La începutul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea, cultura europeană și, inclusiv americană, a cunoscut o naștere complet diferită de perioada de reflecție și filozofie a Iluminismului, etapa romantismului. Intercalându-se treptat din Germania în cultura și arta Angliei, Franței, Rusiei și a altor țări europene, romantismul a îmbogățit lumea artistică cu noi culori, povestiriși îndrăzneala nudului.
Denumirea curentului proaspăt s-a născut din împletirea strânsă a mai multor sensuri ale cuvintelor monosonice din diferite țări - romantisme (Franța), romantism (Spania), romantic (Anglia). Ulterior, numele regiei a prins rădăcini și a ajuns până în zilele noastre ca romantic – ceva pitoresc de ciudat, fantastic de frumos, existent doar în cărți, dar nu și în realitate.
caracteristici generale
Romantismul înlocuiește Epoca Iluminismului și coincide cu revoluția industrială, marcată de apariția mașinii cu abur, a locomotivei cu abur, a bărcii cu aburi, a fotografiei și a periferiei fabricii. Dacă Iluminismul se caracterizează prin cultul rațiunii și civilizației bazate pe principiile sale, atunci romantismul afirmă cultul naturii, sentimentelor și firescului în om.
În epoca romantismului s-au format fenomenele de turism, alpinism și picnicuri, menite să restabilească unitatea omului și a naturii. Imaginea „nobilului sălbatic”, înarmat cu „înțelepciunea populară” și nerăsfățată de civilizație, este solicitată. Adică, romanticii au vrut să arate o persoană neobișnuită în circumstanțe neobișnuite. Într-un cuvânt, romanticii s-au opus civilizației progresiste.
Romantismul în pictură
Profunzimea propriilor experiențe și gânduri personale - asta o transmit pictorii prin imaginea lor artistică, care este realizată cu ajutorul culorii, compoziției și accentelor. Diferite țări europene au avut propriile lor particularități în interpretarea imaginii romantice. Toate acestea sunt legate de tendința filozofică, precum și de situația socio-politică, la care arta a fost singurul răspuns plin de viață. Pictura nu a făcut excepție.
Germania din acea vreme a fost fragmentată în mici ducate și principate și a suferit revolte publice severe. Pictorii nu au înfățișat eroi-titani, nu au realizat pânze monumentale, în acest caz, entuziasmul a stârnit profund lumea spirituală căutarea umană, morală, măreția și frumusețea lui. Pentru că în nai Mai mult romantismul în pictura germană este reprezentat în peisaje și portrete.
Standardul tradițional al acestui gen este Operele lui Otto Runge. În portretele acestui pictor, prin prelucrarea trăsăturilor faciale și a ochilor, prin contrastul de umbră și lumină, se transmite dorința artistului de a demonstra inconsecvența personalității, profunzimea și puterea ei de a simți. Datorită peisajului, o reprezentare exagerată și mai puțin uluitoare a copacilor, păsărilor și florilor. Otto Runge a încercat și el să descopere diversitatea personalității umane, asemănarea acesteia cu natura, neidentificată și diferită.
auto portret "Trei dintre noi", 1805, Philipp Otto Runge
În Franța, romantismul în pictură s-a dezvoltat după alte principii. O viață socială furtunoasă, precum și răsturnările revoluționare, se manifestă în pictură prin înclinația pictorilor de a înfățișa subiecte uluitoare și istorice, de asemenea, cu entuziasm și patos „nervos”, care au fost obținute prin contrastul orbitor al culorilor, o oarecare aleatorie, expresia mișcărilor. , precum și spontaneitatea compozițiilor.
În opera lui T. Gericault, ideile romantice sunt cel mai clar reprezentate. Pictorul a creat o profunzime pulsantă de emoții, folosind în mod profesional lumina și culoarea, înfățișând un impuls sublim pentru libertate și luptă.
Derby la Epsom, 1821, Théodore Géricault
„Ofițer al gardienilor de cai ai gărzii imperiale, mergând la atac”, 1812
Epoca romantismului și-a găsit reflectarea și în pânzele artiștilor care expun fricile interioare, impulsurile, dragostea și ura în contraste clare de lumină, umbră și semitonuri. Corpurile albite ale lui G.I. pictor spaniol F. Goya, prospețimea calmului și întunericul furtunii de I. Aivazovsky - a scos din adâncurile secolelor gotic și renascentist la suprafață ceea ce mai înainte fusese atât de priceput deghizat de canoanele general acceptate.
Coșmar, 1781, Johann Heinrich Fuseli
Libertatea conduce poporul, 1830, Eugene Delacroix
Curcubeu, Ivan Aivazovsky
Dacă pictura din secolele XIII și XIV a fost zgârcită de emoții, iar în următorii trei sute de ani de formare a artei Renașterii timpurii și înaltei, cu depășirea ei a religiozității și a credinței oarbe în altceva sau în perioada iluminismului, care a pus capăt „vânătorii de vrăjitoare”, apoi expunerea artistică pe pânzele romantismului a permis privirea într-o lume diferită de cea reală.
Pentru a transmite pasiuni, artiștii au recurs la utilizarea culorilor bogate, a loviturilor strălucitoare și a saturației picturilor cu „efecte speciale”.
Biedermeier
Unul dintre ramurile romantismului în pictură este stilul Biedermeier. Principala caracteristică a lui Biedermeier este idealismul. În pictură predomină scenele de zi cu zi, în timp ce în alte genuri picturile sunt de natură camerală. Pictura caută să găsească trăsături ale atracției idilice în lume om mic. Această tendință își are rădăcinile în particularitățile modului național de viață german, în primul rând burghezii.
Bookworm, ca. 1850, K. Spitzweg
Unul dintre cei mai mari reprezentanți ai picturii Biedermeier, Karl Spitzweg, a pictat locuitori excentrici, așa cum erau numiți în Germania, filisteni, așa cum era el însuși.
Desigur, eroii lui sunt limitati, sunt oameni mici ai provinciilor care udă trandafiri pe balcon, poștași, bucătari, funcționari. Există umor în picturile lui Spitzweg, el chicotește la personajele sale, dar fără răutate.
Treptat, conceptul de „Biedermeier” s-a extins la modă, artă aplicată, grafică, interior, mobilier. ÎN Arte Aplicate pictura pe porțelan și sticlă este cea mai dezvoltată. Până în 1900, cuvântul ajunsese să însemne și „vreme bune”.
Biedermeier este un stil provincial, deși artiștii metropolitani au lucrat și în acest stil, la Berlin și Viena. Biedermeier a pătruns și în Rusia. Influența sa se află în lucrările maeștrilor ruși, A. G. Venetsianov și V. A. Tropinin. Expresia „Biedermeier rus” există, deși sună ridicol.
Păstor adormit, 1823-24, A. G. Venetsianov
Portretul de familie al conților Morkovs, 1813, V. A. Tropinin
În Rusia, Biedermeier este vremea lui Pușkin. Moda Biedermeier - moda lui Pușkin. Acesta este un redingote, o vestă și o pălărie de top pentru bărbați, un baston, pantaloni strâmți cu agrafe de păr. Uneori - fraque. Femeile purtau rochii cu talie îngustă, decolteuri largi, fuste largi în formă de clopot și pălării. Lucrurile erau simple, fără decorațiuni complicate.
Interioarele în stilul Biedermeier se caracterizează prin intimitate, echilibru de proporții, simplitate a formelor și culori deschise. Camerele erau luminoase și spațioase, ceea ce făcea ca interiorul să fie perceput moderat de simplu, dar confortabil din punct de vedere psihologic. Pereții camerelor cu nișe adânci la ferestre au fost vopsiți în alb sau în alte culori deschise, lipiți cu tapet în dungi în relief. Modelul de pe perdelele ferestrelor și tapițeria a fost același. Aceste detalii de țesătură ale interiorului erau colorate și conțineau desene înfățișând flori.
Apare conceptul de „cameră curată”, adică o cameră care nu era folosită în zilele lucrătoare. Această „camera de duminică”, de obicei închisă, era servită numai pentru primirea oaspeților. Confort suplimentar interiorului rezidențial a fost oferit de mobilierul pictat în culori calde și acuarele de perete, gravurile, precum și un număr mare de bijuterii și suveniruri. Ca și în cazul preferințelor de stil, Biedermeier practic selectează doar acele piese de mobilier care corespund ideii sale de funcționalitate și confort. Niciodată până acum mobilierul nu și-a îndeplinit pe deplin scopul, deoarece în această eră, decorativitatea trece în fundal.
La începutul secolului al XX-lea, Biedermeier a început să fie evaluat negativ. El a fost înțeles drept „vulgar, filistin”. Avea într-adevăr trăsături precum intimitatea, intimitatea, sentimentalismul, poetizarea lucrurilor, care au dus la o asemenea evaluare.
Romantismul în literatură
Romantismul s-a opus iluminismului și pe plan verbal: limbajul operelor romantice, străduindu-se să fie firesc, „simplu”, accesibil tuturor cititorilor, era ceva opus clasicilor cu temele sale nobile, „sublime”, tipice, de exemplu, pentru tragedia clasică.
erou romantic- o personalitate complexă, pasională, a cărei lume interioară este neobișnuit de profundă, nesfârșită; este un întreg univers plin de contradicții. Romanticii erau interesați de toate pasiunile, atât cele înalte, cât și cele de jos, care erau opuse una cu cealaltă. Înaltă pasiune - dragoste în toate manifestările ei, joasă - lacomie, ambiție, invidie. Interesul pentru sentimente puternice și vii, pasiuni atotconsumătoare, pentru mișcările secrete ale sufletului - acestea sunt trăsăturile caracteristice ale romantismului.
Printre romanticii europeni de mai târziu, pesimismul în raport cu societatea capătă proporții cosmice, devine „boala secolului”. Eroii multor opere romantice (F. R. Chateaubriand, A. Musset, J. Byron, A. Vigny, A. Lamartine, G. Heine etc.) se caracterizează prin stări de deznădejde, de disperare, care capătă un caracter universal. Perfecțiunea este pierdută pentru totdeauna, lumea este condusă de rău, haosul străvechi reînvie. Tema „lumii groaznice”, caracteristică întregii literaturi romantice, a fost cel mai clar întruchipată în așa-numitul „gen negru”, precum și în lucrările lui Byron, C. Brentano, E.T.A. Hoffmann, E. Poe și N. Hawthorne.
În același timp, romantismul se bazează pe idei care provoacă „lumea îngrozitoare”, – mai presus de toate, ideile de libertate. Dezamăgirea romantismului este o dezamăgire în realitate, dar progresul și civilizația sunt doar o latură a acestuia. Respingerea acestei laturi, lipsa de credință în posibilitățile civilizației oferă o altă cale, calea către ideal, către etern, către absolut. Această cale trebuie să rezolve toate contradicțiile, să schimbe complet viața. Aceasta este calea către perfecțiune, „spre țel, a cărui explicație trebuie căutată de cealaltă parte a vizibilului” (A. De Vigny).
Pentru unii romantici, lumea este dominată de forțe de neînțeles și misterioase, care trebuie respectate și nu încercați să schimbe soarta (poeții „școlii lacului”, Chateaubriand, V.A. Jukovski). Pentru alții, „răul mondial” a provocat un protest, a cerut răzbunare, luptă. (J. Byron, P. B. Shelley, S. Petofi, A. Mitskevich, timpuriu A. S. Pușkin). Lucrul comun era că toți vedeau în om o singură entitate, a cărei sarcină nu se reduce deloc la rezolvarea problemelor obișnuite. Dimpotrivă, fără a nega viața de zi cu zi, romanticii au căutat să dezlege misterul existenței umane, întorcându-se către natură, având încredere în sentimentele lor religioase și poetice.
Apropo, datorită lui Jukovski, unul dintre genurile preferate ale romanticilor vest-europeni este inclus în literatura rusă. baladă. Datorită traducerilor lui Jukovski, cititorii ruși s-au familiarizat cu baladele lui Goethe, Schiller, Burger, Southey, W. Scott. „Un traducător în proză este un sclav, un traducător în versuri este un rival”, aceste cuvinte aparțin lui Jukovski însuși și reflectă atitudinea lui față de propriile sale traduceri.
După Jukovski, mulți poeți apelează la genul baladei - A.S. Pușkin ( Cântec despre Oleg profetic, Înecat), M.Yu. Lermontov ( Dirijabil, Sirenă), A.K. Tolstoi ( Vasily Shibanov) si etc.
A apărut la sfârșitul secolului al XVIII-lea, dar a atins cea mai mare prosperitate în anii 1830. De la începutul anilor 1850, perioada începe să scadă, dar firele ei se întind pe tot secolul al XIX-lea, dând naștere unor tendințe precum simbolismul, decadența și neoromantismul.
Ascensiunea Romantismului
Europa, în special Anglia și Franța, este considerată locul de naștere al regiei, de unde provine numele acestei direcții artistice - „romantisme”. Acest lucru se explică prin faptul că romantismul secolului al XIX-lea a apărut ca urmare a Revoluției Franceze.
Revoluția a distrus întreaga ierarhie care exista înainte, a amestecat societatea și păturile sociale. Bărbatul a început să se simtă singur și a început să caute alinare în jocuri de noroc și alte divertisment. Pe acest fond, a apărut ideea că toată viața este un joc în care există învingători și învinși. Personajul principal al fiecărei opere romantice este un bărbat care se joacă cu soarta, cu soarta.
Ce este romantismul
Romantismul este tot ceea ce există doar în cărți: fenomene de neînțeles, incredibile și fantastice, asociate în același timp cu afirmarea individului prin viața ei spirituală și creatoare. În principal evenimentele se desfășoară pe fundalul pasiunilor exprimate, toate personajele au caractere clar manifestate și sunt adesea înzestrate cu un spirit rebel.
Scriitorii din epoca romantismului subliniază că principala valoare în viață este personalitatea unei persoane. Fiecare persoană este o lume separată, plină de o frumusețe uimitoare. De acolo se trag toată inspirația și sentimentele înalte, precum și tendința spre idealizare.
Potrivit romancierilor, idealul este un concept efemer, dar care are totuși dreptul de a exista. Idealul este dincolo de orice obișnuit, prin urmare personajul principal și ideile sale sunt direct opuse relațiilor lumești și lucrurilor materiale.
Trăsături distinctive
Trăsăturile romantismului stau atât în ideile principale, cât și în conflicte.
Ideea principală a aproape fiecarei lucrări este mișcarea constantă a eroului în spațiul fizic. Acest fapt, așa cum spune, reflectă confuzia sufletului, reflecțiile sale în continuă desfășurare și, în același timp, schimbările din lumea din jurul său.
Ca multe mișcări artistice, romantismul are propriile sale conflicte. Aici întregul concept se bazează pe relația complexă a protagonistului cu lumea exterioară. Este foarte egocentric și în același timp se răzvrătește împotriva obiectelor materiale ale realității josnice, vulgare, care într-un fel sau altul se manifestă în acțiunile, gândurile și ideile personajului. Cele mai pronunțate în acest sens sunt următoarele exemple literare Romantism: Childe Harold - personajul principal din „Pelerinajul lui Childe Harold” a lui Byron și Pechorin – din „Un erou al timpului nostru” de Lermontov.
Dacă rezumăm toate cele de mai sus, se dovedește că baza oricărei astfel de lucrări este decalajul dintre realitate și lumea idealizată, care are margini foarte ascuțite.
Romantismul în literatura europeană
Romantismul european al secolului al XIX-lea este remarcabil prin faptul că, în cea mai mare parte, lucrările sale au o bază fantastică. Acestea sunt numeroase legende, povestiri scurte și povești.
Principalele țări în care romantismul ca direcție literară s-a manifestat cel mai expresiv, sunt Franța, Anglia și Germania.
Acest fenomen artistic are mai multe etape:
- 1801-1815 ani. Începutul formării esteticii romantice.
- 1815-1830 ani. Formarea și înflorirea curentului, definirea principalelor postulate ale acestei direcții.
- 1830-1848 ani. Romantismul îmbracă mai multe forme sociale.
Fiecare dintre țările de mai sus și-a adus propria contribuție specială la dezvoltarea fenomenului cultural menționat mai sus. În Franța, cei romantici aveau o culoare mai politică, scriitorii erau ostili nouei burghezii. Această societate, potrivit liderilor francezi, a ruinat integritatea individului, frumusețea și libertatea de spirit.
În legendele engleze, romantismul există de mult timp, dar până la sfârșitul secolului al XVIII-lea nu s-a remarcat ca o mișcare literară separată. Lucrările englezești, spre deosebire de cele franceze, sunt pline de gotic, religie, folclor național, cultura țărănească și a societăților muncitoare (inclusiv cele spirituale). În plus, proza și versurile englezești sunt pline de călătorii către țări îndepărtate și de explorare a țărilor străine.
În Germania, romantismul ca tendință literară s-a format sub influența filozofiei idealiste. Bazele au fost individualitatea și cei asupriți de feudalism, precum și percepția universului ca un singur sistem viu. Aproape fiecare lucrare germană este pătrunsă de reflecții asupra existenței omului și a vieții spiritului său.
Europa: exemple de lucrări
Următoarele opere literare sunt considerate cele mai notabile opere europene în spiritul romantismului:
Tratatul „Geniul creștinismului”, poveștile „Atala” și „Rene” Chateaubriand;
Romanele „Delphine”, „Corinne, sau Italia” de Germaine de Stael;
Romanul „Adolf” de Benjamin Constant;
Romanul „Mărturisirea fiului secolului” de Musset;
Romanul Saint-Mar de Vigny;
Manifest „Prefață” la lucrarea „Cromwell”, romanul „Catedrala Notre Dame” de Hugo;
Drama „Henric al III-lea și curtea lui”, o serie de romane despre muschetari, „Contele de Monte Cristo” și „Regina Margot” de Dumas;
Romanele „Indiana”, „Ucenicul rătăcitor”, „Horas”, „Consuelo” de George Sand;
Manifestul „Racine și Shakespeare” de Stendhal;
Poeziile „The Old Sailor” și „Christabel” de Coleridge;
- „Poezii orientale” și „Manfred” Byron;
Opere colectate ale lui Balzac;
Romanul „Ivanhoe” de Walter Scott;
Basmul „Zamcintul și trandafirul”, romanul „Heinrich von Ofterdingen” de Novalis;
Colecții de povestiri, basme și romane ale lui Hoffmann.
Romantismul în literatura rusă
Romantismul rus al secolului al XIX-lea s-a născut sub influența directă a literaturii vest-europene. Cu toate acestea, în ciuda acestui fapt, el avea propriile sale trăsături caracteristice, care au fost urmărite în perioadele anterioare.
Acest fenomen artistic din Rusia a reflectat pe deplin toată ostilitatea celor mai de seamă muncitori și revoluționari față de burghezia conducătoare, în special față de modul său de viață - nestăpânit, imoral și crud. Romantismul rus al secolului al XIX-lea a fost un rezultat direct al stărilor de spirit rebele și al anticipării unor momente de cotitură în istoria țării.
În literatura de atunci se disting două direcții: psihologică și civilă. Prima s-a bazat pe descrierea și analiza sentimentelor și experiențelor, a doua - pe propaganda luptei împotriva societății moderne. Ideea generală și principală a tuturor romancierilor a fost că poetul sau scriitorul trebuia să se comporte conform idealurilor pe care le-a descris în operele sale.
Rusia: exemple de lucrări
Cele mai izbitoare exemple de romantism în literatura rusă a secolului al XIX-lea sunt:
Poveștile „Ondine”, „Prizonierul lui Chillon”, baladele „Regele pădurii”, „Pescarul”, „Lenora” de Jukovski;
Compoziții „Eugene Onegin”, „Regina de pică” de Pușkin;
- „Noaptea dinainte de Crăciun” de Gogol;
- „Eroul timpului nostru” Lermontov.
Romantismul în literatura americană
În America, direcția a primit o dezvoltare puțin mai târziu: etapa sa inițială datează din 1820-1830, cea ulterioară - 1840-1860 a secolului al XIX-lea. Ambele faze au fost influențate în mod excepțional de tulburările civile, atât în Franța (care a servit drept imbold pentru crearea Statelor Unite), cât și direct în America însăși (războiul pentru independență față de Anglia și războiul dintre Nord și Sud).
Tendințele artistice din romantismul american sunt reprezentate de două tipuri: aboliționiste, care pledează pentru emanciparea din sclavie, și estice, care idealiza plantația.
Literatura americană din această perioadă se bazează pe o regândire a cunoștințelor și a genurilor capturate din Europa și amestecate cu un mod de viață și un ritm de viață particular pe un continent încă nou și puțin cunoscut. Lucrările americane sunt bogat aromate cu intonații naționale, un sentiment de independență și lupta pentru libertate.
romantismul american. Exemple de lucrări
Ciclul Alhambra, poveștile Mirele Fantomă, Rip Van Winkle și Legenda Sleepy Hollow de Washington Irving;
Romanul „Ultimul dintre mohicani” de Fenimore Cooper;
Poezia „Corbul”, poveștile „Ligeia”, „Pângănul de aur”, „Căderea Casei Usher” și altele de E. Alan Poe;
Romanele Scrisoarea stacojie și Casa celor șapte frontoane de Gorton;
Romanele Typei și Moby Dick de Melville;
Romanul „Cabana unchiului Tom” de Harriet Beecher Stowe;
Legende aranjate poetic despre „Evangeline”, „Song of Hiawatha”, „Wooing of Miles Standish” de Longfellow;
Colecția „Leaves of Grass” a lui Whitman;
„Femeia în secolul al XIX-lea” de Margaret Fuller.
Romantismul, ca tendință literară, a avut o influență destul de puternică asupra artei muzicale, teatrale și picturii - este suficient să amintim numeroasele producții și picturi din acele vremuri. Acest lucru s-a întâmplat în principal datorită unor calități ale regiei precum estetică și emoționalitate ridicată, eroism și patos, cavalerism, idealizare și umanism. În ciuda faptului că epoca romantismului a fost destul de scurtă, acest lucru nu a afectat deloc popularitatea cărților scrise în secolul al XIX-lea în următoarele decenii - operele de artă literară din acea perioadă sunt iubite și venerate de public. până azi.
Detalii Categorie: O varietate de stiluri și tendințe în artă și caracteristicile acestora Postat la 02.08.2015 17:33 Vizualizări: 4319Romantismul, înlocuind iluminismul și trecând prin sentimentalism, s-a impus în cultura europeană de la sfârșitul secolului al XVIII-lea și prima jumătate a secolului al XIX-lea.
Această direcție ideologică și artistică era opusă clasicismului și iluminismului. Iar vestigitorul romantismului a fost sentimentalismul. Locul de naștere al romantismului este Germania.
Filosofia Romantismului
Romantismul a afirmat cultul naturii, sentimentelor și firescului în om. Dar, ați putea obiecta, asta pretindea și sentimentalismul. Deci, care este diferența dintre ele?
Da, protestul împotriva lipsei de spiritualitate și egoism se reflectă deja în sentimentalism. Romantismul exprimă această respingere cel mai acut. Romantismul în general este un fenomen mai complex și mai contradictoriu decât sentimentalismul. Dacă în sentimentalism idealul este sufletul om obisnuit, pe care sentimentaliștii îl văd nu numai ca fiind egal cu sufletul unui aristocrat, ci uneori chiar mai înalt și mai nobil, atunci romantismul este interesat nu numai de virtute, ci și de rău, pe care încearcă chiar să-l înnobileze; este interesat și de dialectica binelui și răului în om (amintiți-vă de protagonistul romanului lui M.Yu. Lermontov Un erou al timpului nostru).
M. Vrubel. Ilustrație pentru romanul lui Lermontov „Un erou al timpului nostru”. Duelul Pechorin cu Grushnitsky
Poeții romantici au început să folosească imagini ale îngerilor, în special ale celor căzuți, în lucrările lor. De exemplu, interes pentru imaginea unui demon: mai multe poezii și poezia „Demon” de Lermontov; un ciclu de picturi dedicate demonului de M. Vrubel.
M. Vrubel „Demonul așezat”
Romanticii au căutat să dezlege misterul existenței umane, întorcându-se către natură, având încredere în sentimentele lor religioase și poetice. Dar, în același timp, romantismul încearcă chiar să regândească religia.
Un erou romantic este o persoană complexă, pasionată, cu o lume interioară profundă, dar contradictorie - acesta este un întreg univers. M.Yu. Lermontov a spus așa în romanul său: „Istoria sufletului uman, chiar și cel mai mic suflet, este aproape mai curioasă și mai utilă decât istoria unui întreg popor”. Trăsăturile caracteristice ale romantismului erau interesul pentru sentimente puternice și vii, pasiuni atotconsumătoare, în mișcările secrete ale sufletului.
O altă trăsătură a romantismului este interesul pentru folclor, mit, basm. În romantismul rus, balada și drama romantică devin genuri deosebit de populare. Datorită traducerilor lui Jukovski, cititorii ruși s-au familiarizat cu baladele, I.V. Goethe, F. Schiller, W. Scott, iar după aceea mulți poeți apelează la genul baladei: A.S. Pușkin („Cântecul profetului Oleg”, „Omul înecat”), M.Yu. Lermontov ("Dirigibil", "Sirena"), A.K. Tolstoi și alții. Și un alt gen de literatură s-a impus în Rusia, datorită lui V. Jukovski - elegie.
Romanticii erau interesați de diverse epoci istorice, de originalitatea lor, precum și de țările și circumstanțele exotice și misterioase. Crearea genului romanului istoric este, de asemenea, un merit al romantismului. Fondatorul romanului istoric este V. Scott, dar mai departe acest gen se dezvoltă în lucrările lui F. Cooper, A. Vigny, V. Hugo și alții.
Și încă o trăsătură a romantismului (departe de a fi singura) este crearea unei lumi proprii, speciale, mai frumoasă și mai reală decât realitatea. Eroul romantic trăiește în această lume, apărându-și cu pasiune libertatea și crezând că nu este supus regulilor lumii exterioare, ci doar propriilor reguli.
În epoca romantismului a existat o înflorire a literaturii. Dar, spre deosebire de literatura sentimentalismului, această literatură nu s-a îngrădit de problemele sociale și politice.
I.K. Aivazovsky, I.E. Repin „La revedere de la mare a lui Pușkin” (1877)
loc semnificativîn opera romanticilor (în toate tipurile de artă) peisajul ocupă - în primul rând, marea, munții, cerul, elementele furtunoase, cu care eroul are relații complexe. Natura poate fi asemănătoare cu natura pasională a unui erou romantic, dar îi poate rezista și să se dovedească a fi o forță ostilă cu care este forțat să lupte.
I. Aivazovsky „Al nouălea val” (1850). Muzeul de Stat al Rusiei (Petersburg)
În diferite țări, soarta romantismului a avut propriile sale caracteristici.
Romantismul în pictură
T. Gericault
Mulți artiști din diferite țări ale Europei au scris în stilul romantismului. Dar multă vreme romantismul a fost într-o luptă cu clasicismul. Și abia după apariția picturii lui Theodore Gericault „Plota Medusei”, care era considerată inovatoare, adepții stilului academic au recunoscut romantismul ca o nouă direcție artistică în artă, deși pictura a fost primită inițial dezaprobator. Dar această imagine a marcat începutul romantismului francez. În Franța, tradițiile clasicismului erau puternice, iar noua direcție trebuia să depășească opoziția.
T. Géricault „Plota Medusei” (1819). Pânză, ulei. 491 x 716 cm Luvru (Paris)
Intriga imaginii este povestea fregatei „Medusa”, care, din cauza incompetenței căpitanului, s-a prăbușit în largul coastei Senegalului în 1816. 140 de pasageri și membri ai echipajului au încercat să evadeze aterizarea pe o plută. Abia în a 12-a zi au fost ridicați de brigandul Argus, dar doar 15 oameni au supraviețuit. În 1817, doi dintre ei, inginerul Correard și chirurgul Henri Savigny, vor scrie o carte despre această tragedie.
Théodore Géricault, ca mulți alții, a fost șocat de ceea ce s-a întâmplat cu Meduza. Vorbește cu martorii oculari ai evenimentului, face schițe ale celor executați și muribunzi, scrie sute de schițe ale mării furioase. Și deși imaginea se distinge printr-o culoare monocromă, principalul său avantaj este în psihologismul profund al situației descrise pe pânză.
Un alt lider al tendinței romantice în pictura europeană a fost pictorul și graficianul francez Eugene Delacroix.
Eugene Delacroix „Autoportret” (1837)
Pictura sa Liberty Leading the People (1830) se bazează pe Revoluția din iulie 1830, care a pus capăt regimului de restaurare al monarhiei Bourbon.
Femeia înfățișată în centrul imaginii simbolizează libertatea. Are o șapcă frigiană pe cap (un simbol al libertății sau al revoluției), în mâna dreaptă este steagul Franței republicane, în mâna stângă este un pistol. Pieptul gol simbolizează dăruirea francezilor de atunci, care cu „pieptul gol” mergeau la inamic. În jurul Libertății, un muncitor, un burghez, un adolescent, care simbolizează unitatea poporului francez în timpul Revoluției din iulie. Unii istorici de artă și critici sugerează că artistul s-a înfățișat ca un bărbat cu o pălărie de cilindru în stânga personajului principal.
O. Kiprensky „Autoportret” (1828)
Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) - celebru artist rus, grafician și pictor, maestru de portrete.
O. Kiprensky „Portretul lui A.S. Pușkin” (1827). Pânză, ulei. 63 x 54 cm.Stare Galeria Tretiakov(Moscova)
Acesta este poate cel mai mult portret celebru Pușkin, comandat artistului de prietenul lui Pușkin, Delvig. Pe pânză, Pușkin este înfățișat până la talie, cu brațele încrucișate pe piept. Un carouri scoțian în carouri este aruncat peste umărul drept al poetului - tocmai cu acest detaliu artistul denotă legătura lui Pușkin cu Byron, idolul epocii romantismului.
K. Bryullov „Autoportret” (1848)
Opera artistului rus K. Bryullov este clasificată drept academicism, dar unele dintre picturile sale sunt apogeul romantismului rus târziu, cu simțul lor de tragedie și conflict în viață, interes pentru pasiuni puternice, teme și situații extraordinare și în soarta maselor imense umane.
K. Bryullov „Ultima zi a Pompeii” (1830-1833). Pânză, ulei. 465,5 x 651 cm Muzeul de Stat al Rusiei (Petersburg)
Bryullov a combinat în imagine dramatismul acțiunii, efectele romantice ale luminii și plasticitatea sculpturală, clasică perfectă a figurilor.
Pictura înfățișează celebra erupție a Muntelui Vezuvius în anul 79 d.Hr. e. și distrugerea orașului Pompei de lângă Napoli. „Ultima zi a Pompeii” ilustrează romantismul picturii rusești, amestecat cu idealism, un interes sporit pentru aer liber și gravitație către subiecte istorice similare. Psihologismul profund inerent romantismului ajută să vedem o personalitate în fiecare personaj: respectabil și altruist (un grup de oameni în colțul din dreapta jos al imaginii, purtând o persoană în vârstă), lacom (o figură în alb, care poartă bunurile cuiva furate pe vicleanul), iubitor (un tânăr în partea dreaptă pictând, încercând să-și salveze iubita), un devotat (o mamă care își îmbrățișează fiicele în colțul din stânga jos al imaginii), etc.
Imaginea artistului din colțul din stânga imaginii este un autoportret al autorului.
Dar fratele artistului, Bryullov Alexander Pavlovici, a fost un reprezentant al romantismului în arhitectură (deși a fost și artist).
A. Bryullov „Autoportret” (1830)
El a creat proiecte pentru clădiri în Sankt Petersburg și împrejurimi.
Clădirea Teatrului Mihailovski a fost, de asemenea, construită conform proiectului lui A. Bryullov.
Biserica Ortodoxă a Sfinților Apostoli Petru și Pavel din satul Pargolovo (acum teritoriul Sankt Petersburg)
Romantismul în muzică
M. Vodzinskaya „Portretul lui F. Chopin” (1835)
Format în anii 1820, romantismul în muzică a capturat întregul secol al XIX-lea. și este reprezentată de o întreagă galaxie a celor mai talentați compozitori, dintre care chiar e greu să scoți în evidență pe cineva sau câțiva pentru a nu jigni pe alții. Prin urmare, vom încerca să numim cât mai multe nume. Cei mai marcanți reprezentanți ai romantismului în muzică sunt Franz Schubert, Franz Liszt, precum și regretații romantici Anton Bruckner și Gustav Mahler (Austria-Ungaria); Ludwig van Beethoven (parțial), Johannes Brahms, Richard Wagner, Anna Maria Weber, Robert Schumann, Felix Mendelssohn (Germania); Frederic Chopin (Polonia); Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, Giuseppe Verdi timpuriu (Italia); A. A. Alyabiev, M. I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, M.A. Balakirev, N. A. Rimski-Korsakov, M.P. Musorgski, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, P. I. Ceaikovski (Rusia).
J. Kriehuber „Portretul lui R. Schumann” (1849)
Compozitorii romantici au încercat să exprime profunzimea și bogăția lumii interioare a unei persoane cu ajutorul mijloacelor muzicale. Muzica devine mai reliefată, individuală. Se dezvoltă genuri de cântece, inclusiv balada.
Principala problemă a muzicii romantice este problema personalității în conflictul ei cu lumea exterioară. Eroul romantic este întotdeauna singur. Tema singurătății este cea mai populară în toată arta romantică. Foarte des, ideea unei persoane creative este asociată cu ea: o persoană este singură atunci când este tocmai o persoană remarcabilă, talentată. Artistul, poetul, muzicianul sunt eroii preferați în operele romanticilor (Dragostea poetului a lui Schumann, Simfonia fantastică a lui Berlioz cu subtitlul – „Un episod din viața artistului”, poemul simfonic „Tasso” al lui Liszt).
P.I. Ceaikovski
Muzica romantică, ca și alte tipuri de artă romantică, se caracterizează printr-un interes profund față de personalitatea umană, predominanța unui ton personal în muzică. Adesea lucrările muzicale au fost cu o notă de autobiografie, ceea ce aducea muzicii o sinceritate deosebită. De exemplu, multe dintre lucrările lui Schumann pentru pian sunt legate de povestea dragostei sale pentru Clara Wieck. Natura autobiografică a operelor sale a fost subliniată de Wagner. Muzica lui Chopin poate fi numită și autobiografică; el și-a exprimat dorul față de patria sa (Polonia) în mazurcile, polonezele și baladele sale. Profund îndrăgostit de Rusia și natura rusă, P.I. Ceaikovski desenează imagini ale naturii în multe dintre lucrările sale, iar ciclul de piese pentru pian „Anotimpurile” îi este complet dedicat.
Romantismul în literatură
Frații Grimm: Wilhelm și Jacob
Romantismul a apărut pentru prima dată în Germania, printre scriitorii și filozofii școlii din Jena. Acesta este un grup de figuri ale mișcării romantice care s-au adunat în 1796 în orașul universitar Jena (frații August Wilhelm și Friedrich Schlegel, Ludwig Tieck, Novalis). Încep să publice revista Ateneum, unde își formulează propriul program estetic al romantismului. În viitor, romantismul german se remarcă prin interesul pentru motivele de basm și mitologice (opera fraților Wilhelm și Jacob Grimm, Hoffmann).
R. Westall „Portretul lui Byron”
Un reprezentant proeminent al romantismului englez este D.G. Byron, care, potrivit lui A.S. Pușkin „îmbrăcat în romantism plictisitor și egoism fără speranță”. Opera sa este impregnată de patosul luptei și protestului împotriva lumea modernă, incantarea libertatii si individualismului.
Romantismul englez include opera lui Shelley, John Keats, William Blake.
Prosper Merimee
Romantismul s-a răspândit și în alte țări europene. În Franța, reprezentanții acesteia sunt Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand. În Italia - N.U. Foscolo, A. Manzoni. În Polonia - Adam Mickiewicz, Juliusz Slowacki și alții, în SUA - Washington Irving, Fenimore Cooper, Edgar Allan Poe, Henry Longfellow și alții.
Adam Miscavige
Romantismul în literatura rusă
K. Bryullov „Portretul lui V. Jukovski”
Printre poeții romantici se numără K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov. Poezia timpurie a lui A. S. Pușkin - în cadrul romantismului. Punctul culminant al romantismului rus este considerat a fi poezia lui M. Yu. Lermontov, care a fost numit „Byronul rus”.
P. Zabolotsky. „Portretul lui M.Yu. Lermontov în capul Regimentului de Husari Salvați „(1837)
Personalitatea și sufletul sunt principalele realități ale ființei pentru Lermontov, studiul personalității și al sufletului uman este tema principală a lucrărilor sale. Explorând originile binelui și răului, Lermontov ajunge la concluzia că atât binele, cât și răul nu există în afara unei persoane, ci în sine. Prin urmare, este imposibil să sperăm că o persoană se va schimba în bine ca urmare a unei schimbări în lume. De aici lipsa aproape totală a poetului de apeluri la lupta pentru dreptate socială. Accentul principal al lui Lermontov este pe sufletul omului și pe calea sa spirituală.
Versurile filozofice ale lui F. I. Tyutchev completează romantismul în Rusia.
F. I. Tyutchev (1860-1861). Fotografie de S. Levitsky
F.I. Tyutchev nu se considera poet (a slujit ca diplomat), dar toată poezia lui este autobiografică și plină de reflecții filosofice despre lume și despre omul din ea, despre contradicțiile care chinuiesc sufletul uman, despre sensul vieții și al morții. .
Taceți, ascundeți-vă și ascundeți-vă
Și sentimentele și visele tale -
Lasă să pătrundă în adâncul sufletului
Se ridică și intră
În tăcere, ca stelele în noapte,
Admiră-i - și taci.
Cum se poate exprima inima?
Cum te poate înțelege altcineva?
Va înțelege cum trăiești?
Gândul rostit este o minciună.
Explodează, deranjează cheile, -
Mănâncă-le - și taci.
Știi doar să trăiești în tine -
Există o lume întreagă în sufletul tău
Gânduri magice misterioase;
Zgomotul exterior îi va asurzi
Razele din timpul zilei se vor dispersa, -
Ascultă-le cântarea - și taci! ..
_______________
* Tăcere! (lat.)
Am spus deja de mai multe ori că un artist, poet sau compozitor nu lucrează întotdeauna într-un fel de stil artistic. În plus, stilul artistic nu se încadrează întotdeauna într-o anumită perioadă de timp. Astfel, trăsăturile oricărui stil artistic pot fi găsite în orice moment. Uneori este o modă (de exemplu, stilul Empire a devenit brusc din nou popular destul de recent), uneori este nevoia artistului de un astfel de mod de auto-exprimare.
Romantismul ca tendință în pictură s-a format în Europa de Vest la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Romantismul a atins apogeul în arta majorității țărilor vest-europene în anii 1920 și 1930. secolul al 19-lea.
Termenul „romantism” în sine provine din cuvântul „roman” (în secolul al XVII-lea, operele literare scrise nu în latină, ci în limbile derivate din aceasta - franceză, engleză etc.) au fost numite romane. Mai târziu, totul de neînțeles și misterios a început să fie numit romantic.
Ca fenomen cultural, romantismul s-a format dintr-o viziune deosebită asupra lumii generată de rezultatele Revoluției Franceze. Deziluzionați de idealurile Iluminismului, romanticii, luptă pentru armonie și integritate, au creat noi idealuri estetice și valori artistice. Obiectul principal al atenției lor au fost personajele marcante cu toate experiențele și dorința lor de libertate. Eroul operelor romantice este o persoană remarcabilă care, prin voința sorții, s-a trezit în circumstanțe dificile de viață.
Deși romantismul a apărut ca un protest împotriva artei clasicismului, a fost în multe privințe apropiat de acesta din urmă. Romanticii au fost parțial reprezentanți ai clasicismului precum N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.
Romanticii au introdus în pictură trăsături naționale originale, adică ceva care lipsea în arta clasiciștilor.
Cel mai mare reprezentant al romantismului francez a fost T. Gericault.
Theodore Géricault
Theodore Gericault, marele pictor, sculptor și grafician francez, s-a născut în 1791 la Rouen într-o familie bogată. Talentul artistului s-a manifestat în el destul de devreme. Adesea, în loc să meargă la cursuri la școală, Géricault stătea în grajd și desena cai. Chiar și atunci, el a căutat nu numai să transfere trăsăturile exterioare ale animalelor pe hârtie, ci și să transmită temperamentul și caracterul lor.
După ce a absolvit Liceul în 1808, Géricault a devenit studentul faimosului pictor Carl Vernet, care era renumit pentru capacitatea sa de a înfățișa caii pe pânză. Cu toate acestea, tânărului artist nu i-a plăcut stilul lui Vernet. Curând părăsește atelierul și pleacă la studii cu un alt pictor, nu mai puțin talentat decât Vernet, P. N. Guerin. învăţând din doi artiști celebri, Gericault nu și-a continuat totuși tradițiile în pictură. J. A. Gros și J. L. David ar trebui considerați probabil adevărații săi profesori.
Primele lucrări ale lui Gericault se remarcă prin faptul că sunt cât mai aproape de viață. Astfel de picturi sunt neobișnuit de expresive și patetice. Ele arată starea de spirit entuziastă a autorului atunci când evaluează lumea din jurul lui. Un exemplu este un tablou numit „Ofițerul Rangerilor Imperiali de Cai în timpul unui atac”, creat în 1812. Această pânză a fost văzută pentru prima dată de vizitatorii Salonului de la Paris. Au acceptat cu admirație opera tânărului artist, apreciind talentul tânărului maestru.
Lucrarea a fost creată în acea perioadă a istoriei franceze, când Napoleon era la apogeul gloriei sale. Contemporanii l-au idolatrizat pe el, marele împărat, care a reușit să cucerească cea mai mare parte a Europei. Cu o asemenea dispoziție, sub impresia victoriilor armatei lui Napoleon, tabloul a fost pictat. Pânza prezintă un soldat în galop pe un cal. Chipul lui exprimă hotărâre, curaj și neînfricare în fața morții. Întreaga compoziție
neobișnuit de dinamic și emoțional. Privitorul are sentimentul că el însuși devine un adevărat participant la evenimentele descrise pe pânză.
Figura unui soldat curajos va apărea de mai multe ori în opera lui Géricault. Printre astfel de imagini, de interes deosebit sunt eroii picturilor „Ofițer de carabinieri”, „Ofițer de cuirasier înainte de atac”, „Portretul unui carabinier”, „Cuirasier rănit”, realizat în anii 1812-1814. Ultima lucrare este remarcabilă prin faptul că a fost prezentată la următoarea expoziție organizată la Salon în același an. Cu toate acestea, acesta nu este principalul avantaj al compoziției. Mai important, a arătat schimbările care au avut loc în stilul creativ al artistului. Dacă sentimentele patriotice sincere s-au reflectat în primele sale pânze, atunci în lucrările care datează din 1814, patosul în reprezentarea eroilor este înlocuit cu drama.
O schimbare similară în starea de spirit a artistului a fost din nou asociată cu evenimentele care au avut loc la acea vreme în Franța. În 1812, Napoleon a fost învins în Rusia, în legătură cu care el, care a fost cândva un erou strălucit, dobândește de la contemporanii săi gloria unui conducător militar nereușit și a unui om mândru arogant. Géricault întruchipează dezamăgirea sa față de ideal în tabloul „Cuirasierul rănit”. Pânza înfățișează un războinic rănit care încearcă să părăsească câmpul de luptă cât mai curând posibil. Se sprijină pe o sabie - o armă pe care, poate, cu doar câteva minute în urmă o ținea, ținând-o sus.
Nemulțumirea lui Géricault față de politica lui Napoleon a fost cea care i-a dictat intrarea în slujba lui Ludovic al XVIII-lea, care a preluat tronul Franței în 1814. Faptul că după cea de-a doua preluare a puterii în Franța de către Napoleon (perioada O sută de zile) tânărul artist își părăsește tara natala impreuna cu Bourbonii. Dar și aici îl aștepta dezamăgirea. Tânărul nu a putut urmări cu calm cum distruge regele tot ceea ce s-a realizat în timpul domniei lui Napoleon. În plus, sub Ludovic al XVIII-lea a avut loc o intensificare a reacției feudal-catolice, țara s-a întors din ce în ce mai repede, revenind la vechiul sistem statal. Acest lucru nu putea fi acceptat de tineri, progresiv persoană gânditoare. Foarte curând, tânărul, care și-a pierdut încrederea în idealurile sale, părăsește armata condusă de Ludovic al XVIII-lea și ia din nou pensule și vopsele. Acești ani nu pot fi numiți strălucitori și ceva remarcabil în opera artistului.
În 1816, Gericault a plecat într-o călătorie în Italia. După ce a vizitat Roma și Florența și a studiat capodoperele unor maeștri celebri, artistul este pasionat de pictura monumentală. Frescele lui Michelangelo, care împodobeau Capela Sixtină, îi ocupă în special atenția. În acest moment, lucrările au fost create de Géricault, în amploarea și măreția lor, amintind în multe privințe de pânzele pictorilor din Înalta Renaștere. Dintre acestea, cele mai interesante sunt „Răpirea nimfei de către centaur” și „Omul care aruncă taurul”.
Aceleași trăsături ale stilului vechilor maeștri sunt vizibile și în tabloul „Alergarea cailor liberi la Roma”, pictat în jurul anului 1817 și reprezentând concursuri de călăreți la unul dintre carnavalele care au loc la Roma. O caracteristică a acestei compoziții este că a fost compilată de artist din desene naturale realizate anterior. În plus, natura schițelor diferă semnificativ de stilul întregii lucrări. Dacă primele sunt scene care descriu viața romanilor - contemporanii artistului, atunci în compoziția generală există imagini de curaj eroi antici de parcă ar fi ieşit din poveşti străvechi. În aceasta, Gericault urmează calea lui J. L. David, care, pentru a da imaginea patosului eroic, și-a îmbrăcat eroii în forme străvechi.
La scurt timp după pictarea acestui tablou, Gericault se întoarce în Franța, unde devine membru al cercului de opoziție format în jurul pictorului Horace Vernet. La sosirea la Paris, artistul a fost interesat în special de grafică. În 1818, a realizat o serie de litografii pe o temă militară, dintre care cea mai semnificativă a fost „Întoarcerea din Rusia”. Litografia îi reprezintă pe soldații învinși ai armatei franceze rătăcind printr-un câmp acoperit de zăpadă. Figurile oamenilor schilozi și obosiți de război sunt descrise într-un mod real și adevărat. Nu există patos și patos eroic în compoziție, ceea ce a fost tipic pentru lucrările timpurii ale lui Gericault. Artistul caută să reflecte starea reală a lucrurilor, toate dezastrele pe care soldații francezi părăsiți de comandantul lor au fost nevoiți să le îndure într-o țară străină.
În lucrarea „Întoarcerea din Rusia” s-a auzit pentru prima dată tema luptei omului cu moartea. Totuși, aici acest motiv nu este încă exprimat la fel de clar ca în lucrările ulterioare ale lui Géricault. Un exemplu de astfel de pânze poate fi un tablou numit „Plota Medusei”. A fost scrisă în 1819 și expusă la Salonul de la Paris în același an. Pânza înfățișează oameni care se luptă cu elementul apei care furioasă. Artistul își arată nu doar suferința și chinul, ci și dorința de a ieși învingător în lupta împotriva morții cu orice preț.
Intriga compoziției este dictată de un eveniment care a avut loc în vara anului 1816 și a entuziasmat toată Franța. Pe atunci celebra fregata „Medusa” a intrat în recife și s-a scufundat în largul coastei Africii. Din cele 149 de oameni care se aflau pe navă, doar 15 au putut scăpa, printre care chirurgul Savigny și inginerul Correard. La sosirea în patria lor, ei au publicat o carte mică care povestește despre aventurile lor și salvarea fericită. Din aceste amintiri francezii au aflat că nenorocirea s-a petrecut din vina căpitanului neexperimentat al navei, care s-a urcat la bord datorită patronajului unui prieten nobil.
Imaginile create de Gericault sunt neobișnuit de dinamice, plastice și expresive, ceea ce a fost realizat de artist printr-o muncă îndelungată și minuțioasă. Pentru a înfățișa cu adevărat evenimente teribile pe pânză, pentru a transmite sentimentele oamenilor care mor pe mare, artistul se întâlnește cu martori oculari ai tragediei, îndelung studiază chipurile pacienților slăbiți care sunt tratați într-unul dintre spitalele din Paris. , precum și marinarii care au reușit să scape din naufragii. În acest moment, pictorul a creat un număr mare de lucrări de portrete.
Marea furioasă este, de asemenea, plină de sens profund, de parcă ar încerca să înghită o plută fragilă de lemn cu oameni. Această imagine este neobișnuit de expresivă și dinamică. Ea, ca și figurile oamenilor, a fost desenată din natură: artistul a realizat mai multe schițe înfățișând marea în timpul unei furtuni. Lucrând la o compoziție monumentală, Gericault a apelat în mod repetat la schițe pregătite anterior pentru a reflecta pe deplin natura elementelor. De aceea imaginea face o impresie uriașă asupra privitorului, îl convinge de realismul și veridicitatea a ceea ce se întâmplă.
„Plota Medusei” îl prezintă pe Géricault ca un maestru remarcabil al compoziției. Multă vreme, artistul s-a gândit la modul de aranjare a figurilor din imagine pentru a exprima cât mai pe deplin intenția autorului. Pe parcursul lucrărilor au fost făcute mai multe modificări. Schițele care preced pictura indică faptul că inițial Gericault a vrut să înfățișeze lupta oamenilor de pe plută între ei, dar mai târziu a abandonat o astfel de interpretare a evenimentului. În versiunea finală, pânza reprezintă momentul în care oamenii deja disperați văd nava Argus la orizont și își întind mâinile spre ea. Ultimul plus la poză a fost figura umană plasată mai jos, în partea dreaptă a pânzei. Ea a fost cea care a fost tușa finală a compoziției, care a căpătat după aceea un caracter profund tragic. Este de remarcat faptul că această schimbare a fost făcută atunci când pictura era deja expusă la Salon.
Cu monumentalitatea sa și emoționalitatea sporită, pictura lui Gericault amintește în multe privințe de opera maeștrilor Renașterii înalte (mai ales Judecata de Apoi a lui Michelangelo), pe care artistul i-a întâlnit în timpul călătoriei în Italia.
Tabloul „Plota Medusei”, devenită o capodopera a picturii franceze, a avut un succes uriaș în cercurile de opoziție, care au văzut-o ca o reflectare a idealurilor revoluționare. Din aceleași motive, opera nu a fost acceptată printre cei mai înalți nobilimi și reprezentanți oficiali ai artelor plastice ale Franței. De aceea, pe atunci pânza nu era cumpărată de stat de la autor.
Dezamăgit de primirea creată acasă, Gericault pleacă în Anglia, unde își prezintă lucrarea preferată la curtea britanicilor. La Londra, cunoscătorii de artă au primit celebra pânză cu mare entuziasm.
Gericault abordează artiștii englezi, care îl cuceresc prin capacitatea lor de a descrie real și sincer. Gericault consacră un ciclu de litografii vieții și vieții capitalei Angliei, printre care lucrările care au primit titlurile „The Great English Suite” (1821) și „The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery” (1821) sunt de cel mai mare interes. În aceasta din urmă, artistul a înfățișat un vagabond londonez, care reflecta impresiile primite de pictor în procesul de studiere a vieții oamenilor din cartierele muncitoare ale orașului.
Același ciclu a inclus litografii precum „The Flanders Smith” și „La porțile șantierului naval Adelphin”, prezentând privitorului o imagine a vieții oamenilor obișnuiți din Londra. De interes pentru aceste lucrări sunt imaginile de cai, grei și supraponderali. Ele sunt considerabil diferite de acele animale grațioase și grațioase care au fost pictate de alți artiști - contemporani ai lui Géricault.
Fiind în capitala Angliei, Gericault este angajat în crearea nu numai de litografii, ci și de tablouri. Una dintre cele mai izbitoare lucrări ale acestei perioade a fost pânza „Cursa la Epsom”, creată în 1821. În imagine, artistul înfățișează cai care se repezi cu viteza maximă, iar picioarele lor nu ating deloc pământul. Această tehnică vicleană (fotografia a demonstrat că caii nu pot avea o asemenea poziție a picioarelor în timpul alergării, aceasta este fantezia artistului) este folosită de maestru pentru a da dinamism compoziției, pentru a oferi privitorului impresia de fulger- mișcarea rapidă a cailor. Acest sentiment este sporit de transferul precis al plasticității (posturi, gesturi) figurilor umane, precum și de utilizarea unor combinații de culori strălucitoare și bogate (roșu, dafin, cai albi; albastru intens, roșu închis, alb-albastru și auriu-). jachete galbene de jochei) .
Tema curselor de cai, care a atras de multă vreme atenția pictorului prin expresia sa deosebită, a fost repetată de mai multe ori în lucrările create de Géricault după finalizarea lucrărilor la cursele de cai la Epsom.
Până în 1822, artistul a părăsit Anglia și s-a întors în Franța natală. Aici el este angajat în crearea de pânze mari, asemănătoare lucrărilor maeștrilor renascentiste. Printre acestea se numără „Comerțul cu negrii”, „Deschiderea ușilor închisorii Inchiziției din Spania”. Aceste picturi au rămas neterminate - moartea l-a împiedicat pe Gericault să finalizeze lucrarea.
Un interes deosebit sunt portretele, a căror creație istoricii de artă o atribuie perioadei 1822-1823. Istoria scrierii lor merită o atenție deosebită. Cert este că aceste portrete au fost comandate de un prieten al artistului, care lucra ca psihiatru într-o clinică din Paris. Trebuiau să devină un fel de ilustrații care demonstrează diverse boală mintală persoană. Așa că au fost pictate portretele „Bătrână nebună”, „Nebună”, „Nebună, imaginându-se comandant”. Pentru maestrul picturii, era important nu atât să arate semnele și simptomele externe ale bolii, cât să transmită cele interne, stare de spirit persoană bolnavă. Pe pânze apar imagini tragice cu oameni în fața privitorului, ai căror ochi sunt plini de durere și tristețe.
Printre portretele lui Géricault, un loc aparte îl ocupă portretul unui negru, care se află în prezent în colecția Muzeului din Rouen. O persoană hotărâtă și cu voință puternică privește privitorul de pe pânză, gata să lupte până la capăt cu forțe ostile lui. Imaginea este neobișnuit de strălucitoare, emoțională și expresivă. Bărbatul din această imagine este foarte asemănător cu acelor eroi cu voință puternică pe care Gericault îi prezentase anterior în compoziții mari (de exemplu, pe pânza „Plota Medusei”).
Gericault nu a fost doar un maestru al picturii, ci și un sculptor excelent. Lucrările sale în această formă de artă la începutul secolului al XIX-lea au fost primele exemple de sculpturi romantice. Printre astfel de lucrări, compoziția neobișnuit de expresivă „Nimfa și satirul” prezintă un interes deosebit. Imaginile înghețate în mișcare transmit cu acuratețe plasticitate corpul uman.
Théodore Gericault a murit tragic în 1824 la Paris, prăbușindu-se într-o cădere de pe un cal. Moartea sa timpurie a fost o surpriză pentru toți contemporanii celebrului artist.
Opera lui Gericault a marcat o nouă etapă în dezvoltarea picturii nu numai în Franța, ci și în arta mondială - perioada romantismului. În lucrările sale, maestrul depășește influența tradițiilor clasice. Lucrările sale sunt neobișnuit de colorate și reflectă diversitatea lumii naturale. Prin introducerea unor figuri umane în compoziție, artistul se străduiește să dezvăluie sentimentele și emoțiile interioare ale unei persoane cât mai deplin și viu posibil.
După moartea lui Gericault, tradițiile artei sale romantice au fost preluate de tânărul contemporan al artistului, E. Delacroix.
Eugen Delacroix
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, renumitul artist și grafician francez, succesorul tradițiilor romantismului care s-au dezvoltat în opera lui Géricault, s-a născut în 1798. Fără a-și finaliza studiile la Liceul Imperial, în 1815 Delacroix a intrat în maestru celebru Guerin. Cu toate acestea, metodele artistice ale tânărului pictor nu au îndeplinit cerințele profesorului, așa că după șapte ani tânărul îl părăsește.
Studiind cu Guerin, Delacroix dedică mult timp studierii operei lui David și a maeștrilor picturii Renașterii. El consideră că cultura antichității, ale căror tradiții le-a urmat și David, sunt fundamentale pentru dezvoltarea artei mondiale. Prin urmare, idealurile estetice pentru Delacroix au fost operele poeților și gânditorilor Greciei antice, printre aceștia artistul a apreciat în mod deosebit lucrările lui Homer, Horațiu și Marcus Aurelius.
Primele lucrări ale lui Delacroix au fost pânze neterminate, în care tânărul pictor a căutat să reflecte lupta grecilor cu turcii. Cu toate acestea, artistului îi lipsea îndemânarea și experiența de a crea o imagine expresivă.
În 1822, Delacroix și-a expus opera la Salonul de la Paris sub titlul Dante și Virgil. Această pânză, neobișnuit de emoțională și strălucitoare la culoare, seamănă în multe privințe cu opera lui Géricault „Plota Medusei”.
Doi ani mai târziu, un alt tablou de Delacroix, Masacrul de la Chios, a fost prezentat publicului Salonului. În ea a fost întruchipat planul de lungă durată al artistului pentru a arăta lupta grecilor cu turcii. Compoziția generală a imaginii constă din mai multe părți, care formează grupuri de oameni așezate separat, fiecare dintre ele având propriul său conflict dramatic. În general, lucrarea dă impresia unei tragedii profunde. Sentimentul de tensiune și dinamism este sporit de combinația de linii netede și ascuțite care formează figurile personajelor, ceea ce duce la o schimbare a proporției persoanei reprezentate de artist. Cu toate acestea, tocmai din această cauză imaginea capătă un caracter realist și credibilitate în viață.
Metoda creativă a lui Delacroix, pe deplin exprimată în „Masacrul din Chios”, este departe de stilul clasic acceptat atunci în cercurile oficiale ale Franței și printre reprezentanții artelor plastice. Prin urmare, imaginea tânărului artist a fost întâmpinată cu critici ascuțite în Salon.
În ciuda eșecului, pictorul rămâne fidel idealului său. În 1827, a apărut o altă lucrare dedicată temei luptei poporului grec pentru independență - „Grecia pe ruinele Missolonghi”. Figura unei grecești hotărâte și mândre, înfățișată pe pânză, personifică aici Grecia necucerită.
În 1827, Delacroix a realizat două lucrări care reflectau căutarea creativă a maestrului în domeniul mijloacelor și metodelor. expresie artistică. Acestea sunt pânzele „Moartea lui Sardanapalus” și „Marino Faliero”. Pe primul dintre ele, tragedia situației este transmisă în mișcarea figurilor umane. Doar imaginea lui Sardanapal însuși este statică și calmă aici. În compoziția lui „Marino Faliero” doar figura personajului principal este dinamică. Restul eroilor păreau să înghețe de groază la gândul la ceea ce urma să se întâmple.
În anii 20. secolul al 19-lea Delacroix a interpretat o serie de lucrări, ale căror intrigi au fost preluate din opere literare celebre. În 1825, artistul a vizitat Anglia, locul de naștere al lui William Shakespeare. În același an, sub impresia acestei călătorii și a tragediei celebrului dramaturg Delacroix, a fost realizată litografia „Macbeth”. În perioada 1827-1828, a realizat o litografie „Faust”, dedicată operei cu același nume a lui Goethe.
În legătură cu evenimentele petrecute în Franța în 1830, Delacroix a realizat tabloul „Libertatea conducând oamenii”. Franța revoluționară este prezentată în imaginea unei femei tinere, puternice, imperioasă, hotărâtă și independentă, conducând cu îndrăzneală mulțimea, în care se remarcă figurile unui muncitor, un student, un soldat rănit, un gamen parizian (imagine care a anticipat Gavroche, care a apărut mai târziu în Les Misérables de V. Hugo ).
Această lucrare a fost vizibil diferită de lucrări similare ale altor artiști care erau interesați doar de transmiterea veridică a unui eveniment. Pânzele create de Delacroix au fost caracterizate de un patos eroic ridicat. Imaginile de aici sunt simboluri generalizate ale libertății și independenței poporului francez.
Odată cu venirea la putere a lui Ludovic Filip, regele burghez, eroismul și sentimentele înalte predicate de Delacroix, nu mai era loc în viața modernă. În 1831, artistul a făcut o călătorie în țări africane. A călătorit la Tanger, Meknes, Oran și Alger. În același timp, Delacroix vizitează Spania. Viața Orientului îl fascinează literalmente pe artist cu fluxul său rapid. El creează schițe, desene și o serie de lucrări de acuarelă.
După ce a vizitat Marocul, Delacroix pictează pânze dedicate Orientului. Picturile, în care artistul arată cursele de cai sau bătălia maurilor, sunt neobișnuit de dinamice și expresive. În comparație cu acestea, compoziția „Femeile algeriene în camerele lor”, creată în 1834, pare calmă și statică. Nu are acel dinamism rapid și tensiune inerente în mai mult munca timpurie artist. Delacroix apare aici ca un maestru al culorii. Schema de culori folosită de pictor în întregime reflectă diversitatea strălucitoare a paletei, pe care privitorul o asociază cu culorile Orientului.
Pânza „Nunta evreiască în Maroc”, scrisă aproximativ în 1841, se caracterizează prin aceeași lentoare și măsurată.O atmosferă orientală misterioasă se creează aici datorită redării exacte de către artist a originalității interiorului național. Compoziția pare surprinzător de dinamică: pictorul arată cum oamenii urcă scările și intră în cameră. Lumina care intră în cameră face imaginea realistă și convingătoare.
Motivele orientale au fost încă prezente în lucrările lui Delacroix multă vreme. Așadar, la expoziția organizată în Salon în 1847, din șase lucrări prezentate de acesta, cinci au fost consacrate vieții și vieții Orientului.
În anii 30-40. În secolul al XIX-lea, noi teme apar în opera lui Delacroix. În acest moment, maestrul creează lucrări cu teme istorice. Printre acestea, pânzele „Protestul lui Mirabeau împotriva dizolvării Statelor Generale” și „Boissy d’Angles” merită o atenție deosebită. Schița acestuia din urmă, arătată în 1831 în Salon, este model luminos compoziţii pe tema răscoalei populare.
Picturile „Bătălia de la Poitiers” (1830) și „Bătălia de la Taybur” (1837) sunt consacrate imaginii poporului. Cu tot realismul, dinamica bătăliei, mișcarea oamenilor, furia, furia și suferința lor sunt arătate aici. Artistul caută să transmită emoțiile și pasiunile unei persoane cuprinse de dorința de a câștiga cu orice preț. Cifrele oamenilor sunt cele mai importante în transmiterea naturii dramatice a evenimentului.
Foarte des, în lucrările lui Delacroix, învingătorul și învinsul se opun puternic unul altuia. Acest lucru se vede în mod deosebit pe pânza „Capturarea Constantinopolului de către cruciați”, scrisă în 1840. Un grup de oameni învinși de durere este prezentat în prim plan. În spatele lor este un peisaj încântător, încântător, cu frumusețea lui. Aici sunt plasate și figurile călăreților învingători, ale căror siluete formidabile contrastează cu figurile îndurerate din prim plan.
„Capturarea Constantinopolului de către cruciați” îl prezintă pe Delacroix ca un colorist remarcabil. Culorile strălucitoare și saturate, însă, nu sporesc începutul tragic, care se exprimă prin figuri jale situate aproape de privitor. Dimpotrivă, o paletă bogată creează senzația de vacanță aranjată în cinstea câștigătorilor.
Nu mai puțin colorată este compoziția „Justiția lui Traian”, realizată în același 1840. Contemporanii artistului au recunoscut acest tablou ca fiind unul dintre cele mai bune dintre toate pânzele pictorului. Un interes deosebit este faptul că, în cursul muncii, maestrul experimentează în domeniul culorii. Chiar și umbrele capătă o varietate de nuanțe de la el. Toate culorile compoziției corespund exact naturii. Execuția lucrării a fost precedată de lungi observații ale pictorului pentru schimbări de nuanțe în natură. Artistul le-a trecut în jurnalul său. Apoi, conform notelor, oamenii de știință au confirmat că descoperirile făcute de Delacroix în domeniul tonalității erau pe deplin în concordanță cu doctrina culorii care s-a născut la acea vreme, al cărei fondator este E. Chevreul. În plus, artistul compară descoperirile sale cu paleta folosită scoala venetiana, care a fost pentru el un exemplu de pricepere picturală.
Portretele ocupă un loc special printre picturile lui Delacroix. Maestrul s-a orientat rar la acest gen. A pictat doar acei oameni cu care cunoștea de mult, a căror dezvoltare spirituală s-a petrecut în fața artistului. Prin urmare, imaginile din portrete sunt foarte expresive și profunde. Acestea sunt portretele lui Chopin și George Sand. Pânza dedicată celebrului scriitor (1834) înfățișează o femeie nobilă și voinică, care își încântă contemporanii. Portretul lui Chopin, pictat patru ani mai târziu, în 1838, reprezintă o imagine poetică și spirituală a marelui compozitor.
Un portret interesant și neobișnuit de expresiv al celebrului violonist și compozitor Paganini, pictat de Delacroix în jurul anului 1831. Stilul muzical al lui Paganini era în multe privințe similar cu metoda de pictură a artistului. Opera lui Paganini se caracterizează prin aceeași expresie și emotivitate intensă care au fost caracteristice lucrărilor pictorului.
Peisajele ocupă un loc mic în opera lui Delacroix. Cu toate acestea, ele s-au dovedit a fi foarte semnificative pentru dezvoltarea picturii franceze în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Peisajele lui Delacroix sunt marcate de dorința de a transmite cu acuratețe lumina și viața evazivă a naturii. Exemple vii în acest sens sunt picturile „Cer”, în care un sentiment de dinamică este creat datorită norilor albi ca zăpada care plutesc pe cer și „Marea, vizibilă de pe țărmurile Dieppe” (1854), în care pictorul cu măiestrie transmite alunecarea bărcilor cu pânze ușoare pe suprafața mării.
În 1833, artistul a primit ordin de la regele francez de a picta o sală în Palatul Bourbon. Lucrările la realizarea unei lucrări monumentale au durat patru ani. La îndeplinirea comenzii, pictorul s-a ghidat în primul rând de faptul că imaginile erau extrem de simple și concise, de înțeles pentru privitor.
Ultima lucrare a lui Delacroix a fost pictura capelei Sfinților Îngeri din biserica Saint-Sulpice din Paris. A fost realizată în perioada 1849-1861. Folosind culori strălucitoare, bogate (roz, albastru strălucitor, liliac, plasate pe un fundal albastru cenușă și galben-maro), artistul creează o stare de bucurie în compoziții, determinând privitorul să simt o bucurie răpitoare. Peisajul, inclus în tabloul „Alungarea lui Iliodor din Templu” ca un fel de fundal, mărește vizual spațiul compoziției și localul capelei. Pe de altă parte, parcă ar încerca să sublinieze izolarea spațiului, Delacroix introduce în compoziție o scară și o balustradă. Siluetele oamenilor plasate în spatele ei par a fi siluete aproape plate.
Eugene Delacroix a murit în 1863 la Paris.
Delacroix a fost cel mai educat dintre pictorii din prima jumătate a secolului al XIX-lea. Multe subiecte ale picturilor sale sunt preluate din operele literare ale unor maeștri celebri ai stiloului. Un fapt interesant este că cel mai adesea artistul și-a pictat personajele fără a folosi un model. Asta a vrut să-i învețe pe adepții săi. Potrivit lui Delacroix, pictura este ceva mai complex decât copiarea primitivă a liniilor. Artistul credea că arta constă în primul rând în capacitatea de a exprima starea de spirit și intenția creativă a maestrului.
Delacroix este autorul mai multor lucrări teoretice pe problemele culorii, metodei și stilului artistului. Aceste lucrări au servit ca un far pentru pictorii din generațiile următoare în căutarea propriei lor mijloace artistice folosit pentru a crea compoziții.
Rezumat examen
Subiect: „Romantismul ca tendință în artă”.
Efectuat elevul 11 clasa „B” gimnaziu nr 3
Boiprav Anna
Profesor de artă mondială
cultura Butsu T.N.
Brest, 2002
1. Introducere
2. Cauzele Romantismului
3. Principalele caracteristici ale romantismului
4. erou romantic
5. Romantismul în Rusia
a) Literatura
b) Pictura
c) Muzica
6. Romantismul vest-european
o pictura
b) Muzica
7. Concluzie
8. Referințe
1. INTRODUCERE
Dacă te uiți în Dicţionar Limba rusă, puteți găsi mai multe sensuri ale cuvântului „romantism”: 1. O tendință în literatură și artă din primul sfert al secolului al XIX-lea, caracterizată prin idealizarea trecutului, izolarea de realitate, cultul personalității și al omului . 2. O direcție în literatură și artă, impregnată de optimism și dorință de a se prezenta imagini vii scopul înalt al omului. 3. O stare de spirit imbunatatita de idealizarea realitatii, contemplatie visatoare.
După cum se poate observa din definiție, romantismul este un fenomen care se manifestă nu numai în artă, ci și în comportamentul, îmbrăcămintea, stilul de viață, psihologia oamenilor și apare în momentele critice ale vieții, așa că tema romantismului este actuală și astăzi. . Trăim la începutul secolului, suntem într-o etapă de tranziție. În acest sens, în societate există neîncredere în viitor, neîncredere în idealuri, există dorința de a evada din realitatea înconjurătoare în lumea propriilor experiențe și în același timp de a o înțelege. Aceste trăsături sunt caracteristice artei romantice. De aceea am ales pentru cercetare tema „Romantismul ca tendință în artă”.
Romantismul este un strat foarte mare de diferite tipuri de artă. Scopul lucrării mele este de a urmări condițiile apariției și cauzele apariției romantismului în diferite țări, de a investiga dezvoltarea romantismului în forme de artă precum literatura, pictura și muzica și de a le compara. Principala sarcină pentru mine a fost să evidențiez principalele trăsături ale romantismului, caracteristice tuturor tipurilor de artă, să stabilesc ce influență a avut romantismul asupra dezvoltării altor tendințe în artă.
Când am dezvoltat tema, am folosit ghiduri de studiu despre artă, autori precum Filimonova, Vorotnikov și alții, publicații enciclopedice, monografii dedicate diverșilor autori ai epocii romantismului, materiale biografice ale unor autori precum Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova și alții.
2. MOTIVE ALE ORIGINEI ROMANTICISMULUI
Cu cât suntem mai aproape de modernitate, cu atât intervalele de timp ale dominației unuia sau altuia devin mai scurte. Perioada de timp de la sfârșitul secolului al XVIII-lea-1 treime a secolului al XIX-lea. considerată a fi epoca romantismului (din romantismul francez; ceva misterios, ciudat, ireal)
Ce a influențat apariția unui nou stil?
Acestea sunt cele trei evenimente principale: cel Mare Revolutia Franceza, războaiele napoleoniene, ascensiunea mișcării de eliberare națională în Europa.
Tunetele Parisului au răsunat în toată Europa. Sloganul „Libertate, Egalitate, Fraternitate!” a avut o atracție extraordinară pentru toate popoarele europene. Odată cu formarea societăților burgheze, clasa muncitoare a început să acționeze împotriva sistemului feudal ca forță independentă. Lupta opusă a trei clase - nobilimea, burghezia și proletariatul - a stat la baza dezvoltării istorice a secolului al XIX-lea.
Soarta lui Napoleon și rolul său în istoria europeană timp de 2 decenii, 1796-1815, a ocupat mintea contemporanilor. „Domnul gândurilor” – A.S. a vorbit despre el. Pușkin.
Pentru Franța, aceștia au fost ani de măreție și glorie, deși cu prețul vieții a mii de francezi. Italia l-a văzut pe Napoleon drept eliberatorul său. Polonezii aveau mari speranțe în el.
Napoleon a acționat ca un cuceritor acționând în interesele burgheziei franceze. Pentru monarhii europeni, el nu a fost doar un adversar militar, ci și un reprezentant al lumii străine a burgheziei. L-au urât. La începutul războaielor napoleoniene, au existat mulți participanți direcți la revoluție în „Marea sa armată”.
Personalitatea lui Napoleon însuși a fost, de asemenea, fenomenală. Tânărul Lermontov a răspuns la cea de-a 10-a aniversare de la moartea lui Napoleon:
El este un străin de lume. Totul la el era un mister.
Ziua înălțării – și căderea ceasului!
Acest mister a atras în special atenția romanticilor.
În legătură cu războaiele napoleoniene și cu maturizarea conștiinței de sine naționale, această perioadă este caracterizată de ascensiunea mișcării de eliberare națională. Germania, Austria, Spania au luptat împotriva ocupației napoleoniene, Italia - împotriva jugului austriac, Grecia - împotriva Turciei, în Polonia au luptat împotriva țarismului rus, Irlanda - împotriva britanicilor.
Schimbări uluitoare au avut loc sub ochii unei generații.
Franța a fiert cel mai mult: agitata a cincea aniversare a Revoluției Franceze, ascensiunea și căderea lui Robespierre, campaniile napoleoniene, prima abdicare a lui Napoleon, întoarcerea sa de pe insula Elba („o sută de zile”) și ultima.
înfrângerea de la Waterloo, sumbră aniversare a 15 ani a regimului de restaurare, Revoluția din iulie 1860, Revoluția din februarie 1848 la Paris, care a provocat un val revoluționar în alte țări.
În Anglia, ca urmare a revoluției industriale din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. s-au stabilit producţia de maşini şi relaţiile capitaliste. Reforma parlamentară din 1832 a deschis burgheziei calea spre puterea de stat.
În ținuturile Germaniei și Austriei, conducătorii feudali și-au păstrat puterea. După căderea lui Napoleon, au tratat dur cu opoziția. Dar chiar și pe pământ german, locomotiva cu abur, adusă din Anglia în 1831, a devenit un factor de progres burghez.
Revoluțiile industriale, revoluțiile politice au schimbat fața Europei. „Burghezia, în mai puțin de o sută de ani de dominație de clasă, a creat forțe productive mai numeroase și mai grandioase decât toate generațiile precedente la un loc”, scriau savanții germani Marx și Engels în 1848.
Așadar, Marea Revoluție Franceză (1789-1794) a marcat o piatră de hotar specială care desparte noua eră de Epoca Iluminismului. S-au schimbat nu numai formele statului, structura socială a societății, alinierea claselor. Întregul sistem de idei, luminat de secole, a fost zguduit. Iluminatorii au pregătit ideologic revoluția. Dar ei nu puteau prevedea toate consecințele acesteia. „Regatul rațiunii” nu a avut loc. Revoluția, care a proclamat libertatea individului, a dat naștere ordinii burgheze, spiritului de achiziție și egoism. Aceasta a fost baza istorică pentru dezvoltarea culturii artistice, care a propus o nouă direcție - romantismul.
3. PRINCIPALELE CARACTERISTICI ALE ROMANTICISMULUI
Romantismul ca metodă și direcție în cultura artistica a fost un fenomen complex și controversat. În fiecare țară avea o expresie națională strălucitoare. Nu este ușor să găsești trăsături în literatură, muzică, pictură și teatru care unesc Chateaubriand și Delacroix, Mickiewicz și Chopin, Lermontov și Kiprensky.
Romanticii au ocupat diverse publice și pozitii politiceîn societate. Toți s-au răzvrătit împotriva rezultatului revoluție burgheză, dar s-au răzvrătit în moduri diferite, deoarece fiecare avea propriul său ideal. Dar cu toate fețele și diversitatea, romantismul are trăsături stabile.
Dezamăgirea în vremurile moderne a dat naștere unui special interes în trecut: la formațiunile sociale preburgheze, la antichitatea patriarhală. Mulți romantici au fost caracterizați de ideea că exotismul pitoresc al țărilor din sud și est - Italia, Spania, Grecia, Turcia - este un contrast poetic cu viața de zi cu zi burgheză plictisitoare. În aceste țări, atunci încă puțin afectate de civilizație, romanticii căutau strălucitori, caractere puternice, stil de viață original, colorat. Interesul pentru trecutul național a dat naștere la o masă de lucrări istorice.
Într-un efort de a se ridica cumva deasupra prozei de a fi, de a elibera diversele abilități ale individului, de a se autorealiza în cele din urmă în creativitate, romanticii s-au opus formalizării artei și abordării directe și judicioase a acesteia, caracteristică clasicismului. Toți au venit din negarea Iluminismului și a canoanelor raționaliste ale clasicismului, care a îngăduit inițiativa creativă a artistului.Și dacă clasicismul împarte totul în linie dreaptă, în bine și în rău, în alb și negru, atunci romantismul nu împarte nimic în linie dreaptă. Clasicismul este un sistem, dar romantismul nu este. Romantismul a avansat în avansarea timpurilor moderne de la clasicism la sentimentalism, care arată viața interioară a unei persoane în armonie cu lumea vastă. Și romantismul contrastează lumea interioara armonie. Odată cu romantismul începe să apară psihologismul adevărat.
Sarcina principală a romantismului a fost imaginea lumii interioare , viata mentala, iar acest lucru s-ar putea face pe materialul poveștilor, misticismului etc. Era necesar să arătăm paradoxul acestei vieți interioare, iraționalitatea ei.
În imaginația lor, romanticii au transformat realitatea neatractivă sau au intrat în lumea experiențelor lor. Decalajul dintre vis și realitate, opoziția ficțiunii frumoase cu realitatea obiectivă, se afla în centrul întregii mișcări romantice.
Romantismul pune pentru prima dată problema limbajului artei. „Arta este un limbaj cu totul diferit de natura; dar conține și aceeași putere miraculoasă care afectează la fel de secret și de neînțeles sufletul uman ”(Wackenroder și Tieck). Un artist este un interpret al limbajului naturii, un intermediar între lumea spiritului și a oamenilor. „Datorită artiștilor, umanitatea apare ca o întreagă individualitate. Artiștii prin modernitate unesc lumea trecutului cu lumea viitorului. Ele sunt cel mai înalt organ spiritual în care forțele vitale ale umanității lor exterioare se întâlnesc între ele și unde umanitatea interioară se manifestă în primul rând” (F. Schlegel).
Cu toate acestea, romantismul nu a fost o tendință omogenă: dezvoltarea sa ideologică a mers în direcții diferite. Printre romantici s-au numărat scriitori reacționari, adepți ai vechiului regim, care cântau despre monarhia feudală și creștinismul. Pe de altă parte, romanticii cu o perspectivă progresistă au exprimat protestul democratic împotriva feudalelor și a tuturor felurilor de opresiune, întruchipau impulsul revoluționar al poporului pentru un viitor mai bun.
Romantismul a lăsat o întreagă epocă în cultura artistică mondială, reprezentanții ei au fost: în literatură V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz și alții; în artele plastice ale lui E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky și alții; în muzica lui F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin și alții Au descoperit și dezvoltat noi genuri, au acordat o atenție deosebită destinului personalității umane, au dezvăluit dialectica binelui și răului, pasiunile omenești relevate cu măiestrie etc.
Formele de artă au egalat mai mult sau mai puțin în semnificația lor și au produs opere de artă magnifice, deși romanticii au acordat prioritate muzicii în scara artelor.
4. EROUL ROMANTIC
Cine este un erou romantic și cum este el?
Acesta este un individualist. Un supraom care a trecut prin două etape: înainte de ciocnirea cu realitatea, trăiește într-o stare „roz”, este stăpânit de dorința de realizare, de schimbare a lumii; după o coliziune cu realitatea, continuă să considere această lume atât vulgară, cât și plictisitoare, dar nu devine sceptic, pesimist. Cu o înțelegere clară că nimic nu poate fi schimbat, dorința pentru o ispravă degenerează într-o dorință de pericol.
Romanticii ar putea oferi etern valoare durabilă fiecare lucru mic, fiecare fapt concret, totul singur. Joseph de Maistre îl numește „cărările Providenței”, Germaine de Stael – „sânul rodnic al universului nemuritor”. Chateaubriand în „Geniul creștinismului”, într-o carte dedicată istoriei, arată direct pe Dumnezeu ca începutul timpului istoric. Societatea apare ca o legătură de nezdruncinat, „firul vieții care ne leagă de strămoșii noștri și pe care trebuie să-l extindem și asupra urmașilor noștri”. Doar inima unei persoane, și nu mintea sa, poate înțelege și auzi vocea Creatorului, prin frumusețea naturii, prin sentimente profunde. Natura este divină, este o sursă de armonie și forțe creative, metaforele ei sunt adesea transferate de romantici în lexicul politic. Pentru romantici, un copac devine un simbol al dezvoltării amabile, spontane, al percepției sucurilor. pământ natal, simbol al unității naționale. Cu cât natura unei persoane este mai inocentă și mai sensibilă, cu atât aude mai ușor vocea lui Dumnezeu. Un copil, o femeie, un tânăr nobil mai des decât alții văd nemurirea sufletului și valoarea vieții veșnice. Setea de fericire a romanticilor nu se limitează la dorința idealistă pentru Împărăția lui Dumnezeu după moarte.
Pe lângă dragostea mistică pentru Dumnezeu, o persoană are nevoie de iubire reală, pământească. Incapabil să posede obiectul pasiunii sale, eroul romantic a devenit un etern martir, condamnat să aștepte o întâlnire cu iubitul în viața de apoi, „căci marea dragoste este demnă de nemurire atunci când a costat viața unei persoane”.
Un loc special în munca romanticilor îl ocupă problema dezvoltării și educației individului. Copilăria este lipsită de legi, impulsurile ei de moment încalcă moralitatea publică, respectându-și propriile reguli de joc copilăresc. La un adult, reacții similare duc la moarte, la condamnarea sufletului. În căutarea împărăției cerești, o persoană trebuie să înțeleagă legile datoriei și moralității, abia atunci poate spera la viața veșnică. Întrucât datoria este dictată romanticilor de dorința lor de a câștiga viața veșnică, îndeplinirea datoriei dă fericirea personală în cea mai profundă și puternică manifestare. La datoria morală se adaugă datoria sentimentelor profunde și a intereselor înalte. Fără a amesteca meritele diferitelor sexe, romanticii pledează pentru egalitatea dezvoltării spirituale a bărbaților și femeilor. În același mod, dragostea pentru Dumnezeu și instituțiile sale dictează datoria civică. Efortul personal își găsește desăvârșirea în cauza comună, în efortul întregului neam, al întregii omeniri, al întregii lumi.
Fiecare cultură are propriul erou romantic, dar Byron, în lucrarea sa Charld Harold, a oferit o reprezentare tipică a eroului romantic. Și-a pus masca eroului său (zice că nu există distanță între erou și autor) și a reușit să respecte canonul romantic.
Toate operele romantice se caracterizează prin trăsături caracteristice:
În primul rând, în fiecare operă romantică nu există distanță între erou și autor.
În al doilea rând, autorul eroului nu judecă, dar chiar dacă se spune ceva rău despre el, complotul este construit în așa fel încât eroul să nu fie de vină. Intriga într-o operă romantică este de obicei romantică. Romanticii construiesc și ei o relație specială cu natura, le plac furtunile, furtunile, cataclismele.
5. ROMANTICISM ÎN RUSIA.
Romantismul din Rusia s-a diferențiat de vestul european în favoarea unui cadru istoric diferit și a unei tradiții culturale diferite. Revoluția Franceză nu poate fi considerată una dintre cauzele apariției ei; un cerc foarte restrâns de oameni avea vreo speranță în transformări în cursul său. Iar rezultatele revoluției au fost complet dezamăgitoare. Problema capitalismului în Rusia la începutul secolului al XIX-lea. nu a stat. Prin urmare, nu a existat un astfel de motiv. Motivul real a fost Războiul Patriotic din 1812, în care s-a manifestat toată puterea inițiativei poporului. Dar după război, oamenii nu au primit voința. Cei mai buni dintre nobilimi, nemulțumiți de realitate, au mers în Piața Senatului în decembrie 1825. Acest act și-a pus amprenta și asupra intelectualității creatoare. Anii tulburi de după război au devenit mediul în care s-a format romantismul rus.
Romantismul, și, mai mult, al nostru, rus, s-a dezvoltat și modelat în formele noastre originare, romantismul nu a fost un simplu fenomen literar, ci un fenomen de viață, o întreagă eră de dezvoltare morală, o epocă care a avut o culoare aparte, a desfășurat un Perspectivă în viață... Fie ca tendința romantică să vină din exterior, din viața occidentală și literaturile occidentale, a găsit în natura rusă pământul pregătit pentru percepția sa și, prin urmare, s-a reflectat în fenomene cu totul originale, așa cum poetul și criticul Apollon Grigoriev evaluat - acesta este un fenomen cultural unic, iar caracterizarea lui arată complexitatea esențială a romantismului, din măruntaiele din care a ieșit tânărul Gogol și cu care a fost asociat nu numai la începutul carierei sale de scriitor, ci de-a lungul vieții.
Apollon Grigoriev a determinat cu exactitate natura impactului școlii romantice asupra literaturii și vieții, inclusiv proza din acea vreme: nu o simplă influență sau împrumut, ci o viață caracteristică și puternică și o tendință literară care a dat fenomene cu totul originale în literatura tânără rusă.
a) Literatura
Romantismul rus este de obicei împărțit în mai multe perioade: inițială (1801-1815), matur (1815-1825) și perioada de dezvoltare postdecembristă. Cu toate acestea, în raport cu perioada inițială, convenționalitatea acestei scheme este izbitoare. Căci începutul romantismului rus este asociat cu numele lui Jukovski și Batyushkov, poeți a căror opera și viziune asupra lumii sunt greu de pus una lângă alta și de comparat în aceeași perioadă, scopurile, aspirațiile și temperamentele lor sunt atât de diferite. În poeziile ambilor poeți, influența imperioasă a trecutului, epoca sentimentalismului, este încă simțită, dar dacă Jukovski este încă adânc înrădăcinat în ea, atunci Batyushkov este mult mai aproape de noile tendințe.
Belinsky a remarcat pe bună dreptate că opera lui Jukovski se caracterizează prin „plângeri despre speranțe imperfecte care nu aveau nume, tristețe pentru fericirea pierdută, în care Dumnezeu știe în ce a constat”. Într-adevăr, în persoana lui Jukovski, romantismul încă făcea primii pași timizi, aducând un omagiu dorului sentimental și melancolic, un dor vag, abia perceptibil al inimii, într-un cuvânt, acel set complex de sentimente care în critica rusă era numit „romantismul Evului Mediu”.
O atmosferă cu totul diferită domnește în poezia lui Batiușkov: bucuria de a fi, senzualitate sinceră, un imn către plăcere.
Jukovski este considerat pe drept un reprezentant proeminent al umanismului estetic rus. Străin de pasiunile puternice, jukovski complezentul și blând se afla sub influența vizibilă a ideilor lui Rousseau și a romanticilor germani. În urma lor, a dat mare importanță latura estetică în religie, morală, relaţii sociale. Arta a căpătat un sens religios de la Jukovski, el a căutat să vadă în artă o „revelație” a adevărurilor superioare, pentru el era „sacră”. Este tipic pentru romanticii germani să identifice poezia și religia. Același lucru îl găsim și la Jukovski, care a scris: „Poezia este Dumnezeu în visele sfinte ale pământului”. În romantismul german, el era deosebit de aproape de atracția pentru tot ce se află dincolo, de „partea de noapte a sufletului”, de „inexprimabilul” din natură și om. Natura în poezia lui Jukovski este înconjurată de mister, peisajele sale sunt fantomatice și aproape ireale, ca niște reflecții în apă:
Cum se îmbină tămâia cu răcoarea plantelor!
Cât de dulce în liniștea de la malul jeturilor stropitoare!
Cât de liniștit este vântul de bezele pe ape
Și flutură flexibilă de salcie!
Sufletul sensibil, tandru și visător al lui Jukovski pare să înghețe dulce în pragul „acestei lumini misterioase”. poet, de expresie potrivită Belinsky, „își iubește și își porumbeiește suferința”, dar această suferință nu-i înjunghie inima cu răni crunte, căci chiar și în suferință și tristețe viața lui interioară este liniștită și senină. Prin urmare, atunci când într-un mesaj către Batyushkov, „fiul fericirii și al distracției”, el îl numește pe poetul epicurean „înrudit cu Muza”, este greu să crezi în această relație. Mai degrabă, îl credem pe virtuosul Jukovski, care îl sfătuiește prietenos pe cântărețul plăcerilor pământești: "Respinge voluptatea, visele sunt fatale!"
Batyushkov este o figură în tot ceea ce este opus lui Jukovski. Era un om cu pasiuni puternice, iar viața sa creatoare a fost întreruptă cu 35 de ani mai devreme decât existența fizică: de foarte tânăr, s-a cufundat în abisul nebuniei. S-a dedicat cu aceeași forță și pasiune atât bucuriilor, cât și durerilor: în viață, precum și în înțelegerea ei poetică, el - spre deosebire de Jukovski - a fost străin de „mijlocul de aur”. Deși poezia sa se caracterizează și prin lauda prieteniei pure, bucuria unui „colț umil”, dar idila lui nu este nicidecum modestă și liniștită, căci Batiushkov nu și-o poate imagina fără beatitudinea languidă a plăcerilor pasionale și a beției de viață. Uneori, poetul este atât de purtat de bucuriile senzuale, încât este gata să respingă nesăbuit înțelepciunea apăsătoare a științei:
Este în adevărurile despre trist
Stoici posomorâți și înțelepți plictisitori,
Asezat in rochii de inmormantare,
Între moloz și sicrie
Vom găsi dulceața vieții noastre?
De la ei văd bucurie
Zboară ca un fluture din tufișuri de spini.
Pentru ei nu există farmec în farmecele naturii,
Fecioarele nu le cântă, împletindu-se în dansuri rotunde;
Pentru ei, ca și pentru orbi,
Primavara fara bucurie si vara fara flori.
În poeziile sale sună rar tragedie autentică. Abia la sfârșitul vieții sale creatoare, când a început să dea semne de boală mintală, una dintre ultimele sale poezii a fost înregistrată sub dictare, în care sună clar motivele inutilității existenței pământești:
Îți amintești ce ai spus
Să-ți ia adio vieții, Melchisedec cu părul cărunt?
Omul s-a născut sclav
Se va culca ca un sclav în mormânt,
Și moartea cu greu îi va spune
De ce a mers prin valea lacrimilor minunate,
A suferit, a plâns, a îndurat,
În Rusia, romantismul ca tendință literară s-a dezvoltat în anii douăzeci ai secolului al XIX-lea. Originile sale au fost poeți, prozatori, scriitori și au creat romantismul rusesc, care se deosebea de „europeanul de vest” prin caracterul său național, original. Romantismul rus a fost dezvoltat de poeții primei jumătate a secolului al XIX-lea și fiecare poet a adus ceva nou. Romantismul rus a fost dezvoltat pe scară largă, a dobândit trăsături caracteristice și a devenit o tendință independentă în literatură. În „Ruslan și Lyudmila” A.S. Pușkin există replici: „Există un spirit rusesc, acolo miroase a Rusia”. Același lucru se poate spune despre romantismul rus. Eroii operelor romantice sunt suflete poetice care luptă spre „înalt” și frumos. Dar există o lume ostilă care nu îți permite să simți libertatea, ceea ce lasă aceste suflete de neînțeles. Lumea asta e dură, așa că suflet poetic aleargă la alta, unde există un ideal, ea se străduiește pentru „eternul”. Romantismul se bazează pe acest conflict. Dar poeții au reacționat diferit la această situație. Jukovski, Pușkin, Lermontov, pornind de la un singur lucru, construiesc relația dintre eroii lor și lumea din jurul lor în moduri diferite, prin urmare eroii lor au avut căi diferite către ideal.
Realitatea este teribilă, grosolană, obrăzătoare și egoistă, nu mai este loc în ea pentru sentimentele, visele și dorințele poetului, eroilor săi. „Adevărat” și etern – în lumea cealaltă. De aici conceptul de două lumi, poetul tinde spre una dintre aceste lumi în căutarea unui ideal.
Poziția lui Jukovski nu era poziția unei persoane care a intrat într-o luptă cu lumea exterioară, care l-a provocat. A fost o cale prin unitate cu natura, o cale de armonie cu natura, într-o lume eternă și frumoasă. Jukovski, în opinia multor cercetători (inclusiv Yu.V. Mann), își exprimă înțelegerea acestui proces de unitate în The Inexprimable. Unitatea este zborul sufletului. Frumusețea care te înconjoară îți umple sufletul, este în tine, și ești în ea, sufletul zboară, nici timpul, nici spațiul nu există, dar exiști în natură, iar în acest moment în care trăiești, vrei să cânți despre această frumusețe. , dar nu există cuvinte pentru a-ți exprima starea, există doar un sentiment de armonie. Nu ești deranjat de oamenii din jurul tău, suflete prozaice, mai mult îți este deschis, ești liber.
Pușkin și Lermontov au abordat diferit această problemă a romantismului. Fără îndoială că influența exercitată de Jukovski asupra lui Pușkin nu a putut decât să se reflecte în opera acestuia din urmă. Pentru creativitate timpurie Pușkin este caracterizat de romantismul „civil”. Sub influența „Cântărețului din tabăra războinicilor ruși” Jukovski și a operelor lui Griboedov, Pușkin scrie o odă „Libertății”, „Către Chaadaev”. În cea din urmă, el numește:
"Prietene! Să ne dedicăm sufletele Patriei cu impulsuri minunate...". Aceasta este aceeași dorință pentru ideal pe care a avut-o Jukovski, doar Pușkin înțelege idealul în felul său, prin urmare calea către ideal este diferită pentru poet. Nu vrea și nu poate tinde numai spre ideal, îl cheamă poetul. Pușkin a privit altfel realitatea și idealul. Nu o poți numi o rebeliune, aceasta este o reflecție asupra elementelor rebele. Acest lucru s-a reflectat în oda „Marea”. Aceasta este puterea și puterea mării, marea este liberă, și-a atins idealul. Omul trebuie să devină și el liber, spiritul său trebuie să fie liber.
Căutarea unui ideal este principala trăsătură caracteristică a romantismului. S-a manifestat în opera lui Jukovski, Pușkin și Lermontov. Toți cei trei poeți căutau libertatea, dar au căutat-o în feluri diferite, au înțeles-o altfel. Jukovski căuta libertatea trimisă de „creator”. După ce a găsit armonia, o persoană devine liberă. Pentru Pușkin, libertatea spiritului era importantă, care ar trebui să se manifeste într-o persoană. Pentru Lermontov, doar eroul rebel este liber. Rebeliunea pentru libertate, ce poate fi mai frumos? Această atitudine față de ideal a fost păstrată în versurile de dragoste ale poeților. După părerea mea, această relație se datorează timpului. Deși toți au lucrat aproape în aceeași perioadă, timpul muncii lor a fost diferit, evenimentele s-au desfășurat cu o viteză extraordinară. Caracterele poeților au influențat foarte mult și relația lor. Calmul Jukovski și rebelul Lermontov sunt complet opuși. Dar romantismul rus s-a dezvoltat tocmai pentru că natura acestor poeți era diferită. Au introdus concepte noi, personaje noi, idealuri noi, au dat o imagine completă a ceea ce este libertatea, ce este viața reală. Fiecare dintre ele reprezintă propria sa cale către ideal, acesta este dreptul de alegere pentru fiecare individ.
Însăși apariția romantismului a fost foarte tulburătoare. Individualitatea umană se afla acum în centrul lumii întregi. „Eul” uman a început să fie interpretat ca baza și sensul întregii existențe. Viața umană a ajuns să fie văzută ca piesă de artă, art. Romantismul a fost foarte răspândit în secolul al XIX-lea. Dar nu toți poeții care s-au autointitulat romantici au transmis esența acestei tendințe.
Acum, la sfârșitul secolului al XX-lea, putem deja clasifica romanticii secolului trecut pe această bază în două grupe. Unul și probabil cel mai extins grup este cel care a unit romanticii „formali”. Este greu să-i bănuiești de nesinceritate, dimpotrivă, își transmit foarte exact sentimentele. Printre aceștia se numără Dmitri Venevitinov (1805-1827) și Alexander Polezhaev (1804-1838). Acești poeți au folosit forma romantică, considerând-o cea mai potrivită pentru atingerea scopului lor artistic. Deci, D. Venevitinov scrie:
Simt că arde în mine
Flacără sfântă a inspirației
Dar spiritul se înalță spre scopul întunecat...
Voi găsi o stâncă de încredere,
Unde îmi pot odihni piciorul ferm?
Acesta este un poem romantic tipic. Folosește vocabularul romantic tradițional - acesta este atât „flacăra inspirației”, cât și „spiritul în creștere”. Astfel, poetul își descrie sentimentele. Dar nu mai mult. Poetul este legat de cadrul romantismului, „apariția sa verbală”. Totul este simplificat la niște timbre.
Reprezentanții unui alt grup de romantici din secolul al XIX-lea au fost, desigur, A.S. Pușkin și M. Lermontov. Acești poeți, dimpotrivă, au umplut forma romantică cu propriul lor conținut. Perioada romantică din viața lui A. Pușkin a fost scurtă, așa că are puține lucrări romantice. „Prizonierul Caucazului” (1820-1821) este una dintre cele mai vechi poezii romantice ale lui A.S. Pușkin. În fața noastră este o versiune clasică a unei opere romantice. Autorul nu ne oferă un portret al eroului său, nici măcar nu-i știm numele. Și acest lucru nu este surprinzător - toți eroii romantici sunt similari între ei. Sunt tineri, frumoși... și nefericiți. Intriga operei este, de asemenea, clasic romantic. Prizonieră rusă cu circasienii, o tânără circasiană se îndrăgostește de el și îl ajută să scape. Dar îl iubește fără speranță pe altul... Poezia se termină tragic - femeia circasiană se aruncă în apă și moare, iar rusoaica, eliberată de captivitatea „fizică”, cade într-o altă captivitate, mai dureroasă - captivitatea sufletească. Ce știm despre trecutul eroului?
Un drum lung duce la Rusia...
.....................................
Unde a îmbrățișat suferința cumplită,
Unde viața agitată a ruinat
Speranță, bucurie și dorință.
A venit în stepă în căutarea libertății, a încercat să scape de a lui viata anterioara. Și acum, când fericirea părea atât de aproape, a trebuit din nou să fugă. Dar unde? Înapoi în lumea în care „a îmbrățișat suferința teribilă”.
Renegat al luminii, prieten al naturii,
Și-a părăsit țara natală
Și a zburat către un ținut îndepărtat
Cu o fantomă veselă a libertății.
Dar „fantoma libertății” a rămas doar o fantomă. El va bântui pentru totdeauna pe eroul romantic. O altă poezie romantică este „Țiganii”. În ea, autorul din nou nu oferă cititorului un portret al eroului, îi știm doar numele - Aleko. A venit în tabără să cunoască adevărata plăcere, adevărata libertate. De dragul ei, a abandonat tot ce îl înconjura înainte. Era liber și fericit? S-ar părea că Aleko iubește, dar odată cu acest sentiment îi vin doar nenorocirea și disprețul. Aleko, care tânjea atât de mult după libertate, nu putea recunoaște voința unei alte persoane. În această poezie s-a manifestat o altă trăsătură extrem de caracteristică a viziunii despre lume a eroului romantic - egoismul și incompatibilitatea completă cu lumea exterioară. Aleko nu este pedepsit cu moarte, ci mai rău - prin singurătate și dezbatere. Era singur în lumea din care a fugit, dar în alta, atât de dorită, a rămas din nou singur.
Înainte de a scrie Prizonierul Caucazului, Pușkin a spus odată: „Nu sunt potrivit să fiu erou al unui poem romantic”; totuși, în același timp, în 1820, Pușkin și-a scris poezia „S-a stins lumina zilei...”. În el puteți găsi tot vocabularul inerent romantismului. Acesta este „țărmul îndepărtat” și „oceanul posomorât” și „excitarea și dorul”, care îl chinuie pe autor. Refrenul parcurge poezia:
Unda sub mine, ocean îmbufnat.
Este prezent nu numai în descrierea naturii, ci și în descrierea sentimentelor eroului.
... Dar fosta răni inimii,
Răni adânci ale iubirii, nimic nu s-a vindecat...
Zgomot, zgomot, velă ascultătoare,
Îți faci griji sub mine, ocean posomorât...
Adică natura devine un alt personaj, un alt erou liric al poeziei. Mai târziu, în 1824, Pușkin a scris poezia „Spre mare”. Eroul romantic din ea, ca în „S-a stins lumina zilei...”, a devenit din nou autorul însuși. Aici Pușkin se referă la mare ca la un simbol tradițional al libertății. Marea este un element, ceea ce înseamnă libertate și fericire. Cu toate acestea, Pușkin construiește acest poem în mod neașteptat:
Ai așteptat, ai sunat... Am fost înlănțuit;
Aici sufletul meu a fost sfâșiat:
Fermecat de o pasiune puternică,
am ramas pe coasta...
Putem spune că această poezie completează perioada romantică a vieții lui Pușkin. Este scris de un bărbat care știe că după ce a obținut așa-zisa libertate „fizică”, eroul romantic nu devine fericit.
În păduri, în pustii sunt tăcuți
Mă voi transfera, plin de tine,
Stâncile tale, golfurile tale...
În acest moment, Pușkin ajunge la concluzia că adevărata libertate poate exista doar în interiorul unei persoane și numai ea îl poate face cu adevărat fericit.
Varianta romantismului lui Byron a trăit și a simțit în opera sa prima în cultura rusă Pușkin, apoi Lermontov. Pușkin avea un dar de a acorda atenție oamenilor și, totuși, cea mai romantică dintre poeziile romantice din opera marelui poet și prozator este, fără îndoială, Fântâna lui Bakhchisarai.
Poezia „Fântâna lui Bakhchisaray” continuă doar căutarea lui Pușkin în genul unui poem romantic. Și este cert că moartea marelui scriitor rus a împiedicat acest lucru.
Tema romantică din opera lui Pușkin a primit două opțiuni diferite: există un erou romantic eroic ("captiv", "tâlhar", "fugitiv"), care se distinge printr-o voință puternică, care a trecut printr-un test crud al pasiunilor violente și există un erou suferind în care experiențele emoționale subtile sunt incompatibile cu cruzimea lumii exterioare („exil”, „prizonier”). Începutul pasiv într-un personaj romantic a căpătat acum o formă feminină în Pușkin. Fântâna lui Bakhchisaray dezvoltă tocmai acest aspect al eroului romantic.
În „Prizonierul Caucazului” toată atenția a fost acordată „prizonierului” și foarte puțină „Circasianului”, acum, dimpotrivă - Khan Girey nu este altceva decât o figură nedramatică și, într-adevăr, personajul principal este o femeie, chiar şi doi – Zarema şi Maria. Soluția la dualitatea eroului găsită în poemele anterioare (prin imaginea fraților înlănțuiți) este folosită și de Pușkin aici: începutul pasiv este înfățișat în fața a două personaje - gelosul, îndrăgostit pasional, Zarema și tristul. , și-a pierdut speranța și a iubit-o pe Maria. Ambele sunt două pasiuni conflictuale. natura romantica: dezamăgire, descurajare, deznădejde și în același timp ardoare spirituală, intensitate a sentimentelor; contradicția se rezolvă tragic în poezie - nici moartea Mariei nu i-a adus fericirea Zaremei, întrucât sunt legate prin legături misterioase. Deci, în Frații Robber, moartea unuia dintre frați a umbrit pentru totdeauna viața celuilalt.
Cu toate acestea, B.V. Tomashevsky a remarcat pe bună dreptate, „izolarea lirică a poemului a determinat și o oarecare lipsă de conținut... Victoria morală asupra lui Zarema nu duce la concluzii și reflecții ulterioare... „Prizonierul Caucazului” are o continuare clară în Lucrarea lui Pușkin: atât Aleko, cât și Eugene Onegin permit ... întrebări puse în primul poem sudic. „Fântâna lui Bakhchisarai” nu are o astfel de continuare...”
Pușkin a căutat și a identificat cel mai vulnerabil punct din poziția romantică a unei persoane: vrea totul numai pentru el.
Poezia lui Lermontov „Mtsyri” nu reflectă pe deplin caracteristici romantism.
Această poezie are două erou romantic, prin urmare, dacă acesta este un poem romantic, atunci este foarte ciudat: în primul rând, al doilea erou este transmis de autor prin epigraf; în al doilea rând, autorul nu se conectează cu Mtsyri, eroul rezolvă problema voinței de sine în felul său, iar Lermontov de-a lungul poemului se gândește doar la rezolvarea acestei probleme. Nu-și judecă eroul, dar nici nu-l justifică, ci ia o anumită poziție - înțelegere. Se dovedește că romantismul în cultura rusă se transformă în reflecție. Se dovedește romanticism în termeni de realism.
Se poate spune că Pușkin și Lermontov nu au reușit să devină romantici (deși Lermontov a reușit odată să respecte legile romantice - în drama „Masquerade”). Prin experimentele lor, poeții au arătat că în Anglia poziția unui individualist poate fi fructuoasă, dar nu și în Rusia. Deși Pușkin și Lermontov nu au reușit să devină romantici, ei au deschis calea dezvoltării realismului. În 1825, a fost publicată prima lucrare realistă: „Boris Godunov”, apoi „Fiica căpitanului”, „Eugene Onegin”, „Un erou al timpului nostru” și multe altele.
b) Pictura
În artele vizuale, romantismul s-a manifestat cel mai clar în pictură și grafică, mai puțin expresiv în sculptură și arhitectură. Reprezentanți de seamă romantismul în artele vizuale au fost pictori romantici ruși. În pânzele lor au exprimat spiritul iubirii de libertate, acțiune activă, apelat cu pasiune și temperament la manifestarea umanismului. Pânzele de zi cu zi ale pictorilor ruși se disting prin relevanță și psihologism, expresie fără precedent. Peisajele spiritualizate, melancolice sunt din nou aceeași încercare a romanticilor de a pătrunde în lumea umană, de a arăta cum o persoană trăiește și visează în lumea sublunară. Pictura romantică rusă era diferită de cea străină. Acest lucru a fost determinat de situația istorică și tradiție.
Caracteristicile picturii romantice rusești:
Ideologia iluminismului s-a slăbit, dar nu s-a prăbușit, ca în Europa. Prin urmare, romantismul nu a fost pronunțat.
Romantismul s-a dezvoltat în paralel cu clasicismul, împletindu-se adesea cu acesta.
Pictura academică din Rusia nu sa epuizat încă.
Romantismul în Rusia nu a fost un fenomen stabil, romanticii au fost atrași de academicism. Pe la mijlocul secolului al XIX-lea. tradiția romantică aproape s-a stins.
Lucrări legate de romantism au început să apară în Rusia deja în anii 1790 (lucrările lui Feodosy Yanenko „Călătorii prinși într-o furtună” (1796), „Autoportret într-o cască” (1792). Prototipul este evident în ele - Salvator Rosa, foarte populară la sfârșitul secolelor 18 și 19. Mai târziu, influența acestui artist proto-romantic va fi remarcată în opera lui Alexander Orlovsky. Tâlhari, scene din jurul focului, bătălii i-au însoțit întregul său mod creativ. Ca și în alte țări, artiștii aparținând romantismului rus au introdus o dispoziție emoțională complet nouă în genurile clasice de portret, peisaj și scene de gen.
În Rusia, romantismul a început să se manifeste mai întâi în pictură portret . În prima treime a secolului al XIX-lea, în cea mai mare parte, ea a pierdut contactul cu aristocrația de rang înalt. Un loc semnificativ a început să fie ocupat de portretele poeților, artiștilor, patronilor artei, imaginea țăranilor obișnuiți. Această tendință a fost mai ales pronunțată în lucrarea lui O.A. Kiprensky (1782 - 1836) și V.A. Tropinin (1776 - 1857).
Vasily Andreevich Tropinin s-a străduit pentru o caracterizare plină de viață și relaxată a unei persoane, exprimată prin portretul său. Portretul unui fiu (1818), „Portretul lui A.S. Pușkin” (1827), „Autoportret” (1846) uimesc nu printr-o asemănare portret cu originalele, ci printr-o pătrundere neobișnuit de subtilă în lumea interioară a unei persoane.
Portretul unui fiu- Arsenia Tropinina este una dintre cele mai bune din opera maestrului. Culori aurii rafinate, moi, care amintesc de pictura valerie din secolul al XVIII-lea. Cu toate acestea, în comparație cu un portret tipic pentru copii în romantismul secolului al XVIII-lea. aici designul imparțial este izbitor - acest copil pozează într-o măsură foarte mică. Privirea lui Arsenie alunecă pe lângă privitor, este îmbrăcat lejer, poarta este parcă deschisă accidental. Lipsa de reprezentativitate se află în fragmentarea extraordinară a compoziției: capul umple aproape toată suprafața pânzei, imaginea este tăiată până la clavicule și astfel fața băiatului este mutată automat către privitor.
Istoria creației extraordinar de interesantă „Portretul lui Pușkin”. Ca de obicei, pentru prima cunoștință cu Pușkin, Tropinin a venit la casa lui Sobolevsky pe locul de joacă pentru câini, unde a locuit atunci poetul. Artistul l-a găsit în biroul lui jucându-se cu căței. În același timp, se pare, a fost scris după prima impresie, pe care Tropinin a apreciat-o atât de mult, un mic studiu. Multă vreme a rămas ferit de urmăritorii săi. Abia aproape o sută de ani mai târziu, până în 1914, a fost publicat de P.M. Șcekotov, care a scris că dintre toate portretele lui Alexandru Sergheevici, „cele mai multe își transmite trăsăturile ... ochii albaștri ai poetului sunt plini de o strălucire deosebită aici, întoarcerea capului este rapidă, iar trăsăturile feței sunt expresive și mobile. . Fără îndoială, aici sunt surprinse adevăratele trăsături ale chipului lui Pușkin, pe care le întâlnim individual într-unul sau altul dintre portretele care au ajuns până la noi. Rămâne de nedumerit”, adaugă Șcekotov, „de ce această schiță fermecătoare nu a primit atenția cuvenită din partea editorilor și cunoscătorilor poetului”. Acest lucru se explică prin însăși calitățile micii schițe: nu exista nici strălucirea culorilor, nici frumusețea pensulei, nici „sensuri giratorii” scrise cu măiestrie în ea. Iar Pușkin aici nu este o „vitia” populară, nu un „geniu”, ci, mai presus de toate, un bărbat. Și nu se poate analiza cu greu de ce un conținut uman atât de mare este conținut în scara monocromatică de măsline, cenușiu-verde, în loviturile grăbite, parcă aleatorii, ale pensulei unui studiu cu aspect aproape nedescriptiv. Trecând în memorie toată viața și portretele ulterioare ale lui Pușkin, acest studiu, în ceea ce privește forța umanității, nu poate fi plasat decât lângă figura lui Pușkin, sculptată de sculptorul sovietic A. Matveev. Dar nu aceasta a fost sarcina pe care și-a propus-o Tropinin, nu acesta era genul de Pușkin pe care prietenul său dorea să-l vadă, deși a ordonat să-l înfățișeze pe poet într-o formă simplă, familiară.
În aprecierea artistului, Pușkin a fost „țarul-poetul”. Dar a fost și un poet popular, era al lui și apropiat tuturor. „Asemănarea portretului cu originalul este izbitoare”, a scris Polevoy la sfârșitul acestuia, deși a remarcat lipsa „rapidității vederii” și a „expresiei pline de viață a feței”, care îl schimbă și revigorează pe Pușkin cu fiecare nouă impresie. .
În portret, totul este gândit și verificat până la cel mai mic detaliu și, în același timp, nu există nimic deliberat, nimic introdus de artist. Chiar și inelele care împodobesc degetele poetului sunt evidențiate în măsura în care Pușkin însuși le-a acordat importanță în viață. Printre dezvăluirile pitorești ale lui Tropinin, portretul lui Pușkin lovește prin sonoritatea gamei sale.
Romantismul lui Tropinin a exprimat distinct origini sentimentale. Tropinin a fost cel care a fost fondatorul genului, portretul oarecum idealizat al unui om din popor (“The Lacemaker” (1823)). „Atât cunoscători, cât și nu cunoscători”, scrie Svinin despre „Dantelărie” -- veniți la admirație atunci când priviți această poză, care leagă cu adevărat toate frumusețile artei picturale: plăcerea pensulei, iluminarea corectă, fericită, culoarea este clară, naturală, în plus, acest portret dezvăluie sufletul unei frumuseți și că privire vicleană de curiozitate pe care o aruncă cuiva care a intrat în acel moment. Brațele ei, descoperite la cot, s-au oprit cu privirea, lucrarea s-a oprit, un oftat a zburat din sânul fecioarei, acoperit cu o eșarfă de muselină - și toate acestea sunt descrise cu atâta adevăr și simplitate încât această imagine poate fi greșită foarte ușor. pentru cea mai reușită lucrare a gloriosului Vis. Elementele secundare, cum ar fi o pernă de dantelă și un prosop, sunt aranjate cu mare artă și lucrate cu finalitate...”
La începutul secolului al XIX-lea, Tver era un important centru cultural al Rusiei. Toți oamenii de seamă ai Moscovei au fost aici pentru seri literare. Aici, tânărul Orest Kiprensky l-a cunoscut pe A.S. Pușkin, al cărui portret, pictat mai târziu, a devenit perla artei portretului mondial, iar A.S. Pușkin îi va dedica poezii, unde îl va numi „favoritul modei cu aripi ușoare”. Portretul lui Pușkin pensulele lui O. Kiprensky sunt o personificare vie a unui geniu poetic. În întoarcerea hotărâtă a capului, în brațele încrucișate viguros pe piept, întreaga înfățișare a poetului dezvăluie un sentiment de independență și libertate. Despre el a spus Pușkin: „Mă văd ca într-o oglindă, dar această oglindă mă măgulește”. În lucrarea despre portretul lui Pușkin, Tropinin și Kiprensky se întâlnesc pentru ultima oară, deși această întâlnire nu are loc personal, ci mulți ani mai târziu în istoria artei, unde, de regulă, două portrete ale celui mai mare poet rus sunt comparate, create simultan, dar în locuri diferite - unul la Moscova. Altul la Sankt Petersburg. Acum, aceasta este o întâlnire de maeștri la fel de mare în semnificația lor pentru arta rusă. Deși admiratorii lui Kiprensky susțin că avantajele artistice sunt de partea portretului său romantic, unde poetul este prezentat cufundat în propriile gânduri, singur cu muza, naționalitatea și democrația imaginii sunt cu siguranță de partea lui Pușkin al lui Tropininsky.
Astfel, cele două portrete reflectau două domenii ale artei rusești, concentrate în două capitale. Și mai târziu, criticii vor scrie că Tropinin a fost pentru Moscova ceea ce a fost Kiprensky pentru Sankt Petersburg.
O trăsătură distinctivă a portretelor lui Kiprensky este că ele arată farmecul spiritual și noblețea interioară a unei persoane. Portretul unui erou, curajos și puternic, trebuia să întruchipeze patosul stărilor de spirit patriotice și iubitoare de libertate ale unei persoane ruse avansate.
în față „Portretul lui E.V. Davydov”(1809) prezintă figura unui ofițer, care manifesta direct expresia acelui cult al unei personalități puternice și curajoase, atât de tipic pentru romantismul acelor ani. Peisajul arătat fragmentar, în care o rază de lumină se luptă cu întunericul, sugerează anxietățile spirituale ale eroului, dar pe chipul lui există o reflectare a sensibilității visătoare. Kiprensky a căutat „omul” într-o persoană, iar idealul nu i-a ascuns trăsăturile personale ale caracterului modelului.
Portretele lui Kiprensky, dacă le priviți cu ochii minții, arată bogăția spirituală și naturală a unei persoane, puterea sa intelectuală. Da, avea un ideal de personalitate armonioasă, despre cum au vorbit contemporanii săi, dar Kiprensky nu a căutat să proiecteze literalmente acest ideal pe o imagine artistică. In cladire imagine artistică a mers din natură, de parcă ar măsura cât de departe sau aproape este ea de un asemenea ideal. De fapt, mulți dintre cei înfățișați de el sunt în ajunul idealului, îndreptați către acesta, în timp ce idealul însuși, conform ideilor esteticii romantice, este greu realizabil, iar toată arta romantică este doar o cale către el.
Constatând contradicțiile din sufletul eroilor săi, arătându-le în momentele anxioase ale vieții, când soarta se schimbă, ideile vechi se strică, tinerețea pleacă etc., Kiprensky pare să le experimenteze împreună cu modelele sale. De aici și implicarea deosebită a portretistului în interpretarea imaginilor artistice, care conferă portretului o notă intimă.
În perioada timpurie a creativității în Kiprensky nu veți vedea fețe infectate de scepticism, analiză care corodează sufletul. Aceasta va veni mai târziu, când timpul romantic va supraviețui toamnei sale, lăsând loc altor stări și sentimente, când speranța de triumf al idealului unei personalități armonioase se prăbușește. În toate portretele anilor 1800 și în portretele executate la Tver, Kiprensky arată o pensulă îndrăzneață, construind ușor și liber o formă. Complexitatea tehnicilor, natura figurii s-a schimbat de la muncă la muncă.
Este de remarcat faptul că nu veți vedea bucurie eroică pe chipurile eroilor săi, dimpotrivă, majoritatea fețelor sunt destul de triste, se complau cu reflecții. Se pare că acești oameni sunt preocupați de soarta Rusiei, se gândesc la viitor mai mult decât la prezent. În imaginile feminine reprezentând soții, surorile participanților la evenimente semnificative, Kiprensky nu s-a străduit, de asemenea, pentru o exaltare eroică deliberată. Sentimentul de ușurință, naturalețea predomină. În același timp, în toate portretele există atâta noblețe sufletească adevărată. Imaginile femeilor atrag cu demnitatea lor modestă, integritatea naturii; în chipurile oamenilor se poate ghici un gând iscoditor, o pregătire pentru asceză. Aceste imagini au coincis cu maturizarea ideilor etice și estetice ale decembriștilor. Gândurile și aspirațiile lor au fost apoi împărtășite de mulți (crearea unor societăți secrete cu anumite programe sociale și politice cade în perioada 1816-1821), artistul știa despre ele și, prin urmare, putem spune că portretele sale ale participanților la evenimentele din 1812-1814, imagini cu țărani, create în aceiași ani - un fel de paralelă artistică cu conceptele emergente ale decembrismului.
Sigiliul strălucitor al idealului romantic este marcat „Portretul lui V.A. Jukovski”(1816). Artistul, realizând un portret comandat de S.S. Uvarov, a decis să arate contemporanilor săi nu doar imaginea poetului, care era binecunoscut în cercurile literare, ci și să demonstreze o anumită înțelegere a personalității poetului romantic. În fața noastră este un tip de poet care a exprimat tendința filozofică și visătoare a romantismului rus. Kiprensky l-a prezentat pe Jukovsky într-un moment de inspirație creativă. Vântul i-a ciufulit părul poetului, copacii își stropesc tulburător ramurile în noapte, ruinele clădirilor străvechi abia se văd. Așa ar trebui să arate creatorul de balade romantice. Culorile închise exacerba atmosfera misteriosului. La sfatul lui Uvarov, Kiprensky nu termină de pictat fragmente individuale ale portretului, astfel încât „completitudinea excesivă” să nu stingă spiritul, temperamentul și emoționalitatea.
Multe portrete au fost pictate de Kiprensky la Tver. Mai mult, când l-a pictat pe Ivan Petrovici Vulf, un moșier din Tver, a privit cu emoție fata care stătea în fața lui, nepoata sa, viitoarea Anna Petrovna Kern, căreia i-a fost dedicată una dintre cele mai captivante lucrări lirice - A.S. Pușkin. poezia „Îmi amintesc un moment minunat... Astfel de asociații de poeți, artiști, muzicieni au devenit o manifestare a unei noi tendințe în artă - romantismul.
„Tânărul grădinar” (1817) de Kiprensky, „Italian Noon” (1827) de Bryullov, „Reapers” sau „Reaper” (1820) de Venetsianov sunt lucrări din aceeași serie tipologică. Sunt concentrate pe natură și au fost scrise în mod clar folosind ea.Totuși, sarcina fiecăruia dintre artiști - de a întruchipa perfecțiunea estetică a naturii simple - a condus la o anumită idealizare a aparențelor, hainelor, situațiilor de dragul creării unei imagini-metafore.Observând viața, natura, artistul a regândit-o. , poetizând vizibilul.În această îmbinare calitativ nouă a naturii și imaginației cu experiența maeștrilor antici și renascentistes, dând naștere unor imagini necunoscute artei înainte, și este una dintre trăsăturile romantismului din prima jumătate a secolului al XIX-lea. Natura metaforică, caracteristică în general acestor lucrări ale lui Venetsianov și Bryullov, a fost una dintre cele mai importante trăsături ale romanticului atunci când artiștii ruși erau încă puțin familiarizați cu portretul romantic vest-european. „Portretul unui tată (A. K. Schwalbe)”(1804) a fost scris de Orest Kiprensky despre artă și în special genul portretului.
Cele mai semnificative realizări ale romantismului rus sunt lucrările din genul portretului. Cele mai strălucitoare și mai bune exemple de romantism sunt din perioada timpurie. Cu mult înainte de călătoria sa în Italia, în 1816, Kiprensky, pregătit în interior pentru o încarnare romantică, a văzut cu alți ochi picturile vechilor maeștri. Culorile închise, figurile evidențiate de lumină, culorile arzătoare, dramaturgia intensă au avut un impact puternic asupra lui. „Portretul unui tată” este, fără îndoială, creat sub impresia lui Rembrandt. Dar artistul rus a luat de la marele olandez doar tehnici exterioare. „Portretul unui tată” este o lucrare absolut independentă, având propria sa energie internă și putere de exprimare artistică. O trăsătură distinctivă a portretelor de peisaj este vivacitatea performanței lor. Aici nu există pitoresc – transferul instantaneu a ceea ce a văzut pe hârtie creează o prospețime unică a expresiei grafice. Prin urmare, oamenii înfățișați în desene ni se par apropiați și de înțeles.
Străinii l-au numit pe Kiprensky rusul Van Dyck, portretele sale sunt în multe muzee din întreaga lume. Succesorul lucrării lui Levitsky și Borovikovsky, predecesorul lui L. Ivanov și K. Bryullov, Kiprensky, cu opera sa, a dat școlii de artă ruse faimă europeană. În cuvintele lui Alexander Ivanov, „el a fost primul care a adus numele rus în Europa...”.
Interesul crescut pentru personalitatea unei persoane, caracteristic romantismului, a predeterminat înflorirea genului portretului în prima jumătate a secolului al XIX-lea, unde autoportretul a devenit trăsătura dominantă. De regulă, crearea unui autoportret nu a fost un episod întâmplător. Artiștii s-au scris și au desenat în mod repetat, iar aceste lucrări au devenit un fel de jurnal reflectând diverse stări sufletești și etape ale vieții și, în același timp, au fost un manifest adresat contemporanilor. auto portret nu a fost un gen personalizat, artistul a scris pentru el însuși și aici, ca niciodată, a devenit liber în exprimare. În secolul al XVIII-lea, artiștii ruși pictau rareori imagini originale, doar romantismul, cu cultul său al individului, excepționalul, a contribuit la ascensiunea acestui gen. Varietatea tipurilor de autoportret reflectă percepția artiștilor despre ei înșiși ca o personalitate bogată și cu mai multe fațete. Fie apar în rolul obișnuit și firesc al creatorului („Autoportret într-o beretă de catifea” de A. G. Varnek, anii 1810), apoi se cufundă în trecut, ca și cum ar încerca singuri („Autoportret într-o cască). și armură” de F. I. Yanenko , 1792), sau, cel mai adesea, apare fără nici un atribut profesional, afirmând semnificația și valoarea de sine a fiecărei persoane, eliberată și deschisă lumii, căutând și grăbindu-se, ca, de exemplu, F. A. Bruni și O. A. Orlovsky în autoportrete din anii 1810. Pregătirea pentru dialog și deschiderea, caracteristice soluției figurative a lucrărilor anilor 1810-1820, sunt înlocuite treptat de oboseală și dezamăgire, cufundare, retragere în sine („Autoportret” de M. I. Terebenev). Această tendință s-a reflectat în dezvoltarea genului portret în ansamblu.
Au apărut autoportrete ale lui Kiprensky, ceea ce merită remarcat, în momentele critice ale vieții, au mărturisit creșterea sau scăderea forței mentale. Prin arta sa, artistul s-a privit pe sine. Cu toate acestea, nu a folosit, ca majoritatea pictorilor, o oglindă; s-a pictat mai ales după ideea lui, a vrut să-și exprime spiritul, dar nu înfățișarea.
„Autoportret cu perii în spatele urechii” construit pe un refuz, și unul clar demonstrativ, în glorificarea exterioară a imaginii, normativitatea clasică și construcția ideală a acesteia. Trasaturile fetei sunt conturate aproximativ, in general. Lumina laterală cade pe față, evidențiind doar trăsăturile laterale. Asupra figurii artistului cad reflexe separate de lumină, stinsă pe o draperie abia vizibilă, reprezentând fundalul portretului. Totul aici este subordonat expresiei vieții, sentimentelor, stărilor de spirit. Aceasta este o privire asupra artei romantice prin arta autoportretului. Implicarea artistului în secretele creativității se exprimă în misteriosul „sfumato” romantic al secolului al XIX-lea. Se creează un ton verzui deosebit atmosfera deosebita lumea artistică, în centrul căruia se află însuși artistul.
Aproape simultan cu acest autoportret, și scris „Autoportret într-un batic roz”, unde este întruchipată o altă imagine. Fără o indicație directă a profesiei de pictor. Se recreează imaginea unui tânăr, simțindu-se în largul său, natural, liber. Suprafața picturală a pânzei este fin construită. Pensula artistului aplică cu încredere vopsea. Lăsând lovituri mari și mici. Colorarea este superb dezvoltată, culorile nu sunt strălucitoare, se combină armonios între ele, iluminarea este calmă: lumina se revarsă blând pe chipul tânărului, conturându-i trăsăturile, fără expresii și deformări inutile.
Un alt pictor remarcabil a fost Venetsianov. În 1811, a primit titlul de academician de la Academie, numit pentru „Autoportret” și „Portretul lui K.I. Golovachevsky cu trei elevi ai Academiei de Arte”. Acestea sunt lucrări extraordinare.
Venetsianov s-a declarat o adevărată măiestrie în "Auto portret" 1811. A fost scris altfel decât s-au pictat alți artiști la acea vreme - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek și chiar iobagul V. Tropinin. Era obișnuit ca toți să se imagineze într-un halou romantic, autoportretele lor erau un fel de confruntare poetică în raport cu mediul. Exclusivitatea naturii artistice s-a manifestat în ipostaza, gesturi, în extraordinaritatea costumului special conceput. În „Autoportret” de Venetsianov, cercetătorii notează, în primul rând, expresia strictă și intensă a unei persoane ocupate... Eficiența corectă, care diferă de acea ostentativă „neglijență artistică”, care este indicată de halate sau cochet. pălării mutate ale altor artiști. Venitsianov se privește sobru. Arta pentru el nu este un impuls inspirat, ci mai presus de toate o chestiune care necesită concentrare și atenție. De dimensiuni mici, aproape monocrom prin colorarea sa de tonuri masline, scris extrem de precis, este simplu si complex in acelasi timp. Neatrăgând cu partea exterioară a tabloului, se oprește cu privirea. Bordurile ideal subțiri ale cadrului subțiri de aur al ochelarilor nu ascund, ci mai degrabă subliniază claritatea acută a ochilor, nu atât de concentrați pe natură (artista s-a înfățișat cu o paletă și o pensulă în mâini), ci în profunzimea propriilor gânduri. O frunte mare, lată, partea dreaptă a feței, iluminată de lumină directă, și o cămașă albă-față formează un triunghi ușor, atrăgând în primul rând privirea privitorului, care în clipa următoare, urmând mișcarea dreptului. mâna ținând o perie subțire, alunecă în jos spre paletă. Șuvițe ondulate de păr, rame strălucitoare, o cravată slăbită rotundă la guler, o linie moale a umărului și, în final, un semicerc larg al paletei formează un sistem în mișcare de linii netede, curgătoare, în interiorul căruia se află trei puncte principale. : strălucirea minusculă a pupilelor și capătul ascuțit al cămășii, aproape închizându-se cu paletă și pensulă. Un astfel de calcul aproape matematic în construcția compoziției portretului conferă imaginii un calm interior parțial și dă motive să presupunem că autorul are o minte analitică, predispusă la gândirea științifică. În „Autoportret” nu există nicio urmă de vreun romantism, care era atunci atât de frecvent în reprezentarea artiștilor înșiși. Acesta este un autoportret al unui artist-cercetător, al unui artist-gânditor și al unui muncitor din greu.
Alta munca - portretul lui Golovachevsky- conceput ca un fel alcătuirea parcelei: generația mai veche de maeștri ai Academiei în persoana bătrânului inspector dă instrucțiuni talentelor în creștere: pictorul (cu un dosar de desene. Arhitectul și sculptorul. Dar Venetsianov nu a lăsat nici măcar o umbră de orice artificialitate sau didacticism în această imagine: bunul bătrân Golovachevsky interpretează prietenos unele lecturi adolescenților în pagina de carte.Sinceritatea expresiei își găsește sprijin în structura pitorească a imaginii: tonurile sale colorate subtil, subtil și frumos armonizate creează impresia de pace și seriozitate.Chipurile sunt frumos pictate, pline de semnificație interioară.Portretul a fost una dintre cele mai înalte realizări ale portretului rusesc.
Și în opera lui Orlovsky din anii 1800, apar lucrări de portret, mai ales sub formă de desene. Până în 1809, o foaie de portret atât de bogată emoțional ca "Auto portret". Executat cu o lovitură liberă suculentă de sangvin și cărbune (cu evidențiere cu cretă), „Autoportret” al lui Orlovsky atrage prin integritatea sa artistică, caracterizarea imaginii și arta performanței. În același timp, permite discernerea unor aspecte deosebite ale artei lui Orlovsky. „Autoportret” Orlovsky, desigur, nu își propune să reproducă cu exactitate aspectul tipic al artistului acelor ani. În fața noastră - în multe privințe deliberat. Aspectul exagerat al unui „artist”, opunându-și propriul „eu” realității înconjurătoare, nu este preocupat de „decența” aspectului său: pieptene și perie nu i-au atins părul luxuriant, pe umărul său este marginea o haină de ploaie în carouri chiar deasupra unui tricou de acasă cu guler deschis. O întoarcere bruscă a capului cu o privire „sumbră” de sub sprâncenele deplasate, o tăietură apropiată a portretului, în care este înfățișată fața a închide, contraste de lumină - toate acestea vizează obținerea efectului principal de opunere a persoanei înfățișate față de mediul înconjurător (și astfel față de privitor).
Patosul afirmării individualității - una dintre cele mai progresiste trăsături din arta acelui timp - formează principalul ton ideologic și emoțional al portretului, dar apare într-un aspect deosebit care nu se găsește aproape niciodată în arta rusă din acea perioadă. Afirmarea personalității trece nu atât prin dezvăluirea bogăției lumii sale interioare, cât printr-un mod mai extern de respingere a tot ceea ce este în jurul ei. Imaginea în același timp, desigur, pare epuizată, limitată.
Asemenea soluții sunt greu de găsit în arta portretului rusesc din acea vreme, unde deja la mijlocul secolului al XVIII-lea motivele civice și umaniste sunau puternic și personalitatea persoanei nu a rupt niciodată legăturile puternice cu mediul. Visând la o ordine socială mai bună, democratică, cei mai buni oameni ai Rusiei din acea epocă nu au fost în niciun caz desprinși de realitate, au respins în mod conștient cultul individualist al „libertății personale” care a înflorit pe pământul Europei de Vest, slăbit de revoluția burgheză. . Acest lucru s-a manifestat în mod clar ca o reflectare a factorilor reali în arta portretului rusesc. Nu trebuie decât să compari „Autoportretul” lui Orlovski cu simultan "Auto portret" Kiprensky (de exemplu, 1809), astfel încât diferența internă serioasă dintre cei doi portretiști atrage imediat atenția.
De asemenea, Kiprensky „eroiizează” personalitatea unei persoane, dar el arată adevăratele sale valori interioare. În fața artistului, privitorul distinge trăsăturile unei minți puternice, caracter, puritate morală.
Întreaga apariție a lui Kiprensky este acoperită de noblețe și umanitate uimitoare. El este capabil să distingă între „bine” și „rău” în lumea înconjurătoare și, respingându-l pe cel de-al doilea, îl iubește și îl aprecia pe primul, iubește și apreciază oamenii cu gânduri similare. În același timp, avem în fața noastră, fără îndoială, o individualitate puternică, mândru de conștiința valorii calităților sale personale. Exact același concept al imaginii portret stă la baza binecunoscutului portret eroic al lui D. Davydov de către Kiprensky.
Orlovsky, în comparație cu Kiprensky, precum și cu alți portretiști ruși din acea vreme, mai limitat, mai direct și rezolvă în exterior imaginea " personalitate puternica”, concentrându-se în mod clar pe arta Franței burgheze. Când te uiți la „Autoportret”-ul său, în minte îi vin în minte portretele lui A. Gro, Gericault. Profilul lui Orlovsky „Autoportret” din 1810, cu cultul său al „forței interioare” individualiste, este deja lipsit de forma ascuțită de „schiță” a „Autoportretului” din 1809 sau „Portretul lui Duport”.În cel din urmă, Orlovsky, la fel ca în Autoportret, folosește o poziție spectaculoasă, „eroică”, cu o mișcare ascuțită, aproape încrucișată a capului și umerilor. El subliniază structura neregulată a feței lui Duport, părul dezordonat, cu scopul de a crea o imagine portret care să fie autosuficientă prin caracterul său unic, aleatoriu.
„Peisajul ar trebui să fie un portret”, a scris K. N. Batyushkov. Majoritatea artiștilor care s-au orientat către gen au aderat la acest cadru în munca lor. peisaj. Printre excepțiile evidente, gravitând spre peisajul fantastic, s-au numărat A. O. Orlovsky („Vedere la mare”, 1809); A. G. Varnek („Vedere în împrejurimile Romei”, 1809); P. V. Basin („Cerul la apus de soare la periferia Romei”, „Peisaj de seară”, ambele - anii 1820). Creând tipuri specifice, ei au păstrat instantaneitatea senzației, bogăția emoțională, realizând un sunet monumental cu tehnici compoziționale.
Tânărul Orlrovsky a văzut în natură doar forțe titane, nesupuse voinței omului, capabile să provoace o catastrofă, un dezastru. Lupta unui bărbat cu un element de mare furioasă este una dintre temele preferate ale artistului perioadei sale romantice „răzvrătite”. A devenit conținutul desenelor, acuarelelor și picturilor sale în ulei din 1809-1810. scena tragică este prezentată în imagine "Naufragiu"(1809(?)). În întunericul total care a căzut la pământ, printre valurile furioase, pescarii înecați se cațără freneți pe stâncile de coastă pe care s-a prăbușit corabia lor. Susținută în tonuri de roșu severe, culoarea sporește senzația de anxietate. Îngrozitoare sunt raidurile valurilor puternice, care prefigurează o furtună, iar într-o altă imagine - "Pe malul marii"(1809). De asemenea, joacă un rol emoțional uriaș pe cerul furtunos, care ocupă cea mai mare parte a compoziției. Deși Orlovsky nu a stăpânit arta perspectivei aeriene, tranzițiile treptate ale planurilor sunt rezolvate aici mai armonios și mai blând. Culoarea a devenit mai deschisă. Joacă frumos pe un fundal maro-roșcat, petele roșii ale hainelor pescarilor. Element de mare nelinistit si nelinistit in acuarela "Barcă cu pânze"(c.1812). Și chiar și atunci când vântul nu scutură vela și nu ondula suprafața apei, ca în acuarelă „Peisaj marin cu nave”(c. 1810), privitorul nu părăsește premoniția că o furtună va urma calmului.
Cu toată dramatismul și emoția sentimentelor, peisajele marine ale lui Orlovsky nu sunt atât rodul observațiilor sale asupra fenomenelor atmosferice, cât rezultatul unei imită directe a clasicilor artei. În special, J. Vernet.
Peisajele lui S. F. Shchedrin aveau un alt caracter. Ele sunt pline de armonia coexistenței omului și naturii („Terasa pe malul mării. Cappuccini lângă Sorrento”, 1827). Numeroase priveliști ale Napoli și împrejurimile periei sale s-au bucurat de un succes și popularitate extraordinare.
Crearea unei imagini romantice a Sankt Petersburgului în pictura rusă este asociată cu opera lui M. N. Vorobyov. Pe pânzele sale, orașul apărea învăluit în cețurile misterioase din Sankt Petersburg, o ceață moale de nopți albe și o atmosferă saturată de umiditatea mării, unde contururile clădirilor sunt șterse, iar lumina lunii completează sacramentul. Același început liric distinge priveliștile împrejurimilor Sankt Petersburg interpretate de el („Apus de soare la periferia Sankt-Petersburgului”, 1832). Dar capitala nordică a fost văzută și de artiști într-un stil diferit, dramatic, ca o arenă pentru ciocnirea și lupta elementelor naturale (V. E. Raev, Columna Alexandru în timpul unei furtuni, 1834).
Picturile strălucitoare ale lui I. K. Aivazovsky au întruchipat în mod viu idealurile romantice ale intoxicării cu lupta și puterea forțelor naturale, rezistența spiritului uman și capacitatea de a lupta până la capăt. Cu toate acestea, un loc mare în moștenirea maestrului este ocupat de peisajele marine nocturne dedicate unor locuri specifice în care furtuna lasă loc magiei nopții, un timp care, după părerile romanticilor, este plin de o viață interioară misterioasă, și unde căutarea picturală a artistului este îndreptată spre extragerea unor efecte luminoase extraordinare ( „Vedere a Odessei într-o noapte cu lună”, „Vedere a Constantinopolului în lumina lunii”, ambele – 1846).
Tema elementelor naturale și a unui om luat prin surprindere, o temă preferată a artei romantice, a fost interpretată diferit de artiștii anilor 1800-1850. Lucrările s-au bazat pe evenimente reale, dar sensul imaginilor nu este în repovestirea lor obiectivă. Un exemplu tipic este pictura lui Pyotr Basin „Cutremur în Rocca di Papa lângă Roma”(1830). Este dedicat nu atât descrierii unui eveniment specific, cât descrierii fricii și ororii unei persoane care se confruntă cu o manifestare a elementelor.
Luminatele picturii ruse din această epocă au fost K.P.Bryullov (1799-1852) și A.A. Ivanov (1806 - 1858). pictor și desenator rus K.P. Bryullov, pe când era încă student al Academiei de Arte, a stăpânit abilitatile incomparabile de a desen. Opera lui Bryullov este de obicei împărțită în înainte de „Ultima zi a Pompeii” și după. Ce a fost creat înainte de....?!
„Dimineața italiană” (1823), „Ermilia cu păstorii” (1824) după poezia lui Torquatto Tasso „Eliberarea Ierusalimului”, „Amiaza italiană” („Femeia italiană culegând struguri”, 1827), „Călăsătoarea” ( 1830), „Bat-Șeba” (1832) - toate aceste picturi sunt impregnate de o bucurie de viață strălucitoare, nedisimulata. Astfel de lucrări erau în ton cu poeziile epicureene timpurii ale lui Pușkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. Vechea manieră, bazată pe imitarea marilor maeștri, nu l-a mulțumit pe Bryullov, iar el a scris „Dimineața italiană”, „Amiaza italiană”, „Batșeba” în aer liber.
În timp ce lucra la portret, Bryullov a pictat doar capul din viață. Orice altceva i-a fost adesea dictat de imaginația lui. Fructul unei astfel de improvizații creative libere este "Călăreț". Principalul lucru din portret este contrastul unui animal încălzit, zburător, cu nări umflate și ochi strălucitori și o călăreță grațioasă care reține calm energia frenetică a unui cal (îmblânzirea animalelor este o temă preferată a sculptorilor clasici, Bryullov a rezolvat-o în pictură) .
ÎN "Batseba" artistul folosește povestea biblică ca pretext pentru a arăta un corp gol în aer liber și pentru a transmite jocul de lumină și reflexe pe pielea deschisă. În „Batșeba” a creat imaginea unei tinere femei, plină de bucurie și fericire. Corpul gol strălucește și strălucește înconjurat de verdeață măsline, haine de cireș, un rezervor transparent. Formele elastice moi ale corpului sunt combinate frumos cu țesătura de albire și culoarea ciocolată a femeii arabe care servește Batseba. Liniile curgătoare ale corpurilor, iazul și țesăturile conferă compoziției imaginii un ritm neted.
Pictura a devenit un cuvânt nou în pictură „Ultima zi a Pompeii”(1827-1833). Ea a făcut numele artistului nemuritor și foarte faimos în timpul vieții sale.
Se pare că parcela sa a fost aleasă sub influența fratelui său Alexandru, care a studiat intens ruinele pompeiene. Dar motivele scrierii imaginii sunt mai profunde. Gogol a observat acest lucru, iar Herzen a spus direct că în Ultima zi a Pompeii și-au găsit locul, poate, o reflectare inconștientă a gândurilor și sentimentelor artistului, provocate de înfrângerea revoltei decembriste din Rusia. Nu fără motiv, printre victimele elementelor furioase din Pompeii pe moarte, Bryullov și-a plasat autoportretul și a oferit trăsăturile cunoștințelor sale rusești altor personaje din imagine.
Un rol a jucat și anturajul italian al lui Bryullov, care ar putea să-i vorbească despre furtunile revoluționare care au trecut prin țara Italiei în anii precedenți, despre trista soartă a carbonarilor în anii de reacție.
Tabloul grandios al morții Pompeii este impregnat de spiritul istoricismului, arată schimbarea unei epoci istorice la alta, suprimarea păgânismului antic și apariția unei noi credințe creștine.
Artistul percepe în mod dramatic mersul istoriei, schimbarea erelor ca un șoc pentru umanitate. În centrul compoziției, o femeie căzută dintr-un car și zdrobită până la moarte a personificat, se pare, moartea lumii antice. Însă lângă corpul mamei, artistul a plasat un bebeluș viu. Înfățișând copii și părinți, un tânăr și o mamă bătrână, fii și un tată decrepit, artistul a arătat generațiile vechi care se estompează în istorie și pe cele noi care vin să le înlocuiască. Naștere nouă eră pe ruinele unei lumi vechi, care se prăbușește, aceasta este adevărata temă a picturii lui Bryullov. Indiferent de schimbările pe care le aduce istoria, existența omenirii nu se oprește, iar setea ei de viață rămâne nestingherită. Aceasta este ideea principală din spatele Ultima Zi a Pompeii. Această imagine este un imn la frumusețea umanității, care rămâne nemuritoare în toate ciclurile istoriei.
Pânza a fost expusă în 1833 la Expoziția de Artă din Milano, a provocat o serie de răspunsuri entuziaste. Italia zdrobită a fost cucerită. Elevul lui Bryullov G. G. Gagarin depune mărturie: „Această mare lucrare a trezit un entuziasm nemărginit în Italia. Orașele în care a fost expus tabloul au aranjat recepții solemne pentru artist, i-au fost dedicate poezii, a fost purtat pe străzi cu muzică, flori și torțe... Peste tot a fost primit cu cinste ca un cunoscut geniu triumfător, de înțeles și apreciat de toată lumea.
Scriitorul englez Walter Scott (reprezentant al literaturii romantice, faimos pentru aceasta romane istorice) a petrecut o oră întreagă în studioul lui Bryullov, despre care a spus că aceasta nu este o imagine, ci o poezie întreagă. Academiile de arte din Milano, Florența, Bologna și Parma l-au ales pe pictorul rus ca membru de onoare.
Pânza lui Bryullov a evocat răspunsuri entuziaste de la Pușkin și Gogol.
Vezuvius zev s-a deschis - fum a țâșnit într-o flacără de bâtă
Dezvoltat pe scară largă ca un banner de luptă.
Pământul este îngrijorat - din coloanele zguduitoare
Idolii cad!...
Pușkin a scris sub impresia picturii.
Începând cu Bryullov, punctele de cotitură ale istoriei au devenit subiectul principal al limbii ruse pictura de istorie, unde au fost descrise scene populare grandioase, în care fiecare persoană este participantă la o dramă istorică, unde nu există principal și secundar.
„Pompeia” aparține, în general, clasicismului. Artistul a dezvăluit cu pricepere plasticitatea corpului uman pe pânză. Toate mișcările spirituale ale oamenilor au fost transmise de Bryullov, în primul rând în limbajul plasticității. Cifrele separate, date într-o mișcare furtunoasă, sunt adunate în grupuri echilibrate, înghețate. Flashurile de lumină subliniază formele corpurilor și nu creează efecte picturale puternice. Totuși, compoziția picturii, care are o puternică descoperire în centru în profunzime, înfățișând un eveniment extraordinar din viața Pompeii, a fost inspirată din romantism.
Romantismul ca viziune asupra lumii a existat în Rusia în primul său val de la sfârșitul secolului al XVIII-lea până în anii 1850. Linia romanticului în arta rusă nu s-a oprit în anii 1850. Tema stării de a fi, descoperită de romantici pentru artă, a fost dezvoltată ulterior de artiștii Trandafirului Albastru. Moștenitorii direcți ai romanticilor au fost, fără îndoială, simboliștii. Temele romantice, motivele, tehnicile expresive au intrat în arta diferitelor stiluri, tendințe, asociații creative. Viziunea romantică asupra lumii sau viziunea asupra lumii s-a dovedit a fi una dintre cele mai vii, tenace, fructuoase.
Romantismul ca atitudine generală, caracteristică mai ales tinerilor, ca dorință de libertate ideală și creativă, trăiește încă constant în arta mondială.
c) Muzica
Romantismul în forma sa cea mai pură este un fenomen al artei vest-europene. Muzica rusă a secolului al XIX-lea. de la Glinka la Ceaikovski, trăsăturile clasicismului au fost combinate cu trăsăturile romantismului, elementul principal a fost un principiu național strălucitor, original. Romantismul în Rusia a dat o ascensiune neașteptată atunci când această tendință părea a fi de domeniul trecutului. Doi compozitori ai secolului XX, Scriabin și Rahmaninov, au reînviat trăsături ale romantismului precum zborul nestăpânit al fanteziei și sufletul versurilor. Prin urmare, secolul al XIX-lea numită epoca muzicii clasice.
Timpul (1812, răscoala decembriștilor, reacția care a urmat) și-a pus amprenta asupra muzicii. Indiferent de genul pe care l-am folosi - romantism, operă, balet, muzică de cameră - peste tot compozitorii ruși și-au spus noul cuvânt.
Muzica Rusiei, cu toată eleganța sa de salon și aderarea strictă la tradițiile scriiturii instrumentale profesionale, inclusiv scrierea sonată-simfonică, se bazează pe culoarea modală unică și structura ritmică a folclorului rus. Unii se bazează în mare măsură pe cântecul de zi cu zi, alții pe forme originale de muzică, iar alții pe modalitatea străveche a modurilor țărănești antice rusești.
Începutul secolului al XIX-lea - aceștia sunt anii primei și strălucitoare înfloriri a genului romantic. Versurile modeste și sincere încă sună și îi încântă pe ascultători. Alexandru Alexandrovici Alyabyev (1787-1851). A scris romante pentru versurile multor poeți, dar nemuritorii sunt "Privighetoare" la versurile lui Delvig, „Drum de iarnă”, „Te iubesc” pe poeziile lui Puşkin.
Alexander Egorovici Varlamov (1801-1848) a scris muzică pentru spectacole dramatice, dar îl cunoaștem mai mult din romanțele celebre „Rochie de soare roșie”, „Nu mă trezi în zori”, „O velă singură devine albă”.
Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- compozitor, pianist, violonist și profesor, deține astfel de romane ca „Clopopul sună monoton”, „În zorii unei tinerețe încețoase” si etc.
Locul cel mai proeminent aici este ocupat de romanțele lui Glinka. Nimeni altcineva nu a realizat încă o fuziune atât de naturală a muzicii cu poezia lui Pușkin, Jukovski.
Mihail Ivanovici Glinka (1804-1857)- un contemporan al lui Pușkin (de 5 ani mai tânăr decât Alexandru Sergeevich), un clasic al literaturii ruse, a devenit fondatorul clasicilor muzicali. Opera sa este unul dintre culmile culturii muzicale ruse și mondiale. Combină armonios bogăția muzicii populare și cele mai înalte realizări ale priceperii compozitorului. Opera profund populară realistă a lui Glinka a reflectat puternica înflorire a culturii ruse în prima jumătate a secolului al XIX-lea, asociată cu Războiul Patriotic din 1812 și mișcarea Decembristă. Caracterul ușor, care afirmă viața, armonia formelor, frumusețea melodiilor expresive și melodioase, varietatea, strălucirea și subtilitatea armoniilor sunt cele mai valoroase calități ale muzicii lui Glinka. La celebra operă "Ivan Susanin"(1836) ideea a primit o exprimare strălucitoare patriotism popular; Măreția morală a poporului rus este glorificată și în opera de basm „ Ruslan și Ludmila". Lucrări orchestrale de Glinka: „Vals fantastic”, „Noapte la Madrid” si in special "Kamarinskaya", stau la baza simfonismului clasic rusesc. Remarcabil în ceea ce privește puterea expresiei dramatice și strălucirea caracteristicilor muzicii pentru tragedie „Prințul Kholmsky”. Versurile vocale ale lui Glinka (romanturi „Îmi amintesc un moment minunat”, „Îndoială”) este o întruchipare de neegalat a poeziei ruse în muzică.
6. ROMANTICISMUL EUROPEAN DE VEST
o pictura
Dacă Franța a fost strămoșul clasicismului, atunci „pentru a găsi rădăcinile... școlii romantice”, scria unul dintre contemporanii săi, „ar trebui să mergem în Germania. Ea s-a născut acolo și acolo și-au format gusturile romanticii moderni italieni și francezi.
fragmentat Germania nu a cunoscut ascensiunea revoluționară. Mulți dintre romanticii germani erau străini de patosul ideilor sociale avansate. Au idealizat Evul Mediu. Ei s-au predat impulsurilor spirituale nesocotite, au vorbit despre abandonul vieții umane. Arta multora dintre ei era pasivă și contemplativă. Ei și-au creat cele mai bune lucrări în domeniul picturii portretului și peisajului.
Un portretist remarcabil a fost Otto Runge (1777-1810). Portretele acestui maestru, cu liniște exterioară, uimesc cu o viață interioară intensă și intensă.
Imaginea poetului romantic este văzută de Runge în "Auto portret". Se examinează cu atenție și vede un tânăr cu părul negru, cu ochi negri, serios, plin de energie, gânditor, introspectiv și voinic. Artistul romantic vrea să se cunoască pe sine. Modul de execuție al portretului este rapid și cuprinzător, de parcă energia spirituală a creatorului ar trebui să fie transmisă deja în textura lucrării; într-o gamă de culori închise, apar contraste de lumină și întuneric. Contrastul este o tehnică picturală caracteristică maeștrilor romantici.
Pentru a surprinde jocul schimbător al stărilor de spirit ale unei persoane, pentru a-și privi sufletul, un artist al unui depozit romantic va încerca întotdeauna. Și în acest sens, portretele copiilor îi vor servi drept material fertil. ÎN portretul copiilor Hülsenbeck(1805) Runge nu numai că transmite vivacitatea și imediatitatea caracterului unui copil, dar găsește și o recepție specială pentru o dispoziție strălucitoare, care încântă deschiderile în aer liber de la etajul 2. secolul al 19-lea Fundalul din imagine este un peisaj, care mărturisește nu numai darul coloristic al artistului, atitudinea admirativă față de natură, ci și apariția unor noi probleme în reproducerea magistrală a relațiilor spațiale, nuanțe deschise ale obiectelor în aer liber. Un maestru romantic, care dorește să-și îmbine „eu”-ul cu întinderile Universului, se străduiește să surprindă aspectul senzual tangibil al naturii. Dar cu această senzualitate a imaginii, el preferă să vadă simbolul lumii mari, „ideea artistului”.
Runge, unul dintre primii artiști romantici, și-a pus sarcina de a sintetiza artele: pictura, sculptura, arhitectura, muzica. Ansamblul sunet al artelor trebuia să exprime unitatea forțelor divine ale lumii, fiecare particulă a cărora simbolizează cosmosul ca întreg. Artistul fantezează, întărindu-și conceptul filozofic cu ideile celebrului gânditor german de la etajul 1. secolul al 17-lea Jacob Boehme. Lumea este un fel de întreg mistic, fiecare particulă a căruia exprimă întregul. Această idee este legată de romanticii întregului continent european. În formă poetică, poetul și pictorul englez William Blake a spus-o astfel:
Vezi eternitatea într-o clipă
O lume imensă - în oglinda nisipului,
Într-o singură mână - infinit
Și cerul este într-o cupă de floare.
Ciclul Runge sau, așa cum l-a numit el, „poemul muzical fantastic” „Momente ale zilei”- dimineata, amiaza, noaptea - expresia acestui concept. A lăsat în poezie și proză o explicație a modelului său conceptual al lumii. Imaginea unei persoane, peisajul, lumina și culoarea sunt simboluri ale ciclului în continuă schimbare al vieții naturale și umane.
Un alt pictor romantic remarcabil german, Caspar David Friedrich (1774-1840), a preferat peisajul tuturor celorlalte genuri și a pictat doar imagini ale naturii în timpul vieții sale de șaptezeci de ani. Motivul principal al operei lui Friedrich este ideea unității omului și naturii.
„Ascultă vocea naturii care vorbește în noi”, își instruiește artistul studenților. Lumea interioară a unei persoane personifică infinitul Universului, prin urmare, s-a auzit pe sine, o persoană este capabilă să înțeleagă profunzimile spirituale ale lumii.
Poziția de ascultare determină principala formă de „comunicare” a unei persoane cu natura și imaginea ei. Aceasta este măreția, misterul sau iluminarea naturii și starea conștientă a observatorului. Adevărat, de multe ori Friedrich nu permite figurii să „intră” în spațiul peisagistic al picturilor sale, dar în pătrunderea subtilă a structurii figurative a întinderilor întinse, se simte prezența unui sentiment, experiența unei persoane. Subiectivismul în reprezentarea peisajului ajunge în artă doar cu opera romanticilor, prefigurand revelația lirică a naturii de către maeștrii etajului 2. secolul al 19-lea Cercetătorii notează în lucrările lui Friedrich „extinderea repertoriului” motivelor peisagistice. Autorul este interesat de mare, munți, păduri și diverse nuanțe ale stării naturii în diferite momente ale anului și ale zilei.
1811-1812 marcat de crearea unei serii de peisaje montane ca urmare a călătoriei către munte a artistului. „Dimineața la munte” reprezintă în mod pitoresc o nouă realitate naturală, născută în razele soarelui răsărit. Tonurile roz-violet le învăluie și îi privează de volum și gravitatea materialului. Anii bătăliei cu Napoleon (1812-1813) îl transformă pe Friedrich către teme patriotice. Ilustrand, inspirat din drama lui Kleist, scrie „Mormântul lui Arminius”- un peisaj cu mormintele vechilor eroi germanici.
Friedrich a fost un maestru subtil al peisajelor marine: „Vârstele”, „Răsăritul lunii peste mare”, „Moartea lui „Nadezhda” în gheață”.
Ultimele lucrări ale artistului – „Odihnă pe câmp”, „Mlaștină mare” și „Amintiri ale munților uriași”, „Munții giganți” – o serie de lanțuri muntoase și pietre în prim plan s-au întunecat. Aceasta, aparent, este o întoarcere la sentimentul experimentat al victoriei unei persoane asupra sa, bucuria ascensiunii în „vârful lumii”, dorința de înălțimi strălucitoare necucerite. Sentimentele artistului compun într-un mod deosebit aceste mase muntoase, iar din nou se citește mișcarea de la întunericul primilor pași la lumina viitoare. Vârful muntelui din fundal este evidențiat ca centrul aspirațiilor spirituale ale maestrului. Poza este foarte asociativă, ca orice lucrare a romanticilor, și implică diferite niveluri de lectură și interpretare.
Friedrich este foarte precis în desen, armonios muzical în construcția ritmică a picturilor sale, în care încearcă să vorbească prin emoțiile culorii și efectelor de lumină. „Multora li se dă puțin, puținilor li se dă mult. Fiecare deschide sufletul naturii într-un mod diferit. Prin urmare, nimeni nu îndrăznește să-și transfere experiența și regulile lui altuia ca lege necondiționată obligatorie. Nimeni nu este măsura tuturor. Fiecare poartă în sine o măsură numai pentru sine și pentru naturi mai mult sau mai puțin înrudite cu sine, ”această reflecție a maestrului dovedește integritatea uimitoare a vieții sale interioare și a creativității. Unicitatea artistului este palpabilă doar în libertatea operei sale - romanticul Friedrich stă pe asta.
Mai formală pare să fie dezlegarea de artiști – „clasici” – reprezentanți ai clasicismului unei alte ramuri a picturii romantice din Germania – Nazarineenii. Înființată la Viena și stabilită la Roma (1809-1810), „Unirea Sfântului Luca” i-a unit pe maeștri cu ideea de a renaște arta monumentală a problemelor religioase. Evul Mediu a fost o perioadă preferată a istoriei pentru romantici. Dar în căutarea lor artistică, nazarinenii s-au îndreptat către tradițiile picturii renascentiste timpurii din Italia și Germania. Overbeck și Geforr au fost inițiatorii unei noi alianțe, căreia i s-au alăturat mai târziu Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.
Această mișcare a nazarineenilor corespundea propriilor forme de opoziție față de academicienii clasici din Franța, Italia și Anglia. De exemplu, în Franța, așa-numiții artiști „primitivi” au apărut din atelierul lui David, iar în Anglia, prerafaeliții. În spiritul tradiției romantice, ei considerau arta „o expresie a timpului”, „spiritul poporului”, dar preferințele lor tematice sau formale, care la început au sunat ca un slogan al unificării, după un timp s-au întors. în aceleaşi principii doctrinare ca cele ale Academiei, pe care le-au negat.
Arta Romantismului în Franța dezvoltate în moduri specifice. Primul lucru care l-a diferențiat de mișcările similare din alte țări a fost caracterul său activ ofensiv („revoluționar”). Poeții, scriitorii, muzicienii, artiștii și-au apărat pozițiile nu numai prin crearea de noi lucrări, ci și prin participarea la controversele din reviste și ziare, care sunt caracterizate de cercetători drept o „bătălie romantică”. Faimoșii V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz și mulți alți scriitori, compozitori și jurnaliști francezi „și-au șlefuit pene” în controverse romantice.
Pictura romantică în Franța apare ca o opoziție cu școala clasicistă a lui David, arta academică, denumită „școala” în general. Dar acest lucru trebuie înțeles într-un sens mai larg: era o opoziție la ideologia oficială a epocii reacționare, un protest împotriva limitărilor ei mic-burgheze. De aici natura jalnică a operelor romantice, entuziasmul lor nervos, atracția pentru motive exotice, pentru intrigi istorice și literare, pentru tot ceea ce poate duce departe de „viața întunecată de zi cu zi”, de aici acest joc de imaginație și, uneori, dimpotrivă, visarea cu ochii deschiși și o lipsă totală de activitate.
Reprezentanții „școlii”, academicienii, s-au răzvrătit în primul rând împotriva limbajului romanticilor: colorarea lor fierbinte emoționată, modelarea lor a formei, nu cea familiară „clasicilor”, statuar-plastic, dar construită pe contraste puternice. de pete de culoare; designul lor expresiv, refuzând în mod deliberat precizia și clasicismul; compoziția lor îndrăzneață, uneori haotică, lipsită de măreție și de un calm de neclintit. Ingres, dușmanul implacabil al romanticilor, până la sfârșitul vieții a spus că Delacroix „scrie cu mătură nebună”, iar Delacroix l-a acuzat pe Ingres și pe toți artiștii „școlii” de răceală, raționalitate, lipsă de mișcare, că nu scrie, ci „pictează” tablourile lor. Dar aceasta nu a fost o simplă ciocnire a două personalități strălucitoare, complet diferite, a fost o luptă între două viziuni artistice diferite asupra lumii.
Această luptă a durat aproape o jumătate de secol, romantismul în artă nu a câștigat ușor și nu imediat, iar primul artist al acestei tendințe a fost Theodore Gericault (1791-1824) - un maestru al formelor monumentale eroice, care a combinat în opera sa atât clasiciste. trăsăturile și trăsăturile romantismului în sine și, în sfârșit, un puternic început realist, care a avut un impact uriaș asupra artei realismului la mijlocul secolului al XIX-lea. Dar în timpul vieții a fost apreciat doar de câțiva prieteni apropiați.
Numele lui Theodore Zhariko este asociat cu primele succese strălucitoare ale romantismului. Deja în picturile sale timpurii (portrete ale militarilor, imagini cu cai), idealurile antice s-au retras înainte de percepția directă a vieții.
În salon, în 1812, Géricault arată un tablou „Ofițer al rangerilor imperiali de cai în timpul atacului”. A fost anul apogeului gloriei lui Napoleon și al puterii militare a Franței.
Compoziția imaginii îl prezintă pe călăreț într-o perspectivă neobișnuită a momentului „brusc” în care calul s-a ridicat, iar călărețul, ținând poziția aproape verticală a calului, s-a întors spre privitor. Imaginea unui astfel de moment de instabilitate, imposibilitatea posturii sporește efectul mișcării. Calul are un punct de sprijin, trebuie să cadă la pământ, să se înșurubească în lupta care l-a adus într-o asemenea stare. Mult converge în această lucrare: credința necondiționată a lui Gericault în posibilitatea ca o persoană să-și dețină propriile puteri, o dragoste pasională pentru înfățișarea cailor și curajul unui maestru începător în a arăta ceea ce numai muzica sau limbajul poeziei puteau transmite anterior - entuziasmul o bătălie, începutul unui atac, tulpina supremă a unei ființe vii. Tânărul autor și-a construit imaginea pe transmiterea dinamicii mișcării și a fost important pentru el să pregătească privitorul pentru „gândire”, pictură cu „viziune interioară” și simțul a ceea ce dorea să înfățișeze.
Franța nu avea practic tradiții ale unei astfel de dinamici a narațiunii picturale a romantismului, cu excepția poate în reliefurile templelor gotice, deoarece atunci când Gericault a venit pentru prima dată în Italia, a fost uimit de puterea ascunsă a compozițiilor lui Michelangelo. „Am tremurat”, scrie el, „m-am îndoit de mine și pentru o lungă perioadă de timp nu mi-am putut recupera din această experiență”. Dar Stendhal l-a indicat pe Michelangelo ca precursor al unei noi tendințe stilistice în artă și mai devreme în articolele sale polemice.
Pictura lui Gericault a anunțat nu numai nașterea unui nou talent artistic, ci a adus și un omagiu pasiunii și dezamăgirii autorului față de ideile lui Napoleon. Există mai multe alte lucrări legate de acest subiect: Ofițer de carabinieri”, „Ofițer de cuirasier înainte de atac”, „Portret de carabinier”, „Cuirasier rănit”.
În tratatul „Reflecție asupra stării picturii în Franța”, el scrie că „luxul și artele au devenit... o necesitate și, parcă, hrană pentru imaginație, care este a doua viață a unei persoane civilizate. .. Nefiind o chestiune de primă necesitate, artele apar numai atunci când nevoile esențiale sunt satisfăcute și când vine abundența. Un bărbat, eliberat de grijile cotidiene, a început să caute plăceri pentru a scăpa de plictiseala, care inevitabil avea să-l depășească în mijlocul mulțumirii.
O astfel de înțelegere a rolului educațional și umanist al artei a fost demonstrată de Gericault după întoarcerea din Italia în 1818 - el începe să se angajeze în litografie, reproducând o varietate de subiecte, inclusiv înfrângerea lui Napoleon ( „Întoarcere din Rusia”).
În același timp, artistul apelează la reprezentarea scufundării fregatei Meduza în largul coastei Africii, care a entuziasmat societatea de atunci. Dezastrul s-a produs din vina unui căpitan fără experiență, numit în funcție sub patronaj. Pasagerii supraviețuitori ai navei, chirurgul Savigny și inginerul Correar, au vorbit în detaliu despre accident.
Nava pe moarte a reușit să arunce pluta, pe care au urcat o mână de oameni salvați. Timp de douăsprezece zile au fost purtați de-a lungul mării furioase până când au întâlnit mântuirea - corabia „Argus”.
Gericault era interesat de situația tensiunii supreme a forței spirituale și fizice umane. Pictura înfățișa 15 pasageri supraviețuitori pe o plută când au văzut Argus la orizont. „Plota Medusei” a fost rezultatul unei lungi lucrări pregătitoare a artistului. A făcut multe schițe ale mării furioase, portrete ale oamenilor salvați în spital. La început, Gericault a vrut să arate lupta oamenilor de pe o plută între ei, dar apoi s-a hotărât pe comportamentul eroic al învingătorilor elementului de mare și neglijența statului. Oamenii au îndurat cu curaj nenorocirea, iar speranța mântuirii nu i-a părăsit: fiecare grup de pe plută are propriile caracteristici. În construcția compoziției, Gericault alege un punct de vedere de sus, care i-a permis să îmbine acoperirea panoramică a spațiului (distanțele maritime sunt vizibile) și să înfățișeze, aducând pe toți locuitorii plutei foarte aproape de primul plan. Mișcarea este construită pe contrastul figurilor aflate neputincioși în prim-plan și impetuosul din grupul care dă semnale navei care trece. Claritatea ritmului de creștere a dinamicii de la grup la grup, frumusețea corpurilor goale, culoarea închisă a imaginii stabilesc o anumită notă a convenționalității imaginii. Dar nu acesta este punctul pentru privitorul care percepe, pentru care convenționalitatea limbii chiar ajută să înțeleagă și să simtă principalul lucru: capacitatea unei persoane de a lupta și de a câștiga. Oceanul urlă. Vela geme. Corzile sună. Pluta trosnește. Vântul împinge valurile și sfâșie norii negri în bucăți.
Nu este oare însăși Franța, mânată de furtuna istoriei? gândi Eugene Delacroix, stând lângă tablou. „Plota Medusei l-a șocat pe Delacroix, a plâns și, ca un nebun, a sărit din atelierul lui Gericault, pe care îl vizita des.
Asemenea pasiuni nu cunoșteau arta lui David.
Dar viața lui Gericault s-a încheiat tragic devreme (era bolnav în stadiu terminal după ce a căzut de pe un cal) și multe dintre planurile sale au rămas neterminate.
Inovația lui Géricault a deschis noi oportunități pentru a transmite mișcarea care i-a îngrijorat pe romantici, sentimentele de bază ale unei persoane, expresivitatea texturală coloristică a imaginii.
Moștenitorul lui Géricault în căutarea sa a fost Eugene Delacroix. Adevărat, lui Delacroix i s-a permis de două ori mai mult decât durata vieții sale și a reușit nu numai să demonstreze corectitudinea romantismului, ci și să binecuvânteze noua direcție în pictură de la etajul 2. secolul al 19-lea - impresionism.
Înainte de a începe să scrie singur, Eugene a studiat la școala Lerain: a pictat din viață, i-a copiat pe marii Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian la Luvru... Tânărul artist lucra 10-12 ore pe zi. Și-a amintit cuvintele marelui Michelangelo: „Pictura este o amantă geloasă, cere întreaga persoană...”
Delacroix, după spectacolele demonstrative ale lui Géricault, era bine conștient de faptul că vremea puternicelor răsturnări emoționale venise în artă. În primul rând, încearcă să înțeleagă o nouă eră pentru el prin comploturi literare binecunoscute. Pictura lui „Dante și Virgil”, prezentată în salonul anului 1822, este o încercare prin imaginile asociative istorice ale a doi poeți: antichitatea - Vergiliu și Renașterea - Dante - de a privi un ceaun în fierbere, „iadul” epocii moderne. Odată ajuns în „Divina Comedie”, Dante a luat pământul lui Virgil ca escortă în toate sferele (rai, iad, purgatoriu). În opera lui Dante, o nouă lume renascentist a apărut prin experimentarea memoriei antichității în Evul Mediu. Simbolul romanticului ca sinteză a antichității, Renașterea și Evul Mediu a apărut în „groarea” viziunilor lui Dante și Vergiliu. Dar complexa alegorie filosofică s-a dovedit a fi o ilustrare emoțională bună a epocii pre-Renașterii și o capodopera literară nemuritoare.
Delacroix va încerca să găsească un răspuns direct în inimile contemporanilor săi prin propria sa durere de inimă. Tinerii de atunci, arzând de libertate și de ură față de asupritori, simpatizează cu războiul de eliberare al Greciei. Bardul romantic al Angliei, Byron, merge acolo pentru a lupta. Delacroix vede sensul nouă erăîn imagine este deja mai specific eveniment istoric- lupta și suferința Greciei iubitoare de libertate. El se ocupă de complotul morții populației insulei grecești Chios, capturată de turci. La Salonul din 1824, Delacroix prezintă un tablou „Masacrul de pe insula Chios”. pe fundalul unei întinderi nesfârșite de teren deluros. Care încă țipă din fumul incendiilor și al bătăliei neîncetate, artista arată mai multe grupuri de femei și copii răniți, epuizați. Au avut ultimele minute de libertate înainte de apropierea inamicilor. Turcul pe un cal crescut din dreapta pare să atârne peste întregul prim plan și mulțimea de suferinzi care se află acolo. Corpuri frumoase, chipuri de oameni captivați. De altfel, Delacroix avea să scrie mai târziu asta Sculptură grecească a fost transformat de artiști în hieroglife care ascundeau adevărata frumusețe grecească a feței și figurii. Dar, dezvăluind „frumusețea sufletului” în chipurile grecilor înfrânți, pictorul dramatizează atât de mult evenimentele încât, pentru a menține un singur ritm dinamic de tensiune, trece la deformarea unghiurilor figurii. Aceste „greșeli” au fost deja „rezolvate” de opera lui Gericault, dar Delacroix demonstrează încă o dată crezul romantic că pictura este „nu adevărul unei situații, ci adevărul unui sentiment”.
În 1824, Delacroix și-a pierdut prietenul și profesorul, Géricault. Și a devenit liderul noii picturi.
Au trecut anii. Una câte una, au apărut imagini: „Grecia pe ruinele din Missalunga”, „Moartea lui Sardanapalus”şi altele.Artistul a devenit un paria în cercurile oficiale ale picturii. Dar Revoluția din iulie 1830 a schimbat situația. Ea aprinde artistul cu romantismul victoriilor și realizărilor. El pictează un tablou „Libertate pe Baricade”.
În 1831, la Salonul de la Paris, francezii au văzut pentru prima dată tabloul lui Eugene Delacroix „Libertatea pe baricade”, dedicat „celelor trei zile glorioase” ale Revoluției din iulie 1830. Pânza a făcut o impresie uimitoare asupra contemporanilor prin puterea, democrația și curajul deciziei artistice. Potrivit legendei, un burghez respectabil a exclamat: „Spuneți - șeful școlii? Spune-mi mai bine - șeful rebeliunii! După închiderea Salonului, guvernul, înspăimântat de apelul amenințător și inspirator emanat de tablou, s-a grăbit să-l returneze autorului. În timpul revoluției din 1848, a fost din nou expusă publicului în Palatul Luxemburg. Și din nou a revenit la artist. Abia după ce pânza a fost expusă la Expoziția Mondială de la Paris în 1855, a ajuns la Luvru. Aceasta este una dintre cele mai bune creații ale romantismului francez, o mărturie inspirată a unui martor ocular și monument etern lupta oamenilor pentru libertatea lor.
Ce limbaj artistic a găsit tânărul romantic francez pentru a fuziona aceste două principii aparent opuse - o generalizare largă, atotcuprinzătoare și o realitate concretă crudă în goliciunea ei?
Parisul celebrelor zile de iulie 1830. Aer saturat cu fum gri și praf. Un oraș frumos și maiestuos, care dispare într-o ceață de pulbere. În depărtare, cu greu se observă, dar turnurile catedralei se ridică mândru Notre Dame din Paris- un simbol al istoriei, culturii, spiritului poporului francez. De acolo, din orașul înfumurat, peste ruinele baricadelor, peste cadavrele tovarășilor morți, insurgenții se încăpățânează și cu hotărâre în față. Fiecare dintre ei poate muri, dar pasul rebelilor este de nezdruncinat – sunt inspirați de voința de a câștiga, de libertate.
Această forță inspiratoare este întruchipată în imaginea unei tinere frumoase, într-o izbucnire pasională care o cheamă. Cu o energie inepuizabilă, o mișcare liberă și tânără, este ca o zeiță greacă.
Nick câștigă. Silueta ei puternică este îmbrăcată într-o rochie de chiton, fața cu trăsături perfecte, cu ochi arzători, este îndreptată către rebeli. Într-o mână ține steagul tricolor al Franței, în cealaltă - un pistol. Pe cap este o șapcă frigiană - un simbol străvechi al eliberării din sclavie. Pasul ei este rapid și ușor - așa pasesc zeițele. În același timp, imaginea unei femei este reală - este fiica poporului francez. Ea este forța călăuzitoare din spatele mișcării grupului pe baricade. Din ea, ca dintr-o sursă de lumină din centrul energiei, radiază raze, încărcându-se de sete și de voința de a câștiga. Cei care se află în imediata apropiere a acestuia, fiecare în felul său, își exprimă implicarea în acest apel inspirator și inspirator.
În dreapta este un băiat, un gamen parizian, ținând pistoale. El este cel mai aproape de Libertate și, parcă, aprins de entuziasmul și bucuria ei de impuls liber. Într-o mișcare rapidă și nerăbdătoare de băiețel, el este chiar puțin înaintea inspiratorului său. Acesta este predecesorul legendarului Gavroche, portretizat douăzeci de ani mai târziu de Victor Hugo în Les Misérables: „Gavroche, plin de inspirație, strălucitor, și-a luat sarcina de a pune totul în mișcare. S-a grăbit înainte și înapoi, a urcat, a coborât
jos, s-a ridicat din nou, a foșnit, a scânteie de bucurie. S-ar părea că a venit aici pentru a înveseli pe toată lumea. A avut vreun motiv pentru asta? Da, desigur, sărăcia lui. Avea aripi? Da, desigur, veselia lui. A fost un fel de vârtej. Părea că umple aerul cu sine, fiind prezent peste tot în același timp... Baricade uriașe îl simțeau pe coloana vertebrală.
Gavroche în pictura lui Delacroix este personificarea tinereții, un „impuls frumos”, o acceptare plină de bucurie a ideii strălucitoare a Libertății. Două imagini - Gavroche și Liberty - par să se completeze: una este un foc, cealaltă este o torță aprinsă din el. Heinrich Heine a povestit ce răspuns plin de viață a evocat figura lui Gavroche printre parizieni. "La naiba! exclamă un băcan, băieții ăia s-au luptat ca niște uriași!
În stânga este un student cu o armă. Anterior, a fost văzut ca un autoportret al artistului. Acest rebel nu este la fel de iute ca Gavroche. Mișcarea lui este mai restrânsă, mai concentrată, mai semnificativă. Mâinile strâng cu încredere țeava armei, fața exprimă curaj, hotărâre fermă de a rezista până la capăt. Aceasta este o imagine profund tragică. Elevul este conștient de inevitabilitatea pierderilor pe care le vor suferi rebelii, dar victimele nu-l sperie - voința de libertate este mai puternică. În spatele lui stă un muncitor la fel de curajos și hotărât cu o sabie. Rănit la picioarele Libertăţii. Se ridică cu greu să se uite din nou la Libertate, să vadă și să simtă din toată inima acea frumusețe pentru care moare. Această figură aduce un început extrem de dramatic sunetului pânzei lui Delacroix. Dacă imaginile lui Gavroche, Libertatea, studentul, muncitorul - aproape simboluri, întruchiparea voinței inexorabile a luptătorilor pentru libertate - inspiră și cheamă privitorul, atunci rănitul cheamă la compasiune. Omul își spune la revedere de la Libertate, își spune la revedere de la viață. El este încă un impuls, o mișcare, dar deja un impuls care se estompează.
Figura lui este tranzitorie. Privirea privitorului, încă fascinată și purtată de hotărârea revoluționară a rebelilor, coboară până la poalele baricadei, acoperită cu trupurile glorioșilor soldați morți. Moartea este prezentată de artist în toată goliciunea și dovezile faptului. Vedem fețele albastre ale morților, trupurile lor goale: lupta este nemiloasă, iar moartea este la fel de inevitabil un însoțitor al rebelilor ca și frumoasa inspiratoare Libertate.
Dar nu exact la fel! Din imaginea teribilă de la marginea inferioară a imaginii, ridicăm din nou ochii și vedem o siluetă tânără frumoasă - nu! viata invinge! Ideea de libertate, întruchipată atât de vizibil și tangibil, este atât de concentrată pe viitor încât moartea în numele ei nu este teribilă.
Artistul înfățișează doar un mic grup de rebeli, vii și morți. Dar apărătorii baricadei par neobișnuit de numeroși. Compoziția este construită în așa fel încât grupul de luptători să nu fie limitat, să nu fie închis în sine. Ea este doar o parte dintr-o avalanșă nesfârșită de oameni. Artistul oferă, parcă, un fragment al grupului: cadrul tabloului decupează figurile din stânga, dreapta și jos.
De obicei, culoarea în lucrările lui Delacroix dobândește un sunet emoțional, joacă un rol dominant în crearea unui efect dramatic. Culorile, uneori furioase, alteori estompate, înăbușite, creează o atmosferă tensionată. În Libertatea la baricade, Delacroix se îndepărtează de acest principiu. Foarte precis, alegând inconfundabil vopseaua, aplicând-o cu mișcări largi, artistul transmite atmosfera bătăliei.
Dar gama de culori este restrânsă. Delacroix se concentrează pe modelarea în relief a formei. Acest lucru a fost cerut de soluția figurativă a imaginii. La urma urmei, înfățișând un anumit eveniment de ieri, artistul a creat și un monument pentru acest eveniment. Prin urmare, figurile sunt aproape sculpturale. Prin urmare, fiecare personaj, fiind parte dintr-un singur întreg al tabloului, constituie și ceva închis în sine, reprezintă un simbol turnat într-o formă completată. Prin urmare, culoarea nu numai că afectează emoțional sentimentele privitorului, ci poartă o încărcătură simbolică. Ici și colo, o triadă solemnă de roșu, albastru, alb sclipește în spațiul maro-gri - culorile steagului Revoluției Franceze din 1789. Repetarea repetată a acestor culori susține acordul puternic al drapelului tricolor care flutură deasupra baricadelor.
Pictura lui Delacroix „Libertatea pe baricade” este o lucrare complexă, grandioasă în sfera sa. Aici se îmbină autenticitatea faptului văzut direct și simbolismul imaginilor; realism, ajungând la naturalismul brutal și frumusețea ideală; aspru, îngrozitor și sublim, pur.
Tabloul „Libertatea la baricade” a consolidat victoria romantismului în pictura franceză. În anii '30, încă două picturi istorice: „Bătălia de la Poitiers”Și „Uciderea episcopului de Liege”.
În 1822, artistul a vizitat Africa de Nord, Maroc, Algeria. Călătoria i-a făcut o impresie de neșters. În anii 50, în opera sa au apărut picturi, inspirate de amintirile acestei călătorii: „Vânătoarea de lei”, „Marocanul care înșaua un cal”și altele. Culoarea contrastantă strălucitoare creează un sunet romantic acestor picturi. În ele apare tehnica unei lovituri late.
Delacroix, ca romantic, și-a consemnat starea sufletului nu numai în limbajul imaginilor picturale, ci și în forma literară a gândurilor sale. El a descris bine procesul. munca creativa un artist romantic, experimentele sale în culoare, reflecții asupra relației dintre muzică și alte forme de artă. Jurnalele sale au devenit lectura preferată pentru artiștii din generațiile următoare.
Școala romantică franceză a făcut progrese semnificative în domeniul sculpturii (Rud și relieful său de Marseillaise), picturii peisagistice (Camille Corot cu imaginile sale în aer ușor ale naturii Franței).
Datorită romantismului, viziunea subiectivă personală a artistului ia forma unei legi. Impresionismul va distruge complet bariera dintre artist și natură, declarând arta o impresie. Romanticii vorbesc despre fantezia artistului, „vocea sentimentelor sale”, care îi permite să oprească munca atunci când maestrul consideră că este necesar, și nu așa cum cer standardele academice de completitudine.
Dacă fanteziile lui Gericault s-au concentrat pe transmiterea mișcării, Delacroix pe puterea magică a culorii, iar germanii au adăugat la aceasta un anumit „spirit al picturii”, atunci Spaniolă Romanticii în persoana lui Francisco Goya (1746-1828) au arătat originile folclorice ale stilului, caracterul său fantasmagoric și grotesc. Goya însuși și opera sa arată departe de orice cadru stilistic, mai ales că artistul a trebuit de foarte multe ori să respecte legile materialului de performanță (când, de exemplu, a realizat tablouri pentru covoare țesute cu spalier) sau cerințele clientului.
Fantasmagoria lui a ieșit la lumină în serii de gravuri „Caprichos” (1797-1799),„Dezastre de război” (1810-1820),„Disparantes („Nebunii”)(1815-1820), picturile murale ale „Casa Surzilor” și ale Bisericii San Antonio de la Florida din Madrid (1798). Boală gravă în 1792. a dus la surditatea totală a artistului. Arta maestrului după ce a suferit o traumă fizică și spirituală devine mai concentrată, gânditoare, dinamică intern. Lumea exterioară, închisă din cauza surdității, a activat viața spirituală interioară a lui Goya.
În gravuri „Caprichos” Goya dobândește o putere excepțională în transferul reacțiilor instantanee, sentimentelor impetuoase. Performanță alb-negru, datorită unei combinații îndrăznețe pete mari, absența liniarității caracteristice graficii, capătă toate proprietățile unui tablou.
Picturi murale ale Bisericii Sf. Antonie din Madrid Goya creează, se pare, dintr-o suflare. Temperamentul loviturii, laconismul compoziției, expresivitatea caracteristicilor personajelor, al căror tip este preluat de Goya direct din mulțime, sunt uimitoare. Artistul înfățișează miracolul lui Anthony din Florida, care l-a făcut pe bărbatul ucis să învie și să vorbească, care l-a numit pe ucigaș și, prin urmare, i-a salvat pe cei condamnați nevinovați de la execuție. Dinamismul mulțimii care reacționează strălucitor este transmis de Goya atât în gesturi, cât și în expresiile faciale ale fețelor înfățișate. În schema compozițională a distribuției picturilor în spațiul bisericii, pictorul îl urmărește pe Tiepolo, dar reacția pe care o evocă privitorului nu este baroc, ci pur romantică, afectând sentimentul fiecărui privitor, chemându-l să se îndrepte spre se.
Cel mai mult, acest scop este atins în pictura Conto del Sordo („Casa surzilor”), în care Goya a trăit din 1819. Pereții camerelor sunt acoperiți cu cincisprezece compoziții de natură fantastică și alegoric. Perceperea lor necesită empatie profundă. Imaginile apar ca un fel de viziuni despre orașe, femei, bărbați etc. Culoarea, fulgerătoare, scoate în evidență o figură, apoi alta. Pictura în ansamblu este întunecată, este dominată de pete albe, galbene, roz-roșii, sclipici de sentimente tulburătoare. Gravurile seriei "Disparantes" .
Goya și-a petrecut ultimii 4 ani în Franța. Este puțin probabil să fi știut că Delacroix nu s-a despărțit de „Caprichos” lui. Și nu putea prevedea cum Hugo și Baudelaire vor fi duși de aceste gravuri, ce influență uriașă va avea pictura lui asupra lui Manet și cum în anii 80 ai secolului XIX. V. Stasov va invita artiști ruși să-și studieze „Dezastrele războiului”
Dar noi, având în vedere acest lucru, știm ce impact uriaș a avut această artă „fără stil” a unui realist îndrăzneț și romantic inspirat asupra culturii artistice a secolelor XIX și XX.
Lumea fantastică a viselor este realizată și în lucrările sale ale artistului romantic englez William Blake (1757-1827). Anglia a fost o țară clasică a literaturii romantice. Byron. Shelley a devenit steagul acestei mișcări cu mult dincolo de „Albionul în ceață”. În Franța, în revista de critică a vremii „bătăliilor romantice”, romanticii erau numiți „Shakespearieni”. Principala caracteristică a picturii engleze a fost întotdeauna interesul pentru personalitatea umană, ceea ce a permis genului portretului să se dezvolte fructuos. Romantismul în pictură este foarte strâns legat de sentimentalism. Interesul romantic pentru Evul Mediu a dat naștere unei ample literaturi istorice. Stăpânul recunoscut este V. Scott. În pictură, tema Evului Mediu a determinat apariția așa-numiților perafaeliți.
William Blake este un tip uimitor de romantic pe scena culturală engleză. Scrie poezie, ilustrează cărți proprii și altele. Talentul său a căutat să îmbrățișeze și să exprime lumea într-o unitate holistică. Cele mai cunoscute lucrări ale sale sunt ilustrațiile pentru „Cartea lui Iov” biblică, „Divina Comedie” de Dante, „Paradisul pierdut” de Milton. El își populează compozițiile cu figuri titanice de eroi, care corespund împrejurimilor lor ale unei lumi ireale iluminate sau fantasmagorice. Un sentiment de mândrie sau armonie rebelă, greu de creat din disonanțe, îi copleșește ilustrațiile.
Gravurile de peisaj pentru „Pastorile” poetului roman Virgil par oarecum diferite - sunt mai idilic romantice decât lucrările lor anterioare.
Romantismul lui Blake încearcă să-și găsească propria formulă artistică și formă de existență a lumii.
William Blake, după ce a trăit o viață de sărăcie extremă și obscuritate, după moartea sa a fost clasat printre multitudinea de clasici ai artei engleze.
În opera pictorilor de peisaj englezi de la începutul secolului al XIX-lea. hobby-urile romantice sunt combinate cu o viziune mai obiectivă și mai sobră asupra naturii.
Peisajele înălțate romantic sunt create de William Turner (1775-1851). Îi plăcea să înfățișeze furtuni, ploi de ploaie, furtuni pe mare, apusuri strălucitoare și de foc. Turner a exagerat adesea efectele luminii și a intensificat sunetul culorii chiar și atunci când a pictat starea calmă a naturii. Pentru un efect mai mare, a folosit tehnica acuarelei și a suprapus vopsea cu ulei strat foarte subțire și scris direct pe sol, realizând revărsări irizate. Un exemplu este poza „Ploaie, abur și viteză”(1844). Dar nici cunoscutul critic al vremii, Thackeray, nu putea înțelege corect, poate, cel mai inovator tablou atât în proiectare, cât și în execuție. „Ploaia este indicată de pete de chit murdar”, a scris el, „împrăștiate pe pânză cu un cuțit de paletă, lumina soarelui cu o strălucire ternă străpunge bulgări foarte groase de crom galben murdar. Umbrele sunt transmise de nuanțe reci de kraplak stacojiu și pete de cinabru de tonuri atenuate. Și deși focul din cuptorul locomotivei pare roșu, nu mă prezum să afirm că nu este vopsit cu culoarea cabalt sau bob de mazăre. Un alt critic a găsit în colorarea lui Turner culoarea „omletă și spanac”. Culorile regretatului Turner li s-au părut, în general, complet de neconceput și fantastice contemporanilor. A fost nevoie de mai bine de un secol pentru a vedea în ei grăuntul observațiilor reale. Dar ca și în alte cazuri, a fost aici. S-a păstrat o relatare curiosă a unui martor ocular sau, mai degrabă, a unui martor la nașterea „Ploaie, abur și viteză”. O anume doamnă Simone călărea într-un compartiment al Western Express cu un domn în vârstă care stătea vizavi de ea. A cerut permisiunea să deschidă fereastra, și-a scos capul în ploaia torentă și a rămas în acea poziție destul de mult timp. Când în sfârșit închise fereastra. Apa a picurat din el în râuri, dar el a închis ochii fericit și s-a lăsat pe spate, bucurându-se clar de ceea ce tocmai văzuse. O tânără curioasă a decis să experimenteze sentimentele lui pentru ea însăși - și-a scos și capul pe fereastră. De asemenea, s-a udat. Dar am avut o impresie de neuitat. Imaginează-ți surpriza ei când, un an mai târziu, la o expoziție din Londra, a văzut Rain, Steam și Speed. Cineva din spatele ei a remarcat critic: „Extrem de tipic pentru Turner, corect. Nimeni nu a văzut vreodată un asemenea amestec de absurdități.” Iar ea, neputând să se abțină, a spus: „Am văzut”.
Poate că aceasta este prima imagine a unui tren în pictură. punctul de vedere este luat de undeva mai sus, ceea ce a făcut posibil să se ofere o acoperire panoramică largă. Western Express zboară peste pod cu o viteză absolut excepțională pentru acea vreme (depășind 150 km pe oră). În plus, aceasta este probabil prima încercare de a descrie lumina prin ploaie.
Arta engleză de la mijlocul secolului al XIX-lea. dezvoltat într-o direcție complet diferită de pictura lui Turner. Deși priceperea lui era în general recunoscută, niciunul dintre tineri nu l-a urmat.
Turner a fost mult timp considerat un precursor al impresionismului. S-ar părea că artiștii francezi ar fi trebuit să-și dezvolte în continuare căutarea culorii din lumină. Dar nu este deloc cazul. În esență, influența lui Turner asupra impresioniștilor se întoarce la De la Delacroix la neoimpresionism a lui Paul Signac, publicată în 1899, unde descrie cum „în 1871, în timpul șederii lor lungi la Londra, Claude Manet și Camille Pissarro l-au descoperit pe Turner. S-au minunat de calitatea încrezătoare și magică a culorilor lui, i-au studiat opera, i-au analizat tehnica. La început, au fost uimiți de portretul lui despre zăpadă și gheață, șocați de felul în care a reușit să transmită o senzație de albul zăpezii, ceea ce ei înșiși nu au putut, cu pete mari de alb argintiu așezate plat cu mișcări largi ale pensulei. . Au văzut că această impresie nu a fost obținută numai cu văruirea. Și o masă de lovituri multicolore. Impușite unul lângă altul, care au produs această impresie, dacă le privești de departe.
În acești ani, Signac căuta pretutindeni confirmarea teoriei sale a puntillismului. Dar în niciuna dintre picturile lui Turner pe care artiștii francezi le-au putut vedea la Galeria Națională în 1871, nu există o tehnică de puntillism descrisă de Signac și nici „pete largi de văruire”. De fapt, influența lui Turner asupra francezilor nu a fost mai puternică în 1870 -e, iar în anii 1890.
Turner a fost studiat cu cea mai mare atenție de Paul Signac - nu numai ca un precursor al impresionismului, despre care a scris în cartea sa, ci și ca un mare artist inovator. Despre picturile târzii ale lui Turner „Ploaie, abur și viteză”, „Exil”, „Dimineața” și „Seara potopului”, Signac i-a scris prietenului său Angrand: sensul frumos al cuvântului.
Evaluarea entuziastă a lui Signac a marcat începutul înțelegerii moderne a căutării picturale a lui Turner. Dar pentru anul trecut uneori se întâmplă să nu țină cont de subtextul și de complexitatea direcțiilor căutării sale, selectând unilateral exemple din „subpicturile” cu adevărat neterminate ale lui Turner, încearcă să descopere în el predecesorul impresionismului.
Dintre cei mai noi artiști, totul sugerează în mod firesc o comparație cu Monet, care însuși a recunoscut influența lui Turner asupra lui. Există chiar și un singur complot care este absolut similar în ambele - și anume, portalul de vest al Catedralei din Rouen. Dar dacă Monet ne oferă un studiu al iluminatului solar al clădirii, el nu ne oferă gotic, ci un fel de model gol, la Turner înțelegeți de ce artistul, complet absorbit de natură, s-a interesat de acest subiect - în imagine este tocmai combinația dintre măreția copleșitoare a întregului și infinitul care lovește o varietate de detalii care aduce creațiile artei gotice mai aproape de operele naturii.
Natura specială a culturii engleze și a artei romantice a deschis posibilitatea apariției primului artist plein air, care a pus bazele imaginii în aer ușor a naturii în secolul al XIX-lea, John Constable (1776-1837). Englezul Constable alege peisajul ca gen principal al picturii sale: „Lumea este mare; nici două zile nu sunt la fel, nici măcar două ore la fel; De la crearea lumii, nici două frunze nu au fost la fel pe un copac și toate operele de artă autentică, precum creațiile naturii, diferă unele de altele”, a spus el.
Constabilul a pictat mari schițe în ulei în aer liber cu o observare subtilă a diferitelor stări ale naturii, în care a reușit să transmită complexitatea vieții interioare a naturii și a vieții ei de zi cu zi. („Vedere la Highgate de pe dealurile Hempstead”, BINE. 1834; „Caru cu fân” 1821; „Detham Valley”, ca. 1828) a realizat acest lucru cu ajutorul tehnicilor de scriere. A pictat cu linii în mișcare, uneori groase și aspre, alteori mai netede și mai transparente. Impresioniştii aveau să ajungă la asta abia la sfârşitul secolului. Pictura inovatoare a lui Constable a influențat lucrările lui Delacroix, precum și întreaga dezvoltare a peisajului francez.
Arta lui Constable, precum și multe aspecte ale operei lui Gericault, au marcat apariția unei tendințe realiste în arta europeană a secolului al XIX-lea, care s-a dezvoltat inițial în paralel cu romantismul. Mai târziu, drumurile lor s-au divergent.
Romanticii deschid lumea suflet uman, individual, spre deosebire de oricine altcineva, dar sincer și deci aproape de toată viziunea senzuală asupra lumii. Instantaneitatea imaginii în pictură, așa cum spunea Gelacroix, și nu consistența ei în performanța literară, a determinat concentrarea artiștilor pe cea mai complexă transmitere a mișcării, de dragul căreia s-au găsit noi soluții formale și coloristice. Romantismul a lăsat o moștenire din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. toate aceste probleme şi individualitatea artistică eliberată de regulile academismului. Simbolul, care printre romantici trebuia să exprime combinația esențială dintre idee și viață, în arta celei de-a doua jumătate a secolului al XIX-lea. se dizolvă în polifonia imaginii artistice, surprinzând diversitatea ideilor și a lumii înconjurătoare.
b) Muzica
Ideea sintezei artei și-a găsit expresie în ideologia și practica romantismului. Romantismul în muzică s-a conturat în anii 20 ai secolului al XIX-lea sub influența literaturii romantismului și s-a dezvoltat în strânsă legătură cu aceasta, cu literatura în general (îndreptându-se spre genuri sintetice, în primul rând operă, cântec, miniaturi instrumentale și programare muzicală). Apelul la lumea interioară a unei persoane, caracteristică romantismului, s-a exprimat în cultul subiectivului, pofta pentru intensul emoțional, care a determinat primatul muzicii și versurilor în romantism.
Muzica din prima jumătate a secolului al XIX-lea. a evoluat rapid. A apărut un nou limbaj muzical; in muzica instrumentala si camera-vocala, miniatura a primit un loc aparte; orchestra a sunat cu un spectru divers de culori; posibilitățile pianului și viorii au fost dezvăluite într-un mod nou; muzica romanticilor era foarte virtuoz.
Romantismul muzical s-a manifestat în multe ramuri diferite asociate cu diferite culturi naționale și cu diferite mișcări sociale. Deci, de exemplu, stilul intim, liric al romanticilor germani și patosul civil „oratoric”, caracteristic operei compozitorilor francezi, diferă semnificativ. La rândul lor, reprezentanți ai noilor școli naționale apărute pe baza unei mișcări ample de eliberare națională (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), precum și reprezentanți ai școlii de operă italiene, strâns asociate cu mișcarea Risorgimento (Verdi, Bellini), în multe privințe diferă de contemporanii din Germania, Austria sau Franța, în special tendința de a păstra tradițiile clasice.
Cu toate acestea, toate au ceva în comun principii artistice, care ne permit să vorbim despre o singură structură romantică a gândirii.
Datorită capacității speciale a muzicii de a dezvălui profund și pătrunzător lumea bogată a experiențelor umane, ea a fost pusă pe primul loc printre alte arte de estetica romantică. Mulți romantici au subliniat un început intuitiv al muzicii, atribuindu-i-i proprietatea de a exprima „incognoscibilul”. Munca unor compozitori romantici remarcabili a avut o bază realistă puternică. Interesul pentru viața oamenilor obișnuiți, plinătatea vieții și adevărul sentimentelor, încrederea în muzica vieții de zi cu zi au determinat realismul operei celor mai buni reprezentanți ai romantismului muzical. Tendințele reacționare (misticism, fuga de realitate) sunt inerente doar unui număr relativ mic de lucrări ale romanticilor. Au apărut parțial în opera Euryanta de Weber (1823), în unele drame muzicale de Wagner, oratoriul Hristos de Liszt (1862) etc.
LA începutul XIX secolul, apar studii fundamentale de folclor, istorie, literatura antica, legendele medievale, arta gotica, cultura renascentista, uitate, sunt reinviate. În acest moment s-au dezvoltat multe școli naționale de tip special în opera compozitorului în Europa, care erau destinate să extindă în mod semnificativ granițele culturii europene comune. Rusă, care a ocupat curând, dacă nu primul, atunci unul dintre primele locuri din lume creativitatea culturală(Glinka, Dargomyzhsky, „Kuchkists”, Ceaikovski), poloneză (Chopin, Moniuszko), cehă (smântână, Dvorak), maghiară (Lista), apoi norvegiană (Grig), spaniolă (Pedrel), finlandeză (Sibelius), engleză (Elgar) ) - toate, contopindu-se în curentul general al creativității compozitorului în Europa, nu s-au opus în niciun fel tradițiilor străvechi consacrate. A apărut un nou cerc de imagini, care exprimă trăsăturile naționale unice ale culturii naționale căreia i-a aparținut compozitorul. Structura de intonație a lucrării vă permite să recunoașteți instantaneu după ureche aparținând unei anumite școli naționale.
Compozitorii implică în limbajul muzical comun european întorsăturile intonaționale ale vechiului folclor, în principal țărănesc, din țările lor. Ei, parcă, au curățat cântecul popular rusesc de opera lăcuită, au introdus în sistemul de intonație cosmopolit al secolului al XVIII-lea rânduri ale genurilor populare de zi cu zi. Fenomenul cel mai frapant în muzica romantismului, care este perceput mai ales viu în comparație cu sfera figurativă a clasicismului, este dominația principiului lirico-psihologic. Desigur, o trăsătură distinctivă a artei muzicale în general este refracția oricărui fenomen prin sfera sentimentelor. Muzica din toate epocile este supusă acestui tipar. Dar romanticii și-au întrecut pe toți predecesorii prin valoarea începutului liric în muzica lor, în forță și perfecțiune în transmiterea profunzimii lumii interioare a unei persoane, a celor mai subtile nuanțe de dispoziție.
Tema iubirii ocupă un loc dominant în ea, deoarece această stare de spirit este cea care reflectă cel mai cuprinzător și pe deplin toate profunzimile și nuanțele psihicului uman. Dar este foarte caracteristic faptul că această temă nu se limitează la motivele iubirii în sensul literal al cuvântului, ci se identifică cu cea mai largă gamă de fenomene. Experiențele pur lirice ale personajelor sunt dezvăluite pe fundalul unei ample panorame istorice. Dragostea unei persoane pentru casa lui, pentru patria sa, pentru poporul său trece ca un fir prin opera tuturor compozitorilor romantici.
Un loc imens este acordat în operele muzicale de forme mici și mari imaginii naturii, strâns și indisolubil împletite cu tema confesiunii lirice. La fel ca imaginile iubirii, imaginea naturii personifică starea de spirit a eroului, deseori colorată de un sentiment de dizarmonie cu realitatea.
Tema fanteziei concurează adesea cu imaginile naturii, care este probabil generată de dorința de a evada din captivitatea vieții reale. Tipic pentru romantici a fost căutarea unui minunat, strălucitor de bogăția de culori a lumii, opus vieții de zi cu zi gri. În acești ani, literatura s-a îmbogățit cu basme, balade ale scriitorilor ruși. Printre compozitorii școlii romantice, imaginile fabuloase, fantastice capătă o colorare națională unică. Baladele sunt inspirate de scriitorii ruși și, datorită acestui lucru, sunt create lucrări cu un plan grotesc fantastic, simbolizând, parcă, partea greșită a credinței, străduindu-se să inverseze ideile de frică de forțele răului.
Mulți compozitori romantici au acționat și ca scriitori și critici muzicali (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt etc.). Munca teoretică a reprezentanților romantismului progresiv a adus o contribuție foarte semnificativă la dezvoltarea celor mai importante probleme ale artei muzicale. Romantismul și-a găsit expresie și în artele spectacolului (violonistul Paganini, cântărețul A. Nurri și alții).
Sensul progresiv al romantismului în această perioadă constă în principal în activitate Franz Liszt. Opera lui Liszt, în ciuda viziunii contradictorii asupra lumii, a fost practic progresistă, realistă. Unul dintre fondatorii și clasicii muzicii maghiare, un artist național remarcabil.
Temele naționale maghiare sunt reflectate pe scară largă în multe dintre lucrările lui Liszt. Compozițiile romantice și virtuoase ale lui Liszt au extins posibilitățile tehnice și expresive ale cântării la pian (concerte, sonate). Semnificative au fost legăturile lui Liszt cu reprezentanții muzicii rusești, ale căror lucrări le-a promovat activ.
În același timp, Liszt a jucat un rol important în dezvoltarea artei muzicale mondiale. După Liszt, „totul a devenit posibil pentru pian”. Trăsături de caracter muzica lui - improvizație, exaltare romantică a sentimentelor, melodie expresivă. Liszt este apreciat ca compozitor, interpret, figură muzicală. Opere majore ale compozitorului: opera „ Don Sancho sau castelul iubirii”(1825), 13 poezii simfonice” Tasso ”, ” Prometeu ”, “Cătun” și altele, lucrări pentru orchestră, 2 concerte pentru pian și orchestră, 75 de romane, coruri și alte lucrări la fel de cunoscute.
Una dintre primele manifestări ale romantismului în muzică a fost creativitatea Franz Schubert(1797-1828). Schubert a intrat în istoria muzicii ca cel mai mare dintre fondatorii romantismului muzical și creatorul unui număr de genuri noi: simfonie romantică, miniatură pentru pian, cântec liric-romantic (romantic). Cea mai mare valoareîn opera sa are cântec,în care a arătat mai ales multe tendinţe inovatoare. În cântecele lui Schubert, lumea interioară a unei persoane este dezvăluită cel mai profund, legătura sa caracteristică cu muzica populară este cea mai vizibilă, una dintre cele mai esențiale trăsături ale talentului său este cea mai evidentă - varietatea uimitoare, frumusețea, farmecul melodiilor. Cele mai bune melodii din perioada timpurie sunt „ Margarita la roată ”(1814) , “regele pădurii". Ambele cântece sunt scrise după cuvintele lui Goethe. În prima dintre ele, fata abandonată își amintește de iubita ei. Este singură și suferă profund, cântecul ei este trist. O melodie simplă și sinceră are ecou doar de zumzetul monoton al brizei. „Regele pădurii” este o lucrare complexă. Acesta nu este un cântec, ci mai degrabă o scenă dramatică în care trei personaje apar în fața noastră: un tată călare pe un cal prin pădure, un copil bolnav pe care îl poartă cu el și un rege formidabil al pădurii care îi apare unui băiat înfelirat. delir. Fiecare dintre ele are propriul său limbaj melodic. Cântecele lui Schubert „Trout”, „Barcarolle”, „Morning Serenade” nu sunt mai puțin faimoase și îndrăgite. Scrise în anii următori, aceste cântece sunt remarcabile pentru melodia lor surprinzător de simplă și expresivă și culorile proaspete.
Schubert a scris și două cicluri de cântece - „ morar frumos„(1823) și” poteca de iarnă”(1872) - la cuvintele poetului german Wilhelm Müller. În fiecare dintre ele, cântecele sunt unite printr-un singur complot. Cântecele ciclului „The Beautiful Miller’s Woman” vorbesc despre un băiat tânăr. Urmând cursul pârâului, pornește într-o călătorie pentru a-și căuta fericirea. Majoritatea melodiilor din acest ciclu au un caracter ușor. Starea de spirit a ciclului „Winter Way” este complet diferită. Un tânăr sărac este respins de o mireasă bogată. În disperare, își părăsește orașul natal și pleacă să cutreiere lumea. Însoțitorii săi sunt vântul, un viscol, o cioara care croșcă amenințător.
Cele câteva exemple date aici ne permit să vorbim despre trăsăturile compoziției lui Schubert.
Lui Schubert îi plăcea să scrie muzica de pian. Pentru acest instrument, a scris un număr mare de lucrări. Asemenea cântecelor, lucrările sale pentru pian erau apropiate de muzica de zi cu zi și la fel de simple și de înțeles. Genurile preferate compozițiile sale erau dansuri, marșuri, iar în ultimii ani ai vieții sale - improvizate.
Valsurile și alte dansuri apăreau de obicei la balurile lui Schubert, în plimbările la țară. Acolo le-a improvizat și le-a înregistrat acasă.
Dacă comparăm piesele pentru pian ale lui Schubert cu melodiile sale, putem găsi multe asemănări. În primul rând, este o mare expresivitate melodică, grație, juxtapunere colorată de major și minor.
Una dintre cele mai mari limba franceza compozitori din a doua jumătate a secolului al XIX-lea Georges Bizet, creatorul unei creații nemuritoare pentru teatrul muzical - opere “Carmen„și muzică minunată pentru drama lui Alphonse Daudet“ Arlesian ”.
Opera lui Bizet se caracterizează prin acuratețea și claritatea gândirii, noutatea și prospețimea mijloacelor expresive, completitudinea și eleganța formei. Bizet este ascuțit analiza psihologicaîn înțelegerea sentimentelor și acțiunilor umane, caracteristice operei marilor compatrioți ai compozitorului - scriitorii Balzac, Flaubert, Maupassant. Locul central în opera lui Bizet, divers ca genuri, îi revine operei. Arta operică a compozitorului a apărut pe pământ național și a fost hrănită de tradițiile operei franceze. Bizet a considerat prima sarcină din opera sa de a depăși restricțiile de gen existente în opera franceză, care împiedică dezvoltarea acesteia. Opera „mare” i se pare un gen mort, opera lirică irită prin lacrimile și îngustimea ei mic-burgheză, comicul merită atenție mai mult decât altele. Pentru prima dată în opera lui Bizet apar scene domestice și de masă suculente și pline de viață, anticipând viața și scene vii.
Muzica lui Bizet pentru drama lui Alphonse Daudet „Arlesian” este cunoscută în principal pentru două suite de concerte formate din cele mai bune numere ale ei. Bizet a folosit niște melodii provensale autentice : „Marșul celor Trei Regi”Și „Dansul cailor plini de frumusețe”.
opera lui Bizet Carmen” este o dramă muzicală care desfășoară în fața publicului cu o veridicitate convingătoare și cu o putere artistică captivantă povestea de dragoste și moarte a eroilor săi: soldatul Jose și țiganca Carmen. Opera Carmen a fost creată pe baza tradițiilor teatrului muzical francez, dar în același timp a introdus și o mulțime de lucruri noi. Bazat pe cele mai bune realizări ale operei naționale și reformând elementele sale cele mai importante, Bizet a creat un nou gen - o dramă muzicală realistă.
În istoria operei secolului al XIX-lea, opera Carmen ocupă unul dintre primele locuri. Din 1876, procesiunea ei triumfală a început pe scenele operelor din Viena, Bruxelles și Londra.
Manifestarea unei relații personale cu mediul înconjurător a fost exprimată de poeți și muzicieni, în primul rând, în imediate, „deschidere” emoțională și pasiune de exprimare, în efortul de a convinge ascultătorul cu ajutorul intensității necontenite a tonului de recunoaștere sau mărturisire.
Aceste noi tendințe în artă au avut o influență decisivă asupra apariției opera lirică. A apărut ca o antiteză a operei „mare” și comică, dar nu a putut trece pe lângă cuceririle și realizările lor în domeniul dramaturgiei operistice și al mijloacelor de exprimare muzicală.
O trăsătură distinctivă a noului gen de operă a fost interpretarea lirică a oricăruia intriga literara- pe istoric, filozofic sau temă modernă. Eroii operei lirice sunt înzestrați cu trăsături ale oamenilor obișnuiți, lipsiți de exclusivitate și oarecare hiperbolizare, caracteristice unei opere romantice. Cel mai important artist din domeniul operei lirice a fost Charles Gounod.
Printre moștenirea operică destul de numeroasă a lui Gounod, opera „ Faust" ocupă un loc special și, s-ar putea spune, excepțional. Faima și popularitatea ei la nivel mondial sunt de neegalat de celelalte opere ale lui Gounod. Semnificația istorică a operei Faust este deosebit de mare pentru că nu a fost doar cea mai bună, ci, în esență, prima dintre operele noii direcții, despre care Ceaikovski a scris: „Este imposibil să negați că Faust a fost scris, dacă nu cu geniu, apoi cu o pricepere extraordinară și fără identitate semnificativă.” În imaginea lui Faust, inconsistența ascuțită și „bifurcarea” conștiinței sale, nemulțumirea veșnică cauzată de dorința de a cunoaște lumea sunt netezite. Gounod nu a putut transmite toată versatilitatea și complexitatea imaginii lui Mefistofel al lui Goethe, care întruchipa spiritul criticii militante a acelei epoci.
Unul dintre principalele motive pentru popularitatea lui „Faust” a fost că a concentrat cele mai bune și fundamental trăsături fundamentale ale genului tânăr al operei lirice: un transfer emoțional direct și viu individual al lumii interioare a personajelor de operă. Adânc sens filozofic„Faust” de Goethe, care a căutat să dezvăluie soarta istorică și socială a întregii omeniri pe exemplul conflictului personajelor principale, a fost întruchipat de Gounod sub forma unei drame lirice umane a lui Marguerite și Faust.
Compozitor francez, dirijor, critic muzical Hector Berlioz a intrat în istoria muzicii ca cel mai mare compozitor romantic, creator al programului simfoniei, inovator în domeniul formei muzicale, al armoniei și mai ales al instrumentației. În opera sa, ei au găsit o întruchipare vie a trăsăturilor patosului și eroicului revoluționar. Berlioz îl cunoștea pe M. Glinka, a cărui muzică o aprecia foarte mult. A fost în relații amicale cu liderii „Mighty Handful”, care i-au acceptat cu entuziasm scrierile și principiile creative.
A creat 5 lucrări muzicale de scenă, inclusiv opera „ Benvenuto Cillini ”(1838), “ troieni ”,”Beatrice și Benedict(bazat pe comedia lui Shakespeare Much Ado About Nothing, 1862); 23 de lucrări vocale și simfonice, 31 de romane, coruri, a scris cărțile „Marele tratat de instrumentație și orchestrație modernă” (1844), „Serile în orchestră” (1853), „Prin cântece” (1862), „Curiozități muzicale” ( 1859), „Memorii” (1870), articole, recenzii.
limba germana compozitor, dirijor, dramaturg, publicist Richard Wagner a intrat în istoria culturii muzicale mondiale ca unul dintre cei mai mari creatori muzicali și reformatori majori ai artei operistice. Scopul reformelor sale a fost acela de a crea o lucrare vocală și simfonică programatică monumentală în formă dramatică, menită să înlocuiască toate tipurile de operă și muzica simfonica. O astfel de lucrare a fost o dramă muzicală, în care muzica curge într-un flux continuu, îmbinând toate legăturile dramatice. Respingând cântarea terminată, Wagner le-a înlocuit cu un fel de recitativ bogat emoțional. Un loc mare în operele lui Wagner este ocupat de episoadele orchestrale independente, care reprezintă o contribuție valoroasă la muzica simfonică mondială.
Mâna lui Wagner aparține a 13 opere:“ Olandezul zburător” (1843), „Tannhäuser” (1845), „Tristan și Isolda” (1865), „Aurul Rinului” (1869) si etc.; coruri, piese pentru pian, romante.
Un alt compozitor german remarcabil, dirijor, pianist, profesor și figură muzicală a fost Felix Mendelssohn-Bartholdy. De la vârsta de 9 ani a început să cânte ca pianist, la 17 ani a creat una dintre capodopere - o uvertură la o comedie " C este într-o noapte de vară" Shakespeare. În 1843 a fondat primul conservator din Germania la Leipzig. În opera lui Mendelssohn, „un clasic printre romantici”, trăsăturile romantice sunt combinate cu sistemul clasic de gândire. Muzica sa se caracterizează prin melodie strălucitoare, democratism al expresiei, moderarea sentimentelor, calmul gândirii, predominanța emoțiilor strălucitoare, stări lirice, nu fără o ușoară notă de sentimentalism, forme impecabile, măiestrie strălucitoare. R. Schumann l-a numit „Mozart al secolului al XIX-lea”, G. Heine – „un miracol muzical”.
Autor de simfonii romantice peisagistice („scoțiene”, „italiene”), program de uverturi de concert, un concert popular pentru vioară, cicluri de piese pentru pian „Cântec fără cuvinte”; operele Căsătoria lui Camacho.A scris muzică pentru piesa dramatică Antigona (1841), Oedip în Colon (1845) de Sofocle, Atalia de Racine (1845), Visul unei nopți de vară a lui Shakespeare (1843) și altele; oratoriile „Paul” (1836), „Ilie” (1846); 2 concerte pentru pian și 2 pentru vioară.
ÎN Italiană cultura muzicala un loc special îi revine lui Giuseppe Verdi - un compozitor, dirijor, organist remarcabil. Domeniul principal al lucrării lui Verdi este opera. El a acționat în principal ca purtător de cuvânt al sentimentelor eroic-patriotice și al ideilor de eliberare națională ale poporului italian. În anii următori, el a acordat atenție conflictelor dramatice generate de inegalitatea socială, violența, opresiune și a denunțat răul în operele sale. Trăsături caracteristice ale operei lui Verdi: muzică populară, temperament dramatic, strălucire melodică, înțelegere a legilor scenei.
A scris 26 de opere: „ Nabucco”, „Macbeth”, „Troubadour”, „La Traviata”, „Othello”, „Aida" si etc . , 20 de romance, ansambluri vocale .
Tineri norvegian compozitor Edvard Grieg (1843-1907) a aspirat la dezvoltarea muzicii naţionale. Acest lucru a fost exprimat nu numai în munca sa, ci și în promovarea muzicii norvegiene.
În anii petrecuți în Copenhaga, Grieg a scris multă muzică: „ Poze poetice”Și „Umoristic”, sonata pentru pian si vioara prima sonata, melodii. Cu fiecare nouă lucrare, imaginea lui Grieg ca compozitor norvegian apare mai clar. În subtilul liric „Tablouri poetice” (1863), trăsăturile naționale încă pătrund timid. Figura ritmică se găsește adesea în muzica populară norvegiană; a devenit caracteristic multora dintre melodiile lui Grieg.
Activitatea lui Grieg este vastă și cu mai multe fațete. Grieg a scris opere de diferite genuri. Concert și balade pentru pian, trei sonate pentru vioară și pian și o sonată pentru violoncel și pian, cvartetul mărturisește dorința constantă a lui Grieg pentru forma mare. În același timp, interesul compozitorului pentru miniaturi instrumentale a rămas neschimbat. În aceeași măsură ca pianul, compozitorul a fost atras de miniatura vocală de cameră - o dragoste, un cântec. Nu fii principalul cu Grieg, domeniul creativității simfonice este marcat de astfel de capodopere precum suitele” Per Gounod ”, “Din zilele lui Holberg". Unul dintre tipurile caracteristice ale operei lui Grieg este prelucrarea cântecelor și dansurilor populare: sub formă de piese simple pentru pian, un ciclu de suită pentru pian la patru mâini.
Limbajul muzical al lui Grieg este strălucitor de original. Individualitatea stilului compozitorului este determinată mai ales de legătura sa profundă cu muzica populară norvegiană. Grieg folosește pe scară largă trăsăturile de gen, structura intonației, formulele ritmice ale cântecului popular și melodiilor de dans.
Stăpânirea remarcabilă a lui Grieg asupra dezvoltării variaționale și variante a unei melodii își are rădăcinile tradiții populare repetarea repetată a unei melodii cu modificările ei. „Am înregistrat muzica populară a țării mele.” În spatele acestor cuvinte se află atitudinea reverentă a lui Grieg față de arta populară și recunoașterea rolului său decisiv pentru propria sa creativitate.
7. CONCLUZIE
Pe baza celor de mai sus se pot trage următoarele concluzii:
Apariția romantismului a fost influențată de trei evenimente principale: Revoluția Franceză, războaiele napoleoniene, ascensiunea mișcării de eliberare națională în Europa.
Romantismul ca metodă și direcție în cultura artistică a fost un fenomen complex și controversat. În fiecare țară avea o expresie națională strălucitoare. Romanticii au ocupat diverse poziții sociale și politice în societate. Toți s-au răzvrătit împotriva rezultatelor revoluției burgheze, dar s-au răzvrătit în moduri diferite, deoarece fiecare avea propriul său ideal. Dar cu toate fețele și diversitatea, romantismul are trăsături stabile:
Toate au venit din negarea Iluminismului și a canoanelor raționaliste ale clasicismului, care au înlăturat inițiativa creativă a artistului.
Ei au descoperit principiul istoricismului (iluminatorii au judecat trecutul în mod antiistoric pentru ei era „rezonabil” și „nerezonabil”). Am văzut personaje umane în trecut, modelate de timpul lor. Interesul pentru trecutul național a dat naștere la o masă de lucrări istorice.
Interes pentru o personalitate puternică care se opune întregii lumi din jurul său și se bazează doar pe sine.
Atenție la lumea interioară a omului.
Romantismul a fost dezvoltat pe scară largă atât în țările Europei de Vest, cât și în Rusia. Cu toate acestea, romantismul din Rusia a diferit de vestul european în favoarea unui cadru istoric diferit și a unei tradiții culturale diferite. Motivul real al apariției romantismului în Rusia a fost Războiul Patriotic din 1812, în care s-a manifestat toată puterea inițiativei populare.
Caracteristicile romantismului rusesc:
Romantismul nu s-a opus iluminismului. Ideologia iluminismului s-a slăbit, dar nu s-a prăbușit, ca în Europa. Idealul unui monarh iluminat nu s-a epuizat.
Romantismul s-a dezvoltat în paralel cu clasicismul, împletindu-se adesea cu acesta.
Romantismul din Rusia s-a manifestat în moduri diferite în diferite tipuri de artă. În arhitectură, nu s-a citit deloc. În pictură, s-a uscat până la mijlocul secolului al XIX-lea. A apărut doar parțial în muzică. Poate că doar în literatură romantismul s-a manifestat în mod consecvent.
În artele vizuale, romantismul s-a manifestat cel mai clar în pictură și grafică, mai puțin expresiv în sculptură și arhitectură.
Romanticii deschid lumea sufletului uman, individual, spre deosebire de oricine altcineva, dar sincer și deci aproape de orice viziune senzuală asupra lumii. Instantaneitatea imaginii în pictură, așa cum spunea Delacroix, și nu consistența ei în performanța literară, a determinat concentrarea artiștilor pe cea mai complexă transmitere a mișcării, de dragul căreia s-au găsit noi soluții formale și coloristice. Romantismul a lăsat o moștenire din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. toate aceste probleme şi individualitatea artistică eliberată de regulile academismului. Simbolul, care printre romantici trebuia să exprime combinația esențială dintre idee și viață, în arta celei de-a doua jumătate a secolului al XIX-lea. se dizolvă în polifonia imaginii artistice, surprinzând diversitatea ideilor și a lumii înconjurătoare. Romantismul în pictură este strâns legat de sentimentalism.
Datorită romantismului, viziunea subiectivă personală a artistului ia forma unei legi. Impresionismul va distruge complet bariera dintre artist și natură, declarând arta o impresie. Romanticii vorbesc despre fantezia artistului, „vocea sentimentelor sale”, care îi permite să oprească munca atunci când maestrul consideră că este necesar, și nu așa cum cer standardele academice de completitudine.
Romantismul a lăsat o întreagă epocă în cultura artistică mondială, reprezentanții ei au fost: în literatura rusă Jukovski, A. Pușkin, M. Lermontov și alții; în arte plastice E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin ş.a.; în muzica lui F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin și alții Au descoperit și dezvoltat noi genuri, au acordat o atenție deosebită destinului personalității umane, au dezvăluit dialectica binelui și răului, pasiunile omenești relevate cu măiestrie etc.
Formele de artă au egalat mai mult sau mai puțin în semnificația lor și au produs opere de artă magnifice, deși romanticii au acordat prioritate muzicii în scara artelor.
Romantismul ca viziune asupra lumii a existat în Rusia în primul său val de la sfârșitul secolului al XVIII-lea până în anii 1850. Linia romanticului în arta rusă nu s-a oprit în anii 1850. Tema stării de a fi, descoperită de romantici pentru artă, a fost dezvoltată ulterior de artiștii Trandafirului Albastru. Moștenitorii direcți ai romanticilor au fost, fără îndoială, simboliștii. Temele romantice, motivele, dispozitivele expresive au intrat în arta diferitelor stiluri, direcții, asocieri creative. Viziunea romantică asupra lumii sau viziunea asupra lumii s-a dovedit a fi una dintre cele mai vii, tenace, fructuoase.
Romantismul ca atitudine generală, caracteristică mai ales tinerilor, ca dorință de libertate ideală și creativă, trăiește încă constant în arta mondială.
8. REFERINȚE
1. Amminskaya A.M. Alexei Gavrilovici Vnetsianov. -- M: Knowledge, 1980
2. Atsarkina E.N. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: Art, 1971.
3. Belinsky V.G. Lucrări. A. Puşkin. - M: 1976.
4. Marea Enciclopedie Sovietică (Redactor-șef Prokhorov A.M.).– M: Enciclopedia Sovietică, 1977.
5. Vainkop Yu., Gusin I. Scurt dicționar biografic al compozitorilor. - L: Muzică, 1983.
6. Vasili Andreevici Tropiin (sub conducerea lui M.M. Rakovskaya). -- M: Arte vizuale, 1982.
7. Vorotnikov A.A., Gorshkovoz O.D., Yorkina O.A. Istoria artei. - Mn: Literatură, 1997.
8. Zimenko V. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: Editura de Stat de Arte Plastice, 1951.
9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. Viața și arta. - M: 1989.
10. Literatură muzicală țări străine (sub redactia lui B. Levik).- M: Muzică, 1984.
11. Nekrasova E.A. Strungar. -- M: Arte plastice, 1976.
12. Ozhegov S.I. Dicționar al limbii ruse. - M: Editura de stat de dicționare străine și ruse, 1953.
13. Orlova M. J. Constable. -- M: Art, 1946.
14. Artiști ruși. A.G.Venezianov. - M: Editura de Stat de Arte Plastice, 1963.
15. Sokolov A.N. Istoria literaturii ruse a secolului al XIX-lea (prima jumătate). - M: Liceu, 1976.
16. Turchin V.S. Orest Kiprensky. -- M: Knowledge, 1982.
17. Turchin V.S. Theodore Géricault. -- M: Arte vizuale, 1982.
18. Filimonova S.V. Istoria culturii mondiale de artă.-- Mozyr: White wind, 1997.
