompei și Herculaneum, care au murit ca urmare a unei erupții vulcanice în anul 79 d.Hr. e. Impresionat de descrierea martorilor oculari a tragediei de către scriitorul roman Pliniu cel Tânăr, Bryullov și-a dat seama că a găsit o temă pentru următoarea sa lucrare. Timp de trei ani, artistul a adunat materiale în muzeele arheologice și săpături, astfel încât fiecare obiect pictat pe pânză să corespundă epocii. Toate lucrările la imagine au durat șase ani. În procesul de lucru la pictură, s-au realizat multe schițe, schițe, schițe, iar compoziția în sine a fost reconstruită de mai multe ori. Când la mijlocul anului 1833 lucrarea a fost prezentată publicului larg, aceasta a provocat o explozie de încântare și admirație pentru artist. Anterior, nici o singură imagine a școlii ruse de pictură nu avea o asemenea glorie europeană. În 1834, la expozițiile din Milano și Paris, succesul picturii a fost uimitor. În Italia, Bryullov a fost ales membru de onoare al mai multor academii de artă, iar la Paris a fost distins cu Medalia de Aur. Succesul imaginii a predeterminat nu numai complotul găsit cu succes, care corespunde conștiinței romantice a epocii, ci și modul în care Bryullov împarte mulțimea de muribunzi în grupuri locale, fiecare dintre ele ilustrând unul sau altul afect - dragoste, sine. sacrificiu, disperare, lăcomie. Forța arătată în imagine, distrugând totul în jur, invadând armonia existenței umane, i-a făcut pe contemporani să se gândească la o criză de iluzii, la speranțe neîmplinite. Această pânză a adus artistului faima mondială. Clientul tabloului - Anatoly Demidov - i-a prezentat-o țarului Nicolae I.
Ivanov Alexander Andreevich (ani) Un loc aparte în genul istoric îl ocupă pictura monumentală a lui A.A. Ivanov „Apariția lui Hristos în popor”, la care a lucrat timp de 20 de ani. Executat cu respectarea normelor de bază ale picturii clasice, combină idealurile romantismului și realismului. Ideea principală a imaginii este încrederea în nevoia de reînnoire morală a oamenilor.
Istoria creației picturii „Apariția lui Hristos către popor”. În 1833 (din 1830 până în 1858, artistul a locuit în Italia), Alexander Andreevich a venit cu ideea unei noi picturi monumentale. Aceasta la nivel mondial poză celebră a devenit apogeul operei sale, a dezvăluit din plin talentul măreț al artistului. Lucrarea la tablou a ocupat toate gândurile și timpul artistului; au fost realizate peste trei sute de schițe pregătitoare din natură și schițe de album, dintre care multe au devenit lucrări independente. În timpul lucrării la pictură, Ivanov a recitit literatura despre istorie, filozofie, învățături religioase și a regândit ideea și complotul de mai multe ori. În Italia, artistul s-a trezit într-o situație dificilă. situatie financiara. Ivanov a trăit din beneficii pe care a reușit să le obțină de la diverse instituții sau patroni. El a economisit la fiecare lucru mic. Aproape toți banii pe care a reușit să-i obțină, Alexander Andreevich i-a cheltuit pentru întreținerea unui atelier imens, achiziționarea de materiale de artă și plata șefilor. După mai multe pauze în lucrarea picturii, artistul a finalizat-o totuși până în 1857. Însă pictura „Apariția lui Hristos în popor”, arătată de artist după întoarcerea în Rusia în 1857, mai întâi la Palatul de Iarnă, apoi la Academia de Arte, a fost primită cu o primire destul de restrânsă.
Despre priceperea portretistică a artistului Ivanov A.A. mărturisesc portretul lui N.V.Gogol, pictat în 1841, cu care pictorul avea o strânsă prietenie. Pictura din perioada „italiană” a lucrării pictorului „Apariția lui Hristos la Maria Magdalena după Înviere”, la care a lucrat din 1834 până în 1836. Acest tablou a fost trimis la Sankt Petersburg, unde a primit recenzii pozitive. Pictura a fost amplasată în galeria de artă a Schitului. Consiliul Academiei a apreciat opera artistului, care corespundea strict canoanelor clasice, și i-a acordat titlul de academician.
Autoportret, 1848 Fedotov Pavel Andreevici (). Fondatorul realismului critic în pictura rusă. În picturile sale de gen el a exprimat majoritate probleme sociale. În ani de zile a studiat la Primul Corp de Cadeți din Moscova. Datorită memoriei sale fenomenale, Pavel a studiat bine, știința i-a fost dată cu ușurință. Chiar și atunci, în primii ani de studii, Fedotov a arătat o dorință de pictură. Cu timpul, desenul a devenit o pasiune. Primele lucrări ale lui Fedotov au fost legate de temă militară. Intră la Academia de Arte. Nu și-a asumat credință tot ceea ce se preda la Academie, ceea ce a dus la formarea unei viziuni proprii asupra picturii, diferită de canoanele înghețate ale academismului. După pensionare, artistul a creat lucrări talentate ale direcției sociale, arătând poziția critică a autorului în raport cu realitatea.
„Fresh Cavalier”, 1846 „Choiceous Bride”, 1847 Prima lucrare a artistului Fedotov P.A., pictată în ulei – „Fresh Cavalier” – datează din 1846. Această imagine de gen a fost plăcută atât de profesorii academicieni, cât și de telespectatorii democrați. Un an mai târziu, Fedotov a pictat un alt tablou, Mireasa pretențioasă. Cu participarea directă a lui Bryullov, aceste două picturi au fost acceptate pentru o expoziție academică în 1847.
„Curtea unui maior”, 1851 Pentru tabloul „Curtea unui maior” pictat mai târziu, Consiliul Academiei i-a acordat lui Pavel Andreevici titlul de academician. Un loc important în opera lui Fedotov l-au ocupat portretele, dintre care se remarcă „Portretul lui N. Zhdanovich”, pictat în 1849. „Portretul lui N. Zhdanovich la pian”, 1849
Venetsianov Alexey Gavrilovich (), fondatorul genului intern al vieții de zi cu zi (pictura de gen). Picturile sale poetizau viața poporului rus simplu, dedicat muncii zilnice și vieții țăranilor. „Autoportret”, 1811 Născut la Moscova, în familia unui negustor. A studiat la o pensiune privată, a slujit la Poșta și din copilărie a fost pasionat de pictură. A fost student artist faimos V.L. Borovikovsky. În 1811, A.G. Venetsianov a fost ales academician al Academiei de Arte din Sankt Petersburg.
În 1818 pleacă Venetsianov serviciu public, se căsătorește și pleacă cu familia la moșia Safonkovo, care a aparținut noii sale soții. Este aici, departe de agitația orașului, găsește Alexey Gavrilovici subiectul principal a creativității tale. Venetsianov deschide o sursă inepuizabilă de inspirație, o varietate de intrigi și imagini. O contribuție uriașă a lui Alexei Gavrilovici Venetsianov la dezvoltarea picturii ruse este crearea propriei școli, propria sa metodă. Din portretele private ale țăranilor, artistul ajunge la magnific compoziții artistice, in care viata populara, aura ei, îi găsește o expresie multicoloră. În 1822, pentru prima dată, lucrarea artistului A.G. Venetsianov a fost prezentată împăratului. Pentru aceasta, pictorul a primit o mie de ruble, iar lucrarea în sine a fost plasată în Camera de diamant a Palatului de Iarnă. Pictura se numea „Purificarea sfeclei”. Această pânză a devenit un fel de „punct de cotitură” în pictura rusă, nașterea unui nou trend în arta rusă a genului de zi cu zi. Venetsianov a fost cel care a atins popularitatea acestei direcții de pictură în rândul oamenilor.
În anii 1820, Aleksey Gavrilovici a pictat mai multe picturi mici, așa-numitele „portrete țărănești”, înfățișând fie fete cu o oală cu lapte, fie cu coasă, cu sfeclă, cu flori de colț, fie un băiat cu un topor sau dormind sub un copac, sau un bătrân sau o bătrână. „Fata în batic”, 1810 „Zakharka” „Fata cu oală de lapte”, 1824 Țăranică cu flori de colț.
„Pe terenul arabil. Arc." 1820 La seceriş. Vară. Trebuie remarcat particularitatea imaginilor țăranelor, caracteristică multor picturi ale artistului: măreția lor, demnitatea calmă, expresiile faciale de afaceri. Prototipul unei țăranci pentru tabloul „Pe pământ arabil. Spring „a fost soția artistului. Este o femeie tânără, zveltă, într-o rochie de soare lungă, care conduce doi cai peste câmp. Nu mai puțin celebru este tabloul „În seceriș. Vară". Această lucrare este armonioasă imagini artistice: Dragostea lui Venetsianov pentru poporul țăran muncitor a făcut posibilă înfățișarea adevărată frumusețe în el.
Să verificăm cunoştinţele: 1. Ce direcții artistice au coexistat în pictură în prima jumătate a secolului al XIX-lea: A) clasicism, sentimentalism, realism B) realism, abstractionism, sentimentalism C) clasicism, romantism, realism 2. Care dintre artiști a pictat un portret al lui A.S. Pușkin, despre care poetul a spus: ca într-o oglindă, văd. Dar această oglindă mă măgulește”: A) Kiprensky B) Tropinin D) Venetsianov 3. Care dintre artiștii primei jumătate a secolului al XIX-lea este fondatorul genului domestic în pictură: A) Bryullov B) Venetsianov D) Fedotov 4 Care dintre artiștii din prima jumătate a secolului al XIX-lea este fondatorul realismului critic în pictura rusă: A) Tropinin B) Fedotov C) Ivanov A.A.
Răspunsuri: 1.C) clasicism, romantism, realism 2.A) Kiprensky 3.B) Venetsianov 4.B) Fedotov 5.K.P. Bryullov „Ultima zi a Pompeii” 6. A.G. Venetsianov „Pe pământul arabil. Primăvara” 7.P.A. Fedotov „Cavalerul proaspăt” 8.A.A. Ivanov „Apariția lui Hristos în popor” 9.V.A. Tropinin „Dantelăra” 10. O.A. Kiprensky „Portretul lui A.S. Pușkin"
