Holandsko tých rokov viedlo rozsiahly koloniálny obchod, malo silnú flotilu, stavba lodí bola jedným z popredných odvetví. Ťažko pracujúcim farmárom sa Holanďanom podarilo na relatívne malých pozemkoch vytvoriť mliečnu farmu, ktorá sa preslávila na európskom trhu. Holandsko je zároveň najdôležitejším centrom európskej kultúry. Protestantizmus, ktorý úplne nahradil vplyv katolíckej cirkvi, viedol k tomu, že duchovenstvo nemalo taký vplyv ako vo Flámsku. Holandskí umelci mali iného zákazníka: mešťanov, richtára, preto obrazy v Holandsku v tom čase nemali také rozmery ako plátna Rubensa či Jordansa a riešili najmä nemonumentálne a dekoratívne úlohy. Hlavným úspechom holandského umenia 17. storočia je maľba na stojane. Človek a príroda boli objektmi pozorovania a zobrazovania holandských umelcov. maľovanie domácnosti sa stáva jedným z popredných žánrov, ktorého tvorcovia dostali názov „Little Dutch“, či už pre nenáročnosť zápletiek, alebo pre malé rozmery obrazov. Z toho vyplýva široká paleta maľby na jednotlivé témy: portrét, krajina, zátišie, živočíšny žáner.
Frans Hals bol jedným z najväčších maliarov portrétov v Holandsku. Pracoval v žánri skupinového portrétu, zobrazoval strelecké cechy - korporácie dôstojníkov na obranu a ochranu miest. Jednotlivé portréty sa niekedy nazývajú žánrové portréty kvôli špeciálnej špecifickosti obrazu.
krajinný žáner obzvlášť zaujímavé. Toto vôbec nie je príroda, niektorí celkový obraz vesmíru, ale národnej, menovite holandskej krajiny, ktorú poznáme aj v modernom Holandsku: veterné mlyny, púštne duny, kanály s loďami, ktoré sa po nich kĺžu v lete a s korčuliarmi v zime. Sivá obloha zaberá v kompozíciách veľké miesto. Rozkvet krajinomaľby sa datuje do polovice 17. storočia, najväčším majstrom realistickej krajiny bol Jacob van Ruisdael (pozri reprodukcie). Jeho diela sú zvyčajne plné hlbokej drámy, či už zobrazuje lesné húštiny, krajiny s vodopádmi alebo romantickú krajinu s cintorínom. Ruisdaelova povaha sa objavuje v dynamike, vo večnej obnove. Najjednoduchšie motívy prírody pod štetcom Jan van Goyen A Salomon van Ruysdael stať sa monumentálnym. Robili len morské scenérie Ján Porcellis. V úzkom spojení s holandskou krajinou je živočíšny žáner. Obľúbený motív Albert Cuyp- kravy pri napájadle. Paul Porter okrem všeobecných plánov rád zobrazuje jedno alebo viac zvierat zblízka na pozadí krajiny.
Brilantný vývoj dosahuje zátišie. Holandské zátišie má na rozdiel od Flámov skromnú veľkosť a intímne motívy. Peter Klas A Willem Khedačastejšie zobrazoval takzvané „raňajky“: jedlá so šunkou alebo koláč na pomerne skromne podávanom stole. V šikovnom usporiadaní sú predmety zobrazené tak, že človek cíti akoby vnútorný život vecí. Sfarbenie je zdržanlivé a rafinované. So zmenou v živote holandskej spoločnosti sa mení aj charakter zátiší. Khedove „raňajky“ sú nahradené honosnými dezertmi Kalfa. Jednoduchý riad nahrádzajú mramorové stoly, kobercové obrusy, strieborné poháre, perleťové mušle a krištáľové poháre. Kalf dosahuje úžasnú virtuozitu pri prenášaní textúry broskýň, hrozna a krištáľových povrchov. Jednotný tón zátiší niekdajšieho obdobia je nahradený bohatou gradáciou tých najvyberanejších farebných odtieňov.
V kruhu Franza Halsa, kde sa rozvinul flámsky maliar Adrian Brouwer, sa prejavil výrazný záujem o témy maľovanie domácnosti
. Adrian van Ostade zvyčajne zobrazuje tieňovú stránku života roľníkov. Od 40. rokov 20. storočia sa v jeho tvorbe čoraz častejšie nahrádzajú satirické poznámky humornými. Niekedy sú tieto malé obrázky kolorované s veľkým lyrickým cítením.
Interiér sa stáva obzvlášť poetickým medzi „malými Holanďanmi“. Skutočným spevákom tejto témy bol Pieter de Hooch. Jeho izby s pootvoreným oknom, s nedopatrením vyhodenými topánkami alebo ponechanou metlou, sú spravidla zobrazené bez ľudskej postavy, ale človek je tu neviditeľne prítomný, medzi interiérom a ľuďmi je vždy spojenie. Keď zobrazuje ľudí, zámerne zdôrazňuje istý zamrznutý rytmus, zobrazuje život akoby zamrznutý, nehybný ako veci samé.
Vrcholom holandského realizmu, výsledkom obrazových výdobytkov holandskej kultúry, je dielo Rembrandta. Ako správny Holanďan sa nebojí realistických detailov, ako veľký umelec sa vie vyhnúť naturalizmu. V 30-tych rokoch sa Rembrandt prvýkrát začal vážne zaoberať grafikou, najmä leptom. Odkaz grafika Rembrandta, ktorý zanechal rytiny a jedinečné kresby, je nemenej významný ako obrazové dedičstvo. Lepty sú prevažne biblické a gospelové námety, no ako správny holandský umelec sa v kresbe často obracia ku každodennému žánru. Rembrandt mal obrovský vplyv na umenie, mal veľa študentov, niektorí neprekročili vonkajšiu imitáciu učiteľa a väčšina ho zmenila, posunula sa do pozície akademizmu a napodobňovania Flámov a potom Francúzov. V poslednej štvrtine 17. storočia začína úpadok holandskej maliarskej školy, strata jej národnej identity a od začiatku 18. storočia sa začína koniec veľkej éry holandského realizmu.
17 storočie ukázal svetu dve umelecké školy – holandské a flámske. Obaja boli dedičmi umeleckých tradícií Holandska – európskej krajiny, na území ktorej sa dovtedy sformovalo katolícke Flámsko, pomenované podľa najvýznamnejšej provincie (dnes územie Belgicka a Francúzska). Ostatné provincie, ktoré obhájili svoje verenie sa myšlienkam reformácie, sa zjednotili a začali sa nazývať Holandská republika alebo jednoducho Holandsko. V 17. storočí boli v Holandsku asi tri štvrtiny obyvateľov miest, za hlavnú vrstvu sa považovala stredná vrstva. Reformovaná cirkev opustila nádheru výzdoby, neexistovali korunovaní zákazníci a kmeňová aristokracia, čo znamená, že hlavnými spotrebiteľmi umenia sa stali predstavitelia buržoázie. Priestor určený na maľovanie bol obmedzený na meštianske domy a verejné budovy.
Obrazy spravidla neboli veľké (v porovnaní s palácovými maľbami alebo oltárnymi kompozíciami pre kostoly) a parcely mali komorný charakter, zobrazujúci výjavy súkromného, každodenného života. Hlavný úspech holandského umenia 17. storočia. - v maliarskom stojane. Človek a príroda boli objektmi pozorovania a zobrazovania holandských umelcov. Usilovnosť, pracovitosť, láska k poriadku a čistote sa odráža v obrazoch zobrazujúcich holandský spôsob života. Preto boli holandskí majstri 17. storočia (s výnimkou Rembrandta a Halsa) tzv. "malý holandský" rozsiahly okruh holandských maliarov 17. storočia. vznikli v súvislosti s komorným charakterom ich tvorby, malým rozmerom ich malieb (krajina, interiér, každodenné výjavy). Pre maľbu Malého Holanďana je charakteristická jemnosť písma, výraznosť drobných detailov, krása svetla a farebných nuancií, celkový pocit pohodlia, blízkosti a jednoty postáv v prostredí krajiny či interiéru. Medzi najviac významných predstaviteľov- Jan Vermeer, bratia Ostadeovci (Adrian van O. a Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu).
Väčšina umelcov v sebe našla námety pre svoje obrazy Domovská krajina, podľa rady Rembrandta: „Naučte sa predovšetkým sledovať bohatú prírodu a ukázať predovšetkým to, čo v nej nájdete. Obloha, zem, more, zvieratá, dobro a zlí ľudia- všetko nám slúži na cvičenie. Roviny, kopce, potoky a stromy dávajú umelcovi dosť práce. Mestá, trhy, kostoly a tisíce prírodných pokladov k nám volajú a hovoria: choď, smädný po poznaní, kontempluj nás a rozmnož nás. Produktivita umelcov dosiahla neuveriteľné rozmery, v dôsledku čoho medzi maliarmi vznikla konkurencia, čo následne viedlo k špecializácii majstrov. A možno aj preto došlo k rôznorodej žánrovej diferenciácii. Objavili sa umelci, ktorí pracovali len v žánri prímorskej krajiny alebo žánru mestských pohľadov, prípadne zobrazovali interiéry priestorov (izby, chrámy). V dejinách maliarstva boli príklady zátiší a krajiny, ale nikdy predtým tieto žánre nedosiahli taký masový charakter a sebestačnosť ako v Holandsku v 17. storočí.
Holanďania chceli vidieť celý rozmanitý svet v obrazoch. Odtiaľ pochádza široký záber maľby tohto storočia, „úzka špecializácia“ na určité typy námetov: portrét a krajina, zátišie a živočíšny žáner. V Holandsku nebolo spojenie s Talianskom a klasické umenie nehralo takú úlohu ako vo Flámsku. Osvojenie si realistických tendencií, formovanie určitého okruhu tém a členenie žánrov ako jednotný proces boli zavŕšené v 20. rokoch 18. storočia.
História holandského maliarstva v 17. storočí dokonale demonštruje vývoj práce jedného z najväčších portrétistov v Holandsku Frans Hals(1580-1666) Jeho činnosť prebiehala takmer výlučne v Harleme. Tu bol už okolo roku 1616 povýšený ako vyspelý hlavný maliar portrétov a svoju úlohu v tejto oblasti si udržal až do konca života. S príchodom Halsa dozrieva prísne realistický a ostro individuálny holandský portrét. Všetko plaché, malicherné, naturalistické, čo odlišuje jeho predchodcov, je prekonané.
Počiatočná fáza khalského umenia nebola objasnená. Hneď vidíme, ako majster rieši najťažší problém skupinového portrétu. Maľuje jeden za druhým obrazy zobrazujúce strelcov korporácie sv. Adrián a sv. George (Harlem, Múzeum Fransa Halsa), kde sa živosť preplneného stretnutia a jasnosť typov každého z prítomných sprostredkúva s nenapodobiteľnou ľahkosťou. Obrazová zručnosť a kompozičná vynaliezavosť zoskupení idú v týchto portrétoch ruka v ruke s mimoriadnou ostrosťou charakteristík. Hals nie je psychológ: duševného života jeho modely ho väčšinou míňajú. Áno, a píše pre väčšinu ľudí, ktorých celý život sa odohráva v podmienkach intenzívnej, energickej činnosti, no nie príliš zahĺbený do otázok psychologickej povahy. Ale Hals, ako nikto iný, zachytáva vzhľad týchto ľudí, dokáže zaujať toho najprchavejšieho, no zároveň najcharakteristickejšieho vo výraze tváre, v držaní tela, v gestách. Od prírody je veselý, snaží sa zachytiť každý obraz v momente oživenia, radosti a nikto neprenáša smiech s takou jemnosťou a pestrosťou ako on. Portrét dôstojníka (1624, Londýn, zbierka Wallace), hojdajúci sa na stoličke „Geytgeizen“ (koniec 30. rokov 17. storočia, Brusel, umelecká galéria), „Cigán“ (koniec 20. rokov 17. storočia, Louvre), či tzv. "Harlem Witch" - "Malle Bobbe"(Berlín) možno uviesť ako charakteristické príklady jeho ostrého a často energického umenia. Mužov, ženy, deti zobrazuje s rovnakým zmyslom pre živý obraz (“ Portrét mladého muža s rukavicou", OK. 1650, Ermitáž). Dojem živosti napomáha aj samotná Halsova technika, nezvyčajne voľná a rokmi rastúca do šírky. Dekoratívna brilantnosť ranej tvorby sa následne zmierňuje, farba sa stáva striebristou, sloboda použitia čiernobielych tónov hovorí o zručnosti, ktorá si môže dovoliť odvážnu obrazovú smelosť.
V portrétoch neskorého obdobia (50-60 roky) sa vytráca bezstarostná zdatnosť, energia a tlak. v Ermitáži mužský portrét pri všetkej pôsobivosti postavy sa dá vysledovať únava a smútok. Tieto črty ešte umocňuje brilantne namaľovaný portrét muža v klobúku so širokou krempou (múzeum v Kasseli). Hals v týchto rokoch prestáva byť populárny, pretože nikdy nelichotí a ukazuje sa, že je cudzí znovuzrodenému vkusu bohatých zákazníkov, ktorí stratili demokratického ducha. Ale práve v neskorom období kreativity dosahuje Hals vrchol majstrovstva a vytvára najhlbšie dielo. V niektorých dielach sú načrtnuté impresionistické techniky farebných riešení. Hals maľuje nespočetné množstvo individuálnych portrétov až do posledných rokov svojho života, no opäť sa vracia k skupinovým portrétom. Maľuje 2 portréty - regentov a regentov domova dôchodcov, v jednom z nich sám našiel na sklonku života úkryt. V portréte regentov niet kamarátstva predchádzajúcich kompozícií, modelky sú nejednotné, bezmocné, majú zamračené výhľady, na tvárach je napísaná skaza. V pochmúrnom sfarbení (čierna, šedá a biela) prináša zvláštne napätie ružovo-červená škvrna na kolene jedného z regentov. Chorý, osamelý a chudobný umelec teda vo veku 9 rokov vytvára svoje najdramatickejšie a remeselne najvyberanejšie diela.
Umenie Hals malo na svoju dobu veľký význam, malo vplyv na vývoj nielen portrétu, ale aj žánru každodenného života, krajiny, zátišia.
krajinný žáner Holandsko 17. storočie obzvlášť zaujímavé. Toto nie je príroda vo všeobecnosti, určitý všeobecný obraz vesmíru, ale národná, menovite holandská krajina, ktorú poznáme v modernom Holandsku: slávne veterné mlyny, púštne duny. Sivá obloha zaberá v kompozíciách veľké miesto. Takto je zobrazené Holandsko Jan Van Goyen (1596-1656) a Salomon Van Ruysdael (1600-1670).
Úsvit krajinomaľby v holandskej škole odkazuje na stred. 17 storočie Najväčší majster realistickej krajiny bol Jacob van Ruysdael (1628-1682), umelec nevyčerpateľnej fantázie. Jeho diela sú zvyčajne plné hlbokej drámy, či už sú to lesné húštiny („Lesný močiar“), krajiny s vodopádmi („Vodopád“) alebo romantická krajina s cintorínom („Židovský cintorín“). Príroda v Ruisdael sa objavuje v dynamike, vo večnej obnove. Aj tie najťažšie motívy prírody získavajú pod štetcom umelca monumentálny charakter. Ruisdael má tendenciu spájať starostlivé písanie s veľkou životnou integritou a syntetickým charakterom obrazu.
Narodil sa v Haarleme v roku 1628 alebo 1629. Jeho úplne prvé zachované dielo z roku 1646 vyzerá ako dielo zrelého majstra – a to mal vtedy len 18 rokov. S plnou dôverou môžeme povedať, že v roku 1648 sa Ruisdael stal členom cechu umelcov Haarlemu.
V mladosti Ruisdael dosť veľa cestoval za prírodou – bez toho, aby sa však vzdialil od svojho rodného Haarlemu viac ako sto míľ. V polovici 50. rokov 17. storočia sa umelec presťahoval z Haarlemu do Amsterdamu, kde žil až do konca svojich dní.
Metropolitný Amsterdam v čase Ruisdaela bol nápadne odlišný od provinčného Haarlemu (hoci vzdialenosť medzi týmito mestami bola aj vtedy prekonaná za dve hodiny). Ruisdael maľoval svoje obrazy nie na súkromné objednávky, ale na voľný predaj. Okolo roku 1670 sa presťahoval do samotného centra mesta, na námestie Dam, kde si prenajal byt priamo nad obchodom Hieronyma Sveertsa, obchodníka s obrazmi a knihami. .
Meindert Hobbema(1638, Amsterdam, - 7. december 1709) - po svojom mentorovi Jacobovi van Ruysdaelovi najvýznamnejší majster holandskej krajiny.
Je známe, že Hobbema a Ruisdael spolu cestovali a robili náčrty z prírody. V novembri 1668 sa Hobbema vydala za amsterdamského purkmistra a prostredníctvom nej dostal post inšpektora kvality dovážaných vín. Dlho sa verilo, že tým sa jeho hodiny maľovania skončili.
Možno musel venovať maľovaniu menej času ako predtým, ale jeho najlepšie dielo, The Alley at Middelharnis, je z roku 1689 a ďalší londýnsky obraz, The Ruins of Brederode Castle, je z roku 1671. Tieto neskoršie diela patria k najúspešnejším počinom holandskej krajinomaľby a v podstate robia čiaru v jej vývoji.
Umelec zomrel v chudobe, no už v 18. storočí ho veľa napodobňovali a jeho diela sa stali predmetom súperenia medzi zberateľmi. Na rozdiel od Ruisdaela, ktorý radšej zachytával divokú prírodu, Hobbema priťahovali tiché vidiecke scenérie s výhľadmi na dediny zaliate slnečným žiarením, ktorým tu a tam dodávajú rozmanitosť týčiace sa skupiny stromov. V týchto vidieckych idylkách je všetko napísané s veľkou starostlivosťou a najmä lístie.
V úzkom spojení s holandskou krajinou je živočíšny žáner. Mnohí predstavitelia krajinomaľby sa zaujímajú o prenos zvierat. Tie sa veľmi často ukážu ako ekvivalentné čisto krajinným prvkom a niekedy im krajina neslúži len ako pozadie. Schopnosť identifikovať plemeno zvieraťa, jeho štruktúru, farbu, charakteristické pohyby je jednou z pozoruhodných vlastností Holanďanov. Jemnosť prenosu atmosféry a svetla v spojení s touto zručnosťou dosahuje u niektorých maliarov zvierat výnimočnú dokonalosť. Svedčia o tom početné práce Paulus Potter(1625-1654) a Albert Cuyp(1620-1691). Obaja spolu s maľbami zobrazujúcimi zvieratá pasúce sa alebo odpočívajúce pod šírym nebom (Potterova farma, Ermitáž, 1649) napísali aj ich jednotlivé kópie zblízka. Potter okrem všeobecných záberov rád zobrazuje jedno alebo viac zvierat zblízka na pozadí krajiny („Pes na reťazi“). Obľúbeným motívom Cape sú kravy pri napájadle („Západ slnka nad riekou“, „Kravy na brehu potoka“). Obraz „Krajina so stádom, jazdcom a roľníkmi“.
Pokojnú vidiecku scénu zaliala zlatá žiara západu slnka. Teplé svetlo preniká do každého detailu kompozície a vytvára žiarivý efekt. To nápadne odlišuje farbu Cape od studenej modrej a zelenej jeho súčasníkov, ako napr. Meindert Hobbema. Zdanlivá náhodnosť usporiadania zvierat je v skutočnosti starostlivo zvážená, aby sa ukázala hra svetla a tieňa.
Cape patrí navyše na jedno z prvých miest medzi predstaviteľmi čistej krajiny. Jeho maľby sa vyznačujú mimoriadnou zručnosťou pri prenášaní zlata, slnečného svetla, mimoriadne rôznorodými motívmi a zahŕňajú mnoho prístavov (výhľady na more).
Iba morská krajina(marína) bol zasnúbený Ján Porcellis(1584-1632). Marina zohrala veľmi dôležitú úlohu v umení Holandska v 17. storočí a priviedla množstvo prvotriednych odborníkov. Zdá sa, že všeobecný priebeh vývoja prístavu sa rovná tomu, čo sa všeobecne pozoruje v histórii holandskej krajiny. V počiatočnom štádiu sú kompozície jednoduché. Umelec vidí svoj cieľ dosiahnutý, ak s najväčšou pravdepodobnosťou sprostredkuje rozlohu mora, lode, ktoré sa na ňom hojdajú, a samotnú vodu. Tak píše Jan Porcellis. V ďalšej generácii sa charakter prenosu morských druhov mení smerom k väčšej dynamike. Ako predtým však vznikajú maľby zobrazujúce pokoj vodného živlu, ale to už nestačí; búrky začnú hádzať lode na skaly, obrovské vlny ich ohrozujú smrťou a ženú námorníkov, aby sa uchýlili do prístavu. V oboch prípadoch nie sú pre Backhuizena (1631-1709) žiadne ťažkosti. Jeho štetec s rovnakou virtuozitou sprostredkúva bezoblačnosť oblohy, cyklóny, spreje, skaly a stopy vrakov.
Brilantný vývoj dosahuje zátišie. Holandské zátišie je na rozdiel od flámskeho skromné čo do veľkosti a motívov pre obrazy intímneho charakteru. Peter Klass (1597-1661), Willem Kheda(1594-1680) najčastejšie zobrazoval tzv. raňajky: jedlá so šunkou alebo koláč na relatívne skromne servírovanom stole. V šikovnom rozložení sú predmety zobrazené tak, že človek cíti akoby vnútorný život vecí (nie nadarmo Holanďania nazvali zátišie „still leven“ – „tichý život“, a nie "nature morte" - "mŕtva príroda"). Sfarbenie je zdržanlivé a rafinované (Heda „Raňajky s homárom“, 1658; Trieda „Zátišie so sviečkami“, 1627)
Willem Heda pôsobil v Haarleme a ovplyvnil ho Pieter Claesz. Skromné zátišia - „raňajky“ od Head, zobrazujúce spravidla malú sadu domácich potrieb a jedla, sa vyznačujú jemným remeselným spracovaním pri prenášaní textúry vecí, diskrétnou strieborno-zelenou alebo strieborno-hnedou farbou ( „Raňajky s černicovým koláčom“, 1631, Galéria umenia, Drážďany; „Šunka a striebro“, 1649, Štátne múzeum Výtvarné umenie, Moskva).
So zmenou života holandskej komunity na 2. poschodí. V 17. storočí s postupným nárastom túžby meštianstva po aristokratizácii a stratou bývalej demokracie sa mení aj charakter zátiší. Khedove „raňajky“ sú nahradené honosnými „dezertmi“ Willem Kalf (1619-1693). Jednoduchý riad nahrádzajú mramorové stoly, kobercové obrusy, strieborné poháre, perleťové mušle a krištáľové poháre. Kalf dosahuje úžasnú virtuozitu pri prenášaní textúry broskýň, hrozna a krištáľových povrchov. Jednotný tón zátiší niekdajšieho obdobia je nahradený bohatou gradáciou tých najvyberanejších farebných odtieňov.
Holandský maliar. V rokoch 1640-1645 pôsobil vo Francúzsku, od roku 1653 - v Amsterdame. Willem Kalf v budúcnosti žil a tvoril najmä v Amsterdame. Za sýtu, sýtu farebnosť svojich obrazov tento maliar zátiší mohol mať vplyv diela jeho súčasníka Jana Vermeera. Jeden z najväčších majstrov Holandská škola zátišie Kalf namaľoval skromné obrazy podľa chudobných kuchýň a dvorov („Nádvorie sedliackeho domu“, Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad), ako aj veľkolepé kompozície so vzácnym náčiním a exotickým južným ovocím („Raňajky“, Štátne múzeum, Amsterdam, "Zátišie", Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad). Kalfova virtuozita maliara zátiší sa prejavila v klasickom prepracovaní priestorových konštrukcií, jemnom cite pre originalitu a vnútornú hodnotu každej veci, prepracovanosti a bohatosti vzťahov medzi svetlom a odtieňmi a farbami, ako aj v efektnom kontrastnom porovnávaní rôznych textúr. a materiálov.
"Zátišie s homárom, vínnym rohom a pohármi." Kolekcia exotických a luxusných predmetov rozložená na stole je maľovaná s brilantným remeselným spracovaním a hlbokým zmyslom pre farby. Homár, vínny roh s trblietavým filigránovým strieborným rámom, priehľadné poháre, citrón a turecký koberec sú vykreslené s takou úžasnou starostlivosťou, že vzniká ilúzia, že sú skutočné a môžete sa ich dotknúť rukou. Miesto na umiestnenie každej položky je vybrané s takou starostlivosťou, aby skupina ako celok tvorila harmóniu farby, tvaru a textúry. Teplé svetlo, ktoré predmety zahaľuje, im dodáva dôstojnosť vzácnych šperkov a ich vzácnosť, nádhera a svojráznosť odzrkadľujú vycibrený vkus holandských zberateľov v 17. storočí – v čase, keď boli zátišia mimoriadne obľúbené.
Holandské zátišie- jedna z umeleckých realizácií o dôležitá téma Holandské umenie – námety súkromia obyčajný človek. Táto téma bola plne začlenená do žánrová maľba. V 20.-30. 17 storočie Holanďania vytvorili špeciálny typ drobnej maľby malých figúrok. 40-60 rokov - rozkvet maliarstva, ospevujúceho pokojný meštiansky život Holandska, odmeranú každodennú existenciu. Aj v okruhu Hals, kde sa rozvíjal aj flámsky maliar Adrian Brouwer, sa vytvoril výrazný záujem o námety z roľníckeho života. Adrian van Ostade(1610-1685) - bol svojimi obrazovými zásluhami najväčší pri zobrazení roľníckeho života. Obyčajne zobrazuje svoje tienisté stránky ("Boj") Podobne ako ostatní jeho predstavitelia, aj on k témam zvyčajne pristupuje úplne v duchu ideológie vládnucej triedy a realitu si buď idealizuje, alebo v roľníkoch vidí len smiešne kreatúry, ktorých zvyky dávajú vznik smiech a vtipy. („V dedinskej krčme“ 1660).
Jeho umenie v neskoršom období nadobúda črty lyriky a niekdajšie zápletky vystriedajú obrazy pokojného odpočinku na prahu chatrče alebo na dvore dedinskej krčmy, ako aj interiéry s výjavmi tichej rodinnej pohody („Vidinka Koncert“, 1655, Ermitáž). Okrem takýchto obrazov s malými figúrkami Ostade často maľoval viac zväčšenie prísne realistické polovičné postavy predstaviteľov rôznych remesiel. Ostadeov obraz „Maliar v ateliéri“ (1663) sa právom považuje za majstrovské dielo maľby, v ktorom umelec oslavuje ľudskú prácu bez toho, aby sa uchýlil k deklarácii alebo pátosu.
ale Hlavná téma„Malý Holanďan“ stále nie je sedliacky, ale meštiansky život. Zvyčajne sú to obrazy bez fascinujúcej zápletky. Zdá sa, že na obrazoch tohto žánru sa nič nedeje. Žena číta list, pán a dáma hrajú hudbu. Alebo sa práve stretli a majú prvý pocit, ale ten je len načrtnutý, divák má právo sám špekulovať. Najzábavnejší rozprávač na obrázkoch tohto druhu bol Ján Stan(1626-1679). Stanovi, na rozdiel od väčšiny jeho súčasníkov, príbehová stránka nie je ľahostajná. Vo svojich obrazoch priraďuje k rozprávačskému začiatku významnú úlohu a rád zobrazuje určité zábavné výjavy z každodenného života malomeštiakov. Majster v nich odhaľuje ostré pozorovacie schopnosti, výstižne charakterizuje typy a s jemným veselým humorom rozpráva epizódy, ktoré si vybral. Svedčí o ňom obraz „Chorá žena a lekár“ (okolo 1660, Ermitáž). V neskoršom období Stenovho pôsobenia tieto črty strácajú na ostrosti a podľa všeobecného trendu sa vydáva na cestu umenia, elegantnejšieho a oddaného problémom čisto vizuálneho vnímania reálneho sveta.
Dosiahol veľkú zručnosť Gerard Terborch(1617-1681). Začal s najdemokratickejšími subjektmi („brúsky“). Vyznačoval sa maximálnou zručnosťou pri zobrazovaní hodvábu a saténu, priehľadnosti sklenených pohárov, povrchu akejkoľvek veci. Terborchove figúry sa veľmi často vyznačujú známym aristokratickým zjavom, čo vysvetľuje výberom modelov z prostredia šľachty. Zdokonalenie Terborchovho umenia je do značnej miery spôsobené jeho farbou, v ktorej dominujú nádherné strieborné tóny. Medzi najlepšie obrazy umelca patria „Pohár limonády“ (Hermitage) a „Koncert“ (Berlín, Dahlem).
Interiér sa stáva obzvlášť poetickým medzi malými Holanďanmi. Život Holanďanov prebiehal hlavne v dome. Skutočným spevákom tejto témy bol Peter de Hooch(1629-1689). Iluzívny charakter prenášania vecí u tohto majstra ustupuje do úzadia a záujem sa sústreďuje na vývoj priestorových vzťahov, najmä na zobrazenie interiérov, ako aj dvorov a za nimi sa otvárajúcich ulíc („Pani s sluha“, Ermitáž, okolo 1660). jeho izby s pootvoreným oknom s neúmyselne odhodenými topánkami alebo ponechanou metlou sú spravidla zobrazené bez ľudskej postavy, ale ľudia sú tu neviditeľne prítomní, medzi interiérom a ľuďmi je vždy spojenie. Keď zobrazuje ľudí, zámerne zdôrazňuje zamrznutý rytmus, zobrazuje život akoby zamrznutý, nehybný ako veci samé („Dvor“).
Pomalý rytmus života, presnosť každodennej rutiny, určitá monotónnosť existencie dokonale vyjadruje Gabriel Metsu(1629-1667; "Raňajky"). Vo všeobecnom charaktere svojich žánrových obrazov má blízko k Terborchu, ale farebne jasnejšie.
Nová etapa žánrovej maľby začína v 50. rokoch a je spojená s tzv. Delftská škola, s názvom takých umelcov ako Karel Fabricius, Emmanuel de Witte a Jan Vermeer(1632-1675), v dejinách umenia známy ako Vermeer z Delftu (prezývaný podľa miesta jeho pôsobenia). Umenie Vermeera z Delftu patrí do neskorého obdobia rozvoja Holandska. Generácia hrdinských, no drzých bojovníkov za nezávislosť a triezvych podnikateľov – organizátorov kapitalistickej ekonomiky – patrila minulosti. Do historickej arény vstúpili ich vnúčatá, ktoré mohli bezpečne využívať nadobudnuté výhody. Za týchto podmienok sa formuje živé, radostné umenie poslednej etapy rozkvetu Holandskej republiky.
K tomuto konkrétnemu obdobiu patrí zrelé, prenikavé a zároveň jasné a jednoduché, napriek všetkej vyspelosti techniky, umenie Vermeera z Delftu. Vermeerových autentických diel je málo, len málo múzeí má malé a vždy vzácne obrazy majstra z Delftu. Vermeerova téma je viac-menej tradičná; mladé ženy, ktoré čítajú list, vyšívajú, v spoločnosti džentlmena, maliara pred stojanom, dievča jednoducho snívajúce pri okne („Dievča s listom“, Drážďany; „Kavalier a dáma pri spinete“ , atď.) - jedným slovom všetko, čo bolo viackrát zobrazené holandskými maliarmi. Z hľadiska námetu, v užšom zmysle slova, Vermeer nemá nič originálne. Len v ojedinelých prípadoch sa obracia k zábavným zápletkám a vnáša do kompozície prvok akcie („U dohadzovača“, 1656, Drážďany). Všetky jeho snímky však majú úplne individuálny charakter. Vo všetkých postavách, ktoré stvárňuje, je akýsi druh svetla a ľahkej poézie a spolu s touto poéziou a jemnosťou je vo všetkých jeho dielach vtlačený zvláštny pocit prísnej jednoduchosti, niečo skutočne klasické.
Vermeer je nepochybne jedným z najväčších koloristov v dejinách západoeurópskeho umenia. Nielen jeho jemný vkus pri výbere farieb, ale aj schopnosť nájsť si svoj vzájomný vzťah robí z Vermeera jedného z najušľachtilejších majstrov farieb. S maximálnym zmyslom pre proporcie a takt kombinuje citrónovožltú, modrú, fialovú širokú škálu odtieňov, šarlátovú a bledozelenú farbu do jedného zvučného tónového rozsahu. V diele Vermeera z Delftu dostal tradičný holandský umelecký problém svetla svoje najdokonalejšie riešenie. Dúhové perleťové svetlo je jednou z najcharakteristickejších čŕt obrazov delftského majstra. Niet pochýb o tom, že Vermeer z Delftu bol jedným z najdokonalejších technikov svojej doby. Jeho niekoľko obrazov je napísaných bohatou a rozmanitou textúrou. Jeho spôsob nanášania farby, predurčujúci neskoršiu techniku impresionistov, umožnil samotnému Vermeerovi zobraziť svetlo obklopujúce predmety v celej ich obrazovej konkrétnosti. Svetlo na Vermeerových obrazoch nie je len priehľadné médium, ale vzduch, bohatý na jemné prechody striebristých tónov.
Wermeer robil to, čo nikto iný v 17. storočí: maľoval krajiny z prírody („Ulica“, „Pohľad na Delft“). Možno ich nazvať prvými príkladmi plenérovej maľby. Zrelé, klasické vo svojej jednoduchosti, umenie Vermeera malo veľký význam pre budúce éry.
Vrchol holandského realizmu, výsledok obrazových výdobytkov holandskej kultúry 17. storočia. je dielom Rembrandta. Ale hodnota R., ako každá brilantný umelec, presahuje len holandské umenie a holandskú školu. Rembrandt, ktorý zaberá ústredné miesto v holandskej škole éry jej najvyššieho rozkvetu, stále stojí mimo mnohých umelcov svojej vlasti. Zostali cudzie šírke rozsahu Rembrandtových umeleckých záujmov a hlbokému psychologizmu jeho tvorby.
Harmensz van Rijn Rembrandt sa narodil v roku 1606 v Leidene a bol synom bohatého majiteľa mlyna. Čoskoro objavil príťažlivosť k maľbe a po krátkom pobyte na univerzite v Leidene sa úplne venoval umeniu. Na konci zvyčajného trojročného obdobia štúdia u bezvýznamného miestneho umelca Jacoba Swannenburga odišiel Rembrandt na zlepšenie do Amsterdamu, kde sa stal študentom Lastmana. Lastman, zručný remeselník, ktorý študoval v Taliansku, predstavil Rembrandtovi efekt šerosvitu, ktorý sa používa na vyjadrenie objemu a odhalenie drámy akcie. Táto technika sa stane hlavnou vecou v práci umelca. Nasledujúce roky Rembrandt pôsobil v Leidene a získal si povesť majstra biblických a mytologických scén. Preto sa zvyčajne nazývajú roky 1625-1632. Leidenské obdobie jeho tvorby.
V roku 1632 sa presťahoval do Amsterdamu, kde sa okamžite preslávil písaním „Lekcie anatómie Dr. Tulpa“. 30. roky sú časom najvyššej slávy, cestu ku kt otvoril maliarovi tento obraz, ktorý je považovaný za skupinový portrét a má iný názov „Lekcia anatómie“. Na tomto plátne ľudí spája akcia, všetci sú prezentovaní v prirodzených pózach, ich pozornosť púta hlavná postava - doktor Tulp, demonštrujúci štruktúru svalov mŕtvoly. Žije s obchodníkom s umením Hendrickom van Uylenborchom, ktorý ho sponzoruje, vybavuje objednávky na portréty, čo mladému umelcovi vytvára povesť módneho úspešného majstra. V roku 1634 sa Rembrandt úspešne oženil s Hendrikovou neterou Saskiou a do roku 1639 spolu so svojou manželkou získali honosný dom v hlavnom meste. Až do začiatku 40. rokov 17. storočia. má u zákazníkov veľký úspech, toto je čas jeho osobnej pohody. V slávnom majstrovskom diele tohto obdobia – „Autoportrét so Saskiou na kolenách“ (okolo 1635, Galéria umenia, Drážďany) sa Rembrandt zobrazil so svojou mladou manželkou pri slávnostnom stole. Jemné prelivy zlatých tónov, prúdy svetla prenikajúce do obrazu sprostredkúvajú radostnú náladu mladého a úspešného umelca a jeho manželky, plných nádejí a snov.
Celé toto obdobie je zahalené romantikou. Maliar sa vo svojej tvorbe špecificky snaží vymaniť sa z nudnej meštianskej každodennosti. Maľuje seba a Saskiu v luxusných outfitoch, vo fantastických outfitoch a pokrývkach hlavy, vytvára veľkolepé kompozície, vo všetkom, v pózach, v pohyboch prevláda to spoločné - radosť z bytia. (Saskia ako Flora). Barokový jazyk má najbližšie k vyjadreniu tejto povznesenej nálady. Rembrandt je v tomto období do značnej miery ovplyvnený talianskym barokom.
V zložitých uhloch sa pred nami objavujú postavy obrazu „Obeť Abraháma“ (1635). Obraz sleduje stav mysle Abraháma, ktorý pri náhlom objavení sa anjela nemal čas pocítiť ani radosť z vyslobodenia z hroznej obete, ani vďačnosť, ale zatiaľ pociťuje len únavu a zmätok.
Rembrandt vždy venoval veľkú pozornosť leptu (rytiu) a kresbe a čoskoro sa stal najväčším majstrom grafickej techniky v Európe. Portréty a krajiny, ktoré vytvoril v technike leptu, každodenné a náboženské scény, sa vyznačovali novosťou umeleckých techník, hlbokým psychologizmom obrazov, bohatstvom šerosvitu, expresivitou a lakonizmom línií. Prišlo k nám asi dvetisíc kresieb od Rembrandta. Sú medzi nimi prípravné skice, skicáre k obrazom, skice výjavov každodenného života a nápady zrodené v jeho fantázii.
Na prelome raného obdobia tvorivosti sa objavuje jeden z jeho najznámejších obrazov „Nočná hliadka“ – skupinový portrét streleckého cechu. Ale group porter je formálny názov produktu, vyplývajúci z túžby zákazníkov. V Nočnej hliadke Rembrandt zaujal nový prístup k žánru skupinového portrétu, ktorý je pre holandské umenie tradičný. Obraz (1642, Rijks Museum, Amsterdam) je skupinovým portrétom členov streleckého cechu kapitána Banninga Cocka a umelec ho vyriešil ako skutočnú pouličnú scénu. Rembrandt opustil vtedy akceptované statické usporiadanie všetkých účastníkov a vytvoril scénu plnú pohybu. Kontrasty svetla a tieňa, emocionalita obrazu sprostredkúvajú vzrušenie z udalosti. Obraz nadobúda historický charakter, rozpráva o odvážnych ľuďoch, ktorí sú pripravení brániť slobodu a národnú nezávislosť svojej vlasti so zbraňami v rukách. Zákazníci nepochopili zámer umelca a počnúc týmto obrazom sa konflikt s dominantným prostredím zintenzívni, ale nezníži energiu majstra a Rembrandt bude pokračovať vo vytváraní realistických plátien, ktoré sú pozoruhodné svojim emocionálnym dopadom. . Veľkolepá, nepochybne trochu divadelná, voľná kompozícia, ako už bolo spomenuté, nemala za cieľ reprezentovať každého zo zákazníkov. Mnohé tváre sú jednoducho zle „čítané“ v ostrom šerosvite, v kontrastoch hustých tieňov a jasného slnečného svetla vychádza na CT odlúčenie (v 19. storočí obraz stmavol natoľko, že bol považovaný za obraz nočnej scény, preto nesprávne meno kapitán na poručíkovom jasnom oblečení dokazuje, že nie je noc, ale deň). Výskyt cudzích ľudí v tejto scéne, najmä malého dievčatka v zlatožltých šatách, sa zdal divákovi nepochopiteľný a absurdný. Všetko tu spôsobilo zmätok a podráždenie verejnosti a môžeme povedať, že týmto obrazom začína konflikt medzi umelcom a spoločnosťou. Smrťou Saskie v tom istom roku nastáva Rembrandtov prirodzený rozchod s jemu cudzími meštianskymi kruhmi.
Rembrandtova realistická zručnosť sa rokmi prehĺbila. Vyhýba sa zbytočným detailom a dekoratívnym efektom v prospech väčšej hĺbky a emocionálnej intenzity. umelecký obraz. Veľmi veľké miesto v umelcovej tvorbe začína zaujímať komorný portrét. Rembrandt odhaľuje duchovný život človeka, akoby trvajúci v čase a priestore. Toto je druh portrétnej biografie. Sú to napríklad „Portrét starej ženy“, „Hendrikje pri okne“, „Čítanie Titusa“, portréty umelcových priateľov N. Breininga, J. Sixa, početné autoportréty (viac ako sto v oleji a drevené uhlie).
40-50 rokov - Toto je čas tvorivej zrelosti. Toto je čas pridania jeho tvorivého systému, z ktorého sa mnohé stane minulosťou a získajú sa nové, neoceniteľné vlastnosti. V tomto období sa často obracia na staré diela, aby ich prerobil novým spôsobom. To bol prípad Danae, ktorý namaľoval v roku 1636. V 40-tych rokoch umelec posilnil emocionálny stav. Ústrednú časť s hrdinkou a slúžkou prepísal. Podaril Danae nové gesto zdvihnutej ruky a povedal jej veľké vzrušenie, vyjadrenie radosti, nádeje, výzvy. Svetlo hrá obrovskú úlohu: svetelný tok akoby zahaľoval postavu Danae, celá žiari láskou a šťastím, toto svetlo je vnímané ako vyjadrenie ľudských citov.
Začiatkom 50. rokov umelec vytvára jedno majstrovské dielo za druhým. Ten už vyšiel z módy, no bohatých zákazníkov nepreložili.
Počas týchto rokov si vyberá na interpretáciu najlyrickejšie, najpoetickejšie stránky ľudskej existencie, človeka, ktorý je večný a všeľudský: materinská láska, súcit. Najväčší materiál mu dáva Svätá Biblia, a z nej - výjavy zo života svätej rodiny. Obraz Ermitáž Svätá rodina (1645) je mimoriadne príznačný pre tú dobu, náboženský vo svojom námete, no čisto žánrový v interpretácii deja.
Spolu s biblicko-žánrovými kompozíciami je toto obdobie pre Rembrandta plné nového druhu zobrazenia reality - krajiny. V niektorých prípadoch vzdáva hold svojim romantickým sklonom a popri tom vytvára obrazy neprikrášlenej holandskej dediny, ktoré upútajú prísnym realistickým prístupom. Malý „Zimný pohľad“ (1646, Kassel), zobrazujúci sedliacky dvor vo svetle jasného mrazivého dňa a niekoľko postáv na hladkom povrchu zamrznutého kanála, je jedným z najdokonalejších príkladov holandskej realistickej krajiny. jemnosti cítenia a pravdivosti zrakového vnímania.
Napriek rozľahlosti a umeleckej hodnote toho, čo v tomto období vzniklo, sa Rembrandtova finančná situácia do polovice 50. rokov 16. storočia ukázala ako mimoriadne ťažká. V dôsledku poklesu počtu objednávok, ťažkého predaja obrazov a najmä nedbanlivosti majstra pri riadení svojich záležitostí mal Rembrandt veľké finančné ťažkosti. Dlh spojený s akvizíciou drahého domu ešte za života Saskie hrozil úplný krach. Pokus o oddlženie mohol katastrofu len oddialiť, no aj tak vypukla. V lete 1656 bol na Rembrandta vyhlásený konkurz a celý jeho majetok bol predaný v dražbe. Zbavený svojho obvyklého domova bol nútený presťahovať sa so svojou rodinou do chudobnej židovskej štvrte obchodného hlavného mesta a tu prešli jeho posledné dni v akútne pociťovanom nedostatku.
Tieto protivenstvá, ako nešťastia, ktoré neskôr postihli Rembrandta – smrť Hendricka, smrť jeho jediného syna Tita – neboli schopné zastaviť ďalší rast jeho génia.
Koniec 50. a 60. rokov 17. storočia sú najtragickejšie roky R.ovho života, no sú plné Rembrandtovej tvorivej činnosti grandióznej sily. Predstavuje akoby syntézu všetkých jeho doterajších psychologických a obrazových rešerší. Na týchto obrázkoch je všetko očistené od prechodných, náhodných. Detaily sú obmedzené na minimum, gestá, držanie tela, sklon hlavy sú starostlivo premyslené a pochopené. Postavy sú zväčšené, v blízkosti prednej roviny plátna. Aj drobné diela týchto rokov vytvárajú dojem mimoriadnej vznešenosti a skutočnej monumentality. Hlavná výrazové prostriedky je svetlo a línie. O zosnulom R. by bolo presnejšie povedať, že jeho farba je „svetlá“, pretože na jeho plátnach je svetlo a farba jedno, jeho farby akoby vyžarovali svetlo. Táto komplexná interakcia farby a svetla nie je samoúčelná, vytvára určité emocionálne prostredie a psychologické charakteristiky obrazu.
V portrétoch je teraz Rembrandt vo výbere modelov voľnejší a maľuje prevažne tváre s výraznou individualitou. Ide najmä o staršie ženy a starých Židov. Ale s rovnakou ostrosťou dokáže sprostredkovať kúzlo mladého ženská tvár alebo kúzlo mladistvého vzhľadu. Všetko drobné na týchto portrétoch ustupuje zovšeobecnenému, no zároveň neobyčajne ostrému podaniu obrazu. To je do značnej miery uľahčené rastúcou šírkou spôsobu technického prevedenia.
Finálom v histórii skupinového portrétu bol obraz od Rembrandta staršieho súkenníckeho obchodu - tzv. "Syndics" (1662, Amsterdam). zaslúžene považovaný za jeden z vrcholov Rembrandtovej tvorby). Ostrá psychologická charakteristika, jednoduchosť konštrukcie, skrývajúca neomylnosť rytmu línií a hmôt, ako aj skúpa na množstvo farieb, no intenzívna farebnosť sumarizujú celú doterajšiu cestu Rembrandta ako portrétistu.
V rokoch zrelosti (50. roky) vytvoril Rembrandt svoje najlepšie lepty. Rozlišujúca Rembrandtova hĺbka psychologická analýza, expresívny realizmus obrazov a dokonalosť výtvarnej techniky sa premietli do dlhej série nádherných listov, tematicky ešte rozmanitejších ako majstrova maľba. Medzi najznámejšie patria „Kristus uzdravujúci chorých“ (tzv. „List sto florénov“, okolo 1649), „Tri kríže“ (1653), portréty Lutmy (1656), Haringa (1655), Šesť (1647), ako aj krajiny známe ako Tri stromy (1643) a Sídlo zlatej váhy (1651).
Nie menej ako významné miesto Rembrandtovo grafické dedičstvo zaberajú kresby. Ostrosť a originalita Rembrandtovho vnímania okolitého sveta sa v týchto početných a pestrých listoch odrážala s osobitnou silou. Spôsob kresby, podobne ako obraz Rembrandta, sa zreteľne vyvíja kreatívny rozvoj majstrov. Ak boli Rembrandtove rané kresby vypracované do detailov a kompozične dosť zložité, potom ich vo svojom zrelšom období predvádzal široko obrazne, neobyčajne stručne a jednoducho. Rembrandt zvyčajne kreslil husím alebo trstinovým perom a pomocou najjednoduchších techník dokázal dosiahnuť výnimočnú silu výrazu. R. zanechal 2000 kresieb. Jeho kresby, aj keď sú to nepatrné náčrty nejakého obyčajného motívu, sú uceleným celkom, plne vyjadrujúcim všetku rozmanitosť prírody.
Za epilóg R. tvorby možno považovať jeho grandiózne plátno „Návrat márnotratný syn“(asi 1668-1669, Ermitáž), v ktorej sa s najväčšou úplnosťou prejavila estetická výška a obrazová zručnosť umelca. Evanjeliové podobenstvo o mladom mužovi, ktorý odišiel z domu, premárnil majetok a vrátil sa k otcovi nešťastný, otrhaný, ponížený, napĺňa umelec hlboko ľudským obsahom. Vznešená myšlienka lásky k trpiacemu človeku sa tu odhaľuje v obrazoch, ktoré sú nápadné svojou životnou presvedčivosťou. Tvár starého poloslepého otca a gesto jeho rúk vyjadruje nekonečnú láskavosť a postava syna v špinavých handrách, držiaceho sa otca, je úprimným a hlbokým pokáním. Azda žiadny iný obraz od Rembrandta nevyvoláva toľko hlbokých a súcitných pocitov. Rembrandt učil svojich divákov o láske a odpustení. Neskôr, v posledné roky a mesiacov, Rembrandtov život plynie navonok pokojne. Potom, čo prežil Hendrickje a Titus, zomrel 4. októbra 1669.
R. mal obrovský vplyv na umenie. V Holandsku nebolo žiadneho maliara, ktorý by nezažil vplyv veľkého umelca, z ktorých sa najviac preslávili Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckgout (1621-1674) a Art de Gelder (1645-1727). Po zvládnutí námetov, kompozičných techník a typov pedagógov však vo svojej figurálnej maľbe neprekročili vonkajšiu imitáciu Rembrandtových techník. Živý vplyv majstra, naopak, rozhodne ovplyvnil početných krajinárov, ktorí s ním susedili - Philipsa Konincka (1619-1688), Doomera (1622-1700) a ďalších. Ale väčšina ho zradila, posunula sa do pozície akademizmu a napodobňovania vtedy módnych Flámov a potom Francúzov.
Ako sa často stáva v dejinách umenia, napriek svojmu brilantnému talentu Rembrandt zomrel v chudobe a osamelosti, zabudnutý, neužitočný majster. Ale čím ďalej, tým je dedičstvo umelca v očiach ľudstva cennejšie. Bez preháňania možno povedať, že Rembrandt patrí k tým najviac najväčších umelcov v dejinách svetového umenia. Mnohí by to označili za neprekonateľné. Rembrandtov hrob je stratený, ale jeho dielo bude žiť stáročia.
V poslednej štvrtine 17. stor začína úpadok holandského maliarstva, strata jeho národnej identity a od zač. 18. storočie prichádza koniec veľkej éry holandského realizmu.
Holandské maliarstvo – maľby 17. storočia
Významnou črtou holandského umenia bola výrazná prevaha vo všetkých jeho typoch maľby. Predstavitelia najvyšších vrstiev moci, chudobní mešťania, remeselníci a roľníci zdobili svoje domy maľbami. Predávali sa na aukciách a jarmokoch; umelci ich niekedy dokonca používali ako prostriedok na platenie účtov.
Cesta v lese, Meindert Hobbema, 1670
Maliarov bolo dosť a konkurencia bola dosť tvrdá, keďže povolanie umelca bolo bežné. Maľovaním si málokto dokázal zarobiť na živobytie. Väčšina umelcov musela vystupovať najviac rôzne práce: Jacob van Ruisdael bol lekár, Meindert Hobbema pracoval ako úradník spotrebnej dane a Jan Steen bol hostinský.
V 17. storočí sa holandské maliarstvo rýchlo rozvíjalo nielen kvôli rastúcemu dopytu po tých, ktorí si chceli vyzdobiť svoje domovy obrazmi, ale aj kvôli tomu, že sa začali považovať za tovar, prostriedok špekulácií a zdroj zisk. Umelec bol úplne závislý od trhových trendov, oslobodil sa od takých priamych zákazníkov, akými boli vplyvní mecenáši (feudáli) a katolícka cirkev. Cesty rozvoja holandskej spoločnosti boli určené a umelci, ktorí sa proti nim postavili a obhajovali svoju nezávislosť v oblasti kreativity, sa dostali do izolácie a predčasne zomreli v osamelosti a chudobe. Vo väčšine prípadov išlo len o tých najtalentovanejších umelcov, akými boli Rembrandt a Frans Hals.
Holandskí maliari zobrazovali najmä okolitú realitu, ktorú umelci iných maliarskych škôl tak naplno nezobrazovali. Hlavné miesto v posilňovaní realistických trendov zaujímali portréty, každodenný žáner, zátišia a krajina, keď sa umelci obrátili na rôzne aspekty života. Tak hlboko a pravdivo zobrazili skutočný svet, ktorý sa pred nimi otvoril, ich diela boli také pôsobivé.
Jan Steen, Stretnutie s veselými, 1679
Každý žáner mal svoje vlastné prúdy. Medzi tými, ktorí zobrazovali krajinu, boli námorní maliari a maliari, ktorí uprednostňovali roviny alebo lesy, nechýbali ani majstri zimná scenéria a pohľady zobrazujúce mesačný svit. Medzi žánrovými maliarmi vynikli tí, ktorí zobrazovali mešťanov a sedliakov, výjavy domáceho života a zábav, bazárov a poľovačiek. Boli tu aj umelci, ktorí sa špecializovali na interiéry kostolov a rôzne druhy zátiší, ako napríklad „obchod“, „dezert“, „raňajky“ atď. Počet vykonaných úloh bol ovplyvnený takou črtou holandskej maľby, akou je obmedzenosť. Virtuozitu maliara však uľahčila skutočnosť, že každý umelec sa zameral na určitý žáner. V rôznych žánroch maľovali len najvýznamnejší holandskí umelci.
Vývoj realistickej holandskej maľby prebiehal v boji s manierizmom a smerom, ktorý napodobňoval talianske klasické umenie. formálne požičané od talianskych umelcov, predstaviteľov týchto trendov, techniky boli pre tradície národnej holandskej maľby mimoriadne neprirodzené. Realistické prúdy sa zreteľnejšie prejavili v každodennom žánri a portrétoch počas vývoja holandského maliarstva, ktoré zahŕňa roky 1609-1640.
Jacob van Ruisdael(1628 – 1682) bol vynikajúcim majstrom krajinného žánru (maľovali klasickú holandskú krajinu – púštne duny, slávne veterné mlyny, kanalizačné člny, korčuliari a nie prírodu všeobecne), umelcom bezhraničnej fantázie („Vodopád“, “ Lesný močiar“, „Židovský cintorín“). Ruisdael dôsledne kopíruje prírodu a zároveň dosahuje monumentálnosť.
Veterný mlyn vo Wijk bei Dürsted. 1670. Rijksmuseum. Amsterdam, Jacob van Ruisdael
Možno nazvať jedného z najtalentovanejších maliarov portrétov tejto doby Frans Hals(cca 1585-1666). Vytvoril mnoho skupinových portrétov, ako sú obrazy cechov strelcov (združenie dôstojníkov na ochranu miest a obranu). Mešťania chceli zaujať a umelkyňa by nemala zabúdať na úctivý postoj ku každému modelu. V týchto obrazoch láka zobrazenie ideálov mladej republiky, kamarátstva, rovnosti a zmyslu pre slobodu. Ľudia, ktorí sú si istí sami sebou a budúcnosťou, plní energie, hľadia na diváka z plátna („Lukostrelecký cech sv. Juraja“, „St. Prirodzene, sú zobrazovaní na priateľskej hostine. Vďaka individuálnemu štýlu umelca - široký, sebavedomý, s bohatými, jasnými farbami (červená, žltá, modrá atď.) - sa títo jedinci formujú umelecký dokumentéra.
Portrét Stefana Geradsa, 1652, Kráľovské múzeum, Antverpy
V jednotlivých portrétoch s obrysmi žánrovej maľby je veľa bezohľadného elánu, tlaku, nepotlačiteľnej energie. V neskorších portrétoch to zmizne. Napríklad na mužskom portréte Ermitáž je možné vidieť smútok a únavu hrdinu Khalsa so všetkou jeho pôsobivosťou a dokonca aj s vychvaľovaním. Tieto črty sú ešte zvýraznené v ďalšom portréte (obraz muža v širokom klobúku). V tomto neskorom období Hals dosahuje horný stupeň majstrovstva, tóny v jeho tvorbe sa stávajú monochromatickými (zvyčajne tmavé, čierne oblečenie s bielym golierom a manžetami a tmavá olivová farba pozadia). Pri všetkej výstižnosti obrazovej palety je založená na mimoriadne jemných gradáciách.
Tvorba Rembrandt van Rijn(1606-1669) bol posledným úspechom Holanďanov umenie XVII storočia a vrchol jeho realizmu.
Od: Alena Artyomenko, -
V 17. storočí sa holandská maliarska škola stala jednou z popredných v Európe. Práve tu sa po prvýkrát v dejinách svetového umenia objekty okolitej reality ukázali ako zdroj tvorivej inšpirácie a umelecký zámer. V holandskom umení tejto doby sa dokončilo formovanie celého systému žánrov, ktorý sa začal v renesancii. V portrétoch, každodenných maľbách, krajinkách a zátišiach umelci so vzácnou zručnosťou a vrúcnosťou sprostredkovali svoje dojmy z okolitej prírody a nenáročného života. Odrážali kolektívny obraz Holandska – mladej republiky, ktorá si vo vojne so Španielskom ubránila svoju nezávislosť.
"Ráno mladej dámy" 1660 Frans Miris starší. Drevo, olej. Štátna Ermitáž
Obrazy umelcov na každodenné témy (alebo žánrové maľby) zobrazujúce človeka v známom, každodennom prostredí odrážali zavedené formy života, správania a komunikácie ľudí patriacich do rôznych vrstiev holandskej spoločnosti. Obrazy holandských umelcov, ktoré boli navrhnuté na zdobenie interiérov domov obchodníkov, remeselníkov alebo bohatých roľníkov, mali malú veľkosť. Umelci zarábali predajom obrazov, ktoré boli maľované s možnosťou detailného prezerania zblízka. To zase viedlo k mimoriadne opatrnému, jemnému spôsobu písania.
Terasová spoločnosť. 1620 Esais Van De Velde. Drevo, olej. Štátna Ermitáž
V priebehu 17. storočia prešla holandská žánrová maľba výrazným vývojom. V období jeho formovania, začiatkom storočia, boli bežné zápletky s tematikou rekreácie, zábavy mladých bohatých Holanďanov či výjavy zo života dôstojníkov. Takéto obrazy sa nazývali „bankety“, „spoločnosti“, „koncerty“. Ich maľba sa vyznačovala pestrou farbou, zvýšeným radostným tónom. Obraz „Spoločnosť na terase“ od Esaiasa van de Velde patrí k dielam tohto druhu.
Začiatkom tridsiatych rokov 20. storočia sa formovanie holandského žánrového maliarstva dokončilo. Preplnené „spoločnosti“ ustúpili drobným kompozíciám. Dôležitú úlohu začal hrať obraz prostredia obklopujúceho človeka. Došlo k rozdeleniu žánrovej maľby podľa sociálnych línií: zápletky na témy zo života buržoázie a výjavy zo života roľníkov a mestskej chudoby. Tieto a ďalšie obrazy mali zdobiť interiér.
"Boj". 1637 Adrian van Ostade. Drevo, olej. Štátna Ermitáž
Jeden z najviac slávnych umelcov ktorý pracoval v „sedliackom žánri“ bol Adrian van Ostade. V ranom období tvorivosti sa obraz roľníkov v jeho obrazoch vyznačoval zvýraznenou komickosťou, niekedy dosahujúcou až karikatúru. Takže na obraze „Boj“, osvetlenom ostrým svetlom, sa zdá, že bojovníci nie sú živí ľudia, ale bábky, ktorých tváre sú ako masky skreslené grimasami zlomyseľnosti. Protiklad studených a teplých farieb, ostré kontrasty svetla a tieňa ešte viac umocňujú dojem grotesknosti scény.
Dedinskí hudobníci. 1635 Adrian Van De Ostade 1635 Olej na dreve. Štátna Ermitáž
V 50. rokoch 17. storočia došlo k zmene v maľbe Adriana Ostadeho. Umelec sa obrátil k pokojnejším témam, zobrazujúcim človeka počas obvyklých činností, najčastejšie vo chvíľach odpočinku. Takým je napríklad interiérová maľba „Village Musicians“. Ostade šikovne sprostredkúva koncentráciu „hudobníkov“, ktorí sú unesení ich zamestnaním, a zobrazuje deti, ktoré ich sledujú cez okno so sotva viditeľným humorom. Rozmanitosť a jemnosť hry svetla a tieňa, zeleno-hnedá farebnosť spája ľudí a ich prostredie do jedného celku.
"Zimný pohľad". 1640 Isaac Van Ostade. Drevo, olej. Štátna Ermitáž
V „sedliackom žánri“ pôsobil aj Adrianov brat, Isaac van Ostade, ktorý predčasne zomrel. Zobrazoval život vidieckeho Holandska, v prírode ktorého sa človek cítil ako doma. Obraz „Zimný pohľad“ predstavuje typickú holandskú krajinu so sivou oblohou silne visiacou nad zemou, zamrznutou riekou, na brehoch ktorej sa dedina nachádza.
"Pacient a lekár." 1660 Jan Steen. Drevo, olej. Štátna Ermitáž
V žánrovej téme umenia bratov Ostadeovcov pokračoval Jan Steen, talentovaný majster, ktorý si so zmyslom pre humor všímal charakteristické detaily každodenného života a vzťahov. herci vo svojich obrazoch. Na obraze „Revelers“ sa samotný umelec veselo a šibalsky pozerá na diváka, ktorý sedí vedľa svojej manželky, ktorá zaspala po zábavnej hostine. Vo filme „Pacient a doktor“ prostredníctvom mimiky a gest postáv Jan Steen šikovne odhaľuje zápletku imaginárnej choroby.
"Izba v holandskom dome". Peter Janssens. Plátno, olej. Štátna Ermitáž
V päťdesiatych a šesťdesiatych rokoch 17. storočia sa námet žánrových malieb postupne zužoval. Mení sa figuratívna štruktúra obrazov. Stávajú sa pokojnejšími, intímnejšími, objavuje sa v nich lyrickejšia kontemplácia, tiché zamyslenie. Túto etapu reprezentujú diela takých umelcov ako: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens. Ich diela stelesňovali poetický a trochu zidealizovaný obraz každodenného života holandskej buržoázie, ktorá kedysi bojovala za svoje práva a nezávislosť a teraz dosiahla udržateľnú prosperitu. Takže na interiérovom obraze „Izba v holandskom dome“ od Petra Janssensa je útulná izba zaplavená slnečným žiarením zobrazená so slnečnými lúčmi hrajúcimi sa na podlahe a na stenách, na obraze „Stará dáma pri krbe“ od Jacoba. Wrehl, je zobrazená miestnosť s krbom ponorená do jemného súmraku. Voľba kompozície v dielach oboch umelcov zdôrazňuje jednotu človeka a jeho prostredia.
"Pohár limonády." 1664 Gerard Terborch. Hostina (preklad z dreva), olej. Štátna Ermitáž
V týchto rokoch sa holandskí žánroví maliari po prvý raz pokúsili vo svojich dielach premietnuť hĺbku vnútorného života človeka. V bežných životných situáciách nachádzali príležitosť reflektovať rozmanitý svet tých najjemnejších zážitkov. To však môžete vidieť iba pri starostlivom a starostlivom preskúmaní obrázka. Takže v obraze Gerarda Terborcha „Pohár limonády“ jemný jazyk gest, dotykov rúk a očného kontaktu odhaľuje celú škálu pocitov a vzťahov medzi postavami.
"Raňajky". 1660 Gabriel Metsu. Drevo, olej. Štátna Ermitáž
V žánrových maľbách tohto obdobia začína hrať veľkú rolu objektový svet. Charakterizuje nielen materiálne a emocionálne prostredie života človeka, ale vyjadruje aj rôznorodosť vzťahu človeka k vonkajšiemu svetu. Súbor predmetov, ich usporiadanie, zložitý systém symbolov, ako aj gestá postáv - to všetko zohráva úlohu pri vytváraní obrazovej štruktúry obrazu.
"Revelers". 1660 Jan Steen. Drevo, olej. Štátna Ermitáž
Holandská žánrová maľba sa nevyznačovala širokou škálou predmetov. Umelci sa obmedzili na zobrazovanie len určitého okruhu postáv a ich povolaní. S ich pomocou však holandská žánrová maľba dokázala sprostredkovať spoľahlivý obraz mravov, zvykov a predstáv o živote človeka v 17.
Pri príprave publikácie boli použité materiály z otvorených zdrojov.
V 17. storočí Holandsko sa stalo vzorovou kapitalistickou krajinou. Viedla rozsiahly koloniálny obchod, mala silnú flotilu, stavba lodí bola jedným z popredných odvetví.
Dejiny holandského maliarstva 17. storočia. dokonale demonštruje vývoj práce jedného z najväčších portrétistov v Holandsku Frans Hals(asi 1580-1666). V 10-30 rokoch Hals veľa pracoval v žánri skupinových portrétov. Ide v podstate o zobrazenie puškárskych cechov – korporácií dôstojníkov na obranu a ochranu miest. Mešťania sa chceli nechať zvečniť na plátne, za právo byť vyobrazení prispeli istým príspevkom a umelec musel pamätať na rovnakú pozornosť pri každom modeli. Ale nie je to portrétna podobnosť, čo nás uchvacuje v týchto Halsových dielach. Vyjadrujú ideály mladej republiky, pocit slobody, rovnosti a kamarátstva. Z plátien týchto rokov vyzerajú veselí, energickí, podnikaví ľudia, ktorí sú si istí svojimi schopnosťami a budúcnosťou („St. Adrian’s Shooting Guild“, 1627 a 1633; „St. George’s Shooting Guild“, 1627). Khale ich zobrazuje zvyčajne na kamarátskej hostine, na veselej hostine. Veľký rozmer horizontálne pretiahnutej kompozície, široké sebavedomé písmo, intenzívne, sýte farby (žltá, červená, modrá atď.) vytvárajú monumentálny obraz. Umelec pôsobí ako historiograf celej éry.m
Rozkvet krajinomaľby v holandskej škole sa datuje do polovice 17. storočia. Najväčším majstrom realistickej krajiny bol Jacob van Ruysdael (1628/29-1682), umelec nevyčerpateľnej fantázie. Jeho diela sú zvyčajne plné hlbokej drámy, či už zobrazuje lesné húštiny („Lesný močiar“), krajinu s vodopádmi („Vodopád“) alebo romantickú krajinu s cintorínom („Židovský cintorín“). Príroda v Ruisdael sa objavuje v dynamike, vo večnej obnove. Aj tie najjednoduchšie motívy prírody získavajú pod štetcom umelca monumentálny charakter. Ruisdael má tendenciu spájať starostlivé písanie s veľkou vitalitou, so syntetickým obrazom.
Iba Jan Porcellis (okolo 1584-1632) sa zaoberal prímorskou krajinou (marína). Popri realistickej, čisto holandskej krajine v tom čase existoval aj iný smer: krajiny talianskej prírody animované mytologickými postavami, postavami ľudí a zvierat.
Holandské zátišie je jednou z umeleckých realizácií najdôležitejšej témy holandského umenia – témy súkromného života obyčajného človeka. Táto téma je plne stelesnená v žánrovom obrázku. V 20-30 rokoch XVII storočia. Holanďania vytvorili zvláštny typ drobnej, malofigurálnej maľby. 40-60-te roky - rozkvet maľby, oslavujúca pokojný meštiansky život Holandska, odmeraná každodenná existencia.
40-50 roky sú časom tvorivej zrelosti. Zmenil sa nielen vonkajší život Rembrandt, V prvom rade zmenil seba. Toto je čas formovania jeho tvorivého systému, z ktorého sa mnohé stane minulosťou a v ktorom sa získajú ďalšie, neoceniteľné vlastnosti. V tomto období sa často obracia na staré diela, aby ich prerobil novým spôsobom. Tak to bolo napríklad v prípade Danae, ktoré napísal už v roku 1636. Už vtedy bolo v tomto obraze vyjadrené to hlavné: zmyselný princíp, pohanský, do istej miery „Titian“ bol v ňom len časťou všeobecný vo vyjadrení zložitých emocionálnych zážitkov, jediný duchovný impulz. Klasický, krásny, ale aj abstraktný ideál krásy vystriedalo vyjadrenie životnej pravdy, svetlá individualita fyzického skladu. Toto škaredé telo bolo podané mimoriadne realisticky. Ale Rembrandt nebol spokojný s vonkajšou pravdou. Pri pohľade na obraz v 40. rokoch umelec posilnil emocionálny stav. Ústrednú časť s hrdinkou a slúžkou prepísal.
Portréty zosnulého Rembrandta sa veľmi líšia od portrétov 30. a dokonca 40. rokov. Tieto mimoriadne jednoduché (polovičné alebo generačné) obrazy ľudí blízkych umelcovi svojou vnútornou štruktúrou sú vždy obrazným vyjadrením mnohotvárnej ľudskej osobnosti, ktorá zaráža majstrovou schopnosťou sprostredkovať nestále, neuchopiteľné duchovné pohyby.
Rembrandt vedel, ako vytvoriť portrétovú biografiu; zvýraznením iba tváre a rúk vyjadril celú históriu života
Francúzske umenie 17. storočia
francúzske umenie 15. storočia vychádza z tradícií francúzskej renesancie. Maľby a kresby od Fouqueta a Cloueta, sochy Goujona a Pilona, zámky z čias Františka 1, palác Fontainebleau a Louvre, poézia od Ronsarda a próza od Rabelaisa, filozofické skúsenosti Montaigne, to všetko nesie pečať klasicistického chápania formy, prísnej logiky, racionalizmu, rozvinutého zmyslu pre eleganciu, t.j. ktorý je predurčený na to, aby sa v 15. storočí úplne vtelil. vo filozofii Descarta, v dramaturgii Corneilla a Racina, v maľbe Poussina a Lorraina.
V oblasti výtvarného umenia proces formovania klasicizmu nebol taký jednotný.
V architektúre sú načrtnuté prvé črty nového štýlu, aj keď sa úplne nezhodujú. V Luxemburskom paláci, ktorý Salomon de Bros postavil pre vdovu po Henrichovi IV., regenta Máriu Medici, je veľa prevzatých z gotiky a renesancie, ale fasáda je už členená rádovo, čo bude typické pre klasicizmus. Maisons-Lafitte od Françoisa Mansarta so všetkou zložitosťou objemov tvoria jeden celok, jasná konštrukcia, ktorá tiahne ku klasicistickým normám.
V maliarstve bola situácia zložitejšia, pretože sa tu prelínali vplyvy manierizmu, flámskeho a talianskeho baroka. Francúzske maliarstvo v prvej polovici storočia bolo ovplyvnené karavagizmom a realistickým umením Holandska. V každom prípade sú tieto vplyvy zreteľne vidieť na tvorbe bratov Le Nainovcov. V obrazoch Louisa Lenaina nie je naratívnosť, ilustratívnosť, kompozícia je prísne premyslená a statická, detaily sú starostlivo overené a vybrané, aby odhalili predovšetkým etický, morálny základ diela. Veľký význam v Lenainových obrazoch má krajinu.
IN V poslednej dobe V umeleckohistorickej literatúre je názov smeru, ku ktorému patrí Louis Le Nain, čoraz častejšie definovaný pojmom „maľba skutočného sveta“. K rovnakému smeru patrí aj tvorba umelca Georgesa de Latoura. Vo svojich prvých prácach na žánrové témy vystupuje Latour ako umelec blízky Caravaggiovi. Už v raných dielach Latoura sa prejavuje jedna z najdôležitejších vlastností: nevyčerpateľná rozmanitosť jeho obrazov, nádhera farieb, schopnosť vytvárať monumentálne významné obrazy v žánrovej maľbe.
Druhá polovica 30. - 40. rokov - doba Latourovej tvorivej zrelosti. V tomto období sa menej obracia k žánrovým námetom, maľuje prevažne náboženské obrazy. Umelecký jazyk Latour je predzvesťou klasicistického štýlu: prísnosť, konštruktívna jasnosť, jasnosť kompozície, plastická rovnováha zovšeobecnených foriem, dokonalá celistvosť siluety, statika. Príkladom je jedno z jeho neskorších diel "Svätý Sebastián a sväté manželky" s ideálne krásnym, spomienkovým antická socha postava Sebastiána v popredí, v tele ktorého - ako symbol mučeníctva - umelec zobrazuje iba jeden zaseknutý šíp.
Klasicizmus vznikol na vrchole sociálneho rozmachu francúzskeho národa a francúzskeho štátu. Základom teórie klasicizmu bol racionalizmus, vychádzajúci z filozofického systému Descarta, predmetom klasického umenia sa hlásalo len krásne a vznešené, antika slúžila ako etický a estetický ideál. Tvorca klasicistického smeru vo francúzskom maliarstve 15. storočia. bol Nicolas Poussin. Témy Poussinových plátien sú rôznorodé: mytológia, história, Nový a Starý zákon. Heroes of Poussin - ľudia silné postavy a majestátne činy, vysoký zmysel pre povinnosť voči spoločnosti a štátu. Verejný účel umenia bol pre Poussina veľmi dôležitý. Všetky tieto črty sú zahrnuté vo vznikajúcom programe klasicizmu. Umenie významného myslenia a jasného ducha rozvíja aj špecifický jazyk. Základom sa stáva miera a poriadok, kompozičná vyváženosť maľovanie klasicizmu. Hladký a jasný lineárny rytmus, sochársky plast dokonale vyjadruje závažnosť a majestátnosť myšlienok a postáv. Sfarbenie je postavené na súzvuku silných, hlbokých tónov. Toto je harmonický svet sám o sebe, ktorý nepresahuje obrazový priestor ako v baroku.
Kreativita Poussin spadá do prvej polovice storočia, poznačené vzostupom verejného a umeleckého života vo Francúzsku a aktívnym spoločenským bojom. Preto všeobecná pokroková orientácia jeho umenia, bohatosť jeho obsahu. Iná situácia sa vyvinula v posledných desaťročiach 17. storočia, v období najväčšieho zintenzívnenia absolutistického útlaku a potláčania progresívnych javov sociálneho myslenia, keď sa centralizácia rozšírila na umelcov združených v Kráľovskej akadémii a nútených slúžiť svojim umením. oslava monarchie. V týchto podmienkach ich umenie stratilo svoj hlboký sociálny obsah a do popredia sa dostali slabé, obmedzené črty klasickej metódy.
Flámske umenie 17. storočia.
Flámske umenie je predovšetkým Rubens a ešte raz Rubens. Hoci v tom istom čase boli vo Flámsku aj iní vynikajúci umelci, všetci sa považujú za „Rubenov kruh“, „Rubenovu školu“, ako planéty obiehajúce okolo Rubensovho slnka.
Sedemnáste storočie bolo časom vzniku národnej umeleckej školy maľby vo Flámsku. Podobne ako v Taliansku, aj tu sa baroko stalo oficiálnym dominantným trendom. Flámsky barok sa však od talianskeho v mnohom výrazne líši. Barokové formy sú tu naplnené pocitom bublajúceho života a pestrofarebného bohatstva sveta, pocitom živelnej sily rastu človeka a prírody. V rámci baroka sa vo väčšej miere ako v Taliansku rozvíjajú realistické črty.
Základ umeleckej kultúry Flámsko - realizmus, národnosť, jasná veselosť, slávnostná slávnosť - sa najviac prejavili v maľbe. Flámski maliari zachytili na svojich plátnach poetickú zmyselnú krásu sveta a obraz človeka plného zdravia, nevyčerpateľnej energie.
Úloha výzdoby rodinných zámkov, palácov aristokracie, katolíckych kostolov prispela k širokému použitiu v maľbe silného dekoratizmu založeného na farebných efektoch.
Vedúcim flámskej maliarskej školy bol Peter Paul Rubens (1577-1640). Komplexne nadaný, brilantne vzdelaný Rubens bol umelcom obrovského tvorivého rozsahu, búrlivého temperamentu. Rodený monumentálny maliar, talentovaný diplomat hovoriaci niekoľkými jazykmi, humanistický vedec, si ho veľmi vážili na kniežacích a kráľovských dvoroch v Mantove, Madride, Paríži a Londýne. Rubens, umelec so živou predstavivosťou, bol tvorcom kolosálnych patetických kompozícií. Dynamika foriem, sila plastickej imaginácie, triumf dekoratívneho princípu tvoria základ jeho tvorby. Umenie Rubensa je však v zásade realistické. Sviežosť vnímania života a túžba dať všetkému zobrazenému vierohodnosť pravdy sú podstatou jeho diel.
Flámske zátišie. V 17. storočí zátišie sa etabluje ako samostatný žáner. Odráža záujem o materiálny svet, ktorý vznikol v „maľovaní vecí“ v holandskom umení začiatku 15. storočia, kulte súkromného života. Flámske „obchody so živými tvormi“ ohromujú hlučnou veselosťou a slávnostnou dekoratívnosťou. Plátna, veľkých rozmerov, jasných farieb, zdobia steny priestranných palácov flámskej šľachty, oslavujú krásu pozemskej existencie, bohatstvo vidieckeho života, plody zeme, more, rieky.
Anthony (Anton, Anthony) van Dyck flámsky maliar a grafik, majster dvorných portrétov a náboženských výjavov v slohu barokový.
Van Dyck sa už čoskoro prejavil ako majster portrétovania a maľby pre náboženské a náboženské mytologické predmety. S 1618 Autor: 1620 pracoval v dielni Rubens. Vytvára diela s náboženskou tematikou, často v niekoľkých verziách: Korunovanie tŕňmi» « Judášov bozk» „Nesenie kríža“ „Sv. Martina a žobrákov“, „Umučenie sv. Sebastian"
Jacob Jordaens ( netherl. Jacob Jordaens) ( 19. mája 1593, Antverpy - 18. októbra 1678, Antverpy) - flámsky umelec. Od roku 1607 študoval s Adam van Noort. V roku 1616 sa oženil so svojou dcérou. Prežil celý svoj život v Južné Holandsko, len v roku 1641 krátko pôsobil v r Anglicko. Jeho obrazy možno nájsť v ktoromkoľvek kostole v Antverpách. Aj po jeho odvolaní na kalvinizmus v roku 1645 u neho katolícka cirkev naďalej objednávala diela. Jordanes sa zvažuje najmä po smrti Rubens, ktorý mal na neho veľký vplyv, jedného z významných predstaviteľov Flámov barokový.
Francúzske maliarstvo 19. storočia
20-te roky 19. storočie boli pre Francúzsko časom formovania romantického umenia. Mladí umelci vyhlásili svojim učiteľom skutočnú vojnu. Historici ich vystúpenie nazvali „romantickou bitkou“ a jej hrdinom sa stal maliar Eugene Ferdinand Victor Delacroix. Delacroix – francúzsky maliar A harmonogram, vodca romantický trendy v európskom maliarstve. Romantickí umelci, bez ohľadu na kánony, ktoré existovali v výtvarného umenia predchádzajúce epochy ochotne prešli k nevšedným zápletkám spojeným so šialenstvom, nadprirodzenými javmi, násilím či exotikou (teda nad rámec „normálu“). Vodcom tohto trendu bol francúzsky Delacroix. Eugene Delacroix sa narodil v meste Charenton-Saint-Maurice neďaleko Paríža. Budúci umelec predčasne osirel. V roku 1815 vstúpil do ateliéru Pierra Narcisse Guerina (1774-1833), ktorý nedávno študoval u Theodora Géricaulta, ako učeň. Delacroixovi súčasníci pozorne sledovali priebeh oslobodzovacej revolúcie v Grécku v rokoch 1821-1829. (od 15. storočia bolo Grécko pod nadvládou Turecka). Delacroix si vybral azda najtragickejšiu stránku gréckeho eposu. V septembri 1821 tureckí trestatelia zničili civilné obyvateľstvo Chiosu, gréckeho ostrova v Egejskom mori, pri pobreží Malej Ázie. Viac ako štyridsaťtisíc Grékov bolo zabitých a asi dvadsaťtisíc bolo zotročených. Umelcovou odpoveďou na tieto udalosti bol obraz „Masaker Chios“ (1824).V popredí sú postavy odsúdených Chios vo farebných handrách; pozadie tvoria tmavé siluety ozbrojených Turkov. Väčšine zajatcov je ich osud ľahostajný, len deti márne prosia rodičov, aby ich chránili.Delacroix pocítil záujem o modernosť a vytvoril v roku 1830 obraz „Sloboda vedie ľudí (28. júla 1830)“. Umelec dal nadčasový, epický zvuk jednoduchej epizóde pouličných bojov. V roku 1832 Delacroix sprevádzal diplomatickú misiu do Alžírska a Maroka. Hneď po návrate do Paríža sa umelec pustil do práce na obraze „Alžírske ženy v ich komnatách“ (1833). Od konca 20. rokov. 19. storočie maliar vytvoril množstvo bojových malieb venovaných stredovekým francúzskym dejinám. V bitke pri Nancy (1828 – 1834) sa jednotky – sivé zhromaždené masy s viacfarebnými tvárami a transparentmi – nemotorne presúvajú po zasneženej pláni pod zahmlenou žltou oblohou pri západe slnka. Eugene Delacroix - prvý najnezávislejší maliar vo Francúzsku polovice XIX V.
JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) K začiatkom XIX V. Všeobecne uznávaným vodcom medzi francúzskymi umelcami bol Jacques Louis David – najdôslednejší predstaviteľ neoklasicizmu v maliarstve a citlivý kronikár svojej pohnutej doby.David sa narodil v Paríži v bohatej meštianskej rodine. V roku 1766 vstúpil na Kráľovskú akadémiu maliarstva a sochárstva. Charakteristickou črtou francúzskej kultúry tých rokov bola všeobecná fascinácia starovekom. V roku 1781 bol David prijatý za člena Kráľovskej akadémie a získal právo zúčastňovať sa na jej výstavách - Louvre Salons. Už v roku 1776 bol vypracovaný vládny program, ktorý podporoval tvorbu veľkých obrazov „určených na oživenie cností a vlasteneckého cítenia“. Dávidovi bola ponúknutá zápletka z raných rímskych dejín - výkon troch bratov zo šľachtického rodu Horatii. Aby David mohol pracovať na obraze „Prísaha Horatii“ (1784), odišiel do Ríma. Keď bolo plátno hotové a umelec ho vystavil verejnosti, Celá kompozícia je založená na čísle tri: tri oblúky, tri skupiny postáv, tri meče, tri ruky, pripravené na zbrane. V rokoch 1795-1799. David spolu so svojimi študentmi pracoval na obraze „Sabines Stoping the Battle between Rimans and Sabines“. Podľa neho chcel „zobraziť staroveké mravy s takou presnosťou, že by ma Gréci a Rimania, ak by mali možnosť vidieť moju prácu, nepovažovali za cudzieho svojim zvykom“. V roku 1799 sa v dôsledku ďalšieho štátneho prevratu dostal k moci Napoleon Bonaparte. Dávid, ako mnohí bývalí revolucionári, s radosťou privítal túto udalosť.Na grandióznom obraze „Korunovácia Napoleona I. a cisárovnej Jozefíny v katedrále Notre Dame v Paríži 2. decembra 1804" (1807) David vytvoril ďalší mýtus - lesk oltára a nádhera šiat dvoranov neovplyvňujú diváka o nič horšie ako úbohý nábytok a staré plachty Marat.Po porážke Napoleona David, ktorý kedysi volil v Dohovor o odsúdení Ľudovíta XVI., bol nútený opustiť Francúzsko. Umelec odišiel do Bruselu (ktorý vtedy patril Holandskému kráľovstvu), kde žil až do svojej smrti. Pokračoval v práci: usilovne, ale už bez nadšenia, maľoval portréty exulantov, ako je on, a pracoval na starovekých témach.
