Acasă » Artiști ruși

Artiști ruși celebri

XIV (secolul al XIV-lea) XV (secolul al XV-lea) XVII (secolul al XVII-lea) XVIII (secolul al XVIII-lea) XIX (secolul al XIX-lea) XX (secolul al XX-lea)

În șirul pestriț al anilor copilăriei îndepărtate, o zi minunată de vară a rămas deosebit de vie în memoria lui Vladimir Aleksandrovici Vasiliev. „Consider această zi ca fiind decisivă în viața mea de artist. Pentru prima dată am trăit acel sentiment de fericire deosebită, plinătatea vieții, care atât de des m-a copleșit mai târziu, când am devenit artist, în acele momente în care ești lăsat singur cu natura și o înțelegi mereu cu ceva nou și vesel. uimire.

Korovin Konstantin Alekseevici, faimos pictor rus și artist de teatru. A studiat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova - la departamentul de arhitectură (1875), iar apoi (din 1876) la secția pitorească a lui I. Pryanishnikov., V, Perov, L. Savrasov! şi V. Polenov. Timp de câteva luni (1882-83) a studiat la Academia de Arte din Sankt Petersburg. Și-a terminat studiile artistice la Colegiu (1883-1886).

Kramskoi Ivan Nikolaevici
(1837-1887)

Kramskoy Ivan Nikolaevich, un pictor remarcabil și artist progresist rus. Născut în Ostrogozhsk, provincia Voronezh, într-o familie burgheză săracă. Cunoștințele inițiale le-a primit la școala județeană. Desenez singur din copilărie. La vârsta de șaisprezece ani, a intrat într-un retușator pentru un fotograf din Harkov

Kuindji Arkhip Ivanovici
(1842-1910)

A.I. Kuindzhi era fiul unui cizmar grec sărac din Mariupol, a rămas devreme orfan și a trebuit să realizeze totul în viața lui. La începutul anilor 1860, pasiunea lui pentru desen l-a adus la Sankt Petersburg, unde a încercat de două ori să intre la Academia de Arte, dar nu a reușit. I-a lipsit pregătirea, pentru că și-a dobândit toată experiența picturii ca retușator într-un atelier de fotografie.

Kustodiev Boris Mihailovici
(1878 - 1927)

Kustodiev Boris Mikhailovici, un remarcabil pictor sovietic rus, grafician, artist de teatru, sculptor. Născut în Astrakhan, pe malul Volgăi și-a petrecut copilăria, adolescența și tinerețea. Ulterior, fiind deja un pictor cunoscut, a locuit multă vreme în satul de lângă Kineshma, a construit acolo o casă-atelier, pe care l-a numit „terem”. Pe Volga, Kustodiev a crescut și s-a maturizat ca artist. Volga și oamenii din Volga au dedicat multe dintre picturile sale. Patrie i-a oferit o cunoaștere profundă a vieții rusești și a vieții populare, o dragoste pentru târguri aglomerate zgomotoase, festivități, cabine, acele culori strălucitoare și vesele care au intrat odată cu el în pictura rusă.

Lagorio Lev Feliksovich
(1827-1905)

Lagorio Lev Feliksovich - pictor peisagist rus, pictor marin. Născut în familia unui consul napolitan în Feodosia. Profesorul său a fost I. K. Aivazovsky. Din 1843, Lagorio a studiat la Sankt Petersburg la Academia de Arte cu A. I. Sauerweid și M. N. Vorobyov.

Levitan Isaac Ilici
(1861-1900)

Născut în orașul Kybarty din Lituania în familia unui angajat al căilor ferate. A studiat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova (1873-74) sub A. Savrasov și V. Polenov. Din 1884 a concertat la expoziţiile Asociaţiei Hoinătorilor; din 1891 - membru al Asociaţiei. Din 1898 - academician de pictură peisagistică. Levitan a creat multe imagini minunate și pline de suflet ale naturii rusești. În opera sa a fost dezvoltat începutul liric, care este inerent picturii profesorului și mentorului său A. Savrasov.

Malevici Kazimir Severinovici
(1878-1935)

Numele lui Kazimir Malevich și-a câștigat rapid locul cuvenit în istoria artei ruse de îndată ce ideologia oficială sovietică s-a prăbușit. Acest lucru s-a întâmplat cu atât mai mult cu cât marele artist câștigase de multă vreme faima de durată în afara patriei. Bibliografia dedicată lui ar trebui publicată ca o ediție separată, iar nouă zecimi din ea constă în cărți și articole despre limbi straine: Numeroase studii în limba rusă au început să fie publicate de la sfârșitul anilor 1980, când prima expoziție majoră a lui Malevici a avut loc în patria sa, după decenii de tăcere și blasfemie.

Malyutin Serghei Vasilievici
(1859-1937)

Viitorul artist s-a născut pe 22 septembrie 1859 într-o familie de negustori din Moscova. Lăsat orfan de trei ani, a fost crescut în casa unei mătuși, soția unui mic funcționar. Băiatul a fost trimis la o școală comercială și apoi la un curs de contabilitate, după care a fost desemnat să servească ca funcționar în Voronezh. Înclinațiile artistice s-au manifestat devreme. Dar mediul nu a fost propice dezvoltării lor. Abia la sfârșitul anilor 1870, când a ajuns la expoziția itinerantă care s-a deschis la Voronezh, Malyutin a văzut pentru prima dată pictura adevărată. Visele vagi de multă vreme și-au găsit concretețe: decizia a venit, în ciuda oricăror dificultăți, de a deveni artist.

Nesterov Mihail Vasilievici
(1862- 1942)

Nesterov Mihail Vasilevici, un remarcabil artist sovietic rus. Născut în Ufa într-o familie de negustori. A studiat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova (1877-86) și la Academia de Arte sub V. Perov, I. Pryanishnikov și P. Chistyakov. Inițial m-am încercat gen domestic: „Victima prietenilor” (1881), „Examen în scoala rurala» (1884). În 1882 s-a căsătorit cu Maria Martynova, care a murit în 1885 din naștere. Această tragedie a influențat foarte mult toate lucrările ulterioare ale artistului. A abandonat genurile ușoare și s-a orientat către subiecte istorice și religioase.

Perov Vasili Grigorievici
(1834-1882)

Unul dintre pionierii picturii realiste din anii '60 a fost Vasili Grigorievici Perov- succesorul tendințelor acuzatoare ale lui Fedotov. În neliniștea și anxietățile vieții rusești, el găsește temeiul creativității sale, acel mediu nutritiv, fără de care un artist nu poate exista. Perov se grăbește cu îndrăzneală și deschis în luptă, denunțând falsitatea și ipocrizia riturilor bisericești ( „Procesiune rurală de Paște”, 1861), parazitismul și depravarea preoților și călugărilor ( „Bea ceai în Mytishchi”, 1862; ambele în Galeria Tretiakov din Moscova).

Polenov Vasily Dmitrievici
(1844- 1927)

Născut la Sankt Petersburg într-o familie artistică. Mama este artistă, tatăl este un celebru arheolog și bibliograf, membru al Academiei de Științe, cunoscător și iubitor de arte. În copilărie, a studiat muzica. A absolvit gimnaziul din Petrozavodsk și a intrat la Academia de Arte (1863) în clasă pictura de istorieși în același timp la Facultatea de Drept a Universității din Sankt Petersburg. Cu toate acestea, nu a renunțat la orele de muzică și a cântat de ceva vreme în Corul Academic. Pe când era încă student, a vizitat Germania și Franța, admirându-i pe R. Wagner și J. Offenbach.

Repin Ilya Efimovici
(1844-1933)

Repin Ilya Efimovici, un artist rus remarcabil, reprezentant al realismului democratic. Născut în Chuguev, provincia Harkov, în familia unui colonist militar. La vârsta de treisprezece ani, a început să studieze pictura la Chuguev cu artistul N. Bunakov. A lucrat în artele de pictură cu icoane. În 1863 a venit la Sankt Petersburg și a intrat la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artelor. M-am întâlnit cu I. Kramskoy, care a devenit mentorul tânărului artist la ani lungi.

Roerich Nicholas Konstantinovici
(1874- 1947)

Roerich Nicholas Konstantinovici, un artist rus remarcabil, istoric de artă, arheolog și persoană publică. Născut în Sankt Petersburg. A studiat la Sankt Petersburg la Gimnaziul Mey (1883-93). A luat lecții de desen de la M. Mikeshin. A absolvit Facultatea de Drept a Universității din Sankt Petersburg (1893-96) și departamentul de pictură al Academiei de Arte (1893-97) la clasa lui A. Kuindzhi. Acesta din urmă a căutat să dezvolte în studenții săi un sentiment al decorativității culorii. Fără a refuza să lucreze din natură, a insistat ca tablourile să fie pictate din memorie. Artistul a trebuit să suporte ideea imaginii.

Savitsky Konstantin Apollonovich
(1844-1905)

Savitsky Konstantin Apollonovich, pictor rus și pictor de gen. Născut în Taganrog în familia unui medic militar. În 1862 a intrat la Academia de Arte din Sankt Petersburg, dar din cauza unei pregătiri insuficiente a fost nevoit să plece, iar după doi ani de intensă muncă independentăîn 1864 a intrat din nou la Academie. În 1871 a primit o mică medalie de aur pentru pictura Cain și Abel. Deja în anii universitar, a fost aproape de Artel lui I. Kramskoy, iar mai târziu de Asociația Expozițiilor de Artă Itinerante și a expus la a 2-a Expoziție itinerantă (1873). Acest lucru a stârnit nemulțumiri față de administrația Academiei, care, găsind greșeli cu prima ocazie întâlnită (un examen nepromovat la timp din cauza căsătoriei), l-a expulzat pe Savitsky din Academie (1873).

Savrasov Alexey Kondratievici
(1830-1890)

Există picturi fără de care este de neconceput să ne imaginăm arta rusă, la fel cum este imposibil să ne imaginăm literatura rusă fără „Războiul și pacea” de Tolstoi, „Eugene Onegin” de Pușkin, Și aceasta nu trebuie să fie mare și munca complexa. O astfel de adevărată perlă a picturii peisagistice rusești a fost o mică pictură modestă de Alexei Kondratievich Savrasov (1830-1897) „Curgurile au sosit”. A apărut la prima expoziție a Asociației Rătăcitorilor în 1871.

Serov Valentin Alexandrovici
(1865-1911)

Chiar și în timpul vieții lui V. A. Serov, și cu atât mai mult după moartea sa, istoricii de artă și artiștii s-au certat despre cine a fost Serov: ultimul pictor al vechii școli a secolului al XIX-lea. sau un reprezentant al noii arte? Răspunsul corect la această întrebare ar fi: ambele. Serov este tradițional; în istoria picturii ruse, ar putea fi numit fiul lui Repin. Dar adevărații urmași ai tradițiilor nu se opresc în același loc, ci merg înainte și caută. Serov a căutat mai mult decât alții. Nu cunoștea sentimentul de satisfacție. Era tot timpul pe drum. Prin urmare, a devenit artistul care a combinat organic arta secolelor XIX și XX.

Surikov Vasili Ivanovici
(1848-1916)

Surikov Vasily Ivanovici, un remarcabil pictor istoric și pictor de gen rus. „Ideile de tipuri istorice au fost aduse în mine de Siberia.” Născut în Krasnoyarsk în familia unui ofițer cazac. Tatăl său, un iubitor pasionat de muzică, a cântat superb la chitară și a fost considerat cel mai bun cântăreț Krasnoyarsk. Mama a fost o brodatoare excelentă.

Fedotov Pavel Andreevici
(1815-1852)

Pavel Andreevici Fedotov s-a născut la Moscova la 22 iunie 1815. Tatăl meu era funcționar și mergea la muncă în fiecare dimineață. Familia Fedotov era mare, nu trăiau bine, dar nu simțeau prea multă nevoie. Vecinii din jur erau oameni simpli - mici funcționari, militari pensionari, negustori săraci. Pavlusha Fedotov a fost deosebit de prietenos cu fiii căpitanului Golovachev, care locuiau vizavi, iar sora sa mai mică, „Liubochka cu ochi ascuțiți”, cum o numea el, era prietenă cu Katenka Golovachev, de vârsta ei.

Şişkin Ivan Ivanovici
(1832-1898)

Intră în holul Galeriei Tretiakov, unde sunt atârnate picturi ale lui Ivan Ivanovici Șișkin și ți se va părea că suflarea umedă a pădurii, vântul proaspăt al câmpurilor a intrat, a devenit mai însorit și mai strălucitor. În picturile lui Shishkin, vedem acea dimineață devreme în pădure după o furtună de noapte, apoi întinderile nesfârșite de câmpuri cu o potecă care merge spre orizont, apoi amurgul misterios al desișului pădurii.

Yuon Konstantin Fedorovich
(1875-1958)

Soarta favorizată în toate modurile posibile K. F. Yuonu. El a trăit viata lunga. A avut o căsnicie extrem de fericită. Oamenii din jurul lui l-au iubit. Nu a trebuit niciodată să se lupte cu nevoia. Succesul i-a venit foarte devreme și l-a însoțit mereu. După revoluție, onorurile, premiile înalte, titlurile, funcțiile de conducere, parcă, îl căutau. Au fost mai puține adversități - aceasta a fost o ceartă de câțiva ani cu tatăl său (un angajat al unei bănci) din cauza căsătoriei lui Yuon cu o țărancă și a morții timpurii a unuia dintre fiii săi.

artiști ruși

Akimov Nikolai Pavlovici
(1901-1968)

N. P. Akimov a venit la Sankt Petersburg destul de tânăr și aproape toată viața sa a fost strâns legată de acest oraș. A studiat la atelierul lui S. M. Seidenberg (1915-18), câțiva ani mai târziu a intrat la Academia de Arte, dar a părăsit-o fără să-și termine studiile. a fost logodit grafica de carteși a reușit să-și creeze un nume, dar s-a trezit cu adevărat în scenografie. Munca în teatru l-a fascinat atât de mult încât la sfârșitul anilor 1920. s-a orientat și către regie, făcând-o a doua, dacă nu prima, profesie: în 1933 a condus Sala de Muzică din Leningrad, iar în 1935 - celebrul Teatru de Comedie din Leningrad, director artistic pe care a rămas până la moarte (cu excepția anilor 1949-55, când a fost nevoit să treacă la altă echipă).

Nissky Georgy Grigorievici
(1903-1987)

Artistul și-a petrecut copilăria la o mică gară de lângă Gomel. Pictorul local V. Zorin, care a văzut desenele tânărului, l-a sfătuit să-și continue studiile în arte plastice. Urmând sfatul, Nissky a intrat în Studioul de Arte Frumoase Gomel, numit după M. Vrubel. Abilitățile sale au fost remarcate și în 1921 a fost trimis la Moscova pentru cursuri pregătitoare la Atelierele superioare artistice și tehnice.În 1923, Nissky s-a mutat la catedra de pictură, unde profesorii săi au fost A. D. Drevin și R. R. Falk.

Pakhomov Alexey Fiodorovich
(1900-1973)

În regiunea Vologda, lângă orașul Kadnikov, pe malul râului Kubena, se află satul Varlamov. Acolo, la 19 septembrie (2 octombrie), 1900, s-a născut un băiat unei țărănci, Efimia Petrovna Pakhomova, pe care o chema Alexei. Tatăl său, Fyodor Dmitrievich, provenea de la fermieri „specifici” care nu cunoșteau ororile iobăgiei din trecut. Această împrejurare a jucat un rol important în modul de viață și în trăsăturile de caracter predominante, a dezvoltat capacitatea de a se comporta simplu, calm, cu demnitate.

Un vizitator al Muzeului Rus, care trece de la expoziția de iconografie în sala lui Petru I, trăiește senzații asemănătoare cu cele trăite de Neo în filmul Matrix, care a luat o pastilă roșie din mâinile lui Morpheus. Tocmai acum eram înconjurați de imagini spiritualizate, culori strălucitoare și linii armonice, care semănau doar depărtat cu ceea ce se vedea în jur, dar cu frumusețea lor necorporală reprezentau în lumea noastră legea și ordinea stabilite în timpul creării Universului. Bine ați venit în realitate - trecând pragul, coborâm în această lume a culorilor închise și a fizicității deliberate, sculptate de lumina fețelor în relief, parcă s-ar desprinde de pe fundaluri negre. Am venit să privim, dar ne-am trezit noi înșine sub focul încrucișat al vederilor: aproape toate exponatele de aici sunt portrete. De acum înainte și pentru întregul secol care vine, portretul va deveni sinonim cu pictura rusă.

Istoria portretului rus al secolului al XVIII-lea este o imagine a conștiinței de sine vizuale a națiunii, procesul de dobândire a „chipului” de către o persoană rusă desfășurat în timp. În epoca petrină, cineva se obișnuiește cu apariția unui individ construit în ierarhia socială. De la standardul de clasă, fixat într-un repertoriu destul de limitat de ipostaze și expresii faciale, portretul se îndreaptă spre construirea unor relații mai subtile între aspectul și lumea interioară a personajului. Odată cu apariția sentimentalismului, viața sufletească devine o valoare, un semn al unei personalități care îmbină armonios natura și civilizația. În cele din urmă, romantismul și epoca anului 1812 vor permite - probabil pentru prima dată în arta rusă - să se nască imaginea unei persoane libere în interior.

Apropo de portret, sunt câteva lucruri de reținut. În primul rând, într-o societate de clasă, el este un privilegiu, un marker și, în același timp, un garant al statutului de model. În majoritatea covârșitoare a cazurilor, reprezentanții celor mai înalte pături sociale au devenit eroii portretelor. Un portret în care convențiile necesare imaginii (poză, costum, anturajul și atributele) sunt respectate și convenite va confirma automat statutul social ridicat al caracterului ei. Portretul reflectă și difuzează standardele de comportament social. El pare să spună: „Înaintea ta om nobil. Fii ca el!" Deci, de secole, un portret nobil a reprezentat nu numai o figură de nobil, ci și o persoană care se caracterizează prin ușurință grațioasă, adică o proprietate care a servit de mult timp ca expresie corporală a nobilimii și a creșterii și, prin urmare, aparţinând elitei.

Portretul este un fel de industrie. Însăși natura pieței portretelor sugerează un grad ridicat de unificare. Portretele sunt destul de clar împărțite în solemne (ceremoniale) și mai intime (private). Ele, la rândul lor, presupun un anumit set de formate, ipostaze și atribute, precum și o listă de prețuri corespunzătoare, care ia în considerare dacă artistul însuși a executat portretul de la început până la sfârșit sau a încredințat ucenicilor domenii mai puțin importante de lucru.

Încă de la primii pași în lumea antică, portretul a jucat un rol magic: a înlocuit literalmente cel înfățișat și i-a prelungit viața după moarte. Amintirea acestor funcții arhaice a însoțit portretul chiar și atunci când a devenit unul dintre genurile de pictură și sculptură ale timpurilor moderne. A fost transmisă, în special, de lucrări literare care descriau comunicarea imaginară cu un portret: „interviuri” poetice cu el, povești despre îndrăgostirea de portrete, iar în epoca romantismului, povești teribile despre imagini care prind viață. Ei spun neapărat că portretul este „parcă viu”, „respiră”, îi lipsește doar darul vorbirii etc. De regulă, imaginile descrise de poeți erau rodul imaginației lor. Cu toate acestea, tradiția în sine, păstrată de literatură de secole, a stabilit calea percepției portretului și a reamintit că acesta aparține nu numai lumii artei, ci are legătură directă cu problema existenței umane.

Teoria clasică a artei acordă puțină valoare portretului. Acest gen ocupă, de asemenea, un loc corespunzător în ierarhia academică. La sfârșitul secolului al XVIII-lea, de exemplu, se credea că „în portretul... fel, se face întotdeauna o singură figură și în cea mai mare parte în aceeași poziție... Acest tip nu poate fi... comparativ cu istoricul...”. În acest moment, portretul, asociat cu imitarea naturii imperfecte, nu ar fi trebuit să devină o ocupație de prestigiu. Între timp, în Rusia s-a dezvoltat o situație diferită: portretul, solicitat de societate, a devenit una dintre căile cele mai sigure ale artistului către succes. Începând cu Louis Caravaque, Ivan Nikitin sau Georg Groot, realizarea de portrete a fost una dintre sarcinile principale ale pictorilor de curte. Dar artistul primei jumătăți - mijlocul secolului al XVIII-lea este încă un muncitor cu mai multe stații: iobagul Șeremetev Ivan Argunov și-a îndeplinit diferitele capricii ale proprietarului și și-a încheiat cariera de administrator, lăsând pictura; Andrei Matveev și Ivan Vishnyakov au supravegheat arhitecții și decoratorii Cancelariei din clădiri; Alexei Antropov avea atribuții similare în Sinod. Cu toate acestea, pentru o singură copie a propriului portret de încoronare a lui Petru al III-lea, comandat de Senat, artistul a primit 400 de ruble - cu doar o treime mai puțin decât salariul său anual la Sinod.

Alexei Antropov. Portretul lui Petru al III-lea. 1762

Odată cu înființarea Academiei de Arte în 1757, situația a început să se schimbe. Anterior, portretistul rus, ca un ucenic al Renașterii, și-a învățat meseria în atelierul unui artist practicant sau a luat lecții de la o celebritate în vizită. Antropov, în vârstă de patruzeci de ani, s-a îmbunătățit sub îndrumarea lui Pietro Rotari, un pictor cu reputație europeană care s-a mutat în Rusia. Argunov a studiat cu Groot și, la ordinul împărătesei, el însuși a instruit pictura cântăreților care „dorm din glasul lor”, printre care se număra viitorul pictor istoric Anton Losenko. Acum, baza educației artistului a fost o metodă holistică dovedită de generații. Clasa de portrete de la Academie a fost fondată în 1767.

În ciuda statutului aparent scăzut al genului, din nouă studenți de la prima admitere care au absolvit Academiei, cinci au absolvit ca portretisti, iar doar doi s-au specializat în pictură istorică. Portretele au ocupat un loc important în expozițiile academice și i-au permis artistului să facă o carieră cu drepturi depline - să devină „desemnat” (adică membru corespondent) sau chiar academician. Borovikovsky a primit primul titlu în 1794 pentru imaginea Ekaterinei a II-a la o plimbare în parcul Tsarskoselsky, iar un an mai târziu - al doilea, pentru portretul Marelui Duce Konstantin Pavlovici. Portretul unei persoane cu o profesie creativă în sine i-ar putea ridica simbolic statutul. Levitsky l-a înfățișat pe arhitectul Kokorinov în 1769, conform standardului unui portret al unui om de stat: rectorul Academiei de Arte cu o sabie și într-un costum luxos care își merită salariul anual, cu un gest nobil, arată către un secretar cu o trezorerie academică, o Academie de pecete și planul ei. Patru ani mai târziu, artistul va reproduce literal această schemă într-un portret al vicecancelarului Prințul Golitsyn.

Vladimir Borovikovski. Catherine a II-a pentru o plimbare în parcul Tsarskoye Selo. 1794Galeria de Stat Tretiakov

Vladimir Borovikovski. Portretul Marelui Duce Konstantin Pavlovici. 1795Muzeul de Artă de Stat Chuvash

Dmitri Levitsky. Portretul lui A. F. Kokorinov. 1769

Dmitri Levitsky. Portretul prințului vicecancelar A. M. Golitsyn. 1772Galeria de Stat Tretiakov

A doua jumătate a secolului deschide o alternativă pentru portretist - lucrul la comenzi private. Fyodor Rokotov provenea, cel mai probabil, de la iobagi, dar a slujit nobilimii în departamentul militar. Când cariera sa la Academia de Arte nu a funcționat, s-a mutat la Moscova în 1766-1767, iar nobilimea bine născută a vechii capitale a alcătuit clientela extinsă a artistului. Pe exemplul său, ne putem face o idee despre poziția pictorului solicitat. Pentru portretul regal pictat din proprie inițiativă, Ekaterina i-a acordat lui Rokotov 500 de ruble. Primul istoriograf al artei ruse din secolul al XVIII-lea, Jacob Shtelin, mărturisește că chiar și la Sankt Petersburg artistul era „atât de priceput și de faimos încât nu putea face față singur tuturor lucrărilor comandate lui... Avea aproximativ 50 de portrete. în apartamentul lui, foarte asemănător, nu s-a terminat nimic la ei, cu excepția șefului [acesta presupunea probabil participarea ucenicilor]”. Dacă în anii 1770 portretul său standard costa 50 de ruble, atunci în anii 1780 era deja estimat la o sută. Acest lucru i-a permis artistului să achiziționeze un teren pentru 14.000 de ruble, să construiască pe ea o casă de piatră cu două etaje, să devină membru al clubului englez și să merite remarca enervată a unui contemporan: „Rokotov a devenit arogant și important pentru faimă”.

Fedor Rokotov. Portretul încoronării Ecaterinei a II-a. 1763 Galeria de Stat Tretiakov

Contrastul dintre iconografie și portretul secolului al XVIII-lea arată clar caracterul radical al revoluției petrine. Însă europenizarea formelor picturale a început mai devreme. În secolul al XVII-lea, maeștrii Armureriei și alți iconografi au creat un hibrid de icoană și portret - parsuna (de la cuvântul „persoană”, care în prima jumătate a secolului al XVIII-lea a înlocuit cuvântul „portret” în Rusia) . Până la sfârșitul secolului al XVII-lea, parsuna folosea deja cu putere și principal schema frontului european port-tre-ta, împrumutat prin Polonia și Ucraina. Din portret a venit sarcina - apariția unei persoane în rolul său social. Dar mijloacele picturale în multe privințe rămân iconice: planeitatea formei și a spațiului, convenționalitatea structurii corpului, textul explicativ din imagine, interpretarea ornamentală a robelor și a atributelor. Aceste trăsături în secolul al XVIII-lea s-au păstrat multă vreme în portretul nobiliar provincial, în portretele negustorilor și ale clerului.

Portretul țarului Alexei Mihailovici. Parsuna de un artist rus necunoscut. Sfârșitul anilor 1670 - începutul anilor 1680 Muzeul Istoric de Stat

Pensionarul Petrovsky Ivan Nikitin, care a studiat în Italia, este primul maestru rus care a „uitat” de parsuna. Portretele sale sunt destul de simple ca compoziție, folosește doar câteva tipuri iconografice, pictează rar manual și preferă culorile închise. Portretele sale sunt deseori marcate de o plauzibilitate deosebită, chipul este tratat cu ușurare emfatică, recunoașterea primează în fața idealizării. Cancelarul Gavriil Golovkin este o imagine ideală a monarhiei meritocratice a lui Petru: piramida alungită a figurii smulse de lumină este încununată de o față ovală încadrată de o perucă. Demnitatea calmă, mândria și încrederea în sine sunt conferite eroului atât printr-o poziție reținută, dar naturală, cât și printr-o privire directă care întâlnește privitorul. Camisolul ceremonial cu comenzi și o panglică aproape se îmbină cu fundalul, permițându-ți să concentrezi toată atenția asupra feței. Mediul întunecat îl împinge pe Golovkin afară, pensula mâinii stângi marchează granița spațiului pânzei, iar fundita filigrană albastră pare să străpungă ea, intrând în spațiul nostru. Acest truc pictor, forțând iluzia prezenței, ajută în același timp la reducerea distanței psihologice și sociale dintre model și privitor, care era de netrecut în parsunul pre-petrin.

Ivan Nikitin. Portretul cancelarului de stat contele G. I. Golovkin. anii 1720 Galeria de Stat Tretiakov

Întors din Olanda, Andrei Matveev și-a creat portretul împreună cu tânăra sa soție în jurul anului 1729. Dacă suntem de acord cu această identificare general acceptată astăzi, atunci avem în fața noastră nu doar primul autoportret cunoscut al unui pictor rus. În această imagine a raznochintsy, un echilibru neașteptat al unui bărbat și al unei femei este prezentat pentru Rusia la acel moment. Cu mâna stângă, artistul ia ceremonios mâna însoțitorului său; dreapta, îmbrățișând cu patron, o îndreaptă către privitor. Dar tot sensul formal al acestor gesturi de dominare și însuşire este brusc șters. Într-o pânză foarte simplu organizată, figura feminină nu este doar situată în mâna dreaptă a bărbatului, ci ocupă și exact același spațiu de imagine ca și el, iar capetele soților sunt amplasate strict pe o singură linie, parcă înghețate. la acelaşi nivel al cântarilor.

Andrei Matveev. Autoportret cu soția sa. Probabil 1729 Muzeul de Stat al Rusiei

Portretul de la mijlocul secolului este, în cea mai mare parte, o reprezentare nu a personalității, ci a statutului. Un exemplu tipic este soții Lobanov-Rostov ai lui Ivan Argunov (1750 și 1754). În ciuda recunoașterii personajelor în fața privitorului, în primul rând „nobilul nobil” și „frumusețea amabilă”, a căror poziție este fixată odată pentru totdeauna de o uniformă uniformă, o manta de hermină și o rochie cu broderie argintie. . Un artist de la mijlocul secolului al XVIII-lea - rus și străin - transmite extrem de atent costumul și elementele sale: țesătură, broderie, dantelă; scrie bijuterii și premii în detaliu. În aceste portrete ale lui Argunov, corpul personajului este constrâns de spațiu, desfășurat de-a lungul planului pânzei, iar țesăturile și decorațiunile sunt pictate cu atât de detaliu încât fac să ne amintim de parsuna cu efectul ei decorativ și viziunea deosebită, superficială. . corpul uman.

Ivan Argunov. Portretul prințului I. I. Lobanov-Rostovsky. 1750Muzeul de Stat al Rusiei

Ivan Argunov. Portretul prințesei E. A. Lobanova-Rostovskaya. 1754Muzeul de Stat al Rusiei

Astăzi apreciem mai mult acele lucrări ale portretului rusesc al secolului al XVIII-lea, în care imaginea convențională pare să-și fi pierdut integritatea, iar decorul (echilibrul idealului și realului în portret) este încălcat în favoarea plauzibilității. Evident, de aici vine farmecul, cu care este înzestrată pentru privitorul modern imaginea Sarah Fermor (1749), în vârstă de zece ani. Ivan Vishnyakov, subalternul tatălui ei în Kancelaria din clădiri, a prezentat copilul sub forma unei fete adulte, înscriind o figură fragilă într-o compoziție ceremonială cu o coloană și o perdea în fundal. De aici și atractivitatea unor astfel de imagini, unde un chip lipsit de frumusețe exterioară pare a fi cheia unei transmiteri veridice a caracterului: astfel sunt portretele Anthropo ale doamnei statului Anastasia Izmailova (1759) sau Anna Buturlina (1763).

Ivan Vișnyakov. Portretul lui Sarah Eleonora Fermor. 1749Muzeul de Stat al Rusiei

Alexei Antropov. Portretul unei doamne de stat A. M. Izmailova. 1759Galeria de Stat Tretiakov

Alexei Antropov. Portretul lui A. V. Buturlina. 1763Galeria de Stat Tretiakov

Acest rând include și portrete ale Hripunovilor de Argunov (1757). Kozma Khripunov, un bărbat în vârstă cu un nas masiv, strânge în mâini o foaie de hârtie îndoită și, ca și cum ar fi ridicat privirea de la citit, îl oprește pe privitor cu o privire ascuțită. Tânăra lui soție ține în mâini o carte deschisă și ne privește cu o demnitate calmă (conform cărților de confesiune, Feodosia Khripunova are aproape douăzeci de ani: personajele din portretele secolului al XVIII-lea par adesea mai bătrâne decât vârsta lor). Spre deosebire de Franța modernă, unde în epoca Enciclopediei cartea nu era neobișnuită chiar și într-un portret aristocratic, personajele picturilor rusești din secolul al XVIII-lea sunt foarte rar prezentate citind. Portretele hripunovilor din Europa, nu bogate în atribute și în mod restrâns, ar fi clasificate drept portrete ale celei de-a treia stări, reflectând valorile iluminismului. În ele – ca, de exemplu, în portretul doctorului Leroy de Jacques Louis David (1783) – nu contează statutul, ci activitatea eroului, nu aspectul frumos, ci personajul prezentat cu onestitate.

Ivan Argunov. Portretul lui K. A. Khripunov. 1757

Ivan Argunov. Portretul lui Kh. M. Khripunova. 1757Muzeul-Moșie din Moscova „Ostankino”

Jacques Louis David. Portretul doctorului Alphonse Leroy. 1783 Muzeul Fabre

Numele lui Rokotov și Levitsky, pentru prima dată în Rusia New Age, sunt asociate cu ideea unui mod strict individual, care pare să subjugă modelele: acum putem vorbi în siguranță despre o doamnă „coborâtă din pânza lui Rokotov. ”, despre un domn „din portretul lui Levitsky”. Diferiți ca stil și spirit, ambii pictori ne fac să vedem în portretele lor nu doar imagini ale unor oameni anumiți, ci și să simțim pictura ca atare, ceea ce afectează contur, textura, culoarea - indiferent de complot. Evident, aceasta este o dovadă a unei schimbări treptate a statutului artistului, a stimei de sine și a interesului public emergent pentru artă.

Rokotov este primul maestru al portretului emoțional din Rusia. Formarea manierului său este asociată cu influența Rotary italian, ale cărui „capete” de fete sunt considerate a fi bibelouri picante rococo. Dar Rokotov a putut vedea în ele un exemplu de intonații diverse, subtile, evazive - ceea ce distinge imaginile artistului rus însuși. Din fundalul întunecat al predecesorilor săi, Roko-tov trece pe un fundal nedefinit, ca o ceață, nu atât apropiind figura de privitor, cât absorbind-o. Îmbrăcat în uniformă sau rochie, corpul capătă un sens subordonat, chipul domină acum complet. Merită să aruncați o privire mai atentă asupra modului în care Rokotov pictează ochii: în lucruri precum faimosul portret al Alexandrei Struyskaya (1772), elevul este pictat cu mișcări topite de culori apropiate cu o strălucire strălucitoare - aspectul își pierde claritatea, dar capătă profunzime. Indistincitatea împrejurimilor, netezimea conturului, alături de privirea tulbure, dar bogată a personajelor, creează un sentiment de multidimensionalitate a caracterului care nu are analogii în portretul rusesc, în care, mai ales pentru femei, emoțiile joacă un rol decisiv. . În acest sens, personajele lui Rokotov sunt oameni de sentimentalism, în care prioritatea nu sunt rolurile și ambițiile sociale, ci profunzimea emoțională și mobilitatea mentală a unei persoane.

Fedor Rokotov. Portretul lui A. P. Struiskaya. 1772 Galeria de Stat Tretiakov

Nu pare o coincidență că stilul sofisticat, dar lipsit de efecte exterioare, al lui Rokotov a prins contur la Moscova odată cu tradiția pe care a prețuit-o. intimitate, familie și prietenie. În același timp, în capitala aristocratică și curtenească a Ecaterinei, urmând moda artistică mondială, a înflorit cel mai strălucit pictor. Rusia XVIII secolul - Dmitri Levitsky. În opera acestui nativ din familia unui preot ucrainean, care a absolvit Academia de Arte din Sankt Petersburg, pictura rusă a ajuns pentru prima dată la nivel european. El a fost înzestrat cu darul de a crea imagini pline de sânge și nobile, capacitatea de a transfera fermecator de precise diverse texturi - țesături, piatră, metal, corpul uman. În același timp, o serie de lucrări ale sale au introdus arta rusă în contextul mișcărilor mentale avansate ale epocii.

Astfel, ideile de subordonare a autocrației legii, care au fost relevante pentru iluminismul rus, au fost întruchipate de Levitsky în tabloul „Catherine II — Legiuitorul în Templul Zeiței Justiției” (1783). Portretul ceremonial al domnitorului întruchipează întotdeauna imaginea sa oficială. Pânza lui Levitsky este un caz unic când imaginea monarhului, întrunind pe deplin canoanele genului, este un mesaj al societății către suveran, transmite aspirațiile nobilimii iluminate.

Dmitri Levitsky. Portretul Ecaterinei Legiuitorul în Templul Zeiței Justiției. 1783 Muzeul de Stat al Rusiei

Împărăteasa, purtând o coroană de laur și coroană civilă, sacrificându-și pacea, arde maci pe un altar stând sub statuia lui Themis cu inscripția „pentru binele comun”. Pe soclul sculpturii este sculptat profilul lui Solon, legiuitorul atenian. Vulturul imperial stă pe tome de legi, iar în marea care se deschide în spatele reginei, se vede flota rusă sub steagul Sfântului Andrei cu toiagul lui Mercur, semn al comerțului protejat, adică al păcii și al prosperității. În plus față de ideea iluministă a statului de drept, aici sunt posibile și alte accepțiuni politice. S-a sugerat că pânza urma să devină centrul ansamblului de portrete al Dumei Cavalerilor din Ordinul Sf. Vladimir și să fie amplasată în Tsarskoye Selo Sofia, intrând astfel în aparatul ideologic al Ecaterinei.

Acest portret, al cărui program îi aparține lui Nikolai Lvov, iar comanda - lui Alexander Bezborodko, a fost probabil prima lucrare a picturii rusești, care s-a dovedit a fi un eveniment social. Este în consonanță cu oda lui Derzhavin „” care a apărut în același 1783. Apoi, Ippolit Bogdanovich i-a tipărit artistului o strofă, pe care Levitsky, după ce a implementat programul ideologic al portretului, este primul caz de apel direct al unui pictor rus către public. Astfel, portretul a căpătat funcții de narațiune pânză istorică, care formează ideile care entuziasmează societatea și devine un eveniment pentru un public relativ larg. Acesta este unul dintre primele semne ale unui nou proces pentru Rusia: arta plastică încetează să servească nevoilor utilitare ale elitei (reprezentarea ambițiilor politice și personale, decorarea vieții, vizualizarea cunoștințelor etc.) și devine treptat un element important. a culturii naționale, organizând un dialog între diferite părți ale societății.

Șapte pânze din seria „Smolyanki”, pictate în 1772-1776, înfățișează nouă elevi ai Institutului Smolny pentru Fecioare Nobile de diferite „vârste” (perioade de studiu). Acesta este un monument al unui experiment care a reflectat ideile cheie ale iluminismului european: creșterea unei persoane noi, educația avansată pentru femei. Ele indică, de asemenea, în mod clar o schimbare treptată a atitudinilor față de perioade. viata umana: dacă înainte ca un copil într-un portret rusesc, de regulă, să fie prezentat ca un adult mic, atunci Smolyanki demonstrează pași pe drumul spre adolescență, care în această serie de portrete acționează pentru prima dată ca o etapă separată, independentă. Fetele dansează, interpretează roluri de teatru, dar cele două imagini ale „elevelor mai mari” Glafira Alymova și Ekaterina Molchanova care închid serialul par să rezuma, întruchipând cele două ipostaze ale unei femei luminate. Alymova joacă ar-fe, reprezentând artele care sunt asociate cu natura senzuală a omului. Mol-cha-nova reprezintă principiul intelectual. Ea pozează cu o carte și o pompă de vid - un instrument modern care vă permite să explorați natura materială a lumii. Dintr-un atribut portret, se transformă aici într-un semn de cunoaștere avansată bazată pe un experiment științific.

Dmitri Levitsky. Portretul Feodosiei Rzhevskaya și Nastasya Davydova. 1771–1772Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul Ekaterinei Nelidova. 1773Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul Ekaterinei Hrușciova și Ekaterina Khovanskaya. 1773Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul Alexandrei Levshina. 1775Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul Ekaterinei Molchanova. 1776Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul Glafirei Alymova. 1776Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul Nataliei Borșchova. 1776Muzeul de Stat al Rusiei

Lucrările lui Vladimir Borovikovsky, studentul și compatriotul lui Levitsky, arată în mod clar că valorile sentimentaliste în ultimele decenii ale secolului al XVIII-lea au devenit baza pentru reprezentarea unei persoane private. Acum portretul este stratificat distinct în față și privat. Luxul deliberat strălucește cu imaginea „prințului diamant” Kurakin (1801-1802), poreclit așa pentru dragostea sa pentru bijuterii și splendoarea ostentativă. La fel ca o serie de tablouri ale lui Goya, arată că splendoarea picturii devine unul dintre ultimele argumente în favoarea măreției aristocrației: modelele în sine nu mai sunt întotdeauna capabile să reziste patosului care este dictat de gen.

Vladimir Borovikovski. Portretul prințului A. B. Kurakin. 1801-1802 Galeria de Stat Tretiakov

O caracteristică hibridă a „epocii sensibilității” este o imagine a Ecaterinei a II-a din Tsarskoye Selo (vezi mai sus). Portretul în lungime pe fundalul monumentului de glorie militară este susținut într-un mod emphatic cameral: o reprezintă pe împărăteasa în halat în momentul unei plimbări solitare pe aleile parcului. Catherinei nu i-a plăcut portretul, dar cel mai probabil i-a sugerat lui Pușkin miza în scenă a întâlnirii lui Masha Mironova cu împărăteasa din Fiica căpitanului. Cu Borovikovsky, peisajul pentru prima dată printre artiștii ruși devine fundalul permanent al portretului, denotând o întreagă gamă de idei asociate cu ideile de naturalețe, sensibilitate, intimitate și unitatea sufletelor înrudite.

Natura ca proiecție a experiențelor spirituale - caracteristică cultura sentimentalismului, care spune că lumea interioară a unei persoane devine o valoare necondiționată. Adevărat, în multe dintre lucrările lui Borovikovsky, „implicarea în natură” a personajului capătă caracter de clișeu, indicând faptul că sensibilitatea și naturalețea s-au transformat în modă. Acest lucru se remarcă mai ales în portretele feminine executate cu măiestrie, urmând idealul tinerei frumuseți „naturale” și urmărind ipostazele și atributele modelului. Pe de altă parte, acest cadru de portret pastoral a făcut posibilă includerea iobagilor printre personaje. Astfel, de exemplu, „Lizinka și Dashinka” (1794) - fete de curte din Lvov, care l-au patronat pe pictor, aproape imposibil de distins în aparență de tinerele nobile.

Vladimir Borovikovski. Lizynka și Dashinka. 1794 Galeria de Stat Tretiakov

Dacă în persoana lui Levitsky și Borovikovsky pictura rusă a devenit în concordanță cu tendințele artistice contemporane, atunci următoarea generație de tratatori portuari ruși a rezolvat o nouă problemă: arta lor a construit în sfârșit un dialog cu grozava pictura Europa secolelor XVI-XVII, a cărei tradiție lipsea în Rusia pre-petrină. Condițiile preliminare pentru aceasta au fost formarea colecției Hermitage de o calitate unică în epoca Ecaterinei, precum și călătoriile lungi în străinătate pentru cei care au absolvit cu succes Academia Tinerilor Artiști. Karl Bryullov și-a proiectat propria imagine după modelele „vechiului maestru” și, în același timp, a recreat pe pământul rus splendoarea portretului ceremonial Vandijk cu luxul simfonic de culoare („Călăsătoarea”, 1831; portretul surorilor Shishmaryov). , 1839).

Orest Kiprensky. Portretul tatălui artistului Adam Karlovich Schwalbe. 1804 Muzeul de Stat al Rusiei

În portretul lui Pușkin (1827), dialogul cu tradiția este construit la nivelul iconografiei, care este încă de înțeles pentru europeni la cumpăna dintre secolele XVIII-XIX. Brațele încrucișate pe piept și privirea poetului îndreptată în spațiu sunt un ecou al personificărilor melancoliei - un temperament care, încă din Renaștere, era considerat un semn de geniu.

Orest Kiprensky. Portretul lui A. S. Pușkin. 1827 Galeria de Stat Tretiakov

Eroul colectiv al lucrărilor lui Kiprensky a fost generația din 1812. Aceste portrete se disting prin natura dezinhibată a „comportamentului” personajelor, fără precedent în arta rusă. Este semnificativ să comparăm portretul „formal” al colonelului Evgraf Davydov (1809) și o serie de portrete grafice ale participanților. Războiul Patriotic 1812-1814 (Alexey Lansky, Mihail Lansky, Alexei Tomilov, Yefim Chaplits, Pyotr Olenin și alții, toți - 1813). Prima variază tipul de portret nobiliar, caracteristic Europei în secolul al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea. Poza lui Davydov nu numai că demonstrează o ușurință detașată, ci înnobilează iconografic personajul, deoarece se întoarce la celebrul „Satir odihnitor” al lui Praxiteles: perfecțiunea statuii clasice garantează demnitatea eroului pânzei. Dar pacea corporală senzuală a satirei este doar reversul naturii sale animale, iar Kiprensky folosește perfect această amintire a prototipului (atât simbolică, cât și plastică), creând imaginea unui erou care se află într-o stare relaxată de pace, dar capabil să se îndrepte ca un arc. Fiecare dintre portretele în creion ale tinerilor „veterani” este, de asemenea, într-o oarecare măsură subordonat unui clișeu portret, dar împreună demonstrează o libertate grafică fără precedent și o varietate de soluții formale: întoarceri ale corpului, înclinări ale capului, gesturi și priviri. În fiecare caz individual, artistul nu a plecat din roluri prestabilite, ci din personalitatea care s-a desfășurat înaintea lui. Această ușurință a personajelor, împreună cu ușurința demonstrativă a interpretării, acționează ca o întruchipare vizibilă a „autonomiei” interioare a generației - un sentiment de libertate fără precedent în istoria Rusiei de până atunci.

06.07.2019 la 15:34 · VeraSchegoleva · 11 620

Top 10 cei mai faimoși portretiști ale căror nume ar trebui să le cunoască toată lumea

Un portret este o imagine a unui grup de persoane sau a unei persoane cu acuratețe absolută. De obicei, acesta este un desen realizat într-un anumit stil.

Un portretist reproduce o imagine din memorie sau atrage o persoană din natură. Prin picturile lor, portretiștii transmit nu numai aspectul oamenilor, ci și trăsăturile lor unice, trăsăturile de caracter.

Un portret este o atitudine individuală a artistului față de o anumită persoană. O astfel de interpretare a unei persoane este elitistă, exclusivă și nu este accesibilă tuturor, prin urmare este valoroasă și foarte atractivă.

Luați în considerare cei mai renumiți portretiști care au dezvăluit cel mai bine prin picturi esența spirituală a oamenilor.

10. Anthony Van Dyck

Anthony Van Dyck- grafician și maestru al subiectelor religioase și al portretelor de curte. Patria lui este Belgia.

Acest artist a fost un copil minune, și-a creat autoportretul la vârsta de paisprezece ani. Când Van Dyck avea optsprezece ani, a fost acceptat în Breasla Sf. Luca, care a unit tipografi, sculptori și artiști.

La vârsta de douăzeci de ani, Van Dyck începuse deja să creeze portrete ale aristocraților, care se distingeau printr-o îndemânare incredibilă. De obicei, portretiștii au atins acest nivel până la vârsta de patruzeci de ani.

Stăpânul a acordat întotdeauna multă atenție mâinilor sale: erau frumoase, grațioase, relaxate, cu degete lungi. Opera lui Van Dyck poate fi recunoscută tocmai după felul în care a desenat mâinile.

Van Dyck a trăit în Italia, a fost pictor de curte în Anglia.

Portrete notabile: „Capetele unui bătrân”, „Portretul de familie”, „Portretul cardinalului Guido Bentivoglio”, „Portretul lui Carol I la vânătoare”.

9. Hans Holbein

Hans Holbein cel Tânăr- una dintre cele mai cunoscute artiști germani. A învățat să deseneze de la Holbein cel Bătrân, tatăl său, care s-a specializat în pictura de altar.

Maestrul a devenit celebru la vârsta de douăzeci și unu de ani. A fost pictor la curtea lui Henric al VIII-lea.

Portretele create de Hans Holbein sunt foarte exacte, el a transmis imaginile și personajele oamenilor înfățișați cu o claritate maximă. Artistul s-a jucat cu încredere cu clarobscurul, îi plăcea să scoată în evidență diverse mici detalii care îi subliniază ideea.

Multe portrete ale maestrului nu sunt lipsite de sarcasm și ironie: ele au trădat adevărata sa atitudine față de persoanele înfățișate.

Portrete notabile: „Portretul lui Thomas More”, „Portretul lui Erasmus din Rotterdam”, „Portretul lui Henric al VIII-lea”.

8. Diego Velasquez

Diego Velazquez- pictor din Spania, pictor de curte al lui Filip al IV-lea. Velázquez a început să studieze pictura la vârsta de zece ani.

Deja la vârsta de optsprezece ani, artistul a reușit să-și deschidă propriul atelier: Francisco Pacheco, profesorul său, l-a ajutat în acest sens.

La început mod creativ Velasquez a descris naturi moarte, diverse scene din bucătărie. Culoarea și nuanța, saturația culorii au devenit caracteristicile acestor picturi.

Apoi maestrul s-a mutat în capitală și a devenit pictor de curte. Nu numai că a pictat portrete ceremoniale personalizate, ci a încercat să surprindă și cei mai nefericiți, umiliți oameni: ciudați, bufoni, pitici.

Portrete celebre: „Cânciurul”, „Bătrânul Bucătar”, „Portretul regelui Filip al IV-lea al Spaniei în armură”, „Portretul unei doamne cu evantai”, „Bufonul Juan al Austriei”.

7. Ilya Efimovici Repin

Ilya Efimovici Repin- artist rus, profesor, profesor, membru al Academiei Imperiale de Arte. Unul dintre principalii reprezentanți ai realismului rus.

În tinerețe, artistul a trăit în sărăcie. A încercat să facă bani vânzându-și picturile.

Apoi, pentru un studiu bun la, Repin a avut ocazia să plece în Europa pentru a studia arta străină. Până în acel moment, el câștigase deja destul de multă faimă și a început să primească comenzi mari.

Trăsăturile distinctive ale lucrării lui Repin sunt apelurile frecvente la vârfurile emoționale, afișarea anxietăților și sarcinilor sociale și psihologismul subtil.

Portrete celebre: „Portretul lui Lev Tolstoi”, „Portretul lui Mussorgski”, „Portretul mamei”, „Portretul lui Konstantin Petrovici Pobedonostsev”.

6. Rembrandt Van Rijn

Rembrandt- artist din Olanda, maestru al clarobscurului, gravor. A fost unul dintre cei mai mari reprezentanți ai epocii de aur a picturii olandeze.

Picturile sale au întruchipat întregul spectru al experiențelor umane. Rembrandt a preferat să omite detalii minore și să dezvăluie cât mai multe stare de spirit persoana care este portretizată.

Viitorul maestru a început să învețe să deseneze când avea treisprezece ani. A fost constant în căutarea creativă și a creat picturi în diverse genuri: portrete, scene de gen, peisaje, naturi moarte și așa mai departe.

Portrete notabile: „Tânăra Saskia”, „Portretul lui Jan Utenbogart”, „Flora”, „Portretul Mariei Trip”.

5. Peter Paul Rubens

Rubens- pictor flamand, colecționar, diplomat. A devenit unul dintre principalii reprezentanți ai artei baroc. În portrete, talentul maestrului a fost pe deplin dezvăluit. Pentru el, gesticulația, privirea, întoarcerea capului, poziția modelului au fost întotdeauna foarte importante.

Înfățișând sexul frumos, Rubens, parcă, se bucura de senzualitatea, feminitatea și splendoarea trupurilor.

Artistul avea o capacitate foarte mare de lucru: putea realiza tablouri de dimineața până seara. În timp ce lucra, lui Rubens îi plăcea foarte mult să vorbească cu studenții și vizitatorii.

Portrete celebre: „Portretul marchizei Brigitta Spinola Doria”, „Portretul slujitoarei Infanta Isabella”, „Portretul Helenei Fourman cu doi copii”.

4. Albrecht Dürer

Durer- grafician și pictor din Germania, unul dintre cei mai cunoscuți reprezentanți ai Renașterii vest-europene. A lăsat în urmă nu numai picturi, ci și tratate și gravuri.

Albrecht Dürer a perfecționat arta tăierii lemnului. A locuit în Italia, a studiat metode creative artiști italieni.

Dürer a creat multe autoportrete, îi plăcea mai ales să se deseneze în tinerețe. Opera sa este pătrunsă de dorința de a cunoaște legile naturii, precum și de atracția pentru frumusețea ideală, armonioasă. Este impregnat de o mare intensitate a sentimentelor, un spirit rebel.

Portrete notabile: „Portretul lui Erasmus din Rotterdam”, „Portretul lui Bernard von Riesen”, „Împăratul Maximilian I”.

3. Tizian

Titian Vecellio- un pictor celebru din Italia. Opera sa este asociată cu eternitatea și nemurirea. Pensulele acestui artist au fost creditate cu proprietăți magice în timpul vieții sale.

Tizian a creat portrete minunate: părea că sufletele oamenilor înfățișați erau ascunse în ele. A pictat multe picturi epice pe teme mitologice și religioase.

Calea lui Titian în creativitate a fost fructuoasă și lungă: artistul a trăit aproape o sută de ani. Picturile sale au fost copiate în mod repetat, dar nimeni nu a reușit vreodată să atingă același nivel de îndemânare.

Portrete notabile: „Portretul lui Petro Aretino”, „Portretul lui Carol al V-lea”, „Portretul unei tinere femei”.

2. Rafael Santi

Rafael- Grafician și pictor italian. Picturile sale reflectau idealurile Renașterii.

Lumea a devenit mai curată și mai blândă când ochii Madonelor înfățișate de Rafael au început să se uite la ea: Pasadena, Sistine, Orleans, Conestabile.

El a întruchipat cu pricepere în tablouri o varietate de nuanțe emoționale. Raphael a fost considerat unul dintre cei mai „echilibrati” artiști. Maestrul a murit foarte devreme, la vârsta de 37 de ani, dar a lăsat în urmă o moștenire artistică colosală.

Portrete notabile: „Donna Velata”, „Portretul lui Castiglione”, „Portretul lui Iulius al II-lea”, „Portretul Papei Leon al X-lea cu doi cardinali”.

1. Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci – artist italian, arhitect, sculptor, om de știință, muzician, . Era un „om universal” unic.

Cercetările, descoperirile, creațiile lui da Vinci au fost înaintea timpului cu mai mult de o epocă. A ajutat la dezvoltarea urbanismului, anatomiei.

Aspectul lui Da Vinci a fost de asemenea izbitor: aspect angelic, statură înaltă și forță incredibilă.

Pentru acest artist, pictura a fost un adjuvant al științei: a fost mereu concentrat pe surprinderea realității.

Portrete notabile: „Mona Lisa”, „Doamna cu hermină”, „Portretul Ginervei de Benci”, „Portretul unui muzician”.

Alegerea cititorilor:

Introducere

I. portretişti ruşi ai dintâi jumătatea anului XIX secol

1.3 Alexei Gavrilovici Venetsianov (1780-1847)

II. Asociația Expozițiilor de Artă Itinerante

Capitolul IV. Artă pictură portret

Concluzie

Scopul acestei lucrări este de a spune despre importanța portretului ca unul dintre principalele genuri de artă, despre rolul său în cultura și arta acelui timp, să se familiarizeze cu principalele lucrări ale artiștilor, să învețe despre portretul rusesc. pictori ai secolului al XIX-lea, despre viața și opera lor.

În această lucrare, vom lua în considerare arta portretului în secolul al XIX-lea:

Cei mai mari maeștri ai artei ruse ai secolului al XIX-lea

Asociația Expozițiilor de Artă Itinerante.

Ce este un portret?

Istoria apariției portretului.

Prima jumătate a secolului al XIX-lea - timpul adăugării în pictura rusă a sistemului de genuri. În pictura a doua jumătate a secolului al XIX-lea. a predominat direcția realistă. Natura realismului rus a fost determinată de tinerii pictori care au părăsit Academia de Arte în 1863 și s-au răzvrătit împotriva stilului clasic și a temelor istorice și mitologice care fuseseră implantate în academie. Acești artiști s-au organizat în 1870

Parteneriat expoziții itinerante, a cărui sarcină a fost să ofere membrilor parteneriatului posibilitatea de a-și expune lucrările. Datorită activităților sale, operele de artă au devenit disponibile pentru o gamă mai largă de oameni. Pavel Mihailovici Tretiakov (1832–1898) din 1856 a colecționat lucrări ale artiștilor ruși, în principal ale Rătăcitorilor, iar în 1892 și-a donat Moscovei colecția sa de picturi, împreună cu colecția fratelui său S.M. Tretyakov. În genul portretelor, Rătăcitorii au creat o galerie de imagini ale personalităților culturale proeminente ale timpului lor: un portret al lui Fiodor Dostoievski (1872) de Vasily Perov (1833–1882), un portret al lui Nikolai Nekrasov (1877–1878) de Ivan Kramskoy (1837–1887), un portret al lui Modest Mussorgsky (1881) , realizat de Ilya Repin (1844–1930), un portret al lui Lev Tolstoi (1884) de Nikolai Ge (1831–1894) și un număr de alții. Fiind în opoziție cu Academiei și cu politica ei artistică, Rătăcitorii au apelat la așa-zisa. subiecte „scăzute”; în lucrările lor apar imagini cu țărani și muncitori.

Creșterea și extinderea înțelegerii și nevoilor artistice se reflectă în apariția multor societăți de artă, școli, o serie de galerii private (Galeria Tretiakov) și muzee nu numai în capitale, ci și în provincii, în introducerea în școală. educație în desen.
Toate acestea, în legătură cu apariția unui număr de lucrări geniale ale artiștilor ruși, arată că arta a prins rădăcini pe pământul rus și a devenit națională. Noua artă națională rusă diferă puternic prin faptul că reflecta în mod clar și puternic principalele curente ale artei ruse. viata publica.

I. Portretişti ruşi din prima jumătate a secolului al XIX-lea.

1.1 Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836)

Născut la conacul Nezhinskaya (lângă Koporye, acum în regiunea Leningrad) la 13 (24) martie 1782. Era fiul natural al proprietarului de pământ A.S. Dyakonov, înregistrat în familia iobagului său Adam Schwalbe. După ce și-a primit libertatea, a studiat la Academia de Arte din Sankt Petersburg (1788–1803) cu G.I. Ugryumov și alții.A locuit la Moscova (1809), Tver (1811), Sf. Roma și Napoli.

Primul portret - al tatălui adoptiv al lui A.K. Schwalbe (1804, Muzeul Rus, Sankt Petersburg) - se remarcă prin culoarea emoțională. De-a lungul anilor, abilitatea lui Kiprensky, manifestată prin capacitatea de a crea nu numai tipuri socio-spirituale (care au predominat în arta rusă a Iluminismului), ci și imagini individuale unice, s-a îmbunătățit. Este firesc că se obișnuiește să înceapă istoria romantismului în artele plastice rusești cu picturile lui Kiprensky.

Artist rus, maestru remarcabil al rusului Arte vizuale Romantismul, cunoscut ca un minunat portretist. Portretele lui Kiprensky sunt impregnate cu o cordialitate deosebită, o simplitate deosebită, sunt pline de dragostea lui înaltă și poetică pentru o persoană. În portretele lui Kiprensky, trăsăturile epocii sale sunt întotdeauna palpabile. Acest lucru este întotdeauna inerent în fiecare dintre portretele sale - și imaginea romantică a tânărului V.A. Jukovski și înțeleptul E.P. Rostopchin (1809), portrete: D.N. Hvostov (1814 Galeria Tretiakov), băiatul Chelishchev (1809 Galeria Tretiakov), E.V. Davydov (1809 GRM).

O parte neprețuită a lucrării lui Kiprensky sunt portretele grafice, realizate în principal în creion, cu pasteluri colorate, acuarele și creioane colorate. Îl portretizează pe generalul E.I. Chaplitsa (TG), P.A. Olenina (TG). În aceste imagini avem în fața noastră Rusia, intelectualitatea rusă de la Războiul Patriotic din 1812 până la răscoala din decembrie.

Portretele lui Kiprensky apar în fața noastră complexe, gânditoare, schimbătoare în dispoziție. Dezvăluind diferitele fațete ale naturii umane și lumea spirituală Kiprensky a folosit întotdeauna diferite posibilități de pictură în portretele sale romantice timpurii. Capodoperele sale, ca unul dintre cele mai bune portrete ale lui Pușkin (1827 Galeria de Stat Tretiakov), un portret al Avdulinei (1822 Muzeul Rus). Tristețea și chibzuința eroilor lui Kiprensky sunt sublime și lirice.

„Preferatul modei cu aripi ușoare,

Deși nu britanic, nu francez,

Ai creat din nou, dragă vrăjitor,

Eu, un animal de companie al muzelor pure. -

Și râd de mormânt

Plecat pentru totdeauna din legăturile morții.

Mă văd ca într-o oglindă

Dar această oglindă mă flatează.

Spune că nu voi umili

Pasiunile aonidelor importante.

De acum înainte, aspectul meu va fi cunoscut, -

Pușkin i-a scris lui Kiprensky în semn de recunoștință pentru portretul său. Pușkin și-a prețuit portretul și acest portret era atârnat în biroul lui.

O secțiune specială este formată din autoportretele lui Kiprensky (cu ciucuri în spatele urechii, c. 1808, Galeria Tretiakov; și altele), impregnate de patosul creativității. De asemenea, deține imaginile pline de suflet ale poeților ruși: K.N. Batyushkov (1815, desen, Muzeul Institutului de Literatură Rusă al Academiei Ruse de Științe, Sankt Petersburg; V.A. Jukovski (1816). o serie de personaje cotidiene remarcabile (cum ar fi Muzician orb, 1809, Muzeul Rusului) Kiprensky a murit la Roma la 17 octombrie 1836.

1.2 Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857)

Un reprezentant al romantismului în artele plastice rusești, un maestru al picturii portretistice. Născut în satul Karpovka (provincia Novgorod) la 19 (30) martie 1776 în familia de iobagi contele A.S. Minikh; mai târziu a fost trimis la dispoziția contelui I.I.Morkov ca zestre pentru fiica lui Minich. A dat dovadă de abilitate de a desena în copilărie, dar maestrul l-a trimis la Sankt Petersburg să studieze ca cofetar. A urmat cursurile la Academia de Arte, la început pe furiș, iar din 1799 - cu permisiunea lui Morkov; în timpul studiilor, l-a cunoscut pe O.A. Kiprensky. În 1804, proprietarul l-a chemat pe tânărul artist la locul său, iar de atunci a locuit alternativ fie în Ucraina, în noua moșie Morkovo Kukavka, fie la Moscova, în postura de pictor iobag, care era obligat să efectueze simultan. sarcinile casnice ale proprietarului terenului. În 1823 și-a primit libertatea și titlul de academician, dar, după ce și-a abandonat cariera la Sankt Petersburg, a rămas la Moscova.

Un artist din iobagi care, cu opera sa, a adus o mulțime de lucruri noi picturii rusești în prima jumătate a secolului al XIX-lea. A primit titlul de academician și a devenit cel mai mult artist faimos Scoala de portrete din Moscova din anii 20-30. Mai târziu, culoarea picturii lui Tropinin devine mai interesantă, volumele sunt de obicei modelate mai clar și sculptural, dar cel mai important, un sentiment pur romantic al elementelor în mișcare ale vieții crește insinuator, Tropinin este creatorul unui tip special de portret - un pictura. Portrete în care sunt introduse trăsături ale genului, imagini cu o anumită intrigă: „Lacemaker”, „Spinner”, „Chitarist”, „Golden Sewing”.

Cele mai bune portrete ale lui Tropinin, cum ar fi portretul fiului lui Arsenie (1818 Galeria Tretiakov), Bulakhov (1823 Galeria Tretiakov). Tropinin în opera sa urmează calea clarității, echilibrului cu compoziții portret simple. De regulă, imaginea este dată pe un fundal neutru cu un minim de accesorii. Exact asa se face ca Tropinin A.S. Pușkin (1827) - așezat la masă într-o poziție liberă, îmbrăcat într-o rochie de casă, care subliniază aspectul natural.

Lucrări timpurii Tropinina este restrânsă la culoare și în compoziție clasic statică ( portrete de familie Morkovyh, 1813 și 1815; ambele lucrări se află la Galeria Tretiakov, Moscova). În această perioadă, maestrul creează, de asemenea, expresive locale, mici imagini rusești de tip ucrainean, (1810, Muzeul Rusiei, Sankt Petersburg). Bulakov, 1823; K. G. Ravich, 1823; ambele portrete din Galeria Tretiakov).

De-a lungul anilor, rolul atmosferei spirituale – exprimat de fundal, detalii semnificative – nu face decât să crească. Cel mai bun exemplu este Autoportret cu pensule și paletă din 1846, unde artistul s-a imaginat în fața unei ferestre cu o vedere spectaculoasă a Kremlinului. Tropinin dedică o serie de lucrări colegilor artiști reprezentați în lucrare sau în contemplare (I.P. Vitali, ca. 1833; K.P. Bryullov, 1836; ambele portrete în Galeria Tretiakov; și altele). În același timp, o aromă specific intima, familiară este invariabil inerentă stilului lui Tropinin. În popularul Woman in the Window (bazat pe poemul lui M.Yu. Lermontov Trezorierul, 1841), această sinceritate relaxată capătă o aromă erotică. Lucrările târzii ale maestrului (Servitorul cu damasc, numărând banii, anii 1850, ibid.) mărturisesc totuși scăderea stăpânirii culorilor, anticipând interesul aprins pentru viața de zi cu zi dramatică caracteristică Hoinătorilor. Un domeniu important al lucrării lui Tropinin sunt și schițele sale ascuțite în creion. Tropinin a murit la Moscova pe 3 (15) mai 1857.

Artist rus, reprezentant al romantismului (cunoscut în primul rând pentru genurile sale rurale). Născut la Moscova la 7 (18) februarie 1780 într-o familie de negustori. În tinerețe a fost funcționar. A studiat arta în mare parte pe cont propriu, copiend picturile Schitului. În 1807–1811 a luat lecții de pictură de la VL Borovikovsky. Este considerat fondatorul desenelor animate tipărite rusești. Topor de studii, părăsind serviciul de dragul picturii. În genul portretului, el a creat cu pastel, creion, ulei, imagini uimitor de poetice, lirice, romantice avântate de o dispoziție romantică - un portret al lui V.S. Putyatina (TG). Printre cele mai frumoase lucrări ale sale de acest fel se numără propriul său portret (Muzeul lui Alexandru al III-lea), pictat bogat și îndrăzneț, în tonuri plăcute, groase de gri-galben și galben-negru, precum și un portret pictat de el de la bătrânul pictor Golovochy. (Academia Imperială de Arte).

Venetsianov este un maestru de primă clasă și o persoană extraordinară; de care Rusia ar trebui să fie destul de mândră. A căutat cu zel tineri talente direct de la oameni, în special printre pictori, i-a atras la el. Numărul elevilor săi a fost de peste 60 de persoane.

În timpul Războiului Patriotic din 1812 a realizat o serie de tablouri agitative și satirice pe temele rezistenței populare față de ocupanții francezi.

A pictat portrete, de obicei de dimensiuni reduse, marcate de inspirație lirică subtilă (M.A. Venetsianova, soția artistului, sfârșitul anilor 1820, Muzeul Rus, Sankt Petersburg; Autoportret, 1811, Galeria Tretiakov). În 1819 a părăsit capitala și de atunci a locuit în satul Safonkovo ​​(provincia Tver) pe care l-a cumpărat, inspirat de motivele peisajului din jur și ale vieții rurale. Cele mai bune picturi ale lui Venetsianov sunt clasice în felul lor, arătând această natură într-o stare de armonie idealizată, luminată; pe de altă parte, în ele predomină evident un element romantic, farmecul nu este al idealurilor, ci al simplelor sentimente naturale pe fundalul naturii și vieții native. Portretele sale țărănești (Zakharka, 1825; sau Țărană cu flori de colț, 1839) apar ca fragmente ale aceleiași idile luminate, naturale, clasic-romantice.

Noile căutări creative sunt întrerupte de moartea artistului: Venetsianov a murit în satul Tver Poddubie la 4 (16) decembrie 1847 din cauza rănilor - a fost aruncat din căruță când caii au derapat pe un drum alunecos de iarnă. Sistemul pedagogic al maestrului, cultivând dragostea pentru natura simplă (în jurul anului 1824 și-a creat propria școală de artă), a devenit baza unei școli speciale venețiane, cea mai caracteristică și originală dintre toate școlile personale de artă rusă din secolul al XIX-lea.

1.4 Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852)

Născut la 29 noiembrie (10 decembrie) 1798 în familia artistului P.I. Bryullov, fratele pictorului K.P. Bryullov. Și-a primit studiile primare de la tatăl său, un maestru al sculpturii decorative, apoi a studiat la Academia de Arte (1810-1821). În vara anului 1822, el și fratele său au fost trimiși în străinătate pe cheltuiala Societății pentru Încurajarea Artelor. După ce a vizitat Germania, Franța, Italia, Anglia și Elveția, în 1830 s-a întors la Sankt Petersburg. Din 1831 - profesor la Academia de Arte. Un om cu un destin remarcabil, instructiv și deosebit. Încă din copilărie, a fost înconjurat de impresii ale realității rusești. Numai în Rusia s-a simțit ca acasă, s-a străduit pentru ea, a tânjit după ea într-o țară străină. Bryullov a lucrat cu inspirație, succes și ardoare. În două sau trei luni, astfel de capodopere ale portretului au apărut în atelierul său, cum ar fi portretele lui Semenova, Dr. Orlov, Nestor și Platon Kukolnik. În portretele lui Bryullov, executate cu adevăr nemilos și cu o pricepere excepțional de înaltă, se poate observa epoca în care a trăit, dorința de realism autentic, diversitatea, naturalețea și simplitatea persoanei descrise.

Plecând de la pictura istorică, interesele lui Bryullov s-au îndreptat către pictura portretistică, în care și-a arătat tot temperamentul creativ și strălucirea priceperii. Strălucitul său tablou decorativ „Călăsătoarea” (1832 Galeria Tretiakov), care înfățișează un elev al contesei Yu.P. Samoilova Giovanina Pacchini. Portretul lui Samoilova însăși cu un alt elev - Amazilia (1839, Muzeul Rus). În fața scriitorului Strugovshchikov (1840 Galeria Tretiakov), se poate citi tensiunea vieții interioare. Autoportret (1848 Galeria Tretiakov) - o față trist de subțire, cu o privire pătrunzătoare. Un portret foarte real al prințului Golițin, odihnit pe un fotoliu din biroul său.

Bryullov posedă o imaginație puternică, un ochi ager și o mână fidelă. A dat naștere unor creații vii, în concordanță cu canoanele academismului.

Plecare relativ devreme munca practica, maestrul s-a angajat activ în predarea la Academia de Arte (din 1831 - profesor). De asemenea, a lăsat o bogată moștenire grafică: numeroase portrete (de E.P. Bakunina, 1830–1832; N.N. Pușkina, soția marelui poet; A.A. Perovsky, 1834; toate în acuarelă; etc.), ilustrații etc. .d.; aici trăsăturile romantice ale talentului său s-au manifestat chiar mai direct decât în ​​arhitectură. A murit la 9 (21) ianuarie 1887 la Sankt Petersburg.

Un exemplu inspirator pentru parteneriat a fost „Artelul artiștilor din Sankt Petersburg”, care a fost înființat în 1863 de participanții la „răzvrătirea celor paisprezece” (I.N. Kramskoy, A.I. Korzukhin, K.E. Makovsky și alții) - absolvenți ai Academiei de Arte , l-a lăsat sfidător după ce Consiliul Academiei a interzis să scrieți o imagine de concurs pe o parcelă liberă în locul unei teme propuse oficial din mitologia scandinavă. Apărând libertatea ideologică și economică a creativității, „artelele” au început să-și organizeze propriile expoziții, dar până la sfârșitul anilor 1860 și 1870, activitățile lor practic dispăruseră. Un nou stimul a fost apelul la „Artel” (în 1869). Cu permisiunea cuvenită, expoziții de artă itinerante în toate orașele imperiului, sub forma: a) oferind locuitorilor provinciilor posibilitatea de a se familiariza cu arta rusă și de a urmări progresul acesteia; b) dezvoltarea dragostei pentru artă în societate; și c) facilitarea pentru artiști să își comercializeze lucrările.” Astfel, pentru prima dată în artele vizuale din Rusia (cu excepția lui Artel) a apărut un grup de artă puternic, nu doar un cerc de prietenie sau o școală privată, ci o mare comunitate de oameni cu idei similare, care și-a asumat (în ciuda dictatele Academiei de Arte) nu numai pentru a exprima, ci și a determina independent procesul de dezvoltare cultura artistica in toata tara.

Sursa teoretică a ideilor creative ale „Rătăcitorilor” (exprimată în corespondența lor, precum și în critica din acea vreme - în primul rând în textele lui Kramskoy și discursurile lui V.V. Stasov) a fost estetica romantismului filozofic. Artă nouă, eliberată de canoanele clasicilor academicieni. De fapt, pentru a deschide chiar cursul istoriei, pregătind astfel în mod eficient viitorul în imaginile lor. Printre „rătăcitori”, modernitatea a apărut ca o astfel de „oglindă” artistică și istorică în primul rând: locul central la expoziții a fost ocupat de gen și motive cotidiene, Rusia în viața sa cotidiană cu mai multe fețe. Începutul genului a dat tonul pentru portrete, peisaje și chiar imagini din trecut, cât mai aproape de nevoile spirituale ale societății. În tradiția ulterioară, inclusiv tradiția sovietică, care a distorsionat în mod tendențios conceptul de „realism peredvizhniki”, problema a fost redusă la subiecte critice din punct de vedere social, revoluționar-democratice, dintre care chiar erau destul de puține. Este mai important să ținem cont de rolul analitic și chiar vizionar fără precedent care a fost acordat aici nu atât problemelor sociale notorii, cât artei ca atare, creându-și propria judecată suverană asupra societății și, astfel, separându-se în propriul sine ideal. -domeniu artistic suficient. O astfel de suveranitate estetică, care a crescut de-a lungul anilor, a devenit pragul imediat al simbolismului și modernității rusești.

La expozițiile regulate (au fost 48 în total), care au fost prezentate mai întâi la Sankt Petersburg și Moscova, iar apoi în multe alte orașe ale imperiului, de la Varșovia la Kazan și de la Novgorod la Astrakhan, de-a lungul anilor s-au putut vedea mai multe și mai multe exemple de stil nu numai romantic-realist, ci și modernist. Relațiile dificile cu Academia s-au încheiat în cele din urmă într-un compromis, de la sfârșitul secolului al XIX-lea. (în urma dorinței lui Alexandru al III-lea „de a opri diviziunea dintre artiști”), o parte semnificativă a celor mai autoritari Wanderers a fost inclusă în facultatea academică. La începutul secolului al XX-lea în Parteneriat, fricțiunile dintre inovatori și tradiționaliști s-au intensificat; rătăcitorii nu mai reprezentau, așa cum considerau ei înșiși, tot ce era avansat artistic în Rusia. Societatea își pierdea rapid influența. În 1909, expozițiile sale provinciale au încetat. Ultima explozie semnificativă de activitate a avut loc în 1922, când societatea a adoptat o nouă declarație, exprimându-și dorința de a reflecta viața Rusiei moderne.

Capitolul III. Portretişti ruşi din a doua jumătate a secolului al XIX-lea

3.1 Nikolai Nikolaevich Ge (1831-1894)

artist rus. Născut la Voronezh la 15 (27) februarie 1831 în familia unui proprietar de pământ. A studiat la catedrele de matematică ale Universităților din Kiev și din Sankt Petersburg (1847-1850), apoi a intrat la Academia de Arte, de la care a absolvit în 1857. A fost foarte influențat de K.P.Bryullov și A.A. Ivanov. A trăit la Roma și Florența (1857-1869), la Sankt Petersburg, iar din 1876 - la ferma Ivanovsky din provincia Cernihiv. A fost unul dintre întemeietorii Asociației Rătăcitorilor (1870). A făcut multe portrete. A început să lucreze la portrete în timp ce studia încă la Academia de Arte. Pentru mulți ani de creativitate, i-a pictat pe mulți dintre contemporanii săi. Practic, acestea erau figuri culturale avansate. PE MINE. Saltykov - Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoi și alții.Ge deține unul dintre cele mai bune portrete ale lui A.I. Herzen (1867, Galeria de stat Tretiakov) - imaginea unui revoluționar rus, un luptător de foc împotriva autocrației și iobăgiei. Dar ideea pictorului nu se limitează la transferul similarității externe. Chipul lui Herzen, parcă smuls din amurg, reflecta gândurile lui, hotărârea neîntreruptă a unui luptător pentru dreptate socială. Ge surprins în acest portret spiritualul figură istorică, a întruchipat experiența întregii ei vieți, plină de luptă și anxietate.

Lucrările sale diferă de lucrările lui Kramskoy prin emoționalitatea și dramatismul lor. Portretul istoricului N.I. Kostomarov (1870, Galeria de stat Tretiakov) este scrisă într-un mod neobișnuit de frumos, temperamental, proaspăt și liber. Autoportretul a fost pictat cu puțin timp înainte de moartea sa (1892-1893, KMRI), chipul maestrului este luminat de inspirație creativă. Portretul lui N. I. Petrunkevich (1893) a fost pictat de artist la sfârșitul vieții sale. Fata este înfățișată în aproape inaltime maxima la fereastra deschisă. Ea este cufundată în lectură. Fața ei de profil, înclinarea capului, postura exprimă o stare de gândire. Ca niciodată, Ge a acordat o mare atenție fundalului. Armonia culorilor mărturisește forțele necheltuite ale artistului.

Din anii 1880, Ge a devenit un prieten apropiat și adeptul lui Lev Tolstoi. Într-un efort de a sublinia conținutul uman al predicii Evangheliei, Ge trece la un mod din ce în ce mai liber de a scrie, ascuțind contrastele de culoare și lumini până la limită. Maestrul a pictat portrete minunate pline de spiritualitate interioară, inclusiv un portret al lui Lev Tolstoi la biroul său (1884). În imaginea lui N.I. Petrunkevich pe fundalul unei ferestre deschise spre grădină (1893; ambele portrete în Galeria Tretiakov). Ge a murit la ferma Ivanovsky (provincia Cernigov) la 1 (13) iunie 1894.

3.2 Vasily Grigorievich Perov (1834-1882)

Născut la Tobolsk la 21 sau 23 decembrie 1833 (2 sau 4 ianuarie 1834). Era fiul nelegitim al unui procuror local, baronul G.K. Kridener, dar numele de familie „Perov” a fost dat viitorului artist sub forma unei poreclă de către profesorul său de alfabetizare, un diacon provincial. A studiat la Școala de Pictură Arzamas (1846-1849) și la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova (1853-1861), unde unul dintre mentorii săi a fost S.K. Zaryanko. A fost influențat în special de P.A. Fedotov, maestrul graficii revistelor satirice, și de maeștrii străini - de W. Hogarth și pictorii de gen ai școlii din Düsseldorf. A locuit la Moscova. A fost unul dintre membrii fondatori ai Asociației Rătăcitorilor (1870).

Cele mai bune lucrări de portret ale maestrului aparțin de la cumpăna anilor 60-70: F.M. Dostoievski (1872, Galeria Tretiakov) A.N. Ostrovsky (1871, Galeria Tretiakov), I.S. Turgheniev (1872, Muzeul Rus). Dostoievski este deosebit de expresiv, complet pierdut în gânduri dureroase, strângându-și nervos mâinile pe genunchi, o imagine a celui mai înalt intelect și spiritualitate. Romantismul de gen sincer se transformă în simbolism, impregnat de un sentiment jalnic de fragilitate. Portrete ale maestrului (V.I. Dal, A.N. Maikov, M.P. Pogodin, toate portretele - 1872), atingând o tensiune spirituală fără precedent pentru pictura rusă. Nu e de mirare că portretul lui F. M. Dostoievski (1872) este considerat, pe bună dreptate, cel mai bun din iconografia marelui scriitor.

În ultimele decenii ale vieții sale, artistul descoperă un talent remarcabil ca eseist (povestiri Mătușa Marya, 1875; Sub cruce, 1881; și altele; ediția trecută - Poveștile artistului, M., 1960). În 1871-1882, Perov a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova, unde printre studenții săi s-au numărat N.A. Kasatkin, S.A. Korovin, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin. Perov a murit în satul Kuzminki (în acei ani - lângă Moscova) la 29 mai (10 iunie) 1882.

3.3 Nikolai Aleksandrovici Yaroșenko (1846-1898)

Născut la Poltava la 1 (13) decembrie 1846 într-o familie de militari. A absolvit Academia de Artilerie Mihailovski din Sankt Petersburg (1870), a slujit la Arsenal, iar în 1892 s-a retras cu gradul de general-maior. A studiat pictura la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artelor sub I.N. Kramskoy și la Academia de Arte (1867–1874). A călătorit mult - în țările din Europa de Vest, Orientul Apropiat și Mijlociu, Urali, Volga, Caucaz și Crimeea. A fost membru (din 1876) și unul dintre conducătorii Asociației Rătăcitorilor. A locuit în principal la Sankt Petersburg și Kislovodsk.

Lucrările sale pot fi numite portret - precum „Stoker” și „Prizonier” (1878, Galeria de stat Tretiakov). „Stoker” - prima imagine a unui muncitor în pictura rusă. „Prizonier” – o imagine relevantă în anii furtunoasei mișcări revoluționare populiste. „Cursist” (1880, Muzeul Rus) o fată tânără cu cărți se plimbă pe pavajul umed din Sankt Petersburg. În această imagine, întreaga eră a luptei femeilor pentru independența vieții spirituale și-a găsit expresie.

Iaroșenko a fost un inginer militar, foarte educat cu caracter puternic. Artistul Wanderer a servit cu arta sa idealurilor democratice revoluționare. Maestru al genului social și portret în spiritul Rătăcitorilor. Și-a câștigat un nume prin compoziții picturale puternic expresive, care fac apel la simpatia pentru lumea proscrisului social. Un tip aparte de expresie anxioasă, „conștiincioasă” dă viață celor mai bune portrete ale lui Iaroșenko (P.A. Strepetova, 1884, ibid; G.I. Uspensky, 1884, Galeria de Artă, Ekaterinburg; N.N. Ge, 1890, Muzeul Rus, Sankt Petersburg). Iaroșenko a murit la Kislovodsk la 25 iunie (7 iulie 1898).

3.4 Ivan Nikolaevici Kramskoy (1837-1887)

Născut în provincia Voronezh în familia unui mic funcționar. Din copilărie a fost pasionat de artă și literatură. După ce a absolvit școala raională în 1850, a slujit ca scrib, apoi ca retuşator pentru un fotograf. În 1857 a ajuns la Sankt Petersburg lucrând într-un studio foto. În toamna aceluiași an a intrat la Academia de Arte.

Domeniul predominant de realizare artistică a rămas pentru portretul Kramskoy. Kramskoy în genul portretului este ocupat de o personalitate sublimă, extrem de spirituală. A creat o întreagă galerie de imagini ale celor mai mari figuri ale culturii ruse - portrete ale lui Saltykov - Shchedrin (1879, Galeria de stat Tretiakov), N.A. Nekrasov (1877, Galeria de Stat Tretiakov), L.N. Tolstoi (1873, Galeria de Stat Tretiakov), P.M. Tretiakov (1876, Galeria de Stat Tretiakov), I.I. Shishkin (1880, Muzeul Rusiei), D.V. Grigorovici (1876, Galeria de Stat Tretiakov).

Maniera artistică a lui Kramskoy se caracterizează printr-o anumită uscăciune protocolară, monotonie a formelor compoziționale, a schemelor, deoarece portretul arată trăsăturile muncii ca retușator în tinerețe. Portretul lui A.G. Litovchenko (1878, Galeria de stat Tretiakov) cu bogăția pitorească și frumusețea tonurilor de maro, măsliniu. Au fost create și lucrări colective ale țăranilor: „Woodsman” (1874, Galeria de Stat Tretiakov), „Mina Moiseev” (1882, Muzeul Rus), „Țăran cu căpăstru” (1883, KMRI). Kramskoy a apelat în mod repetat la această formă de pictură, în care două genuri au intrat în contact - portretul și viața de zi cu zi. De exemplu, lucrări din anii 80: „Necunoscut” (1883, Galeria de stat Tretiakov), „Doliu inconsolabil” (1884, Galeria de stat Tretiakov). Unul dintre vârfurile operei lui Kramskoy este portretul lui Nekrasov, Autoportret (1867, Galeria de stat Tretiakov) și portretul agronomului Vyunnikov (1868, Muzeul BSSR).

În 1863-1868 Kramskoy a predat la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artiștilor. În 1870, Kramskoy a devenit unul dintre fondatorii TPHV. Când scria un portret, Kramskoy a recurs adesea la tehnici grafice (folosirea mustului, văruirii și creionului). Așa se face că portretele artiștilor A.I. Morozov (1868), G.G. Myasoedov (1861) - Muzeul de Stat al Rusiei. Kramskoy este un artist cu un mare temperament creativ, un gânditor profund și original. A luptat mereu pentru arta realistă avansată, pentru conținutul ei ideologic și democratic. A lucrat fructuos ca profesor (la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artelor, 1863-1868). Kramskoy a murit la Sankt Petersburg la 24 martie (5 aprilie), 1887.

3.5 Ilya Efimovici Repin (1844-1930)

Născut la Chuguev, în provincia Harkov, în familia unui colonist militar. Pregătirea artistică inițială și-a primit-o la școala de tipografi și de la artiștii locali I.M. Bunakov și L.I. Persanova. În 1863 a venit la Sankt Petersburg, a studiat la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artiștilor sub conducerea R.K. Jukovski și I.N. Kramskoy, apoi a fost admis la Academia de Arte în 1864.

Repin este unul dintre cei mai buni portretişti ai epocii. O întreagă galerie de imagini ale contemporanilor săi a fost creată de el. Cu ce ​​pricepere și putere sunt surprinse pe pânzele lui. În portretele lui Repin, totul este gândit până la ultima faldă, fiecare trăsătură este expresivă. Repin a posedat cea mai mare abilitate a flerului artistului de a pătrunde în însăși esența caracteristicilor psihologice, continuând tradițiile lui Perov, Kramskoy și Ge, a lăsat imagini cu scriitori celebri, compozitori, actori care au glorificat cultura rusă. În fiecare caz individual, a găsit diferite soluții compoziționale și coloristice, cu care a putut dezvălui cel mai expresiv imaginea persoanei înfățișate în portret. Cât de ascuțit își mijește chirurgul Pirogov. Ochii trist de frumoși ai artistei Strepetova (1882, Galeria de Stat Tretiakov) se năpustesc, iar chipul ascuțit și inteligent al artistului Myasoedov, gânditorul Tretiakov, este pictat. Cu adevăr fără milă, a scris „Protodiacon” (slujitor al bisericii 1877, Muzeul Rusiei). Pacientul M.P. a fost scris cu căldură. Mussorgsky (1881, Galeria Tretiakov), cu câteva zile înainte de moartea compozitorului. Portretele tânărului Gorki, înțeleptul Stasov (1883, Muzeul Rus) și alții sunt executate pătrunzător „Buchet de toamnă” (1892, Galeria de Stat Tretiakov) este un portret al fiicei Verei, cât de însorită strălucește chipul fiicei artistului. umbra caldă a unei pălării de paie. Cu mare dragoste, Repin a transmis un chip atrăgător cu tinerețea, veselia și sănătatea sa. Întinderile de câmpuri, încă înflorite, dar atinse de galbenul ierbii, copacii verzi și transparența aerului aduc lucrării o stare de spirit revigorantă.

Portretul nu a fost doar genul principal, ci și baza lucrării lui Repin în general. Când lucra pe pânze mari, a apelat sistematic la studiile portretelor pentru a clarifica aspectul și caracteristicile personajelor. Acesta este portretul Cocoșatului asociat cu pictura „Procesiunea în provincia Kursk” (1880-1883, Galeria de Stat Tretiakov). De la cocoșat, Repin a subliniat cu insistență prozaica, mizeria hainelor cocoșului și întreaga sa înfățișare, banalitatea figurii mai mult decât tragedia și singurătatea ei.

Semnificația lui Repin în istoria artei ruse este enormă. În portretele sale, în special, a afectat apropierea lui de marii maeștri ai trecutului. În portrete, Repin a atins cel mai înalt punct al puterii sale picturale.

Portretele lui Repin sunt surprinzător de atractive din punct de vedere liric. El creează personaje populare puternic caracteristice, numeroase imagini perfecte ale personalităților culturale, portrete seculare grațioase (baronesa V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Imaginile rudelor artistului sunt deosebit de colorate și sincere: o serie de tablouri cu soția lui Repin, N.I. Nordman-Severova. Portretele sale pur grafice, executate cu creion grafit sau cărbune, sunt și ele virtuoziste (E.Duse, 1891; Prințesa M.K.Tenisheva, 1898; V.A.Serov, 1901). Repin s-a dovedit și un profesor remarcabil: a fost profesor-șef de atelier (1894-1907) și rector (1898-1899) al Academiei de Arte, în același timp a predat la școala-atelier din Tenisheva.

După Revoluția din octombrie 1917, artistul a fost separat de Rusia, când Finlanda și-a câștigat independența, nu s-a mutat niciodată în patria sa, deși a menținut legătura cu prietenii care locuiau acolo (în special, cu K.I. Chukovsky). Repin a murit la 29 septembrie 1930. În 1937, Chukovsky a publicat o colecție de memorii și articole despre artă (Far Close), care a fost ulterior retipărită de mai multe ori.

3.6 Valentin Alexandrovici Serov (1865-1911)

Născut la Sankt Petersburg în familia compozitorului A.N. Serov. Din copilărie, V.A. Serov a fost înconjurat de artă. Repin a fost profesorul. Serov a lucrat lângă Repin cu copilărie timpurieși foarte curând a descoperit talentul și independența. Repin îl trimite la Academia de Arte la P.P. Chistiakov. Tânărul artist a câștigat respect, iar talentul său a stârnit admirație. Serov a scris „Fata cu piersici”. Prima lucrare majoră a lui Serov. În ciuda dimensiunilor mici, imaginea pare foarte simplă. Este scris în tonuri de roz și auriu. A primit un premiu de la Societatea Iubitorilor de Artă din Moscova pentru acest tablou. În anul următor, Serov a pictat un portret al surorii sale, Maria Simonovich, iar mai târziu l-a numit „Fata luminată de soare” (1888). Fata stă la umbră, iar poiana din fundal este luminată de razele soarelui dimineții.

Serov a devenit un portretist la modă. Pozat în fața lui scriitori celebri, aristocrați, artiști, artiști, antreprenori și chiar regi. La vârsta adultă, Serov a continuat să scrie rude, prieteni: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serov a îndeplinit ordinele celor încoronați - Alexandru al III-lea și Nicolae al II-lea. Împăratul este înfățișat într-o jachetă simplă a regimentului Preobrazhensky; acest tablou (distrus în 1917, dar păstrat în replica autorului din același an; Galeria Tretiakov) este adesea considerat cel mai bun portret al ultimului Romanov. Stăpânul a pictat atât funcționari titulari, cât și comercianți. Serov a lucrat la fiecare portret până la epuizare, cu dăruire deplină, de parcă lucrarea pe care a început-o ar fi fost ultima sa lucrare, minimizând sau chiar eliminând diferența dintre un studiu și un tablou. Desenul alb-negru era, de asemenea, o formă egală de creativitate (valoarea acestuia din urmă a fost fixată în opera sa din 1895, când Serov a realizat un ciclu de schițe de animale, lucrând la ilustrarea fabulelor lui I.A. Krylov).

La cumpăna dintre secolele XIX-XX. Serov devine probabil primul portretist din Rusia, dacă cineva în acest sens este inferior, atunci un singur Repin. Se pare că cel mai bine reușește imagini lirice intime, feminine și copilărești (N.Ya. Derviz cu un copil, 1888–1889; Mika Morozov, 1901; ambele portrete sunt de la Galeria Tretiakov) sau imagini ale unor oameni creativi (A . Mazini, 1890; K.A. Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; N.A. Leskov, 1894; toate - în același loc), unde impresia colorată, contur liber reflectă starea de spirit a modelului. Dar portretele și mai oficiale, seculare, combină organic arta subtilă cu darul nu mai puțin subtil al unui artist-psiholog. Printre capodoperele „secularului” Serov - contele F.F. Sumarokov-Elston (mai târziu - prințul Yusupov), 1903, Muzeul Rus; G. L. Girshman, 1907; V.O. Girshman, 1911; I.A.Morozov, 1910; Prințesa O.K. Orlova, 1911; totul este acolo).

În portretele maestrului din acești ani, Art Nouveau domină complet prin cultul unei linii puternice și flexibile, al gestului și al unei poze monumentale captivante (M. Gorki, 1904, Muzeul A. M. Gorki, Moscova; M. N. Ermolova, 1905; F.I. .Chaliapin). , cărbune, cretă, 1905; ambele portrete sunt în Galeria Tretiakov; Ida Rubinstein, tempera, cărbune, 1910, Muzeul Rus). Serov a lăsat o amintire recunoscătoare despre sine ca profesor (în 1897–1909 a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova, unde printre studenții săi s-au numărat K.F. Yuon, N.N. Sapunov, P.V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K.S. Petrov -Vodkin). Serov a murit la Moscova pe 22 noiembrie (5 decembrie), 1911.

capitol. Arta portretului

Portretul este un gen semnificativ și important în artă. Însuși cuvântul „portret” se întoarce la vechiul cuvânt francez „pourtrait”, care înseamnă: imaginea diavolului în diavol; se întoarce și la verbul latin „protrahere” – adică „extrage”, „descoperă”; mai târziu - „înfățișează”, „portret”. În rusă, cuvântul „portret” corespunde cuvântului „ca”.

În artele vizuale, cărora le aparține inițial acest termen, portretul înseamnă imaginea unei anumite persoane sau a unui grup de oameni specific, în care aspectul individual al unei persoane este transmis, reprodus, lumea sa interioară, esența caracterului său sunt dezvăluit.

Imaginea unei persoane este tema principală a picturii. Studiul său începe cu schițe ale capului. Toate imaginile formale sunt subordonate creării unei imagini, transferului stării psihologice a unei persoane. În pictură, imaginea unui cap uman din natură ar trebui să corespundă viziunii noastre tridimensionale obișnuite și înțelegerii lumii din jurul nostru.

Metodele de pictare a capului în școala academică rusă din prima jumătate a secolului al XIX-lea continuă tradiția sculptării formei cu ajutorul umbrelor puternice și fierbinți. Putem judeca metodele academice luând în considerare lucrările lui O. Kiprensky, K. Bryullov, A. Ivanov. Este imposibil să considerăm metodele academice ca fiind ceva la fel pentru toți artiștii, dar ceea ce este comun pentru studenții academiei este disciplina formei.

Un portret poate fi considerat destul de satisfăcător atunci când sunt transmise trăsăturile intime și personale ale persoanei înfățișate, când originalul este reprodus întocmai, cu toate trăsăturile înfățișării și caracterului său individual interior, în poziția sa cea mai familiară, cu expresia sa cea mai caracteristică. . Satisfacerea acestei cerințe face parte din domeniul de aplicare al sarcinilor artei și poate duce la rezultate extrem de artistice dacă sunt realizate de maeștri talentați care își pun gustul personal și simțul naturii în reproducerea realității.

Pictura este în primul rând o imagine a formei, a volumului. Prin urmare, forma este adesea pre-elaborată într-o singură culoare, exact cu toate detaliile. Apoi luminile au fost vopsite la rece, groase, texturate; umbre fierbinți, transparente, folosind lacuri, uleiuri, rășini. Toate acestea se aplică picturii în ulei. Acuarelele de atunci sunt doar desene colorate, iar tempera era folosită pentru picturile bisericești, departe de lucrările din natură.

Mare importanțăîn pictura academică avea o succesiune de lucru, un sistem. Glazura uscată și umedă a dat capului forma, culoarea și expresia finală. Dar probabil unii șefi ai K.P. Bryullov a pictat imediat, menținând în același timp modelarea strictă, luminile reci și umbrele fierbinți. Aceleași umbre fierbinți zac și pe portretele lui I. N. Kramskoy. Roșeața lor este atenuată de lumina de obicei difuză a muzeului. Dar dacă o rază de soare cade pe portret, ești uimit de luminozitatea condiționată a umbrelor roșii.

Impresioniștii au acordat cea mai mare atenție importanței luminii calde și reci în sculptarea unui cap viu. Fie luminile sunt reci, iar umbrele sunt calde, fie invers. În fiecare model sunt selectate condițiile situației, în funcție de ten, haine de aspect general. Pentru a crea un iluminat interesant, sunt folosite ecrane - carton, pânză, hârtie. Ecranul poate întuneca o parte a fundalului sau a hainelor, ceea ce face ca fața să iasă mai bine în evidență.

Păstrarea schiței pregătitoare a lui M. A. Vrubel pentru portretul lui N. I. Zabela - Vrubel, unde limitele tuturor schimbărilor de culoare sunt trasate cu creion. Suprafața feței este împărțită în zone foarte mici, ca un mozaic. Dacă umpleți fiecare dintre ele cu culoarea potrivită, portretul va fi gata.

Imaginea portretului reflectă nu numai modelul, ci și artistul însuși. Prin urmare, autorul este recunoscut după lucrările sale. Aceeași persoană arată complet diferit în portretele diferiților artiști. Până la urmă, fiecare dintre ei contribuie la portret atitudinea lor față de model, față de lume, sentimentele și gândurile lor, modul lor de a vedea și simți, depozitul lor mental, viziunea lor asupra lumii. Artistul nu doar copiază modelul, nu doar îi reproduce aspectul - el își comunică impresiile despre ea, transmite, își exprimă ideea despre ea.

Genul portretului a ocupat un loc important în sistemul educației academice, deoarece profesorii de la începutul secolului al XIX-lea l-au văzut în reprezentarea unei persoane ca pe o modalitate prin care artistul se adresează direct naturii.

Odată cu dezvoltarea și stabilirea tendințelor democratice în arta rusă în procesul de rezolvare a problemelor creative comune, există o convergență a căutărilor în diferite genuri, și în special în portrete.

Lucrarea la un portret aduce artistul în contact strâns cu reprezentanții diferitelor pături sociale. societate modernă, iar munca din natură extinde și adâncește semnificativ înțelegerea psihologiei imaginilor întruchipate din imagine. Portretul este îmbogățit cu tipic imagini populare. Caracteristicile psihologice ale persoanei descrise în portret, înțelegerea sa morală, socială sunt aprofundate. În portret, se poate simți mai ales nu numai o atitudine critică față de viață, ci și căutarea imagine pozitivă, cu cea mai mare forță manifestată în imaginile reprezentanților intelectualității.

arta rusă are o tradiție bogată de portrete realiste datând din secolul al XVIII-lea, care a lăsat o moștenire semnificativă. S-au dezvoltat fructuos în prima jumătate a secolului al XIX-lea. În aceste epoci, portretul, relativ eliberat de puterea canoanelor, în completitudinea realistă a imaginilor sale, a fost cel care a mers înainte atât pe planul - istoric, cât și pe pictura cotidiană, care a făcut doar primii pași în arta rusă.

Cei mai buni portretiști din secolul al XVIII-lea și din prima jumătate a secolului al XIX-lea ne transmit trăsăturile tipice ale contemporanilor lor. Dar sarcinile de tipificare, păstrând în același timp individul în imaginea umană, au intrat în conflict în aceste portrete cu conceptul clasic dominant, în care tipicul era înțeles ca abstract de individ. În portretul Rătăcitorului, întâlnim însă o înțelegere inversă a tipicului: cu cât pătrunderea în individualitatea unei persoane este mai profundă, cu atât imaginea sa este mai concretă și mai strălucitoare, cu atât mai clar trăsăturile comune care s-au dezvoltat sub influența lui. în portretul său apar anumite condiţii de viaţă.

Bibliografie

1. Aleshina L.S. Arta rusă a secolului XIX - începutul secolului XX -M., „Arta” 1972.

2. Benois A. Istoria picturii ruse în secolul XIX - M., „Republica” 1999.

3. Gomberg - Verzhbitskaya E.P. Wanderers: o carte despre maeștrii picturii realiste rusești de la Perov la Levitan - M., 1961.

4. Ilyina T.V. Istoria artei. Artă casnică - M., „Școala superioară”, 2005.

5. Arta portretului. Colecția - M., 1928.

6. Scurt dicționar de termeni de arte plastice.

7. Lihaciov D.S. Arta rusă de la antichitate la avangardă - M., „Arta”, 1992.

8. Matafonov S.M. Trei secole de pictură rusă - Sib., "Kitezh" 1994.

9. Pușkin A.S. Lucrări complete într-un singur volum - M., 1938.

10. Roginskaya F.S. Rătăcitori - M., 1997.

11. Shchulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z. Cultura Rusiei secolele IX - XX. uh. alocație - M., „Prostor” 1996.

12. Yakovlev V.M. Despre marii artiști ruși - M., „Editura Academiei Artiștilor din URSS” 1952.

Pușkin A.S. Lucrări complete într-un singur volum. M., 1983, p.9.

Shulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z., Cultura Rusiei în secolele IX-XX. uh. indemnizaţie - M. „Prostor”, 1996 S. 205

Arta portretului. Colectie. M., 1928 P.77.

Un scurt dicționar de termeni de arte plastice. M., 1959 P.126.

Gomberg - Verzhbitskaya E.P. Wanderers: o carte despre maeștrii picturii realiste rusești de la Perov la Levitan - M., 1961. P. 44.