Generalul albastru citește și scrie Leonty Vasilyevich Dubelt a fost un mare vânător înainte de a citi. Cu toate acestea, generalului nu trebuie reproșat ilizibilitatea gusturilor, nu merita astfel de reproșuri. Chiar și la o vârstă relativ fragedă, el a spus editorului „ Note interne» Kraevsky,

Deși el însuși provenea dintr-un mediu burghez, iar obiceiurile și modul său de gândire erau burgheze, pictura sa nu era burgheză.

În 1896, tatăl lui Picasso a închiriat un atelier pentru fiul său, Pablo Picasso Ruiz, pe Calle de la Plata, unde putea acum să lucreze fără constrângere și supraveghere și să facă orice îi place. În anul următor, părinții l-au trimis la Madrid.

Artistul care a determinat în mare măsură natura artei vest-europene și americane a secolului XX a fost Pablo Picasso, un spaniol care și-a trăit cea mai mare parte a vieții în Franța.

În 1900, Picasso și prietenul său Casachemes au plecat la Paris. S-au stabilit într-un studio eliberat recent de un alt pictor catalan, Isidre Nonell. Acolo, la Paris, Pablo Picasso a făcut cunoștință cu opera impresioniștilor. Viața lui în acest moment este plină de multe dificultăți, iar sinuciderea prietenului său Casajemes a avut un efect profund asupra tânărului Picasso. În aceste condiții, la începutul anului 1902, a început să realizeze lucrări în stilul, numit ulterior „perioada albastră”. Picasso dezvoltă acest stil la întoarcerea sa la Barcelona, ​​​​în 1903-1904. Eroii picturilor sale din perioadele „albastru” și „roz” sunt femei obișnuite, acrobați, actori de circ itineranti, cerșetori. Chiar și lucrările dedicate temei maternității sunt impregnate nu de fericire și bucurie, ci de anxietatea și preocuparea mamei pentru soarta copilului.

perioada albastră.

Începutul „perioadei albastre” este de obicei asociat cu cea de-a doua călătorie a artistului la Paris. Într-adevăr, se întoarce la Barcelona până la Crăciunul anului 1901 cu pânze terminate și începute, pictate într-un mod complet diferit de cel în care a lucrat până acum.

În 1900, Picasso a cunoscut grafica lui Theophile Steinlen. El este interesat de agresivitatea culorilor artiștilor din nord, dar în acest moment și-a limitat în mod semnificativ propriul material de culoare. Totul s-a întâmplat rapid, uneori chiar simultan. Lucrările pitorești, pastelurile sau desenele se schimbau constant în stil, în expresie. Tema și natura lucrărilor, care sunt separate de câteva săptămâni, și uneori chiar zile, pot fi radical diferite. Picasso avea o memorie vizuală și o susceptibilitate excelente. El este mai mult un maestru al umbrei decât al culorii. Pictura pentru artist se bazează în primul rând pe o bază grafică.

Tristețea este cea care dă naștere artei, acum își convinge prietenii. În picturile sale, ia naștere o lume albastră a singurătății tăcute, oameni respinși de societate - bolnavi, săraci, infirmi, bătrâni.

Picasso deja în acești ani era predispus la paradoxuri și surprize. Anii 1900-1901 sunt de obicei numiți „Lautren” și „Steilen” în opera artistului, indicând astfel o legătură directă cu arta contemporanilor săi parizieni. Dar, după o călătorie la Paris, în cele din urmă se rupe de hobby-urile sale. „Perioada albastră” în ceea ce privește atitudinea, problemele, plasticitatea este deja asociată cu tradiția artistică spaniolă.

2 pânze ajută la înțelegerea situației - „Băutorul de absint” și „Date”. Ei stau chiar în prag perioada albastră„, anticipând multe dintre aspectele sale tematice și completând în același timp o întreagă fâșie de căutări ale lui Picasso, mișcarea lui către propriul adevăr.

Este sigur să spunem că la vârsta de 15 ani, Picasso avea deja o stăpânire excelentă a aptitudinilor artistice în sensul academic al cuvântului. Și apoi este captivat de spiritul de experimentare în căutarea propriului drum în împletirea complexă a direcțiilor și curentelor artei europene la începutul secolului al XX-lea. În aceste căutări s-a manifestat una dintre trăsăturile remarcabile ale talentului lui Picasso - capacitatea de a asimila, asimila diverse tendințe și tendințe în artă. În „Date” și „The Absinthe Drinker” sursele primare (școala de artă pariziană) încă se manifestă. Dar tânărul Picasso începe deja să vorbească cu propria sa voce. Ceea ce îl tulbura și chinuia acum necesita alte soluții picturale. Atașamentele anterioare au fost epuizate.

Cu neînfricarea unui adevărat mare artist, Picasso în vârstă de 20 de ani se îndreaptă către „fundul” vieții. Vizitează spitale, spitale de psihiatrie, adăposturi. Aici îi găsește pe eroii picturilor sale - cerșetori, infirmi, săraci, abuzați și alungați de oamenii din societate. Artistul a vrut să exprime nu numai compasiune sentimentală pentru ei cu pânzele sale. Lumea albastră a tăcerii în care își scufundă a lui actori, nu este doar un simbol al suferinței și al durerii, este și o lume a singurătății mândre, a purității morale.

„Două surori” a fost una dintre primele lucrări ale acestei perioade. În „Surori” și în general în lucrările „perioadei albastre” autorul se concentrează asupra anumitor tradiții ale artei medievale. A fost atras de stilul gotic, în special de plasticul gotic cu expresivitatea sa spiritualizată a formelor. Picasso în acei ani descoperă El Greco și Moralesi. În lucrările lor, el găsește expresivitatea psihologică, simbolismul culorii, expresia ascuțită a formelor, spiritualitatea sublimă a imaginilor, în consonanță cu dispozițiile și căutările sale de atunci.

„Două surori” este o lucrare caracteristică „perioadei albastre” din toate punctele de vedere. În conținutul multifațetat al „Surorilor” sună din nou tema comunicării între oameni, prietenia a două ființe ca garanție a protecției de greutățile vieții, ostilitatea lumii.

Un alt tablou tipic al lui Picasso din „perioada albastră” este „Bătrânul evreu cu un băiat”. Ele se alătură unei serii de lucrări în care cerșetorii, orbii, schilozii acționează ca eroi. În ele, artistul pare să provoace lumea sacilor și a filistenilor prosperi și indiferenți. În eroii săi, Picasso dorea să vadă purtătorii anumitor adevăruri ascunși oamenilor obișnuiți, accesibili doar ochiului interior, vieții interioare a unei persoane. Nu e de mirare că majoritatea personajelor din picturile „perioadei albastre” par orbi, nu au propria lor față. Ei trăiesc în lumea lor interioară, degetele lor subțiri „gotice” învață nu formele exterioare ale obiectelor, ci sensul lor secret interior.

La Madrid, din februarie 1901, Picasso a început pentru prima dată să studieze serios noua artă, care apoi și-a început marșul victorios aproape în toată Europa. Cele câteva luni petrecute la Madrid s-au dovedit a fi decisive pentru dezvoltarea viitoare a vieții sale. Acest moment este marcat chiar și de o schimbare pur exterioară: își semna desenele cu P. Ruiz Picasso, dar acum pe lucrările sale se vede doar numele mamei sale.

În această perioadă, Picasso lucrează fructuos. Expozițiile sale sunt organizate la Barcelona. 24 iunie 1901 a organizat prima expoziție la Paris, unde locuiește acum. Un nou stil capătă amploare aici, rupând tendința de a limita culoarea la tonuri reci. Parisul l-a împins pe Picasso la o revigorare puternică a paletei. Din ce în ce mai mult, au apărut tablouri cu buchete de flori și modele nud. Dacă la Madrid artistul a lucrat în principal culoarea albastra, acum lângă albastru și în verde culorile curate, adesea contrastante se întind. Un nou stil își făcea drum la suprafață. Artistul a conturat uneori suprafețe largi de culoare în albastru, violet și verde. Acest mod a fost numit „perioada geamurilor”.

La începutul anului 1903, Picasso s-a întors la Barcelona și a ocupat peisaje, aproape toate în albastru. Pictura de peisaj a fost întotdeauna artistul într-o oarecare neglijență. Picasso nu este suficient de romantic pentru a vedea natura ca pe o sursă de inspirație inepuizabilă. În realitate, el este interesat doar de o persoană și de ceea ce înconjoară sau atinge direct o persoană.

Culoarea albastră este acum atenuată de apropierea de culorile ocru și liliac pal, unite printr-un ton comun de roz. Perioada albastră a intrat într-o fază nouă, de tranziție, vremea teatrului itinerant și a oamenilor de circ.

Există judecăți opuse cu privire la rolul perioadelor albastre și roz în biografie creativă Picasso. Unii cred că aceste perioade au rămas de neîntrecut: atunci Picasso a fost un adevărat artist umanist, iar apoi, cedând în fața ispitelor modernismului și stăpânit de demonul distrugerii, nu a atins niciodată culmile tinereții sale. Cu mai mult sau mai puțin categoric, o astfel de apreciere a fost exprimată în presa noastră, și parțial în presa străină. Dar în majoritatea cărților și articolelor de autori străini, se realizează o idee diferită: în perioadele albastre și roz, Picasso nu era încă el însuși, a rămas în conformitate cu tradiționalismul și, prin urmare, de mare importanta, comparativ cu cele ulterioare, nu au.

Ambele vederi extreme sunt nedrepte. Ele provin în egală măsură nu atât din creațiile artistului în sine, cât din noțiuni preconcepute despre realism și modernism, despre tradiționalism și inovație. În ambele cazuri, principalul criteriu de valoare este atitudinea artistului față de conceptul renascentist al artei plastice - depășirea sau, dimpotrivă, conservarea acesteia. Între timp, pentru Picasso însuși, acest moment aparent nu a fost decisiv - judecând cel puțin după cât de des a trecut de la forme „tradiționale” la forme „distructive” și invers, sau le-a folosit simultan, refuzând o dată pentru totdeauna să prefere una în detrimentul alte. Prima ruptură cu tradiția a fost bruscă și dramatică, dar mai târziu antagonismul celor două moduri de reprezentare s-a dovedit a fi, parcă, înlăturat. Între ele s-au găsit multe legături de tranziție. Atât cele mai „corecte” cât și cele mai „condiționale” imagini ale lui Picasso sunt legate de conceptul său general de creație ca cazuri speciale, iar în acest sens sunt egale.

Perioadele albastre și roz nu sunt culmi absolute pentru creatorul Guernicai. Cu toate acestea, chiar dacă istorie creativă Picasso s-a încheiat în 1906, dacă ar fi rămas doar autorul unor pânze „albastre” și „roz”, atunci ar fi intrat în istorie ca un mare artist.

Picasso, în vârstă de douăzeci de ani, era deja un maestru destul de original. Procesul de percepție a studenților și de eliminare a academismului, a genului sentimental (și apoi a impresionismului și postimpresionismului) a început cu el, după cum am văzut, neobișnuit de devreme și a continuat dens. Până la începutul perioadei albastre, toate acestea au fost lăsate în urmă. Dacă „Doamna cu câine” (1900) pufos moale, verzui-auriu, reproduce (și în același timp parodiază pe ascuns) gurmandismul coloristic și texturat al impresionismului târziu; dacă sinistra cocotte cu pălărie roșie (1900) amintește de Toulouse-Lautrec, spălătoria din camera albastră (1901) este de Degas, atunci în lucrări din 1901 precum „Fata cu porumbel”, ca capodopere ale lui. Colecția Shchukin - „Îmbrățișare”, „Arlechin și soția lui”, „Portretul lui Sabartes”, Picasso arată deja ca el însuși. (Este imposibil să nu te minunezi de gustul și perspicacitatea colecționarului din Moscova Șciukin, care a selectat dintre numeroasele lucrări ale tânărului artist exact acelea în care se afla adevăratul Picasso.)

La prima vedere, lucrurile pre-cubiste ale lui Picasso seamănă puțin cu cele de mai târziu. Dar ele conțin originile temelor și motivelor sale cele mai intime, uvertura operei sale.

K. Jung, abordând arta lui Picasso ca psihanalist, a văzut în perioada albastră un complex de coborâre în iad. Și de fapt: la intrarea în această lume albastră, deșertică, a sărăciei metafizice și a suferinței tăcute, sunt scrise, parcă, cuvintele: „Mă duc în satele proscrise”.

Picasso a trăit atunci în mijlocul unei boemii semi-sărace, înfometat și în sărăcie, uneori a fost nevoit să încălzească aragazul cu grămezi de desene sale - dar, mai puțin de toate, adversitatea personală a determinat tonul artei sale. Poetul Max Jacob a amintit de acea perioadă: „Am trăit rău, dar frumos”. Picasso a fost mereu înconjurat de prieteni, era plin de energie și dragoste de viață, dar ca artist a căutat impresii crude, dureroase. A fost atras de jos. A vizitat aziluri de nebuni, spitale pentru prostituate, a urmărit și a pictat îndelung bolnavii pentru a-și hrăni și întări sufletul cu spectacolul suferinței. În desenele sale din acei ani apar sclipiri de umor sumbru. Odată a pictat pe peretele atelierului unuia dintre prietenii săi o scenă simbolică teribilă - un negru spânzurat de un copac, un cuplu gol care făcea dragoste sub un copac.

Perioada albastră acoperă 1901-1904. Atunci Picasso nu se stabilise încă definitiv în Franța, s-a mutat adesea de la Barcelona la Paris și înapoi la Barcelona. Pictura din perioada albastră își are rădăcinile în tradiția Spaniei. După experiențe trecute „în spiritul francez”, numeroase, dar de scurtă durată, talentul matur al lui Picasso și-a redescoperit firea spaniolă – în toate: în tema sărăciei mândre și a mizeriei sublime, în îmbinarea „naturalismului” crud cu spiritualitatea extatică, în Umor de tip Goya, în dependență de simbolismul vieții și al morții. Cea mai mare și mai complexă dintre picturile din perioada timpurie - „Înmormântarea lui Kazagemas” (pictată sub impresia sinuciderii prietenului lui Picasso) - este construită ca „Îngroparea contelui Orgas” a lui El Greco: mai jos - doliu pentru mort, deasupra - o scenă în rai, unde în atmosfera unei viziuni mistice se împletesc imagini frivole din lumea cabaretului. În stil, acest lucru este aproape de ceea ce făcea artistul chiar înainte de prima sa vizită la Paris: de exemplu, în acuarela mare „Calea” (1898), înfățișând o procesiune simbolică cu droguri funerare și o linie de bătrâne cocoșate și femei cu copii - se plimbă pe munte, acolo le așteaptă o bufniță uriașă, care își întinde aripile. (Vom întâlni aceste droguri funerare o jumătate de secol mai târziu în panoul „Război”, iar bufnița este un atribut invariabil al artei lui Picasso.)

„Cele două surori” sunt simbolice - două femei obosite, epuizate, învelite în voaluri, o prostituată și o călugăriță, se întâlnesc, așa cum Elisabeta și Maria se întâlnesc în picturi vechi. „Viața” este simbolică - o compoziție ciudată, construită în mod deliberat: dragoste, maternitate, singurătate, sete de mântuire de singurătate.

Treptat, simbolismul lui Picasso se eliberează de gustul prea evident al alegoriei. Compozițiile devin în exterior simple: pe un fundal albastru strălucitor neutru, una sau de mai multe ori două figuri, dureros de fragile, apăsate una pe cealaltă; sunt calmi, supuși, chibzuiți, retrași. „Precubistul” Picasso nu are naturi moarte: pictează doar oameni.

În pictura franceză de la începutul secolului, picturile albastre ale lui Picasso arată aparte, pentru Spania sunt organice. Prietenii francezi ai tânărului Picasso au simțit prezența unui început extraterestru în el, nu a fost pe deplin înțeles de ei. Maurice Reynal a scris mai târziu: „Ceva misterios i-a învăluit personalitatea, cel puțin pentru noi, neobișnuiți cu mentalitatea spaniolă: contrastul dintre forța dureroasă și grea a artei sale și propria sa natură veselă, între geniul lui dramatic și dispoziția sa veselă, lovit.

Picasso, ca și înainte Van Gogh, deși într-un mod foarte diferit de Van Gogh, a venit cu o sete de a-și exprima cea mai profundă înțelegere a lumii. Numai din acest motiv, el (precum Van Gogh) nu putea să cedeze farmecul impresionismului: contemplația, beatitudinea liniștitoare a „aparițiilor” nu era pentru el; în numele înțelegerii interioare active, a trebuit să spargă coaja vizibilului.

Activitatea demersului a fost mult timp asociată cu primatul desenului, iar tânărul Picasso a început prin a reveni desenului importanța sa dominantă, a făcut-o mai hotărât și mai puternic decât Degas și Toulouse-Lautrec. monocrom tablouri albastre puterea liniei este umbrită. Figurile albăstrui nu se scufundă în albastrul fundalului, ci ies în evidență distinct, deși ele însele au aproape aceeași culoare ca fundalul și sunt în principal conturate. În interiorul conturului, modelarea luminii și umbrelor și a culorilor sunt minime, în fundal nu există o adâncime iluzorie creată de perspectivă, dar conturul în sine creează impresia de volum - volum pe un plan. (Acest lucru se vede clar, de exemplu, în studiul verzui-albastru al unei femei goale din spate: nu există aproape nicio modelare aici - toată plasticitatea bogată a acestui spate, direcția volumelor, plenitudinea formei sunt transmis de linia de contur.)

Picasso era chiar și atunci un desenator incomparabil. Sabartes și-a amintit că, privindu-l pe Picasso la lucru, a fost uimit de încrederea în mișcările mâinii sale: părea că mâna nu făcea decât să încercuiască contururile invizibile deja existente pe pânză.

„Stilul albastru” este o provocare pentru pictura impresionismului, un refuz de a se supune dictelor percepției vizuale, o atitudine luată cu hotărâre față de o imagine structurală, construită, creată. Și ulterior, Picasso niciodată, în toate transformările sale, nu a schimbat acest principiu inițial.

Cercetătorii notează semnificația specială a temei orbirii în lucrările perioadei timpurii. Compoziția „Micul dejun al orbilor” în mai multe versiuni, tabloul „Chitarist orb”, un bătrân orb cu un băiat, desene înfățișând un orb cu ghid, o sculptură - capul unei femei oarbe. Iar cei văzători se comportă aproape ca orbii. Ochii lor sunt fie pe jumătate închiși, fie larg deschiși, dar nemișcați, oamenii nu se privesc unul la altul, comunicând prin atingeri, mișcări de bâjbâi ale mâinilor. mâinile în imagini Picasso timpuriu- cu degete lungi, mâini subțiri, exorbitant de sensibile „gotice” - acestea sunt mâinile orbului, mâini-ochi.

De ce o asemenea pasiune pentru orbi? Să fie doar din dorința de a exprima lipsa extremă a oamenilor sau de a-și arăta simbolic bâjbâitul într-o lume străină? Aparent, aici se ascunde altceva: ideea clarviziunii orbirii, care este în același timp clarviziunea iubirii. Penrose conectează tema orbirii cu nemulțumirea constantă a artistului față de aspectul exterior, perceput vizual al fenomenelor. „Aspectul exterior i s-a părut întotdeauna insuficient. Undeva, în punctul de convergență al percepției senzoriale cu sferele profunde ale minții, există, parcă, un ochi interior care vede și înțelege cu puterea de a simți. El poate percepe, înțelege și iubi chiar și atunci când percepția prin vedere fizică este imposibilă. Această percepție este și mai intensă atunci când fereastra către lumea exterioară este strâns închisă. Unul dintre enigmaticele zicale ale lui Picasso din vremuri ulterioare devine clar: „Totul depinde de iubire. Mereu este vorba despre asta. Artiștilor ar trebui să li se scoată ochii așa cum li se scot ciredelii, astfel încât să cânte mai bine.

Probleme care sunt considerate „pur plastice” – desen și culoare, spațiu, formă, deformare – l-au confruntat pe Picasso ca probleme umane: comunicare, înțelegere, pătrundere. Ce îi unește pe oameni, ce îi salvează de durerile singurătății? Oare se consideră unul pe altul? Nu, se simt unul pe altul cu al șaselea simț. Și nu ar trebui artistul, în înțelegerea sa asupra lucrurilor, să treacă și dincolo de ceea ce vede pur și simplu cu ajutorul celui de-al șaselea simț? Picasso a onorat întotdeauna bufnița - o pasăre care este oarbă ziua, dar vigilentă în întuneric.

În „coborârea în iad” Picasso a gustat din toată tristețea sărăciei umane, dar nu a simțit lipsa de speranță - seamănă mai mult cu purgatoriul decât cu iadul. Speranța nu este luată de infirmii și vagabonzii săi, pentru că darul iubirii nu este luat. Nu există picturi ale lui Picasso care să emane o singurătate atât de înghețată precum cafeneaua verde și roșie a lui Van Gogh. El arată în mod constant cum două ființe se străduiesc să fie împreună, inseparabil și în tăcere - aceasta este poate principala temă internă a perioadei albastre.

Se exprimă cel mai direct în numeroasele versiuni ale The Embrace. Poate cea mai elocventă este o schiță rapidă cu cărbune din 1901: nu există bărbat și femeie despărțiți, nu există îmbrățișare - există o îmbrățișare, nu există doi oameni - există dragoste a doi oameni. Acest desen timpuriu amintește oarecum de compozițiile mult mai ulterioare ale lui Picasso, în care el i-a înfățișat metaforic pe îndrăgostiți prin două profiluri care fuzionează unul în celălalt.

Picasso a interpretat motivul îmbrățișării cu o castitate absolută: aici nu există erotism, ci mai degrabă domnește erosul spiritual în sens platonic. De fapt, eroticul din opera lui Picasso sună întotdeauna amenințător, sumbru, este asociat cu tema violenței și cruzimii - aceasta este, poate, și o trăsătură spaniolă, deci spre deosebire de senzualitatea veselă cultivată de arta franceză.

În arta lui Picasso, pasiunea senzuală este una dintre varietățile vrăjmășiei, „războiului”, sfera de acțiune a forțelor distructive. Când vrea să vorbească despre iubirea care adună oamenii, alungă elementul senzualității. Uneori chiar își face personajele ca fără sex (criticii au scris despre „trăsăturile unui androgin”). Subțirea distrofică, stăpânirea, oboseala căzută a unui bărbat și a unei femei care stau, se îmbrățișează și adorm la o masă goală, exclud asocierile erotice: dorința a doi oameni abandonați de a se salva unul pe altul are o natură diferită, spirituală.

Acești „doi”, protejați de iubire, sunt doar în unele cazuri un bărbat și o femeie, un soț și o soție și, mai des, alte cupluri: un bătrân și un băiat, o mamă și un copil, două surori sau chiar un bărbat și un animal: un băiat cu un câine, o femeie cu cioara, o fetiță cu un porumbel.

Toate aceste personaje sunt conturate în contururi compact închise - pozițiile lor în sine sunt de parcă s-ar strădui involuntar să ocupe cât mai puțin spațiu posibil pentru a fi invizibile sau calde: își strâng mâinile, își ridică picioarele, își trag capetele în interiorul lor. umerii. Când sunt două dintre ele, uneori ambele figuri sunt incluse în această configurație închisă, închisă și „se transformă într-una” aproape literal.

Se pare că lui Picasso îi place mai ales astfel de subiecte în care cei slabi îi protejează pe cei slabi. A reînviat vechea temă a mamei care păzește copilul și trebuie să recunoaștem că cele mai bune dintre „Maternitățile” sale aparțin primelor zile. Sentimentul de tandrețe languitoare pentru o mică creatură neputincioasă, tânărul Picasso a sondat până în adâncuri și a descoperit în el ceva ce se limitează la durere. La prima vedere, în grația manieristică a „Mamelor” sale există, parcă, un anumit fior, dar este un frison, vârful acului care atinge o inimă goală.

Una dintre cele mai vechi lucrări ale perioadei albastre este „Fata cu porumbel”: o fetiță ține cu grijă un porumbel între palme. Se poate vedea aici prima naștere a uneia dintre temele transversale ale lui Picasso, trecând - explicit sau ascuns, rotund, simbolic sau direct - prin lunga sa opera. Este legat de legenda Sfântului Cristofor, care a purtat copilul Hristos printr-un pârâu învolburat.

A proteja ziua care vine, a duce viața, slabă și tremurândă ca o flacără de lumânare, prin răsturnările veacului - aceasta este tema speranței; după mulți ani, ea s-a transformat în tema lumii lui Picasso. La mai bine de patruzeci de ani după Fata cu Porumbel, a realizat o statuie a Omului cu Mielul: un miel speriat tremură și lacrimă, bărbatul îl poartă calm și cu grijă precum o fată ține un porumbel. Multe dintre motivele lui Picasso, urmărindu-l constant, se află în jurul acestui centru ascuns: copii care se joacă, pe care cineva puternic îi protejează de un monstru (astfel de compoziții se numără printre desenele pregătitoare pentru „Templul Păcii”); treaz lângă cel adormit; care suferă de animale rănite; în sfârșit, motivul unei lumânări sau al unei torțe - o lampă care luminează întunericul: geniul luminii, izbucnind în iadul „Guernica”, ține o lumânare în mâna întinsă. Uneori, slăbiciunea se dovedește a fi putere, iar puterea brutală - neputință: într-o serie cu un minotaur, vedem un copil care conduce cu încredere o jumătate de fiară oarbă și slăbită.

„M-am cufundat în albastru când mi-am dat seama că Casajemas era mort”, a recunoscut mai târziu Picasso. „Perioada de la 1901 la 1904 în opera lui Picasso este de obicei numită perioada „albastra”, deoarece majoritatea picturilor din acest timp sunt pictate într-o scară rece albastru-verde, exacerbând starea de oboseală și sărăcie tragică. Ceea ce s-a numit ulterior perioada „albastra” a fost multiplicata de imagini cu scene triste, tablouri pline de melancolie profunda. La prima vedere, toate acestea sunt incompatibile cu enorma vitalitate a artistului însuși. Dar amintindu-ne de autoportretele unui tânăr cu ochi uriași triști, înțelegem că picturile perioadei „albastre” transmit emoțiile care l-au stăpânit pe artist la acea vreme. O tragedie personală i-a ascuțit percepția asupra vieții și durerii oamenilor suferinzi și dezavantajați.

Este paradoxal, dar adevărat: nedreptatea ordinii vieții este resimțită cu intensitate nu numai de cei care au experimentat jugul greutăților vieții încă din copilărie, sau chiar mai rău - antipatia față de cei dragi, ci și de oamenii destul de prosperi. Picasso este un prim exemplu în acest sens. Mama lui îl adora pe Pablo, iar această dragoste a devenit o armură de nepătruns pentru el până la moarte. Tatăl, care a întâmpinat în mod constant dificultăți financiare, a știut să-și ajute fiul din toate puterile, deși uneori se mișca într-o direcție complet diferită de cea indicată de don Jose. Tânărul iubit și prosper nu a devenit un egocentric, deși atmosfera culturii decadente în care s-a format la Barcelona, ​​se pare, a contribuit la acest lucru. Dimpotrivă, a simțit cu mare forță dezordinea socială, decalajul imens dintre săraci și bogați, nedreptatea structurii societății, inumanitatea ei - într-un cuvânt, tot ceea ce a dus la revoluțiile și războaiele din secolul XX. .

„Să ne întoarcem la una dintre lucrările centrale ale lui Picasso din acea vreme - la pictura „Bătrânul cerșetor cu un băiat”, realizată în 1903 și acum în Muzeul de Stat de Arte Frumoase. A. S. Pușkin. Pe un fundal plat neutru sunt înfățișate două figuri așezate - un bătrân orb decrepit și un băiețel. Imaginile sunt prezentate aici în opoziția lor puternic contrastantă: chipul unui bătrân, încrețit, parcă modelat de un joc puternic de clarobscur, cu cavități adânci ale ochilor orbi, silueta lui osoasă, nefiresc de unghiulară, liniile rupte ale picioarelor. și brațele și, spre deosebire de el, ochii larg deschiși pe o fața blândă, blândă, modelată a unui băiat, liniile netede și curgătoare ale hainelor sale. Un băiat care stă în pragul vieții și un bătrân decrepit, asupra căruia moartea și-a lăsat deja amprenta - aceste extreme sunt unite în imagine printr-o anumită caracteristică tragică. Ochii băiatului sunt larg deschiși, dar par la fel de nevăzători ca golurile teribile din orbitele bătrânului: el este cufundat în aceeași meditație fără bucurie. Culoarea albastră plictisitoare sporește și mai mult starea de tristețe și deznădejde, care se exprimă în chipurile trist concentrate ale oamenilor. Culoarea de aici nu este culoarea obiectelor reale și nici nu este culoarea luminii reale care inundă spațiul imaginii. Cu aceleași nuanțe de albastru plictisitoare și reci, de moarte, Picasso transmite fețele oamenilor, hainele lor și fundalul pe care sunt înfățișați.

Imaginea este realistă, dar există multe convenții în ea. Proporțiile corpului bătrânului sunt hipertrofiate, o postură inconfortabilă îi subliniază frângerea. Subțirea este nenaturală. Trăsăturile feței băiatului sunt prea simplificate. „Artistul nu ne spune nimic despre cine sunt acești oameni, cărei țări sau epoci aparțin și de ce stau pe acest pământ albastru, înghesuiți astfel. Cu toate acestea, imaginea spune multe: în opoziția contrastantă dintre bătrân și băiat, vedem atât trecutul trist și sumbru al unuia, cât și viitorul fără speranță, inevitabil sumbru al celuilalt, cât și prezentul tragic al amândurora. Chipul foarte jalnic al sărăciei și singurătății ne privește cu ochii săi triști din imagine. În lucrările sale create în această perioadă, Picasso evită fragmentarea, detalierea și se străduiește în toate modurile posibile să sublinieze ideea principală a celui reprezentat. Această idee rămâne comună pentru marea majoritate a scrierilor sale timpurii; la fel ca în Bătrânul cerșetor cu băiatul, ea constă în dezvăluirea dezordinei, a singurătății jalnice a oamenilor din lumea tragică a sărăciei.

În perioada „albastra”, pe lângă picturile deja menționate („Bătrânul cerșetor cu un băiat”, „Calcă de bere (Portretul lui Sabartes)” și „Viața”), „Autoportret”, „Întâlnire (două surori). )”, „Cap de femeie” au mai fost create , Tragedie etc.

Pablo Picasso s-a născut pe 25 octombrie 1881 în Spania, în orașul Malaga, în familia artistului Jose Ruiz Blasco. Talentul viitorului artist a început să se demonstreze devreme. Deja de la vârsta de 7 ani, băiatul a adăugat câteva detalii picturilor tatălui său (prima astfel de lucrare a fost labele porumbeilor). La vârsta de 8 ani a fost pictat primul tablou serios în ulei numit „Picador”.

„Picador” 1889

La vârsta de 13 ani, Pablo Picasso a devenit student la Academia de Arte din Barcelona - Pablo s-a arătat atât de bine la examenele de admitere încât comisia l-a acceptat în academie în ciuda vârstei sale fragede.

În 1897, Picasso a plecat la Madrid pentru a intra la Academia Regală de Arte Frumoase din San Fernando. Dar Pablo a studiat acolo nu mai mult de un an - a fost prea plictisitor și înghesuit pentru un tânăr talent din academia cu tradițiile sale clasice. La Madrid, tânărul era mai interesat de viața agitată a metropolei. De asemenea, Pablo a dedicat mult timp studierii lucrărilor unor artiști precum Diego Vilasquez, Francisco Goya și El Greco, care au făcut o mare impresie artistului.

În acei ani, artistul a vizitat mai întâi Parisul, care era considerat atunci capitala artelor. A locuit luni de zile în acest oraș, vizitând diverse muzee pentru a studia lucrările maeștrilor picturii: Van Gogh, Gauguin, Delacroix și mulți alții. Picasso va vizita adesea Parisul în viitor, iar mai târziu acest oraș îl va captiva atât de mult încât Picasso decide să se mute definitiv acolo (1904).

Cele mai faimoase lucrări ale lui Pablo Picasso, scrise de el în perioada timpurie (înainte de 1900)

„Portretul unei mame” 1896

„Cunoaștere și milă” 1897

„Prima Împărtășanie” 1896

„Autoportret” 1896

„Matador Luis Miguel Domingen” 1897

„Cuplu spaniol în fața hotelului” 1900

„Fata desculță. Fragment» 1895

„Omul pe malul iazului” 1897

„Omul cu pălărie” 1895

„Bulevardul Clichy” 1901

„Portretul tatălui artistului” 1895

Următoarea perioadă din opera lui Pablo Picasso se numește „albastru”. În 1901-1904. culorile reci au prevalat în paleta lui Picasso - mai ales albastru și nuanțele sale. În acest moment, Picasso a ridicat temele bătrâneței, sărăcia, sărăcia, melancolia și tristețea au fost starea de spirit caracteristică picturilor acestei perioade. Artistul a descris suferința umană, desenând orbi, cerșetori, alcoolici și prostituate etc. - au fost personajele principale ale perioadei „albastre”.

Lucrări ale perioadei „albastre” (1901-1904)

„Micul dejun al orbilor” 1903

„Mama și copilul” 1903

„Băutorul de absint” 1901

„Calcat” 1904

„Bătrânul cerșetor cu băiatul” 1903

„Viața” 1903

„Două surori (data)” 1902

„Camera albastră (baie)” 1901

„Gurmet” 1901

„Femeie așezată cu glugă” 1902

În perioada „roz” (1904 - 1906) tema principalăîn opera artistului a existat un circ și personajele sale - acrobați și comedianți. Culorile strălucitoare vesele au predominat. Personajul preferat al acestei perioade poate fi numit arlechin, care a fost cel mai des întâlnit în operele lui Picasso. Pe lângă circ, a fost inspirat și de modelul Fernanda Olivier, pe care a cunoscut-o în 1904, chiar la începutul perioadei „roz”. Ea a fost muza artistului de-a lungul întregii perioade.

Lucrări din perioada „roz” (1904 - 1906)

„Acrabat și arlechin” 1905

„Fata cu capră” 1906

„Băiat care conduce un cal” 1906

„Familia de comedianți” 1905

„Țărani” 1906

„Femeie goală cu ulcior” 1906

„Păptănând” 1906

„Femeie cu pâine” 1905

„Doi acrabați cu un câine” 1905

„Toaletă” 1906

unul dintre tablouri celebre P. Picasso „Fata pe bal” (1905), care se află acum la Muzeul de Stat de Arte Frumoase. A. S. Pușkin, unii experți numesc tranziția de la perioada „albaștră” la cea „roz”.

„Fata pe minge” 1905

Punctul de cotitură în opera lui Picasso a fost portretul lui Gertrude Stein, pictat de acesta în 1906.

Lucrarea la portret a fost grea - artistul a rescris portretul de aproximativ 80 de ori și, ca urmare, Picasso s-a îndepărtat de portret ca gen. Arte vizualeîn sensul său clasic. Toate lucrările ulterioare ale lui Picasso pot fi caracterizate doar de una dintre frazele sale „Trebuie să scriem nu ceea ce văd, ci ceea ce știu”. P. Picasso a încercat să respecte această instalație până la sfârșitul vieții.

Cubism

Această mare perioadă din opera lui Pablo Picasso este împărțită în mai multe etape. Este momentul respingerii complete a detalierii personajelor: subiectul și fundalul aproape se contopesc într-unul singur, nu există limite clar definite. Picasso era convins că un artist poate face mai mult decât să arate ceea ce vede ochiul.

Prima etapă este „Cezanne” alias perioada „africană”. Această etapă se distinge prin construirea imaginilor folosind geometric simplu formele și predominanța tonurilor de verde tulbure, ocru și maro.

În 1907-1909, atenția artistului s-a concentrat asupra artei africane, pe care a întâlnit-o pentru prima dată în 1907 la o expoziție etnografică la Muzeul Trocadero. De acum înainte, opera lui Picasso a început să fie dominată de forme simple, chiar primitive ale obiectelor reprezentate. În tehnică, artistul a început să folosească umbrirea brută. Prima pictură realizată în stil „african” este considerată a fi „Fetele din Avignon” în 1907.

Această poză a fost scrisă de autor pe tot parcursul anului. Picasso nu a lucrat cu niciuna dintre picturile sale atât de mult timp. Drept urmare, această lucrare a fost atât de diferită de picturile sale anterioare încât a fost percepută în mod ambiguu de către public. Dar după ce a găsit un nou stil care era interesant pentru el, Picasso nu avea de gând să se retragă, iar timp de 2 ani artistul l-a dezvoltat în toate modurile posibile.

Lucrări ale cubismului „Cezanne” (perioada „africană”) (1907 - 1909)

„Fermier” 1908

„Capul unui om” 1907

„Bather” 1909

„Natura moartă cu bol și ulcior” 1908

„Nud cu draperii (Dansez cu voal)” 1907

„Portretul lui Manuel Pallares” 1909

„Trei figuri sub un copac” 1907

„Pahare și fructe” 1908

„Bustul unui bărbat (atlet)” 1909

„Femeie” 1907

În perioada analitică, Picasso și-a dat seama că trebuie să se concentreze în totalitate pe volumul și forma obiectelor, relegând culoarea pe fundal. Prin urmare semn distinctiv cubismul analitic a devenit monocrom. De asemenea, merită remarcată structura lucrărilor din această perioadă - artistul pare să zdrobească obiectele în mici fragmente. Linia dintre diferite lucruri dispare și totul este perceput ca un întreg.

Lucrări de cubism „analitic” (1909-1912)

„Omul cu chitară” 1911

„Omul cu vioara” 1912

„Acordeonist” 1911

„Natura moartă cu o sticlă de lichior” 1909

„Poet” 1911

„Portretul Fernandei” 1909

„Portretul lui Wilhelm Uhde” 1910

„Nud așezat” 1910

„Femeie în verde” 1909

„Femeie într-un fotoliu” 1909

Începutul perioadei sintetice a fost pictura „Amintiri din Le Havre”, pictată de Pablo Picasso în 1912. În această imagine au apărut culori mai strălucitoare, care nu erau inerente cubismului analitic.

Lucrările monocrome au lăsat din nou locul culorii. Practic, picturile acestei perioade erau dominate de naturi moarte: sticle de vin, note, tacâmuri și instrumente muzicale. Pentru a dilua abstractismul în lucrarea pe tablouri s-au folosit obiecte reale, precum: funii, nisip, tapet etc.

Lucrări de cubism „sintetic” (1912-1917)

„Omul lângă șemineu” 1916

„Bărbat cu pălărie de culoare” 1914

„Sticlă și carti de joc» 1912

„Chitara” 1912

„Natura moartă cu fructe pe masă” 1914-1915

„Piedestal” 1914

„Masa într-o cafenea (Sticlă de Perno)” 1912

„Taverna (Șuncă)” 1914

„Natura moartă verde” 1914

„Bărbat cu țeavă, stând într-un fotoliu” 1916

În ciuda faptului că cubismul a fost criticat activ de mulți, lucrările din această perioadă s-au vândut bine și Pablo Picasso a încetat în cele din urmă să cerșească și s-a mutat într-un studio spațios.

Următoarea perioadă din opera artistului a fost neoclasicismul, care a fost inițiat de căsătoria lui Picasso cu balerina rusă Olga Khokhlova în 1918. Aceasta a fost precedată de munca lui Pablo la decorurile și modelele de costume pentru baletul Paradei din 1917. A fost în timpul interpretării acestei lucrări. că artistul a cunoscut-o pe Olga Khokhlova.

Cortina pentru baletul „Parada” 1917

Program de balet Parada cu desenul lui Picasso. 1917

Magician chinez îmbrăcat ca Picasso, interpretare modernă, 2003

Caracterul „istewardului” francez (lătrători)

Această perioadă este foarte departe de cubism: fețe reale, culori deschise, forme obișnuite... A fost inspirat de soția sa rusoaică pentru astfel de schimbări în opera sa, care a adus o mulțime de lucruri noi în viața lui Pablo. Chiar și stilul de viață al artistului s-a schimbat - participarea la evenimente sociale, balete costumate etc. Într-un cuvânt, Picasso a început să se rotească într-un mediu laic, care anterior îi era străin. Pentru o tranziție atât de bruscă de la cubism la clasicism, Picasso a fost criticat de mulți. Artistul a răspuns tuturor afirmațiilor într-unul dintre interviurile sale: „Ori de câte ori vreau să spun ceva, vorbesc în modul în care, după părerea mea, ar trebui spus”.

Lucrări din perioada neoclasică (1918 - 1925)

„Citind o scrisoare” 1921

„Bathers” 1918

„Îndrăgostiți” 1923

„Mama și copilul” 1921

„Olga Khokhlova într-o mantilă” 1917

„Olga Picasso” 1923

„Prima Împărtășanie” 1919

„Pierrot” 1918

„Portretul Olgăi într-un fotoliu” 1917

„Portretul lui Paul” fiul artistului 1923

„Țărani adormiți” 1919

„Trei scăldători” 1920

„Femeie cu un copil pe malul mării” 1921

„Femeie într-o mantilă” 1917

„Femei aleargă de-a lungul țărmului” 1922

În 1925, artistul a pictat tabloul „Dans”, care reflectă pe deplin problemele din viața personală a artistului la acea vreme.

În iarna lui 1927, Picasso își întâlnește noua muză, Marie-Thérèse Walter, în vârstă de șaptesprezece ani, care a devenit un personaj în multe picturi ale perioadei suprarealiste. În 1935, cuplul a avut o fiică, Maya, dar în 1936, Picasso le-a părăsit pe Maria Theresa și Olga Khokhlova, cu care nu va divorța oficial până la moartea Olgăi în 1955.

Lucrări din perioada suprarealismului (1925 - 1936)

„Akrabat” 1930

„Fata care aruncă o piatră” 1931

„Figurine pe plajă” 1931

„Natura moartă” 1932

„Nud și natură moartă” 1931

„Nud pe plajă” 1929

„Nud pe plajă” 1929

„Femeie cu o floare” 1932

„Visul (portretul amantei artistei Maria Teresa Walter)” 1932

„Nud într-un fotoliu” 1932

„Nud într-un fotoliu” 1929

„Sărut” 1931

În anii 30 și 40, taurul, Minotaurul, a devenit eroul multor picturi de Picasso. Minotaurul din opera artistului este personificarea puterii distructive, a războiului și a morții.

„Minotauria” 1935

„Paletă și cap de taur” 1938

„Cap de miel” 1939

„Natura moarta cu craniu de taur” 1942

„Craniu de taur, fructe, ulcior” 1939

„Trei capete de berbec” 1939

În primăvara anului 1937, fasciștii germani au distrus literalmente micul oraș Guernica din Spania. Picasso nu a putut ignora acest eveniment și astfel s-a născut pictura „Guernica”. Această imagine poate fi numită apoteoza temei Minotaurului. Dimensiunile tabloului sunt impresionante: lungime - 8 m, latime - 3,5 m. Se cunoaste un caz legat de pictura. În timpul unei percheziții efectuate de Gestapo, un ofițer nazist a observat pictura și l-a întrebat pe Picasso: „Ai făcut asta?” la care artistul a răspuns „Nu. Tu ai făcut-o!"

„Guernica” 1937

În paralel cu pânzele despre Minotauri, Pablo Picasso creează o serie despre monștri. Această serie exprimă poziția artistului în timpul războiului civil spaniol, în care i-a susținut pe republicani și s-a opus politicilor dictatorului Franco.

„Visele și minciunile generalului Franco” (1937)

„Visele și minciunile generalului Franco” (1937)

Toate al doilea razboi mondial Pablo Picasso a locuit în Franța, unde artistul a devenit membru al Partidului Comunist Francez în 1944.

Lucrări de război (1937-1945)

„Fazan” 1938

„Cap de femeie în pălărie” 1939

„Maria Tereza într-o coroană de flori” 1937

„Atelierul artistului” 1943

„Maya cu o păpușă” 1938

„Rugăciunea” 1937

„Natura moartă” 1945

„Femeie care plânge cu batic” 1937

„Păsări în cușcă” 1937

„Păsări și pisici rănite” 1938

„Cripta” 1945

„Femeie pe un scaun roșu” 1939

În 1946, artistul a lucrat la picturi și panouri pentru castelul familiei Grimaldi din Antibes (un oraș stațiune din Franța). În prima sală a castelului a fost instalat un panou numit „Bucuria vieții”. Personajele principale ale acestui panou erau creaturi fabuloase, fauni, centauri și fete goale.

„Bucuria de a fi” 1946

În același an, Pablo a cunoscut-o pe tânăra artistă Francoise Gilot, cu care s-au stabilit în castelul Grimaldi. Mai târziu, Picasso și Francoise au avut doi copii, Paloma și Claude. În acest moment, artistul și-a pictat adesea copiii și Francoise, dar idila nu a durat mult: în 1953, Francoise a luat copiii și l-a părăsit pe Pablo Picasso. Françoise nu a mai suportat trădările constante ale artistului și firea lui dificilă. Artistul a trăit foarte greu această despărțire, care nu a putut decât să-i afecteze opera. Dovadă în acest sens sunt desenele cu cerneală ale unui pitic bătrân urât cu o tânără frumoasă.

Unul dintre cele mai faimoase simboluri ale „Porumbelului Păcii” a fost creat în 1949. A apărut pentru prima dată la Congresul Mondial de Pace de la Paris.

În 1951, Picasso a pictat pictura „Masacrul din Coreea”, care povestește despre atrocitățile acelui război „uitat”.

„Masacrul din Coreea” 1951

În 1947 artistul s-a mutat în sudul Franței, în orașul Vallauris. În acest oraș a devenit interesat de ceramică. Picasso a fost inspirat pentru un astfel de hobby de expoziția anuală de ceramică din Vallauris, pe care a vizitat-o ​​în 1946. Artistul a manifestat un interes deosebit pentru obiectele din atelierul din Madura, în care a lucrat ulterior. Lucrarea cu lut i-a permis pictorului și graficianului recunoscut să uite ororile războiului și să se cufunde într-o altă lume veselă și senină. Comploturile pentru ceramică sunt cele mai simple și mai necomplicate - femei, păsări, fețe, personaje de basm… Chiar și cartea „Ceramica lui Picasso” de I. Karetnikov, publicată în 1967, este dedicată ceramicii lui Picasso.

Picasso în atelierul lui Madura