Renașterea italiană (Renașterea italiană) este marcată de o perioadă de schimbări culturale majore în Europa, în perioada secolelor XIV - XVI. Din această epocă a apărut o constelație de artiști italieni celebri care au admirat și au arătat lumii întregi frumusețea naturii și corpul uman. Deci, să aruncăm o privire în primele 10 maeștri celebri Renașterea italiană.

1. Rafael Santi

Rafael Santi (cunoscut de noi toți drept Raphael) s-a născut în Urbino din Giovanni Santi, un pictor de curte. Tânărul Rafael și-a început studiile la curte, unde s-a inspirat din lucrările unor mari artiști precum Andrea Mantegna și Piero della Francesca. Raphael a fost, de asemenea, un elev al lui Pietro Perugino, iar lucrările sale timpurii reflectă influența profesorului său renascentist italian. În perioada 1500 și 1508 a lucrat Rafael Italia centralăși era cunoscut pentru madone și portrete. În 1508, Papa Iulius al II-lea i-a cerut să decoreze camerele papale din Vatican, unde și-a încheiat cel mai bun lucru, precum „Școala din Atena” din Stanza della Senyatura.


"Santi"

2. Leonardo da Vinci

Lucrările lui Leonardo da Vinci sunt adesea considerate simbolul idealurilor umaniste în timpul Renașterii italiene. Leonardo da Vinci a fost un maestru al diferitelor forme de artă, cu toate acestea, și-a câștigat faima prin picturile sale. Leonardo era copilul nelegitim al unui notar florentin și al unei țăranci. Tânărul și-a format stilul în timp ce studia în atelierul pictorului florentin Andrea del Verrocchio. Din păcate, doar 15 dintre picturile sale sunt disponibile astăzi, printre care „Mona Lisa” și „ Ultima cina sunt două dintre cele mai recunoscute și imitate lucrări.

3. Michelangelo

La fel ca și contemporanul său, Leonardo da Vinci, Michelangelo a fost un maestru al diverselor domenii artistice, cel mai important, desigur, a fost pictura. Capela Sixtină a Vaticanului găzduiește cele mai impresionante fresce din istoria artei occidentale: imagini care ilustrează nouă scene din Cartea Genezei pe tavan și Judecata de Apoi pe peretele altarului, aparținând pensulei artistului. Michelangelo a finalizat frescele de pe tavanul capelei în aproximativ patru ani, compoziția se întinde pe mai mult de 500 de metri pătrați și include cel puțin 300 de imagini. Această piesă de artă extraordinară a influențat, fără îndoială, mulți decoratori baroc în următorii câțiva ani.

4. Sandro Botticelli

Un alt pictor aparținând celebrei școli florentine este Sandro Botticelli. Se știu puține despre tinerețea sa, este evident că a fost elev al lui Fra Filippo Lippi și s-a inspirat din picturile monumentale ale lui Masaccio. O pictură elegantă a Madonei cu Pruncul, maestrul Botticelli al Renașterii timpurii, precum și picturile sale de pe pereții altarului, picturi în mărime naturală devenit cunoscut în timpul vieții sale. El este cel mai bine cunoscut pentru două lucrări care înfățișează scene mitologice - „Nașterea lui Venus” și „Primăvara” - ambele picturi sunt găzduite în Galeria Uffizi din Florența.

5. Tizian

Tiziano Vecellio, cunoscut drept Tizian, a fost cel mai mare pictor venețian al secolului al XVI-lea. Titian este renumit, mai ales, pentru capacitatea sa de a folosi culorile și nuanțele acestora - a stăpânit în egală măsură priceperea de a desena portrete, peisaje, povestiri mitologiceȘi teme religioase. În adolescență, a lucrat cu artiști venețieni importanți precum Giorgione și Giovanni Bellini. De asemenea, a pictat pentru regalitate în toată Europa, inclusiv regele Filip al II-lea al Spaniei. De-a lungul carierei sale, Tizian a pictat portrete ale multora dintre cele mai importante personalități ale timpului său, de la Papa Paul al III-lea la Sfântul Împărat Roman Carol al V-lea.


"Auto portret". Muzeul National Prado

6. Tintoretto

Jacopo Robusti (Comyn), cunoscut de toată lumea sub porecla Tintoretto (tatăl său era vopsitor sau tintore în italiană), este următorul pe lista celor mai mari pictori italieni ai Renașterii. El a combinat folosirea colorării lui Tizian și dinamica formelor lui Michelangelo. Opera sa este caracterizată de subiecte de amploare, precum lucrarea sa „Cina cea de taină”. Imaginea se caracterizează prin ingeniozitate, iluminare spectaculoasă - jocul de lumini și umbre și utilizarea gesturilor și mișcărilor corpului în dinamică. Datorită pasiunii sale pentru muncă și impulsivității desenului, Tintoretto și-a câștigat o altă poreclă: II Furious.


"Auto portret"

7. Masaccio

Masaccio a lăsat o amprentă de neșters în lumea picturii, deși viața lui a fost scurtă - a murit la 26 de ani. Născut în 1401, el a adus o contribuție semnificativă la pictură prin capacitatea sa de a crea imagini și mișcări dinamice, precum și prin abordarea sa științifică a perspectivei. De fapt, el este considerat de mulți a fi primul mare pictor al Renașterii italiene și un inovator al epocii moderne a picturii. Opera lui Masaccio a fost influențată de lucrările sculptorului Donatello și ale arhitectului Brunelleschi. Din păcate, în vremea noastră au supraviețuit doar patru lucrări, a căror paternitate nu ridică semne de întrebare, în timp ce alte lucrări au fost scrise în colaborare cu alți artiști.

8. Domenico Ghirlandaio

Domenico Ghirlandaio era șeful unui atelier mare și productiv din Florența, care includea și cei doi frați ai săi. Multe ulterior artiști celebri a petrecut timp în atelierul său, printre ei și Michelangelo. Pictorul renascentist timpuriu a devenit cunoscut pentru subiectele sale detaliate, care includeau adesea personalități importante ale vremii, cum ar fi cronica societății florentine contemporane. Cele mai semnificative comisii au fost primite de el de la Papa Sixtus al IV-lea, care l-a chemat la Roma pentru a picta Capela Sixtină.


„Chemarea primilor apostoli”

9. Andrea del Verrocchio

Poate ați observat că Andrea del Verrocchio era deja menționată pe lista noastră. A avut o influență imensă asupra pictorilor de succes ai Renașterii italiene. Printre elevii săi s-au numărat și amintiții Botticelli, Ghirlandaio și chiar Leonardo da Vinci. Patronii săi au fost influenta familie Medici, reprezentanți ai statului venețian și Consiliul Municipal Pistoia. Artistul versatil a realizat destul de multe sculpturi. Există o singură piesă de artă cunoscută semnată de Verrocchio: peretele altarului din Catedrala Pistoia. În ciuda acestui fapt, multe alte picturi sunt atribuite atelierului său.


„Botezul lui Hristos”

10. Giovanni Bellini

Născut într-o familie de artiști, împreună cu tatăl său Jacopo și fratele Gentile, Giovanni Bellini a schimbat complet pictura în regiunea venețiană. Folosind culori pure și tranziții moi, Bellini a reușit să creeze nuanțe bogate și umbriri proeminente. Aceste inovații de colorare au avut un efect profund asupra altor pictori precum Tițian. Bellini a adăugat un simbolism deghizat la multe dintre lucrările sale, care este de obicei atribuit Renașterii nordice.


„Madona în luncă”

Până în secolul al XIII-lea, Italia a fost dominată de tradiția bizantină, ostilă oricărei dezvoltări libere sau înțelegerii individuale. Abia în secolul al XIII-lea, schema pietrificată a imaginii a fost reînviată în opera unor mari artiști, mai ales a celor din Florența.

Există o nouă percepție, orientată spre realitate, a armoniei culorilor și o expresie mai profundă a sentimentelor. Dintre artiștii din secolele XIII-XIV, se poate vocea precum Ercole de Roberti, Francesco Francia, Jacopo de Barbari.

Pictura iatliană din secolele XV-XVI

În această perioadă, un astfel de stil de pictură precum manierismul a fost larg răspândit. Se caracterizează printr-o abatere de la unitatea și armonia omului cu natura, tot ce este material și spiritual, în aceasta el stă în opoziție cu Renașterea.

Marele centru al picturii este Veneția. Contribuția lui Tițian a definit în mare măsură pictura venețiană a secolului al XVI-lea, atât în ​​ceea ce privește realizările artistice ale maestrului, cât și productivitatea acestuia. A stăpânit în egală măsură toate genurile, a strălucit în compoziții religioase, mitologice și alegorice, a creat numeroase portrete uluitoare. Titian a urmat tendințele stilistice ale vremii sale și le-a influențat la rândul său.

Veronese și Tintoretto - spre deosebire de acești doi artiști, se dezvăluie dualitatea Pictura venețiană mijlocul secolului al XVI-lea, manifestarea calmă a frumuseții existenței pământești de la sfârșitul Renașterii la Veronese, mișcarea asertivă și extrema altmondism, iar în unele cazuri și seducția rafinată de natură seculară, în opera lui Tintoretto . În picturile lui Veronese nu se simt probleme ale vremii, el scrie totul de parcă nu s-ar putea altfel, de parcă viața este frumoasă așa cum este. Scenele înfățișate în picturile sale duc o existență „reală” care nu lasă loc de îndoială.

Cu totul diferit cu Tintoretto, tot ce scrie este plin de acțiune intensă, dramatic de mobil. Nimic nu este de nezdruncinat pentru el, lucrurile au multe laturi și se pot manifesta în moduri diferite. Contrastul dintre picturile profund religioase și secular picante, cel puțin elegante, care este evidențiat de cele două creații ale sale „Mântuirea lui Arsinoe” și „Lupta Arhanghelului Mihail cu Satana”, ne concentrează atenția asupra originalității manierismului, inerent. nu numai la venețianul Tintoretto, dar am observat și în Correggio Parmigianino, care provine din tradiții.

Pictura italiană din secolul al XVII-lea

Acest secol este marcat ca o perioadă de creștere a catolicismului, de consolidare a bisericii. Perioada de glorie a picturii în Italia a fost asociată, ca și în secolele precedente, cu împărțirea în școli locale separate, care a fost o consecință a situației politice din această țară. Renașterea Italiei a fost înțeleasă ca punctul de plecare al unei căutări de anvergură. Este posibil să se evidențieze artiștii școlilor romane și bologneze. Este vorba despre Carlo Dolci de la Florența, Procaccini, Nuvolone și Pagani de la Milano, Alessandro Turki, Pietro Negri și Andrea Celesti de la Veneția, Ruoppolo și Luca Giordano de la Napoli. Școala romană strălucește cu o serie întreagă de picturi la pildele Noului Testament de Domenico Fetti, învățate din exemplele lui Caravaggio și Rubens.

Andrea Sacchi, elev al lui Francesco Albani, reprezintă o mișcare clasică distinctă în pictura romană. Clasicismul, ca mișcare opusă barocului, a existat întotdeauna în Italia și Franța, dar a avut o pondere diferită în aceste țări. Această direcție este reprezentată de Carlo Maratto, elev al lui Sacchi. Unul dintre principalii reprezentanți ai tendinței clasiciste a fost Domenichino, care a studiat cu Denis Calvart și Caracci la Bologna.

Pier Francesco Mola, sub influența lui Guercino, a fost mult mai baroc, mai puternic în interpretarea luminii și a umbrei, în transferul unui ton maro-cald. A fost influențat și de Caravaggio.

În secolul al XVII-lea, formele dezvoltate expresiv ale barocului, cu sensul său inerent de „naturalitate” și în reprezentarea miracolelor și a viziunilor, puse în scenă, însă, teatral, au estompat granițele dintre realitate și iluzie.

Tendințele de realism și clasicism sunt caracteristice acestei epoci, indiferent dacă sunt opuse barocului sau percepute ca componente ale acestui stil. Salvator Rosa din Napoli a fost un pictor peisagist de o influență foarte considerabilă. Lucrările sale au fost studiate de Alessandro Magnasco, Marco Ricci, francezul Claude-Joseph Vernet.

Pictura italiană a făcut o impresie puternică asupra întregii Europe, dar Italia, la rândul ei, nu a fost scutită de influența inversă a stăpânilor din Nord. Un exemplu de urmărire a genului de pictură Wauwerman, dar cu o scriere de mână dezvoltată individual și ușor de recunoscut, este Michelangelo Cervocci cu „Jaful după bătălie”. S-a format ca artist la Roma sub influența lui Pieter van Laer, născut în Haarlem și locuit la Roma.

Dacă pictura venețiană din secolul al XVII-lea dă impresia unui intermezzo, un interludiu între marele trecut al secolelor al XV-lea și al XVI-lea și viitorul apogeu din secolul al XVIII-lea, atunci în persoana lui Bernardo Strozzi pictura genoveză are un artist al cel mai înalt rang, care a adus accente esențiale tabloului picturii baroc din Italia.

Pictura italiană a secolului al XVIII-lea

Ca și în secolele precedente, școlile individuale de pictură italiană au avut propria identitate în secolul al XVIII-lea, deși numărul centrelor cu adevărat semnificative a fost redus. Veneția și Roma au fost centre mari pentru dezvoltarea artei în secolul al XVIII-lea, Bologna și Napoli au avut și ele propriile lor realizări remarcabile. Datorită maeștrilor Renașterii, în secolul al XVII-lea Veneția a fost un liceu pentru artiști din alte orașe din Italia și din întreaga Europă în general, care au studiat aici Veronese și Tintoretto, Titian și Giorgione. Aceștia sunt, de exemplu, Johann Lis și Nicola Renier, Domenico Fetti, Rubens și Bernardo Strozzi.

Secolul al XVIII-lea începe cu artiști precum Andrea Celesti, Piero Negri, Sebastiano Ricci, Giovanni Battista Piazzetta. Cea mai caracteristică expresie a originalității sale este oferită de picturile lui Giovanni Battista Tiepolo, Antonio Canal și Francesco Guardi. Amploarea decorativă magnifică a lucrărilor lui Tiepolo este viu exprimată în frescele sale monumentale.

Bologna, cu legăturile sale convenabile cu Lombardia, Veneția și Florența, este centrul Emilia, singurul oraș din această regiune care a produs maeștri remarcabili în secolele al XVII-lea și al XVIII-lea. Aici a fost fondată în anul 1119 cea mai veche universitate din Europa cu o renumită facultate de drept.Viața spirituală a orașului a influențat semnificativ pictura italiană a secolului al XVIII-lea.

Cele mai atractive sunt lucrările lui Giuseppe Maria Crespi, în special seria „Șapte Taine ale Bisericii” realizată în 1712. Școala pitorească din Bologna are în persoana lui Crespi un artist de anvergură europeană. Viața lui aparține jumătate din secolul al XVII-lea, jumătate din secolul al XVIII-lea. Ca elev al lui Carlo Cignani, care la rândul său a studiat cu Francesco Albani, a stăpânit universitar limbaj artistic care a distins pictura bologneză încă de pe vremea lui Carracha. Crespi a vizitat Veneția de două ori, învățându-se și inspirând pe alții. Mai ales Pianzetta pare să-și fi memorat lucrările de mult timp.

Pictura bologneză de la începutul secolului al XVIII-lea, diferită de cea a lui Crespi, este reprezentată de Gambarini. Colorarea rece și claritatea desenată, conținutul atractiv anecdotic al picturilor sale fac, în comparație cu realismul puternic al lui Crespi, să-l atribuie mai mult școlii academice.

În persoana lui Francesco Solimena, pictura napolitană și-a avut reprezentantul recunoscut în toată Europa. Pictura romană din secolul al XVIII-lea arată o tendință clasică. Artiști precum Francesco Trevisani, Pompeo Girolamo Batoni și Giovanni Antonio Butti sunt exemple în acest sens. Secolul al XVIII-lea a fost Epoca Iluminismului. Cultura aristocratică din toate domeniile în prima jumătate a secolului al XVIII-lea a cunoscut o înflorire strălucitoare a barocului târziu, manifestată în festivități de curte, opere magnifice și fapte domnești.


Schitul de Stat, împreună cu Muzeele Orașului din Pavia, deține cea mai mare retrospectivă a picturii italiene din secolul trecut, incluzând peste șaptezeci de lucrări.

Schitul de Stat, 19 noiembrie 2011 - 22 ianuarie 2012
Sala de arme Palatul de iarnă

În cadrul Anului Italiei în Rusia și Rusia în Italia, Sala Armorială a Palatului de Iarnă găzduiește expoziția „Italian pictura XIX secol. De la Neoclasicism la Simbolism”, organizat de Schitul Statului împreună cu Muzeele Orașului Pavia. Expoziția este cea mai mare retrospectivă a picturii italiene din secolul trecut și include peste șaptezeci de lucrări, dintre care jumătate provin din colecția Galeriei de Artă din secolul al XIX-lea a Muzeelor ​​Orașului din Pavia. În plus, expoziția include lucrări de la Galerie artă contemporană Florența, Milano, Torino, Genova. Este greu de supraestimat semnificația expoziției, deoarece perioada analizată este practic necunoscută publicului rus (colecția Hermitage conține puțin peste șaizeci de picturi ale artiștilor italieni Ottocento).

Folosind ca exemplu cele mai bune exemple de pictură din secolul al XIX-lea, expoziția demonstrează întreaga gamă de stiluri și tendințe în care au lucrat artiștii italieni: clasicism, romantism, istoricism, macchiaioli, simbolism.

Principalele trăsături ale clasicismului italian au fost stabilite în opera lui Antonio Canova. Artista lombardă Andrea Appiani a apelat la tipul de picturi sublim idilice pe teme mitologice, un exemplu al cărora este pictura Juno îmbrăcată de grații. Același canon străvechi de armonie sublimă se află în pânzele „Paris” și „Hebe” de Gaspare Landi. Ramura eroică a neoclasicismului este reprezentată de pictura odinioară populară „Moartea Cezarului” de Vincenzo Camuccini.

Trecerea la episoade și eroi ai istoriei naționale, în mare parte deja descrise în literatură, este caracteristică majorității picturii secolului al XIX-lea, începând cu romantismul. Artist principal această direcție – Francesco Hayets. În pictura „Reconcilierea lui Otto al II-lea cu mama sa Adelaide de Burgundia”, el a reprodus un eveniment semnificativ, dar puțin cunoscut din istoria medievală italiană. În „Venus Playing with Doves” a întruchipat trăsăturile celebrei balerine Carlotta Chabert, în „Denunțul secret” a arătat un venețian, frumos și crud.


Artiștii romantici au descris de bunăvoie oameni excepționali, eroi rebeli în momente de glorie sau de cădere. Exemple de astfel de lucrări: „Galileo înaintea Inchiziției” de Christiano Banti, „Christopher Columb la întoarcerea din America (Christopher Columbus în lanțuri)” de Lorenzo Delleani, „Lord Byron pe malurile grecești” de Giacomo Trecourt.

Romanticii reînvie interesul pentru genurile „mai tinere” de pictură - imaginea interioarelor clădirilor și a vederilor orașului (plumb). În pânza „Biserica Santa Maria della Salute din Veneția” Ippolito Caffi experimentează percepția vizuală și efectele de lumină.

Căutarea romanticilor a continuat în anii 1860 macchiaioli toscani: Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Odorado Borrani, Vincenzo Cabianca. Artiștii au propus o manieră stilistică, înlocuind clarobscurul tradițional cu o combinație contrastantă de pete („macchia”). În noua tehnică, macchiaioli a prezentat scene de gen Viata de zi cu zi: „Singing a stornello” și „Brothed, or the miriade” de Silvestro Legi, „Rendezvous in the Forest” de Telemaco Signorini. Peisajul din picturile „Rotonda Băilor Palmieri” de Giovanni Fattori și „Vedere despre Castiglioncello” de Giuseppe Abbati este interesant, deoarece artiștii au lucrat în aer liber pentru a-l crea.

Tendințele simbolismului sunt exprimate clar în tripticul lui Giorgio Kinerca „Enigma omului”: artistul evită o caracterizare clară a personajelor, preferând să fascineze privitorul cu simboluri ezoterice și o atmosferă magnetică generală.

În ultimele decenii ale secolului al XIX-lea, artiștii europeni au experimentat noi mijloace de exprimare. În Italia, Angelo Morbelli dezvoltă tehnica loviturii separate (divisionism), al cărei exemplu este un tablou pe tema socială„Pentru 80 centesimo!”. Giuseppe Pelizza da Volpedo a fost și el divizionist, care a întruchipat simbolic idealurile înaltului umanism în tabloul „Dansul rotund”.

Expoziţia „Pictura italiană a secolului al XIX-lea. De la Neoclasicism la Simbolism” este un răspuns la marea expoziție „Leonardeschi de la Foppa la Giampetrino: Tablouri din Ermitaj și Muzeele Municipale din Pavia” deschisă în martie 2011 la Castello Visconteo, care cuprindea douăzeci și două de pânze din colecția Hermitage.

Curatorul expoziției în numele Schitului de Stat este Natalya Borisovna Demina, cercetător la Departamentul Europei de Vest. Arte vizuale, de la Muzeele Orașului Pavia - Susanna Zatti, Director Muzeele Orașului Pavia.

Până la deschiderea expoziției a fost publicat un catalog științific în limba rusă și italiană (editura Schira, Milano-Geneva), cu articole de Fernando Mazzocchi, profesor la Universitatea din Milano, Francesca Porreco, curator al Muzeelor ​​Municipale din Pavia și Suzanna Zatti.



Atenţie! Toate materialele site-ului și baza de date a rezultatelor licitațiilor site-ului, inclusiv informații de referință ilustrate despre lucrările vândute la licitații, sunt destinate utilizării exclusiv în conformitate cu art. 1274 din Codul civil al Federației Ruse. Utilizarea în scopuri comerciale sau cu încălcarea regulilor stabilite de Codul civil al Federației Ruse nu este permisă. site-ul nu este responsabil pentru conținutul materialelor transmise de terți. In cazul incalcarii drepturilor tertilor, administratia site-ului isi rezerva dreptul de a le scoate din site si din baza de date la cererea organismului abilitat.

  • 31.01.2020 Prețul de pornire al fiecărui lot din această licitație nu depinde de estimarea sa și este de exact 100 USD
  • 30.01.2020 Marron își colecționează colecția de mai bine de 20 de ani, ea constă din 850 de opere de artă, estimate provizoriu la 450 de milioane de dolari.
  • 30.01.2020 Statutul sculpturii de la Muzeul Getty în decembrie 2019 a fost schimbat în „opera unui artist necunoscut”
  • 29.01.2020 Cursul a trebuit să fie anulat după plângeri că s-a concentrat prea mult pe „istoria albă a artei” europeană și pe studiul artiștilor bărbați.
  • 29.01.2020 Organizatorii celei mai cuprinzătoare retrospective a operei lui Salvador Dali oferă publicului două sute de lucrări ale artistului și un bogat program educațional
  • 31.01.2020 Venitul total s-a ridicat la aproape 2,5 milioane de ruble. Cumpărători - de la Moscova la Magadan
  • 24.01.2020 Mai mult de 50% din loturile catalogului au trecut sub ciocan, cumpărători - de la Perm la Minsk
  • 23.01.2020 Catalogul conține treizeci de loturi: unsprezece tablouri, cincisprezece coli de grafică originală și una - tipărită, o lucrare în mediu mixt, o farfurie de porțelan și un album foto
  • 20.01.2020 Catalogul primei licitații de artă și arte plastice din 2020 a constat din 547 de loturi - tablouri și grafică, sticlă, porțelan, ceramică, argint, email, bijuterii etc.
  • 17.01.2020 Puțin mai puțin de jumătate din toate loturile din catalog au intrat în mâini noi. Printre cumpărători - Moscova, Odintsovo, Minsk și Perm
  • 31.01.2020 În istoria subiectului conversației, ceva poate părea naiv, celălalt - pentru a găsi aplicație în practica participanților de pe piață. Un lucru este cert: în orice profesie, cunoștințele fiecăruia persoana de succes ar trebui să se bazeze pe succesele și greșelile predecesorilor săi
  • 03.12.2019 Cifrele principale ale celor trei licitații principale ale „săptămânii rusești” și puțin despre cum s-au adeverit previziunile noastre
  • 03.12.2019 Anul acesta Salonul a avut loc într-un nou loc, în Gostiny Dvor, și cu o lună mai târziu decât de obicei
  • 28.11.2019 O vizită la atelierul artistului este un eveniment care poate schimba viața atât a proprietarului studioului, cât și a invitatului său. Nu tocmai o întâlnire de afaceri, dar cu siguranță nu o vizită prietenoasă obișnuită. Urmând câteva reguli simple te vor ajuta să eviți să ai probleme în această situație.
  • 26.11.2019 Pentru a patra oară, la propunerea VKhNRTS numită după academicianul I. E. Grabar, publicăm o aviz fals de expert, presupus emis de experții Centrului. Fii atent!
  • 17.12.2019 Expoziția, care se deschide pe 19 decembrie în clădirea principală a muzeului, la adresa Petrovka 25, este o încercare de a arunca o privire nouă asupra vastei colecții muzeale de artă rusă: 20 de personalități cunoscute din diverse domenii profesionale au devenit curatorii proiectul
  • 12.12.2019 Pe 6 aprilie 2020 se împlinesc 500 de ani de la moartea unuia dintre cei mai mari artiști ai Renașterii. În așteptarea evenimentelor de anvergură care vor avea loc anul viitor, Galeria de Artă din Berlin deschide o expoziție de Madone de Raphael Santi

PICTURA ITALII

În Italia, unde reacția catolică a triumfat în cele din urmă în secolul al XVII-lea, arta barocă s-a format foarte devreme, a înflorit și a devenit tendința dominantă.

Pictura din acest timp a fost caracterizată de compoziții decorative spectaculoase, portrete ceremoniale înfățișând nobili aroganți și doamne cu o postură mândră, înecându-se în haine și bijuterii luxoase.

În locul unei linii, s-a acordat preferință unui loc pitoresc, contraste de masă, lumină și umbră, cu ajutorul căruia a fost creată forma. Barocul a încălcat principiile împărțirii spațiului în planuri, principiile perspectivei liniare directe pentru a spori profunzimea, iluzia de a merge la infinit.

Originea picturii baroc din Italia este asociată cu opera fraților Carracci, fondatorii uneia dintre primele școli de artă din Italia - Academia de Mers. calea cea buna„(1585), așa-numita Academia Bologna – atelier în care maeștrii începători au studiat după un program special.

Annibale Carracci (1560-1609) a fost cel mai talentat dintre cei trei frați Carracci. În opera sa, sunt urmărite clar principiile Academiei Bologna, care au stabilit ca sarcină principală renașterea artei monumentale și a tradițiilor Renașterii în perioada de glorie, pe care contemporanii lui Carracci le venerau ca exemplu de perfecțiune de neatins și un fel de artă artistică. "absolut". Prin urmare, Carracci percepe capodoperele marilor săi predecesori mai degrabă ca o sursă din care să tragă soluțiile estetice găsite de titanii Renașterii, și nu ca un punct de plecare pentru propriile căutări creative. Frumosul plastic, idealul nu este pentru el „gradul cel mai înalt” al realului, ci doar o normă artistică obligatorie – arta, deci, se opune realității, în care maestrul nu găsește un nou ideal fundamental. De aici convenționalitatea și abstractitatea imaginilor și soluțiilor sale picturale.

În același timp, arta fraților Carracci și academicismul bolognez s-au dovedit a fi cele mai potrivite pentru a fi puse în slujba ideologiei oficiale și nu degeaba munca lor a căpătat rapid recunoaștere în cele mai înalte (de stat). şi sfere catolice).

Cea mai mare lucrare a lui Annibale Carracci în domeniul picturii monumentale este pictura galeriei Palatului Farnese din Roma, cu fresce care povestesc despre viața zeilor - bazată pe scene din Metamorfoze ale poetului roman antic Ovidiu (1597-1604). , realizat împreună cu fratele său și asistenții).

Pictura este alcătuită din panouri separate care gravitează spre compoziția centrală mare care înfățișează Triumful lui Bacchus și Ariadnei, care introduce un element de dinamică în ansamblul pitoresc. Figurile masculine nude, așezate între aceste panouri, imită sculptura, fiind în același timp și protagoniștii picturilor murale. Rezultatul a fost o lucrare impresionantă de anvergură, spectaculoasă în aparență, dar neunită de nicio idee semnificativă, fără de care ansamblurile monumentale ale Renașterii erau de neconceput. În viitor, aceste principii întruchipate de Carracci - dorința de compoziție dinamică, efecte iluzioniste și decorativitate autosuficientă - vor fi caracteristice întregii picturi monumentale din secolul al XVII-lea.

Annibale Carracci vrea să umple motivele preluate în arta Renașterii cu un conținut viu, modern. El cheamă să studieze natura, în perioada timpurie a creativității, se îndreaptă chiar către pictura de gen. Dar, din punctul de vedere al maestrului, natura însăși este prea aspră și imperfectă, așa că ar trebui să apară pe pânza deja transformată, înnobilată în conformitate cu normele artei clasice. Prin urmare, motive vitale specifice ar putea exista în compoziție doar ca un fragment separat, menit să însuflețeze scena. Așa, de exemplu, în tabloul „Mâncătorul de fasole” (1580) se simte atitudinea ironică a artistului față de ceea ce se întâmplă: el subliniază primitivitatea spirituală a unui țăran care mănâncă cu lăcomie fasole; imaginile figurilor și obiectelor sunt simplificate în mod deliberat. În același spirit sunt susținute și alte tablouri de gen ale tânărului pictor: „Măcelaria”, „Autoportret cu tatăl”, „Vânătoarea” (toate - anii 1580) - adj., fig. 1.

Multe dintre picturile lui Annibale Carracci au teme religioase. Dar perfecțiunea rece a formelor lasă puțin loc pentru manifestarea sentimentelor în ele. Numai în cazuri rare un artist creează lucrări de alt fel. Aceasta este Plângerea lui Hristos (c. 1605). Biblia spune cum sfinții închinători ai lui Hristos au venit să se închine la mormântul său, dar l-au găsit gol. De la îngerul care stătea pe marginea sarcofagului, ei au aflat despre învierea sa miraculoasă și au fost fericiți și șocați de această minune. Dar imaginile și entuziasmul textului antic nu găsesc un răspuns special de la Carracci; nu putea decât să contrasteze hainele ușoare și fluturate ale unui înger cu masivitatea și figurile statice ale femeilor. Colorarea imaginii este, de asemenea, destul de obișnuită, dar în același timp se distinge prin putere și intensitate.

Un grup special este format din lucrările sale pe teme mitologice, în care i-a afectat pasiunea pentru maeștrii școlii venețiene. În aceste imagini, slăvind bucuria iubirii, frumusețea celui gol corp feminin, Annibale se manifestă ca un minunat colorist, artist vioi și poetic.

Printre cele mai bune lucrări ale lui Annibale Carracci se numără lucrările sale de peisaj. Carracci și studenții săi au creat, pe baza tradițiilor peisajului venețian din secolul al XVI-lea, un tip de peisaj așa-zis clasic, sau eroic. Artistul a transformat și natura într-un spirit artificial ridicat, dar fără patos exterior. Opera sa a pus bazele uneia dintre cele mai fructuoase tendințe în dezvoltarea picturii peisagistice din această epocă (The Flight into Egypt, c. 1603), care apoi și-a găsit continuarea și dezvoltarea în opera maeștrilor generațiilor următoare, în în special, Poussin.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610). Cel mai important pictor italian al acestei perioade a fost Michelangelo Caravaggio, care poate fi clasat printre cei mai mari maeștri ai secolului al XVII-lea.

Numele artistului provine de la numele orașului din nordul Italiei în care s-a născut. De la vârsta de unsprezece ani, a lucrat deja ca ucenic la unul dintre pictorii milanezi, iar în 1590 a plecat la Roma, care până la sfârșitul secolului al XVII-lea devenise centrul artistic al întregii Europe. Aici Caravaggio a obținut cel mai important succes și faimă.

Spre deosebire de majoritatea contemporanilor săi, care au perceput doar un set mai mult sau mai puțin familiar de valori estetice, Caravaggio a reușit să abandoneze tradițiile din trecut și să-și creeze un stil propriu, profund individual. Acesta a fost parțial rezultatul reacției sale negative la clișeele artistice ale vremii.

Ne aparținând niciodată unei anumite școli de artă, el a pus deja în lucrările sale timpurii expresivitatea individuală a modelului, motivele simple de zi cu zi pentru idealizarea imaginilor și interpretarea alegorică a intrigii, caracteristică artei manierismului și academicismului („Little Sick Bacchus” , „Tânăr cu coș cu fructe”, ambele - 1593).

Deși la prima vedere poate părea că s-a îndepărtat de canoanele artistice ale Renașterii, mai mult, le-a răsturnat, în realitate, patosul artei sale realiste a fost continuarea lor internă, care a pus bazele realismului secolului al XVII-lea. Acest lucru este evidențiat în mod clar de propriile sale declarații. „Fiecare tablou, indiferent de ce înfățișează și indiferent de cine a fost scris”, a argumentat Caravaggio, „nu este bun dacă toate părțile sale nu sunt executate din natură; nimic nu poate fi preferat acestui mentor.” În această declarație a lui Caravaggio, cu simplitatea și categoricitatea sa inerente, întregul program al artei sale este întruchipat.

Artistul a adus o mare contribuție la formație gen casnic(„The Rounders”, 1596; „Băiatul muşcat de şopârlă”, 1594). Eroii majorității operelor lui Caravaggio sunt oameni din popor. I-a găsit într-o mulțime de stradă pestriță, în pub-uri ieftine și în piețele zgomotoase ale orașului, i-a adus în atelierul său ca șotari, preferând această metodă specială de lucru în locul studiului statuilor antice - acest lucru este dovedit de primul biograf al artistului D. Bellori. Personajele sale preferate sunt soldații, jucătorii de cărți, ghicitorii, muzicienii (Ghicătoare, Lăutator (ambele - 1596); Muzicieni, 1593) - adj., fig. 2. Ei sunt cei care „locuiesc” picturile de gen din Caravaggio, în care el afirmă nu numai dreptul de a exista, ci și valoare artistică motiv privat casnic. Dacă în lucrările timpurii pictura lui Caravaggio, cu toată plasticitatea și persuasivitatea sa substanțială, era încă oarecum aspră, atunci în viitor el scapă de acest neajuns al său. Lucrările mature ale artistului sunt pânze monumentale cu o putere dramatică excepțională („Chemarea apostolului Matei” și „Martiriul apostolului Matei” (ambele - 1599-1600); „Înmormântarea”, „Moartea Mariei” (ambele - c. 1605-1606 )). Aceste lucrări, deși apropiate ca stil de scenele sale timpurii de gen, sunt deja pline de o dramă interioară specială.

Maniera pitorească a lui Caravaggio în această perioadă se bazează pe contraste puternice de lumină și umbră, simplitatea expresivă a gesturilor, modelarea energică a volumelor, saturarea culorii - tehnici care creează tensiune emoțională, subliniind afectarea acută a sentimentelor. De obicei, artistul înfățișează mai multe figuri luate a închide, aproape de privitor și scris cu toată plasticitatea, materialitatea și autenticitatea vizibilă. joacă un rol important în lucrările sale mediu inconjurator, interior casnic și natură moartă. Iată cum, de exemplu, în tabloul „Chemarea lui Matei”, maestrul arată manifestarea spiritualului sublim în lumea cotidianului „jos”.

Intriga lucrării se bazează pe povestea din Evanghelie despre modul în care Hristos l-a numit pe vameșul Matei, disprețuit de toți, să devină ucenic și urmaș al său. Personaje este înfățișat stând la o masă într-o cameră incomodă, goală, iar personajele sunt prezentate la dimensiune mare, îmbrăcate în costume moderne. În mod neașteptat, Hristos și Apostolul Petru, care au intrat brusc în sală, au provocat o varietate de reacții în audiență - de la uimire la vigilență. Un flux de lumină care pătrunde de sus într-o cameră întunecată organizează ritmic ceea ce se întâmplă, evidențiind și legând elementele sale principale (chipul lui Matei, mâna și profilul lui Hristos). Smulgând figuri din întuneric și ciocnind brusc lumina strălucitoare și umbra adâncă, pictorul dă un sentiment stres internși emoție dramatică. Scena este dominată de elementele sentimentelor, pasiunilor umane. Pentru a crea o atmosferă emoționantă, Caravaggio folosește cu pricepere culoarea bogată. Din păcate, realismul dur al lui Caravaggio nu a fost înțeles de mulți dintre contemporanii săi, adepți ai „înaltei arte”. La urma urmei, chiar și creând lucrări pe teme mitologice și religioase (cel mai faimos dintre ele este „Odihna în zborul în Egipt”, 1597), el a rămas invariabil fidel principiilor realiste ale picturii sale de zi cu zi, așa că chiar și cele mai tradiționale subiecte biblice a primit de la el o cu totul altă interpretare intimă şi psihologică diferită de cea tradiţională. Iar apelul la natură, pe care a făcut-o obiectul direct al imaginii operelor sale, și veridicitatea interpretării acesteia au provocat numeroase atacuri asupra artistului din partea clerului și a funcționarilor.

Cu toate acestea, printre artiștii secolului al XVII-lea, nu a existat, poate, nici unul semnificativ care, într-un fel sau altul, să nu fi experimentat impactul puternic al artei Caravaggio. Adevărat, majoritatea adepților maestrului, care erau numiți caravagiști, au copiat cu sârguință doar tehnicile sale exterioare și, mai presus de toate, celebrul său clarobscur contrastant, intensitatea și materialitatea picturii.

Pe etapa caravaggismului au trecut Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de Latour și mulți alți artiști celebri. Este imposibil să ne imaginăm dezvoltarea ulterioară a realismului în secolul al XVII-lea fără revoluția pe care Michelangelo Caravaggio a făcut-o în pictura europeană.

Alessandro Magnasco (1667-1749). Opera sa este asociată cu tendința romantică în arta italiană din secolul al XVII-lea.

Viitorul artist s-a născut la Genova. A studiat mai întâi cu tatăl său, apoi, după moartea sa, la Milano cu unul dintre maeștrii locali, care l-a învățat tehnicile picturii venețiane și a predat arta portretului. În viitor, Magnasco a lucrat mulți ani la Milano, Genova, Florența și abia în anii săi de declin, în 1735, s-a întors în cele din urmă în orașul natal.

Acest talentat dar extrem de controversat artist a fost înzestrat cu o personalitate extrem de strălucitoare. Opera lui Magnasco sfidează orice clasificare: uneori profund religios, alteori blasfemiant, în lucrările sale s-a arătat fie ca un decorator obișnuit, fie ca un pictor cu suflet tremurător. Arta sa este impregnată de o emotivitate sporită, fiind în pragul misticismului și exaltării.

Caracter lucrări timpurii artistul, executat în timpul șederii sale la Milano, a determinat tradițiile școlii genoveze de pictură, care gravitau spre pastoral. Dar deja astfel de lucrări ale sale, precum mai multe „Bacanale”, „Oprirea bandiților” (toate din anii 1710) - care înfățișează figuri umane agitate pe fundalul ruinelor antice maiestuoase - poartă o încărcătură emoțională complet diferită de pastoralele senine ale predecesorilor săi. Sunt realizate în culori închise, cu o contur dinamică sacadat, indicând percepția lumii într-un aspect dramatic (Anexă, Fig. 3).

Atenția artistului este atrasă de tot ceea ce este neobișnuit - scene ale tribunalelor Inchiziției, torturi pe care le-a putut observa la Milano, care se află sub stăpânirea Spaniei ("Camera Torturii"), o predică în sinagogă ("Sinagoga", târziu 1710-1720), țigani de viață nomadă („Gypsy Meal”) etc.

Subiectele preferate ale lui Magnasco sunt diverse episoade din viața monahală („Înmormântarea unui călugăr”, „Masa călugărițelor”, ambele din anii 1720), chilii de pustnici și alchimiți, ruine de clădiri și peisaje nocturne cu figuri de țigani, cerșetori, muzicieni rătăcitori etc. Destul de reale personajele operelor sale - bandiți, pescari, pustnici, țigani, comedianți, soldați, spălători ("Peisaj cu spălători", anii 1720) - acţionează într-un mediu fantastic. Sunt înfățișați pe fundalul ruinelor sumbre, al unei mări furioase, al unei păduri sălbatice și a cheilor aspre. Magnasco își desenează figurile exagerat de alungite, parcă zvârcolindu-se și în continuă mișcare; siluetele lor curbate alungite sunt supuse ritmului nervos al loviturii. Picturile sunt impregnate de un sentiment tragic al nesemnificației omului în fața forțelor oarbe ale naturii și a severității realității sociale.

Aceeași dinamică tulburătoare distinge schițele sale de peisaj, cu subiectivitatea și emoționalitatea lor accentuate, relegând pe plan secund transmiterea unor imagini reale ale naturii („Peisaj marin”, 1730; „Peisaj montan”, 1720). În unele dintre lucrările ulterioare ale maestrului se remarcă influența peisajelor italianului Salvatore Rosa, gravuri ale artistului manierist francez Jacques Callot. Această fațetă indistinguită a realității și o lume bizară creată de imaginația artistului, care a simțit cu intensitate toate evenimentele tragice și vesele din realitatea înconjurătoare din jurul său, vor fi mereu prezente în lucrările sale, dându-le caracterul fie de pildă, fie de cotidian. scenă.

Maniera picturală expresivă a lui Magnasco a anticipat într-un fel căutări creative. artiștii din secolul al XVIII-lea V. Pictează în mișcări rapide și rapide, folosind claroscurul agitat, dând naștere unor efecte de iluminare agitate, ceea ce conferă picturilor sale o schiță deliberată și uneori chiar decorativitate. În același timp, colorarea lucrărilor sale este lipsită de multicolor colorat, de obicei maestrul este limitat la o scară sumbră maro-maro sau verzuie, totuși, în felul său, destul de rafinat și rafinat. Recunoscut în timpul vieții și uitat de posteritate, acest artist original și-a recăpătat popularitatea abia la începutul secolului XX, când au văzut în el precursorul impresionismului și chiar al expresionismului.

Giuseppe Maria Crespi (1665-1747), originar din Bologna, și-a început cariera de pictură cu copierea diligentă a picturilor și a frescelor de către maeștri celebri, inclusiv compatrioții săi, frații Carracci. Mai târziu, a călătorit în nordul Italiei, făcând cunoștință cu opera maeștrilor Înaltei Renașteri, în principal venețieni (Tițian și Veronese).

Până la începutul secolului al XVIII-lea. Crespi este deja destul de faimos, în special, pentru retablourile sale. Dar principala lucrare a perioadei timpurii a operei sale este pictura monumentală a plafoanelor Palatului Contele Pepoli (1691-1692) din Bologna, ale cărei personaje mitologice (zei, eroi, nimfe) în interpretarea sa arată extrem de pământesc, viu și convingător, în contrast cu imaginile abstracte tradiționale ale barocului.

Crespi a lucrat în diverse genuri. A pictat tablouri pe subiecte mitologice, religioase și cotidiene, a realizat portrete și naturi moarte, iar în fiecare dintre aceste genuri tradiționale a adus o viziune nouă și sinceră asupra lumii contemporane. Angajamentul artistului față de natură, afișare precisă realitatea înconjurătoare a intrat într-o contradicție ireconciliabilă cu tradițiile decrepite ale academismului de la Bologna, care până atunci devenise o frână în dezvoltarea artei. Prin urmare, o luptă constantă împotriva convențiilor picturii academice pentru triumful artei realiste trece ca un fir roșu prin toată opera sa.

La începutul anilor 1700 Crespi trece de la scenele mitologice la înfățișarea scenelor din viața țărănească, interpretându-le mai întâi în spiritul pastoralului, iar apoi dându-le un caracter din ce în ce mai convingător al picturii cotidiene. Unul dintre primii dintre maeștrii secolului al XVIII-lea, a început să înfățișeze viața oameni normali- spalatorii, masinile de spalat vase, bucatarii, precum si episoade din viata taraneasca.

Dorința de a oferi picturilor sale mai multă autenticitate îl face să apeleze la lumina „pivniță” a lui Caravaggio - o iluminare ascuțită a unei părți a spațiului întunecat al interiorului, datorită căreia figurile capătă claritate plastică. Simplitatea și sinceritatea narațiunii sunt completate de obiectele de uz popular introduse în imaginea interiorului, care sunt întotdeauna pictate de Crespi cu mare pricepere picturală („Scena în pivniță”; „Familia țărănească”).

Cea mai mare realizare a picturii cotidiene din acea vreme au fost pânzele sale „Târg în Poggio a Caiano” (c. 1708) și „Târg” (c. 1709) înfățișând scene populare aglomerate.

Ei au arătat interesul artistului pentru grafica lui Jacques Callot, precum și cunoștințele sale apropiate cu opera maeștrilor olandezi ai picturii de gen din secolul al XVII-lea. Dar imaginile lui Crespi despre țărani sunt lipsite de ironia lui Callot, iar el nu este la fel de priceput să caracterizeze mediul înconjurător precum pictorii olandezi de gen. Figurile și obiectele primului plan sunt scrise mai detaliat decât restul - aceasta amintește de maniera lui Magnasco. Cu toate acestea, creațiile pictorului genovez, executate cu bravura, conțin întotdeauna un element de fantezie. Crespi, pe de altă parte, s-a străduit pentru o poveste detaliată și exactă despre o scenă plină de culoare și veselă. Distribuind clar luminile și umbrele, își înzestrează figurile cu specific de viață, depășind treptat tradițiile genului pastoral.

Cea mai semnificativă lucrare a unui maestru matur a fost o serie de șapte tablouri „Șapte Taine” (1710) - cea mai înaltă realizare a picturii baroc de la începutul secolului al XVIII-lea (anexă, fig. 4). Sunt lucrări cu totul noi în spirit, în care s-a indicat o abatere de la interpretarea abstractă tradițională a scenelor religioase.

Toate picturile („Mărturisire”, „Botez”, „Căsătoria”, „Împărtășania”, „Preoție”, „Mungerea”, „Ungerea”) sunt scrise în tonul cald brun-roșcat al lui Rembrandt. Recepția luminii dure aduce o anumită notă emoțională narațiunii sacramentelor. Paleta de culori a artistului este mai degrabă monocromă, dar în același timp este surprinzător de bogată în diverse nuanțe și revărsări de culori, unite de un moale, uneori clarobscur care strălucește din interior. Acest lucru dă tuturor episoadelor descrise o notă de secretizare misterioasă a ceea ce se întâmplă și, în același timp, subliniază ideea lui Crespi, care încearcă să povestească despre cele mai semnificative etape ale vieții pentru fiecare persoană din acea vreme, care sunt prezentate în forma scenelor din realitate, dobândind caracterul unui fel de pildă. Mai mult, această poveste se distinge nu prin didactică, caracteristică barocului, ci prin edificarea laică.

Aproape tot ce a fost scris de maestru după aceea prezintă o imagine a estompării treptate a talentului său. Din ce în ce mai mult, el folosește în picturile sale timbre familiare, scheme compoziționale, ipostaze academice, pe care anterior le evitase. Deloc surprinzător, la scurt timp după moartea sa, opera lui Crespi a fost repede uitată.

Ca maestru strălucitor și original, a fost descoperit abia în secolul al XX-lea. Însă în ceea ce privește calitatea, profunzimea și bogăția emoțională, pictura lui Crespi, care a completat arta secolului al XVII-lea, în cele mai bune manifestări este inferioară, poate, doar lui Caravaggio, a cărui operă atât de strălucit și inovator a început arta italiană a acestei epoci.

Acest text este o piesă introductivă. Din cartea Broken Life, or the Magic Horn of Oberon autor Kataev Valentin Petrovici

Painting Mom mi-a cumpărat ceva ca un album, care se desfăcea ca un acordeon, în zig-zag; pe paginile sale de carton foarte groase erau tipărite în culori multe imagini cu articole de uz casnic împrăștiate aleatoriu: o lampă, o umbrelă, o servietă,

Din cartea Tamerlan autorul Roux Jean-Paul

Pictură Din faptul creării cărții în Academia Herat de către Shah Rukh și fiul său, filantropul Bai Shungkur (d. 1434), reiese că la începutul secolului al XV-lea cartea, scrisă cu o scriere caligrafică elegantă, a fost luată. într-o copertă frumoasă și ilustrată cu miniaturi, a fost folosită

Din cartea Kolyma Notebooks autorul Shalamov Varlam

Pictura Portret - dispută de ego, dezbatere, Nu o plângere, ci un dialog. Lupta a două adevăruri diferite, Lupta periilor și liniilor. Un pârâu, unde rimele sunt culori, Unde fiecare Malyavin este Chopin, Unde pasiunea, fără teamă de publicitate, A distrus captivitatea cuiva. În comparație cu orice peisaj, Unde este mărturisirea

Din cartea Reflections on Writing. Viața mea și epoca mea de Henry Miller

Din cartea Viața mea și epoca mea de Henry Miller

Pictura Este important să stăpânești elementele de bază ale îndemânării, iar la bătrânețe să câștigi curaj și să desenezi ceea ce desenează copiii, nu împovărați de cunoștințe. Descrierea mea despre procesul de pictură se reduce la faptul că cauți ceva. Cred că oricare munca creativa- ceva similar. În muzică

Din cartea Renoir autor Bonafou Pascal

CAPITOLUL ȘAPTE VÂȘTII LUI CHATU, PICTURA ITALII Lui Renoir, care a expus la Salon, prietenii lui l-au tratat condescendent, neconsiderându-l un „trădător”. Cert este că Cezanne și Sisley au fost, de asemenea, „apostați”, deoarece au decis să nu participe la cea de-a patra expoziție de „independenți”.

Din cartea lui Matisse de Escolier Raymond

JUDECAREA ȘI PICTURA Nimic, s-ar părea, nu l-a împiedicat pe Henri Matisse, care a primit o educație clasică, să-și dea seama de planurile tatălui său, iar tatăl său dorea ca acesta să devină avocat. După ce a trecut cu ușurință examenul din octombrie 1887 la Paris, ceea ce i-a permis să se dedice

Din cartea Churchill fără minciuni. De ce este urât de Bailey Boris

Churchill și pictura În 1969, Clementine i-a spus lui Martin Gilbert, autorul celei mai fundamentale biografii a lui Churchill în opt volume (primele două volume au fost scrise de fiul lui Churchill, Randolph): „Eșecul din Dardanele l-a bântuit pe Winston toată viața. Dupa plecare

Din cartea Marii oameni ai secolului XX autor Vulf Vitali Yakovlevici

Pictura

Din cartea Foi de jurnal. Volumul 2 autor Roerich Nicholas Konstantinovici

Pictura În primul rând, am fost atrasă de vopsele. A început cu ulei. Primele poze sunt scrise gros, foarte gros. Nimeni nu a sugerat că este posibil să tăiați perfect cu un cuțit ascuțit și să obțineți o suprafață densă de smalț. De aceea, „The Elders Converge” a ieșit atât de dur și chiar ascuțit. Cineva în

Din cartea lui Rahmaninov autor Fediakin Serghei Romanovici

5. Pictură și muzică „Isle of the Dead” - una dintre cele mai întunecate lucrări ale lui Rahmaninov. Și cel mai perfect. El va începe să o scrie în 1908. Va termina la începutul anului 1909. Odată, în partea lentă a unui cvartet neterminat, a anticipat posibilitatea unei astfel de muzici. lung,

Din cartea lui Jun. Singuratatea soarelui autor Savitskaia Svetlana

Pictură și grafică Pentru a învăța să desenezi, trebuie mai întâi să înveți să vezi. Toată lumea poate picta, atât camera, cât și telefon mobil, dar, așa cum se crede în pictură, „chipul artistului” este greu de dobândit. Juna și-a lăsat amprenta în pictură. Picturile ei

Din cartea Istorie art XVII secol autorul Khammatova V.V.

PICTURA SPANIA Arta Spaniei, la fel ca întreaga cultură spaniolă în ansamblu, s-a remarcat printr-o originalitate semnificativă, care constă în faptul că Renașterea din această țară, abia ajuns la stadiul de înaltă prosperitate, a intrat imediat într-o perioadă de declin şi criză, care au fost

Din cartea autorului

PICTURA FLANDRIANĂ Arta flamandă într-un sens poate fi numită un fenomen unic. Niciodată în istorie o țară atât de mică din punct de vedere al suprafeței, care se afla și într-o poziție atât de dependentă, nu a creat un caracter atât de distinctiv și semnificativ în ea.

Din cartea autorului

PICTURA ȚĂRILOR DE JOS Revoluția olandeză a transformat Olanda, potrivit lui Karl Marx, „într-o țară capitalistă exemplară a secolului al XVII-lea”. Cucerirea independenței naționale, distrugerea rămășițelor feudale, dezvoltarea rapidă a forțelor productive și a comerțului

Din cartea autorului

PICTURA FRANȚEI Un loc aparte printre cei mai buni din domeniu creativitatea artisticăȚările europene au fost ocupate de Franța în secolul al XVII-lea. În împărțirea muncii între școlile naționale de pictură europeană în rezolvarea sarcinilor de gen, tematice, spirituale și formale pentru Franța

artist italian Michelangelo Merisi da Caravaggio glorificat celebrul clarobscur. Figurile din picturile sale par să iasă din întuneric, smulse de razele strălucitoare de lumină. Această metodă a fost adoptată de numeroși adepți după moartea artistului.

Luarea lui Hristos în custodie, 1602

Arta Caravaggio a avut o influență imensă asupra operei nu numai a multor italieni, ci și a maeștrilor de seamă din Europa de Vest din secolul al XVII-lea - Rubens, Jordans, Georges de Latour, Zurbaran, Velazquez, Rembrandt. Caravagiști au apărut în Spania (Jose Ribera), Franța (Trofim Bigot), Flandra și Țările de Jos (Utrecht Caravagists - Gerrit și Willem van Honthorst, Hendrik Terbruggen, Judith Leyster) și alte țări europene, ca să nu mai vorbim de Italia însăși (Orazio Gentileschi, al său fiica Artemisia Gentileschi).

„Înmormântarea” (1603)

Michelangelo Merisi da Caravaggio /Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 septembrie 1571, Milano - 18 iulie 1610, Porto Ercole) - artist italian, reformator al picturii europene din secolul al XVII-lea, fondator al realismului în pictură, unul dintre cei mai mari maeștri ai barocului. A fost unul dintre primii care a folosit stilul de scriere clarobscur - o opoziție puternică de lumină și umbră. Nu s-a găsit niciun desen sau schiță, artistul și-a dat imediat seama de compozițiile sale complexe pe pânză.

Milano 1571-1591

Fiul arhitectului Fermo Merisi și al celei de-a doua soții a acestuia, Lucia Aratori, fiica unui proprietar de teren din orașul Caravaggio, lângă Milano. Tatăl său a fost manager al marchizului Francesco Sforza da Caravaggio. În 1576, în timpul ciumei, tatăl și bunicul au murit, mama și copiii s-au mutat la Caravaggio.

David și Goliat 1599

Primii patroni ai viitorului artist au fost Ducele și Ducesa de Colonna.În 1584, la Milano, Michelangelo Merisi a venit la atelierul lui Peterzano, care era considerat un student al lui Tizian. La acea vreme, manierismul domina lumea artistică a Italiei, dar realismul lombard era puternic la Milano.

Primele lucrări ale artistului, scrise la Milano, scene de gen și portrete, nu au supraviețuit până în zilele noastre.

Până la sfârșitul anilor 1580, viața temperatului Merisi a fost umbrită de scandaluri, lupte și întemnițări care aveau să-l însoțească toată viața.

În 1589, artistul vine acasă pentru a-și vinde terenul, aparent având nevoie de bani. A vizitat casa pentru ultima dată după moartea mamei sale în 1590. În toamna anului 1591, a fost forțat să fugă din Milano după o ceartă din cauza unui joc de cărți care s-a încheiat cu crimă. După ce s-a oprit mai întâi la Veneția, se îndreaptă spre Roma.

„Chemarea apostolului Matei” (1600)

Roma 1592-1594

În capitală, conform obiceiului artiștilor italieni din acea vreme, el primește o poreclă asociată cu locul nașterii, așa cum, de exemplu, a fost cu Veronese sau Correggio. Așa că Michelangelo Merisi a devenit Caravaggio.

În 1593, Caravaggio a intrat în atelierul lui Cesari d'Arpino, care l-a instruit să picteze flori și frunze pe fresce. În atelierul lui d'Arpino, a întâlnit patroni și artiști, în special pe Jan Brueghel cel Bătrân.

Primele lucrări ale lui Caravaggio au fost scrise sub influența lui Leonardo da Vinci (a cunoscut-o pe Madonna in the Rocks și The Ultima Cina la Milano), Giorgione, Titian, Giovanni Bellini, Mantegna.Primul tablou care a ajuns la noi este Boy Peeling Fruit (1593).În atelierul lui d'Arpino, Caravaggio l-a cunoscut pe Mario Minniti, care i-a devenit student și model pentru o serie de picturi, primul dintre care este „Tânărul cu un coș de fructe” (1593-1594).

„Băiat cu coș de fructe”, 1593-94, Galeria Borghese

După o luptă, Caravaggio ajunge în închisoarea Tor di Nona, unde îl întâlnește pe Giordano Bruno.Curând se rupe de Cesari d'Arpino, fără adăpost Caravaggio l-a invitat pe Antiveduto Grammar la el.

În 1593 s-a îmbolnăvit de febra romană (unul dintre denumirile pentru malarie), timp de șase luni a fost în spital la un pas de viață și de moarte. Poate că, sub impresia bolii, creează tabloul „Bacchus bolnav” (1593) - primul său autoportret.

„Bacchus bolnav” (detaliu) (1593), Galeria Borghese

Primele picturi cu mai multe figuri au fost create în 1594 - acestea sunt „Rounders” și „Fortune Teller” (Muzeele Capitoline). Georges de Latour avea să-și scrie mai târziu „Găcitorul” cu o compoziție identică.

„Rounders” (1594)

„Ghicătoarea” (1594)

În toamna anului 1594, Caravaggio a început să lucreze pentru cardinalul Francesco del Monte, s-a mutat în vila sa Madama, unde s-a întâlnit cu Galileo, Campanella, Della Porta, poeții Marino și Milesi.

Roma 1595-1599

Această perioadă de viață, petrecută la Villa Madama, s-a dovedit a fi foarte fructuoasă pentru Caravaggio, în plus, aproape toate picturile create la acea vreme au supraviețuit până în zilele noastre.În tabloul „Muzicieni” (1595), Mario Minniti este înfățișat în centru, iar alături artistul s-a așezat cu un corn.

„Muzicieni” (1595). Caravaggio s-a pictat cu un corn între doi muzicieni

În imaginea lui Cupidon cu struguri, unii cercetători văd o aluzie erotică la o relație cu Minniti. Minniti este reprezentat și în tabloul „Băiat mușcat de o șopârlă” (1596, Londra), vândut negustorului de artă Valentino.

„Băiatul mușcat de șopârlă”

În 1595, în ciuda recomandărilor date de Gentileschi, Gramatica, Prospero Orsi, Caravaggio i s-a refuzat admiterea la Academia Sf. Luca. Principalul oponent al admiterii lui Caravaggio la Academie a fost președintele acesteia, Federico Zuccaro. El credea că efectele picturilor lui Caravaggio erau rezultatul unui caracter extravagant, iar succesul picturilor sale se datorează doar „nuanței lor de noutate”, care era foarte apreciată de patronii bogați.

În 1596, Caravaggio a creat prima natură moartă din istoria picturii italiene - „Coșul cu fructe”.

Coș cu fructe (1596), Pinacoteca Ambrosiana, Milano

În Lăutatorul (1596, Schitul), partitura s-a dovedit a fi ușor de citit, este madrigalul lui Jacob Arkadelt „Știi că te iubesc”. Cui i se adresează acest mesaj nu se știe.

El pictează pânze precum:

„Bacchus” (1596)

La fel ca „Curtezana Fillida” (1597), „Portretul lui Maffeo Barberini” (1598).În 1597, cardinalul del Monte a primit ordin de a picta tavanul reședinței sale. Așa a apărut singura frescă a lui Caravaggio „Jupiter, Neptun și Pluto”.

Picturile lui Caravaggio devin populare.Adevărata glorie a lui Caravaggio a fost adusă de picturile pe subiecte biblice – inovatoare în execuție este „Odihna în fuga în Egipt” (1597). „Principalul avantaj al picturii este un mediu de lumină și aer recreat cu măiestrie, creând o atmosferă de poezie și pace, completată de un peisaj modest, scris sub impresia clară a amintirilor din Lombardia natală, cu stuf, rogoz lângă suprafața apei. , plopi argintii pe fundalul unei creste deluroase și al unui cer albastru de seară”

„Odihnă în fuga în Egipt” (1597)

De asemenea, a scris Extazul Sf. Francis” (1595), „Sacrificiul lui Isaac” (1598).


Extazul Sfântului Francisc, 1595

„Sacrificiul lui Isaac”

Prima imagine feminină din opera lui Caravaggio - „Maria Magdalena pocăită” (1597), arată capacitatea artistului de o interpretare profundă și semnificativă din punct de vedere poetic a imaginii. Pictura a fost vândută bancherului și patronului artelor, Vincenzo Giustinani.

„Penitentă Maria Magdalena”

Ea a fost urmărită

„Sfânta Ecaterina din Alexandria” (1598)

„Marta și Maria” (1598)


„Judith decapitarea lui Holofernes” (1598) demonstrează că Caravaggio, în realismul său, nu se ferește de efectele în mod deliberat naturaliste

În Ioan Botezătorul (1598), influența lui Michelangelo este remarcabilă:


Caravaggio a devenit celebru. Părăsește Vila Madama și se mută în casa bancherului și colecționarului Chiriaco Mattei, care l-a cumpărat pe Ghicitoare. Mario Minniti, după o ceartă cu Caravaggio, s-a căsătorit și a plecat în Sicilia.

Roma 1600-1606

Timp de câteva luni, Caravaggio s-a ascuns în moșia Colonna. Acolo a pictat mai multe tablouri, dar stilul său a devenit sumbru: Sfântul Francisc în meditație (1606), Cina la Emaus (1606). Figura lui Hristos seamănă cu fresca lui Leonardo „Cina cea de Taină”.

Caravaggio s-a mutat la Napoli, unde a pictat mai mult de zece tablouri, deși nu toate au supraviețuit:


„Extazul Magdalenei” (1606)


„Hristos la coloană” (1607)


„Salomeea cu capul lui Ioan Botezătorul” (1607)

Comandat de biserica Pio Monte della Misericordia, a pictat cu o mare energie picturală pictura „Șapte îndurări” (1607), care se află și astăzi în această biserică.

În mod neașteptat, în iulie 1607, Caravaggio a plecat în Malta - la La Valletta.


"Sf. Ieronim" (1608)

H scrisă de el pentru Catedrala San Giovanni dei Cavalieri, a fost pe placul Marelui Maestru al Ordinului de Malta, Alof de Vignacour. Caravaggio pictează portrete: Alofa de Vignacour, mai târziu foarte apreciată de Delacroix, și un asociat al maestrului Antonio Martelli.

14 iulie 1608 Caravaggio devine cavaler al Ordinului de Malta fără dreptul de a purta crucea malteză, deoarece nu era un nobil.