Trimiteți-vă munca bună în baza de cunoștințe este simplu. Utilizați formularul de mai jos

Studenții, studenții absolvenți, tinerii oameni de știință care folosesc baza de cunoștințe în studiile și munca lor vă vor fi foarte recunoscători.

Găzduit la http://www.allbest.ru/

Instituția de învățământ de învățământ profesional superior bugetar de stat federal

Universitatea Tehnică de Stat din Omsk

Departamentul DTM

Eseu

Pe tema:

Analiza unei opere de artă pe exemplul picturii lui Michelangelo Buonarroti " Judecata de Apoi»

Completat: student gr. ZSR-151 A.A. Kareva

Verificat de: profesorul Gumenyuk A.N.

Introducere

1. Intriga Judecății de Apoi

2. Informații generale despre diferențele dintre un tablou și o icoană

3. Compoziția frescei de altar a Capelei Sixtine de Michelangelo Buonarroti (1475-1564) „Judecata de Apoi” (1535-1541)

Concluzie

Lista literaturii folosite

Introducere

Judecata de Apoi este o frescă de Michelangelo pe peretele altarului Capelei Sixtine din Vatican. Artistul a lucrat la frescă timp de patru ani - din 1537 până în 1541. Michelangelo s-a întors la Capela Sixtină la trei decenii după ce a terminat de pictat tavanul acesteia. O frescă la scară largă ocupă întregul perete din spatele altarului Capelei Sixtine. Tema sa a fost a doua venire a lui Hristos și Apocalipsa.

Judecata de Apoi este considerată o lucrare care a pus capăt Renașterii în artă, căreia însuși Michelangelo i-a adus un omagiu în picturile din tavan și boltă ale Capelei Sixtine și a deschis o nouă perioadă de dezamăgire în filosofia umanismului antropocentric.

1. Intriga Judecății de Apoi

A doua venire a lui Hristos, când, conform doctrinei creștine, va avea loc o înviere generală a morților, care, împreună cu cei vii, vor fi în cele din urmă judecați și le va fi hotărât dacă să fie duși la cer sau aruncați. în iad. Sfânta Scriptură vorbește despre asta de multe ori, dar autoritatea principală este vorbirea lui Hristos către ucenici, spusă de Matei: și să se despartă una și alta, precum un păstor desparte oile de capre; și a pus oile la dreapta lui și caprele la stânga lui.” Ei trebuie să fie judecați după faptele lor de milă, pe care le-au săvârșit în viața lor pământească. Păcătoșii vor trebui să meargă la „chinul etern”.

A doua venire a lui Hristos (sau Împărăția lui Hristos pe pământ) era așteptată cu încredere în anul 1000, iar când aceste așteptări nu s-au împlinit, Biserica a început să acorde o importanță tot mai mare doctrinei „Celele Patru Ultime Lucrări” - moartea. , judecată, rai, iad.

Din acel moment, imaginile Judecății de Apoi au început să apară (în principal în secolele XII-XIII) pe frontoanele vestice sculpturale ale catedralelor franceze.

Este o poveste mare cu mai multe părți. Hristos Judecătorul este figura centrală. De ambele părți ale lui sunt apostolii care au fost cu el la Cina cea de Taină: „Și veți ședea pe tronuri pentru a judeca cele 12 seminții ale lui Israel”.

Mai jos sunt morții care învie din morminte sau din pământ sau din mare: „Și mulți dintre cei care dorm în țărâna pământului se vor trezi, unii la viața veșnică, alții la ocara și rușinea veșnică”. „Atunci marea a dat morții care erau în ei; și fiecare a fost judecat după faptele lui.” Arhanghelul Mihail ține cântarul pe care cântărește sufletele. Cei neprihăniți – prin mana dreapta Hristos, însoțit de îngeri în paradis, mâna stângă de jos, păcătoșii sunt duși în iad, unde sunt înfățișați într-un chin cumplit. (Sala D. Dicționar de ploturi și simboluri în art. M, 1996)

2. Sunt comuneinformații despre diferențele dintre un tablou și o icoană

Imaginea afectează în primul rând sfera emoțională. Icoana - pe minte și intuiție. Imaginea reflectă starea de spirit, icoana - starea individului. Poza are margini, cadrul intrigii; pictogramă - include în nemărginit. Unii cred că pictorii de icoane antice nu cunoșteau legile perspectivei directe și simetriei. corpul uman, adică nu cunoșteau atlasul anatomic. Cu toate acestea, artiștii acelei epoci observau proporțiile exacte ale corpului uman atunci când făceau statui sau statui în general (imaginea tridimensională nu era folosită în Biserica Răsăriteană, ci avea loc doar în arta seculară). Absența unei perspective directe mărturisește alte dimensiuni spațiale, posibilitățile unei persoane de a stăpâni spațiul. Spațiul încetează să mai fie un obstacol. Un obiect îndepărtat nu devine redus iluzoriu. Valorile din icoane nu sunt de natură spațială, ci axiologică, exprimând gradul de demnitate. De exemplu, demonii sunt înfățișați ca fiind mai mici decât îngerii; Hristos printre ucenici se ridică deasupra lor etc.

Imaginea poate fi vizualizată analitic. Puteți vorbi despre fragmente individuale ale imaginii, puteți indica ce vă place și ce nu vă place la ea. Iar icoana nu poate fi împărțită în celule, în fragmente, în detalii, ea este percepută sintetic de un sentiment religios interior. Icoana este frumoasă atunci când cheamă o persoană la rugăciune, când sufletul simte un câmp dinamic de energii și forțe radiate prin icoana din Împărăție lumină eternă. În icoană, figurile sunt nemișcate, par a fi înghețate. Dar nu este frigul morții; pune accent pe viața interioară, dinamica interioară. Sfinții se află într-un zbor spiritual rapid, în mișcare veșnică spre Divin, unde nu există loc pentru posturi pretențioase, agitație și exprimare exterioară.

O persoană, captată de un sentiment profund sau cufundată în gânduri, trece și ea la interior, iar această deconectare de la exterior mărturisește intensitatea și intensitatea spiritului său. Dimpotrivă, dinamica exterioară – pecetea emoțiilor ca stări temporare – sugerează că cea pe care au vrut să o înfățișeze pe icoană nu se află în eternitate, ci în timp, în puterea senzualului și trecătorului.

Unul dintre vârfurile artei occidentale este pictura Judecății de Apoi din Capela Sixtină, creată de Michelangelo. Figurile sunt executate cu cunoștințe uimitoare despre proporțiile corpului uman și legile armoniei. Ei pot studia anatomia. Fiecare persoană are propria personalitate unică și caracteristici psihologice. În același timp, semnificația religioasă a acestei imagini este zero. Mai mult, este o recidivă a păgânismului care a apărut în inima lumii catolice. Tema picturii „Judecata de Apoi” întruchipează tradițiile păgâne și evreiești. Charon poartă sufletele morților peste apele Styxului. Imagine preluată de la mitologia antică. Învierea morților are loc în valea lui Iosafat, după cum spune tradiția talmudică.

Pictura este realizată într-un stil evident naturalist. Michelangelo a pictat trupurile goale. Când Papa Paul al III-lea, examinând pictura Capelei Sixtine, l-a întrebat pe maestrul de ceremonii al curții papale, Biagio da Cesena, cum îi place pictura, el a răspuns: „Sfinția voastră, aceste figuri ar fi potrivite undeva într-o tavernă, și nu în capela ta”. („Despre limbajul icoanei ortodoxe.” Arhimandritul Rafael (Karelin), 1997)

Am atins pictura vest-europeană pentru a sublinia diferența fundamentală a acesteia față de arta ortodoxă. Acesta este un exemplu clar al modului în care forma nu se potrivește cu conținutul, oricât de strălucitoare ar fi în sine. Există o eroare metodologică în așa-numita pictură religioasă a Renașterii. Pictorii încearcă prin arta imitativă, adică. o imagine saturată de emoții și pasiuni, pentru a transfera cel ceresc în planul pământesc, dar realizează contrariul - transferă materialitatea neregenerată în sfera cerului; cu cele pământești și senzuale, ei înlocuiesc spiritualul și eternul (sau mai bine zis, acolo nu este loc de rai, pământul a ocupat și a înghițit totul), inima lor; o figură ușor înclinată, ascultare de voia lui Dumnezeu etc.

Imaginea catolică este unidimensională, icoana ortodoxă are mai multe fațete. Într-o icoană, planurile se intersectează unele cu altele, ele coexistă sau se întrepătrund fără a se contopi sau dizolva unele în altele. Timpul este înregistrat în imagine, ca un moment oprit de voința artistului, ca de un blitz fotografic. Într-o pictogramă, timpul este condiționat, astfel încât evenimentele aflate într-o nepotrivire cronologică pot fi reprezentate pe câmpul pictogramei. Pictograma este similară cu planul intern și desenul evenimentelor. Pictogramele sunt caracterizate de simultaneitatea imaginii: toate evenimentele au loc simultan. icoana frescei sixtine michelangelo

Poza este o imitație a realității cu elemente de fantezie, care preia și material pentru stările sale din realitățile pământești. Icoana este întruchiparea contemplației spirituale, care este dată într-o experiență mistică, în stare de comuniune cu Dumnezeu, dar contemplație transmisă și obiectivată prin limbajul simbolic al liniilor și culorilor. O icoană este o carte teologică pictată cu o pensulă și vopsele. În icoană, imaginea a două sfere - cerească și pământească - este dată nu după principiul paralelismului, ci după principiul simetriei. Într-un tablou pe teme religioase, care este incorect numit icoană, fie nu există diferențe între lucrurile cerești și cele pământești, delimitări, fie sunt legate prin „linii paralele” ale istoriei, ca o singură ființă în timp și spațiu.

În imagine, principiul perspectivei directe, liniare, dând iluzia de volum, tridimensionalitate în imaginea atât a entităților materiale, cât și a celor spirituale. Spiritualul nu se manifestă în imagine, ci este înlocuit în ea de forme și corpuri materiale, voluminoase, și dispare în aceste forme străine. Spiritualul din imagine încetează să mai fie suprasensibil, dar devine „natural”, aici are loc o profanare a lăcașului. Acest lucru a fost subliniat pe bună dreptate de iconoclaști, negând picturile portrete pe teme religioase, dar generalizând pe nedrept cu o metodă proastă toate posibilitățile artei plastice - în acest caz, iconografia - care deschide lumea spirituală, fără a-l identifica cu infinitul ca o extensie infinită, cu realitățile lumii materiale, care se află sub puterea morții și a decăderii.

Iconoclaștii identificau icoana cu un portret mimic, cu fantezie sau alegorie, dar icoana, ca simbol sacru, a fost ignorată sau greșit înțeleasă de ei. În icoană, nu numai opoziția celor două sfere ale timpului și eternității, ci și în ritmurile ei - biserica timpului, atracția sa către eternitate. („Despre limbajul icoanei ortodoxe.” Arhimandritul Rafael (Karelin), 1997)

3. Compoziția frescei de altar a Capelei SixtineMichelangelo Buonarroti(1475-1564) „Judecata de Apoi” (1535-1541)

Decizia neobișnuită a autorului în construcția compoziției păstrează cele mai importante elemente tradiționale iconografie. Spațiul este împărțit în două planuri principale: ceresc - cu Hristos Judecătorul, Maica Domnului și sfinți, și pământesc - cu scene ale învierii morților și împărțindu-i în drepți și păcătoși.

Îngerii trâmbiței anunță începutul Judecății de Apoi. Se deschide o carte în care sunt consemnate toate faptele umane. Hristos Însuși nu este un răscumpărător milostiv, ci un Stăpân care pedepsește. Gestul Judecătorului pune în mișcare o mișcare circulară lentă, dar inexorabilă, care atrage în șuvoiul său rândurile drepților și păcătoșilor. Maica Domnului, stând lângă Hristos, s-a întors de la ceea ce se întâmpla.

Ea abandonează rolul ei tradițional de mijlocitor și tremură la verdictul final. În jurul sfinților: apostoli, profeți. În mâinile martirilor sunt unelte pentru tortură, simboluri ale suferinței pe care au îndurat-o pentru credința lor.

Morții, deschizând ochii cu speranță și groază, se ridică din morminte și merg la judecata lui Dumnezeu. Unii se ridică ușor și liber, alții mai încet, în funcție de gravitatea propriilor păcate. Cei puternici în spirit îi ajută pe cei care au nevoie de ajutor să se ridice.

Fețele celor care trebuie să coboare pentru a fi curățați sunt pline de groază. Anticipând chinurile groaznice, păcătoșii nu vor să meargă în iad. Dar forțele menite să susțină justiția îi împing acolo unde ar trebui să fie oamenii care au provocat suferință. Iar diavolii ii trag catre Minos, care, cu coada infasurata in jurul trupului, indica cercul iadului, in care sa coboare pacatosul. (Artistul i-a oferit judecătorului sufletelor moarte trăsăturile feței maestrului de ceremonii, papa Biagio da Cesena, care se plângea adesea de goliciunea figurilor înfățișate. Urechile sale de măgar sunt un simbol al ignoranței.) Și alături se află o barjă condusă de cărăuşul Charon. Cu o singură mișcare, el ia suflete păcătoase. Disperarea și furia lor sunt transmise cu o forță extraordinară. În stânga șlepului se deschide un abis infernal - există intrarea în purgatoriu, unde demonii așteaptă noi păcătoși. Se pare că se aud țipete de groază și scrâșnirea dinților nefericiților.

Deasupra, în afara ciclului puternic, deasupra sufletelor care așteaptă mântuirea, îngerii fără aripi plutesc cu simboluri ale suferinței Mântuitorului însuși. În dreapta sus, ființe frumoase și tinere poartă atributele mântuirii păcătoșilor. (Smirnova I.A. Pictura monumentală a Renașterii italiene. M.: Arte plastice, 1987)

Concluzie

În acest eseu, fresca lui Michelangelo „Judecata de Apoi” a fost considerată în comparație cu icoana „Judecata de Apoi” (1580). Atât icoana, cât și fresca sunt scrise pe aceeași parcelă - a doua venire a lui Hristos și teribila judecată asupra păcatelor omenirii. Ele au o compoziție asemănătoare: Hristos este înfățișat în centru, iar apostolii sunt așezați pe mâna stângă și dreaptă. Dumnezeu este deasupra lor. Sub Hristos sunt păcătoși cărora li s-a promis iadul. Ambele imagini sunt în perspectivă inversă. Dar, în același timp, în icoană sunt folosite culori mai puțin strălucitoare decât în ​​fresca lui Michelangelo. Există multe imagini simbolice în icoană (o palmă cu un prunc - „suflete drepte în mâna lui Dumnezeu”, iar aici, cântare - adică „o măsură a faptelor umane”).

În vremurile moderne, crearea acestor lucrări a fost populară în rândul oamenilor cu vederi eshatologice, așa că aceste imagini și-au justificat scopul nu de a speria omenirea, ci de a le transmite ideea de a trăi o viață dreaptă, similară vieții pământești fără păcat a lui. Iisus Hristos.

Lista literaturii folosite

1. Sala D. Dicționar de ploturi și simboluri în art. M, 1996

2. „Despre limba icoanei ortodoxe”. Arhimandritul Rafael (Karelin) 1997

3. Smirnova I.A. Pictură monumentală a Renașterii italiene. M.: Arte vizuale, 1987

4. Buslaev F.I. Imagini ale Judecății de Apoi după originale rusești // Buslaev F.I. Lucrări. T. 2. Sankt Petersburg, 1910.

5. Alekseev S. Adevărul vizibil. Enciclopedia icoanelor ortodoxe. 2003

Găzduit pe Allbest.ru

Documente similare

Intriga Judecății de Apoi. Informații generale despre diferențele dintre un tablou și o icoană. Compoziția frescei de altar a Capelei Sixtine de Michelangelo Buonarroti „Judecata de Apoi”. Caracteristicile pictogramei Judecata de Apoi. Pe perspectiva înainte și înapoi. Chiaroscurul și simbolismul culorilor.

rezumat, adăugat 18.03.2012


O analiză a artei și umanismului la Florența în vremea lui Lorenzo Magnificul. Biografia și opera lui Michelangelo Buonarroti. Structura psihologică a personalității și ideile maestrului, trăsături de caracter sculpturile și picturile sale. Pictură în Capela Sixtină din Vatican.

teză, adăugată 12.10.2017


Studiul trăsăturilor operei lui Michelangelo Buonarroti - sculptor, pictor, arhitect, poet italian. Trăsături distinctive ale artei Înaltei Renașteri. David. Fresca faimoasa din pictura Sixtina de Michelangelo - Creatia lui Adam.

prezentare, adaugat 24.10.2014


scurtă biografie Michelangelo Buonarotti - marele sculptor și artist. Realizările sale creative: sculpturi ale lui Vakhk și Piet, imaginea din marmură a lui David, frescele „Bătălia de la Kashin” și „Bătălia de la Anghiar”. Istoria picturii din Capela Sixtină.

prezentare, adaugat 21.12.2010


Biografia, aspectul și caracterul lui Michelangelo Buonarroti (1475-1564) - marele arhitect de geniu al Renașterii în Italia, precum și o descriere a lucrărilor timpurii și târzii, finalizate și neterminate. O analiză a relației dintre Michelangelo și Vittoria Colonna.

rezumat, adăugat 14.11.2010


Cultura popoarelor indigene din Italia și a statelor sale predecesoare. Perioade ale istoriei culturii italiene. Opera lui Leonardo da Vinci. Imaginea unei tinere Florentine Mona Lisa. Pictură de tavan în Capela Sixtină din Vatican de Michelangelo.

prezentare, adaugat 14.01.2014


Principalele evenimente din biografia lui Michelangelo Buonarroti - sculptor, pictor, arhitect și poet italian. Expresia creativă a idealurilor Înaltei Renașteri și sentimentul tragic al crizei viziunii umaniste asupra lumii în perioada Renașterii târzii.

rezumat, adăugat 11.12.2011


Studiu al istoriei construcției Capelei Sixtine - fosta biserică de casă din Vatican. Descrieri ale sălii cu boltă ovală, scene din Cartea Genezei, situată de la altar până la intrare. Conclave ținute în Capelă. Un ciclu de fresce de Michelangelo care împodobeau tavanul.

prezentare, adaugat 23.04.2013


Atmosfera spirituală și morală a Italiei XIV-XVI. Analiza formării operei lui Buonarroti și reflectarea acesteia în societate modernă. Structura psihologică a ideilor lui Michelangelo. Analiza relației geniului cu puterea. Capodopere ale tăietorului și pensulei. moștenire poetică.

teză, adăugată 29.04.2017


Analiză creativitatea artistică Leonardo da Vinci în lucrările oamenilor de știință ruși. Informații biografice despre titanul Renașterii. Compoziția și complotul frescei „Cina cea de Taină”. Contribuția marelui artist și om de știință la dezvoltarea culturii, științei și tehnologiei mondiale.

Ministerul Educației al Federației Ruse Universitatea Tehnică de Stat Kuzbass Departamentul de Istorie Națională

ANALIZA OPERĂRILOR DE ARTĂ (grafică, pictură, sculptură, arhitectură)

Orientări pentru seminarii pentru studenții cu normă întreagă și cu frecvență redusă la disciplina „Cultură și artă mondială” pentru studenții specialității

230500 „Servicii socio-culturale și turism”

Întocmit de V.L. Adevar Aprobat in sedinta sectiei Procesul-verbal nr.8 din data de 05.04.01

O copie electronică se află în biblioteca clădirii principale a KuzGTU

Kemerovo 2001

Explicații metodice

Cursul „Cultură și artă mondială” se concentrează pe pictură, grafică, sculptură și arhitectură. Prin ele se manifestă cel mai clar trăsăturile stilurilor din diferite epoci. Înțelegând estetica epocii, conținutul său artistic este dezvăluit prin înțelegerea monumentelor de artă, înțelegerea trăsăturilor, frumuseții și imaginilor lor.

Tehnica oferă un algoritm scurt, o secvență de analiză exemplară a lucrărilor grafice, picturi, arhitectură și sculptură.

Cu toată schița inevitabil și laconismul extrem, îi va ajuta pe studenți să evalueze în mod independent meritele monumentelor culturale. Introduce terminologia cercului artei.

A aprecia operele de artă nu înseamnă doar a enumera toate elementele expresivității sale, este și necesar să conectezi sentimentul, să intri în contact emoțional cu imaginea artistică.

Secvența analizei este exemplară. Poate fi schimbat. Schemele propuse necesită o abordare creativă. Ele sunt doar materiale auxiliare pentru compilarea unei povești emoționale pline de viață despre o anumită operă de artă.

Analiza unei opere de artă grafică

Elemente		Note
vitalitate
1. Definiție	Tipul graficului considerat	Adesea în titlul de
tip de grafică	lucrări: un desen sau un tip de grafică tipărită	produs fizic
	fiki (gravură în lemn, gravură pe cupru, gravură, litografie și	este indicat tipul graficului
	etc.). Acest lucru face posibilă evaluarea caracteristicilor	ki: „Desen
	referință: natura liniei (este diferită pentru diferite specii	„Gravară”, „Litografie”
	gravuri), clarobscur (poate fi mai mult sau mai puțin con-
	încredere, în funcție de tehnică), etc.
2. Analiza componentelor	Analiza compoziției este o evaluare a generalului		"compoziție"
	construirea unui desen, o idee figurativ-plastică: de ce	(lat.) înseamnă a compila
	tocmai așa, la o asemenea scară, se întoarce, dintr-un asemenea punct	nie, obligatoriu.
	din vedere, artistul a descris o figură, un grup de oameni,
	meta, etc.
3. Analiza tehnicii
		este
	imagine: spot (desen tonal), stroke (desen linie)	tehnic
	sunok). Linie (desen linie). Fie folosit	grafic
		Denia. Aici
		caracteriza
		scrierea de mână vizuală

3. Analiza tehnicii	O analiză a tehnicii de desen ar trebui să determine care
	grafica este folosită pentru a crea	este
	imagine: spot (model de ton), contur (linie	tehnic
	desen). Linie (desen linie). Fie folosit	grafic
	toate cele trei grafice. De asemenea, evaluează
	stil de desen: apropiat de academic, detaliat,	caracteriza
	naturalist, sau liber, generalizat, ascuțit.	vizual
	Întreaga sarcină constă în selectarea corectă, corespunzătoare
	modul de executare a definiţiilor şi epitetelor.
	Evaluarea se concentrează pe analiza naturii liniei.	Pentru a evalua caracterul-
	arta operei grafice. Imaginea lui	liniile ra trebuie selectate
	dat de o linie (contur, spot), expresivitatea acesteia,		definiții.
	grația sa, ritmul. Simțiți caracterul liniei, ei	De exemplu: grațios, lo-
	fuziune cu imaginea, transmiteți-o în cuvinte, faceți principalul	manaya, nervos, nepoliticos
	lucru la analiza unei opere grafice. Următorul-	tai, etc.
	duet acordă atenție și ritmului replicilor. (Vezi ritmul în
	compoziții, p. 5).

Analiza unei opere de artă picturale

expuse					Note
1. Definiție	Inițial, întrebarea cum să				Definiția genului sub-
	căruia dintre genurile existente în pictură îi aparţine				va spune o parte importantă
	analizat pitoresc	muncă		artă	ness: la ce valoare exactă
	(istoric, mitologic, gospodăresc, luptă				ronul subiectului și spiritelor-
	portret, peisaj, natură moartă). La analiza portretului,				interesul lumii este atras
	utilizați tehnici de analiză a bustului (pag. 8 din această metodă)
	Analiza parcelei necesită capacitatea de a înțelege conținutul și				Adesea intriga imaginii
	sensul evenimentelor descrise de artist. Fiind-				se dezvăluie
	și pictura fără plot: pictura neobiectivă.
	Este evaluat în termeni precum tensiunea, di-
	dinamică, armonie, contrast,		și necesită special
	metode de analiză. Pictura non-obiectivă își construiește propria
	figurativitatea exclusiv
	ritmurile lor, ca pe elementele principale de expresivitate
	limbaj pitoresc. Un exemplu de pictură non-obiectivă
	si este abstractionism, suprematism.

	Dezvăluirea unei imagini artistice este o evaluare a
	izbitor, autenticitate, putere în reflectarea alesului
	noah de către artistul tematic. Astfel, mulți artiști apelează la
	s-a repezit la tema trezirii naturii, dar rar
	tera s-a ridicat la o asemenea înălțime ca Savrasov în
	care acoperă tema primăverii („Rooks have sosit”).
4. Analiza componentelor	Compoziția în pictură este analizată în același mod ca	Ceea ce se spune, desigur, nu este
	în diagramă (vezi p. 2). Compoziția afectează în mod activ reproducerea	evacuari		a tuturor fiintelor
	acceptarea lucrărilor.		principii pentru
	Deci, compoziția poate fi subliniată teatral	structura compoziţiei, dar
	Noe, construit după principiul scenei. Sau poate	Cred că va permite orientarea
	produce un sentiment de aleatoriu. Analizând com-	cutreieră în evaluarea ei.
	poziție, se poate ajunge la concluzia despre armonia sa
	structura, echilibrul tuturor părților sau acut
	dinamism.
	Dacă compoziția este formată din drepte orizontale			știu despre psiho
in compozitie	linii tale sau ușor înclinate, create	logic		impact
	impresia de mișcare calmă sau măsurată. Soche-	verticale		linii de contur.
	desenând unghiuri verticale ascuțite sau linii rotunjite	Predominanța liniilor de contur
	dă dinamism schemei compoziţionale. Diago-	calmează sau chiar
	construcția natală ajută să simțiți mai bine viteza,	construieste		melancolic
	presiune, mișcare. Pictorul folosește adesea	modul cer, suprimă. verti-
	construcție circulară apelabilă, care vă permite să apelați	potasiu activ, insufla op-
	aranjați un număr mare într-o anumită ordine	timism, veselie, dispoziție
	al oamenilor. Ar trebui să prinzi ritmul compoziției, vezi	vayut de bucurie, ridicare.
	schema de baza.

	Culoarea este „sufletul” picturii, cere mai ales
Colorat - organic-	analiză atentă și detaliată.
	Atunci când se analizează sistemul de culori, se determină care	Sistemul local de
zarea culorii pe	sistemul de culori stă la baza sistemului de culori al hărții	rita este istoric mai devreme
	nămoluri: culoare locală sau tonal. În local	nya. Folosit pe scară largă în
	gama de culori, culoarea este separată de condițiile de iluminare	pictura decorativa.
	schennosti, nu există joc de nuanțe. Culoarea tonală este stro-
	se bazează pe un raport complex de culoare, nuanțele sale; in spate-
	în funcție de iluminare, depărtare, umbre, strălucire
coloristic	Când se analizează gama de culori, aceasta este estimată	Trebuie acordată atenție
	priceperea artistului în alegerea culorilor, capacitatea de a combina	în ritmul petelor de culoare.
	tat nuantele lor. Artistul nu doar înzestrează subiectul		artist
	tu cu culoare, el construiește o compoziție de culoare, unde	evidențiați unul sau altul
	domină anumite culori și nuanțele lor. Da, du-te-	guru, chip etc.
	ei vorbesc despre argintiu-gri-verde, violet - liliac
	- roz etc. gamă de culori.
	Culorile pot excita și pot calma, irita
Starea de spirit, creată	si potoli. Alocați cald (roșu, portocaliu-
	vyy, auriu și nuanțele lor) și rece (violet-
dat de culoare	vyy, albastru, verde și nuanțele lor) scară de culori. Acestea-	culoarea este activa, este in poza
	culorile plate sunt active, entuziasmează, distrează, dar pot și	vine înainte, atrage
	deranja. Frig - calmează, calmează,	nicio atentie. Rece
	uneori trist. În spatele schemei de culori a imaginii se află	culoarea dispare
	încă o anumită stare de spirit, pe care artistul a creat-o	adâncime. Dispoziție pricepută
	dă culoare. Încercați să prindeți și să-l transmiteți...	cald și rece

	structura în timpul analizei structurii de culoare a imaginii. Culoare		tonuri artistul construiește ceva
	îşi atinge expresivitatea atunci când se organizează		perspectiva vizuală.
	coborâtă și intensitatea acesteia corespunde intensității
	intensitatea sentimentelor umane.
6.Tehnica frotiu	Natura frotiului poate adăuga suplimentar		Frotiurile pot fi groase
	frapant, va adăuga efecte artistice picturii		orz, opac - trece-
	efecte. Artistul poate masca, poate repara		tonic și lichid - mai mic-
	„întinderea” unui frotiu sau, dimpotrivă, a expune, suprapune-			Lucrează pastă
	vopsea wai cu cheaguri de culoare separate, mai mult		loviturile fac textura vieții
	trandafiri. Analiza tehnicii frotiului vă permite să identificați suplimentar		pânză
	expresia completă a imaginii picturale.		viu, în relief.
7. Dezvăluire	În spatele analizei anumitor elemente expresive		Dezvăluind generalul
design general	pictura nu ar trebui să piardă cel mai important lucru, ce				ultimul
artist	patosul analitic este trimis:	dezvăluirea intenției			figurativ
	artist. Înțelegerea stării de spirit	l-a îndemnat	construirea imaginilor.
	apuca o perie.
	Dezvoltarea picturii europene a decurs ca
	vilo, în cadrul unui anumit stil sau direcție.
	Schimbarea stilurilor a mărturisit o schimbare în domeniul artistic
	principii, criterii, gusturi. Cel mai strălucitor din ev-
	Pictura europeană a manifestat astfel de stiluri ca
	clasicism, baroc, romantism, realism etc. Lege-
	analizei i se va da o evaluare a imaginii din punct de vedere
	stil.

Analiza sculpturii

	Compozit		Notă
	1. Definiție	Sarcina de a determina tipul de sculptură (rotunda		- sculptură pe
	un fel de sculptură	sculptura-statuie, bust, grup sculptural: reli-	avioane. statuie, bust,
		ef - basorelief, înalt relief) nu este în niciun fel	grup sculptural – diverse
		complex. Cu toate acestea, unul sau altul tip de sculptură necesită	vizibilitate		sculptură-
		va adopta o abordare diferită. Analiza statuii va diferi
		Xia din analiza bustului, grupului sculptural etc.
		Atunci când se analizează o statuie, aceasta este în primul rând evaluată			saturate
		expresivitatea plasticității, semantică și emoțională a acesteia
		saturație finală. Un element important de exprimat	acest lucru ar trebui abordat
		piedestalul este valoarea principală, armonia	atentie la orice detalii:
		nesemnificația îmbinării sale cu statuia. Hainele pot	ce ține, pe ce se sprijină
		subliniază monumentalitatea imaginii sau dinamica	statuie etc.
		mistica plasticităţii sale. Ar trebui să se concentreze
		tot pe fata statuii (vezi bustul).

	Tehnicile de analiză a bustului gravitează spre metodele de analiză
	Lisa portretului în general, i.e. care vizează identificarea
	psihologia internă a caracterului, exprimată în
	plasticitatea feței, expresiile faciale. Trebuie să acorde atenție
	atenție generalizată sau acut individuală
	caracterizarea imaginii, natura caracteristicilor de modelare
	tsa: clar, detaliat, slab sau moale, este pro-
sculptural	Evaluarea expresivității grupului sculptural	Exemple de sculptură de succes
	asociat cu analiza integrității imaginii plastice,	grupul de tur este destul de mare
	compus din mai multe figuri. Dacă este imposibil	iată, dar pentru ei, desigur,
	ci pentru a separa o figură de alta fără a încălca	poate fi atribuită „Muncului şi
	unitate plastică – deci avem un exemplu	Femeia de la fermă colectivă" Mukhina, "Plăcintă-
	grup sculptural executat cu succes. La	tu” de Michelangelo.
	acesta este adesea fiecare dintre personajele sculpturale
	grupul „își joacă rolul”, exprimându-și în felul său
	sentimente și experiențe.
	Relieful este adesea un complot, sugerează o poveste	Adesea sub formă de relief mo-
	pe o anumită temă. El este cu mai multe fațete. Analiza acesteia	se poate face si un portret.
	presupune caracterizarea personajelor individuale,	Tehnici de analiză a unei astfel de relații
	exprimată în posturi și gesturi. Relief realizat în	efa gravita spre bust.
	stil monumental, desigur, mai saturat
	idei și simboluri decât complot.

ANALIZA LUCRĂRILOR

ARTE VIZUALE

Anzhero - Sudzhensk

DEPARTAMENTUL DE EDUCAȚIE ȘI ȘTIINȚĂ AL REGIUNII KEMEROVSK

GOU SPO ANZHERO - COLEGIUL PEDAGOGIC SUDZHENSKY

ANALIZA LUCRĂRILOR

ARTE VIZUALE

Consiliul GOU SPO Anzhero -

„____” ____________ 2009

Președinte RIS

Referent:

predare

GOU SPO Anzhero - Colegiul Pedagogic din Sudzhensk.

Analiza operelor de artă plastică: linii directoare. - Anzhero - Sudzhensk: GOU SPO Anzhero - Colegiul Pedagogic Sudzhensk, 2009 - p.

In acest dezvoltare metodologică sunt abordate aspecte legate de analiza operelor de artă plastică.

Avantajele sale includ prezența unei aplicații care conține planuri și algoritmi pentru analiza operelor de artă plastică.

© GOU SPO Anzhero-Sudzhensky

Colegiul de Educație

	Introducere ………………………………………………………………………..
	Fundamente metodologice analiza operelor de artă plastică…………………………………………..
	Literatura …………………………………………………………..
	Aplicație …………………………………………………………

INTRODUCERE

Cum privim lumea

Înainte de a vorbi despre analiza operelor de artă plastică, să ne gândim de ce sunt numite și vizuale și pentru ce sunt, de fapt, destinate. „Să mângâie privirea, pentru ochi!” – vei spune și vei avea dreptate, deși dacă vorbim despre arhitectură și design, atunci pot mângâia nu doar aspectul, ci și corpul. Artele vizuale sunt axate pe percepția vizuală. Să explorăm această capacitate a noastră de a vedea.

Deci, o persoană obișnuită privește cu doi ochi, în fiecare ochi există un centru optic - un punct din care imaginea obiectelor din jur este văzută cel mai clar. Aceasta înseamnă că dispozitivul viziunii noastre are două focusuri. Să facem un experiment: luați o foaie de hârtie, faceți o gaură mică în ea și încercați-o de la distanță mâna întinsă priviți prin această gaură într-un punct îndepărtat de pe perete (de exemplu, un comutator). Fără a ne mișca mâinile, vom închide alternativ fie ochiul drept, fie ochiul stâng - imaginea comutatorului din orificiu fie va dispărea, fie va reapărea. Ce ar însemna asta?

În aparatul vizual uman, funcționează o singură focalizare - fie ochiul drept, fie ochiul stâng (în funcție de ochiul care conduce: dacă imaginea dispare când ochiul drept este închis, atunci este cel principal, iar dacă cel stâng, atunci ochiul stâng principal). Un ochi vede „pe bune”, iar celălalt îndeplinește o funcție auxiliară - „peeps”, ajută creierul să completeze imaginea în ansamblu.

Privește cu atenție interlocutorul în timp ce conversație generală. Vederea ta îi fixează ochiul drept (pentru tine va fi în stânga) și îl vezi clar doar pe el. Restul imaginii interlocutorului se estompează treptat de la centru (de la ochiul drept) spre periferie. Ce înseamnă? Lentila ochiului nostru - cristalinul - este dispusă sub forma unei sfere. Iar imaginea din jurul marginilor va fi întotdeauna neclară - subiectul este reflectat clar doar într-un singur punct de focalizare. Cu cât este mai departe de focalizare, cu atât imaginea este mai neclară.

Este clar că cu astfel de „posibilități mizerabile” de vedere, spațiul, forma obiectelor și chiar culorile sunt distorsionate în mod natural. Paradoxul este că majoritatea obiectelor pe care nu le vedem atât de mult decât le gândim, complet neconștienți de mecanismele viziunii noastre. Și din moment ce viziunea noastră este formată imperceptibil în spațiul cultural al societății (și în ultimii șase sute de ani această pregătire a avut loc mai ales în perspectivele liniare directe ale clasicilor), nici nu ne gândim la lucruri atât de simple care ajung la mintea fiziologilor sau artiștilor. Și încă credem că limita realismului imaginii se află în lucrările Rătăcitorilor, și nu în pictura lui Cezanne.

Ajungem deci la subiectul analizei operelor de artă plastică. Există două moduri de a percepe artele frumoase: unul prin inimă, celălalt prin minte. Aceasta este baza metodologică pentru înțelegerea oricărei arte.

BAZELE METODOLOGICE PENTRU ANALIZA LUCRĂRILOR DE ARTĂ FAZĂ

Cei care se confruntă pentru prima dată cu analiza oricărei opere de artă au aproape imediat întrebări firești: „Este cu adevărat necesară analiza în artă? Nu ucide percepția vie, directă, emoțională a artei? Necesar dacă este făcut corect.

Analiza clară nu interferează cu arta emoțională, dar ajută la dezvăluirea unor noi aspecte ale operei, arătând înțeles adânc. Pentru a face acest lucru, analiza nu trebuie să se oprească la o simplă afirmație a prezenței unui obiect sau personaj pe pânză, la repovestirea intrigii, ci să meargă mai departe (sau mai adânc) la sensul imaginii.

Dar sensul este exprimat prin forma exterioară. Nu ni se dă direct un sens în lucrare, ci doar o anumită formă. Și trebuie să o „citim”, să vedem sensul din spatele lui. Mai mult, artistul construiește forma lucrărilor astfel încât să exprime mai bine sensul de care are nevoie.

Fiecare operă de artă are mai multe niveluri. Acestea sunt nivelurile emoționale, subiectului, intriga, simbolice și nivelul dispozitivului intern (microcircuit) al lucrării.. Percepția noastră despre artă începe cu emoții.

nivel emoțional.

Primul lucru pe care îl „prindem” este structura emoțională a lucrării. Este solemn sau liric, suntem amuzanți sau triști. Dacă munca nu ne-a afectat emoțional, atunci nu va avea loc o analiză ulterioară.! Prin urmare, este foarte util la începutul analizei să încercăm să surprindem acele emoții care se nasc din comunicarea cu lucrarea. Acest lucru este cu atât mai necesar atunci când munca este familiară de mult. La urma urmei, ne-am amintit involuntar acele emoții „vechi” pe care pânza le-a trezit cândva în noi. Dar acum suntem diferiți și, prin urmare, percepția noastră este diferită. Și acum vom avea diferite emoții pentru cei vechi, cu mult timp în urmă lucrare celebră. Și este foarte util pentru elevi la începutul analizei să pună o întrebare despre prima impresie născută din imagine.

Mai mult, această primă impresie trebuie păstrată și menținută în toate modurile posibile pe parcursul analizei. Adesea, această primă impresie emoțională este cea care testează corectitudinea concluziilor analitice. Treptat, în procesul de analiză, se verifică corectitudinea concluziilor analitice. Treptat, în procesul de analiză, începem să vedem cum artistul realizează cutare sau cutare impresie emoțională.

Concluzia analizei ar trebui să fie și ea emoțională. La final, nu este doar util, ci pur și simplu necesar să revenim încă o dată la o impresie emoțională holistică. Abia acum emoția este întărită de cunoașterea sensului.

Exemple de întrebări pentru analizarea unei lucrări la nivel emoțional.

1. Ce impresie face piesa?

3. Ce senzații poate experimenta vizitatorul (arhitectura)?

4. Care este natura lucrării?

5. Cum contribuie amploarea lucrării, formatul, dispunerea verticală, orizontală sau diagonală a pieselor, utilizarea formelor arhitecturale, utilizarea culorilor în tablou și distribuția luminii la impresia emoțională?

Nivel de subiect.

Ea reflectă ceea ce este descris direct. La acest nivel începe imediat analiza. Orice obiect, orice personaj sau fenomen este extrem de semnificativ. Nu există lucruri aleatorii în picturile artiștilor buni. Prin urmare, chiar și o simplă enumerare a ceea ce se află pe pânză deja te pune pe gânduri.

Și aici ne întâlnim adesea cu dificultăți.

Atenția umană este selectivă și pentru o perioadă destul de lungă de timp este posibil să nu observăm niciun detaliu important pe pânză. Da, iar lucrurile istorice se schimbă uneori dincolo de recunoaștere. Sau un costum care în orice epocă spune multe despre o persoană unui contemporan - la urma urmei, aceasta este o întreagă enciclopedie nu numai a vieții externe, ci și a moravurilor, a personajelor, a obiectivelor vieții.

Prin urmare, trebuie să faceți o regulă pentru a începe „să citiți” imaginea cu o clarificare amănunțită pentru dvs. despre sensul și scopul tuturor lucrurilor plasate pe ea. Lumea subiectului imaginii sunt acele cuvinte care alcătuiesc „textul dat nouă”.

Deja la acest nivel, la începutul cunoștinței cu lumea obiectivă picturi, observăm foarte repede că toate obiectele și fețele nu sunt împrăștiate aleatoriu pe pânză, ci formează un fel de unitate. Și începem involuntar să înțelegem această unitate, făcând primul pas spre compunerea imaginii. În cele din urmă îl vom stăpâni chiar la sfârșit. Dar este necesar să începeți imediat să observați caracteristicile individuale. De regulă, este imediat clar că cele mai importante elemente formează forme simple și clare (triunghi, cerc, piramidă, pătrat ...). Aceste forme nu sunt alese de artist în mod arbitrar, ele creează o anumită structură emoțională. Cercul și ovalul calmează, complet. Un pătrat sau un dreptunghi culcat creează un sentiment de stabilitate și inviolabilitate. Piramida și triunghiul oferă privitorului un sentiment de aspirație. În această etapă a analizei, principalul și secundarul din imagine sunt ușor de distins.

Un obiect separat, o culoare separată, o lovitură separată nu face nimic pentru a înțelege sensul. Doar rapoartele lor sunt semnificative. Prin raportul de culori, sunete, teme, obiecte, volume, trebuie să se poată „citi” sensul operei.

Opoziții contrastante, predominanța mișcării sau a repausului pe pânză, raportul dintre fundal și figuri - toate acestea sunt deja remarcate în această etapă a analizei. Aici observăm că transmiterea mișcării este un spațiu diagonal, liber în fața obiectului, imaginea punctului culminant al mișcării, scheme asimetrice; iar transmiterea repausului este absența diagonalelor, spațiu liber în fața obiectului, posturi statice, scheme simetrice. Dar toate acestea sunt doar notate. sens adevărat trăsăturile compoziției vor dobândi pentru noi abia la sfârșitul analizei.

Exemple de întrebări pentru analizarea unei opere de artă la nivel de subiect.

1. Ce (sau cine) este prezentat în imagine?

2. Ce vede vizitatorul când stă în fața fațadei? În interioare?

3. Pe cine vezi în sculptură?

4. Evidențiați principalul lucru din ceea ce ați văzut?

5. Încearcă să explici de ce acesta pare a fi principalul lucru pentru tine.

6. Prin ce mijloace evidențiază artistul, arhitectul principalul lucru?

7. Cum sunt aranjate obiectele în lucrare (compunerea subiectului)?

8. Cum se compară culorile în lucrare (compoziția culorilor)?

9. Cum se compară volumele și spațiile într-o structură arhitecturală?

Nivel de poveste.

Vreau imediat să avertizez împotriva pericolului, avertizând foarte des pe cercetător. Aceasta este dorința de a înlocui complotul prezentat de artist pe pânză cu un complot cunoscut din istorie, mitologie, povești despre artist. La urma urmei, artistul nu doar ilustrează intriga, ci îi oferă o înțelegere, depășind uneori cu mult sfera acestui complot. Altfel, se nasc timbre de istoria artei.

Oamenii se întreabă adesea: toate pânzele au un complot? pe gen sau tablou istoric este în mare parte evident. Și într-un portret, peisaj, natură moartă? Dar pictura abstractă? Totul nu este atât de evident aici. Cuvântul francez „complot” înseamnă nu atât desfășurarea evenimentelor, cât în ​​general „tema” operei sau „rațiunea, rațiunea, motivul”. Iar primul sens al acestui cuvânt este „predispus, subiect”. Astfel, intriga ne apare în fața noastră ca relații cauză-efect construite de artist pe pânză. În istoric sau pictura de gen aceste legături se vor referi la evenimente istorice sau interne. În portret - relația individualității persoanei care este portretizată, ce este, cu cine vrea să apară. În natura moartă - relația dintre lucrurile lăsate de o persoană și persoana însăși „în culise”. Și în pictura abstractă, artistul construiește raportul de linii, pete, culori, figuri. Și un astfel de raport nu este mai puțin semnificativ și condus de complot decât gestul nobilei Surikov Morozova.

Din cele de mai sus rezultă două concluzii.

În primul rând: parcela trebuie construită pe baza realităților unei anumite imagini. " Sensul nu este în însăși cererea fiului risipitor și nu în pocăința în sine, ci în surprinderea pe care o provoacă o asemenea iubire de părinte, o asemenea iertare.».

Și a doua concluzie: într-un fel sau altul, dar nivelul intrigii este mereu prezent pe pânză. Iar ocolirea lui în analiză este pur și simplu irațională. Relațiile cauzale doar construiesc un spațiu și un timp special al imaginii.

Nivelul intrigii clarifică și caracteristici compoziționale pânze. Facem distincție între o imagine-o poveste și o imagine-spectacol, vorbim despre pictorialitate și expresivitate pe pânză. Aici este determinat genul operei.

Și devine imediat clar că nu toate persoanele, obiectele, fenomenele apar în imagine în același sens ca și în viață. Unele dintre ele sunt înzestrate cu o semnificație simbolică aparte în cultura care a crescut artistul. Alții au dat semnificația simbolurilor polisemantice autorului însuși. Deci trecem la următorul nivel - simbolic.

Exemple de întrebări pentru analiza lucrării la nivel de parcelă.

1. Încercați să spuneți complotul imaginii.

2. Încercați să vă imaginați ce evenimente se pot întâmpla mai des în această lucrare de arhitectură.

3. Ce poate face (sau spune) această sculptură dacă prinde viață?

nivel simbolic.

La nivel simbolic, se pare că ne întoarcem la conținutul subiect al imaginii, dar la un alt nivel calitativ. Obiectele din natura moartă încep brusc să aibă sens. Ceas este timpul care trece scoici goale- viață muritor goală, resturile unei mese- rupt brusc drumul vietii.

Mai mult, fiecare formă este regândită.

compoziție circulară este un simbol al eternității. pătrat (cub)- acesta este un simbol al pământului, existenței pământești sustenabile. Vedem că un artist construiește o pânză, rupând-o în bucăți de la stânga la dreapta. Și apoi valorile pozitive apar în partea dreaptă, iar cele negative în stânga. Mișcarea ochiului de la stânga la dreapta ne face să vedem începutul evenimentului în jumătatea stângă, iar rezultatul acestuia în jumătatea dreaptă.

Un alt artist va evidenția diviziunea verticală a picturii. Și apoi intră în vigoare ideile noastre despre partea de sus și de jos în lumea din jurul nostru. Un orizont înalt, jos sau mijlociu, „greutatea culorii” din partea de sus sau de jos a pânzei, saturația uneia sau alteia cu figuri, deschiderea spațiului - toate acestea devin subiect de analiză la nivel simbolic.

Nu trebuie să uităm că compoziția foarte verticală sau orizontală a imaginii este, de asemenea, un simbol semnificativ. Construcțiile iconografice se desfășoară pe verticală, iar picturile New Age sunt aproape toate orizontale.

Și deși imaginea este aranjamentul avionului, artiștii se străduiesc în mod constant să stăpânească adâncimea spațiului. Adâncimea spațiului se poate desfășura căi diferite. Și fiecare dintre ele este simbolică. Obiectele din apropiere le ascund pe cele îndepărtate. Adâncimea spațiului este „desenată” datorită planului podelei, pământului - fundul capătă semnificația principală, liniștitoare, în imagine. Adâncimea este construită cu ajutorul structurilor arhitecturale. Și arhitectura începe să influențeze în mod activ personajele - să le ridice sau să le apese în jos, să le ascundă sau să le expună.

La acest nivel de analiză mare importanță dobândiți culoare și lumină în imagine.

Se știe că culorile din Lumea Antică și din Evul Mediu erau clar atașate modului corespunzător, fiind simboluri strălucitoare. Și întrucât într-o lucrare de pictură culoarea este principalul mijloc de construire a lumii picturale, artiștii nici măcar New Age nu evită această influență simbolică. Lumina și întunericul au fost întotdeauna pentru o persoană, nu doar condiții viata reala. Dar și opoziții simbolice ale exteriorului și internului: o față strălucitoare și iluminare interioară; pictură întunecată și mod de viață dur. Deci, sistemul grandios al lumii acestei pânze este încorporat treptat.

Exemple de întrebări pentru analiza operei la nivel simbolic.

1. Există obiecte în lucrare care simbolizează ceva?

2. Compoziția lucrării și elementele sale principale au caracter simbolic: orizontală, verticală, diagonală, cerc, culoare, cub, cupolă, arc, boltă, turlă, turn, gest, poză, îmbrăcăminte, ritm, tenor etc. .?

3. Care este titlul lucrării? Cum se raportează la intriga și simbolismul său?

Apoi, ne ridicăm la un nou nivel de înțelegere a imaginii. Aici, aspectele individuale ale analizei trebuie să fie combinate pentru noi într-o singură lume a acestei lucrări.. Pe aceasta etapa finală a analizei nu ar trebui să rămână un singur detaliu în imagine, căzând într-un fel sau altul din întreg. Aici trebuie să vorbim din nou de integritate. Și această integritate este înțeleasă mai des nu logic, ci emoțional. „Ce minunat și înțelept!” - admirația ar trebui să vină la noi ca urmare a unei analize atente. Încercați să mutați mental figurile în acest format, să le stingeți pe unele și să evidențiați altele și veți vedea că acest lucru afectează nu numai expresivitatea, ci și însuși sensul imaginii. În această etapă, imaginea devine „a sa”.

Dar acesta este un sistem ideal de analiză. În realitate, ceva nu merge, undeva nu ne gândim, cândva nu avem timp să simțim cum trebuie. Dar măcar o dată pentru a le arăta studenților întregul proces de analiză, pentru a-i conduce prin înțelegere, pur și simplu trebuie.

În fiecare lucrare specifică, putem izola un nivel și putem lucra cu studenții la el. Mai mult, orice operă de artă își permite existența complet independentă la fiecare dintre aceste niveluri. Mai mult, într-o lucrare se distinge clar nivelul intrigii, în cealaltă - simbolic.

Pentru a dezvolta abilitățile de analiză, este util să folosiți tehnici private:

Ú o descriere simplă a imaginii, adică a ceea ce este de fapt descris în ea. Astfel de descrieri sunt extrem de utile în focalizarea atenției asupra unei pânze date, în intrarea în lumea imaginii;

Ú restrânge conținutul. Aici profesorul cere pur și simplu să repovesti imaginea, dar de fiecare dată scurtându-și povestea. În final, povestea se reduce la câteva fraze răutăcioase, în care rămâne doar cel mai important lucru;

Ú construirea ierarhiilor. Aici profesorul, împreună cu elevii, încearcă să coreleze valorile propuse de artist, pentru a răspunde la întrebarea: „Ce este mai important?” - aceasta tehnica este utila la toate nivelurile;

Ú crearea unui „câmp” de analiză. Adesea „descoperirea” sensului este ajutată de vreun fapt nesemnificativ al biografiei artistului sau de un fapt al unei culturi date. Ne atrage atenția către un alt plan. Lasă gândurile noastre să urmeze o altă cale. De aceea este necesar să se acumuleze fapte. Și, după cum arată practica, cu cât o trăsătură de personalitate sau un eveniment ni se pare mai neobișnuit, cu atât conține mai mult creativ pentru noi;

Ú empatie contemplativă și motrică (empatie). Aceasta este deja o tehnică de actorie - o încercare de a te imagina pe tine însuți în lumea imaginii, de a încerca să ia ipostaze actori, își pun expresia fețelor, merg pe potecile peisajului. Sunt multe descoperiri pe parcurs. La această tehnică se recurge adesea atunci când analiza, dintr-un motiv oarecare, a ajuns într-o fundătură.

Este clar că formele de analiză pot fi diferite. Acestea sunt întrebări separate într-o lecție obișnuită, care îi învață pe copii să se simtă ca cineva, să-și imagineze ceva; scufundă-te într-unul sau altul mediu. Acestea sunt și întrebări de comparație. Acestea sunt exerciții de atenție (ce vezi?). Acestea sunt simple construcții logice despre o anumită lucrare.

Anexa 1

PLAN DE ANALIZĂ PICTURA

1. Nume.

2. Aparținerea unei epoci culturale și istorice, stil.

4. Istoria creației operei.

5. Sensul numelui. Caracteristici ale complotului. aparţinând genului.

6. Compoziție (ce este reprezentat, cum sunt situate elementele imaginii, dinamică, ritm).

7. Mijloace fixe expresivitatea artistică(culoare, linie, clarobscur, textură, mod de a scrie).

8. Impresiile tale personale.

PROBĂ

Tabloul lui Savrașov „Au sosit turgele”. Savrasov a fost un artist uimitor, ale cărui picturi nu te săturați să le priviți. Sunt ușoare și vin într-o varietate de culori. A fost un artist care a revoluționat peisajul rusesc. Spre deosebire de alți artiști, el a descris peisaje rusești simple. Una dintre cele mai faimoase capodopere ale sale este pictura „The Rooks Have Arrived”.

Tabloul a fost pictat la începutul anilor 1860-70. Pe ea, autorul înfățișează primăvara devreme, momentul în care sosesc primele păsări (turnele) și încep să facă cuiburi în copaci.

Am dori să acordăm atenție paletei de culori a imaginii. Savrasov folosește impresia unui peisaj înnorat de primăvară, dar, în același timp, razele soarelui fac peisajul mai însorit. Desigur, un element important al tabloului este biserica. Silueta ei aduce o notă de poezie imaginii unei zile cenușii.

Simțind cum artistul își admiră peisajul alături de noi.

Anexa 2

PLAN DE ANALIZĂ A ARHITECTURII MONUMENTULUI

1. Nume.

2. Locație.

3. Arhitect(i).

4. Atribuirea sarcinilor:

a) cult;

b) secular:

locuințe,

o clădire publică.

5. Din ce este construit. Dacă este posibil, indicați motivul pentru care ați ales acest material special.

6. Caracteristici de design, prin care se poate determina stilul (sau detaliile arhitecturale folosite, planul, dimensiunile etc.).

7. Inferență despre tipul de sarcină, stilul arhitectural sau apartenența oricărei civilizații.

8. Care este atitudinea ta față de monument?. Justificați-vă opinia.

PROBĂ

1. Piramida lui Djoser.

2. Egipt, Saqqara.

3. Arhitectul Imhotep.

4. Clădire de cult - mormânt.

5. Construcție din piatră.

6. Forma unei piramide în trepte cu o cameră de mormânt. Inaltime 60 m, lungime laterala 120 m.

7. Nu există un stil arhitectural, clădirea aparține civilizației Egiptului Antic.

8. …

Anexa 3

PLAN DE ANALIZA SCULPTURII

1. Nume.

2. Sculptor.

3. tip sculptură:

a) în execuție:

1. rotund;

2. Relief:

în profunzime

§ înalt relief.

b) prin programare:

1. cult,

2. secular,

c) prin utilizare:

1. independent,

2. parte a ansamblului arhitectural,

3. parte a decorațiunii arhitecturale a clădirii;

d) după gen:

1.portret:

§ in plina crestere;

2. scena de gen.

4.Materialul din care este realizată lucrarea.

5.Grad de grija si atentie la detalii.

6.Ceea ce i se acordă mai multă atenție (caracteristici):

a) asemănarea

b) decorative

c) afișaj starea interioara uman,

d) o idee.

7.Se conformează canonului, dacă a fost.

8.Loc:

a) fabricație

b) Unde este acum?

9. Stilul, direcția sau perioada de dezvoltare a sculpturii și manifestarea acesteia într-o lucrare dată.

10.Care este atitudinea ta față de monument?. Justificați-vă opinia.

Anexa 4

PROBĂ

1. Nike din Samotracia.

2. Sculptura este necunoscută.

3. tip sculptură:

A) în execuție - rotund,

b) cu programare - cult,

V) prin uz original - parte a ansamblului arhitectural,

G) după gen - un portret al zeiței în plină creștere.

4. Fabricat din marmură.

5. Lucrarea este foarte minuțioasă.

6. Se acordă atenție ideii zborului de neoprit al Victoriei.

7. Nu exista canon.

8. Fabricat în Grecia în secolul al IV-lea. î.Hr e., se află acum la Luvru (Paris, Franța).

9. Statuie din epoca antică elenistică.

10.Îmi place monumentul (nu-mi place) pentru că…

Anexa 5

ALGORITMI PENTRU ANALIZA OPERĂRILOR DE ARTĂ

Algoritm pentru analiza unui tablou.

Condiția principală pentru a lucra la acest algoritm este faptul că numele imaginii nu ar trebui să fie cunoscut de cei care efectuează munca.

1. Cum ai numi acest tablou?

2. Îți place poza sau nu? (Răspunsul trebuie să fie ambiguu.)

3. Povestește despre această imagine pentru ca o persoană care nu o cunoaște să își poată face o idee despre ea.

4. Cum te face să te simți această imagine?

7. Doriți să adăugați sau să modificați ceva în răspunsul dvs. la prima întrebare?

8. Reveniți la răspunsul la a doua întrebare. Evaluarea dumneavoastră a rămas aceeași sau s-a schimbat? De ce apreciați atât de mult această imagine acum?

Algoritm pentru analiza operelor de artă.

2. Aparținerea epocii artistice.

3. Semnificația numelui imaginii.

4. Afilierea genului.

5. Caracteristicile intrigii imaginii. Motive pentru pictură. Căutați un răspuns la întrebarea: și-a transmis autorul intenția privitorului?

6. Caracteristici ale compoziției tabloului.

7. Principalele mijloace ale unei imagini artistice: culoare, desen, textura, clarobscur, stil de scriere.

8. Ce impresie a avut această operă de artă asupra sentimentelor și dispoziției tale?

10. Unde se află această piesă de artă?

Anexa 6

Algoritm pentru analiza unei lucrări de arhitectură.

1. Ce se știe despre istoria creării unei structuri arhitecturale și despre autorul acesteia?

2. Indicați apartenența acestei lucrări la epoca culturală și istorică, stil artistic, direcție.

3. Ce întruchipare a găsit formula lui Vitruvius în această lucrare: putere, utilitate, frumusețe?

4. Indicați spre mijloace artisticeși tehnici de creare a unei imagini arhitecturale (simetrie, ritm, proporții, modelare lumini și umbre și culori, scară), pe sisteme tectonice (post-fascicul, arc-lancet, arc-cupolă).

5. Indicați apartenența la tipul de arhitectură: structuri tridimensionale (publice: rezidențiale, industriale); peisaj (peisaj sau forme mici); planificare urbană.

6. Subliniază legătura dintre aspectul exterior și interior al unei structuri arhitecturale, legătura dintre clădire și relief, natura peisajului.

7. Cum sunt folosite alte tipuri de artă în proiectarea aspectului său arhitectural?

8. Ce impresie a avut lucrarea asupra ta?

9. Ce asocieri evocă imaginea artistică și de ce?

10. Unde este amplasată structura arhitecturală?

Algoritm pentru analiza lucrărilor de sculptură.

1. Istoria creației operei.

3. Aparținerea epocii artistice.

4. Sensul titlului lucrării.

5. Aparținerea tipurilor de sculptură (monumental, memorial, șevalet).

6. Materialul folosit și tehnica de prelucrare a acestuia.

7. Dimensiunile sculpturii (dacă este important de știut).

8. Forma și dimensiunea piedestalului.

9. Unde se află această sculptură?

10. Ce impresie a avut asupra ta această lucrare?

11. Ce asocieri evocă imaginea artistică și de ce?

LITERATURĂ

1. Ageev, V. N. Semiotică [Text] /. - M.: Toată lumea, 2002.

2. Ivlev, S. A. Controlul cunoștințelor elevilor în predarea culturii artistice mondiale [Text] /. - M., 2001.

3. inovatoare modele de învățare în căutări pedagogice străine [Text]. - M: Arena, 1994.

4. Krysko, V. Introducere în etnopsihologie [Text] /V. Krysko. - M., 2000.

5. metodic materiale pe subiectele „muzică”, „MHK”, „Teatru” în context domeniul educațional„Artă” [Text]: Sat, pentru a ajuta profesorul. – M.: Firma MHK, 2001.

6. Oistrakh, O.G. Lume cultura artistică[Text]: materiale pentru profesorul MHC /, . - M., 2001.

7. Pocheptsov, G. G. Semiotica rusă [Text] /. - M .: Refl-Book, K .: „Wakler”, 2001.

8. Solobud, Yu. P. Funcția de formare a textului a unui simbol într-o operă de artă [Text] / // Științe filozofice. - 2002. - Nr. 2. - P.46-55.

ÎNTREBĂRI DE PUNAT CÂND ANALIZAȚI UN PICLOC
Pentru a face abstracție de la percepția cotidiană a intrigii, amintiți-vă că o imagine nu este o fereastră către lume, ci un plan pe care iluzia spațiului poate fi creată prin mijloace picturale. Prin urmare, mai întâi analizați parametrii de bază ai lucrării:

1) Care este dimensiunea tabloului (monumental, șevalet, miniatură?

2) Care este formatul imaginii: un dreptunghi alungit orizontal sau vertical (eventual cu un capăt rotunjit), un pătrat, un cerc (tondo), un oval?

3) În ce tehnică (tempera, ulei, acuarelă etc.) și pe ce bază (lemn, pânză etc.) a fost realizat pictura?

4) De la ce distanță este cel mai bine perceput?

I. Analiza imaginii.

4. Există un complot în imagine? Ce se arată? În ce mediu sunt situate personajele, obiectele reprezentate?

5. Pe baza analizei imaginii, puteți trage o concluzie despre gen. Ce gen: portret, peisaj, natură moartă, nud, viața de zi cu zi, mitologic, religios, istoric, animalistic, îi aparține tabloul?

6. În opinia dumneavoastră, ce sarcină rezolvă artistul – vizuală? expresiv? Care este gradul de convenție sau naturalism al imaginii? Gravitate convenționalitatea spre idealizare sau spre distorsiunea expresivă? De regulă, compoziția imaginii este asociată cu genul.

7) Care sunt componentele compoziției? Care este raportul dintre obiectul imaginii și fundalul/spațiul de pe pânza imaginii?

8) Cât de aproape de planul imaginii sunt obiectele din imagine?

9) Ce unghi de vedere a ales artistul - de sus, de jos, la nivel cu obiectele reprezentate?

10) Cum se determină poziția privitorului - este implicat în interacțiunea cu imaginea reprezentată în imagine sau i se atribuie rolul unui contemplator detașat?
11) Compoziția poate fi numită echilibrată, statică sau dinamică? Dacă există mișcare, cum este direcționată?

12) Cum este construit spațiul pictural (plat, la nesfârșit, stratul spațial este împrejmuit, se creează spațiu adânc)? Cum se realizează iluzia adâncimii spațiale (diferența de dimensiune a figurilor reprezentate, care arată volumul obiectelor sau arhitectura, folosind gradații de culoare)? Compoziția este dezvoltată prin desen.

13) Cât de pronunțat este începutul liniar în imagine?

14) Sunt subliniate sau ascunse contururile care delimitează obiectele individuale? Prin ce mijloace se obține acest efect?

15) În ce măsură este exprimat volumul obiectelor? Ce tehnici creează iluzia volumului?

16) Ce rol joacă lumina în imagine? Cum este (neted, neutru; contrastant, sculptând volum; mistic). Este sursa/direcția de lumină lizibilă?

17) Siluetele figurilor/obiectelor reprezentate sunt lizibile? Cât de expresive și valoroase sunt ele în sine?

18) Cât de detaliată (sau invers generalizată) este imaginea?

19) Se transmite varietatea de texturi ale suprafețelor ilustrate (piele, țesături, metal etc.)? Colorare.

20) Ce rol joacă culoarea în tablou (este subordonată desenului și volumului, sau invers, subordonează desenul însuși și construiește însăși compoziția).

21) Culoarea este doar o colorare a volumului sau ceva mai mult? Este fidel optic sau expresiv?

22) În pictură predomină culorile locale sau culoarea tonală?

23) Se disting marginile petelor de culoare? Coincid ele cu granițele volumelor și ale obiectelor?

24) Artistul operează cu mase mari de culoare sau cu mici lovituri?

25) Cum sunt scrise culorile calde și reci, artistul folosește o combinație de culori complementare? De ce face asta? Cum sunt transferate locurile cele mai iluminate și umbrite?

26) Există strălucire, reflexe? Cum sunt scrise umbrele (surde sau transparente, sunt colorate)?

27) Este posibil să distingem repetări ritmice în utilizarea oricărei culori sau combinații de nuanțe, este posibil să urmăriți dezvoltarea oricărei culori? Există o combinație dominantă de culoare/culoare?

28) Care este textura suprafetei picturale - neteda sau pastoasa? Se disting loviturile individuale? Dacă da, care sunt acestea - vopsea mică sau lungă, lichidă, groasă sau aproape uscată aplicată?

06.08.2013

Vizualizari: 20 779

Principii de analiză a operelor de artă plastică

Principii de bază de analiză și descriere a operelor de artă plastică

Cantitatea aproximativă a ceea ce trebuie să știți este

• –Introducere în studiul disciplinei „Descrierea și analiza unei opere de artă”.

Concepte cheie ale disciplinei: artă, imagine artistică; morfologia artei; tip, gen, gen de artă; forme plastice temporare, sintetice de artă; tectonice și picturale; stilul, „limbajul” artei; semiotică, hermeneutică, text literar; metoda formală, analiză stilistică, iconografie, iconologie; atribuire, cunoscător; evaluare estetică, revizuire, metode cantitative în istoria artei.

• – Teoria estetică a artei: imaginea artistică este o formă universală de artă și gândire artistică; structura unei opere de artă; spațiu și timp în artă, dinamica istorică a formelor de artă; sinteza artelor în procesul istoric şi cultural.
• – Morfologia artei: clasificarea formelor de artă; genul ca categorie a morfologiei artistice.
• – Trăsături specifice artelor plastice ca tipuri: arhitectură, sculptură, grafică, pictură.
• – Semiotica și hermeneutica artei în contextul descrierii și analizei unei opere de artă: limbaje ale artei, abordarea semnelor în studiul artei, opera de artă ca text, înțelegerea hermeneutică a textului.
• – Fundamente metodologice pentru analiza unui text literar: stilistic formal, iconografic, iconologie.

Ca orice știință, teoria istoriei artei are propriile sale metode. Să le numim pe principalele: metoda iconografică, metoda lui Wölfflin, sau metoda analizei stilistice formale, metoda iconologică, metoda hermeneuticii.

Fondatorii metodei iconografice au fost omul de știință rus N.P. Kondakov și francezul E. Mal. Ambii oameni de știință erau angajați în arta Evului Mediu (Kondakov a fost un pictor bizantin, Mal a studiat Evul Mediu occidental). Această metodă se bazează pe „istoria imaginii”, studiul complotului. Sensul și conținutul lucrărilor pot fi înțelese examinând ceea ce este descris. Se poate înțelege vechea icoană rusă doar studiind profund istoria apariției și dezvoltării imaginilor.

Problema nu este ceea ce este descris, ci cum este descris, celebrul om de știință german G. Wölfflin a fost logodit. Wölfflin a intrat în istoria artei ca „formalist”, pentru care înțelegerea artei se reduce la studiul structurii sale formale. El și-a propus să efectueze o analiză formal-stilistică, abordând studiul unei opere de artă ca pe un „fapt obiectiv”, care trebuie înțeles în primul rând din sine.

Metoda iconologică de analiză a unei opere de artă a fost dezvoltată de istoricul și teoreticianul artei american E. Panofsky (1892-1968). Această metodă se bazează pe o abordare „culturologică” a dezvăluirii semnificației unei opere. Pentru a înțelege imaginea, potrivit omului de știință, este necesar nu numai să folosiți metode iconografice și formal-stilistice, creând o sinteză din ele, ci și să vă familiarizați cu tendințele esențiale ale vieții spirituale a unei persoane, de exemplu. viziunea despre lume a epocii și personalitatea, filozofia, religia, situația socială - tot ceea ce se numește „simboluri ale vremurilor”. Aici, criticul de artă necesită cunoștințe vaste în domeniul culturii. Aceasta nu este atât capacitatea de a analiza, cât cerința sintetizării intuiției, pentru că într-o operă de artă, parcă, se sintetizează o întreagă epocă. Astfel, Panofsky a dezvăluit cu brio semnificația unor gravuri ale lui Dürer, lucrări ale lui Tițian și altele.Toate aceste trei metode, cu toate plusurile și minusurile lor, pot fi folosite pentru a înțelege arta clasică.

Este greu de înțeles arta secolului XX. și mai ales a doua jumătate a secolului al XX-lea, arta postmodernismului, care a priori nu este concepută pentru înțelegerea noastră: în ea absența sensului este sensul operei. Arta postmodernismului se bazează pe un principiu de joc total, în care privitorul acționează ca un fel de co-autor al procesului de creare a unei opere. Hermeneutica este înțelegerea prin interpretare. Dar I. Kant a mai spus că orice interpretare este o explicație a ceea ce nu este evident și că se bazează pe un act violent. Da, este. Pentru a înțelege arta contemporană, suntem nevoiți să ne alăturăm acestui „joc fără reguli”, iar teoreticienii artei moderne creează imagini paralele, interpretând ceea ce văd.

Astfel, luând în considerare aceste patru metode de înțelegere a artei, trebuie remarcat că fiecare om de știință care se ocupă de o anumită perioadă din istoria artei încearcă întotdeauna să-și găsească propria abordare pentru a dezvălui sensul și conținutul unei opere. Și aceasta este principala trăsătură a teoriei artei.

• - Studiu factografic al artei. Atribuirea unei opere de artă: atribuire și cunoscător, teoria atribuirii și istoria formării acesteia, principii și metode de lucru de atribuire.

Istoria cunoscătorilor este descrisă în mod viu și în detaliu de către oamenii de știință în artă. V.N. Lazarev (1897-1976) ("Istoria cunoscătorilor"), B.R. ștergător (1888-1967) („Despre problema atribuirii”). La mijlocul secolului al XIX-lea. apare tip nou„cunoscător” de artă, al cărui scop este atribuirea, adică. stabilirea autenticității operei, timpul, locul creației și paternitatea. Cunoscatorul are o memorie si cunostinte fenomenale, un gust impecabil. A văzut multe colecții muzeale și, de regulă, are propria sa metodă de atribuire a unei opere. Rolul principal în dezvoltarea cunoștințelor ca metodă i-a aparținut italianului Giovanni Morelli (1816-1891), care a încercat pentru prima dată să deducă unele regularități în construcția unui tablou, să creeze o „gramatică a limbajului artistic”, care urma să devină (și să devină) baza metodei atribuirii. Morelli a făcut o serie de descoperiri valoroase în istoria artei italiene. Adeptul lui Morelli a fost Bernard Bernson (1865-1959), care a susținut că singura sursă adevărată de judecată este opera în sine. Burnson a trăit mult și viață strălucitoare. V.N. Lazarev, într-o publicație despre istoria cunoscătorilor, a descris cu entuziasm întregul mod creativ om de stiinta. Nu mai puțin interesant în istoria cunoscătorilor este omul de știință german Max Friedlander (1867-1958). Friedlander a considerat că baza metodei de atribuire este prima impresie primită de la opera de artă văzută. Abia atunci se poate trece la analiza științifică, în care cel mai mic detaliu poate conta. El a recunoscut că orice cercetare poate confirma și completa prima impresie sau, dimpotrivă, o poate respinge. Dar nu o va înlocui niciodată. Un cunoscător, potrivit lui Friedländer, trebuie să aibă un fler artistic și o intuiție, care „ca o săgeată de busolă, în ciuda fluctuațiilor, ne arată calea”. În istoria artei autohtone, mulți oameni de știință și lucrători din muzee erau angajați în muncă de atribuire și erau cunoscuți ca cunoscători. B.R. Wipper a distins trei cazuri principale de atribuire: intuitivă, aleatorie, iar al treilea - principala modalitate de atribuire - atunci când cercetătorul abordează stabilirea autorului lucrării folosind diverse metode. Criteriul definitoriu al metodei lui Wipper este textura și ritmul emoțional al picturii. Textura se referă la vopsea, natura accidentului vascular cerebral etc. Ritmul emoțional este dinamica exprimării senzuale și spirituale într-un tablou sau orice altă formă de artă plastică. Capacitatea de a înțelege ritmul și textura este esența unei corecte înțelegeri și apreciere a calității artistice. Astfel, numeroase atribuții și descoperiri făcute de cunoscători, muncitori ai muzeelor, au adus o contribuție incontestabilă la istoria artei: fără descoperirile lor, nu i-am fi recunoscut pe adevărații autori ai lucrărilor, luând falsuri drept originale. Au existat întotdeauna puțini experți adevărați, erau cunoscuți în lumea artei și munca lor era foarte apreciată. Rolul cunoscătorului-expert a crescut mai ales în secolul al XX-lea, când piața de artă, din cauza cererii uriașe de opere de artă plastică, s-a umplut de falsuri. Nici un singur muzeu, colecționar nu va cumpăra o lucrare fără o examinare amănunțită. Dacă primii cunoscători și-au făcut concluziile pe baza cunoștințelor și a percepției subiective, atunci expertul modern se bazează pe datele obiective ale analizei tehnice și tehnologice, și anume: transmiterea cu raze X a imaginii, determinarea compoziției chimice a vopselei, determinarea vechimii pânzei, lemnului, solului. În acest fel, greșelile pot fi evitate. Astfel, deschiderea muzeelor ​​și activitățile cunoscătorilor au avut o mare importanță pentru formarea istoriei artei ca știință umanitară independentă.

• – Evaluarea emoțională și estetică a unei opere de artă. Forme de gen, metode de cercetare a istoriei artei.

Algoritm de analiză primitivă:

Algoritm pentru analiza operelor de artă

1. Sensul titlului picturii.
2. Apartenența la gen.
3. Caracteristicile intrigii imaginii. Motive pentru pictură. Căutați un răspuns la întrebarea: și-a transmis autorul intenția privitorului?
4. Caracteristicile compoziției imaginii.
5. Principalele mijloace de imagine artistică: culoare, desen, textură, clarobscur, stil de scriere.
6. Ce impresie a avut această operă de artă asupra sentimentelor și dispoziției tale?
7. Unde se află această piesă de artă?

Algoritm pentru analiza lucrărilor de arhitectură

1. Ce se știe despre istoria creării unei structuri arhitecturale și despre autorul acesteia?
2. Indicați apartenența acestei lucrări la epoca culturală și istorică, stilul artistic, regia.
3. Ce întruchipare a găsit formula lui Vitruvius în această lucrare: putere, utilitate, frumusețe?
4. Indicați mijloacele și tehnicile artistice de realizare a unei imagini arhitecturale (simetrie, ritm, proporții, modelare de lumini și umbre și culori, scară), sisteme tectonice (post-fascicul, arc-lancet, arc-cupolă).
5. Indicați apartenența la tipul de arhitectură: structuri tridimensionale (publice: rezidențiale, industriale); peisaj (peisaj sau forme mici); planificare urbană.
6. Indicați legătura dintre aspectul exterior și interior al unei structuri arhitecturale, legătura dintre clădire și relief, natura peisajului.
7. Cum sunt folosite alte tipuri de artă în proiectarea aspectului său arhitectural?
8. Ce impresie a avut lucrarea asupra ta?
9. Ce asociații evocă imaginea artistică și de ce?
10. Unde este amplasată arhitectura?

Algoritm pentru analiza lucrărilor de sculptură

1. Istoria creației operei.
2. Despre autor. Ce loc ocupă această lucrare în opera sa?
3. Aparținând epocii artistice.
4. Sensul titlului lucrării.
5. Aparținând tipurilor de sculptură (monumental, memorial, șevalet).
6. Utilizarea materialului și tehnica de prelucrare a acestuia.
7. Dimensiunile sculpturii (dacă este important de știut).
8. Forma și dimensiunea piedestalului.
9. Unde se află această sculptură?
10. Ce impresie a avut asupra ta această lucrare?
11. Ce asociații evocă imaginea artistică și de ce?

Mai mult:

Exemple de întrebări pentru analizarea unei opere de artă

Nivel emoțional:

• Ce impresie face lucrarea?
• Ce stare de spirit încearcă să transmită autorul?
• Ce senzații poate experimenta privitorul?
• Care este natura lucrării?
• Cum contribuie scara, formatul, dispunerea orizontală, verticală sau diagonală a pieselor, utilizarea anumitor forme arhitecturale, utilizarea anumitor culori în tablou și distribuția luminii în monumentul de arhitectură ajută la impresia emoțională a operei?

Nivel de subiect:

• Ce (sau cine) este în imagine?
• Ce vede privitorul când stă în fața fațadei? În interioare?
• Pe cine vezi în sculptură?
• Evidențiați principalul lucru din ceea ce ați văzut.
• Încercați să explicați de ce acesta pare a fi principalul lucru pentru dvs.?
• Prin ce mijloace artistul (arhitect, compozitor) evidențiază principalul lucru?
• Cum sunt aranjate obiectele în lucrare (compunerea subiectului)?
• Cum sunt trasate liniile principale în lucrare (compoziție liniară)?
• Cum se compară volumele și spațiile într-o structură arhitecturală (compoziție arhitecturală)?
• Nivel de poveste:
• Încercați să repovestiți complotul imaginii.
• Încercați să vă imaginați ce evenimente se pot întâmpla mai des în această structură arhitecturală.
• Ce poate face (sau spune) această sculptură dacă prinde viață?

Nivel simbolic:

• Există obiecte în lucrare care simbolizează ceva?
• Compoziția lucrării și elementele sale principale au un caracter simbolic: orizontală, verticală, diagonală, cerc, oval, culoare, cub, cupolă, arc, boltă, perete, turn, turlă, gest, poză, haine, ritm, timbru , etc.?
• Care este titlul lucrării? Cum se raportează la intriga și simbolismul său?
• Ce credeți că a vrut să transmită oamenilor autorul lucrării?

Plan pentru analiza unui tablou

1. 1. Autor, titlul lucrării, timpul și locul creației, istoria ideii și implementarea acesteia. Alegerea modelului.
2. 2. Stil, direcție.
3. 3. Tip de pictură: șevalet, monumental (frescă, tempera, mozaic).
4. 4. Alegerea materialului (pentru pictura de șevalet): vopsele de ulei, acuarelă, guașă, pastel. Caracteristicile utilizării acestui material pentru artist.
5. 5. Genul picturii (portret, peisaj, natură moartă, pictura de istorie, panoramă, dioramă, iconografie, marina, gen mitologic, gen casnic). Caracteristicile genului pentru lucrările artistului.
6. 6. Intreg pitoresc. Conținut simbolic (dacă există).
7. 7. Caracteristicile pitorești ale lucrării:

• culoare;
• ușoară;
• volum;
• planeitatea;
• culoare;
• spațiu artistic (spațiul transformat de artist);
• linia.

9. Impresie personală primită la vizualizarea lucrării.

Specificatii:

• Schema de compozitie si functiile acesteia
  • mărimea
  • format (alungit vertical și orizontal, pătrat, oval, rotund, raport de aspect)
  • modele geometrice
  • liniile principale de compoziție
  • echilibrul, raportul părților imaginii între ele și cu întregul,
  • secvență de vizionare
• Spaţiu și funcțiile sale.
  • Perspectivă, puncte de fugă
  • planeitatea și adâncimea
  • planuri spațiale
  • distanța dintre privitor și operă, locul privitorului în spațiul imaginii sau în afara acesteia
  • punct de vedere și prezența unghiurilor, linia orizontului
• Chiaroscurul, volumul și rolul lor.
  • volum și plan
  • linie, silueta
  • surse de lumină, ora din zi, efecte de lumină
  • impactul emoțional al luminii și umbrei
• Culoarea, culoarea și funcțiile sale
  • predominarea culorii tonale sau locale
  • culori calde sau reci
  • liniaritate sau pitorescitate
  • principalele pete de culoare, relațiile lor și rolul lor în compoziție
  • ton, valery
  • reflexe
  • impactul emoțional al culorii
• Textura suprafeței (Smear).
  • natura loviturii (textură deschisă, textură netedă)
  • orientarea frotiului
  • dimensiunea frotiu
  • geamuri

Descrierea și analiza monumentelor de arhitectură

Tema 1. Limbajul artistic al arhitecturii.

Arhitectura ca formă de artă. Conceptul de „arhitectură artistică”. Imagine artistică în arhitectură. Limbajul artistic al arhitecturii: conceptul de mijloace de exprimare artistică precum linie, plan, spațiu, masă, ritm (aritmie), simetrie (asimetrie). Elemente canonice și simbolice în arhitectură. Conceptul planului clădirii, exterior, interior. Stil în arhitectură.

Tema 2. Principalele tipuri de structuri arhitecturale

Monumente de artă urbană: orașe istorice, părțile lor, locuri de planificare antică; complexe arhitecturale, ansambluri. Monumente de arhitectură rezidențială (moșii de negustori, nobili, țărani, case profitabile etc.) Monumente de arhitectură publică civilă: teatre, biblioteci, spitale, clădiri de învățământ, clădiri administrative, gări etc. Monumente de cult: temple, capele, mănăstiri . Arhitectura de apărare: închisori, turnuri de cetăți etc. Monumente de arhitectură industrială: complexe de fabrici, clădiri, forje etc.

monumente de gradina si parc, arta peisagistica: grădini și parcuri.

Tema 3. Descrierea și analiza unui monument de arhitectură

Planul construcției, materialul de construcție, compoziția volumului exterior. Descrierea fațadei stradale și curții, deschideri pentru uși și ferestre, balcoane, decorațiuni exterioare și interioare. Concluzie despre stil și merit artistic monument de arhitectură, locul său în patrimoniul istoric și arhitectural al orașului, satului, regiunii.

METODE DE ANALIZĂ MONOGRAFICĂ A UNUI MONUMENT DE ARHITECTURA

1. Analiza sistemelor constructive și tectonice presupune:

a) identificarea grafică pe proiecții în perspectivă sau ortogonale ale monumentului a bazei sale constructive (de exemplu, trasarea contururilor bolților și cupolelor cu o linie punctată, „afișarea” structurii interne pe fațadă, un fel de „combinare” a fațadei cu secțiunea, umbrirea suprafețelor pe secțiuni pentru a clarifica structura interiorului etc.)

b) elucidarea gradului de proximitate și interconexiune a elementelor structurale și a formelor arhitecturale tectonice corespunzătoare (de exemplu, selecția arcurilor de circumferință, bolți în secțiuni și definirea, influența lor asupra formelor de zakomars, kokoshniks, arcade cu trei lame). , etc.)

c) întocmirea anumitor scheme tectonice ale unui monument (de exemplu, o diagramă a acoperirii cu iarbă boltită a unei catedrale gotice sau o diagramă „turnată” a spațiului interior al unui templu fără stâlpi - în axonometrie etc.);

2. Analiza proporțiilor și proporțiilor se realizează, de regulă, în proiecții ortogonale și constă din două puncte:

a) căutați rapoarte multiple (de exemplu, 2:3, 4:5 etc.) între principalii parametri dimensionali ai monumentului, ținând cont de faptul că aceste proporții ar putea fi utilizate la un moment dat în timpul construcției pentru a pune deoparte valorile necesare în natură. În același timp, valorile dimensionale (module) care sunt întâlnite în mod repetat în monument ar trebui comparate cu măsurile istorice ale lungimii (picioare, sazhens etc.);

b) căutarea unei legături geometrice mai mult sau mai puțin constantă între dimensiunile principalelor forme și articulații ale monumentului pe baza relațiilor regulate ale elementelor celor mai simple figuri geometrice (pătrat, pătrat dublu, triunghi echilateral etc.) și derivatele lor. Proporțiile relevate nu ar trebui să contrazică logica construirii formelor tectonice ale monumentului și succesiunea evidentă de ridicare a părților sale individuale. Analiza se poate încheia cu legarea dimensiunilor originalului figură geometrică(de exemplu, un pătrat) cu un modul și cu măsuri istorice de lungime.

În exercițiul de antrenament, nu trebuie să ne străduim să identificăm prea multe relații, este mult mai important să acordăm atenție calității proporțiilor și proporțiilor selectate, adică semnificația lor compozițională, legătura lor cu relațiile dimensionale ale principalului tectonic. împărțirea volumelor și posibilitatea utilizării lor în procesul de ridicare a unui monument.

3. Analiza modelelor metro-ritmice poate fi efectuată atât pe desene ortogonale, cât și pe imagini în perspectivă ale monumentului (desene, fotografii, diapozitive etc.). Esența metodei se reduce la sublinierea grafică (prin linie, ton, umbrire sau culoare) pe orice imagine a monumentului de serie metrică și ritmică de forme atât pe verticală, cât și pe orizontală. Rândurile metrice distinse în acest fel (de exemplu, colonade, deschideri de ferestre, cornișe etc.) și rândurile ritmice (de exemplu, niveluri care scad în înălțime, deschideri de arcade care se schimbă etc.) fac posibilă identificarea „static” sau compoziția arhitecturală „dinamică” a acestui monument. În același timp, elucidarea tiparelor de schimbare în membrii seriei ritmice de forme este strâns legată de analiza proporțiilor. În urma studiului, se întocmesc scheme condiționale, reflectând trăsăturile construcției unor serii metro-ritmice de forme ale acestui monument de arhitectură.

4. Reconstituirea grafică vă permite să recreați aspectul pierdut al monumentului în orice etapă a existenței sale istorice. Reconstituirea se realizează fie sub forma unui desen ortogonal (plan, fațadă), când există o bază subiacentă adecvată, fie sub forma unei imagini în perspectivă realizată dintr-un desen din viață sau dintr-o fotografie (diapozitiv). Ca sursă de reconstrucție, ar trebui să folosiți imagini antice publicate ale monumentului, diverse descrieri istorice, precum și materiale pe monumente similare din aceeași epocă.

În scop educativ, elevul este invitat să realizeze doar o schiță de reconstrucție, care să transmită doar în termeni generali natura aspectului original sau modificat al monumentului.

Într-un număr de cazuri, un student se poate limita la a compara opțiunile de reconstrucție pentru același monument realizate de diferiți cercetători. Dar atunci este necesar să se acorde acestor opțiuni o evaluare rezonabilă și să se evidențieze pe cele mai probabile dintre ele. Elevul trebuie să-și fundamenteze grafic alegerea cu imaginea unor monumente similare sau fragmente ale acestora.

Un tip special de reconstrucție - restaurarea culorii originale și ulterior pierdute a monumentului - se realizează pe baza de fațade ortogonale sau imagini de perspectivă cu posibila includere a unui mediu urban istoric.

Atunci când se efectuează o sarcină de reconstrucție grafică, metoda de desen și fotomontaj poate fi utilizată pe scară largă.

5. Construcția tablourilor de arhitectură este o tehnică de analiză a monumentelor cu o compoziție tridimensională dezvoltată, concepută pentru o percepție graduală în timp, precum Erhtheion din Atena sau Catedrala Pokrovsky din Moscova. Când se plimbă în jurul unui astfel de monument, privitorul, datorită acoperirii unor volume de către altele, percepe o mulțime de imagini de perspectivă curgând unele în altele, care se numesc picturi arhitecturale.

Sarcina elevului este să evidențieze calitativ diferite grupuri de picturi arhitecturale, să desemneze pe plan zonele de percepție a acestor grupuri de picturi și să ilustreze fiecare grup cu unul, caracteristic, sub forma unui desen în perspectivă sau fotografie (diapozitiv).

Numărul de picturi calitativ diferite nu depășește de obicei cinci sau șase.

6. Analiza scării și scarii constă în identificarea rolului la scară largă al diviziunilor volumului arhitectural și selecția grafică pe imagini ortogonale sau de perspectivă ale monumentului de detalii caracteristice - „indicatoare de scară”, precum trepte, balustrade etc. O atenție deosebită ar trebui acordată rolului comenzii ca instrument universal la scară arhitecturală.

METODE DE ANALIZA COMPARATIVA A MONUMENTELOR DE ARHITECTURA

1. Compararea compoziției tridimensionale a două monumente se realizează prin compararea planurilor, fațadelor sau secțiunilor, reduse la o scară comună. Este foarte eficient să suprapuneți sau să combinați planuri, fațade și secțiuni; uneori, la compararea proiecțiilor a două monumente, este util să le aducem la o dimensiune comună, de exemplu, la aceeași înălțime sau lățime (în acest caz, se compară și proporțiile monumentelor).

Comparația este posibilă și în scopul comparării imaginilor în perspectivă ale monumentelor sub formă de desene din natură sau fotografii. În acest caz, desenele sau fotografiile ar trebui făcute din unghiuri similare și din astfel de puncte, din care să fie relevate trăsăturile caracteristice ale compoziției volumetrice a monumentelor. Ar trebui să se asigure că, în ceea ce privește dimensiunea lor relativă, imaginile monumentelor corespund aproximativ raporturilor dimensiunilor lor în natură.

În toate cazurile de comparații comparative, diferența dintre monumente iese de obicei mai clar decât momentele asemănării lor. Prin urmare, este necesar să se sublinieze grafic ceea ce reunește obiectele comparate, de exemplu, identitatea tehnicilor compoziționale, analogia în combinarea volumelor, natura similară a diviziunilor, amplasarea deschiderilor etc.

Descrierea și analiza monumentelor de sculptură

Limbajul artistic al sculpturii

Atunci când se analizează lucrările de sculptură, este necesar să se țină cont de parametrii proprii ai sculpturii ca formă de artă. Sculptura este o formă de artă în care un volum tridimensional real interacționează cu spațiul tridimensional înconjurător. Principalul lucru în analiza sculpturii este volumul, spațiul și modul în care acestea interacționează. materiale de sculptură. Tipuri de sculptură. genuri de sculptură.

Descrierea și analiza lucrării sculpturii.

Exemplu de plan:

1. Care este dimensiunea acestei sculpturi? Sculptura este monumentală, șevalet, miniatură. Dimensiunea afectează modul în care interacționează cu spațiul.

2. În ce spațiu a fost amplasată lucrarea analizată (în templu, pe piață, în casă etc.)? Pentru ce punct de vedere a fost conceput (de la distanță, de jos, aproape)? Face parte dintr-un ansamblu arhitectural sau sculptural sau este o lucrare independentă?

3. În ce măsură lucrarea în cauză acoperă spațiu tridimensional (sculptură rotundă și sculptură legate de arhitectură; formă arhitecturală și sculpturală, înalt relief; relief; basorelief; relief pitoresc; contrarelief)

4. Din ce material este realizat? Care sunt caracteristicile acestui material? Chiar dacă analizați modele, este important să vă amintiți din ce material a fost făcut originalul. Mergeți în holurile originalelor, vedeți cum arată sculptura, realizată în materialul care vă interesează. Ce caracteristici ale sculpturii sunt dictate de materialul acesteia (de ce a fost ales acest material pentru această lucrare)?

5. Sculptura este concepută pentru puncte de vedere fixe sau se deschide complet când mergi? Câte siluete expresive complete are această sculptură? Care sunt aceste siluete (închise, compacte, corecte geometric sau pitorești, deschise)? Cum sunt siluetele legate între ele?

6. Care sunt proporțiile (raporturile părților și întregului) în această sculptură sau grup sculptural? Care sunt proporțiile figurii umane?

7. Care este modelul sculpturii (dezvoltarea și complicarea relațiilor dintre marile blocuri compoziționale, ritmul articulațiilor interne și natura dezvoltării suprafeței)? Dacă vorbim despre relief - cum se schimbă întregul atunci când schimbi unghiul de vedere? Cum variază adâncimea reliefului și se construiesc planuri spațiale, câte sunt?

8. Care este textura suprafeței sculptate? Omogen sau diferit în diferite părți? Urmele netede sau „schimbate” ale atingerii instrumentelor sunt vizibile, naturale, condiționate. Cum este legată această textură de proprietățile materialului? Cum afectează textura percepția siluetei și a volumului unei forme sculpturale?

9. Care este rolul culorii în sculptură? Cum interacționează volumul și culoarea, cum se influențează reciproc?

10. Cărui gen aparține această sculptură? Pentru ce a fost?

11. Care este interpretarea motivului (naturalistă, condiționată, dictată de canon, dictată de locul ocupat de sculptură în mediul ei arhitectural sau altele).

12. Simți influența altor tipuri de artă în lucrare: arhitectură, pictură?

Descrierea și analiza tablourilor

Limbajul artistic al picturii

Conceptul de pictură. Mijloace de exprimare artistică: spațiu artistic, compoziție, culoare, ritm, caracterul unei lovituri colorate. Materiale și tehnici de pictură: ulei, tempera, guașă, acuarelă, tehnici mixte etc. Pictură de șevalet și monumentală. Varietăți de pictură monumentală: frescă, mozaic, vitraliu etc. Genuri picturale: portret, peisaj, gen cotidian, natură moartă, animalistică, istorică etc.

Descrierea tablourilor

Determinarea parametrilor de bază ai lucrării: autor, data creării, dimensiunea tabloului, formatul imaginii: dreptunghi alungit orizontal sau vertical (eventual cu capăt rotunjit), pătrat, cerc (tondo), oval. Tehnica (tempera, ulei, acuarela etc.) si pe ce baza (lemn, panza etc.) a fost realizat pictura etc.

Analiza tablourilor

Exemplu de plan de analiză:

1. Există un complot în imagine? Ce se arată? În ce mediu sunt situate personajele, obiectele reprezentate?
2. Pe baza analizei imaginii, puteți trage o concluzie despre gen. Ce gen: portret, peisaj, natură moartă, nud, viața de zi cu zi, mitologic, religios, istoric, animalistic, îi aparține tabloul?
3. Ce sarcină crezi că rezolvă artistul - vizuală? expresiv? Care este gradul de convenție sau naturalism al imaginii? Gravitate convenționalitatea spre idealizare sau spre distorsiunea expresivă? De regulă, compoziția imaginii este asociată cu genul.
4. Care sunt componentele unei compoziții? Care este raportul dintre obiectul imaginii și fundalul/spațiul de pe pânza imaginii?
5. Cât de aproape de planul imaginii sunt obiectele din imagine?
6. Ce unghi de vedere a ales artistul - de sus, de jos, la nivel cu obiectele înfățișate?
7. Cum se determină poziția privitorului - este implicat în interacțiunea cu imaginea reprezentată în imagine sau i se atribuie rolul unui contemplator detașat?
8. Compoziția poate fi numită echilibrată, statică sau dinamică? Dacă există mișcare, cum este direcționată?
9. Cum este construit spațiul pictural (plat, la nesfârșit, stratul spațial este împrejmuit, se creează spațiu adânc)? Cum se realizează iluzia adâncimii spațiale (diferența de dimensiune a figurilor reprezentate, care arată volumul obiectelor sau arhitectura, folosind gradații de culoare)? Compoziția este dezvoltată prin desen.
10. Cât de pronunțat este începutul liniar în imagine?
11. Sunt subliniate sau ascunse contururile care delimitează obiectele individuale? Prin ce mijloace se obține acest efect?
12. În ce măsură este exprimat volumul obiectelor? Ce tehnici creează iluzia volumului?
13. Ce rol joacă lumina într-un tablou? Cum este (neted, neutru; contrastant, sculptând volum; mistic). Este sursa/direcția de lumină lizibilă?
14. Sunt siluetele figurilor/obiectelor ilustrate lizibile? Cât de expresive și valoroase sunt ele în sine?
15. Cât de detaliată (sau invers generalizată) este imaginea?
16. Este transmisă varietatea de texturi ale suprafețelor descrise (piele, țesături, metal etc.)? Colorare.
17. Ce rol joacă culoarea în imagine (este subordonată desenului și volumului sau invers, subordonează desenul însuși și construiește însăși compoziția).
18. Culoarea este doar o colorare a volumului sau ceva mai mult? Este fidel optic sau expresiv?
19. Culorile locale sau culoarea tonală predomină în imagine?
20. Se disting marginile petelor de culoare? Coincid ele cu granițele volumelor și ale obiectelor?
21. Artistul operează cu mase mari de culoare sau pete mici?
22. Cum sunt scrise culorile calde și reci, artistul folosește o combinație de culori complementare? De ce face asta? Cum sunt transferate locurile cele mai iluminate și umbrite?
23. Există strălucire, reflexe? Cum sunt scrise umbrele (surde sau transparente, sunt colorate)?
24. Este posibil să distingem repetările ritmice în utilizarea oricărei culori sau combinații de nuanțe, este posibil să urmăriți dezvoltarea oricărei culori? Există o combinație dominantă de culoare/culoare?
25. Care este textura suprafetei picturale - neteda sau pastoasa? Se disting loviturile individuale? Dacă da, care sunt acestea - vopsea mică sau lungă, lichidă, groasă sau aproape uscată aplicată?

Descrierea și analiza lucrărilor grafice

Limbajul artistic al graficii

Grafica ca formă de artă plastică. Principalele mijloace de expresivitate artistică a graficii: linie, stroke, spot etc. Desen liniar și alb-negru. Gravură, tipuri de gravură: xilografie, litografie, linogravură, gravură, monotip, acvatinta etc. Grafică de șevalet. grafica de carte. Arta afișelor, postere. Grafică aplicată.

Descrierea lucrărilor de grafică

Determinarea parametrilor de bază ai lucrării: autor, data creării, dimensiunea foii, formatul, tehnica.

Analiza lucrărilor grafice

Exemplu de plan de analiză:

1. Definiția generală a situației spațiale, caracteristicile spațiului reprezentat. Spațiu - adânc sau nu, închis sau deschis, pe planul căruia se concentrează accentele. Mijloacele predominante (cele mai esențiale pentru această lucrare) de construire a adâncimii și utilizarea lor. De exemplu: natura perspectivei liniare sau aeriene (dacă este utilizată). Caracteristicile spațiului reprezentat. Integritatea / dezmembrarea spațiului. Împărțirea în planuri, distribuirea atenției (evaluarea anumitor planuri sau uniformitatea percepției). Punct de vedere. Interacțiunea privitorului și spațiul reprezentat (acest element este necesar chiar dacă nu există o imagine a spațiului adânc).
2. Locația, raportul, relațiile elementelor în plan și în spațiu.

Determinarea tipului de compoziție – dacă este posibil. În viitor, o precizare: cum exact acest tip de compoziție este întruchipat în această lucrare grafică, care sunt nuanțele utilizării sale. Caracteristicile formatului (dimensiunea proporției). Raportul dintre format și compoziție: imaginea și marginile acesteia. Distribuția maselor în interiorul foii. Accentul compozițional și locația acestuia; relația sa cu alte elemente; directii dominante: dinamica si statica. Interacțiunea elementelor principale ale compoziției cu structura spațială, plasarea accentelor.

1. Analiza tehnicii grafice.
2. Rezultatul analizei este identificarea principiilor de construire a formei, a calităților expresive și a impactului acesteia. Pe baza calităților formale și expresive ale operei, se poate pune problema semnificației acesteia (conținut, idee), adică. trece la interpretarea lui. În același timp, este necesar să se țină seama de intriga (cum este interpretată intriga în această lucrare?), de specificul descrierii personajelor (în imaginea și portretul intrigii - posturi, gesturi, expresii faciale, privire) , simbolismul (dacă există), etc., dar în același timp este mijlocul de reprezentare și de aici impactul imaginii. De asemenea, este posibilă corelarea trăsăturilor individuale identificate ale operei cu cerințele tipului și genului căruia îi aparține, cu un context artistic mai larg (opera autorului în ansamblu: arta epocii, școala etc.) . De aici se poate deduce o concluzie despre valoarea și semnificația operei, locul ei în istoria artei.

Descrierea și analiza operelor de artă și meșteșuguri și artă populară

Tipuri de arte și meșteșuguri și artă populară

Pictura pe lemn, metal, etc. Broderie. Țeserea covoarelor. Bijuterii Art. Sculptură în lemn, oase. Ceramică. Lacuri artistice etc.

Descrierea monumentelor de artă decorativă, aplicată și populară

Un fel de artă decorativă și aplicată. Material. Caracteristicile procesării sale. Dimensiuni. Programare. Caracterizarea culorii, texturii. Gradul de corelare între funcţiile utilitare şi artistico-estetice ale obiectului.

Analiza monumentelor de artă și meșteșuguri și artă populară

Plan de analiză eșantion

1. Pentru ce este acest articol?
2. Care sunt dimensiunile sale?
3. Cum este situată decorarea articolului? Unde sunt situate zonele de decorațiuni figurative și ornamentale? Cum este plasarea imaginilor legată de forma obiectului?
4. Ce tipuri de ornamente sunt folosite? Pe ce părți ale obiectului se află acestea?
5. Unde se află imaginile figurative? Ocupă mai mult spațiu decât cele ornamentale, sau sunt doar unul dintre registrele ornamentale?
6. Cum se construiește un registru cu imagini figurative? Se poate spune că aici se folosesc tehnici de compoziție liberă sau se folosește principiul juxtapunerii (figuri în ipostaze identice, mișcare minimă, se repetă)?
7. Cum sunt reprezentate figurile? Sunt mobile, înghețate, stilizate?
8. Cum sunt transferate detaliile cifrelor? Par mai naturale sau mai ornamentale? Ce tehnici sunt folosite pentru a transfera figuri?
9. Uită-te, dacă este posibil, în interiorul obiectului. Există o imagine și ornamente? Descrieți-le conform diagramei de mai sus.
10. Ce culori primare și secundare sunt folosite în construcția ornamentelor și figurilor? Care este tonul argilei în sine? Cum afectează acest lucru caracterul imaginii - o face mai ornamentală sau, dimpotrivă, mai naturală?

Versuri:

Analiza unei lucrări este o lucrare complexă a intelectului, care necesită multe cunoștințe și abilități.

Există multe abordări, tehnici, metode de analiză, dar toate se încadrează în mai multe acțiuni complexe:

1. 1) decodificarea informațiilor conținute în materialul lucrării în sine,
2. 2) un studiu analitic al procesului și circumstanțelor creării unei opere de artă, ajutând la aprofundarea și îmbogățirea înțelegerii acesteia,
3. 3) studiul dinamicii istorice a imaginii artistice a operei în percepția individuală și colectivă.

În primul caz, există lucrul cu opera ca valoare în sine – un „text”; în al doilea, considerăm textul în context, dezvăluind urme ale influenței impulsurilor externe în imaginea artistică, în al treilea, studiem modificările din imaginea artistică în funcție de modul în care percepția acesteia se modifică în diferite epoci.

Fiecare piesă de artă datorită originalității, își dictează propriul drum, propria logică, propriile metode de analiză.

Cu toate acestea, aș dori să vă atrag atenția asupra câteva principii generale ale muncii analitice practice cu o operă de artă și să vă dau câteva sfaturi.

— Eureka! (intrigă de analiză). Primul și cel mai important lucru este că opera de artă în sine sugerează calea prin care se poate pătrunde în profunzimea sensului imaginii artistice. Există un fel de „cârlig” care captează mintea cu o întrebare bruscă. Căutarea unui răspuns la acesta - fie într-un monolog intern, în comunicarea cu angajații sau studenții - duce adesea la insight (Eureka!). Prin urmare, conversațiile de acest fel - trebuie să înveți cum să le conduci cu un grup - se numesc euristice. Munca analitică într-un muzeu sau într-un mediu arhitectural începe de obicei cu astfel de întrebări – „decodificarea” informațiilor conținute în „textul” artistic.

A pune o întrebare este adesea mai dificil decât a găsi un răspuns.

- De ce are „Băiatul gol” al lui Alexander Ivanov o față atât de tragică?

- De ce figura unui tânăr care ridică un paralizat în tabloul „Apariția lui Mesia” de același Ivanov este îmbrăcat în hainele lui Hristos?

— De ce este goală icoana din imaginea lui K.S.? Petrov-Vodkin „Mama” 1915?

— De ce P.D. Fedotov în cea de-a doua versiune a tabloului „Major’s Matchmaking” îndepărtează candelabru - detaliul pe care l-a căutat atât de mult timp?

— De ce în bustul sculptural al lui Sh.I. Marmura lui Makhelson de Shubin este lustruită până la un luciu gras, în timp ce în majoritatea cazurilor „pielea” fețelor din portretele sale pare mată?

Sunt multe astfel de întrebări care pot fi reamintite, toate sunt dovezi ale unei viziuni unice, personale, inerente fiecărei persoane. În mod deliberat, nu dau răspunsuri aici - încercați să le găsiți singur.

În munca analitică cu o operă de artă, vei fi ajutat nu numai de capacitatea de a o vedea cu un ochi proaspăt, de a o percepe în mod direct, ci și de capacitatea de a face abstractie, izolând anumite momente de percepție și elemente de formă și conținut. .

Dacă vorbim de arte plastice, acestea sunt compoziționale, diagrame, schițe analitice, „aspecte” coloristice, analiza construcției spațiale, „joc” de accesorii etc. Toate acestea și alte mijloace pot fi folosite în lucrare. Dar trebuie reținut un lucru: orice tehnică analitică este, în primul rând, o modalitate de interpretare a elementelor formei, de înțelegere a acestora. Măsurați, aranjați, desenați diagrame, dar nu de dragul acestor diagrame în sine, ci în numele înțelegerii semnificației lor, deoarece într-o imagine cu adevărat artistică nu există „goluri” - materialul în sine, dimensiunea și dimensiunea. format, până la textură, adică suprafața obiectului de artă este plină de sens. Cu alte cuvinte, este vorba despre limbajul artei.

În ciuda originalității, unicității, operele de artă se pretează tipologiei, ele pot fi grupate, desigur, în primul rând pe tipuri de artă.

Problema tipologiei va fi subiect de studiu pentru dvs. în cadrul cursurilor de teoria artei și estetică, iar la începutul cursului am dori să acordăm atenție acelor aspecte ale acesteia care joacă un rol important în analiză, în special cele interpretarea art. În plus, avem ocazia de a stipula sensul conceptelor fundamentale (semnificația acestei lucrări a fost menționată mai sus).

Asa de, o operă de artă poate aparţine unuia dintre tipuri, care se împart în: monocomponente (monostructurale), sintetice și tehnice.

• Monocomponent - pictură, grafică, sculptură, arhitectură, literatură, muzică, arte și meșteșuguri.
• Sintetice - arte teatrale și spectaculoase.
• Tehnic - film, televiziune, grafică pe computer.

Artele cu o singură componentă sunt împărțite, la rândul lor, în:

• spațial (arhitectură, pictură, grafică, arte și meșteșuguri)
• temporar (literatură, muzică),

precum și picturale (pictură, grafică, sculptură) și non-picturale (arhitectură, arte și meșteșuguri, literatură, muzică).

Întrucât există puncte de vedere diferite în clasificarea artelor, și întrucât toate aceste definiții nu sunt absolute, ci relative, le vom prevedea și, în primul rând, ne vom opri - foarte pe scurt - asupra problemei spațiului și timpului în artă, deoarece nu este atât de simplă pe cât ar părea la prima vedere și este foarte semnificativă în analiza operei.

În primul rând, observăm că împărțirea artelor în spațial și temporal este foarte condiționată și se bazează pe trăsăturile existenței unei opere: purtătorii materiale ai artelor spațiale sunt cu adevărat obiectivi, ocupă un loc în spațiu și doar cresc. vechi și prăbușit în timp. Dar purtătorii materiale de muzical și opere literare de asemenea, ocupă un loc în spațiu (note, discuri, casete și, în final, interpreți și instrumentele acestora; manuscrise, cărți, reviste). Dacă vorbim de imagini artistice, atunci ele „ocupă” un anumit spațiu spiritual și în toate artele se dezvoltă în timp.

Așadar, vom încerca, după ce am remarcat existența acestor categorii ca clasificatoare, să vorbim despre ele din punct de vedere analitic, pentru noi – în acest caz – mai important.

Am observat mai sus că fiecare operă de artă, ca fenomen material-ideal, există în spațiu și timp, iar baza ei materială este oarecum legată în primul rând de spațiu, iar cea ideală de timp.

Cu toate acestea, o operă de artă se referă la spațiu și în alte aspecte. Spațiul natural și experiența sa de către o persoană au un impact uriaș asupra imaginii artistice, dând naștere, de exemplu, în pictură și grafică la diferite sisteme de construcții spațiale, determinând caracteristicile rezolvării problemelor spațiale în arhitectură, imaginea spațiului în literatură . În toate artele, „spațiul unui lucru”, „spațiul unei persoane”, „spațiul societății”, spațiul natural - pământesc și cosmic - și, în sfârșit, spațiul celei mai înalte realități spirituale - Absolutul, Doamne, se disting.

Viziunea asupra lumii se schimbă, urmată de sistemul de gândire artistică; această mişcare de la sistemul vechi la cel nou este marcată de schimbări în conceptul de spaţiu. Astfel, transferul focalizării atenției de la cea mai înaltă realitate spirituală - Dumnezeu, Lumea Cerească în secolul al XVII-lea la o persoană în limba rusă art XVII secolele păreau să fi restrâns orizontul artistului, iar infinitul perspectivei inverse a fost înlocuit de limitarea celei directe.

Timpul este, de asemenea, mobil și cu mai multe fațete.

Acesta este timpul real al purtătorului de material, când notele se îngălbenesc, filmele se demagnetizează, plăcile unse cu ulei devin negre, iar timpul imaginii artistice, în dezvoltare la nesfârșit, practic nemuritor. Acesta este și un timp iluzoriu care există în interiorul imaginii artistice, timpul în care trăiesc lucrul și persoana înfățișată, societatea, umanitatea în ansamblu. Acesta este momentul creării operei, epoca istorică și perioada vieții și, în sfârșit, vârsta autorului, de această dată este durata acțiunii și timpul „pauzelor” - pauze între episoadele descrise. În fine, acesta este momentul pregătirii pentru percepție, percepție în contact cu opera, experiență și înțelegere a imaginii artistice percepute.

În fiecare dintre arte, spațiul și timpul sunt afișate diferit, iar acest lucru este discutat în capitolele următoare, fiecare dintre acestea fiind dedicat unui tip special de artă cu structura sa inerentă a imaginii artistice.

Nu întâmplător am scris „afișat” și nu „înfățișat”, pentru că trebuie să separăm și aceste concepte.

A afișa înseamnă a găsi un echivalent figurativ cu fenomenul realității, a-l țese în țesătura unei imagini artistice, a înfățișa - a crea un analog vizual - vizibil, verbal - verbal sau sonor - auditiv al unui lucru. Artele sunt împărțite, după cum am menționat mai sus, în picturale și non-picturale nu pentru că în muzică este imposibil să înfățișați, de exemplu, zgomotul unui tren sau strigătul unui cocoș (sau chiar o curte întreagă de păsări), ci în literatură este imposibil de descris aproape orice obiect vizibil sau audibil. Acest lucru este posibil atât în ​​muzică, cât și în literatură: în primul caz, avem de-a face cu onomatopee, în al doilea, cu descriere. Mai mult decât atât, un autor talentat, care a experimentat profund contactul cu o operă de pictură, sculptură, muzică, poate găsi astfel de cuvinte încât descrierea sa va deveni un analog verbal (verbal) cu drepturi depline și extrem de artistic al unei opere de artă plastică sau muzicală. .

Lucrările de arhitectură (să nu mai vorbim de părțile lor: coloane în formă de lotus ale templelor egiptene, scoarță, atlante, relief și alte elemente sculpturale decorative) pot fi și imagini: de exemplu, în anii 1930 în Uniunea Sovietică era la modă să se construiască case în sub formă de mașini sau alte obiecte. În Leningrad, a fost construită chiar și o școală în formă de ciocan și seceră, deși acest lucru poate fi văzut doar din vedere de pasăre. Și diverse vase sub formă de păsări, pești, figuri umane etc. în arte și meșteșuguri non-finte!

În schimb, operele de artă plastică adesea „nu înfățișează nimic” precum pictura abstractă și sculptura.

Deci această caracteristică de clasificare se dovedește a fi relativă. Și totuși există: există „arte plastice” vizual, adică percepute vizual, care se bazează pe imaginea fenomenelor lumii și non-picturale, verbale și muzicale.

Arta este întotdeauna condiționată și nu poate (să nu mai vorbim de faptul că nu ar trebui) să creeze o asemănare completă cu acest sau acel fenomen al vieții vii. Artistul nu dublează realitatea existentă, el creează modele artistice și figurative ale lumii sau ale elementelor acesteia, simplificându-le și transformându-le. Chiar și pictura, cea mai „iluzorie” dintre arte, aparent capabilă să surprindă și să transmită pe pânză toată bogăția lumii multicolore, are un handicapat imitație de rasă.

Îmi place foarte mult CS. Petrov-Vodkin. La una dintre expozițiile sale, „Doamna Noastră – Tandrețea inimilor rele” – strălucirea stacojiului pur, albastrului și aurului – a fost amplasată în holul Muzeului Rus, pe peretele de lângă fereastră.

Mulți ani, tabloul a fost ascuns în magazii, iar acum, când era în hol, se putea sta și se putea privi, se părea, la infinit. Fundalul strălucea cu o lumină cosmic adâncă, străpunzător de pură a adâncurilor raiului, umbrind, împreună cu maforul stacojiu, frumosul chip blând al Maicii Domnului...

Am stat mult timp, afară s-a întunecat, seara de iarna străluceau în fereastră - și ce șoc pentru mine a fost strălucirea liniștită a modestului amurg de iarnă din Petersburg pe fereastră - se uitau lângă albastrul din poza lui Petrov-Vodkin, ca un safir strălucitor lângă hârtia albastră cu care cutiile de chibrituri sunt lipite peste. Atunci am avut ocazia să nu aflu, ci să văd și să simt cum posibilitățile artei în imitarea vieții sunt într-adevăr limitate, dacă o judecăm pe criteriul preferat al privitorului naiv: dacă imaginea este similară sau nu. la original. Și nu stă deloc în puterea lui să reproducă fenomenele vieții cât mai asemănător, cât mai mimetic.

O imagine artistică nu este o simplă repetiție a vieții, iar verosimilitatea ei, verbală sau vizuală, nu este în niciun caz principala calitate. Arta este una dintre modalitățile de a stăpâni lumea: cunoașterea, evaluarea, transformarea ei de către om. Și de fiecare dată într-o imagine artistică - în moduri diferite în diferite tipuri de artă și în diferite sisteme de artă- se corelează fenomenul (ceea ce este perceput de sentimentele unei persoane i se dezvăluie) și esența (esența fenomenului, totalitatea proprietăților sale esențiale) pe care arta este recunoscută să le afișeze.

Fiecare sistem de gândire artistică își formează propria metodă de cunoaștere a esenței - metoda creativă. La școală, te-ai familiarizat deja cu metode creative europene specifice precum baroc, clasicism, sentimentalism, romantism, realism, simbolism, modernism, realism socialist, suprarealism etc. Desigur, îți amintești că fiecare metodă a fost creată în numele înțelegerii. , aprecierea, transformarea omului și a lumii în ansamblu și a calităților individuale ale acestora. Amintiți-vă cum sunt „adunate” în mod constant cunoștințele despre o persoană: baroc studiază și afișează lumea sentimentelor furtunoase și nestăpânite ale unei persoane; clasicismul - mintea sa echilibrată atotmăsurătoare; sentimentalismul afirmă dreptul omului la intimitateși sentimente sublime, dar pur personale; romantismul - frumusețea dezvoltării libere a individului „la bine sau la rău”, manifestările sale în „minutele fatale” ale lumii; realismul reflectă fundamentele sociale ale formării și vieții unei persoane; simbolismul se repezi din nou în adâncurile misterioase suflet uman, iar suprarealismul încearcă să pătrundă în profunzimile subconștientului etc. Deci fiecare dintre aceste sisteme creative are propriul subiect imagine, izolat într-un singur obiect - o persoană. Și funcțiile lor: afirmarea idealului, studiu, expunere etc.

În conformitate cu aceasta, este dezvoltată și o metodă de transformare a unui obiect, care face posibilă dezvăluirea conținutului său actual: aceasta este idealizarea unui obiect - transformare, eliberarea artistică a „realității imperfecte de imperfecțiunea sa”, asemănând-o cu un ideal (Brief Philosophical Encyclopedia. M., 1994) în metode precum baroc, clasicism, romantism, care diferă între ele prin faptul că idealul însuși este înțeles diferit; este o tipificare caracteristică realismului și o simbolizare pe care omenirea a folosit-o în diferite etape ale dezvoltării artistice a lumii.

Privind istoria dezvoltării artei la un nivel foarte înalt de generalizare, putem spune că ea se dezvoltă între doi poli ai modelării artistico-figurative a lumii: de la dorința de a o crea la maximum, la iluzia de a o crea. o reproducere plauzibilă până la generalizarea ultimă. Aceste două metode pot fi corelate cu munca celor două emisfere ale creierului: stânga analitică, împărțind fenomenul în părți în numele cunoașterii sale, și dreapta - generalizantă, imaginativă, creând imagini integrale (nu neapărat artistice) pt. acelasi scop.

Pe Pământ, există zone dominate de oameni cu un avantaj vizibil în dezvoltarea uneia dintre emisfere. Puteți chiar, desigur, foarte condiționat, să spuneți că conceptele de „Est”, „om al Estului” sunt asociate cu gândirea emisferică dreaptă - imaginativă (figurativă), în timp ce „Vest”, „om al Vestului” cu emisferica stângă, analitică, științifică.

Și aici ne confruntăm cu un paradox vizibil.

Reamintim: emisfera stângă supraveghează gândirea abstract-logică, verbală, analitică; dreapta - concret, figurat, non-verbal, generalizant.

La prima vedere, este ușor să determinați ce este mai specific: un portret care transmite aspectul și caracterul unei anumite persoane sau, să zicem, un omuleț la un semafor - o denumire extrem de generalizată a unei persoane, o grămadă de struguri pictați într-o natură moartă olandeză, sau o viță de vie nesfârșită într-un ornament oriental, constând din multe condiționale, aduse la nivelul elementelor ornamentale de frunze și ciorchini.

Răspunsul este evident: imaginile mimetice – un portret, o natură moartă – sunt concrete, generalizările ornamentale sunt mai abstracte. În primul caz, sunt necesare conceptele „această persoană”, „aceasta grămadă”, în al doilea, „om”, „grămădiță” sunt suficiente.

Este ceva mai greu de înțeles că portretul și natura moartă, fiind imagini artistice, sunt în același timp mai analitice - „emisferice stângi” decât elementele ornamentului. Într-adevăr, imaginați-vă de câte cuvinte ar fi necesare pentru a descrie portretul - „traducerea” verbală a acestei imagini ar fi destul de lungă și mai mult sau mai puțin plictisitoare, în timp ce vița din ornament este definită de unul, cel mult trei cuvinte: viță de vie cățărătoare ornament. Dar, după ce a schițat o viță de vie din natură, autorul ornamentului a repetat această imagine de mai multe ori, realizând generalizarea ultimă, care permite atingerea nivelului unui simbol care conține nu una, ci multe semnificații.

Dacă doriți să aflați mai multe despre modalitățile analitice occidentale (mimetice, imitative) și răsăritene generalizate (ornamentale) de a crea o imagine vizuală, citiți excelenta carte a lui L.A. Lelekov „Arta Rusiei antice și a Orientului” (M., 1978). Discutând cele două sisteme de gândire artistico-figurativă, autorul pune în contrast două serii de afirmații.

Prima îi aparține lui Socrate: „Pictura este imaginea a ceea ce vedem”.

Al doilea este lui Buddha: „Artistul a pregătit culorile pentru a crea o imagine care nu poate fi văzută în culoare”.

Legenda antică despre competiția a doi pictori iscusiți - Zeuxis și Parrhasius - spune cum unul dintre ei a pictat o ramură de viță de vie și cum păsările s-au înghesuit la această imagine pentru a ciuguli boabele înfățișate pe ea - atât de mare era iluzia vieții care o umplea. Al doilea a înșelat ochiul colegului său, înfățișând pe pânză perdeaua cu care se presupune că era acoperită tabloul, cu o asemenea artă încât i-a cerut să o tragă repede înapoi. Crearea unei iluzii - imitarea vizibilului - era scopul cel mai înalt pentru fiecare dintre rivali.

Buddha vorbește despre un scop complet diferit: o imagine vizibilă pictată cu culori este doar purtătoarea unei imagini care se naște în sufletul unei persoane. Filosoful creștin Ioan Damaschinul face ecou lui Buddha: „Fiecare imagine este o revelație și o indicație a ascunsului”.

De fapt, vița de vie care împodobește stâlpii catapetesmei este un simbol al vieții și al fertilității, Grădina Edenului (grădina lui Hristos), simbol al eternității.

Iată cum L.A. Lelekov despre un alt ornament: împletirea fructelor și florilor alternative, care este foarte comună în ornamentele orientale, denotă „conceptele unității cauzei și efectului și eternitatea ființei, temele creației și reînnoirea neîncetată a vieții, relația dintre trecut și viitor, ciocnirea contrariilor” (Ibid. S. 39).

Dar la fel cum între relativ puține grupuri de oameni de știință pronunțați din „emisfera stângă” și artiști din „emisfera dreaptă” există o multitudine de tipuri de tranziție care predomină în număr, la fel și între cel naturalist, care este egal cu el însuși, valoros în sine și nu are sensuri ascunse, o imagine iluzorie a unei înfățișări (fenomen) și un ornament pur ce conține multe semnificații, se află un spațiu vast ocupat de imagini de tip mixt - despre ele am vorbit mai sus.

Poate cea mai armonioasă dintre ele este imaginea realistă, când artistul se străduiește să întruchipeze esența fenomenului, să simbolizeze vizibilul. Da, Al. Ivanov, descoperind legile aerului în aer liber și dezvoltând o metodă de întruchipare a proprietăților și calităților interne ale unei persoane în aspectul ei extern, a umplut creațiile sale cu o semnificație simbolică profundă.

Artiștii abstracționiști ai secolului XX, descompunându-și, distribuindu-și picturile, refuzând să creeze o „a doua”, realitate iluzorie pe pânză, s-au îndreptat spre sfera supraconștiinței umane, au încercat să surprindă imaginea în originalitatea ei, în adâncul omului. suflet, sau, dimpotrivă, l-a construit.

Prin urmare, în analiza, în urma intrigii primei întrebări apărute, va trebui să vă gândiți care este „continuumul spațiu-timp” al imaginii artistice a operei, subiectul imaginii, metoda și mijloacele de transformarea obiectului. Și încă o întrebare importantă apare înaintea ta: care sunt compoziția și legătura elementară - structura imaginii artistice.

Imaginea artistică a unei opere este o integritate și, ca orice integritate, poate fi reprezentată, descrisă ca un sistem format din elemente (fiecare, la rândul lor, este integral și poate fi reprezentat ca sistem) și interconexiunile lor. Structurarea și un număr suficient de elemente asigură funcționarea imaginii artistice în ansamblu, la fel ca prezența pieselor necesare și asamblarea corectă a acestora - conexiune, structură, asigură derularea și sunetul în timp util a unui ceas cu alarmă.

Ce poate fi desemnat ca elemente ale unei imagini artistice? Rima, armonie, culoare, volum etc.? Acestea sunt elemente de formă. Subiectul imaginii, obiectului, esenței, fenomenului? Acestea sunt elemente de conținut. Argumentând logic, trebuie să se recunoască în mod evident că elementele imaginii artistice a unei opere sunt și imagini: o persoană în toată gama de la cea mai simplă imagine simbolică din petroglife până la un portret psihologic; lumea obiectelor materiale într-o varietate nenumărată de lucruri create de om, a căror totalitate este adesea numită civilizație sau „a doua natură”; legăturile sociale, de la familie la universal; natura miraculoasă în toate manifestările și formele ei: lumea animată a animalelor, lumea neînsuflețită - apropiată, planetară și cosmică; în sfârșit, acea ordine spirituală superioară, care este prezentă în toate sistemele artistice și care este numită diferit de înțelepții diferitelor epoci: Mintea Superioară, Absolutul, Dumnezeu.

Fiecare dintre aceste imagini este realizată în moduri diferite în diferite arte și are un caracter superspecific, generic.

Dobândind concretețe în cadrul unei opere de artă, o astfel de imagine poate fi inclusă ca componentă într-un sistem al unui tot mai complex (de exemplu, imaginile naturii ocupă un loc important în romanele lui Turgheniev, în operele lui Rimski-Korsakov și în picturile lui Repin). ). Una dintre imagini poate ocupa un loc central, subordonându-le pe restul (cum sunt genurile monostructurale de artă plastică - portret, peisaj etc.), sau poate forma un strat extins de opere de artă - din serii în opera unuia. maestru (de exemplu, „Petriada” în .A. Serova) I la astfel de formațiuni gigantice precum „Leniniana” în arta sovietică.

Deci, în procesul de analiză a unei opere, se pot distinge elemente figurative și se pot stabili legături între ele. Adesea, o astfel de lucrare ajută la înțelegerea mai profundă a intenției autorului și la conștientizarea sentimentelor trăite în comunicarea cu opera, la înțelegerea și interpretarea mai bună a imaginii artistice.

Rezumând această scurtă secțiune despre analiza unei opere de artă ca integritate autosuficientă a „textului” Să subliniem cele mai importante:

1. 1) analiza este doar una dintre operațiunile incluse în sistemul de lucru cu o operă de artă. Una dintre cele mai importante întrebări la care trebuie să răspunzi în procesul muncii analitice este următoarea: cum, în ce mod și prin ce mijloace a putut artistul să obțină exact impresia pe care ai experimentat-o ​​și ai realizat-o în comunicarea pre-analitică cu imagine artistică?
2. 2) analiza ca operație de împărțire a întregului în părți (deși implicând elemente de sinteză) nu este un scop în sine, ci o modalitate de pătrundere mai profundă în miezul semantic al imaginii artistice;
3. 3) fiecare operă de artă este unică, inimitabilă, de aceea este corect metodic – și este foarte important pentru profesor – să găsească „intriga analizei” – întrebarea cheie care va presupune, mai ales în munca colectivă, un lanț, sau mai degrabă, un sistem de întrebări, răspunsurile la care și vor forma o imagine holistică a analizei;
4. 4) fiecare operă de artă este un model artistic-figurativ al lumii, care reflectă fațetele, părțile, aspectele reale
   lumea și elementele sale principale: om, societate, civilizație, natură, Dumnezeu. Aceste fațete, părți, aspecte ale Ființei constituie o bază semnificativă - subiectul imaginii, care, pe de o parte, este deja realitatea obiectivă, deoarece este doar o parte din ea, iar pe de altă parte, este inițial mai bogat, pentru că poartă atitudinea autorului, se îmbogățește în procesul creativ, dă creșterea cunoștințelor despre lume într-o formă obiectivată, într-o operă de artă și, în final, se actualizează în procesul creativității. În munca analitică, trebuie să răspundeți la întrebările: care este obiectul imaginii din această lucrare? care este subiectul imaginii? ce lucruri noi învățăm despre lume prin asimilarea imaginii artistice a operei?
5. 5) fiecare operă de artă aparține unuia dintre tipurile de artă, în conformitate cu care se formează metoda de transformare a subiectului imaginii, formarea imaginii artistice, limbajul specific al artei.
6. 6) arta ca un întreg și o operă separată ca fenomen al lumii materiale există în spațiu și timp. Fiecare epocă, fiecare sistem estetic își dezvoltă propria concepție artistică despre timp și spațiu în funcție de înțelegerea pe care o are asupra acestor realități și a scopurilor sale. Prin urmare, analiza trăsăturilor întruchipării spațiului și timpului într-o lucrare este o operație analitică necesară;
7. 7) un model artistic-figurativ al lumii poate fi pictural (vizual) sau non-pictorial (auditiv, verbal sau vizual-constructiv). Imitarea vieții (până la dorința de a crea o iluzie-„înșelăciune”) sau, dimpotrivă, „deobiectivizarea” completă a imaginii, ca toate formele intermediare, nu este un scop în sine, este întotdeauna semnificativă, servește ca întruchipare a stabilirii obiectivelor, relevată în analiză. În același timp, se stabilește o relație între fenomen și esență, a cărei înțelegere și dezvoltare constituie în cele din urmă una dintre funcțiile principale ale artei. Deci, în procesul de analiză, este necesar să înțelegem ce fenomen stă la baza imaginii artistice (obiect imagine), ce proprietăți, calități, aspecte ale obiectului au fost de interes pentru artist (obiect imagine), cum, în ce fel obiectul a fost transformată și care este structura - compoziția și structura elementară - imaginea artistică rezultată. Răspunzând la aceste întrebări, se poate înțelege destul de bine sensul unei opere de artă, care este esența care strălucește prin țesătura unei imagini artistice.

Înainte să termin de vorbit despre analiză și locul ei în lucrul cu o operă de artă, permiteți-mi să vă dau două sfaturi.

Prima se referă la sensul analizei. Indiferent dacă aceasta sau acea opera de artă vă este apropiată sau străină în interior, analiza - interpretarea vă va ajuta să înțelegeți autorul și, într-o conversație despre lucrare, să vă justificați evaluarea. În relațiile cu arta, este mai bine să înlocuiți „place - displace” cu alte formulări:

„Înțeleg și accept” sau „Înțeleg, dar nu accept!” Și, în același timp, fiți întotdeauna gata să vă justificați opinia.

Al doilea sfat vă va fi util în special dacă trebuie să lucrați la o expoziție. artă contemporană sau vizitând artistul – în atelierul lui.

Pentru orice persoană normală, prezența autorului este un factor de descurajare, așa că la o expoziție de artă contemporană, lucrează întotdeauna ca și cum autorul stă lângă tine - aceasta este o oportunitate foarte reală.

Dar principalul: renunțați odată pentru totdeauna la ideea că există o artă „corectă” și „greșită”, „bună” și „rea”. O operă de artă este supusă evaluării: la urma urmei, creatorul ei poate fi un maestru, sau poate un diletant stăruitor, un oportunist super-adaptativ, un speculator.

Dar în sala de expoziție, nu ar trebui să vă grăbiți să acționați ca procuror, este mai bine să încercați mai întâi să înțelegeți de ce lucrarea a provocat o asemenea iritare în voi în loc de bucuria așteptată: este pentru că ați simțit intuitiv dizarmonia imaginii, puterea sa distructivă generală, valurile de energie negativă care provin din ea sau că, din cauza particularităților personalității tale, nu ai căzut în „rezonanță” cu acele vibrații, la figurat vorbind, pe care le-a provocat imaginea artistică.

Cât de diferit percepem toți arta – atât în ​​elementele ei, cât și în general – m-am simțit complet neașteptat lângă ecranul televizorului. ... Îl iubesc foarte mult pe Kolomenskoye - cu biserica ei albă liniștită a Maicii Domnului din Kazan, cortul zvelt al Bisericii Înălțarea lui Hristos care se ridică rapid deasupra râului Moscova, cupolele aurite ale Catedralei Ioan Botezătorul din Dyakovo pe muntele din spatele râpei, Cu ciorchini de copaci, stâlpi străvechi și pietre prețuite în iarbă densă și verde. De mulți ani, în cursul istoriei artei, le povestesc studenților despre aceste minunate creații ale secolelor XVI-XVII. Dar o mică poveste din „Travel Club” de la televizor a fost o revelație pentru mine. Duhovnicul de frunte a arătat și a dovedit că ansamblul format metric întruchipa în forme naturale și arhitecturale imaginea icoanei Sofia - Înțelepciunea lui Dumnezeu. Eu, o persoană cu o conștiință rațională stabilită, nu aș fi putut niciodată să văd acest miracol în așa fel. Dar acum, bineînțeles, cu referiri la sursă, voi oferi studenților, printre alții, această interpretare.

Literatură:

Wölfflin

Janson H.V., Janson E.F. Fundamentele istoriei artei - a găsi. Găsite. Acțiune. Și Gombrich de asemenea.

In contact cu