Talianska renesancia (talianska renesancia) je poznačená obdobím veľkých kultúrnych zmien v Európe, v období od XIV - XVI. Práve z tejto epochy vzišla plejáda slávnych talianskych umelcov, ktorí obdivovali a ukazovali celému svetu krásy prírody a Ľudské telo. Poďme sa teda pozrieť na top 10 slávnych majstrov talianska renesancia.

1. Raphael Santi

Rafael Santi (všetci známy ako Raphael) sa narodil v Urbine dvornému maliarovi Giovannimu Santimu. Mladý Raphael začal študovať na dvore, kde sa inšpiroval dielami veľkých umelcov ako Andrea Mantegna a Piero della Francesca. Raphael bol tiež žiakom Pietra Perugina a jeho raná tvorba odráža vplyv jeho učiteľa talianskej renesancie. V rokoch 1500 a 1508 Raphael pôsobil v strednom Taliansku, a bol známy madonami a portrétmi. V roku 1508 ho pápež Július II. požiadal, aby vyzdobil pápežské miestnosti vo Vatikáne, kde dokončil svoju najlepšia práca, ako je napríklad „Aténska škola“ v Stanza della Senyatura.

"Santi"

2. Leonardo da Vinci

Diela Leonarda da Vinciho sú často považované za stelesnenie humanistických ideálov počas talianskej renesancie. Leonardo da Vinci bol majstrom rôznych foriem umenia, preslávil sa však svojimi maľbami. Leonardo bol nemanželským dieťaťom florentského notára a roľníčky. Mladý muž si svoj štýl formoval počas štúdia v dielni florentského maliara Andrea del Verrocchio. Žiaľ, dnes je dostupných len 15 jeho obrazov, medzi nimi „Mona Lisa“ a „ Posledná večera sú dve z najznámejších a napodobňovaných diel.

3. Michelangelo

Rovnako ako jeho súčasník Leonardo da Vinci, aj Michelangelo bol majstrom rôznych umeleckých oblastí, najdôležitejšou bola samozrejme maľba. V Sixtínskej kaplnke vo Vatikáne sa nachádzajú najpôsobivejšie fresky v histórii západného umenia: obrazy ilustrujúce deväť scén z Knihy Genezis na strope a Posledný súd na stene oltára, patriacej štetke umelca. Michelangelo dokončil fresky na strope kaplnky asi za štyri roky, kompozícia má rozlohu viac ako 500 metrov štvorcových a obsahuje najmenej 300 obrazov. Toto výnimočné umelecké dielo nepochybne ovplyvnilo v priebehu niekoľkých nasledujúcich rokov mnohých barokových dekoratérov.

4. Sandro Botticelli

Ďalším maliarom patriacim do slávnej florentskej školy je Sandro Botticelli. O jeho mladosti sa vie len málo, je zrejmé, že bol žiakom Fra Filippa Lippiho a inšpirovali ho monumentálne maľby Masaccia. Elegantný obraz Madony s dieťaťom, majstra ranej renesancie Botticelliho, ako aj jeho maľby na stenách oltára, maľby v r. životnej veľkosti sa stal známym už za svojho života. Preslávil sa najmä dvoma dielami zobrazujúcimi mytologické výjavy – „Zrodenie Venuše“ a „Jar“ – oba obrazy sú umiestnené v galérii Uffizi vo Florencii.

5. Tizian

Tiziano Vecellio, známy ako Tizian, bol najväčším benátskym maliarom 16. storočia. Tizian je známy predovšetkým svojou schopnosťou používať farby a ich odtiene - rovnako dobre ovládal zručnosť kresliť portréty, krajiny, mytologické príbehy A náboženské témy. Ako tínedžer spolupracoval s významnými benátskymi umelcami ako Giorgione a Giovanni Bellini. Maľoval aj pre kráľovskú rodinu v celej Európe, vrátane španielskeho kráľa Filipa II. Počas svojej kariéry Tizian maľoval portréty mnohých najvýznamnejších osobností svojej doby, od pápeža Pavla III. až po cisára Svätej ríše rímskej Karola V.

"Autoportrét". Národné múzeum Prado

6. Tintoretto

Jacopo Robusti (Comyn), ktorého každý pozná pod prezývkou Tintoretto (jeho otec bol farbiarom alebo tintore v taliančine), je ďalším na zozname popredných talianskych maliarov renesancie. Skombinoval využitie Tizianovho sfarbenia a dynamiku Michelangelových foriem. Jeho tvorbu charakterizujú rozsiahle námety, ako napríklad jeho dielo „Posledná večera“. Obraz sa vyznačuje vynaliezavosťou, veľkolepým osvetlením – hrou svetla a tieňa a využitím gest a pohybov tela v dynamike. Pre svoju vášeň pre prácu a impulzívnosť kreslenia si Tintoretto vyslúžil ďalšiu prezývku: II Furious.

"Autoportrét"

7. Masaccio

Masaccio zanechal vo svete maľby nezmazateľnú stopu, hoci jeho život bol krátky - zomrel vo veku 26 rokov. Narodil sa v roku 1401 a významne prispel k maľbe svojou schopnosťou vytvárať dynamické obrazy a pohyby, ako aj vedeckým prístupom k perspektíve. V skutočnosti je mnohými považovaný za prvého veľkého maliara talianskej renesancie a inovátora modernej éry maľby. Dielo Masaccia bolo ovplyvnené dielami sochára Donatella a architekta Brunelleschiho. Žiaľ, z našej doby sa zachovali len štyri diela, ktorých autorstvo nevyvoláva otázky, zatiaľ čo iné diela vznikli v spolupráci s inými umelcami.

8. Domenico Ghirlandaio

Domenico Ghirlandaio bol vedúcim veľkej a produktívnej dielne vo Florencii, v ktorej boli aj jeho dvaja bratia. Mnohé následne slávnych umelcov trávil čas vo svojom ateliéri, medzi nimi aj Michelangelo. Raný renesančný maliar sa stal známym svojimi podrobnými námetmi, ktoré často zahŕňali popredné osobnosti tej doby, ako napríklad zaznamenávanie súčasnej florentskej spoločnosti. Najvýznamnejšie zákazky dostal od pápeža Sixta IV., ktorý ho povolal do Ríma, aby vymaľoval Sixtínsku kaplnku.

"Volanie prvých apoštolov"

9. Andrea del Verrocchio

Možno ste si všimli, že Andrea del Verrocchio bol už spomenutý na našom zozname. Mal obrovský vplyv na úspešných maliarov talianskej renesancie. Medzi jeho žiakov patrili už spomínaní Botticelli, Ghirlandaio a dokonca aj Leonardo da Vinci. Jeho patrónmi bola vplyvná rodina Medici, predstavitelia benátskeho štátu a Mestská rada Pistoia. Všestranný umelec vytvoril nemálo sôch. Známe je len jedno umelecké dielo podpísané Verrocchiom: oltárna stena v katedrále Pistoia. Napriek tomu sa jeho dielni pripisuje mnoho ďalších obrazov.

"Krst Krista"

10. Giovanni Bellini

Giovanni Bellini sa narodil v rodine umelcov spolu so svojím otcom Jacopom a bratom Gentilem a úplne zmenil maliarstvo v benátskom regióne. Použitím čistých farieb a jemných prechodov dokázal Bellini vytvoriť bohaté odtiene a výrazné tieňovanie. Tieto farebné inovácie mali hlboký vplyv na iných maliarov, ako napríklad Tizian. Bellini pridal do mnohých svojich diel skrytú symboliku, ktorá sa zvyčajne pripisuje severnej renesancii.

"Madonna na lúke"

Až do 13. storočia v Taliansku dominovala byzantská tradícia, nepriateľská voči akémukoľvek slobodnému vývoju či individuálnemu porozumeniu. Až v 13. storočí sa podarilo oživiť skamenenú schému obrazu v diele niektorých veľkých umelcov, predovšetkým tých z Florencie.

Dochádza k novému, na realitu orientovanému vnímaniu harmónie farieb a hlbšiemu vyjadreniu pocitov. Z umelcov 13. – 14. storočia možno vysloviť hlas ako Ercole de Roberti, Francesco Francia, Jacopo de Barbari.

Iatské maliarstvo 15. - 16. storočia

Počas tohto obdobia bol rozšírený taký štýl maľby ako manierizmus. Vyznačuje sa odklonom od jednoty a súladu človeka s prírodou, všetkým hmotným a duchovným, v tomto sa stavia do opozície k renesancii.

Veľkým centrom maľby sú Benátky. Tizianov príspevok do značnej miery definoval benátske maliarstvo 16. storočia, a to z hľadiska majstrových umeleckých úspechov aj jeho produktivity. Rovnako ovládal všetky žánre, zažiaril v náboženských, mytologických a alegorických kompozíciách, vytvoril početné úchvatné portréty. Tizian sledoval štýlové trendy svojej doby a následne ich ovplyvňoval.

Veronese a Tintoretto – oproti týmto dvom umelcom sa odhaľuje dualita Benátska maľba polovica 16. storočia, pokojný prejav krásy pozemského bytia na konci renesancie vo Veronese, asertívne hnutie a krajná nadpozemskosť, v niektorých prípadoch aj rafinovaná zvodnosť svetského charakteru, v diele Tintoretta. . V obrazoch Veronese nepociťujú žiadne problémy tej doby, všetko píše, akoby to inak ani nemohlo byť, akoby život bol krásny taký, aký je. Scény zobrazené na jeho obrazoch vedú k „skutočnej“ existencii, ktorá nenecháva priestor na pochybnosti.

S Tintorettom je to úplne iné, všetko, čo píše, je plné intenzívnej akcie, dramaticky mobilné. Nič pre neho nie je neotrasiteľné, veci majú veľa strán a môžu sa prejavovať rôznymi spôsobmi. Kontrast medzi hlboko náboženskými a svetsky pikantnými, prinajmenšom elegantnými maľbami, o čom svedčia jeho dve kreácie „Spása Arsinoe“ a „Zápas archanjela Michaela so Satanom“, zameriava našu pozornosť na originalitu manierizmu, ktorá je vlastná nielen do benátskeho Tintoretta, ale všimli sme si aj v Correggio Parmigianino, ktorý vychádza z tradícií.

Talianske maliarstvo 17. storočia

Toto storočie je označené ako čas narastajúceho katolicizmu, konsolidácie cirkvi. Rozkvet maliarstva v Taliansku súvisel, podobne ako v predchádzajúcich storočiach, s rozdelením na samostatné miestne školy, čo bolo dôsledkom politickej situácie v tejto krajine. Renesancia Talianska bola chápaná ako východiskový bod ďalekosiahleho hľadania. Je možné vyzdvihnúť umelcov rímskej a bolonskej školy. Sú to Carlo Dolci z Florencie, Procaccini, Nuvolone a Pagani z Milána, Alessandro Turki, Pietro Negri a Andrea Celesti z Benátok, Ruoppolo a Luca Giordano z Neapola. Rímska škola žiari celým radom obrazov k podobenstvám Nového zákona od Domenica Fettiho, ktoré sa naučili na príkladoch Caravaggia a Rubensa.

Andrea Sacchi, študent Francesca Albaniho, predstavuje výrazné klasické hnutie v rímskom maliarstve. Klasicizmus, ako smer proti baroku, vždy existoval v Taliansku a Francúzsku, ale v týchto krajinách mal inú váhu. Tento smer reprezentuje Carlo Maratto, študent Sacchiho. Jedným z hlavných predstaviteľov klasicistického smeru bol Domenichino, ktorý študoval u Denisa Calvarta a Caracciho v Bologni.

Pier Francesco Mola bol pod vplyvom Guercina oveľa barokovejší, silnejší v interpretácii svetla a tieňa, v prenose hnedo-teplého tónu. Ovplyvnil ho aj Caravaggio.

Výrazovo rozvinuté formy baroka s inherentným zmyslom pre „prirodzenosť“ a v zobrazovaní zázrakov a vízií, inscenované v 17. storočí, však stierali hranice medzi realitou a ilúziou.

Realizmus a tendencie klasicizmu sú pre túto dobu charakteristické, bez ohľadu na to, či sú v protiklade k baroku alebo sú vnímané ako súčasť tohto štýlu. Salvator Rosa z Neapola bol krajinárom s veľmi významným vplyvom. Jeho diela študovali Alessandro Magnasco, Marco Ricci, Francúz Claude-Joseph Vernet.

talianska maľba urobil silný dojem na celú Európu, ale Taliansko zase nebolo oslobodené od opačného vplyvu pánov severu. Príkladom nasledovania rodu maliarskych Wauwermanov, avšak s individuálne vyvinutým a ľahko rozpoznateľným rukopisom, je Michelangelo Cervocci so svojou „Lúpežou po bitke“. Vznikol ako umelec v Ríme pod vplyvom Pietera van Laera, narodeného v Haarleme a žijúceho v Ríme.

Ak benátske maliarstvo 17. storočia pôsobí dojmom intermezza, medzihry medzi veľkou minulosťou 15. a 16. storočia a nadchádzajúcim rozkvetom v 18. storočí, potom v osobe Bernarda Strozziho má janovské maliarstvo umelca tzv. najvyššej hodnosti, ktorý vniesol podstatné akcenty do obrazu barokového maliarstva v Taliansku.

Talianske maliarstvo 18. storočia

Tak ako v predchádzajúcich storočiach, aj v 18. storočí mali jednotlivé školy talianskeho maliarstva svoju identitu, hoci počet skutočne významných centier sa zmenšil. Benátky a Rím boli veľkými centrami pre rozvoj umenia v 18. storočí, Bologna a Neapol mali tiež svoje výnimočné úspechy. Vďaka majstrom renesancie boli Benátky v 17. storočí strednou školou pre umelcov z iných miest Talianska a vôbec z celej Európy, ktorí tu študovali Veronese a Tintoretto, Tizian a Giorgione. Sú to napríklad Johann Lis a Nicola Renier, Domenico Fetti, Rubens a Bernardo Strozzi.

18. storočie začína takými umelcami ako Andrea Celesti, Piero Negri, Sebastiano Ricci, Giovanni Battista Piazzetta. Najcharakteristickejší výraz jeho originality poskytujú obrazy Giovanniho Battistu Tiepola, Antonia Canala a Francesca Guardiho. Veľkolepý dekoratívny rozsah Tiepolových diel je živo vyjadrený v jeho monumentálnych freskách.

Bologna so svojimi pohodlnými spojeniami s Lombardskom, Benátkami a Florenciou je centrom Emilie, jediného mesta v tomto regióne, ktoré v 17. a 18. storočí produkovalo vynikajúcich majstrov. V roku 1119 tu bola založená najstaršia univerzita v Európe so slávnou právnickou fakultou.Duchovný život mesta výrazne ovplyvnil talianske maliarstvo 18. storočia.

Najatraktívnejšie sú diela Giuseppe Maria Crespiho, najmä séria „Sedem sviatostí cirkvi“ z roku 1712. Malebná škola v Bologni má v osobe Crespiho umelca európskeho rozmeru. Jeho život patrí polovica do 17., polovica do 18. storočia. Ako študent Carla Cignaniho, ktorý študoval u Francesca Albaniho, zvládol akademickú školu umelecký jazyk ktorá odlišuje bolonské maliarstvo už od čias Carrachy. Crespi navštívil Benátky dvakrát, učil sa a inšpiroval ostatných. Zdá sa, že najmä Pianzetta si svoje diela dlho zapamätal.

Bolonské maliarstvo zo začiatku 18. storočia, odlišné od Crespiho, predstavuje Gambarini. Studená farebnosť a kresbová jasnosť, príťažlivý anekdotický obsah jeho obrazov ho v porovnaní s Crespiho silným realizmom pripisuje skôr akademickej škole.

V osobe Francesca Solimena malo neapolské maliarstvo svojho predstaviteľa uznávaného v celej Európe. Rímska maľba 18. storočia ukazuje klasický trend. Umelci ako Francesco Trevisani, Pompeo Girolamo Batoni a Giovanni Antonio Butti sú toho príkladom. 18. storočie bolo obdobím osvietenstva. Šľachtická kultúra vo všetkých oblastiach v prvej polovici 18. storočia zažila oslnivý rozkvet neskorého baroka, ktorý sa prejavil v dvorných slávnostiach, veľkolepých operách a kniežacích činoch.

Štátna Ermitáž spolu s Mestskými múzeami v Pavii organizuje najväčšiu retrospektívu talianskeho maliarstva predminulého storočia, vrátane viac ako sedemdesiatich diel.

Štátna Ermitáž, 19. november 2011 - 22. január 2012
Zbrojnica Zimný palác

V rámci Roku Talianska v Rusku a Ruska v Taliansku sa v zbrojnici Zimného paláca koná výstava „Taliančina maľba XIX storočí. Od neoklasicizmu k symbolizmu“, ktorú organizuje Štátna Ermitáž spolu s Mestskými múzeami v Pavii. Expozícia je najväčšou retrospektívou talianskej maľby predminulého storočia a zahŕňa viac ako sedemdesiat diel, z ktorých polovica pochádza zo zbierky Galérie umenia 19. storočia Mestských múzeí v Pavii. Okrem toho sú na výstave aj diela z galérie súčasné umenie Florencia, Miláno, Turín, Janov. Význam výstavy je ťažké preceňovať, keďže sledované obdobie je ruskému publiku prakticky neznáme (zbierka Ermitáž obsahuje niečo vyše šesťdesiat obrazov talianskych umelcov Ottocenta).

Na príklade najlepších príkladov maľby 19. storočia výstava demonštruje celú škálu štýlov a trendov, v ktorých talianski umelci pracovali: klasicizmus, romantizmus, historizmus, macchiaioli, symbolizmus.

Hlavné črty talianskeho klasicizmu boli stanovené v diele Antonia Canovu. Longobardský umelec Andrea Appiani sa priklonil k typu vznešene idylických malieb na mytologické námety, ktorých príkladom je obraz Juno Dressed by the Graces. Rovnaký starodávny kánon vznešenej harmónie je na plátnach „Paríž“ a „Hebe“ od Gaspare Landiho. Hrdinskú vetvu neoklasicizmu predstavuje kedysi populárny obraz „Smrť Caesara“ od Vincenza Camucciniho.

Obracanie sa k epizódam a hrdinom národných dejín, väčšinou už opísaných v literatúre, je príznačné pre väčšinu maliarstva 19. storočia, počnúc romantizmom. Vedúci umelec týmto smerom - Francesco Hayets. V obraze „Zmierenie Otta II. s jeho matkou Adelaidou Burgundskou“ reprodukoval významnú, no málo známu udalosť talianskych stredovekých dejín. Vo „Venus Playing with Doves“ stelesnil črty slávnej baleríny Carlotty Chabertovej, v „The Secret Denunciation“ ukázal benátskeho, krásneho a krutého.

Romantickí umelci ochotne zobrazovali vynikajúcich ľudí, rebelských hrdinov vo chvíľach slávy či pádu. Príklady takýchto diel: „Galileo pred inkvizíciou“ od Christiana Bantiho, „Kryštof Kolumbus po návrate z Ameriky (Krištof Kolumbus v reťaziach)“ od Lorenza Delleaniho, „Lord Byron na gréckych brehoch“ od Giacoma Trecourta.

Romantici oživujú záujem o „mladšie“ žánre maľby – obraz interiérov budov a mestské veduty (olovo). Na plátne „Kostol Santa Maria della Salute v Benátkach“ Ippolito Caffi experimentuje s vizuálnym vnímaním a svetelnými efektmi.

Hľadanie romantikov pokračovalo v 60. rokoch 19. storočia toskánskymi macchiaioli: Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Odorado Borrani, Vincenzo Cabianca. Umelci navrhli štýlový spôsob, nahradili tradičný šerosvit kontrastnou kombináciou škvŕn („macchia“). V novej technike predstavil macchiaioli žánrové scény Každodenný život: "Spievanie stornello" a "Snúbenica, alebo nevesta a ženích" od Silvestra Legiho, "Rendezvous in the Forest" od Telemaco Signorini. Krajina na obrazoch „Rotonda z Palmieri Baths“ od Giovanniho Fattoriho a „Pohľad na Castiglioncello“ od Giuseppe Abbatiho je zaujímavá, pretože umelci na jej vytvorení pracovali plenérom.

Tendencie symbolizmu sú jasne vyjadrené v triptychu Giorgia Kinercu „Hádanka človeka“: umelec sa vyhýba jasnej charakterizácii postáv, radšej fascinuje diváka ezoterickými symbolmi a všeobecnou magnetickou atmosférou.

V posledných desaťročiach 19. storočia európski umelci experimentovali s novými výrazovými prostriedkami. Angelo Morbelli v Taliansku rozvíja techniku ​​samostatného ťahu (divizionizmus), ktorej príkladom je maľba na sociálna téma"Za 80 centesimo!". Divízorom bol aj Giuseppe Pelizza da Volpedo, ktorý v obraze „Round Dance“ symbolicky stelesnil ideály vysokého humanizmu.

Výstava „Talianske maliarstvo 19. storočia. Od neoklasicizmu k symbolizmu“ je odpoveďou na veľkú výstavu „Leonardeschi od Foppa po Giampetrino: Obrazy z Ermitáže a mestských múzeí v Pavii“, ktorá bola otvorená v marci 2011 v Castello Visconteo, ktorá zahŕňala dvadsaťdva plátien zo zbierky Ermitáž.

Kurátorkou výstavy v mene Štátnej Ermitáže je Natalya Borisovna Demina, vedecká pracovníčka Katedry západnej Európy výtvarné umenie, z Mestských múzeí v Pavii - Susanna Zatti, riaditeľka Mestských múzeí v Pavii.

Do otvorenia výstavy vyšiel vedecký katalóg v ruštine a taliančine (vydavateľstvo Schira, Miláno-Ženeva) s článkami Fernanda Mazzocchiho, profesora Milánskej univerzity, Francesca Porreco, kurátorky Mestských múzeí v Pavii a Suzanna Zattiová.

Pozor! Všetky materiály stránky a databáza výsledkov aukcií stránky, vrátane ilustrovaných referenčných informácií o dielach predaných na aukciách, sú určené na použitie výlučne v súlade s čl. 1274 Občianskeho zákonníka Ruskej federácie. Použitie na komerčné účely alebo v rozpore s pravidlami ustanovenými Občianskym zákonníkom Ruskej federácie nie je povolené. stránka nezodpovedá za obsah materiálov odovzdaných tretími stranami. V prípade porušenia práv tretích osôb si správa stránky vyhradzuje právo na ich odstránenie zo stránky a z databázy na základe žiadosti oprávneného orgánu.

• 31.01.2020 Vyvolávacia cena každej časti tejto aukcie nezávisí od jej odhadu a je presne 100 dolárov
• 30.01.2020 Marron zbiera svoju zbierku už viac ako 20 rokov, pozostáva z 850 umeleckých diel, predbežne odhadovaných na 450 miliónov dolárov.
• 30.01.2020 Status sochy z Gettyho múzea v decembri 2019 bol zmenený na „dielo neznámeho umelca“
• 29.01.2020 Kurz musel byť zrušený po sťažnostiach, že sa príliš zameriava na európske „biele dejiny umenia“ a štúdium mužských umelcov.
• 29.01.2020 Organizátori najkomplexnejšej retrospektívy tvorby Salvadora Dalího ponúkajú verejnosti dvesto umelcových diel a bohatý vzdelávací program

• 31.01.2020 Celkové príjmy dosiahli takmer 2,5 milióna rubľov. Kupujúci - z Moskvy do Magadanu
• 24.01.2020 Viac ako 50% položiek katalógu sa dostalo pod kladivo, kupujúci - od Permu po Minsk
• 23.01.2020 Katalóg obsahuje tridsať kusov: jedenásť obrazov, pätnásť listov originálu a jednu tlačenú grafiku, jedno dielo v kombinovanej technike, jeden porcelánový tanier a jeden fotoalbum
• 20.01.2020 Katalóg prvej aukcie umenia a výtvarného umenia v roku 2020 pozostával z 547 položiek - maľby a grafiky, sklo, porcelán, keramika, striebro, smalt, šperky atď.
• 17.01.2020 O niečo menej ako polovica všetkých katalógových šarží putovala do nových rúk. Medzi kupujúcimi - Moskva, Odintsovo, Minsk a Perm

• 31.01.2020 V histórii predmetu rozhovoru sa niečo môže zdať naivné, iné - nájsť uplatnenie v praxi účastníkov trhu. Jedna vec je istá: v každej profesii, znalosti každého úspešný človek mal vychádzať z úspechov a chýb svojich predchodcov
• 03.12.2019 Hlavné postavy troch hlavných aukcií „ruského týždňa“ a trochu o tom, ako sa splnili naše predpovede
• 03.12.2019 Tento rok sa Salón konal na novom mieste, v Gostinom Dvore, o mesiac neskôr ako zvyčajne
• 28.11.2019 Návšteva ateliéru umelca je udalosťou, ktorá potenciálne môže zmeniť život majiteľa ateliéru aj jeho hosťa. Nie úplne pracovné stretnutie, ale určite nie obyčajná priateľská návšteva. Dodržiavanie niekoľkých jednoduchých pravidiel vám pomôže vyhnúť sa problémom v tejto situácii.
• 26.11.2019 Už po štvrtýkrát na návrh VKhNRTS pomenovaného po akademikovi I. E. Grabarovi zverejňujeme falošný znalecký posudok, ktorý údajne vydali odborníci Centra. Buď opatrný!
• 17.12.2019 Výstava, ktorá sa otvára 19. decembra v hlavnej budove múzea, na Petrovke 25, je pokusom o nový pohľad na rozsiahlu múzejnú zbierku ruského umenia: 20 známych osobností z rôznych profesijných oblastí sa stalo kurátormi projekt
• 12.12.2019 6. apríla 2020 uplynie 500 rokov od úmrtia jedného z najväčších umelcov renesancie. V očakávaní veľkých podujatí, ktoré sa budú konať budúci rok, otvára Berlínska galéria umenia výstavu Madony od Raphaela Santiho

MAĽOVANIE TALIANSKA

V Taliansku, kde v 17. storočí konečne zvíťazila katolícka reakcia, sa barokové umenie formovalo veľmi skoro, prekvitalo a stalo sa dominantným trendom.

Pre maľbu tejto doby boli typické veľkolepé dekoratívne kompozície, slávnostné portréty zobrazujúce arogantných šľachticov a dámy s hrdým držaním tela, topiace sa v luxusných róbach a šperkoch.

Namiesto čiary sa uprednostnil malebný bodový, hmotový, svetelný a odtieňový kontrast, pomocou ktorého bola vytvorená forma. Barok porušil princípy rozdelenia priestoru na plány, princípy priamej lineárnej perspektívy na zvýšenie hĺbky, ilúziu prechodu do nekonečna.

Vznik barokového maliarstva v Taliansku sa spája s tvorbou bratov Carracciovcov, zakladateľov jednej z prvých umeleckých škôl v Taliansku – Academy of Walking správna cesta„(1585), takzvaná Bolonská akadémia – dielňa, v ktorej študovali noví majstri podľa špeciálneho programu.

Annibale Carracci (1560-1609) bol najtalentovanejší z troch bratov Carracciovcov. V jeho tvorbe sú zreteľne vysledovateľné princípy Bolonskej akadémie, ktorá si za svoju hlavnú úlohu vytýčila oživenie monumentálneho umenia a tradícií renesancie v období jej rozkvetu, ktorú Carracciho súčasníci uctievali ako príklad nedosiahnuteľnej dokonalosti a akéhosi umeleckého „absolútne“. Preto Carracci vníma majstrovské diela svojich veľkých predchodcov skôr ako zdroj, z ktorého môže čerpať estetické riešenia, ktoré našli titáni renesancie, a nie ako východisko pre svoje vlastné tvorivé hľadania. Plasticky krásny, ideál nie je pre neho „najvyšším stupňom“ skutočnej, ale len povinnou umeleckou normou – umenie sa tak stavia do protikladu s realitou, v ktorej majster nenachádza nový základný ideál. Odtiaľ pochádza konvenčnosť a abstraktnosť jeho obrazov a obrazových riešení.

Umenie bratov Carracciovcov a bolonský akademizmus sa zároveň ukázali ako najvhodnejšie na postavenie do služieb oficiálnej ideológie a nie nadarmo si ich dielo rýchlo získalo uznanie vo vyššom (štátnom a katolícke) sféry.

Najväčším dielom Annibala Carracciho v oblasti monumentálnej maľby je obraz galérie Palazzo Farnese v Ríme s freskami vypovedajúcimi o živote bohov - podľa výjavov z Metamorfóz od starorímskeho básnika Ovidia (1597-1604). , vyrobený spolu s bratom a pomocníkmi).

Obraz pozostáva zo samostatných panelov tiahnucich sa k centrálnej veľkej kompozícii zobrazujúcej triumf Bakcha a Ariadny, ktorá vnáša do malebného celku prvok dynamiky. Nahé mužské postavy umiestnené medzi týmito panelmi imitujú sochu a sú zároveň protagonistami nástenných malieb. Výsledkom bolo pôsobivé veľkorozmerné dielo, na pohľad veľkolepé, no nespájané žiadnou výraznou myšlienkou, bez ktorej boli monumentálne súbory renesancie nemysliteľné. Tieto princípy, ktoré Carracci zosobňuje – túžba po dynamickej kompozícii, iluzionistických efektoch a sebestačnej dekoratívnosti – budú v budúcnosti charakteristické pre celú monumentálnu maľbu 17. storočia.

Annibale Carracci chce naplniť motívy v umení renesancie živým, moderným obsahom. Volá študovať prírodu, v ranom období tvorivosti sa obracia aj na žánrovú maľbu. Ale z pohľadu majstra je samotná príroda príliš drsná a nedokonalá, takže by sa mala objaviť na plátne už premenená, zušľachtená v súlade s normami klasického umenia. Špecifické vitálne motívy preto mohli v kompozícii existovať len ako samostatný fragment, určený na oživenie scény. Napríklad v obraze „Požírač fazule“ (1580) je cítiť ironický postoj umelca k tomu, čo sa deje: zdôrazňuje duchovnú primitívnosť roľníka, ktorý nenásytne jedáva fazuľu; obrázky postáv a predmetov sú zámerne zjednodušené. V rovnakom duchu aj iní žánrové maľby mladý maliar: "Mäsiarstvo", "Autoportrét s otcom", "Poľovníctvo" (všetky - 80. roky 16. storočia) - príd., obr. 1.

Mnohé z obrazov Annibale Carracciho majú náboženské námety. Ale chladná dokonalosť foriem ponecháva len malý priestor na prejavenie citov v nich. Len v ojedinelých prípadoch vytvára umelec diela iného druhu. Taký je Oplakávanie Krista (okolo 1605). Biblia hovorí, ako sa svätí ctitelia Krista prišli pokloniť k jeho hrobu, no našli ho prázdny. Od anjela sediaceho na okraji sarkofágu sa dozvedeli o jeho zázračnom vzkriesení a boli z tohto zázraku šťastní a šokovaní. Ale obraznosť a vzrušenie starovekého textu nenachádzajú u Carracciho osobitnú odozvu; mohol len kontrastovať svetlé, vlajúce šaty anjela s masívnosťou a statickými postavami žien. Sfarbenie obrazu je tiež celkom obyčajné, no zároveň sa vyznačuje silou a intenzitou.

Osobitnú skupinu tvoria jeho diela na mytologické námety, v ktorých je jeho vášeň pre majstrov Benátska škola. Na týchto obrázkoch, oslavujúcich radosť z lásky, krásu nahých ženské telo, Annibale sa prejavuje ako úžasný kolorista, živý a poetický umelec.

Medzi najlepšie diela Annibala Carracciho patria jeho krajinárske diela. Carracci a jeho žiaci vytvorili na základe tradícií benátskej krajiny 16. storočia typ takzvanej klasickej, čiže hrdinskej krajiny. Umelec pretváral aj prírodu v umelo povznesenom duchu, no bez vonkajšieho pátosu. Jeho dielo položilo základ pre jeden z najplodnejších trendov vo vývoji krajinomaľby tejto doby (Útek do Egypta, okolo 1603), ktorý potom našiel svoje pokračovanie a rozvoj v tvorbe majstrov nasledujúcich generácií, v r. konkrétne, Poussin.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610). Najvýznamnejším talianskym maliarom tohto obdobia bol Michelangelo Caravaggio, ktorého možno zaradiť medzi najväčších majstrov 17. storočia.

Meno umelca pochádza z názvu mesta v severnom Taliansku, kde sa narodil. Od jedenástich rokov už pracoval ako učeň u jedného z milánskych maliarov a v roku 1590 odišiel do Ríma, ktorý sa koncom 17. storočia stal umeleckým centrom celej Európy. Práve tu Caravaggio dosiahol svoj najvýznamnejší úspech a slávu.

Na rozdiel od väčšiny svojich súčasníkov, ktorí vnímali len viac či menej známy súbor estetických hodnôt, sa Caravaggiovi podarilo opustiť tradície minulosti a vytvoriť si vlastný, hlboko individuálny štýl. Čiastočne to bolo výsledkom jeho negatívnej reakcie na vtedajšie umelecké klišé.

Nikdy nepatril do konkrétnej umeleckej školy, už vo svojich raných dielach dával do kontrastu individuálnu expresivitu modelu, jednoduché každodenné motívy idealizácie obrazov a alegorickú interpretáciu deja, charakteristickú pre umenie manierizmu a akademizmu („Malý chorý Bacchus“ , „Mladý muž s košíkom ovocia“, obe - 1593).

Hoci sa na prvý pohľad môže zdať, že sa vzdialil od umeleckých kánonov renesancie, navyše ich prevalcoval, v skutočnosti bol pátos jeho realistického umenia ich vnútorným pokračovaním, ktoré položilo základy realizmu 17. storočia. Jasne o tom svedčia jeho vlastné vyjadrenia. „Každý obraz, bez ohľadu na to, čo zobrazuje, a bez ohľadu na to, kto bol napísaný,“ tvrdil Caravaggio, „nie je dobrý, ak všetky jeho časti nie sú vyrobené z prírody; nič nemôže byť uprednostnené pred týmto mentorom." V tejto Caravaggiovej výpovedi, s jeho neodmysliteľnou priamosťou a kategorickosťou, je stelesnený celý program jeho umenia.

Umelec výrazne prispel k formácii domáci žáner(„The Rounders“, 1596; „Chlapec uhryznutý jaštericou“, 1594). Hrdinami väčšiny diel Caravaggia sú ľudia z ľudu. Našiel ich v pestrých pouličných davoch, v lacných krčmách a na hlučných námestiach, priniesol ich do svojho ateliéru ako opatrovateľov, pričom uprednostňoval tento konkrétny spôsob práce pred štúdiom antických sôch - o tom svedčí prvý životopisec umelca D. Bellori. Jeho obľúbené postavy sú vojaci, kartári, veštci, hudobníci (Veštec, Lutista (obaja - 1596); Hudobníci, 1593) - príd., obr. 2. Práve oni „obývajú“ žánrové obrazy Caravaggia, v ktorých si uplatňuje nielen právo na existenciu, ale aj umeleckú hodnotu motív súkromnej domácnosti. Ak v raných dielach bola Caravaggiova maľba pri všetkej plastickosti a vecnej presvedčivosti ešte akosi drsná, tak sa v budúcnosti tohto svojho nedostatku zbavuje. Zrelými dielami umelca sú monumentálne plátna s výnimočnou dramatickou silou („Volanie apoštola Matúša“ a „Umučenie apoštola Matúša“ (obe – 1599-1600); „Pohreb“, „Smrť Márie“ (obaja - okolo 1605-1606)). Tieto diela, hoci sú štýlovo blízke jeho raným žánrovým scénam, sú už naplnené zvláštnou vnútornou drámou.

Malebný spôsob Caravaggia v tomto období je založený na silných kontrastoch svetla a tieňa, expresívnej jednoduchosti gest, energickej modelácii objemov, sýtosti farieb - technikách, ktoré vytvárajú emocionálne napätie, zdôrazňujúce akútnu afektovanosť pocitov. Umelec zvyčajne zobrazuje niekoľko postáv zväčšenie, blízko k divákovi a napísané so všetkou plasticitou, vecnosťou a viditeľnou autentickosťou. zohráva významnú úlohu v jeho dielach životné prostredie, domáci interiér a zátišie. Takto napríklad v obraze „Volanie Matúša“ ukazuje majster prejav vznešeného duchovna vo svete „nízkeho“ každodenného života.

Dej diela je založený na príbehu z evanjelia o tom, ako Kristus povolal všetkými opovrhovaného mýtnika Matúša, aby sa stal jeho učeníkom a nasledovníkom. Postavy zobrazený sediaci za stolom v nepohodlnej prázdnej miestnosti a postavy sú prezentované v plnej veľkosti, oblečené v moderných kostýmoch. Kristus a apoštol Peter, ktorí náhle vstúpili do miestnosti, nečakane vyvolali v poslucháčoch rôzne reakcie – od úžasu až po bdelosť. Prúd svetla vstupujúci zhora do tmavej miestnosti rytmicky organizuje dianie, zvýrazňuje a spája jeho hlavné prvky (Matúšovu tvár, Kristovu ruku a profil). Maliar, ktorý vytrháva postavy z tmy a prudko sa zráža jasné svetlo a hlboký tieň, dáva pocit vnútorný stres a dramatické vzrušenie. Na scéne dominujú prvky citov, ľudských vášní. Na vytvorenie emotívnej atmosféry Caravaggio šikovne používa sýte farby. Žiaľ, drsný Caravaggiov realizmus nepochopili mnohí jeho súčasníci, prívrženci „vysokého umenia“. Veď aj pri tvorbe diel s mytologickou a náboženskou tematikou (najznámejšie z nich je „Odpočinok na úteku do Egypta“, 1597) zostal vždy verný realistickým princípom svojej každodennej maľby, takže aj tie najtradičnejšie biblické námety dostal od neho úplne iný intímny a psychologický výklad odlišný od tradičného. A odvolanie sa na prírodu, z ktorej urobil priamy predmet obrazu svojich diel, a pravdivosť jej interpretácie spôsobili na umelca mnoho útokov zo strany duchovenstva a úradníkov.

Napriek tomu sa medzi umelcami 17. storočia azda nenašiel jediný významný, ktorý by tak či onak nezažil mocný vplyv umenia Caravaggia. Pravda, väčšina majstrových prívržencov, ktorých nazývali karavagistami, usilovne kopírovala len jeho vonkajšie techniky a predovšetkým povestný kontrastný šerosvit, intenzitu a vecnosť maľby.

Štádiom karavaggizmu prešli Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de Latour a mnoho ďalších známych umelcov. Ďalší vývoj realizmu v 17. storočí si nemožno predstaviť bez revolúcie, ktorú v európskom maliarstve urobil Michelangelo Caravaggio.

Alessandro Magnasco (1667-1749). Jeho tvorba je spojená s romantickým trendom v talianskom umení 17. storočia.

Budúci umelec sa narodil v Janove. Najprv sa učil u svojho otca, potom po jeho smrti v Miláne u jedného z miestnych majstrov, ktorý ho naučil technike benátskej maľby a vyučoval umenie portrétovania. V budúcnosti Magnasco dlhé roky pôsobil v Miláne, Janove, Florencii a až v ubúdajúcich rokoch, v roku 1735, sa konečne vrátil do svojho rodného mesta.

Tento talentovaný, no mimoriadne kontroverzný umelec bol obdarený mimoriadne jasnou osobnosťou. Magnascova tvorba sa vzpiera akejkoľvek klasifikácii: niekedy hlboko náboženská, inokedy rúhavá, vo svojich dielach sa prejavoval buď ako obyčajný dekoratér, alebo ako maliar s chvejúcou sa dušou. Jeho umenie je presiaknuté zvýšenou emocionalitou, stojí na hranici mystiky a povýšenia.

Charakter rané práce umelec, popravený počas pobytu v Miláne, určil tradície janovskej maliarskej školy, ktorá inklinovala k pastorácii. Ale už také jeho diela ako niekoľko „Bacchanalia“, „Bandits' Halt“ (všetky z 17. rokov 18. storočia) – zobrazujúce nepokojné ľudské postavy na pozadí majestátnych antických ruín – nesú úplne iný emocionálny náboj ako pokojné pastorále jeho predchodcov. Sú vyhotovené v tmavých farbách, s trhaným dynamickým ťahom, naznačujúcim vnímanie sveta v dramatickom aspekte (príloha, obr. 3).

Umelcovu pozornosť púta všetko nezvyčajné – výjavy tribunálov inkvizície, mučenie, ktoré mohol pozorovať v Miláne, ktoré je pod nadvládou Španielska („Mučiareň“), kázeň v synagóge („Synagóga“, poz. 1710-1720), kočovný život Rómov („Gypsy Meal“) atď.

Magnascove obľúbené námety sú rôzne epizódy z kláštorného života („Pohreb mnícha“, „Jedlo mníšok“, obe z 20. rokov 18. storočia), cely pustovníkov a alchymistov, ruiny budov a nočné krajiny s postavami Rómov, žobrákov, potulní hudobníci atď. Celkom reálne postavy jeho diel - zbojníci, rybári, pustovníci, Cigáni, komedianti, vojaci, práčovne ("Krajina s práčovňami", 20. roky 18. storočia) - účinkujú vo fantastickom prostredí. Sú zobrazené na pozadí pochmúrnych ruín, rozbúreného mora, divokého lesa a drsných roklín. Magnasco kreslí ich postavy prehnane pretiahnuté, akoby sa krútili a v neustálom nepretržitom pohybe; ich predĺžené zakrivené siluety podliehajú nervovému rytmu úderu. Obrazy sú presiaknuté tragickým pocitom bezvýznamnosti človeka tvárou v tvár slepým silám prírody a tvrdosti sociálnej reality.

Rovnaká znepokojivá dynamika odlišuje jeho krajinné náčrty so zdôraznenou subjektivitou a emocionalitou, odsúvajúc do úzadia prenos skutočných obrazov prírody („Morská krajina“, 30. roky 18. storočia; „Mountain Landscape“, 20. roky 18. storočia). V niektorých neskorších dielach majstra je badateľný vplyv krajiny Taliana Salvatora Rosu, rytiny francúzskeho manieristického umelca Jacquesa Callota. Táto nerozoznateľná stránka reality a bizarný svet vytvorený fantáziou umelca, ktorý s napätím pociťoval všetky tragické a radostné udalosti okolitej reality okolo seba, bude vždy prítomný v jeho dielach a dá im charakter podobenstva alebo každodenného života. scéna.

Expresívny obrazový spôsob Magnasca istým spôsobom predvídal tvorivé hľadanie. umelcov XVIII V. Maľuje rýchlymi, rýchlymi ťahmi, používa nepokojný šerosvit, čím vznikajú nepokojné svetelné efekty, čo dáva jeho maľbám zámernú skicovitosť, niekedy až dekoratívnosť. Zároveň je sfarbenie jeho diel zbavené pestrej viacfarebnosti, zvyčajne sa majster obmedzuje na pochmúrnu šedohnedú alebo zelenkastú škálu, ale svojím spôsobom je dosť rafinovaný a rafinovaný. Tento originálny umelec, uznávaný už za svojho života a zabudnutý potomkami, si opäť získal obľubu až začiatkom 20. storočia, keď v ňom videli predchodcu impresionizmu až expresionizmu.

Giuseppe Maria Crespi (1665-1747), rodák z Bologne, začínal svoju maliarsku kariéru usilovným kopírovaním obrazov a fresiek od slávnych majstrov, vrátane svojich rodákov, bratov Carracciovcov. Neskôr odcestoval do severného Talianska, kde sa zoznámil s tvorbou majstrov vrcholnej renesancie, najmä benátskych (Titian a Veronese).

Na začiatku XVIII storočia. Crespi je už pomerne známy najmä svojimi oltárnymi obrazmi. No hlavným dielom raného obdobia jeho tvorby je monumentálna maľba plafondov paláca grófa Pepoliho (1691-1692) v Bologni, ktorej mytologické postavy (bohovia, hrdinovia, nymfy) v jeho interpretácii pôsobia mimoriadne zemito, živé a presvedčivé, na rozdiel od tradičných abstraktných obrazov baroka .

Crespi pôsobil v rôznych žánroch. Maľoval obrazy s mytologickými, náboženskými a každodennými námetmi, vytváral portréty a zátišia a do každého z týchto tradičných žánrov priniesol novú a úprimnú víziu súčasného sveta. Umelcova oddanosť prírode, presné zobrazenie okolitá realita sa dostala do nezmieriteľného rozporu s chátrajúcimi tradíciami bolonského akademizmu, ktorý sa v tom čase stal brzdou rozvoja umenia. Celou jeho tvorbou sa preto ako červená niť tiahne neustály boj proti konvenciám akademickej maľby o triumf realistického umenia.

Začiatkom 18. storočia Crespi prechádza od mytologických výjavov k zobrazovaniu výjavov z roľníckeho života, interpretuje ich najskôr v duchu pastierskeho a potom im dáva čoraz presvedčivejšie charakter každodennej maľby. Jeden z prvých medzi majstrami XVIII storočia začal líčiť život Obyčajní ľudia- práčovne, umývačky riadu, kuchárky, ako aj epizódy zo sedliackeho života.

Túžba dať svojim obrazom väčšiu autentickosť ho núti obrátiť sa ku Caravaggiovmu „pivničnému“ svetlu – ostrému osvetleniu časti tmavého priestoru interiéru, vďaka čomu figúry získavajú plastickú jasnosť. Jednoduchosť a úprimnosť rozprávania dopĺňajú do obrazu interiéru vnesené predmety ľudovej potreby, ktoré Crespi vždy maľoval s veľkou maliarskou zručnosťou („Scéna v pivnici“; „Sedliacka rodina“).

Najvyšším úspechom každodennej maľby tej doby boli jeho plátna „Fair in Poggio a Caiano“ (okolo 1708) a „Fair“ (okolo 1709) zobrazujúce preplnené ľudové výjavy.

Prejavili záujem umelca o grafiku Jacquesa Callota, ako aj jeho blízku znalosť tvorby holandských majstrov žánrovej maľby 17. storočia. Crespiho obrazy sedliakov však postrádajú Callotovu iróniu a nedokáže tak zručne charakterizovať prostredie ako holandskí žánroví maliari. Postavy a predmety v popredí sú napísané podrobnejšie ako ostatné - to pripomína spôsob Magnasca. Výtvory janovského maliara, prevedené bravúrnym spôsobom, však vždy obsahujú prvok fantázie. Crespi sa naopak snažil o detailný a presný príbeh o farebnej a veselej scéne. Jasne rozdeľujúci svetlo a tieň, obdarúva svoje postavy životným špecifikom, postupne prekonáva tradície pastierskeho žánru.

Najvýznamnejším dielom zrelého majstra bola séria siedmich obrazov „Sedem sviatostí“ (17. roky 18. storočia) – najvyšší úspech barokového maliarstva začiatku 18. storočia (príloha, obr. 4). Ide o diela duchom úplne nové, v ktorých bol naznačený odklon od tradičnej abstraktnej interpretácie náboženských výjavov.

Všetky obrazy („Vyznanie“, „Krst“, „Manželstvo“, „Prijímanie“, „Kňazstvo“, „Pomazanie“, „Pomazanie“) sú napísané v Rembrandtovej teplej červenohnedej tonalite. Recepcia ostrého osvetlenia vnáša do rozprávania o sviatostiach určitú emotívnu nôtu. Umelcova farebná paleta je skôr monochromatická, no zároveň prekvapivo bohatá na rôzne odtiene a prelivy farieb, zjednotené jemným, miestami zvnútra žiariacim šerosvitom. To dáva všetkým zobrazeným epizódam nádych tajomného tajomstva toho, čo sa deje, a zároveň zdôrazňuje myšlienku Crespiho, ktorý sa snaží rozprávať o najvýznamnejších etapách života každého človeka tej doby, ktoré sú prezentované v podobu výjavov zo skutočnosti, nadobúdajúcich charakter akéhosi podobenstva. Okrem toho sa tento príbeh nevyznačuje didaktikou charakteristickou pre baroko, ale svetskou osvetou.

Takmer všetko, čo potom majster napísal, predstavuje obraz postupného doznievania jeho talentu. Čoraz častejšie vo svojich obrazoch používa známe známky, kompozičné schémy, akademické pózy, ktorým sa predtým vyhýbal. Niet divu, že krátko po jeho smrti sa na Crespiho dielo rýchlo zabudlo.

Ako bystrý a originálny majster ho objavili až v dvadsiatom storočí. Ale pokiaľ ide o kvalitu, hĺbku a emocionálnu bohatosť, Crespiho maľba, ktorá dotvorila umenie 17. storočia, je vo svojich najlepších prejavoch podradená snáď len Caravaggiovi, ktorého tvorba tak brilantne a inovatívne začala talianske umenie tejto doby.

Tento text je úvodným dielom. Z knihy Zlomený život, alebo Čarovný roh Oberon autora Kataev Valentin Petrovič

Maľovanie Mama mi kúpila niečo ako album, ktorý sa rozkladal ako harmonika, cik-cak; na jeho veľmi hrubých kartónových stranách bolo vytlačených veľa obrázkov náhodne roztrúsených domácich potrieb: lampa, dáždnik, aktovka,

Z knihy Tamerlán autor Roux Jean-Paul

Maľba Zo skutočnosti, že knihu v Herátskej akadémii vytvorili Shah Rukh a jeho syn, filantrop Bai Shungkur († 1434), je zrejmé, že na začiatku 15. storočia bola kniha, písaná elegantným kaligrafickým rukopisom, prevzatá do krásnej obálky a ilustrovanej miniatúrami, bol použitý

Z knihy Kolymské zošity autor Shalamov Varlam

Maľba portrét - ego spor, debata, nie sťažnosť, ale dialóg. Súboj dvoch rozdielnych právd, Súboj štetcov a liniek. Potok, kde sú rýmy farby, kde každý Malyavin je Chopin, kde vášeň, bez strachu z publicity, zničila niekoho zajatie. V porovnaní s akoukoľvek krajinou, kde je vyznanie

Z knihy Úvahy o písaní. Môj život a moja éra od Henryho Millera

Z knihy Môj život a moja éra od Henryho Millera

Maľovanie Dôležité je zvládnuť základy zručnosti a v starobe nabrať odvahu a nakresliť to, čo kreslia deti, nezaťažené vedomosťami. Môj popis procesu maľovania vychádza z toho, že niečo hľadáte. Myslím, že akékoľvek tvorivá práca- niečo podobné. V hudbe

Z knihy Renoir autor Bonafou Pascal

SIEDMA KAPITOLA VESLÁRI Z CHATU, MAĽBA TALIANSKA K Renoirovi, ktorý vystavoval na Salóne, sa jeho priatelia správali povýšenecky, nepovažovali ho za „zradcu“. Faktom je, že Cezanne a Sisley boli tiež „odpadlíci“, keďže sa rozhodli nezúčastniť štvrtej výstavy „nezávislých

Z knihy Matisse od Escoliera Raymonda

SÚDENIE A MAĽOVANIE Zdá sa, že Henrimu Matissovi, ktorý získal klasické vzdelanie, nič nebránilo v realizácii otcových plánov a jeho otec chcel, aby sa stal právnikom. Po ľahkom zložení skúšky v októbri 1887 v Paríži, ktorá mu umožnila venovať sa naplno

Z knihy Churchill bez klamstiev. Prečo je nenávidený od Bailey Boris

Churchill a maľba V roku 1969 povedala Clementine Martinovi Gilbertovi, autorovi najzákladnejšej Churchillovej osemzväzkovej biografie (prvé dva diely napísal Churchillov syn Randolph): „Neúspech v Dardanelách prenasledoval Winstona celý život. Po odchode

Z knihy Veľkí muži 20. storočia autora Vulf Vitalij Jakovlevič

Maľovanie

Z knihy Listy denníka. Zväzok 2 autora Roerich Nicholas Konstantinovič

Maľovanie V prvom rade ma upútali farby. Začalo to olejom. Prvé obrázky sú napísané husto, veľmi husto. Nikto nenavrhol, že je možné dokonale rezať ostrým nožom a získať hustý smaltovaný povrch. To je dôvod, prečo "The Elders Converge" vyšiel tak hrubý a dokonca ostrý. Niekto dnu

Z knihy Rachmaninova autora Fedyakin Sergej Romanovič

5. Maľba a hudba "Isle of the Dead" - jedno z najtemnejších diel Rachmaninova. A najdokonalejší. Začne ho písať v roku 1908. Skončil by začiatkom roku 1909. Raz, v pomalej časti nedokončeného kvarteta, predpokladal možnosť takejto hudby. dlhý,

Z Junovej knihy. Samota slnka autora Savitskaja Svetlana

Maľba a grafika Aby ste sa naučili kresliť, musíte sa najprv naučiť vidieť. Maľovať vie každý, aj fotoaparát, aj mobilný telefón, ale ako sa verí v maľbe, "tvár umelca" je ťažké získať. Juna zanechala svoju stopu v maľbe. Jej obrazy

Z knihy História umenie XVII storočí autor Khammatova V.V.

ŠPANIELSKO MAĽBA Umenie Španielska, podobne ako celá španielska kultúra ako celok, sa vyznačovalo výraznou originalitou, ktorá spočíva v tom, že renesancia v tejto krajine, ktorá sotva dosiahla štádium vysokej prosperity, okamžite vstúpila do obdobia úpadok a kríza, ktoré boli

Z knihy autora

FLÁNSKE MAĽOVANIE Flámske umenie v istom zmysle možno nazvať jedinečným fenoménom. Ešte nikdy v dejinách nevytvorila taká rozlohovo malá krajina, ktorá bola zároveň v takom závislom postavení, taký výrazný a významný vo svojom

Z knihy autora

MAĽBA HOLANDSKA Holandská revolúcia premenila Holandsko podľa Karla Marxa na „príkladnú kapitalistickú krajinu 17. storočia“. Dobytie národnej nezávislosti, zničenie feudálnych zvyškov, prudký rozvoj výrobných síl a obchodu

Z knihy autora

MAĽBA FRANCÚZSKA Zvláštne miesto medzi najlepšími v odbore umeleckej tvorivosti Európske krajiny boli v 17. storočí okupované Francúzskom. V deľbe práce medzi národnými školami európskeho maliarstva pri riešení žánrových, tematických, duchovných a formálnych úloh pre Francúzsko

taliansky umelec Michelangelo Merisi da Caravaggio preslávil slávny šerosvit. Postavy na jeho obrazoch akoby vyčnievali z tmy, vytrhnuté jasnými lúčmi svetla. Táto metóda bola prijatá mnohými nasledovníkmi po smrti umelca.

Vzatie Krista do väzby, 1602

Caravaggiovo umenie malo obrovský vplyv na tvorbu nielen mnohých talianskych, ale aj popredných západoeurópskych majstrov 17. storočia – Rubensa, Jordansa, Georgesa de Latour, Zurbarana, Velazqueza, Rembrandta. Caravagisti sa objavili v Španielsku (Jose Ribera), Francúzsku (Trofim Bigot), Flámsku a Holandsku (Utrecht Caravagists - Gerrit a Willem van Honthorst, Hendrik Terbruggen, Judith Leyster) a ďalších európskych krajinách, nehovoriac o samotnom Taliansku (Orazio Gentileschi, jeho dcéra Artemisia Gentileschi).

"The Entombment" (1603)

Michelangelo Merisi da Caravaggio / Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. september 1571, Miláno - 18. júl 1610, Porto Ercole) - taliansky umelec, reformátor európskeho maliarstva 17. storočia, zakladateľ realizmu v maľbe, jeden z najväčších majstrov baroka. Ako jeden z prvých použil štýl písania šerosvit – ostrú opozíciu svetla a tieňa. Nenašla sa ani jedna kresba alebo skica, umelec okamžite realizoval svoje zložité kompozície na plátne.

Miláno 1571-1591

Syn architekta Ferma Merisiho a jeho druhej manželky Lucia Aratori, dcéra statkára z mestečka Caravaggio neďaleko Milána. Jeho otec pôsobil ako manažér markíza Francesco Sforza da Caravaggio. V roku 1576, počas moru, otec a starý otec zomreli, matka a deti sa presťahovali do Caravaggia.

Dávid a Goliáš 1599

Prvými patrónmi budúceho umelca boli vojvoda a vojvodkyňa z Colonny.V roku 1584 v Miláne prišiel Michelangelo Merisi do dielne Peterzana, ktorý bol považovaný za Tizianovho žiaka. V tom čase v umeleckom svete Talianska dominoval manierizmus, no v Miláne bol silný lombardský realizmus.

Prvé diela umelca napísané v Miláne, žánrové scény a portréty sa dodnes nezachovali.

Koncom osemdesiatych rokov 16. storočia zatienili život temperamentného Merisiho škandály, bitky a väznenia, ktoré ho sprevádzali celý život.

V roku 1589 sa umelec vracia domov, aby predal svoj pozemok, zrejme potrebuje peniaze. Dom navštívil naposledy po smrti svojej matky v roku 1590. Na jeseň roku 1591 bol nútený utiecť z Milána po hádke kvôli kartovej hre, ktorá sa skončila vraždou. Po zastávke najskôr v Benátkach mieri do Ríma.

"Povolanie apoštola Matúša" (1600)

Rím 1592-1594

V hlavnom meste podľa zvyku talianskych umelcov tej doby dostáva prezývku spojenú s miestom narodenia, ako to bolo napríklad u Veronese alebo Correggia. Z Michelangela Merisiho sa teda stal Caravaggio.

V roku 1593 Caravaggio vstúpil do dielne Cesari d'Arpino, ktorý poveril Caravaggia maľovať kvety a listy na fresky. V dielni d'Arpina sa stretol s patrónmi a umelcami, najmä s Janom Brueghelom starším.

Skorá práca Caravaggio bol napísaný pod vplyvom Leonarda da Vinciho (stretol sa s Madonou v skalách a Poslednou večerou v Miláne), Giorgioneho, Tiziana, Giovanniho Belliniho, Mantegnu.Prvý obraz, ktorý sa k nám dostal, je Chlapec lúpajúci ovocie (1593).V dielni d'Arpina sa Caravaggio stretol s Mariom Minnitim, ktorý sa stal jeho žiakom a modelom pre množstvo obrazov, z ktorých prvým je „Mladý muž s košíkom ovocia“ (1593-1594).

"Chlapec s košíkom ovocia", 1593-94, Galéria Borghese

Caravaggio po bitke skončí vo väznici Tor di Nona, kde sa stretne s Giordanom Brunom.Čoskoro sa rozíde s Cesari d'Arpino, bezdomovec Caravaggio pozval Antiveduto Grammar k sebe.

V roku 1593 ochorel na rímsku horúčku (jedno z názvov pre maláriu), šesť mesiacov bol v nemocnici na pokraji života a smrti. Možno pod dojmom choroby vytvára obraz „Sick Bacchus“ (1593) - svoj prvý autoportrét.

"Sick Bacchus" (detail) (1593), Borghese Gallery

Prvé viacfigurálne maľby vznikli v roku 1594 – ide o „Rounders“ a „Fortune Teller“ (Kapitolské múzeá). Georges de Latour neskôr napísal svojho „The Fortuneteller“ s identickým zložením.

"Rounders" (1594)

"Fortuneteller" (1594)

Na jeseň roku 1594 začal Caravaggio pracovať pre kardinála Francesca del Monte, presťahoval sa do jeho vily Madama, kde sa stretol s Galileom, Campanellou, Dellou Portou, básnikmi Marinom a Milesim.

Rím 1595-1599

Toto obdobie života strávené vo vile Madama sa pre Caravaggia ukázalo ako veľmi plodné, navyše takmer všetky obrazy, ktoré v tom čase vznikli, prežili dodnes.Na obraze „Hudobníci“ (1595) je v strede zobrazený Mario Minniti a vedľa neho sa umelec umiestnil s rohom.

"Hudobníci" (1595). Caravaggio sa namaľoval rohom medzi dvoma hudobníkmi

V obraze Amor s hroznom vidia niektorí výskumníci erotickú narážku na vzťah s Minniti. Minniti je zobrazený aj na obraze „Chlapec uhryznutý jaštericou“ (1596, Londýn), ktorý bol predaný obchodníkovi s umením Valentinovi.

"Chlapec pohryzený jaštericou"

V roku 1595, napriek odporúčaniam Gentileschiho, Gramatika, Prospera Orsiho, bol Caravaggio odmietnutý vstup na Akadémiu sv. Lukáša. Hlavným odporcom prijatia Caravaggia na akadémiu bol jej prezident Federico Zuccaro. Veril, že efekty Caravaggiových obrazov sú výsledkom extravagantného charakteru a za úspech jeho obrazov vďačí iba ich „odtieňu novosti“, ktorý bohatí mecenáši vysoko oceňovali.

V roku 1596 vytvoril Caravaggio prvé zátišie v dejinách talianskej maľby – „Kôš s ovocím“.

Ovocný košík (1596), Pinacoteca Ambrosiana, Miláno

V The Lute Player (1596, Ermitáž) sa partitúra ukázala ako ľahko čitateľná, je to madrigal Jacoba Arkadelta „Vieš, že ťa milujem“. Komu je táto správa určená, nie je známe.

Maľuje také plátna ako:

"Bacchus" (1596)

Rovnako ako "Courtesan Fillida" (1597), "Portrét Maffeo Barberini" (1598).V roku 1597 dostal kardinál del Monte objednávku na vymaľovanie stropu svojej rezidencie. Takto sa objavila jediná freska Caravaggia „Jupiter, Neptún a Pluto“.

Caravaggiove obrazy sa stávajú populárnymi.Skutočnú slávu Caravaggia priniesli maľby s biblickými námetmi – inovatívne v prevedení je „Odpočinok na úteku do Egypta“ (1597). „Hlavnou prednosťou obrazu je majstrovsky pretvorené svetelno-vzdušné prostredie, vytvárajúce atmosféru poézie a pokoja, doplnené skromnou krajinou, napísanou pod jasným dojmom spomienok na rodnú Lombardiu s jej rákosím, ostrica pri vodnej hladine. , strieborné topole na pozadí kopcovitého hrebeňa a večernej modrej oblohy“

„Odpočívaj na úteku do Egypta“ (1597)

Napísal aj Extázu sv. Františka“ (1595), „Obeť Izáka“ (1598).

Extáza svätého Františka, 1595

"Obeť Izáka"

Prvý ženský obraz v diele Caravaggia - „Kajúca Mária Magdaléna“ (1597), ukazuje umelcovu schopnosť hlbokej a poeticky významnej interpretácie obrazu. Obraz bol predaný bankárovi a mecenášovi umenia Vincenzovi Giustinanimu.

"Kajúca Mária Magdaléna"

Bola nasledovaná

"Svätá Katarína Alexandrijská" (1598)

"Martha a Mária" (1598)

„Judith beheading Holofernes“ (1598) dokazuje, že Caravaggio sa vo svojom realizme nevyhýba zámerne naturalistickým efektom

V Jánovi Krstiteľovi (1598) je viditeľný vplyv Michelangela:

Caravaggio sa stal slávnym. Opúšťa Villa Madama a presťahuje sa do domu bankára a zberateľa Chiriaca Matteiho, ktorý kúpil Veštca. Mario Minniti sa po hádke s Caravaggiom oženil a odišiel na Sicíliu.

Rím 1600-1606

Caravaggio sa niekoľko mesiacov ukrýval v panstve Colonna. Tam namaľoval niekoľko obrazov, ale jeho štýl sa stal pochmúrnym: Svätý František v meditácii (1606), Večera v Emauzách (1606). Postava Krista pripomína Leonardovu fresku „Posledná večera“.

Caravaggio sa presťahoval do Neapola, kde namaľoval viac ako desať obrazov, hoci nie všetky sa zachovali:

"Extáza Magdalény" (1606)

"Kristus na stĺpe" (1607)

"Salome s hlavou Jána Krstiteľa" (1607)

Na objednávku kostola Pio Monte della Misericordia namaľoval s veľkou obrazovou energiou obraz „Sedem milostí“ (1607), ktorý je v tomto kostole dodnes.

Nečakane v júli 1607 odišiel Caravaggio na Maltu – do La Valletty.

„Sv. Jerome“ (1608)

H ním napísaný pre katedrálu San Giovanni dei Cavalieri, sa páčil veľmajstrovi Maltézskeho rádu Alofovi de Vignacour. Caravaggio maľuje portréty: Alofa de Vignacour, neskôr veľmi oceňovaná Delacroixom, a spolupracovník majstra Antonia Martelliho.

14. júla 1608 sa Caravaggio stáva rytierom Maltézskeho rádu bez práva nosiť maltézsky kríž, keďže nebol šľachtic.