Hoci on sám pochádzal z buržoázneho prostredia a jeho zvyky a spôsob myslenia boli buržoázne, jeho maľba nebola buržoázna.
V roku 1896 Picassov otec prenajal dielňu pre svojho syna Pabla Picassa Ruiza na Calle de la Plata, kde teraz mohol pracovať bez nátlaku a dozoru a robiť, čo sa mu páčilo. Nasledujúci rok ho rodičia poslali do Madridu.
Umelec, ktorý do značnej miery určil povahu západoeurópskeho a amerického umenia dvadsiateho storočia, bol Pablo Picasso, Španiel, ktorý prežil väčšinu svojho života vo Francúzsku.
V roku 1900 Picasso a jeho priateľ Casachemes odišli do Paríža. Usadili sa v ateliéri, ktorý nedávno uvoľnil ďalší katalánsky maliar Isidre Nonell. Práve tam, v Paríži, sa Pablo Picasso zoznámil s dielom impresionistov. Jeho život v tejto dobe je plný mnohých ťažkostí a samovražda jeho priateľa Casajemesa mala na mladého Picassa hlboký vplyv. Za týchto okolností začal začiatkom roku 1902 robiť diela v štýle, ktorý sa následne nazýval „modré obdobie“. Picasso tento štýl rozvíja po svojom návrate do Barcelony v rokoch 1903 – 1904. Hrdinami jeho obrazov „modrého“ a „ružového“ obdobia sú obyčajné ženy, akrobati, potulní cirkusoví herci, žobráci. Dokonca aj diela venované téme materstva sú presiaknuté nie šťastím a radosťou, ale úzkosťou a starosťou matky o osud dieťaťa.
modré obdobie.
Začiatok „modrého obdobia“ sa zvyčajne spája s umelcovým druhým výletom do Paríža. Na Vianoce 1901 sa skutočne vracia do Barcelony s dokončenými a načatými plátnami, namaľovanými úplne iným spôsobom, než akým pracoval doteraz.
V roku 1900 sa Picasso stretol s grafikou Theophila Steinlena. Zaujíma sa o farebnú agresivitu severských umelcov, no práve v tomto období výrazne obmedzil vlastný farebný materiál. Všetko sa udialo rýchlo, niekedy dokonca súčasne. Malebné diela, pastely či kresby sa neustále menili v štýle, vo výraze. Téma a charakter diel, ktoré delí niekoľko týždňov a niekedy aj dní, môžu byť radikálne odlišné. Picasso mal vynikajúcu vizuálnu pamäť a náchylnosť. Je skôr majstrom tieňa ako farby. Maľba pre umelca spočíva predovšetkým na grafickom základe.
Smútok je to, čo rodí umenie, presviedča teraz svojich priateľov. V jeho obrazoch vzniká modrý svet tichej osamelosti, ľudia odmietaní spoločnosťou – chorí, chudobní, zmrzačení, starci.
Picasso už v týchto rokoch bol náchylný na paradoxy a prekvapenia. Roky 1900-1901 sa v umelcovej tvorbe zvyčajne nazývajú „Lautren“ a „Steilen“, čím naznačuje priamu súvislosť s umením jeho parížskych súčasníkov. Ale po výlete do Paríža konečne prestane so svojimi záľubami. „Modré obdobie“ z hľadiska postoja, problémov, plasticity sa spája už so španielskou umeleckou tradíciou.
2 plátna pomáhajú pochopiť situáciu - „Absintový nápoj“ a „Dátum“. Stoja na samom prahu modré obdobie“, predvídajúc mnohé z jeho tematických aspektov a zároveň dokončujúc celý pás Picassovho hľadania, jeho smerovania k vlastnej pravde.
Dá sa s istotou povedať, že už vo veku 15 rokov mal Picasso vynikajúce umelecké schopnosti v akademickom zmysle slova. A potom ho uchváti duch experimentovania pri hľadaní vlastnej cesty v zložitom prelínaní smerov a prúdov európskeho umenia na prelome 19. a 20. storočia. V týchto vyhľadávaniach sa prejavila jedna z pozoruhodných čŕt Picassovho talentu - schopnosť asimilovať, asimilovať rôzne trendy a trendy v umení. V "Date" a "The Absinthe Drinker" sú stále viditeľné primárne zdroje (parížska umelecká škola). Ale mladý Picasso už začína hovoriť vlastným hlasom. To, čo ho znepokojovalo a trápilo, si teraz vyžadovalo iné obrazové riešenia. Minulé prílohy boli vyčerpané.
S nebojácnosťou skutočného veľkého umelca sa 20-ročný Picasso obracia „na dno“ života. Navštevuje nemocnice, psychiatrické liečebne, útulky. Tu nachádza hrdinov svojich obrazov - žobrákov, mrzákov, nemajetných, týraných a vyhodených spoločnosťou. Umelec chcel svojimi plátnami vyjadriť nielen sentimentálny súcit s nimi. Modrý svet ticha, do ktorého ponorí svoje herci, nie je len symbolom utrpenia a bolesti, je to aj svet hrdej osamelosti, mravnej čistoty.
„Dve sestry“ boli jedným z prvých diel tohto obdobia. V „Sestrám“ a vôbec v dielach „modrého obdobia“ sa autor zameriava na určité tradície stredovekého umenia. Zaujal ho štýl gotiky, najmä gotická plastika so zduchovnenou expresivitou foriem. Picasso v tých rokoch objavil El Greco a Moralesi. V ich dielach nachádza psychologickú expresivitu, symboliku farby, ostré vyjadrenie foriem, vznešenú duchovnosť obrazov, v súlade s jeho vtedajšími náladami a hľadaním.
„Dve sestry“ sú po všetkých stránkach charakteristickým dielom „modrého obdobia“. V mnohostrannom obsahu „Sestry“ opäť zaznieva téma komunikácie medzi ľuďmi, priateľstvo dvoch bytostí ako záruka ochrany pred útrapami života, nevraživosť sveta.
Ďalším typickým obrazom Picassa z „modrého obdobia“ je „Starý Žid s chlapcom“. Spájajú sériu diel, kde žobráci, slepí, zmrzačení vystupujú ako hrdinovia. Zdá sa, že v nich umelec spochybňuje svet prosperujúcich a ľahostajných mešcov a filištínov. Picasso chcel vo svojich hrdinoch vidieť nositeľov určitých právd skrytých pred obyčajnými ľuďmi, prístupných len vnútornému oku, vnútornému životu človeka. Nečudo, že väčšina postáv na obrazoch „modrého obdobia“ pôsobí slepo, nemá vlastnú tvár. Žijú vo svojom vnútornom svete, ich tenké „gotické“ prsty sa neučia vonkajšie formy predmetov, ale ich vnútorný tajný význam.
V Madride, od februára 1901, Picasso prvýkrát začal vážne študovať nové umenie, ktoré potom začalo svoje víťazné ťaženie takmer po celej Európe. Niekoľko mesiacov strávených v Madride sa ukázalo ako určujúcich pre ďalší vývoj jeho života. Tento moment je poznačený aj čisto vonkajšou zmenou: kedysi podpisoval svoje kresby s P. Ruizom Picassom, no teraz je na jeho dielach vidieť len meno jeho matky.
Počas tohto obdobia Picasso pracuje plodne. Jeho výstavy sa konajú v Barcelone. 24. júna 1901 zorganizoval prvú výstavu v Paríži, kde teraz žil. Tu naberá na obrátkach nový štýl, ktorý láme trend obmedzovania farieb na studené tóny. Paris tlačil Picassa k silnému oživeniu palety. Čoraz častejšie sa objavovali obrazy s kyticami kvetov a nahými modelkami. Ak v Madride umelec pôsobil hlavne v modrá farba, teraz vedľa modrej a v zelenej farbečisté, často kontrastné farby ležať. Na povrch si razil cestu nový štýl. Umelec niekedy načrtol široké farebné plochy modrou, fialovou a zelenou. Tento spôsob sa nazýval „obdobie okenných tabúľ“.
Začiatkom roku 1903 sa Picasso vrátil do Barcelony a venoval sa krajinám, takmer všetky v modrej farbe. Krajinomaľba bola vždy umelcom v určitej miere zanedbávaná. Picasso nie je natoľko romantický, aby videl prírodu ako zdroj nevyčerpateľnej inšpirácie. V skutočnosti ho zaujíma len človek a to, čo človeka priamo obklopuje alebo sa ho dotýka.
Modrá farba je teraz zjemnená blízkosťou okrovej a bledofialovej farby, zjednotenej spoločným ružovým tónom. Modré obdobie vstúpilo do novej, prechodnej fázy, doby potulného divadla a cirkusových ľudí.
Akrobat a mladý Harlekýn 1905
„Modré“ a „ružové“ obdobia v tvorbe španielskeho umelca Pabla Picassa sú časom formovania umelcovho individuálneho štýlu. V tejto dobe dochádza k odklonu od impresionizmu, dedenia štýlov Toulouse-Lautreca, Degasa a iných slávnych umelcov.
"Modré" obdobie (1901-1904)
Autoportrét. 1901
Dostalo svoje meno kvôli všeobecnej tonalite obrazov, vyrobených v modrej a modrej farbe, spojených náladou zúfalstva a osamelosti. Jedným z prvých diel tohto obdobia boli „Autoportrét“ (1901) a „Piják absintu“ (1901). Väčšina hrdinov Picassových obrazov sú predstavitelia nižších vrstiev spoločnosti, chudobní, chorí alebo zlomyseľní ľudia. Z neskorších „modrých“ diel stoja za zmienku obrazy „Hlava ženy“ (1902 – 1903), „Raňajky slepca“ (1903), „Starý Žid s chlapcom“ (1903), „ Žehliar“ (1904). Z estetického hľadiska je dôležité prejsť na nové spôsoby zobrazovania, vylúčenie zbytočných detailov z kompozície a množstvo ďalších rozhodnutí, ktoré umožňujú divákovi sústrediť sa na emócie vyvolané obrazom. Zároveň tieto diela Picassa nemožno úplne považovať za originálne, pretože. čiastočne využívajú motívy a techniky charakteristické pre španielsku maľbu. Pre vznik takých emocionálne rozpoloženie Obrazy boli silne ovplyvnené realitou života. Začiatok „modrého“ obdobia sa spája so samovraždou blízkeho priateľa umelca Carlosa Casagemasa v roku 1901. Blízkosť smrti, osamelosť, nútený návrat do Barcelony v roku 1903 kvôli nedostatku financií ovplyvnili depresívnosť obrazov.
"Dievča na lopte" - rovnováha medzi životom a smrťou
Dievča na plese. 1905
Tento obraz namaľovaný v roku 1905 je charakteristickým dielom prechodného obdobia. Čas, keď sa bolesť, zúfalstvo a utrpenie z umelcových obrazov postupne vytráca, ich nahrádza záujem o živé ľudské radosti, ktoré stelesňujú cirkusanti a umelci. Obsah tohto diela postaveného na kontrastoch (pohyb a statika, dievča a športovec, ľahkosť a ťažkosť atď.) plne korešponduje so symbolikou prechodu medzi horkosťou smrti a radosťami života.
"Ružové" obdobie (1904 - 1906)
Postupný prechod do „ružového“ obdobia v jeho tvorbe bol poznačený už v roku 1904, keď sa v umelcovom živote začali objavovať pozitívne zmeny: presťahovanie sa do kypiaceho centra avantgardného života - do hostela umelcov na Montmartre, pád. zamilovaný do Fernande Olivierovej, stretával sa s mnohými zaujímaví ľudia, medzi ktorými boli Matisse a Gertrude Steinovi. Hlavnou témou diel tohto obdobia, vyrobených v ružových, červených, perleťových tónoch, sú komici cirkusu Medrano. Obrazy sa vyznačujú rôznorodosťou námetov, dynamiky a pohybu. Zároveň umelec naďalej rozvíja individuálny štýl, ktorý sa formoval v „modrom“ období. Do tejto doby patria diela „Akrobat a mladý Harlekýn“ (1905), „Rodina komediantov“ (1905), „Šašek“ (1905) atď.. Na konci „ružového“ obdobia sa objavujú obrazy inšpirované staroveké mýty: "Dievča s kozou" (1906), "Chlapec vedie koňa" (1906), prejavuje záujem o obraz aktu "Česanie" (1906), Nahý chlapec (1906).
Pablo Picasso sa narodil 25. októbra 1881 v Španielsku v meste Malaga v rodine umelca Jose Ruiza Blasca. Talent budúceho umelca sa začal prejavovať skoro. Už od 7 rokov chlapec pridával do otcových obrazov nejaké detaily (prvým takýmto dielom boli labky holubov). Vo veku 8 rokov bola namaľovaná prvá vážna olejomaľba s názvom „Picador“.
"Picador" 1889
Vo veku 13 rokov sa Pablo Picasso stal študentom Akadémie umení v Barcelone - Pablo sa na prijímacích skúškach ukázal tak dobre, že ho komisia napriek jeho nízkemu veku prijala na akadémiu.
V roku 1897 Picasso odišiel do Madridu, aby vstúpil na Kráľovskú akadémiu výtvarných umení v San Fernando. Ale Pablo tam študoval nie viac ako rok - bolo to príliš nudné a stiesnené pre mladý talent v akadémii s jej klasickými tradíciami. V Madride mladíka viac zaujímal hektický život metropoly. Pablo venoval veľa času aj štúdiu diel umelcov ako Diego Vilasquez, Francisco Goya a El Greco, ktorí na umelca urobili veľký dojem.
V tých rokoch umelec prvýkrát navštívil Paríž, ktorý bol vtedy považovaný za hlavné mesto umenia. V tomto meste žil mesiace a navštevoval rôzne múzeá, aby študoval diela majstrov maľby: Van Gogha, Gauguina, Delacroixa a mnohých ďalších. Picasso bude v budúcnosti často navštevovať Paríž a neskôr ho toto mesto uchváti natoľko, že sa tam Picasso rozhodne natrvalo presťahovať (1904).
Najslávnejšie diela Pabla Picassa, ktoré napísal v ranom období (pred rokom 1900)
"Portrét matky" 1896
"Poznanie a milosrdenstvo" 1897
"Prvé prijímanie" 1896
"Autoportrét" 1896
"Matador Luis Miguel Domingen" 1897
"Španielsky pár pred hotelom" 1900
„Bosé dievča. Fragment» 1895
"Muž na brehu rybníka" 1897
"Muž v klobúku" 1895
"Boulevard Clichy" 1901
"Portrét otca umelca" 1895
Ďalšie obdobie v tvorbe Pabla Picassa sa nazýva „modré“. V rokoch 1901-1904. V Picassovej palete prevládali studené farby - väčšinou modrá a jej odtiene. V tejto dobe Picasso nastolil témy staroby, chudoby, chudoby, melanchólie a smútku boli charakteristickou náladou obrazov tohto obdobia. Umelec zobrazoval ľudské utrpenie, kreslil slepých, žobrákov, alkoholikov a prostitútky atď. – boli hlavnými postavami „modrého“ obdobia.
Diela "modrého" obdobia (1901-1904)
"Raňajky pre nevidomých" 1903
"Matka a dieťa" 1903
"Piják absintu" 1901
"Ironer" 1904
"Žobrák starý muž s chlapcom" 1903
"Život" 1903
"Dve sestry (dátum)" 1902
"Modrá izba (kúpeľ)" 1901
"Gurmán" 1901
"Sediaca žena v kapucni" 1902
V "ružovom" období (1904 - 1906) Hlavná téma v tvorbe umelca bol cirkus a jeho postavy - akrobati a komici. Prevládali žiarivé veselé farby. Obľúbenú postavu tohto obdobia možno nazvať harlekýnom, ktorý sa najčastejšie nachádzal v dielach Picassa. Okrem cirkusu ho inšpirovala aj modelka Fernanda Olivier, s ktorou sa zoznámil v roku 1904, na samom začiatku „ružového“ obdobia. Počas celého obdobia bola múzou umelca.
Diela "ružového" obdobia (1904 - 1906)
"Akrabat a harlekýn" 1905
"Dievča s kozou" 1906
"Chlapec vedúci koňa" 1906
"Rodina komikov" 1905
"Roľníci" 1906
"Nahá žena s džbánom" 1906
"Česanie" 1906
"Žena s chlebom" 1905
"Dvaja akrabati so psom" 1905
"Toaleta" 1906
jeden z slávne obrazy P. Picasso "Dievča na lopte" (1905), ktorá je teraz in Štátne múzeum výtvarného umenia ich. A. S. Puškina, niektorí odborníci nazývajú prechod z „modrého“ obdobia do „ružového“.
"Dievča na lopte" 1905
Zlomovým bodom v tvorbe Picassa bol portrét Gertrúdy Steinovej, ktorý namaľoval v roku 1906.
Práca na portréte bola náročná - umelec portrét premaľoval asi 80-krát, v dôsledku čoho sa Picasso vzdialil od portrétu ako žánru výtvarného umenia v jeho klasickom zmysle. Všetky ďalšie práce Picassa možno charakterizovať len jednou z jeho fráz: „Musíme písať nie to, čo vidím, ale to, čo viem“. Práve tejto inštalácie sa P. Picasso snažil držať až do konca svojho života.
kubizmus
Toto veľké obdobie v tvorbe Pabla Picassa je rozdelené do niekoľkých etáp. Toto je čas úplného odmietnutia detailovania postáv: námet a pozadie takmer splývajú v jedno, neexistujú jasne definované hranice. Picasso bol presvedčený, že umelec dokáže viac než len ukázať, čo oko vidí.
Prvou etapou je „Cezanne“ alias „africké“ obdobie. Táto fáza sa vyznačuje pomocou konštrukcie obrázkov jednoduchý geometrický formy a prevaha zakalených rozmazaných zelených, okrových a hnedých tónov.
V rokoch 1907-1909 sa pozornosť umelca sústredila na africké umenie, s ktorým sa prvýkrát stretol v roku 1907 na etnografickej výstave v múzeu Trocadero. Odteraz začali Picassovmu dielu dominovať jednoduché, až primitívne formy zobrazovaných predmetov. V technike umelec začal používať hrubé tieňovanie. Prvý obraz vyrobený v „africkom“ štýle sa považuje za „Avignonské dievčatá“ z roku 1907.
Tento obrázok písal autor počas celého roka. Picasso tak dlho nepracoval so žiadnym zo svojich obrazov. V dôsledku toho sa táto práca natoľko líšila od jeho predchádzajúcich obrazov, že ju verejnosť vnímala nejednoznačne. Keď však Picasso našiel nový štýl, ktorý bol pre neho zaujímavý, neustúpil a umelec ho 2 roky rozvíjal všetkými možnými spôsobmi.
Diela "Cezannovho" kubizmu ("africké" obdobie) (1907 - 1909)
"Farmár" 1908
"Hlava muža" 1907
"Kúpač" 1909
"Zátišie s miskou a džbánom" 1908
"Akt s drapériou (Tanec so závojmi)" 1907
"Portrét Manuela Pallaresa" 1909
"Tri postavy pod stromom" 1907
"Poháre a ovocie" 1908
"Busta muža (športovca)" 1909
"Žena" 1907
V analytickom období si Picasso uvedomil, že sa musí úplne sústrediť na objem a tvar objektov, pričom farbu odsunie do pozadia. Teda punc analytický kubizmus sa stal monochromatickým. Za povšimnutie stojí aj štruktúra diel tohto obdobia – umelec akoby rozdrvil predmety na malé fragmenty. Stráca sa hranica medzi rôznymi vecami a všetko sa vníma ako celok.
Diela „analytického“ kubizmu (1909-1912)
"Muž s gitarou" 1911
"Muž s husľami" 1912
"Akordeonista" 1911
"Zátišie s fľašou likéru" 1909
"Básnik" 1911
"Portrét Fernandy" 1909
"Portrét Wilhelma Uhdeho" 1910
"Sediaci akt" 1910
"Žena v zelenom" 1909
"Žena v kresle" 1909
Začiatkom syntetického obdobia bol obraz „Spomienky na Le Havre“, ktorý namaľoval Pablo Picasso v roku 1912. Na tomto obrázku sa objavili jasnejšie farby, ktoré neboli vlastné analytickému kubizmu.
Monochromatické diela opäť ustúpili farebnosti. V podstate na obrazoch tohto obdobia dominovali zátišia: fľaše vína, poznámky, príbory a hudobné nástroje. Na rozriedenie abstraktnosti v práci na obrazoch boli použité skutočné predmety, ako sú: laná, piesok, tapety atď.
Diela "syntetického" kubizmu (1912-1917)
"Muž pri krbe" 1916
"Muž v cylindri" 1914
„Sklo a hracie karty» 1912
"Gitara" 1912
"Zátišie s ovocím na stole" 1914-1915
"Podstavec" 1914
"Stôl v kaviarni (Fľaša Perna)" 1912
"Krčma (šunka)" 1914
"Zelené zátišie" 1914
"Muž s fajkou, sediaci v kresle" 1916
Napriek tomu, že kubizmus mnohí aktívne kritizovali, diela z tohto obdobia sa dobre predávali a Pablo Picasso konečne prestal žobrať a presťahoval sa do priestrannej dielne.
Ďalším obdobím v umelcovej tvorbe bol neoklasicizmus, ktorý inicioval Picassovo manželstvo s ruskou balerínou Olgou Khokhlovou v roku 1918. Tomu predchádzala Pablova práca na scéne a kostýmoch pre balet Parade v roku 1917. že sa umelec stretol s Olgou Khokhlovou.
Opona pre balet "Parade" 1917
Baletný program Parade s Picassovou kresbou. 1917
Čínsky kúzelník oblečený ako Picasso, moderná interpretácia, 2003
Postava francúzskeho „správcu“ (štekačov)
Toto obdobie má od kubizmu veľmi ďaleko: skutočné tváre, svetlé farby, pravidelné formy... K takýmto zmenám v tvorbe ho inšpirovala ruská manželka, ktorá Pablovi priniesla do života veľa nového. Zmenil sa dokonca aj životný štýl umelca – navštevovanie spoločenských podujatí, kostýmovaných baletov atď. Jedným slovom, Picasso sa začal otáčať v sekulárnom prostredí, ktoré mu bolo predtým cudzie. Za taký ostrý prechod od kubizmu ku klasicizmu bol Picasso mnohými kritizovaný. Umelec odpovedal na všetky tvrdenia v jednom zo svojich rozhovorov: „Kedykoľvek chcem niečo povedať, hovorím tak, ako by sa to podľa mňa malo povedať.
Diela neoklasicistického obdobia (1918 - 1925)
"Čítanie listu" 1921
"Kúpajúci sa" 1918
"Milenci" 1923
"Matka a dieťa" 1921
"Olga Khokhlova v mantille" 1917
"Olga Picasso" 1923
"Prvé prijímanie" 1919
"Pierrot" 1918
"Portrét Olgy v kresle" 1917
"Portrét Paula" umelcovho syna z roku 1923
"Spiaci roľníci" 1919
"Traja kúpajúci sa" 1920
"Žena s dieťaťom na brehu mora" 1921
"Žena v mantile" 1917
"Ženy bežiace pozdĺž brehu" 1922
V roku 1925 umelec namaľoval obraz „Tanec“, ktorý plne odráža problémy v osobnom živote umelca v tom čase.
V zime roku 1927 Picasso stretáva svoju novú múzu, sedemnásťročnú Marie-Thérèse Walterovú, ktorá sa stala postavou mnohých obrazov surrealistického obdobia. V roku 1935 sa páru narodila dcéra Maya, ale v roku 1936 Picasso opustil Máriu Teréziu a Olgu Khokhlovú, s ktorými sa oficiálne rozviedol až po Olginej smrti v roku 1955.
Diela z obdobia surrealizmu (1925 - 1936)
"Akrabat" 1930
"Dievča hádže kameňom" 1931
"Postavy na pláži" 1931
"Zátišie" 1932
"Nahé a zátišie" 1931
"Nahý na pláži" 1929
"Nahý na pláži" 1929
"Žena s kvetom" 1932
"Sen (portrét milenky umelkyne Márie Teresy Walterovej)" 1932
"Nahý v kresle" 1932
"Nahý v kresle" 1929
"Bozk" 1931
V 30. a 40. rokoch sa býk, Minotaurus, stal hrdinom mnohých obrazov od Picassa. Minotaurus v umelcovom diele je zosobnením deštruktívnej moci, vojny a smrti.
"Minotauria" 1935
"Paleta a býčia hlava" 1938
"Jahňacia hlava" 1939
"Zátišie s lebkou býka" 1942
"Býčia lebka, ovocie, džbán" 1939
"Tri baranie hlavy" 1939
Na jar 1937 nemeckí fašisti doslova vyhladili malé mestečko Guernica v Španielsku. Picasso nemohol ignorovať túto udalosť, a tak sa zrodil obraz „Guernica“. Tento obraz možno nazvať apoteózou Minotaurovej témy. Rozmery obrazu sú pôsobivé: dĺžka - 8 m, šírka - 3,5 m. Je známy jeden prípad súvisiaci s obrazom. Počas prehliadky gestapom si nacistický dôstojník všimol obraz a spýtal sa Picassa: "Urobil si to?" na čo umelec odpovedal „Nie. Urobil si to!"
"Guernica" 1937
Paralelne s plátnami o Minotauroch vytvára Pablo Picasso sériu o príšerách. Táto séria vyjadruje pozíciu umelca počas občianska vojna v Španielsku, v ktorom podporoval republikánov a staval sa proti politike diktátora Franca.
"Sny a lži generála Franca" (1937)
"Sny a lži generála Franca" (1937)
Všetci Druhí svetová vojna Pablo Picasso žil vo Francúzsku, kde sa umelec stal v roku 1944 členom Francúzskej komunistickej strany.
Vojnové diela (1937 – 1945)
"Bažant" 1938
"Hlava ženy v klobúku" 1939
"Mária Tereza vo venci" 1937
"Umelecké štúdio" 1943
"Maya s bábikou" 1938
"Modlíme sa" 1937
"Zátišie" 1945
"Plačica žena so šatkou" 1937
"Vtáky v klietke" 1937
"Zranený vták a mačka" 1938
"Krypta" 1945
"Žena v červenom kresle" 1939
V roku 1946 umelec pracoval na maľbách a paneloch pre zámok rodiny Grimaldi v Antibes (rekreačné mesto vo Francúzsku). V prvej sále hradu bol inštalovaný panel s názvom „Radosť zo života“. Hlavnými postavami tohto pana boli rozprávkové bytosti, fauni, kentaury a nahé dievčatá.
"Radosť bytia" 1946
V tom istom roku sa Pablo zoznámil s mladou umelkyňou Francoise Gilot, s ktorou sa usadili na zámku Grimaldi. Neskôr sa Picassovi a Francoise narodili dve deti, Paloma a Claude. V tom čase umelec často maľoval svoje deti a Francoise, ale idyla netrvala dlho: v roku 1953 Francoise vzala deti a opustila Pabla Picassa. Françoise už nedokázala znášať neustále umelcove zrady a jeho ťažkú povahu. Umelec prežíval tento rozchod veľmi ťažko, čo nemohlo ovplyvniť jeho tvorbu. Dôkazom toho sú tušové kresby škaredého starého trpaslíka s krásnym mladým dievčaťom.
Jeden z najznámejších symbolov „Holubice mieru“ bol vytvorený v roku 1949. Prvýkrát sa objavil na Svetovom mierovom kongrese v Paríži.
V roku 1951 Picasso namaľoval obraz „Masaker v Kórei“, ktorý rozpráva o zverstvách tejto „zabudnutej“ vojny.
"Masaker v Kórei" 1951
V roku 1947 sa umelec presťahoval na juh Francúzska, do mesta Vallauris. Práve v tomto meste sa začal zaujímať o keramiku. Picassa k takémuto koníčku inšpirovala každoročná výstava keramiky vo Vallauris, ktorú navštívil už v roku 1946. Umelec prejavil záujem najmä o predmety z dielne Madura, v ktorej neskôr pracoval. Práca s hlinou umožnila uznávanému maliarovi a grafikovi zabudnúť na hrôzy vojny a ponoriť sa do iného radostného a pokojného sveta. Pozemky pre keramiku sú najjednoduchšie a nekomplikované - ženy, vtáky, tváre, rozprávkové postavy… Picassovej keramike je venovaná aj kniha I. Karetnikova „Picassova keramika“, vydaná v roku 1967.
Picasso v Madurovej dielni
Picassove obrazy „Modré obdobie“ sú kvintesenciou bolesti, osamelosti a deštruktívnej depresie. Paradoxne, hlavné udalosti tohto obdobia sa odohrávali v meste lásky a hlavnom meste umenia – Paríži. Prečo, na samom začiatku života a kreatívnym spôsobom Mal Picasso tieto smutné, pochmúrne tóny? Aké udalosti navždy zmenili umelcov život?
Vidieť Paríž a nezomrieť
V predvečer svojich devätnástych narodenín odišiel Picasso do Paríža so svojím umeleckým priateľom Carlosom Casagemasom. Mladí ľudia nevedeli ani slovo po francúzsky, no to im nebránilo v tom, aby sa rýchlo zoznámili s miestnymi Kataláncami a našli si prenajaté ubytovanie. Celé dni trávili v kaviarňach, v Louvri, na svetovej výstave, v nevestincoch a kabaretoch. Dalo to však aj veľa práce. V jednom zo svojich listov Casagemas píše: "Vždy, keď je svetlo - myslím slnečno, nemôžete sa nonstop odtrhnúť od umelých vecí - sme v ateliéri a maľujeme."
Prvá návšteva Paríža dala dvom mladým ľuďom ... ženám. Picasso využil všetok svoj šarm a príťažlivosť, aby mal aféry s dámami - a jazyková bariéra ani všeobecný neporiadok mu v tom nemohli zabrániť. Mladí ľudia najčastejšie trávili čas v spoločnosti svojich modelov. Jedna z nich - Odette - sa stala Picassovou priateľkou. Druhá je Francúzka so španielskymi koreňmi Germaine Gargallo - Casagemas. A hoci bola Germaine vydatá, neodolateľná túžba po slobode a dobrodružstve ju občas zaplietla do vzťahov s novými mužmi.
"Umelci Casagemas a Picasso naháňajú dve dievčatá", 1900
Casagemas a Picasso boli blízki priatelia, ale mali úplne opačný charakter. Impulzívny, neistý, pochybujúci o svojej mužnosti, Carlos bol veľmi rozrušený, keď mu Germaine nevenovala pozornosť alebo flirtovala s ostatnými. Aby upokojil žiarlivé srdce a rozptýlil sa od zlých myšlienok, naložil si do práce: „Od budúceho týždňa, teda od zajtra, naplníme svoj život pokojom, mierom, prácou a všetkým, čo prináša pokoj mysle i tela. ráznosť. Rozhodli sme sa tak po oficiálnom stretnutí s dámami.“
Prvý patrón
Petrus Manache, ktorého s Picassovi zoznámili jeho španielsky hovoriaci priatelia, bol známy parížsky zberateľ a obchodník s umením. Manash bol fascinovaný dielom Picassa a ponúkol dohodu: stopäťdesiat frankov mesačne za všetky obrazy, ktoré sa umelcovi počas tohto obdobia podarí vytvoriť, ako aj jeho, Manashovu osobnú záštitu. Pablo súhlasil. Na jednej strane dal tento návrh Picassovi jedinečnú šancu vymaniť sa z chudoby, v ktorej bol celý čas predtým. Aby sme pochopili štedrosť Manashovej ponuky, treba povedať, že napríklad prenájom dielne stál 15 frankov mesačne a na dennú potrebu stačili dva franky na deň.
Na druhej strane, táto závislosť na Petrusových peniazoch začala čoskoro zraňovať Picassovu hrdosť: tvrdohlavý, rozmaznaný chlapec, ktorý nikdy nikomu nič nedlhoval, upadol do otroctva, ktoré ho veľmi zaťažovalo. A dokonca aj na diaľku - keď sa Picasso rozhodol na chvíľu vrátiť do svojej vlasti, do Španielska - sa ho Manash snažil ovládať a neustále požadoval nové obrazy.
A veľmi rýchlo sa vrátil domov. Bližšie k Vianociam si Picasso a Casagemas uvedomili, že im chýbajú ich príbuzní. Paríž – so všetkými jeho svetlami, hlukom, žiarivými reklamnými plagátmi, nekonečnými večierkami a nevestincami – majú dosť. Mladí ľudia sa rozhodli vrátiť do Barcelony. Ale keď boli v hlavnom meste Katalánska, rýchlo si uvedomili: tu čakali iba na chudobu, neoprávnené nádeje na slávu a všetky tie isté nekonečné nevestince. Casagemas mu pred očami chradol túžbou po milenke, ktorú zanechal vo Francúzsku. Picasso márne dúfal, že miestni tanečníci dokážu odviesť pozornosť priateľa od myšlienok o osudnom Germainovi. Čoskoro Carlos oznámil, že sa vracia do Paríža.
Ponorte sa do tmy
Vo februári 1901 dostal Picasso list, ktorý zničil jeho bývalý život. Informovalo o tom, že Carlos Casagemas, jeho najbližší priateľ a tvorivý kolega, zomrel.
Sedemnásteho februára - pred odchodom do Barcelony - Carlos usporiadal rozlúčkovú večeru v reštaurácii Hippodrome. Ako sa neskôr ukázalo, Casagemas sa na túto udalosť vopred pripravil a vedel, že večera bude posledná v jeho živote. Mladý muž, posadnutý vášňou pre Germaina, priniesol so sebou nabitý revolver a kričal: "Tu máš!" - strieľal na nenávideného milovaného. Ten sa však minul. Druhá guľka so slovami "A toto je pre mňa!" - poslal sa do hlavy. Germaine sa nezranil a Carlos Casagemas zomrel v nemocnici o niekoľko hodín neskôr.
Chlapcova matka túto správu nezniesla. Picassovi trvalo niekoľko mesiacov, kým si uvedomil, čo sa stalo. Jeho prvou prácou po tragédii bol portrét Carlosa Casagemasa pre nekrológ uverejnený v miestnych novinách.
Z knihy „Picasso“ od Henriho Gidela: „Prenasledovaný obsedantnými spomienkami na Casagemasa, ktoré sa neustále objavovali v jeho pamäti ako výčitka, sa snažil túto bolesť zo seba vyhnať. Picasso používal niekoľko mesiacov najlepšia cesta sebaobrana - jej umenie. A aby bol úplne vyliečený, rozhodol sa zreprodukovať drámu zo 17. februára ... v celej jej hrôze. Zobrazuje mladého muža zahaleného rubášom, neďaleko horiaca sviečka osvetľuje jeho smrteľne bledú tvár. Na pravom chráme - tmavá škvrna, miesto, kde prenikla guľka. Tento obraz je namaľovaný – a nie náhodou – na spôsob Van Gogha, ktorý podobným spôsobom spáchal samovraždu.
Smrť Casagemasa, 1901
Od tej chvíle Picasso upadol do strašnej depresie, ktorá ho začala korodovať zvnútra. V snahe zabudnúť na seba sa vrhol do práce a rozhodol sa prekonať smútok kreativitou. Teraz musel koniec ospravedlniť všetky prostriedky - a Picasso sa čoskoro rozhodol vrátiť do Paríža. Urobil dohodu s vlastným egom a opäť odišiel za Manashom, ktorý sa zase tešil na návrat oddelenia. Pre Picassa dokonca prenajal štúdio zosnulého Casagemasa, ktoré sa nachádza vedľa nešťastnej reštaurácie Hippodrome.
V tej istej dielni Picasso namaľoval portrét svojho patróna, v ktorom tento silný a sebavedomý muž pripomína matadora, „pripraveného vrhnúť sa do boja s zúrivým býkom a vopred akceptovať akýkoľvek výsledok boja“.
"Petrus Manash", 1901
Veľmi skúseného Manasha však čoskoro čakalo veľmi nepríjemné zistenie: Picasso je oveľa zložitejší a nepredvídateľnejší, než si myslel. Namiesto žiarivých veselých plátien, na ktoré čakal, vytvoril umelec pochmúrne, pesimistické obrazy plné bolesti a utrpenia v nečakaných modrých a modrých tónoch.
"modré obdobie"
Celý ten čas Picasso myslel len na stratu priateľa. Bolesť zo straty nezmizla, len nabrala nový impulz. Obrazy obývali vyčerpaní ľudia, chorí mrzáci a osamelí potulní umelci. Každé dielo tejto doby je napísané piercingom modré tóny a vysiela nekonečný pocit osamelosti postáv. Zdá sa, že všetci čakajú na muža, ktorý už nikdy nepríde. Autorov vlastný autoportrét tohto obdobia sa výrazne líši od minulosti: podstatou tohto obrazu je prázdnota, pochmúrnosť a beznádej.
"Autoportrét", 1901
Možno sa Picasso zámerne ponoril do utrpenia, preniknutý inšpiráciou z modrého obdobia. Obraz "Pohreb Casagemas" - najväčší z tých, ktoré vznikli v Paríži - zaberal významnú časť jeho ateliéru a zároveň slúžil ako plátno. Znovu a znovu maľoval svojho mŕtveho priateľa, akoby sa snažil cítiť jeho umierajúcu bolesť a utrpenie.
"Germaine", 1902
A život medzitým išiel ďalej. Ich spoločný priateľ s Carlosom - Manolo - sa stal Germaineovým milencom. A čoskoro sa ním stal aj sám Picasso. Prečo? Už to nevieme zistiť. Možno bolo spojenie s touto ženou ďalším pokusom prežiť bolesť zosnulého priateľa, túžbou porozumieť mu. Tieň Germaine, ktorá sa nakoniec vydala za Manola, bol s Picassom celý život. Spisovateľka Gertrude Stein o umelcovi povedala toto: „Je to človek, ktorý sa potrebuje neustále vyprázdňovať, a preto potrebuje silný podnet k aktivite, k úplnej devastácii.“
"Dve sestry", 1902
Obraz „Dve sestry“ zobrazuje prostitútku a mníšku (iný výklad naznačuje, že ide o prostitútku a jej matku). Týmto dielom umelec prejavil svoj postoj k ženám: všetky sa podľa jeho názoru delia na sväté a smilnice. Picasso naďalej trávil čas v bordeloch a kabaretoch, ale pevne uzavrel svoje srdce a skutočne sa nezblížil so ženami na viac ako jednu noc.
"Milenci", 1904
Spisovateľ Palau y Fabre sa tejto témy dotkol vo svojej knihe „Picassov život, 1881-1907“, keď obraz „Milenci“ opísal: „...dva červy, prepletené a prepletené... Picasso, ktorý ukrýva svoje tvár, ženské telo pravdepodobne už pred sebou niečo skrýva – niečo, čo nechce vidieť celé, na čo sa snaží nemyslieť.
Počas týchto rokov Picasso vytvoril mnoho grafických diel, v ktorých sa zrodil jeho nový, jedinečný štýl: skice v jednej súvislej línii bez odtrhnutia ceruzky. Obrazy sa zdajú nedokončené, ale aj napriek tomu sprostredkúvajú fyzické a duchovné trápenie umelca v tejto ťažkej dobe.
"Život", 1903
Život je ústredným dielom Modrého obdobia, naplneného nejednoznačnými symbolmi. Na ľavej strane je idealizovaný obraz Casagemas, ku ktorému sa prilepila nahá žena. Vpravo je žena s dieťaťom, ktorá sa vyčítavo pozerá na mladého muža: možno je to matka Casagemas. V pozadí - dve plátna: na vrchu - objímajúci pár, obraz lásky; na spodnej je prikrčená žena, stelesnenie bolesti a osamelosti.
Hlavným motívom všetkých diel Modrého obdobia je osamelosť a neodvratnosť ľudského utrpenia; trápenie chudobných, chorých, starých a zmrzačených. Realita existencie bola pre predtým bezstarostného Picassa neznesiteľnou záťažou: úvahy o význame toho, čo sa stalo jemu a jeho blízkym (ich ťažkosti a smútok), boli stelesnené v obrazoch tohto obdobia - najtemnejšieho obdobia v umelcovej tvorbe. .
Akvizícia majstrovských diel „modrého obdobia“
Diela s takým hlbokým a zároveň ťažkým významom sa takmer nedali predať. Jedného dňa Picasso zroloval všetky diela a jednoducho ich dal svojmu priateľovi Ramonovi Pishovi. A urobil správnu vec: zodpovednému súdruhovi sa podarilo balík zachrániť a vďaka nemu dnes môžeme vidieť majstrovské diela Picassa tej doby.
"Ak by sa balík stratil, nebolo by žiadne modré obdobie, pretože tam bolo všetko, čo som potom namaľoval." Pablo Picasso
O nejaký čas neskôr (v roku 1905) sa Picasso stretol so spisovateľom a básnikom Guillaumom Apollinairem a o dva dni neskôr mu ukázal dielo Modrého obdobia. Apollinaire, ktorý nikdy predtým nič také nevidel, sa stal akýmsi prekladateľom Picassovho obrazového jazyka do ľudského jazyka, ktorému rozumieme. Čo môžem povedať: ich význam dokázal tlmočiť aj samotnému umelcovi, pre ktorého boli jeho vlastné obrazy niečím intuitívnym a podvedomým. Apollinairove články sú nádhernou ukážkou toho, ako sa z textu umeleckého plátna stáva plnohodnotné literárne dielo.
„Tieto deti, ktoré nedostali náklonnosť, rozumejú všetkému. Tieto ženy, ktoré nikto nemiluje, na nič nezabudnú. Zdá sa, že sa skrývajú v tieni nejakého starovekého chrámu. Zmiznú na úsvite, utešené tichom. Zahalila ich ľadová hmla. Títo starí ľudia majú právo bez ponižovania žobrať o almužnu ... “napísal Apollinaire. „... Hovorí sa, že v dielach Picassa je cítiť predčasné sklamanie. Ale myslím si, že v skutočnosti je to naopak. Picasso je fascinovaný tým, čo vidí, a skutočný talent umožňuje jeho predstavivosti spájať potešenie a znechutenie, nízke a vznešené. Na druhej strane Picassovho naturalizmu, jeho jemného zmyslu pre detail, leží mystika, ktorá je vlastná náboženstvu aj tým najvzdialenejším Španielom... Tenkí, drsní akrobati, obklopení žiarivou svätožiarou, sú skutočnými synmi ľudstva: nestáli, zradní , obratný, chudobný, ľstivý “ .
Foto: Getty Images Rusko, RIA Novosti
„Ponoril som sa do modrej, keď som si uvedomil, že Casajemas je mŕtvy,“ priznal neskôr Picasso. „Obdobie od roku 1901 do roku 1904 v diele Picassa sa zvyčajne nazýva „modré“ obdobie, pretože väčšina obrazov tejto doby je namaľovaná v studenej modrozelenej škále, čo zhoršuje náladu únavy a tragickej chudoby. To, čo sa neskôr nazývalo „modré“ obdobie, znásobili obrazy smutných výjavov, maľby plné hlbokej melanchólie. To všetko je na prvý pohľad nezlučiteľné s obrovskou vitalitou samotného umelca. Ale keď si pamätáme na autoportréty mladého muža s obrovskými smutnými očami, chápeme, že obrazy „modrého“ obdobia sprostredkúvajú emócie, ktoré mali v tom čase umelca. Osobná tragédia vyostrila jeho vnímanie života a smútku trpiacich a znevýhodnených ľudí.
Je to paradoxné, ale pravdivé: nespravodlivosť životného poriadku živo pociťujú nielen tí, ktorí od detstva prežívajú jarmo životných ťažkostí, ba čo je ešte horšie - nechuť k blízkym, ale aj celkom prosperujúci ľudia. Picasso je toho ukážkovým príkladom. Jeho matka Pabla zbožňovala a táto láska sa mu až do smrti stala nepreniknuteľnou zbrojou. Otec, ktorý neustále zažíval finančné ťažkosti, vedel synovi pomôcť zo všetkých síl, hoci sa niekedy uberal úplne iným smerom, ako naznačoval don Jose. Milovaný a prosperujúci mladý muž sa nestal egocentrickým, hoci k tomu prispela atmosféra dekadentnej kultúry, v ktorej sa v Barcelone sformoval. Naopak, s veľkou silou pociťoval spoločenský neporiadok, obrovskú priepasť medzi chudobnými a bohatými, nespravodlivosť štruktúry spoločnosti, jej neľudskosť – jedným slovom všetko, čo viedlo k revolúciám a vojnám 20. storočia. .
„Poďme sa obrátiť na jedno z ústredných diel Picassa tej doby - na obraz „Starý žobrák s chlapcom“, ktorý bol vyrobený v roku 1903 a teraz v Štátnom múzeu výtvarných umení. A.S. Puškin. Na plochom neutrálnom pozadí sú vyobrazené dve sediace postavy – zúbožený slepý starec a malý chlapec. Obrazy sú tu podané v ich ostro kontrastnej opozícii: zbrázdené vráskami, akoby vymodelované silná hrašerosvit je tvárou starého muža s hlbokými prehĺbeninami slepých očí, jeho kostnatou, neprirodzene hranatou postavou, lámajúcimi sa líniami nôh a rúk a oproti nemu doširoka otvorenými očami na nežnej, jemne modelovanej tvári. chlapec, hladké, plynulé línie jeho oblečenia. Chlapec stojaci na prahu života a zúbožený starec, na ktorom sa už podpísala smrť – tieto extrémy spája v obraze akási tragická zhoda. Chlapcove oči sú doširoka otvorené, ale zdajú sa mu rovnako nevidiace ako strašné medzery v očných jamkách starého muža: je ponorený do rovnakej neradostnej meditácie. Fádna modrá farba ešte viac umocňuje náladu smútku a beznádeje, ktorá sa prejavuje v smutne koncentrovaných tvárach ľudí. Farba tu nie je farbou skutočných predmetov, ani farbou skutočného svetla zaplavujúceho priestor obrazu. S rovnakými nudnými, smrteľne studenými odtieňmi modrej Picasso sprostredkúva tváre ľudí, ich oblečenie a pozadie, na ktorom sú vyobrazení.
Obraz je živý, ale je v ňom veľa konvencií. Proporcie tela starého muža sú hypertrofované, nepohodlné držanie tela zdôrazňuje jeho zlomenosť. Tenkosť je neprirodzená. Chlapcove črty tváre sú príliš zjednodušené. „Umelec nám nehovorí nič o tom, kto sú títo ľudia, do akej krajiny alebo éry patria a prečo sedia na tejto modrej zemi, takto schúlení. Napriek tomu obraz hovorí za všetko: v kontrastnej opozícii starého muža a chlapca vidíme smutnú, bezútešnú minulosť jedného a beznádejnú, nevyhnutne pochmúrnu budúcnosť toho druhého, ako aj tragickú prítomnosť oboch. Z obrazu na nás hľadí svojimi smutnými očami veľmi smutná tvár chudoby a samoty. Vo svojich dielach vytvorených v tomto období sa Picasso vyhýba fragmentácii, detailom a všetkými možnými spôsobmi sa snaží zdôrazniť hlavnú myšlienku zobrazeného. Táto myšlienka zostáva pre veľkú väčšinu jeho ľudí spoločná rané práce; rovnako ako v Starom žobrákovi s chlapcom spočíva v odhaľovaní neporiadku, trúchlivej osamelosti ľudí v tragickom svete chudoby.
