Bár ő maga polgári környezetből származott, szokásai, gondolkodásmódja polgári volt, festészete nem volt polgári.
1896-ban Picasso apja bérelt egy műhelyt fiának, Pablo Picasso Ruiznak a Calle de la Platán, ahol most kényszer és felügyelet nélkül dolgozhatott, és azt csinálhatott, amit akar. A következő évben szülei Madridba küldték.
A művész, aki nagymértékben meghatározta a huszadik század nyugat-európai és amerikai művészetének természetét, a spanyol Pablo Picasso volt, aki élete nagy részét Franciaországban élte le.
1900-ban Picasso és barátja, Casachemes Párizsba indult. Egy másik katalán festő, Isidre Nonell által nemrégiben kiürített műteremben telepedtek le. Ott, Párizsban ismerkedett meg Pablo Picasso az impresszionisták munkásságával. Élete ekkoriban sok nehézséggel jár, és barátja, Casajemes öngyilkossága mély hatással volt az ifjú Picassóra. Ilyen körülmények között, 1902 elején kezdett el a később „kék időszaknak” nevezett stílusban alkotni. Picasso 1903-1904-ben Barcelonába visszatérve alakítja ezt a stílust, a „kék” és „rózsaszín” korszakot ábrázoló képeinek hősei hétköznapi nők, akrobaták, vándorcirkuszi színészek, koldusok. Még az anyaság témájának szentelt műveket sem a boldogság és az öröm, hanem az anya aggodalma és a gyermek sorsáért való aggodalma hatja át.
kék időszak.
A „kék korszak” kezdetét általában a művész második párizsi utazásához kötik. Sőt, 1901 karácsonyára visszatér Barcelonába, kész és elkezdett vásznakkal, melyeket egészen más módon festettek meg, mint amilyenben eddig dolgozott.
1900-ban Picasso találkozott Theophile Steinlen grafikájával. Érdekli az északi művészek színagresszivitása, de ebben az időben jelentősen korlátozta saját színanyagát. Minden gyorsan történt, néha egyszerre is. A festői alkotások, pasztell vagy rajzok stílusában, kifejezésében folyamatosan változtak. A több hét, sőt esetenként nap által elválasztott alkotások témája, jellege gyökeresen eltérő lehet. Picassónak kiváló vizuális memóriája és fogékonysága volt. Inkább az árnyékok, mint a színek mestere. A festészet a művész számára elsősorban grafikai alapokon nyugszik.
A szomorúság szüli a művészetet – győzködi most barátait. Festményein a néma magány kék világa bukkan fel, a társadalom által elutasított emberek - betegek, szegények, nyomorékok, idősek.
Picasso már ezekben az években is hajlamos volt a paradoxonokra és a meglepetésekre. Az 1900-1901 közötti éveket általában "Lautren"-nek és "Steilennek" nevezik a művész munkáiban, jelezve ezzel a közvetlen kapcsolatot párizsi kortársai művészetével. De egy párizsi útja után végre szakít hobbijaival. A „kék időszak” attitűdben, problémákban, plaszticitásban már a spanyol művészeti hagyományhoz kötődik.
2 vászon segít megérteni a helyzetet - „Abszint Drinker” és „Date”. A küszöbön állnak kék időszak", előrevetítve annak számos tematikus vonatkozását, és egyben kiegészítve Picasso kutatásainak egy egész sorát, saját igazsága felé való mozgását.
Nyugodtan kijelenthetjük, hogy Picasso 15 évesen már kiválóan elsajátította a szó akadémiai értelmében vett művészi képességeit. És ekkor elragadja a kísérletező kedv, aki a 20. század fordulóján az európai művészet irányainak és áramlatainak összetett összefonódásában keresi saját útját. Ezekben a keresésekben megnyilvánult Picasso tehetségének egyik figyelemre méltó vonása - a művészeti irányzatok és irányzatok beolvadásának, asszimilálásának képessége. A „Dátum”-ban és az „Abszintivó”-ban még mindig kirajzolódnak az elsődleges források (a párizsi művészeti iskola). De a fiatal Picasso már a saját hangján kezd beszélni. Ami zavarta és gyötörte, most más képi megoldásokat igényelt. A korábbi mellékletek kimerültek.
A 20 éves Picasso egy igazi nagy művész félelmetlenségével fordul az élet "aljához". Kórházakat, pszichiátriai kórházakat, menhelyeket látogat. Itt találja festményeinek hőseit - koldusokat, nyomorékokat, nincsteleneket, bántalmazottakat és a társadalom emberei által kidobottakat. A művész nem csak szentimentális együttérzést akart kifejezni irántuk vásznaival. A csend kék világa, amelybe belemeríti az övét szereplők, nemcsak a szenvedés és a fájdalom szimbóluma, hanem a büszke magány, az erkölcsi tisztaság világa is.
A „Két nővér” ennek az időszaknak az egyik első alkotása volt. A "Nővérekben" és általában a "kék korszak" alkotásaiban a szerző a középkori művészet egyes hagyományaira összpontosít. Vonzotta a gótika stílusa, különösen a gótikus plasztika spirituális kifejezőképességével. Picasso ezekben az években fedezi fel El Grecót és Moralesit. Műveikben megtalálja a lélektani kifejezőkészséget, a színek szimbolikáját, a formák éles kifejezését, a képek magasztos szellemiségét, összhangban az akkori hangulatokkal, keresésekkel.
A „Két nővér” minden tekintetben a „kék korszak” jellegzetes alkotása. A "Nővérek" sokrétű tartalmában újra felcsendül az emberek közötti kommunikáció témája, két lény barátsága, mint az élet viszontagságaitól való védelem garanciája, a világ ellenségeskedése.
Picasso másik tipikus festménye a „kék korszakról” az „Öreg zsidó fiúval”. Egy sor alkotáshoz csatlakoznak, ahol a koldusok, a vakok, a nyomorékok hősként lépnek fel. Úgy tűnik, hogy bennük a művész kihívást jelent a virágzó és közömbös pénzeszsákok és filiszterek világával. Picasso hőseiben bizonyos igazságok hordozóit akarta látni a hétköznapi emberek elől elrejtve, csak a belső szem számára, az ember belső élete számára. Nem csoda, hogy a „kék időszak” festményeinek legtöbb szereplője vaknak tűnik, nincs saját arca. Belső világukban élnek, vékony "gótikus" ujjaik nem a tárgyak külső formáit, hanem belső titkos jelentésüket tanulják meg.
1901 februárjától Madridban Picasso először kezdett komolyan tanulmányozni az új művészetet, amely aztán megkezdte győzelmes menetét szinte egész Európában. A Madridban eltöltött néhány hónap meghatározónak bizonyult élete további alakulása szempontjából. Ezt a pillanatot még egy pusztán külső változás is fémjelzi: korábban P. Ruiz Picassóval írta alá rajzait, de most már csak édesanyja neve látható alkotásain.
Ebben az időszakban Picasso eredményesen dolgozik. Kiállításait Barcelonában rendezik. 1901. június 24-én rendezte meg az első kiállítást Párizsban, ahol most élt. Itt egy új stílus kap lendületet, megtörve a színeket a hideg tónusokra korlátozó trendet. Párizs a paletta erőteljes újjáélesztésére ösztönözte Picassót. Egyre gyakrabban jelentek meg festmények virágcsokrokkal és meztelen modellekkel. Ha Madridban a művész főként dolgozott kék szín, most mellé a kék és zöldben tiszta, gyakran kontrasztos színek feküdtek. Egy új stílus tört fel a felszínre. A művész olykor széles színfelületeket vázolt fel kék, lila és zöld színekben. Ezt a módot "ablaküvegek időszakának" nevezték.
1903 elején Picasso visszatért Barcelonába, és tájképeket vett fel, szinte mindegyiket kék színben. A tájfestészet mindig is elhanyagolt művész volt. Picasso nem elég romantikus ahhoz, hogy a természetet kimeríthetetlen inspiráció forrásának tekintse. Valójában csak az ember érdekli, és az, ami közvetlenül körülveszi vagy megérinti az embert.
A kék színt most az okker és a halványlila színek közelsége tompítja, amelyeket egy közös rózsaszín tónus egyesít. A kék korszak új, átmeneti szakaszba lépett, a vándorszínházi és cirkuszi emberek idejébe.
Akrobata és fiatal harlekin 1905
A „kék” és „rózsaszín” korszak a spanyol művész, Pablo Picasso munkásságában a művész egyéni stílusának kialakulásának ideje. Ebben az időben az impresszionizmustól való eltérés tapasztalható, Toulouse-Lautrec, Degas és más híres művészek stílusának öröklése.
"Kék" időszak (1901-1904)
Önarckép. 1901
Nevét a kék és kék színekben készült festmények általános tonalitásáról kapta, amelyet a kétségbeesés és a magány hangulata egyesít. Ennek az időszaknak az egyik első alkotása az „Önarckép” (1901) és az „Abszintivó” (1901). Picasso képeinek hősei többsége a társadalom alsóbb rétegeinek, nyomorgó, beteg vagy gonosz emberek képviselői. A későbbi "kék" alkotások közül érdemes kiemelni az "Egy nő feje" (1902-1903), "Egy vak férfi reggelije" (1903), "Egy öreg zsidó fiúval" (1903), " Vasaló" (1904). Esztétikai szempontból fontos az új ábrázolásmód felé való elmozdulás, a felesleges részletek kizárása a kompozícióból, és számos egyéb olyan döntés, amely lehetővé teszi a néző számára, hogy a kép által keltett érzelmekre összpontosítson. Ugyanakkor ezek a Picasso-művek nem tekinthetők teljesen eredetinek, mert. részben a spanyol festészetre jellemző motívumokat és technikákat alkalmaznak. Az ilyenek kialakítására érzelmi hangulat A festményeket erősen befolyásolta az élet valósága. A „kék” időszak kezdete Carlos Casagemas művész egyik közeli barátjának 1901-ben történt öngyilkosságához kötődik. A halál közelsége, a magány, az 1903-as, forráshiány miatti kényszerű Barcelonába való visszatérés befolyásolta a festmények depressziósságát.
"Lány a labdán" - az egyensúly élet és halál között
Lány a labdán. 1905
Ez az 1905-ben festett festmény az átmeneti időszak jellegzetes alkotása. Az az idő, amikor a fájdalom, a kétségbeesés és a szenvedés fokozatosan eltűnik a művész festményein, helyébe az élő emberi örömök iránti érdeklődés lép, amelyet cirkuszi előadók és művészek testesítenek meg. Ennek a kontrasztokra (mozgás és statika, lány és sportoló, könnyedség és nehézkedés stb.) épülő mű tartalma teljes mértékben megfelel a halál keserűsége és az életörömök közötti átmenet szimbolikájának.
"Rózsaszín" időszak (1904-1906)
A „rózsaszín” korszakra való fokozatos átmenet munkásságában már 1904-ben megtörtént, amikor a művész életében pozitív változások következtek be: az avantgárd élet forrongó központjába – a montmartre-i művészszállóra – költözött, elesett. szerelmes Fernande Olivier-be, sokakkal találkozott érdekes emberek, akik között volt Matisse és Gertrude Stein is. A korabeli, rózsaszín, piros, gyöngyház tónusú alkotások fő témái a Medrano cirkusz humoristái. A festményeket sokféle téma, dinamika és mozgás jellemzi. Ugyanakkor a művész folytatja a „kék” korszakban kialakult egyéni stílus kialakítását. Ebbe az időbe tartoznak az „Akrobata és az ifjú harlekin” (1905), „A komikusok családja” (1905), „Jester” (1905) stb. A „rózsaszín” korszak végén a képek ihlette. ősi mítoszok: "Lány kecskével" (1906), "Fiú, aki lovat vezet" (1906), érdeklődést mutat a meztelen "Fésülés" (1906), meztelen fiú (1906) képe.
Pablo Picasso 1881. október 25-én született Spanyolországban, Malaga városában, Jose Ruiz Blasco művész családjában. A leendő művész tehetsége korán megmutatkozott. A fiú már 7 éves korától hozzáadott néhány részletet apja festményeihez (az első ilyen alkotás a galambok mancsa volt). 8 évesen festették meg az első komoly olajfestményt "Picador" néven.
"Picador" 1889
13 évesen Pablo Picasso a barcelonai Művészeti Akadémia hallgatója lett - Pablo olyan jól mutatta magát a felvételi vizsgákon, hogy a bizottság fiatal kora ellenére felvette az akadémiára.
1897-ben Picasso Madridba távozott, hogy bekerüljön a San Fernandói Királyi Képzőművészeti Akadémiára. De Pablo legfeljebb egy évig tanult ott – túl unalmas és szűkös volt egy fiatal tehetség számára a klasszikus hagyományokkal rendelkező akadémián. Madridban a fiatalembert jobban érdekelte a metropolisz mozgalmas élete. Pablo sok időt szentelt olyan művészek munkáinak tanulmányozására is, mint Diego Vilasquez, Francisco Goya és El Greco, akik nagy benyomást tettek a művészre.
Ezekben az években a művész először Párizsba látogatott, amelyet akkoriban a művészetek fővárosának tekintettek. Hónapokig élt ebben a városban, és különféle múzeumokat látogatott meg, hogy tanulmányozza a festészet mesterei: Van Gogh, Gauguin, Delacroix és még sokan mások munkáit. Picasso a jövőben gyakran látogat majd Párizsba, és később ez a város annyira magával ragadja, hogy Picasso úgy dönt, végleg odaköltözik (1904).
Pablo Picasso leghíresebb művei, amelyeket a korai időszakban (1900 előtt) írt
"Egy anya portréja" 1896
"Tudás és irgalom" 1897
„Elsőáldozás” 1896
„Önarckép” 1896
"Matador Luis Miguel Domingen" 1897
"Spanyol házaspár a szálloda előtt" 1900
„Mezítlábas lány. Töredék» 1895
"Ember a tóparton" 1897
"Férfi kalapban" 1895
"Boulevard Clichy" 1901
"A művész apjának portréja" 1895
A következő időszakot Pablo Picasso munkásságában „kéknek” hívják. 1901-1904-ben. Picasso palettáján a hideg színek érvényesültek – leginkább a kék és annak árnyalatai. Picasso ekkoriban az öregség témáit vetette fel, a szegénység, a szegénység, a melankólia és a szomorúság volt a kor festményeinek jellegzetes hangulata. A művész emberi szenvedést ábrázolt, vakokat, koldusokat, alkoholistákat és prostituáltakat stb. - ők voltak a "kék" korszak főszereplői.
A „kék” korszak alkotásai (1901-1904)
"A vakok reggelije" 1903
"Anya és gyermeke" 1903
"Abszintivó" 1901
"Vasaló" 1904
"A koldus öreg a fiúval" 1903
"Élet" 1903
"Két nővér (dátum)" 1902
"Kék szoba (fürdő)" 1901
"Ínyenc" 1901
"Ülő nő kapucniban" 1902
A "rózsaszín" időszakban (1904-1906) fő téma a művész munkájában volt egy cirkusz és annak szereplői - akrobaták és komikusok. Élénk, vidám színek uralkodtak. Ennek az időszaknak a kedvenc szereplője a harlekin, amelyet leggyakrabban Picasso műveiben találtak meg. A cirkusz mellett Fernanda Olivier modell is ihlette, akivel 1904-ben, a „rózsaszín” korszak legelején ismerkedett meg. Ő volt a művész múzsája az egész időszakban.
A "rózsaszín" időszak alkotásai (1904-1906)
"Akrabat és harlekin" 1905
"Lány kecskével" 1906
"Lóvezető fiú" 1906
"A humoristák családja" 1905
"Parasztok" 1906
"Meztelen nő kancsóval" 1906
„Fésülés” 1906
"Nő kenyérrel" 1905
"Két akrabata egy kutyával" 1905
"WC" 1906
az egyik híres festmények P. Picasso "Lány a labdán" (1905), amely most bekerült Állami Múzeum képzőművészetőket. A. S. Puskin, egyes szakértők a „kék” időszakról a „rózsaszínre” való átmenetet nevezik.
"Lány a labdán" 1905
Picasso munkásságában a fordulópont Gertrude Stein portréja volt, amelyet 1906-ban festett.
A portréval kapcsolatos munka nehéz volt - a művész körülbelül 80-szor festette újra a portrét, és ennek eredményeként Picasso eltávolodott a portrétól, mint a klasszikus értelemben vett képzőművészeti műfajtól. Picasso minden további munkája csak egy mondatával jellemezhető: „Nem azt kell írnunk, amit látok, hanem azt, amit tudok”. P. Picasso élete végéig ehhez az installációhoz próbált ragaszkodni.
Kubizmus
Pablo Picasso munkásságának ez a nagyszerű időszaka több szakaszra oszlik. Ez a karakterek részletezésének teljes elutasításának ideje: a téma és a háttér szinte eggyé olvad, nincsenek egyértelműen meghatározott határok. Picasso meg volt győződve arról, hogy egy művész többre képes, mint csak megmutatni, amit a szem lát.
Az első szakasz a "Cezanne" más néven "afrikai" időszak. Ezt a szakaszt a képek felhasználásával történő felépítés jellemzi egyszerű geometriai formák és a felhős elmosódott zöld, okker és barna tónusok túlsúlya.
1907-1909-ben a művész figyelme az afrikai művészetre irányult, amellyel először 1907-ben találkozott a Trocadero Múzeumban rendezett néprajzi kiállításon. Ettől kezdve Picasso munkáit az ábrázolt tárgyak egyszerű, sőt primitív formái kezdték uralni. A technikában a művész durva árnyékolást kezdett használni. Az első "afrikai" stílusban készült festmény az "Avignoni lányok" volt 1907-ben.
Ezt a képet a szerző egész évben írta. Picasso ilyen sokáig egyetlen festményével sem dolgozott. Ennek eredményeként ez az alkotás annyira különbözött korábbi festményeitől, hogy a közvélemény félreérthetően érzékelte. De miután talált egy új stílust, amely érdekes volt számára, Picasso nem akart visszavonulni, és a művész 2 évig minden lehetséges módon fejlesztette.
A "Cezanne" kubizmus ("afrikai" korszak) művei (1907-1909)
"Paraszt" 1908
"Egy ember feje" 1907
"Fürdő" 1909
"Csendélet tállal és kannával" 1908
"Akt drapériával (Fátyolokkal tánc)" 1907
"Manuel Pallares portréja" 1909
"Három alak egy fa alatt" 1907
"Poharak és gyümölcsök" 1908
"Ember mellszobra (sportoló)" 1909
"Nő" 1907
Az elemző időszakban Picasso arra a felismerésre jutott, hogy teljes mértékben a tárgyak térfogatára és alakjára kell összpontosítania, háttérbe szorítva a színeket. És így fémjel az analitikus kubizmus monokrómmá vált. Érdemes megjegyezni a korszak alkotásainak szerkezetét is - a művész mintha apró darabokra zúzná a tárgyakat. Eltűnik a határvonal a különböző dolgok között, és mindent egy egészként érzékelünk.
Az "analitikus" kubizmus művei (1909-1912)
"Ember gitárral" 1911
"A férfi hegedűs" 1912
"Harmonikás" 1911
"Csendélet egy üveg itallal" 1909
„Költő” 1911
"Fernanda portréja" 1909
"Wilhelm Uhde portréja" 1910
"Ülő akt" 1910
"Nő zöldben" 1909
"Nő a karosszékben" 1909
A szintetikus korszak kezdete a Pablo Picasso által 1912-ben festett „Le Havre emlékei” festmény. Ezen a képen olyan élénkebb színek jelentek meg, amelyek nem az analitikus kubizmus velejárói.
A monokróm alkotások ismét átadták helyét a színeknek. Ennek az időszaknak a festményein alapvetően a csendéletek domináltak: borosüvegek, jegyzetek, evőeszközök és hangszerek. Az absztraktság hígítására a festményeken valódi tárgyakat használtak, mint például: kötelek, homok, tapéta stb.
A "szintetikus" kubizmus művei (1912-1917)
"Ember a kandallónál" 1916
"Férfi cilinderben" 1914
„Üveg és kártyázás» 1912
"Gitár" 1912
"Csendélet gyümölccsel az asztalon" 1914-1915
"Talapzat" 1914
"Asztal egy kávézóban (Bottle of Perno)" 1912
"Kocsma (sonka)" 1914
"Zöld csendélet" 1914
"Pipás ember, fotelben ül" 1916
Annak ellenére, hogy a kubizmust sokan aktívan kritizálták, ennek az időszaknak a alkotásai jól fogytak, és Pablo Picasso végül abbahagyta a koldulást, és egy tágas műhelybe költözött.
A következő időszak a művész munkásságában a neoklasszicizmus volt, amelyet Picasso Olga Khokhlova orosz balerinával kötött házassága kezdeményezett 1918-ban. Ezt megelőzte Pablo 1917-es Parádé balett díszlet- és jelmezterveivel kapcsolatos munkája. hogy a művész találkozott Olga Khokhlovával.
Függöny a "Parádé" baletthez 1917
Balettműsor Felvonulás Picasso rajzával. 1917
Picassónak öltözött kínai bűvész, modern értelmezés, 2003
A francia "steward" (ugató) karaktere
Ez az időszak nagyon távol áll a kubizmustól: igazi arcok, világos színek, szabályos formák... Orosz felesége inspirálta a munkája ilyen jellegű változásaira, aki sok újat hozott Pablo életébe. Még a művész életstílusa is megváltozott – társasági eseményeken, jelmezes baletteken stb. Egyszóval Picasso világi környezetben kezdett forogni, ami korábban idegen volt tőle. A kubizmusból a klasszicizmusba való ilyen éles átmenet miatt Picassót sokan kritizálták. A művész az egyik interjúban minden állításra így válaszolt: „Ha mondani akarok valamit, úgy beszélek, ahogyan azt véleményem szerint el kell mondani.”
A neoklasszikus időszak alkotásai (1918-1925)
"Levelet olvasni" 1921
„Fürdősök” 1918
"Szerelmesek" 1923
"Anya és gyermeke" 1921
"Olga Khokhlova mantilában" 1917
"Olga Picasso" 1923
„Elsőáldozás” 1919
"Pierrot" 1918
"Olga portréja a karosszékben" 1917
"Pál portréja", a művész fia, 1923
"Alvó parasztok" 1919
"Három fürdőző" 1920
"Nő gyerekkel a tengerparton" 1921
"Nő a mantilában" 1917
"Nők futnak a parton" 1922
1925-ben a művész megfestette a "Tánc" című festményt, amely teljes mértékben tükrözi a művész személyes életének akkori problémáit.
1927 telén Picasso találkozik új múzsájával, a tizenhét éves Marie-Thérèse Walterrel, aki a szürrealista időszak számos festményének szereplője lett. 1935-ben a párnak született egy lánya, Maya, de 1936-ban Picasso elhagyta Mária Teréziát és Olga Khokhlovát, akikkel Olga 1955-ös haláláig nem nyújtott be hivatalos válást.
A szürrealizmus időszakának alkotásai (1925-1936)
"Akrabat" 1930
"Kődobó lány" 1931
"Figurák a tengerparton" 1931
"Csendélet" 1932
"Akt és csendélet" 1931
"Akt a tengerparton" 1929
"Akt a tengerparton" 1929
"Nő virággal" 1932
"Álom (Maria Teresa Walter művésznő szeretőjének portréja)" 1932
"Akt egy karosszékben" 1932
"Akt egy karosszékben" 1929
"Csók" 1931
A 30-as és 40-es években a bika, a Minotaurusz, Picasso számos festményének hőse lett. A művész alkotásaiban a Minotaurusz a pusztító hatalom, a háború és a halál megszemélyesítője.
"Minotauria" 1935
"Paletta és bikafej" 1938
"Bárányfej" 1939
"Csendélet bikakoponyával" 1942
"Bikakoponya, gyümölcs, kancsó" 1939
"Három kosfej" 1939
1937 tavaszán a német fasiszták szó szerint kiirtották a spanyolországi Guernica kisvárost. Picasso nem hagyhatta figyelmen kívül ezt az eseményt, és így született meg a „Guernica” festmény. Ezt a képet nevezhetjük a Minotaurusz-téma apoteózisának. A festmény méretei lenyűgözőek: hossza - 8 m, szélessége - 3,5 m A festményhez kapcsolódóan egy eset ismert. A Gestapo házkutatása során egy náci tiszt észrevette a festményt, és megkérdezte Picassót: "Te csináltad?" mire a művész azt válaszolta: „Nem. Megcsináltad!"
"Guernica" 1937
A Minotauruszokról szóló vásznakkal párhuzamosan Pablo Picasso sorozatot készít a szörnyekről. Ez a sorozat a művész pozícióját fejezi ki közben polgárháború Spanyolországban, amelyben a republikánusokat támogatta és szembeszállt Franco diktátor politikájával.
"Franco tábornok álmai és hazugságai" (1937)
"Franco tábornok álmai és hazugságai" (1937)
Mind Második világháború Pablo Picasso Franciaországban élt, ahol a művész 1944-ben a Francia Kommunista Párt tagja lett.
Háborús munkák (1937-1945)
"Fácán" 1938
"Egy kalapos nő feje" 1939
„Mária Teréz koszorúban” 1937
"Művész Stúdió" 1943
"Maya egy babával" 1938
"Imádkozás" 1937
"Csendélet" 1945
"Síró nő fejkendővel" 1937
"Madarak a ketrecben" 1937
"Sebesült madár és macska" 1938
"Crypt" 1945
"Nő egy piros székben" 1939
1946-ban a művész festményeken és tablókon dolgozott a Grimaldi család antibes-i kastélyához (egy franciaországi üdülőváros). A kastély első termében „Az életöröm” című tablót helyezték el. A panoráma főszereplői mesés lények, faunok, kentaurok és meztelen lányok voltak.
"A lét öröme" 1946
Ugyanebben az évben Pablo megismerkedett a fiatal művész Francoise Gilot-val, akivel a Grimaldi kastélyban telepedtek le. Később Picassónak és Francoise-nak két gyermeke született, Paloma és Claude. Ebben az időben a művész gyakran festette gyermekeit és Francoise-t, de az idill nem tartott sokáig: 1953-ban Francoise elvette a gyerekeket, és elhagyta Pablo Picassót. Françoise nem tudta tovább elviselni a művész állandó árulásait és nehéz természetét. A művész nagyon keményen megtapasztalta ezt az elválást, ami nem befolyásolta munkáját. Ennek bizonyítéka egy csúnya öreg törpe tusrajzai egy gyönyörű fiatal lánnyal.
A "békegalamb" egyik leghíresebb szimbólumát 1949-ben hozták létre. Először a párizsi békevilágkongresszuson jelent meg.
1951-ben Picasso megfestette a "Mészárlás Koreában" című festményt, amely az "elfelejtett" háború szörnyűségeit meséli el.
"Mészárlás Koreában" 1951
1947-ben a művész Dél-Franciaországba, Vallauris városába költözött. Ebben a városban kezdett érdeklődni a kerámia iránt. Picassót az 1946-ban meglátogatott évente megrendezett vallauris-i kerámiakiállítás inspirálta egy ilyen hobbira. A művész különösen érdeklődött a madurai műhely tárgyai iránt, amelyben később dolgozott. Az agyaggal való munka lehetővé tette az elismert festőnek és grafikusnak, hogy elfelejtse a háború borzalmait, és egy másik vidám és derűs világba merüljön. A kerámia parcellák a legegyszerűbbek és legegyszerűbbek - nők, madarak, arcok, mesefigurák… Még I. Karetnikov 1967-ben megjelent „Picasso kerámiája” című könyve is a Picasso-kerámiának szól.
Picasso Madura műhelyében
Picasso „Kék időszak” festményei a fájdalom, a magány és a pusztító depresszió kvintesszenciája. Paradox módon ennek az időszaknak a fő eseményei a szerelem városában és a művészet fővárosában - Párizsban - bontakoztak ki. Miért, az élet legelején és kreatív módon Picassónak voltak ilyen szomorú, komor tónusai? Milyen események változtatták meg örökre a művész életét?
Lásd Párizst, és ne halj meg
Tizenkilencedik születésnapja előestéjén Picasso művészbarátjával, Carlos Casagemas-szal Párizsba ment. A fiatalok egy szót sem tudtak franciául, de ez nem akadályozta meg őket abban, hogy gyorsan megismerkedjenek a helyi katalánokkal, és bérelt szállást találjanak. Egész nap kávézókban, a Louvre-ban, a világkiállításon, bordélyházakban és kabarékban töltöttek. Azonban ez is sok munkát igényelt. Egyik levelében Casagemas ezt írja: "Amikor fény van – úgy értem, napsütés, nem lehet éjjel-nappal elmenekülni a mesterséges dolgoktól –, a műteremben vagyunk, festünk."
Az első párizsi látogatás két fiatalnak... nőt adott. Picasso minden varázsát és mágnesességét felhasználta, hogy hölgyekkel viszonyuljon – és ebben sem a nyelvi akadály, sem az általános zavar nem akadályozhatta meg. Leggyakrabban a fiatalok modelljeik társaságában töltötték az időt. Egyikük - Odette - Picasso barátnője lett. A második egy spanyol gyökerű francia nő, Germaine Gargallo - Casagemas. És bár Germaine házas volt, a szabadság és a kalandok utáni ellenállhatatlan vágya időnként új férfiakkal való kapcsolatokba keverte.
"Casagemas és Picasso művészek két lányt üldöznek", 1900
Casagemas és Picasso közeli barátok voltak, de karakterükben teljesen ellentétesek voltak. Az impulzív, bizonytalan, férfiasságában kétkedő Carlos nagyon ideges volt, amikor Germaine nem figyelt rá, vagy flörtölt másokkal. A féltékeny szív lecsillapítására és a rossz gondolatoktól való elterelésére munkával terhelte meg magát: „Jövő héttől, azaz holnaptól megtöltjük életünket békével, nyugalommal, munkával és mindennel, ami lelki és testi békét hoz. életerő. Ezt a döntést a hölgyekkel folytatott hivatalos találkozó után hoztuk meg.”
Első mecénás
Petrus Manache, akit spanyolul beszélő barátai mutattak be Picassónak, ismert párizsi műgyűjtő és kereskedő volt. Manasht lenyűgözte Picasso munkája, és ajánlatot ajánlott: havi százötven frankot minden olyan festményért, amelyet a művész ezalatt sikerül elkészítenie, valamint személyes pártfogását, Manash-t. Pablo egyetértett. Egyrészt a javaslat egyedülálló esélyt adott Picassónak, hogy kitörjön a szegénységből, amelyben korábban mindig is benne volt. A Manash ajánlatának nagyvonalúságának megértéséhez el kell mondanunk, hogy például egy műhely bérleti díja havi 15 frankba került, és napi két frank is elég volt a napi szükségletekhez.
Másrészt, ez a Petrus pénzétől való függés hamar bántani kezdte Picasso büszkeségét: egy makacs, elkényeztetett fiú, aki soha senkinek nem tartozott semmivel, olyan rabságba esett, amely súlyosan nehezedett rá. És még távolról is - amikor Picasso úgy döntött, hogy egy időre visszatér hazájába, Spanyolországba - Manash megpróbálta irányítani, és folyamatosan új festményeket követelt.
És elég gyorsan hazatért. A karácsonyhoz közeledve Picasso és Casagemas rájött, hogy hiányoznak rokonaik. Párizs - minden fényével, zajával, fényes reklámplakátjaival, végtelen bulikával és bordélyházaival - elegük van. A fiatalok úgy döntöttek, hogy visszatérnek Barcelonába. Katalónia fővárosában azonban gyorsan rájöttek: itt csak a szegénység, a hírnév indokolatlan reményei és a végtelen bordélyok várják őket. Casagemas a szeme láttára sínylődött a szeretője utáni sóvárgástól, akit Franciaországban hagyott. Picasso hiába remélte, hogy a helyi táncosok el tudják terelni egy barátját a végzetes Germainről szóló gondolatoktól. Hamarosan Carlos bejelentette, hogy visszatér Párizsba.
Merülj a sötétségbe
1901 februárjában Picasso levelet kapott, amely tönkretette korábbi életét. Közölték, hogy Carlos Casagemas, legközelebbi barátja és kreatív kollégája meghalt.
Február tizenhetedikén – mielőtt elindult Barcelonába – Carlos búcsúvacsorát szervezett a Hippodrome étteremben. Mint később kiderült, Casagemas előre felkészült erre az eseményre, és tudta, hogy a vacsora az utolsó lesz életében. A Germain iránti szenvedély megszállottja, egy töltött revolvert hozott magával, és felkiáltott: „Itt vagy!” - lőtt rá a gyűlölt kedvesre. Azonban lemaradt. A második golyó "És ez nekem szól!" - küldte fejbe magát. Germaine nem sérült meg, Carlos Casagemas pedig néhány órával később a kórházban meghalt.
A fiú édesanyja nem tudta elviselni a hírt. Picassónak több hónapba telt, mire rájött, mi történt. A tragédia utáni első munkája Carlos Casagemas portréja volt egy helyi újságban megjelent gyászjelentéshez.
Henri Gidel „Picasso” című könyvéből: „Casagemas megszállott emlékei kísértve, amelyek állandóan szemrehányásként jelentek meg emlékezetében, megpróbálta kiűzni magából ezt a fájdalmat. Picasso több hónapig használta a legjobb módönvédelem – művészete. És annak érdekében, hogy teljesen meggyógyuljon, úgy döntött, hogy reprodukálja a február 17-i drámát ... annak minden borzalmában. Lepel borított fiatalembert ábrázol, a közelben égő gyertya világítja meg halálsápadt arcát. A jobb halántékon egy sötét folt, az a hely, ahol a golyó behatolt. Ez a festmény - és nem véletlenül - Van Gogh módjára van festve, aki hasonló módon lett öngyilkos.
Casagemas halála, 1901
Ettől a pillanattól kezdve Picasso rettenetes depresszióba esett, ami belülről kezdte korrodálni. Megpróbálva elfelejteni önmagát, belevetette magát a munkába, és úgy döntött, hogy kreativitással győzi le a gyászt. Most a célnak minden eszközt igazolnia kellett - és Picasso hamarosan úgy döntött, hogy visszatér Párizsba. Megállapodott saját egójával, és ismét Manashhoz ment, aki viszont alig várta, hogy visszatérjen a kórterem. Picassónak még az elhunyt Casagemas műtermét is bérelte, amely a szerencsétlenül járt Hippodrome étterem mellett található.
Ugyanebben a műhelyben Picasso portrét festett pártfogójáról, amelyen ez az erős és magabiztos férfi egy matadorra emlékeztet, aki „készen áll, hogy harcba szálljon egy vad bikával, előre elfogadva a küzdelem bármely kimenetelét”.
"Petrus Manash", 1901
A nagy tapasztalattal rendelkező Manashra azonban hamarosan nagyon kellemetlen felfedezés várt: Picasso sokkal összetettebb és kiszámíthatatlanabb, mint gondolta. A várva várt fényes, vidám vásznak helyett a művész komor, pesszimista, fájdalommal és szenvedéssel teli festményeket készített váratlan kék és kék tónusokban.
"Kék időszak"
Picasso egész idő alatt csak egy barátja elvesztésére gondolt. A veszteség fájdalma nem enyhült, csak új lendületet kapott. A festményeket kimerült emberek, beteg nyomorékok és magányos vándor művészek lakták. Minden ekkori alkotás piercinggel van írva kék tónusokés sugározza a szereplők végtelen magányos érzését. Úgy tűnik, mindannyian egy férfira várnak, aki soha többé nem jön el. A művész saját önarcképe erről az időszakról élesen eltér a múlttól: ennek a képnek a lényege az üresség, a komorság és a kilátástalanság.
„Önarckép”, 1901
Talán Picasso szándékosan merült el a szenvedésben, átitatva a kék időszak ihletétől. A "Casagemas temetése" című festmény – méretét tekintve a Párizsban készültek közül a legnagyobb – műtermének jelentős részét foglalta el, és egyben paravánként is szolgált. Újra és újra lefestette halott barátját, mintha át akarná érezni haldokló fájdalmát és szenvedését.
"Germaine", 1902
És közben ment az élet. Carlossal közös barátjuk - Manolo - Germaine szeretője lett. És hamarosan maga Picasso is azzá vált. Miért? Már nem tudjuk megtudni. Talán a kapcsolat ezzel a nővel egy újabb kísérlet volt, hogy túlélje egy elhunyt barát fájdalmát, a vágy, hogy megértse őt. Germaine árnyéka, aki végül feleségül vette Manolot, egész életében Picassóval volt. Gertrude Stein író ezt mondta a művészről: „Olyan ember, akinek folyamatosan ki kell ürítenie magát, ehhez pedig erőteljes ösztönzésre van szüksége a tevékenységre, a teljes pusztulásra.”
"Két nővér", 1902
A "Két nővér" festmény egy prostituált és egy apácát ábrázol (egy másik értelmezés szerint ez egy prostituált és az anyja). Ezzel a művével a művész megmutatta a nőkhöz való hozzáállását: szerinte mindegyikük szentekre és paráznákra oszlik. Picasso továbbra is bordélyházakban és kabarékban töltötte az időt, de szorosan bezárta a szívét, és egy éjszakánál tovább nem került a nők közelébe.
"Szerelmesek", 1904
Palau y Fabre író ezt a témát érintette a "Picasso élete, 1881-1907" című könyvében, amikor így írt a "Szerelmesek" című festményről: "...két féreg, egymásba fonódva és összefonódva... Picasso, aki elrejti a arc, női test valószínűleg már titkol valamit önmaga elől – valamit, amit nem akar teljes egészében látni, amire igyekszik nem gondolni.
Picasso ezekben az években számos grafikai alkotást készített, amelyben új, egyedi stílusa született: vázlatok egy folyamatos sorban, a ceruza letépése nélkül. A festmények befejezetlennek tűnnek, de még ezek is átadják a művész testi-lelki gyötrelmét ebben a nehéz időszakban.
"Élet", 1903
Az élet a kék időszak központi alkotása, tele kétértelmű szimbólumokkal. A bal oldalon Casagemas idealizált képe, amelyhez egy meztelen nő tapadt. A jobb oldalon egy gyerekes nő, aki szemrehányóan néz a fiatalemberre: talán ez Casagemas anyja. A háttérben - két vászon: felül - egy ölelkező pár, a szerelem képe; az alsón egy kuporgó nő, a fájdalom és a magány megtestesítője.
A Kék időszak összes művének fő motívuma a magány és az emberi szenvedés elkerülhetetlensége; a szegények, betegek, idősek és nyomorékok kínja. A létezés valósága elviselhetetlen terhet rótt a korábban gondtalan Picassóra: ennek az időszaknak a festményein – a művész munkásságában a legsötétebb időszakon – öltöttek testet a vele és szeretteivel történtek jelentésére való elmélkedések (bajaik és bánataik). .
A "kék időszak" remekeinek beszerzése
Az ilyen mély és egyben súlyos jelentésű műveket szinte lehetetlen volt eladni. Egy napon Picasso összeszedte az összes művet, és egyszerűen odaadta barátjának, Ramon Pisho-nak. És helyesen cselekedett: egy felelős elvtársnak sikerült megmentenie a köteget, és neki köszönhető, hogy ma láthatjuk Picasso akkori remekműveit.
"Ha a köteg elveszett volna, nem lett volna kék periódus, mivel minden, amit akkor festettem, ott volt." Pablo Picasso
Valamivel később (1905-ben) Picasso találkozott Guillaume Apollinaire íróval és költővel, majd két nappal később megmutatta neki a Kék időszak művét. Apollinaire, aki ehhez hasonlót még nem látott, egyfajta fordítója lett Picasso képi nyelvének általunk értett emberi nyelvre. Mit ne mondjak: ő maga tudta értelmezni a jelentésüket a művész számára, akinek a saját festményei valami intuitív és tudatalattit jelentettek. Apollinaire cikkei csodálatos példái annak, hogyan válik egy művészi vászon szövegéből teljes értékű irodalmi mű.
„Ezek a gyerekek, akik nem kaptak szeretetet, mindent értenek. Ezek a nők, akiket senki sem szeret, nem felejtenek el semmit. Úgy tűnik, valami ősi templom árnyékában rejtőznek. Hajnalban eltűnnek, a csend vigasztalja. Jeges köd borította be őket. Ezeknek az idős embereknek joguk van alamizsnáért koldulni, megaláztatás nélkül…” – írta Apollinaire. „... Azt mondják, hogy Picasso műveiben érződik az idő előtti csalódás. De szerintem ez fordítva van. Picassót lenyűgözi az, amit lát, és az igazi tehetség lehetővé teszi képzeletének, hogy az öröm és az undor, az alázat és a magasztos keveredjen. Picasso naturalizmusának, a részletekre való gyengéd figyelmének másik oldalán rejlik a vallástól legtávolabbi spanyolokban is rejlő miszticizmus... A vékony, rongyos akrobaták, akiket sugárzó fényudvar vesz körül, az emberiség igazi fiai: ingatag, árulkodó. , ügyes, szegény, álnok".
Fotó: Getty Images Oroszország, RIA Novosti
„Elmerültem a kékbe, amikor rájöttem, hogy Casajemas meghalt” – ismerte be később Picasso. „Picasso munkásságában az 1901-től 1904-ig tartó időszakot szokták „kék” korszaknak nevezni, mivel az akkori festmények többsége hideg kék-zöld skálán van megfestve, fokozva a fáradtság és a tragikus szegénység hangulatát. A később „kék”-nek nevezett időszakot megsokszorozták a szomorú jelenetek képei, a mély melankóliával teli festmények. Első pillantásra mindez összeegyeztethetetlen magának a művésznek az óriási vitalitásával. De emlékezve egy hatalmas szomorú szemű fiatalember önarcképére, megértjük, hogy a „kék” időszak festményei azokat az érzelmeket közvetítik, amelyek a művészt abban az időben birtokolták. Egy személyes tragédia élesítette fel a szenvedő és hátrányos helyzetű emberek életéről és gyászáról alkotott képét.
Paradox, de igaz: az életrend igazságtalanságát nemcsak azok érzik át élesen, akik gyermekkoruk óta megtapasztalták az élet nehézségeinek igáját, vagy ami még rosszabb - a szeretteik ellenszenvét, hanem a meglehetősen boldoguló emberek is. Picasso jó példa erre. Édesanyja imádta Pablot, és ez a szerelem áthatolhatatlan páncélja lett számára haláláig. Az állandóan anyagi nehézségekkel küzdő apa minden erejével tudta, hogyan segítsen fiának, bár néha egészen más irányba mozdult el, mint ahogy don Jose jelezte. A szeretett és virágzó fiatalember nem vált egocentrikussá, bár ehhez úgy tűnik, hozzájárult a dekadens kultúra légköre, amelyben Barcelonában alakult. Ellenkezőleg, nagy erővel érezte a társadalmi rendetlenséget, a szegények és gazdagok közötti óriási szakadékot, a társadalom szerkezetének igazságtalanságát, embertelenségét - egyszóval mindent, ami a 20. század forradalmához és háborújához vezetett. .
Térjünk át Picasso akkori egyik központi művére - az 1903-ban készült „Az öreg koldus fiúval” című festményére, amely jelenleg az Állami Szépművészeti Múzeumban található. MINT. Puskin. Lapos, semleges háttéren két ülő figura látható - egy ócska vak öregember és egy kisfiú. A képek itt élesen kontrasztos ellentétükben adódnak: ráncoktól barázdálva, mintha divatosak lennének erős játék A chiaroscuro egy öregember arca mély üregekkel, vak szemekkel, csontos, természetellenesen szögletes alakjával, lábai és karjai törő vonalaival, és vele ellentétben tágra nyílt szemekkel a gyengéd, lágyan mintázott arcon. fiú, ruháinak sima, folyó vonalai. Egy fiú, aki az élet küszöbén áll, és egy levert öregember, akire már rányomta a bélyegét a halál – ezeket a szélsőségeket egyesíti a képen valami tragikus közös vonás. A fiú szemei tágra nyíltak, de olyan láthatatlannak tűnnek, mint az idős férfi szemgödörének rettenetes rései: ugyanabban az örömtelen meditációban merül el. A tompa kék szín tovább fokozza a bánat és a kilátástalanság hangulatát, ami az emberek szomorúan tömény arcán nyilvánul meg. A szín itt nem a valódi tárgyak színe, és nem is a kép terét elárasztó valódi fény színe. Picasso ugyanazokkal a tompa, halálosan hideg kék árnyalatokkal közvetíti az emberek arcát, ruháit és a hátteret, amelyen ábrázolják őket.
A kép élethű, de sok konvenció van benne. Az idős férfi testének arányai hipertrófiásak, a kényelmetlen testtartás hangsúlyozza megtörtségét. A vékonyság természetellenes. A fiú arcvonásai túlságosan leegyszerűsítettek. „A művész nem árul el semmit arról, hogy kik ezek az emberek, melyik országhoz, korszakhoz tartoznak, és miért ülnek ezen a kék földön, így összebújva. Mindazonáltal a kép sokat mond: az öregember és a fiú ellentétében egyszerre látjuk az egyik szomorú, sivár múltját, a másik reménytelen, elkerülhetetlenül borús jövőjét és mindkettőjük tragikus jelenét. A szegénység és a magány nagyon gyászos arca néz ránk szomorú szemével a képről. Ebben az időszakban készített munkáiban Picasso kerüli a töredezettséget, a részletezést, és minden lehetséges módon igyekszik hangsúlyozni az ábrázolt fő gondolatát. Ez a gondolat továbbra is közös marad az övéi túlnyomó többségében korai művek; csakúgy, mint az Öreg koldus a fiúval című filmben, felfedi a rendetlenséget, az emberek gyászos magányát a szegénység tragikus világában.
