Modri ​​general bere in piše Leonty Vasilyevich Dubelt je bil pred branjem velik lovec. Vendar generalu ne gre očitati nečitljivosti okusov, takšnih očitkov si ni zaslužil. Že v razmeroma mladosti je založniku povedal " Domače note» Kraevsky,

Čeprav je sam izhajal iz buržoaznega okolja, njegove navade in način razmišljanja pa so bili meščanski, njegovo slikarstvo ni bilo meščansko.

Leta 1896 je Picassov oče najel delavnico za svojega sina Pabla Picassa Ruiza na Calle de la Plata, kjer je sedaj lahko brez prisile in nadzora delal, kar se mu je zljubilo. Naslednje leto so ga starši poslali v Madrid.

Umetnik, ki je v veliki meri določil naravo zahodnoevropske in ameriške umetnosti dvajsetega stoletja, je bil Pablo Picasso, Španec, ki je večino svojega življenja živel v Franciji.

Leta 1900 sta Picasso in njegov prijatelj Casachemes odšla v Pariz. Nastanili so se v ateljeju, ki ga je pred kratkim zapustil še en katalonski slikar Isidre Nonell. Tam, v Parizu, se je Pablo Picasso seznanil z delom impresionistov. Njegovo življenje je v tem času polno številnih težav in samomor njegovega prijatelja Casajemesa je močno vplival na mladega Picassa. V teh okoliščinah je v začetku leta 1902 začel ustvarjati dela v slogu, pozneje imenovanem "modro obdobje". Picasso razvija ta slog po vrnitvi v Barcelono leta 1903-1904.Junaki njegovih slik "modrega" in "rožnatega" obdobja so navadne ženske, akrobati, potujoči cirkuški igralci, berači. Tudi dela, posvečena temi materinstva, niso prežeta s srečo in veseljem, temveč z materino tesnobo in skrbjo za usodo otroka.

modro obdobje.

Začetek "modrega obdobja" običajno povezujemo z umetnikovim drugim potovanjem v Pariz. Do božiča 1901 se namreč vrne v Barcelono z dokončanimi in načetimi platni, naslikanimi v popolnoma drugačni maniri, kot je delal doslej.

Leta 1900 se je Picasso srečal z grafiko Theophila Steinlena. Zanima ga barvna agresivnost severnih umetnikov, vendar je v tem času bistveno omejil lastno barvno snov. Vse se je dogajalo hitro, včasih celo hkrati. Slikovita dela, pasteli ali risbe so se nenehno spreminjale v slogu, v izrazu. Tematika in narava del, ki jih loči več tednov, včasih celo dni, sta lahko radikalno drugačna. Picasso je imel odličen vizualni spomin in dovzetnost. Je bolj mojster odtenkov kot barv. Slikarstvo za umetnika sloni predvsem na grafični osnovi.

Žalost je tista, ki rodi umetnost, zdaj prepričuje svoje prijatelje. V njegovih slikah se poraja modri svet tihe samote, od družbe zavrnjenih ljudi - bolnih, revnih, invalidov, ostarelih.

Picasso je bil že v teh letih nagnjen k paradoksom in presenečenjem. Leta 1900-1901 se v umetnikovem delu običajno imenujejo "Lautren" in "Steilen", kar kaže na neposredno povezavo z umetnostjo njegovih pariških sodobnikov. Toda po potovanju v Pariz dokončno prekine s svojimi hobiji. »Modro obdobje« se po odnosu, problematiki, plastičnosti povezuje že s špansko umetniško tradicijo.

2 platni pomagata razumeti situacijo - "Pivec absinta" in "Zmenek". Stojijo na samem pragu modro obdobje«, predvideva številne njene tematske vidike in hkrati zaključuje cel pas Picassovih iskanj, njegovega gibanja k lastni resnici.

Lahko rečemo, da je Picasso pri 15 letih že odlično obvladal umetniške veščine v akademskem pomenu besede. In potem ga prevzame duh eksperimentiranja v iskanju lastne poti v kompleksnem prepletu smeri in tokov evropske umetnosti na prelomu 20. stoletja. V teh iskanjih se je pokazala ena od izjemnih lastnosti Picassovega talenta - sposobnost asimilacije, asimilacije različnih trendov in trendov v umetnosti. V "Date" in "The Absinthe Drinker" se še vedno vidijo primarni viri (pariška šola umetnosti). Toda mladi Picasso že začenja govoriti s svojim glasom. Kar ga je vznemirjalo in mučilo, je zdaj zahtevalo druge slikovne rešitve. Pretekle priloge so bile izčrpane.

Z neustrašnostjo pravega velikega umetnika se 20-letni Picasso obrača na »dno« življenja. Obiskuje bolnišnice, psihiatrične bolnišnice, zavetišča. Tu najde junake svojih slik – berače, invalide, revne, zlorabljene in od družbe vržene ljudi. Umetnik je s svojimi platni želel izraziti ne le sentimentalno sočutje do njih. Modri ​​svet tišine, v katerega se potopi svojo igralci, ni le simbol trpljenja in bolečine, je tudi svet ponosne osamljenosti, moralne čistosti.

"Dve sestri" je bilo eno prvih del tega obdobja. V "Sestrah" in nasploh v delih "modrega obdobja" se avtor osredotoča na nekatere tradicije srednjeveške umetnosti. Privlačil ga je stil gotike, predvsem gotska plastika s poduhovljeno ekspresivnostjo oblik. Picasso v teh letih odkrije El Greca in Moralesija. V njihovih delih najde psihološko ekspresivnost, barvno simboliko, ostro izraznost oblik, vzvišeno poduhovljenost podob, sozvočnih z njegovimi tedanjimi razpoloženji in iskanji.

"Dve sestri" je v vseh pogledih značilno delo "modrega obdobja". V večplastni vsebini "Sester" se spet sliši tema komunikacije med ljudmi, prijateljstvo dveh bitij kot jamstvo zaščite pred življenjskimi stiskami, sovražnost sveta.

Druga značilna Picassova slika "modrega obdobja" je "Stari Jud z dečkom". Mejijo na vrsto del, kjer kot junaki nastopajo berači, slepci, invalidi. Zdi se, da umetnik v njih izziva svet premožnih in brezbrižnih denarnih vreč in filisterjev. V svojih junakih je Picasso želel videti nosilce določenih resnic, skritih navadnim ljudem, dostopnih le notranjemu očesu, notranjemu življenju človeka. Ni čudno, da se večina likov na slikah "modrega obdobja" zdi slepa, nima svojega obraza. Živijo v svojem notranjem svetu, njihovi tanki "gotski" prsti se ne učijo zunanjih oblik predmetov, temveč njihov notranji skrivni pomen.

Picasso je v Madridu od februarja 1901 prvič začel resno preučevati novo umetnost, ki je nato začela svoj zmagoviti pohod skoraj po vsej Evropi. Nekaj ​​mesecev, preživetih v Madridu, se je izkazalo za odločilnih za nadaljnji razvoj njegovega življenja. Ta trenutek zaznamuje tudi čisto zunanja sprememba: svoje risbe je podpisoval s P. Ruiz Picasso, zdaj pa je na njegovih delih le še ime njegove matere.

V tem obdobju Picasso plodno deluje. Njegove razstave so organizirane v Barceloni. 24. junija 1901 je organiziral prvo razstavo v Parizu, kjer je zdaj živel. Tu dobiva zagon nov slog, ki prekinja trend omejevanja barv na hladne tone. Pariz je Picassa potisnil v močno oživitev palete. Vse pogosteje so se pojavljale slike s šopki rož in golimi modeli. Če je v Madridu umetnik delal predvsem v modra barva, zdaj poleg modre in v zeleni barvičiste, pogosto kontrastne barve. Na površje se je prebijal nov slog. Široke barvne površine je umetnik včasih orisal v modri, vijoličasti in zeleni barvi. Ta način je bil imenovan "obdobje okenskih šip".

V začetku leta 1903 se je Picasso vrnil v Barcelono in se lotil krajin, skoraj vse v modri barvi. Krajinsko slikarstvo je umetnik vedno zanemarjal. Picasso ni dovolj romantičen, da bi naravo videl kot vir neusahljivega navdiha. V resnici ga zanima le človek in tisto, kar ga neposredno obdaja ali se ga dotika.

Modra barva je zdaj omehčana zaradi bližine oker in bledo lila barv, ki jih združuje skupni rožnati ton. Modro obdobje je prešlo v novo, prehodno fazo, v čas potujočih gledališčnikov in cirkusantov.

Obstajajo nasprotne ocene o vlogi modrega in rožnatega obdobja v ustvarjalna biografija Picasso. Nekateri menijo, da so ta obdobja ostala nepresežena: takrat je bil Picasso pravi humanistični umetnik, potem pa, ko je podlegel skušnjavam modernizma in obseden z demonom uničenja, ni nikoli dosegel višine svoje mladosti. Z več ali manj kategoričnosti je bila taka ocena izražena v našem, deloma tudi v tujem tisku. Toda v večini knjig in člankov tujih avtorjev se izvaja drugačna ideja: v modrem in rožnatem obdobju Picasso še ni bil sam, ostal je v skladu s tradicionalizmom in zato velikega pomena, v primerjavi s poznejšimi nimajo.

Oba skrajna pogleda sta nepravična. Prav tako ne izvirajo toliko iz samega umetnikovega ustvarjanja, temveč iz vnaprejšnjih predstav o realizmu in modernizmu, o tradicionalizmu in inovativnosti. V obeh primerih je glavno merilo vrednosti umetnikov odnos do renesančnega koncepta likovne umetnosti – njegovo preseganje ali, nasprotno, ohranjanje. Medtem pa za samega Picassa ta trenutek očitno ni bil odločilen - sodeč vsaj po tem, kako pogosto je prehajal iz "tradicionalnih" oblik v "destruktivne" oblike in obratno ali jih uporabljal hkrati, pri čemer je enkrat za vselej zavrnil, da bi dal prednost eni kot drugi. drugo. Prvi prelom s tradicijo je bil oster in dramatičen, kasneje pa se je izkazalo, da je bil antagonizem obeh načinov reprezentacije tako rekoč odpravljen. Med njimi je bilo najdenih veliko prehodnih členov. Tako najbolj »natančne« kot tudi najbolj »pogojne« podobe Picassa so povezane z njegovim splošnim ustvarjalnim konceptom kot posebni primeri in so v tem smislu enakovredni.

Modro in rožnato obdobje za ustvarjalca Guernice nista absolutni vrh. Vendar tudi če ustvarjalna zgodovina Picasso je končal leta 1906, če bi ostal le avtor "modrih" in "rožnatih" platen, bi se v zgodovino zapisal kot velik umetnik.

Dvajsetletni Picasso je bil že precej izviren mojster. Proces študentskega dojemanja in odpravljanja akademizma, sentimentalne zvrsti (in nato impresionizma in postimpresionizma) se je pri njem začel, kot smo videli, nenavadno zgodaj in potekal na gosto. Do začetka modrega obdobja je vse to ostalo za sabo. Če mehko puhasta, zlato-zelenkasta »Dama s psom« (1900) reproducira (in hkrati prikrito parodira) koloristično in teksturno gurmanskost poznega impresionizma; če zlovešča kokota v rdečem klobuku (1900) spominja na Toulouse-Lautreca, perica v modri sobi (1901) je na Degasa, potem v delih iz leta 1901, kot je »Dekle z golobico«, kot mojstrovina Zbirka Shchukin - "Objem", "Harlekin in njegova žena", "Portret Sabartesa", Picasso že izgleda kot sam. (Nemogoče se je ne čuditi okusu in pronicljivosti moskovskega zbiratelja Ščukina, ki je med številnimi deli mladega umetnika izbral točno tista, kjer je bil pravi Picasso.)

Na prvi pogled so Picassove predkubistične stvari malo podobne poznejšim. Toda v njih so izvori njegovih najglobljih tem in motivov, uvertura njegovega dela.

K. Jung, ki se je umetnosti Picassa približal kot psihoanalitik, je v modrem obdobju videl kompleks spusta v pekel. In v resnici: na vhodu v ta somračni, puščavsko modri svet metafizične revščine in tihega trpljenja so tako rekoč zapisane besede: "Peljem me v izobčene vasi."

Picasso je tedaj živel sredi napol revne boemije, stradajoč in v revščini, včasih je moral kuriti peč s kupi svojih risb – še najmanj pa so osebne stiske določale ton njegove umetnosti. Pesnik Max Jacob se je spominjal tistega časa: "Živeli smo slabo, a lepo." Picasso je bil vedno obkrožen s prijatelji, bil je poln energije in ljubezni do življenja, a kot umetnik je iskal krute, boleče vtise. Vleklo ga je na dno. Obiskoval je norišnice, bolnišnice za prostitutke, dolgo opazoval in slikal bolne, da bi s spektaklom trpljenja nahranil in utrdil svojo dušo. V njegovih risbah tistih let so prebliski mračnega humorja. Nekoč je na steno delavnice enega od svojih prijateljev naslikal strašen simboličen prizor - črnec, obešen na drevo, goli par, ki se ljubi pod drevesom.

Modro obdobje zajema 1901-1904. Takrat se Picasso še ni za stalno naselil v Franciji, pogosto se je selil iz Barcelone v Pariz in nazaj v Barcelono. Slikarstvo modrega obdobja je zakoreninjeno v tradiciji Španije. Po minulih izkušnjah »v francoskem duhu«, številnih, a kratkotrajnih, je Picassov zreli talent znova odkril njegovo špansko naravo – v vsem: v temi ponosne revščine in vzvišene bede, v kombinaciji krutega »naturalizma« z ekstatično duhovnostjo, Goyevski humor, v odvisnosti od simbolike življenja in smrti. Največja in najbolj zapletena slika zgodnjega obdobja - "Pokopavanje Kazagemasa" (naslikana pod vtisom samomora Picassovega prijatelja) - je zgrajena kot El Grecov "Pokop grofa Orgasa": spodaj - žalovanje za mrtev, zgoraj - prizor v nebesih, kjer se v atmosferi mistične vizije prepletajo lahkomiselne podobe iz sveta kabaretov. Po slogu je to blizu tistemu, kar je umetnik počel že pred svojim prvim obiskom Pariza: na primer v velikem akvarelu "Pot" (1898), ki prikazuje simbolično procesijo s pogrebniki in vrsto zgrbljenih stark in ženske z otroki - tavajo po gori, tam jih čaka ogromna sova, ki širi svoja krila. (S temi pogrebnimi drogami se bomo srečali pol stoletja kasneje na plošči "Vojna", sova pa je nespremenljiv atribut Picassove umetnosti.)

"Dve sestri" sta simbolični - dve utrujeni, izčrpani ženski, zaviti v tančice, prostitutka in nuna, se srečata, kot se srečata Elizabeta in Marija na starih slikah. "Življenje" je simbolično - čudna, namerno zgrajena kompozicija: ljubezen, materinstvo, osamljenost, žeja po rešitvi iz osamljenosti.

Postopoma se simbolika Picassa osvobodi preveč očitnega okusa alegorije. Kompozicije postanejo navzven enostavne: na nevtralni lesketajoče modri podlagi ena ali večkrat dve figuri, boleče krhki, stisnjeni druga ob drugo; so mirni, podrejeni, zamišljeni, umaknjeni. »Predkubistični« Picasso nima tihožitij: slika samo ljudi.

V francoskem slikarstvu začetka stoletja so modre slike Picassa videti ločene, za Španijo so organske. Francoski prijatelji mladega Picassa so v njem čutili prisotnost tujega začetka, niso ga povsem razumeli. Maurice Reynal je pozneje zapisal: »Nekaj ​​skrivnostnega je ovijalo njegovo osebnost, vsaj za nas, ki nismo vajeni španske miselnosti: kontrast med bolečo in težko močjo njegove umetnosti in njegovo lastno veselo naravo, med njegovim dramskim genijem in njegovim vedrim značajem, udaril.

Picasso je, tako kot Van Gogh prej, čeprav na zelo drugačen način kot Van Gogh, prišel z žejo, da bi izrazil svoje najgloblje razumevanje sveta. Že zaradi tega (tako kot Van Gogh) ni mogel podleči šarmu impresionizma: kontemplacija, uspavajoča blaženost »pojavnosti« ni bila zanj; v imenu aktivnega notranjega razumevanja je moral prebiti lupino vidnega.

Dejavnost pristopa je bila dolgo povezana s primatom risbe in mladi Picasso je začel z vračanjem risbi njenega prevladujočega pomena, počel je to odločneje in močneje kot Degas in Toulouse-Lautrec. enobarvno modre slike moč črte je zasenčena. Modrikaste figure se ne ugrezajo v modrino ozadja, ampak izrazito izstopajo, čeprav so same skoraj enake barve ozadju in so v glavnem obrobljene. Znotraj konture je svetlobno in barvno modeliranje minimalno, v ozadju ni iluzorne globine, ki bi jo ustvarila perspektiva, ampak sama kontura ustvarja vtis volumna - volumna na ravnini. (To je jasno vidno na primer v zelenkastomodri študiji gole ženske s hrbtne strani: tukaj skoraj ni modeliranja - vsa bogata plastičnost tega hrbta, smer volumnov, polnost oblike so ki ga prenaša konturna črta.)

Picasso je bil že takrat neprimerljiv risar. Sabartes se je spomnil, da je bil ob opazovanju Picassa pri delu presenečen nad samozavestjo gibov njegove roke: zdelo se je, da roka le kroži po nevidnih obrisih, ki že obstajajo na platnu.

»Modri ​​slog« je izziv impresionističnemu slikarstvu, zavračanje pokornosti diktatu vizualne percepcije, odločno zavzet odnos do strukturne, grajene, ustvarjene podobe. In pozneje Picasso v vseh svojih transformacijah ni nikoli spremenil tega začetnega principa.

Raziskovalci ugotavljajo poseben pomen teme slepote v delih zgodnjega obdobja. Kompozicija "Zajtrk slepih" v več različicah, slika "Slepi kitarist", slepi starec z dečkom, risbe, ki prikazujejo slepega z vodnikom, skulptura - glava slepe ženske. In videči se obnašajo skoraj kot slepi. Njihove oči so napol zaprte ali široko odprte, vendar negibne, ljudje se ne gledajo, komunicirajo z dotiki, tipalnimi gibi rok. roke na slikah zgodnji Picasso- z dolgimi prsti, tanke, pretirano občutljive "gotske" roke - to so roke slepih, roke-oči.

Zakaj takšna strast do slepih? Ali le iz želje po izražanju skrajne prikrajšanosti ljudi ali simboličnega prikaza njihovega tipanja v tujem svetu? Očitno se tu skriva nekaj drugega: ideja o jasnovidnosti slepote, ki je hkrati jasnovidnost ljubezni. Penrose povezuje temo slepote z umetnikovim nenehnim nezadovoljstvom z zunanjim, vizualno zaznanim vidikom pojavov. »Zunanji vidik se mu je vedno zdel nezadosten. Nekje na točki konvergence čutne zaznave z globokimi sferami uma je tako rekoč notranje oko, ki vidi in razume z močjo občutka. Lahko zaznava, razume in ljubi tudi takrat, ko je zaznavanje s fizičnim vidom nemogoče. Ta zaznava je še toliko intenzivnejša, ko je okno v zunanji svet tesno zaprto. Jasen postane eden od Picassovih zagonetnih izrekov poznejšega časa: »Vse je odvisno od ljubezni. Vedno gre za to. Umetnikom je treba iztakniti oči, kot se iztikajo zlatovčicam, da bodo bolje peli.

Problemi, ki veljajo za "čisto plastične" - risba in barva, prostor, oblika, deformacija - so se Picassu soočili kot človeški problemi: sporazumevanje, razumevanje, prodor. Kaj ljudi združuje, kaj jih rešuje pred mukami osamljenosti? Je to, da se upoštevata? Ne, drug drugega čutita z nekim drugim, šestim čutom. In ali ne bi moral umetnik v svojem razumevanju stvari preseči tudi tisto, kar preprosto vidi s pomočjo šestega čuta? Picasso je vedno častil sovo – ptico, ki je podnevi slepa, a čuječa v temi.

V svojem "spustu v pekel" je Picasso okusil vso žalost človeške revščine, ni pa občutil brezupa - bolj je podoben vice kot peklu. Njegovim invalidom in potepuhom upanje ni odvzeto, ker ni odvzet dar ljubezni. Ni Picassove slike, ki bi izžarevala tako ledeno samoto kot Van Goghova zelena in rdeča kavarna. Nenehno prikazuje, kako si dve bitji prizadevata biti skupaj, neločljivo in tiho - to je morda glavna notranja tema modrega obdobja.

Najbolj neposredno se izraža v številnih različicah Objema. Morda najbolj zgovorna je hitra skica z ogljem iz leta 1901: ni moškega in ženske narazen, ni objema - je objem, ni dveh ljudi - obstaja ljubezen dveh ljudi. Ta zgodnja risba nekoliko spominja na Picassove mnogo poznejše kompozicije, kjer je metaforično upodabljal zaljubljenca skozi dva zlivajoča se profila, ki sta povezana drug v drugega.

Picasso je motiv objema interpretiral z absolutno čednostjo: tu ni erotike, temveč vlada duhovni eros v platonskem smislu. Pravzaprav erotika v delu Picassa vedno zveni grozeče, mračno, povezana je s temo nasilja in krutosti - to je morda tudi španska lastnost, tako za razliko od vesele čutnosti, ki jo goji francoska umetnost.

V umetnosti Picassa je čutna strast ena od vrst sovražnosti, "vojne", sfere delovanja destruktivnih sil. Ko hoče govoriti o ljubezni, ki združuje ljudi, prežene element čutnosti. Včasih celo naredi svoje like kot brezspolne (kritiki so pisali o "lastnostih androgina"). Distrofična vitkost, izčrpanost, povešena utrujenost moškega in ženske, ki sedita, objemata in zaspita za prazno mizo, izključuje erotične asociacije: želja dveh zapuščenih ljudi, da bi rešila drug drugega, ima drugačno, duhovno naravo.

Ta »dva«, varovana z ljubeznijo, sta le v nekaterih primerih mož in žena, mož in žena, pogosteje pa drugi pari: starec in fant, mati in otrok, dve sestri ali celo moški in žival: deček s psom, žena z vrano, deklica z golobom.

Vsi ti liki so začrtani v strnjeno sklenjenih konturah – njihove same poze so takšne, kot da nehote težijo zavzeti čim manj prostora, da bi bili nevidni ali topli: sklenejo roke, dvignejo noge, potegnejo glavo v svoje. ramenih. Ko sta dva, sta včasih obe figuri vključeni v to zaprto, zaprto konfiguracijo in se "spremenita v eno" skoraj dobesedno.

Zdi se, da so Picassu še posebej všeč takšne teme, kjer šibki ščitijo šibke. Obudil je staro temo matere, ki varuje otroka, in treba je priznati, da najboljša njegova »Materinstva« sodijo v zgodnji čas. Občutek tleče nežnosti do majhnega nebogljenega bitja je mladi Picasso izbrskal do samih globin in v njem odkril nekaj, kar meji na bolečino. Na prvi pogled je v maniristični gracioznosti njegovih »mater« tako rekoč nekakšen mraz, a je mraz, konica igle, ki se dotika golega srca.

Eno najzgodnejših del modrega obdobja je "Deklica z golobom": deklica previdno drži goloba med dlanmi. Tu lahko opazimo prvo rojstvo ene od Picassovih presečnih tem, ki poteka - eksplicitno ali prikrito, okroglo, simbolično ali neposredno - skozi njegovo dolgoletno delo. Povezana je z legendo o svetem Krištofu, ki je ponesel otroka Kristusa skozi nemiren potok.

Varovati prihodnji dan, ponesti življenje, šibko in trepetajoče kot plamen sveče, skozi pretrese dobe - to je tema upanja; po dolgih letih prelevila v Picassovo temo sveta. Več kot štirideset let po Deklici z golobom je izdelal kip Moža z jagnjetom: prestrašeno jagnje trepeta in se solzi, mož ga nosi mirno in previdno, kakor deklica drži goloba. Mnogi Picassovi motivi, ki ga nenehno preganjajo, se nahajajo okoli tega skritega središča: otroci, ki se igrajo, ki jih nekdo močan ščiti pred pošastjo (takšne kompozicije so med pripravljalnimi risbami za "tempelj miru"); buden v bližini spečega; trpljenje poškodovanih živali; končno motiv sveče ali bakle - svetilke, ki razsvetljuje temo: genij svetlobe, ki se je vdrl v pekel "Guernice", drži svečo v iztegnjena roka. Včasih se šibkost izkaže za moč, brutalna moč pa za nemoč: v seriji z minotavrom vidimo otroka, ki samozavestno vodi slepo, oslabljeno polzver.

»Potopil sem se v modrino, ko sem ugotovil, da je Casajemas mrtev,« je kasneje priznal Picasso. »Obdobje od 1901 do 1904 v delu Picassa običajno imenujemo »modro« obdobje, saj je večina slik tega časa naslikanih v hladni modro-zeleni lestvici, kar še poslabša razpoloženje utrujenosti in tragične revščine. Kar se je kasneje imenovalo »modro« obdobje, je bilo pomnoženo s podobami žalostnih prizorov, slikami, polnimi globoke melanholije. Vse to je na prvi pogled nezdružljivo z ogromno vitalnostjo samega umetnika. Toda če se spomnimo avtoportretov mladeniča z ogromnimi žalostnimi očmi, razumemo, da slike "modrega" obdobja izražajo čustva, ki so takrat prevzela umetnika. Osebna tragedija mu je izostrila dojemanje življenja in žalosti trpečih in zapostavljenih ljudi.

Paradoksalno, a resnično: nepravičnost življenjskega reda močno občutijo ne le tisti, ki so že od otroštva izkusili jarem življenjskih stisk ali še huje - nenaklonjenost bližnjih, ampak tudi precej uspešni ljudje. Picasso je odličen primer tega. Njegova mati je oboževala Pabla in ta ljubezen je zanj postala neprebojen oklep do njegove smrti. Oče, ki se je nenehno srečeval s finančnimi težavami, je znal sinu pomagati z vsemi močmi, čeprav je včasih šel v povsem drugo smer, kot je nakazal don Jose. Ljubljeni in uspešen mladenič ni postal egocentrik, čeprav je vzdušje dekadentne kulture, v kateri se je oblikoval v Barceloni, kot kaže, prispevalo k temu. Nasprotno, z veliko močjo je občutil družbeni nered, ogromen prepad med revnimi in bogatimi, nepravičnost družbenega ustroja, njeno nehumanost – z eno besedo vse tisto, kar je vodilo do revolucij in vojn 20. stoletja. .

»Obrnimo se na eno osrednjih Picassovih del tistega časa - na sliko »Stari berač z dečkom«, ki je nastala leta 1903 in je zdaj v Državnem muzeju lepih umetnosti. A. S. Puškin. Na ravnem nevtralnem ozadju sta upodobljeni dve sedeči figuri - orohli slepi starček in deček. Podobe so tukaj podane v svoji ostro kontrastni opoziciji: obraz starca, naguban, kot bi ga oblikovala mogočna igra chiaroscura, z globokimi votlinami slepih oči, njegova koščena, nenaravno oglata postava, lomljene linije njegovih nog. in roke ter nasproti njega široko odprte oči na nežnem, mehko modeliranem fantovskem obrazu, gladke, tekoče linije njegovih oblačil. Deček, ki stoji na pragu življenja, in onemogli starec, na katerem je smrt že pustila pečat - te skrajnosti v sliki združuje tragična skupnost. Dečkove oči so široko odprte, vendar se zdijo tako nevidne kot strašne vrzeli v očesnih jamicah starca: potopljen je v isto brezradno meditacijo. Modro modra barva še poveča razpoloženje žalosti in brezupa, ki se izraža v žalostno skoncentriranih obrazih ljudi. Barva tukaj ni barva resničnih predmetov, niti ni barva prave svetlobe, ki preplavlja prostor slike. Z enakimi dolgočasnimi, smrtonosno hladnimi odtenki modre Picasso prenaša obraze ljudi, njihova oblačila in ozadje, na katerem so upodobljeni.

Slika je resnična, vendar je v njej veliko konvencij. Razmerja telesa starca so hipertrofirana, neudobna drža poudarja njegovo zlomljenost. Vitkost je nenaravna. Dečkove poteze obraza so preveč poenostavljene. »Umetnik nam ne pove ničesar o tem, kdo so ti ljudje, kateri državi ali obdobju pripadajo in zakaj sedijo na tej modri zemlji, tako stisnjeni skupaj. Kljub temu je slika dovolj zgovorna: v kontrastni opoziciji starca in dečka vidimo tako žalostno, mračno preteklost enega kot brezupno, neizogibno mračno prihodnost drugega in tragično sedanjost obeh. Zelo žalosten obraz revščine in osamljenosti gleda na nas s svojimi žalostnimi očmi s slike. V svojih delih, ustvarjenih v tem obdobju, se Picasso izogiba razdrobljenosti, podrobnostim in si na vse možne načine prizadeva poudariti glavno idejo upodobljenega. Ta ideja ostaja skupna veliki večini njegovih zgodnjih spisov; tako kot v Starcu Beraču z dečkom je razkritje neurejenosti, žalostne osamljenosti ljudi v tragičnem svetu revščine.

V »modrem« obdobju so poleg že omenjenih slik (»Stari berač z dečkom«, »Vrček piva (Portret Sabartesa)« in »Življenje«) še »Avtoportret«, »Zmenek (Dve sestri) )«, Nastala je tudi »Glava ženske«, Tragedija itd.

Pablo Picasso se je rodil 25. oktobra 1881 v Španiji v mestu Malaga v družini umetnika Joseja Ruiza Blasca. Talent bodočega umetnika se je začel pokazati zgodaj. Že od 7. leta starosti je deček očetovim slikam dodal nekaj podrobnosti (prvo takšno delo so bile tace golobov). Pri 8 letih je bila naslikana prva resna oljna slika z imenom "Picador".

"Picador" 1889

Pri 13 letih je Pablo Picasso postal študent na Akademiji za umetnost v Barceloni - Pablo se je tako dobro izkazal na sprejemnih izpitih, da ga je komisija kljub mladosti sprejela na akademijo.

Leta 1897 je Picasso odšel v Madrid, da bi se vpisal na Kraljevo akademijo lepih umetnosti San Fernando. Toda Pablo je tam študiral največ eno leto - za mladega talenta na akademiji s klasičnimi tradicijami je bilo preveč dolgočasno in utesnjeno. V Madridu je mladeniča bolj zanimalo burno življenje metropole. Pablo je veliko časa posvetil tudi preučevanju del umetnikov, kot so Diego Vilasquez, Francisco Goya in El Greco, ki so na umetnika naredili velik vtis.

V teh letih je umetnik prvič obiskal Pariz, ki je takrat veljal za prestolnico umetnosti. V tem mestu je živel več mesecev in obiskoval različne muzeje, da bi preučeval dela mojstrov slikarstva: Van Gogha, Gauguina, Delacroixa in mnogih drugih. Picasso bo v prihodnosti pogosto obiskoval Pariz, kasneje pa ga bo to mesto tako prevzelo, da se Picasso odloči, da se tja za stalno preseli (1904).

Najbolj znana dela Pabla Picassa, ki jih je napisal v zgodnjem obdobju (pred letom 1900)

"Portret matere" 1896

"Znanje in usmiljenje" 1897

"Prvo obhajilo" 1896

"Avtoportret" 1896

"Matador Luis Miguel Domingen" 1897

"Španski par pred hotelom" 1900

»Bosonogo dekle. Fragment» 1895

"Človek na bregu ribnika" 1897

"Človek v klobuku" 1895

"Boulevard Clichy" 1901

"Portret umetnikovega očeta" 1895

Naslednje obdobje v delu Pabla Picassa se imenuje "modro". V letih 1901-1904. v Picassovi paleti so prevladovale hladne barve - predvsem modra in njeni odtenki. V tem času je Picasso postavil teme starosti, revščine, revščine, melanholije in žalosti je bilo značilno razpoloženje slik tega obdobja. Umetnik je upodabljal človeško trpljenje, risal slepe, berače, alkoholike in prostitutke itd. - bili so glavni junaki "modrega" obdobja.

Dela "modrega" obdobja (1901-1904)

"Zajtrk slepih" 1903

"Mati in otrok" 1903

"Pivec absinta" 1901

"Likalnik" 1904

"Starec berač s fantom" 1903

"Življenje" 1903

"Dve sestri (zmenek)" 1902

"Modra soba (kopalnica)" 1901

"Gurman" 1901

"Sedeča ženska v kapuci" 1902

V "rožnatem" obdobju (1904 - 1906) glavna tema v umetnikovem delu je bil cirkus in njegovi liki - akrobati in komiki. Prevladovale so svetle vesele barve. Najljubši lik tega obdobja lahko imenujemo harlekin, ki ga najpogosteje najdemo v delih Picassa. Poleg cirkusa ga je navdihnila tudi manekenka Fernanda Olivier, ki jo je spoznal leta 1904, na samem začetku »rožnatega« obdobja. Skozi celotno obdobje je bila umetnikova muza.

Dela "rožnatega" obdobja (1904 - 1906)

"Akrabat in harlekin" 1905

"Dekle s kozo" 1906

"Fant, ki vodi konja" 1906

"Družina komikov" 1905

"Kmetje" 1906

"Gola ženska z vrčem" 1906

"Česanje" 1906

"Ženska s kruhom" 1905

"Dva akrabata s psom" 1905

"Stranišče" 1906

eden od znane slike P. Picasso "Dekle na žogi" (1905), ki je zdaj v Državnem muzeju likovnih umetnosti. A. S. Puškina nekateri strokovnjaki imenujejo prehod iz "modrega" obdobja v "rožnato".

"Dekle na žogi" 1905

Prelomnica v delu Picassa je bil portret Gertrude Stein, ki ga je naslikal leta 1906.

Delo na portretu je bilo težko - umetnik je portret prepisal približno 80-krat, zaradi česar se je Picasso odmaknil od portreta kot žanra. vizualna umetnost v svojem klasičnem pomenu. Vse nadaljnje delo Picassa je mogoče označiti samo z enim od njegovih stavkov: "Pisati moramo ne tisto, kar vidim, ampak tisto, kar vem." Prav te instalacije se je P. Picasso poskušal držati do konca svojega življenja.

kubizem

To veliko obdobje v delu Pabla Picassa je razdeljeno na več stopenj. To je čas popolnega zavračanja detajliranja likov: subjekt in ozadje se skoraj zlijeta v eno, jasno začrtanih meja ni. Picasso je bil prepričan, da umetnik zmore več kot le pokazati, kar vidi oko.

Prva faza je "cezannsko" ali "afriško" obdobje. To stopnjo odlikuje konstrukcija slik z uporabo preprosto geometrijsko oblike in prevlado motnih zamegljenih zelenih, oker in rjavih tonov.

V letih 1907-1909 je bila umetnikova pozornost usmerjena v afriško umetnost, s katero se je prvič srečal leta 1907 na etnografski razstavi v muzeju Trocadero. Odslej so v Picassovem delu začele prevladovati preproste, celo primitivne oblike upodobljenih predmetov. V tehniki je umetnik začel uporabljati grobo senčenje. Prva slika, narejena v "afriškem" slogu, se šteje za "Dekleta iz Avignona" leta 1907.

To sliko je avtor pisal skozi vse leto. Picasso tako dolgo ni delal z nobeno od svojih slik. Posledično je bilo to delo tako drugačno od njegovih prejšnjih slik, da ga je javnost dvoumno dojemala. Toda, ko je našel nov slog, ki je bil zanj zanimiv, se Picasso ni nameraval umakniti in umetnik ga je dve leti razvijal na vse možne načine.

Dela "cezannskega" kubizma ("afriško" obdobje) (1907 - 1909)

"Kmet" 1908

"Glava človeka" 1907

"Kopalka" 1909

"Tihožitje s skledo in vrčem" 1908

"Akt z draperijo (Ples s tančicami)" 1907

"Portret Manuela Pallaresa" 1909

"Tri figure pod drevesom" 1907

"Kozarci in sadje" 1908

"Doprsni kip moškega (športnika)" 1909

"Ženska" 1907

V analitičnem obdobju je Picasso prišel do spoznanja, da se mora popolnoma osredotočiti na volumen in obliko predmetov, barvo pa potisniti v ozadje. torej znak analitični kubizem je postal enobarven. Omeniti velja tudi strukturo del tega obdobja - zdi se, da umetnik zdrobi predmete na majhne drobce. Meja med različnimi stvarmi izgine in vse se dojema kot celota.

Dela "analitičnega" kubizma (1909-1912)

"Človek s kitaro" 1911

"Mož z violino" 1912

"Harmonikar" 1911

"Tihožitje s steklenico alkoholnih pijač" 1909

"Pesnik" 1911

"Portret Fernande" 1909

"Portret Wilhelma Uhdeja" 1910

"Sedeči gol" 1910

"Ženska v zelenem" 1909

"Ženska v naslanjaču" 1909

Začetek sintetičnega obdobja je bila slika »Spomini na Le Havre«, ki jo je Pablo Picasso naslikal leta 1912. Na tej sliki so se pojavile svetlejše barve, ki niso bile lastne analitičnemu kubizmu.

Enobarvna dela so se spet umaknila barvnim. V bistvu so na slikah tega obdobja prevladovala tihožitja: steklenice vina, zapiski, jedilni pribor in glasbila. Za zmanjšanje abstraktnosti pri delu na slikah so bili uporabljeni resnični predmeti, kot so: vrvi, pesek, tapete itd.

Dela "sintetičnega" kubizma (1912-1917)

"Človek ob kaminu" 1916

"Človek v cilindru" 1914

"Steklo in igranje kart» 1912

"Kitara" 1912

"Tihožitje s sadjem na mizi" 1914-1915

"Podstavek" 1914

"Miza v kavarni (steklenica Perna)" 1912

"Taverna (šunka)" 1914

"Zeleno tihožitje" 1914

"Človek s pipo, sedeč v naslanjaču" 1916

Kljub dejstvu, da so mnogi aktivno kritizirali kubizem, so se dela tega obdobja dobro prodajala in Pablo Picasso je končno prenehal prosjačiti in se preselil v prostoren studio.

Naslednje obdobje v umetnikovem delu je bil neoklasicizem, ki ga je začela Picassova poroka z rusko balerino Olgo Khokhlovo leta 1918. Pred tem je Pablo delal na scenografijah in kostumografijah za balet Parada leta 1917. Bilo je med izvajanjem tega dela da je umetnik srečal Olgo Khokhlovo.

Zavesa za balet "Parada" 1917

Baletni program Parada s Picassovo risbo. 1917

Kitajski čarovnik, oblečen v Picassa, sodobna interpretacija, 2003

Lik francoskega "stevarda" (lajalec)

To obdobje je zelo daleč od kubizma: resnični obrazi, svetle barve, pravilne oblike ... Za takšne spremembe v njegovem delu ga je navdušila žena Rusinja, ki je v Pablovo življenje prinesla veliko novega. Tudi umetnikov življenjski slog se je spremenil - obiskovanje družabnih dogodkov, kostumiranih baletov itd. Z eno besedo, Picasso se je začel vrteti v sekularnem okolju, ki mu je bilo prej tuje. Zaradi tako ostrega prehoda iz kubizma v klasicizem so Picassa mnogi kritizirali. Umetnik je na vse trditve odgovoril v enem izmed svojih intervjujev: »Kadar hočem nekaj povedati, govorim tako, kot bi po mojem mnenju to moralo biti povedano.«

Dela neoklasicističnega obdobja (1918 - 1925)

"Branje pisma" 1921

"Kopalci" 1918

"Ljubimci" 1923

"Mati in otrok" 1921

"Olga Khokhlova v mantili" 1917

"Olga Picasso" 1923

"Prvo obhajilo" 1919

"Pierrot" 1918

"Portret Olge v fotelju" 1917

"Portret Paula" umetnikovega sina 1923

"Speči kmetje" 1919

"Trije kopalci" 1920

"Ženska z otrokom na morski obali" 1921

"Ženska v mantilli" 1917

"Ženske, ki tečejo ob obali" 1922

Leta 1925 je umetnik naslikal sliko "Ples", ki v celoti odraža težave v umetnikovem osebnem življenju tistega časa.

Pozimi leta 1927 Picasso sreča svojo novo muzo, sedemnajstletno Marie-Thérèse Walter, ki je postala lik na številnih slikah nadrealističnega obdobja. Leta 1935 se je paru rodila hčerka Maya, toda leta 1936 je Picasso zapustil Marijo Terezijo in Olgo Khokhlovo, s katero se ni uradno ločil do Olgine smrti leta 1955.

Dela obdobja nadrealizma (1925 - 1936)

"Akrabat" 1930

"Dekle, ki meče kamen" 1931

"Figure na plaži" 1931

"Tihožitje" 1932

"Akt in tihožitje" 1931

"Gola na plaži" 1929

"Gola na plaži" 1929

"Ženska z rožo" 1932

"Sanje (portret ljubice umetnika Marije Tereze Walter)" 1932

"Akt v naslanjaču" 1932

"Akt v fotelju" 1929

"Poljub" 1931

V 30. in 40. letih prejšnjega stoletja je bik, Minotaver, postal junak številnih Picassovih slik. Minotaver v umetnikovem delu je poosebljenje uničujoče moči, vojne in smrti.

"Minotauria" 1935

"Paleta in bikova glava" 1938

"Jagnječja glava" 1939

"Tihožitje z bikovo lobanjo" 1942

"Bikova lobanja, sadje, vrč" 1939

"Tri ovnove glave" 1939

Spomladi 1937 so nemški fašisti dobesedno izbrisali mestece Guernica v Španiji. Picasso tega dogodka ni mogel prezreti in tako se je rodila slika "Guernica". To sliko lahko imenujemo apoteoza teme Minotavra. Dimenzije slike so impresivne: dolžina - 8 m, širina - 3,5 m. En primer je znan v zvezi s sliko. Med preiskavo Gestapa je nacistični častnik opazil sliko in vprašal Picassa: "Si to naredil ti?" na kar je umetnik odgovoril: »Ne. Ti si naredil!"

"Guernica" 1937

Vzporedno s platnima o Minotavrih Pablo Picasso ustvarja serijo o pošastih. Ta serija izraža umetnikovo stališče med špansko državljansko vojno, v kateri je podpiral republikance in nasprotoval politiki diktatorja Franca.

"Sanje in laži generala Franca" (1937)

"Sanje in laži generala Franca" (1937)

Vse druge svetovna vojna Pablo Picasso je živel v Franciji, kjer je umetnik leta 1944 postal član francoske komunistične partije.

Vojna dela (1937-1945)

"Fazan" 1938

"Glava ženske v klobuku" 1939

"Marija Terezija v vencu" 1937

"Atelje umetnika" 1943

"Maja z lutko" 1938

"Molitev" 1937

"Tihožitje" 1945

"Jokajoča ženska z naglavno ruto" 1937

"Ptice v kletki" 1937

"Ranjena ptica in mačka" 1938

"Kripta" 1945

"Ženska na rdečem stolu" 1939

Leta 1946 je umetnik delal na slikah in ploščah za grad družine Grimaldi v Antibesu (letovišče v Franciji). V prvi grajski dvorani je postavljen pano z naslovom "Radost življenja". Glavni liki te slike so bila pravljična bitja, favni, kentavri in gola dekleta.

"Radost bivanja" 1946

Istega leta je Pablo spoznal mlado umetnico Francoise Gilot, s katero sta se nastanila v gradu Grimaldi. Pozneje sta imela Picasso in Francoise dva otroka, Palomo in Clauda. V tem času je umetnik pogosto slikal svoje otroke in Francoise, a idila ni trajala dolgo: leta 1953 je Francoise vzela otroke in zapustila Pabla Picassa. Françoise ni mogla več prenašati umetnikovih nenehnih izdaj in njegove težke narave. Umetnik je to ločitev zelo težko doživel, kar ni moglo vplivati ​​na njegovo delo. Dokaz za to so risbe s tušem grdega starega škrata z lepo mlado deklico.

Eden najbolj znanih simbolov "goloba miru" je nastal leta 1949. Prvič se je pojavil na svetovnem mirovnem kongresu v Parizu.

Leta 1951 je Picasso naslikal sliko "Masaker v Koreji", ki pripoveduje o grozodejstvih te "pozabljene" vojne.

"Masaker v Koreji" 1951

Leta 1947 se je umetnik preselil na jug Francije, v mesto Vallauris. V tem mestu se je začel zanimati za keramiko. Picassa je za tak hobi navdušila letna razstava keramike v Vallaurisu, ki jo je obiskal davnega leta 1946. Umetnik je pokazal posebno zanimanje za predmete iz delavnice Madura, v kateri je pozneje delal. Delo z glino je priznanemu slikarju in grafiku omogočilo, da je pozabil na grozote vojne in se potopil v drug radosten in spokojen svet. Ploskve za keramiko so najpreprostejše in najbolj nezapletene - ženske, ptice, obrazi, pravljični liki… Celo knjiga “Picassova keramika” I. Karetnikova, ki je izšla leta 1967, je posvečena Picassovi keramiki.

Picasso v Madurini delavnici