Ang Holland ng mga taong iyon ay nagsagawa ng malawak na kolonyal na kalakalan, mayroon itong isang malakas na armada, ang paggawa ng mga barko ay isa sa mga nangungunang industriya. Masipag na mga magsasaka, ang Dutch ay nakagawa ng isang dairy farm sa medyo maliliit na lupain, na naging tanyag sa European market. Kasabay nito, ang Holland ang pinakamahalagang sentro ng kulturang Europeo. Ang Protestantismo, na ganap na pumalit sa impluwensya ng Simbahang Katoliko, ay humantong sa katotohanan na ang klero ay walang impluwensya gaya ng sa Flanders. Ang mga Dutch artist ay may ibang customer: ang mga burghers, ang mahistrado, samakatuwid, ang mga kuwadro na gawa sa Holland sa oras na iyon ay walang parehong sukat tulad ng mga canvases ng Rubens o Jordans, at nilulutas nila ang mga pangunahing hindi monumental at pandekorasyon na mga gawain. Ang pangunahing tagumpay ng Dutch art noong ika-17 siglo ay sa easel painting. Ang tao at kalikasan ay mga bagay ng pagmamasid at paglalarawan ng mga Dutch artist. pagpipinta sa bahay ay naging isa sa mga nangungunang genre, ang mga tagalikha nito ay nakatanggap ng pangalang "Little Dutch", alinman sa hindi mapagpanggap ng mga plot, o dahil sa maliit na sukat ng mga kuwadro na gawa. Kaya ang malawak na hanay ng pagpipinta sa mga indibidwal na paksa: portrait, landscape, still life, animalistic genre.
Si Frans Hals ay isa sa mga pinakadakilang pintor ng portrait sa Holland. Nagtrabaho siya sa genre ng isang larawan ng grupo, na naglalarawan ng mga rifle guild - mga korporasyon ng mga opisyal para sa pagtatanggol at proteksyon ng mga lungsod. Ang mga indibidwal na portrait ay minsan tinatawag na genre portrait dahil sa espesyal na pagtitiyak ng larawan.
genre ng landscape lalo na kawili-wili. Ito ay hindi kalikasan sa lahat, ang ilan pangkalahatang larawan ng uniberso, ngunit ang pambansa, lalo na ang Dutch landscape, na kinikilala rin natin sa modernong Holland: windmills, disyerto dunes, mga kanal na may mga bangka na dumudulas sa kanila sa tag-araw at may mga skater sa taglamig. Ang kulay abong kalangitan ay sumasakop sa isang malaking lugar sa mga komposisyon. Ang kasagsagan ng landscape painting ay nagsimula noong kalagitnaan ng ika-17 siglo, ang pinakamalaking master ng realistic na landscape ay Jacob van Ruisdael (tingnan ang mga reproduksyon). Ang kanyang mga gawa ay karaniwang puno ng malalim na drama, kung siya ay naglalarawan ng kagubatan, mga tanawin na may talon o isang romantikong tanawin na may sementeryo. Ang kalikasan ni Ruisdael ay lumilitaw sa dinamika, sa walang hanggang pagpapanibago. Ang pinakasimpleng motif ng kalikasan sa ilalim ng brush Jan van Goyen At Salomon van Ruysdael maging monumental. Tanging seascapes lang ang ginawa Jan Porcellis. Sa malapit na koneksyon sa Dutch landscape ay ang animalistic genre. Paboritong Motif Albert Cuyp- mga baka sa watering hole. Si Paul Porter, bilang karagdagan sa mga pangkalahatang plano, ay gustong maglarawan ng isa o higit pang mga hayop nang malapitan sa backdrop ng isang landscape.
Makikinang na pag-unlad ay umabot buhay pa. Ang Dutch still life, hindi tulad ng Flemish, ay may katamtamang laki at intimate motifs. Peter Klas At Willem Kheda mas madalas na itinatanghal niya ang tinatawag na "almusal": mga pagkaing may ham o pie sa isang medyo katamtamang ihain na mesa. Sa isang mahusay na layout, ang mga bagay ay ipinapakita sa paraang nararamdaman ng isang tao, kumbaga, ang panloob na buhay ng mga bagay. Ang pangkulay ay pinigilan at pino. Sa pagbabago sa buhay ng lipunang Dutch, nagbabago rin ang kalikasan ng mga still life. Ang mga "almusal" ni Kheda ay pinalitan ng mga masaganang panghimagas Kalfa. Ang mga simpleng kagamitan ay pinapalitan ng mga mesang marmol, mga mantel na karpet, mga pilak na kopita, mga shell ng ina-ng-perlas, at mga basong kristal. Nakakamit ng Kalf ang kamangha-manghang virtuosity sa paghahatid ng texture ng mga peach, ubas, at kristal na ibabaw. Ang nag-iisang tono ng mga still lifes ng dating panahon ay pinalitan ng isang rich gradation ng mga pinaka-katangi-tanging makulay na lilim.
Sa bilog ng Franz Hals, kung saan si Adrian Brouwer, ang pintor ng Flemish, ay bumuo, ng isang natatanging interes sa mga paksa pagpipinta sa bahay
. Adrian van Ostade karaniwang inilalarawan ang anino na bahagi ng buhay ng mga magsasaka. Mula noong 1940s, ang mga satirical na tala ay lalong napalitan ng mga nakakatawa sa kanyang trabaho. Minsan ang mga maliliit na larawang ito ay may kulay na may isang mahusay na liriko na pakiramdam.
Ang panloob ay nagiging lalo na patula sa mga "maliit na Dutch". Ang tunay na mang-aawit ng temang ito ay si Pieter de Hooch. Ang kanyang mga silid na may kalahating bukas na bintana, na may mga sapatos na itinapon nang hindi sinasadya o isang walis na naiwan, bilang panuntunan, ay inilalarawan nang walang pigura ng tao, ngunit ang isang tao ay hindi nakikita dito, palaging may koneksyon sa pagitan ng interior at mga tao. Kapag naglalarawan siya ng mga tao, sadyang binibigyang-diin niya ang isang tiyak na nakapirming ritmo, inilalarawan ang buhay na parang nagyelo, hindi gumagalaw gaya ng mga bagay mismo.
Ang tugatog ng realismong Dutch, ang resulta ng mga nakalarawang tagumpay ng kulturang Dutch, ay ang gawa ni Rembrandt. Bilang isang tunay na Dutchman, hindi siya natatakot sa mga makatotohanang detalye, bilang isang mahusay na artist alam niya kung paano maiwasan ang naturalismo. Noong 30s, si Rembrandt sa unang pagkakataon ay nagsimulang seryosong makisali sa mga graphics, lalo na ang pag-ukit. Ang pamana ni Rembrandt ang graphic artist, na nag-iwan ng mga ukit at natatanging mga guhit, ay hindi gaanong mahalaga kaysa sa pamana ng larawan. Ang mga ukit ay halos biblikal at mga paksa ng ebanghelyo, ngunit sa pagguhit, bilang isang tunay na Dutch artist, madalas siyang bumaling sa pang-araw-araw na genre. Malaki ang impluwensya ni Rembrandt sa sining, marami siyang estudyante, ang ilan ay hindi lumampas sa panlabas na imitasyon ng guro, at binago siya ng karamihan, lumipat sa posisyon ng akademiko at imitasyon ng mga Fleming, at pagkatapos ay ang Pranses. Sa huling quarter ng ika-17 siglo, ang paghina ng Dutch school of painting ay nagsisimula, ang pagkawala ng pambansang pagkakakilanlan nito, at mula sa simula ng ika-18 siglo, ang pagtatapos ng dakilang panahon ng Dutch realism ay nagsisimula.
ika-17 siglo ipinakita ang dalawa sa mundo mga paaralan ng sining - Dutch at Flemish. Parehong mga tagapagmana ng mga artistikong tradisyon ng Netherlands - isang bansang European, sa teritoryo kung saan sa oras na iyon ay nabuo ang mga Katolikong Flanders, na pinangalanan sa pinakamahalagang lalawigan (ngayon ay teritoryo ng Belgium at France). Ang ibang mga lalawigan, na ipinagtanggol ang kanilang pagsunod sa mga ideya ng repormasyon, ay nagkaisa at nagsimulang tawaging Dutch Republic o simpleng Holland. Noong ika-17 siglo sa Holland, halos tatlong-kapat ng populasyon ay urban, ang pangunahing uri ay itinuturing na gitnang uri. Inabandona ng Reformed Church ang karilagan ng palamuti, walang mga nakoronahan na kostumer at aristokrasya ng tribo, na nangangahulugang ang mga kinatawan ng burgesya ay naging pangunahing mga mamimili ng sining. Ang espasyong inilaan para sa pagpipinta ay limitado sa mga bahay ng mga burgher at pampublikong gusali.
Ang laki ng mga kuwadro na gawa, bilang panuntunan, ay hindi malaki (kumpara sa mga kuwadro na gawa sa palasyo o mga komposisyon ng altar para sa mga simbahan), at ang mga plot ay may karakter sa silid, na naglalarawan ng mga eksena ng pribado, pang-araw-araw na buhay. Ang pangunahing tagumpay ng Dutch art noong ika-17 siglo. - sa easel painting. Ang tao at kalikasan ay mga bagay ng pagmamasid at paglalarawan ng mga Dutch artist. Ang kasipagan, kasipagan, pagmamahal sa kaayusan at kalinisan ay makikita sa mga painting na naglalarawan sa paraan ng pamumuhay ng mga Dutch. Iyon ang dahilan kung bakit tinawag ang mga Dutch masters noong ika-17 siglo (maliban kay Rembrandt at Hals) "maliit na Dutch" isang malawak na bilog ng mga Dutch na pintor noong ika-17 siglo. lumitaw na may kaugnayan sa likas na katangian ng silid ng kanilang trabaho, ang maliit na sukat ng kanilang mga kuwadro na gawa (landscape, interior, araw-araw na mga eksena). Ang pagpipinta ng Little Dutch ay nailalarawan sa pamamagitan ng subtlety ng pagsulat, ang pagpapahayag ng maliliit na detalye, ang kagandahan ng liwanag at kulay na mga nuances, ang pangkalahatang pakiramdam ng kaginhawahan, pagkakalapit at pagkakaisa ng mga character sa isang landscape o panloob na kapaligiran. Kabilang sa karamihan mga kilalang kinatawan- Jan Vermeer, ang magkapatid na Ostade (Adrian van O. at Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu).
Karamihan sa mga artist ay nakahanap ng mga tema para sa kanilang mga painting sa loob bansang pinagmulan, pagsunod sa payo ni Rembrandt: “Matuto muna sa lahat na sundin ang mayamang kalikasan at ipakita, higit sa lahat, kung ano ang makikita mo rito. Langit, lupa, dagat, hayop, mabuti at masasamang tao- lahat ay nagsisilbi para sa aming ehersisyo. Ang mga kapatagan, burol, batis at puno ay nagbibigay ng sapat na trabaho sa pintor. Ang mga lungsod, pamilihan, simbahan at libu-libong likas na kayamanan ay sumisigaw sa atin at nagsasabing: humayo ka, uhaw sa kaalaman, pagnilayan mo kami at paramihin mo kami. Ang pagiging produktibo ng mga artista ay umabot sa hindi kapani-paniwalang mga sukat, bilang isang resulta, ang kumpetisyon ay lumitaw sa mga pintor, na kung saan ay humantong sa pagdadalubhasa ng mga masters. At, marahil, dahil dito, nagkaroon ng magkakaibang pagkakaiba-iba ayon sa genre. Lumitaw ang mga artista na nagtrabaho lamang sa genre ng seascape o sa genre ng mga tanawin sa lunsod, o inilalarawan ang mga interior ng mga lugar (mga silid, mga templo). Sa kasaysayan ng pagpipinta ay may mga halimbawa ng mga still life at landscape, ngunit hindi pa naabot ng mga genre na ito ang napakaraming karakter at self-sufficiency gaya ng sa Holland noong ika-17 siglo.
Nais ng Dutch na makita ang buong magkakaibang mundo sa mga larawan. Kaya ang malawak na hanay ng pagpipinta ng siglong ito, "makitid na pagdadalubhasa" sa ilang uri ng mga paksa: portrait at landscape, still life at animalistic genre. Sa Holland walang mga koneksyon sa Italya at ang klasikal na sining ay hindi gumaganap ng ganoong papel tulad ng sa Flanders. Ang karunungan ng mga makatotohanang tendensya, ang pagbuo ng isang tiyak na hanay ng mga tema, at ang paghahati ng mga genre bilang isang proseso ay natapos noong 1720s.
Ang kasaysayan ng pagpipinta ng Dutch noong ika-17 siglo perpektong nagpapakita ng ebolusyon ng gawa ng isa sa pinakamalaking pintor ng portrait sa Holland Frans Hals(1580-1666) Ang kanyang mga aktibidad ay naganap halos lahat sa Harlem. Dito, na sa paligid ng 1616, siya ay na-promote bilang isang advanced na pangunahing pintor ng portrait at pinanatili ang kanyang papel sa lugar na ito hanggang sa katapusan ng kanyang buhay. Sa pagdating ng Hals, ang mahigpit na makatotohanan at matalas na indibidwal na Dutch portrait ay dumarating sa kapanahunan. Lahat ng mahiyain, maliit, naturalistiko, na nagpapakilala sa kanyang mga nauna, ay nadaig.
Ang paunang yugto ng sining ng Khals ay hindi pa naipaliwanag. Nakita namin kaagad ang master na nilulutas ang pinakamahirap na problema ng isang larawan ng grupo. Nagpinta siya ng sunud-sunod na mga larawan na naglalarawan sa mga bumaril ng korporasyon ng St. Adrian at St. George (Harlem, Frans Hals Museum), kung saan pareho ang kasiglahan ng isang masikip na pagpupulong at ang ningning ng mga uri ng bawat isa sa mga naroroon ay naihahatid sa walang katulad na kadalian. Ang husay sa larawan at pagiging maparaan sa komposisyon ng mga pagpapangkat ay sumasabay sa mga larawang ito na may pambihirang talas ng mga katangian. Si Hals ay hindi isang psychologist: buhay isip kadalasang dinadaanan siya ng kanyang mga modelo. Oo, at nagsusulat siya para sa karamihan ng mga tao na ang buong buhay ay nagaganap sa mga kondisyon ng matindi, masiglang aktibidad, ngunit hindi masyadong nagsasaliksik sa mga tanong ng isang sikolohikal na kalikasan. Ngunit si Hals, tulad ng walang iba, ay nakukuha ang hitsura ng mga taong ito, ay nakakakuha ng pinaka-madaling panahon, ngunit sa parehong oras ang pinaka-katangian sa ekspresyon ng mukha, sa pustura, sa mga kilos. Likas na masayahin, nagsusumikap siyang makuha ang bawat larawan sa isang sandali ng muling pagbabangon, kagalakan, at walang sinuman ang naghahatid ng pagtawa na may katangi-tangi at pagkakaiba-iba tulad ng ginagawa niya. Larawan ng isang opisyal (1624, London, Wallace collection), umiindayog sa isang upuan na "Geytgeizen" (late 1630s, Brussels, art gallery), "Gypsy" (late 1620s, Louvre), o ang tinatawag na "Harlem Witch" - "Malle Bobbe"(Berlin) ay maaaring mabanggit bilang mga katangian ng mga halimbawa ng kanyang matalas at madalas na masiglang sining. Ang mga kalalakihan, kababaihan, mga bata ay inilalarawan niya na may parehong kahulugan ng isang buhay na imahe (" Larawan ng isang binata na may guwantes", OK. 1650, Ermita). Ang impresyon ng kasiglahan ay pinadali din ng Hals technique mismo, na hindi karaniwang libre at lumalaki sa mga taon sa lawak nito. Ang pandekorasyon na kinang ng mga unang gawa ay kasunod na katamtaman, ang kulay ay nagiging kulay-pilak, ang kalayaan na gumamit ng itim at puti na mga tono ay nagsasalita ng isang kasanayan na kayang bayaran ang matapang na larawang pangahas.
Sa mga larawan ng huling panahon (50-60s), nawawala ang walang malasakit na lakas, enerhiya, at presyon. sa Ermita larawan ng lalaki para sa lahat ng kahanga-hangang pigura, bakas ang pagod at kalungkutan. Ang mga tampok na ito ay higit na pinahusay sa isang napakahusay na ipininta na larawan ng isang tao sa isang malawak na brimmed na sumbrero (museum sa Kassel). Ang Hals ay tumigil sa pagiging sikat sa mga taong ito, dahil hindi ito kailanman nambobola at lumalabas na kakaiba sa muling pagsilang na panlasa ng mayayamang customer na nawala ang kanilang demokratikong espiritu. Ngunit ito ay sa huling yugto ng pagkamalikhain na naabot ni Hals ang tugatog ng karunungan at lumilikha ng pinakamalalim na gawain. Sa ilang mga gawa, ang mga impresyonistikong pamamaraan ng mga solusyon sa kulay ay nakabalangkas. Si Hals ay nagpinta ng hindi mabilang na mga indibidwal na larawan hanggang sa mga huling taon ng kanyang buhay, ngunit muling bumalik sa mga larawan ng grupo. Nagpinta siya ng 2 larawan - ang mga regent at ang mga rehente ng isang nursing home, sa isa sa mga ito siya mismo ang nakahanap ng kanlungan sa pagtatapos ng kanyang buhay. Sa larawan ng mga rehente, walang pakikipagkaibigan sa mga naunang komposisyon, ang mga modelo ay hindi nagkakaisa, walang kapangyarihan, sila ay may maulap na tanawin, ang pagkawasak ay nakasulat sa kanilang mga mukha. Sa madilim na kulay (itim, kulay abo at puti), ang isang pinkish-red spot sa tuhod ng isa sa mga regent ay nagdudulot ng isang espesyal na pag-igting. Kaya't sa edad na 9, isang maysakit, malungkot at naghihirap na artista ang lumikha ng kanyang pinaka-dramatiko at pinaka-katangi-tanging mga gawa sa mga tuntunin ng pagkakayari.
Ang sining ng Hals ay may malaking kahalagahan para sa oras nito, nagkaroon ito ng epekto sa pag-unlad ng hindi lamang larawan, kundi pati na rin ang genre ng pang-araw-araw na buhay, tanawin, buhay pa rin.
genre ng landscape Holland ika-17 siglo lalo na kawili-wili. Ito ay hindi kalikasan sa pangkalahatan, isang tiyak na pangkalahatang larawan ng uniberso, ngunit ang pambansa, lalo na ang Dutch landscape, na kinikilala natin sa modernong Holland: ang sikat na windmills, disyerto dunes. Ang kulay abong kalangitan ay sumasakop sa isang malaking lugar sa mga komposisyon. Ito ay kung paano inilarawan ang Holland Jan Van Goyen (1596-1656) at Salomon Van Ruysdael (1600-1670).
Ang bukang-liwayway ng landscape painting sa Dutch school ay tumutukoy sa gitna. ika-17 siglo Ang pinakadakilang master ng makatotohanang tanawin ay Jacob van Ruysdael (1628-1682), isang artista ng hindi mauubos na imahinasyon. Karaniwang puno ng malalim na drama ang kanyang mga gawa, maging ito man ay kagubatan ("Forest Swamp"), mga landscape na may mga talon ("Waterfall") o isang romantikong tanawin na may sementeryo ("Jewish Cemetery"). Ang kalikasan sa Ruisdael ay lumilitaw sa dinamika, sa walang hanggang pagpapanibago. Kahit na ang pinakamahirap na motif ng kalikasan ay nakakakuha ng isang monumental na karakter sa ilalim ng brush ng artist. Ang Ruisdael ay may posibilidad na pagsamahin ang maingat na pagsusulat na may malaking integridad, kasama ang sintetikong katangian ng larawan.
Siya ay ipinanganak sa Haarlem noong 1628 o 1629. Ang kanyang pinakaunang nakaligtas na trabaho, na may petsang 1646, ay mukhang gawa ng isang mature master - at siya ay 18 taong gulang pa lamang. Buong kumpiyansa ay masasabi nating noong 1648 si Ruisdael ay naging miyembro ng guild ng mga artista ng Haarlem.
Sa kanyang kabataan, si Ruisdael ay naglakbay nang marami sa paghahanap ng kalikasan - nang hindi umaalis, gayunpaman, mula sa kanyang katutubong Haarlem nang higit sa isang daang milya. Noong kalagitnaan ng 1650s, lumipat ang artist mula sa Haarlem patungong Amsterdam, kung saan siya nanirahan hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw.
Ang Metropolitan Amsterdam noong panahon ng Ruisdael ay kapansin-pansing naiiba sa probinsyal na Haarlem (bagaman ang distansya sa pagitan ng mga lungsod na ito noon ay nalampasan sa loob ng dalawang oras). Ipininta ni Ruisdael ang kanyang mga pintura hindi sa pribadong mga order, ngunit para sa libreng pagbebenta. Bandang 1670, lumipat siya sa pinakasentro ng lungsod, sa Dam Square, kung saan umupa siya ng apartment sa itaas mismo ng tindahan ni Hieronymus Sveerts, isang dealer ng mga painting at libro. .
Meindert Hobbema(1638, Amsterdam, - Disyembre 7, 1709) - ang pinakamahalagang master ng Dutch landscape pagkatapos ng kanyang tagapagturo, si Jacob van Ruysdael.
Nabatid na magkasamang naglakbay sina Hobbema at Ruisdael at gumawa ng mga sketch mula sa kalikasan. Noong Nobyembre 1668, pinakasalan ni Hobbema ang burgomaster ng Amsterdam, at sa pamamagitan niya natanggap ang post ng inspektor ng kalidad ng mga na-import na alak. Sa mahabang panahon ay pinaniniwalaan na ito na ang katapusan ng kanyang mga aralin sa pagpipinta.
Maaaring kailanganin niyang maglaan ng mas kaunting oras sa pagpipinta kaysa dati, ngunit ang kanyang pinakamahusay na gawa, The Alley at Middelharnis, ay may petsang 1689, at isa pang London painting, The Ruins of Brederode Castle, ay 1671. Ang mga huling gawa na ito ay nabibilang sa pinakamatagumpay na mga nagawa ng Dutch landscape painting at, sa esensya, gumuhit ng linya sa pag-unlad nito.
Namatay ang artista sa kahirapan, ngunit noong ika-18 siglo na siya ay ginaya ng marami, at ang kanyang mga gawa ay naging paksa ng tunggalian sa mga kolektor. Hindi tulad ni Ruisdael, na mas gustong manghuli ng wildlife, naakit si Hobbem sa mga tahimik na tanawin sa kanayunan na may mga tanawin ng mga nayon na naliligo sa sikat ng araw, na binibigyan ng sari-sari ng nagtataasang mga grupo ng mga puno dito at doon. Sa mga rural na idyll na ito, ang lahat ay isinulat nang may labis na pangangalaga, at lalo na ang mga dahon.
Sa malapit na koneksyon sa Dutch landscape ay hayop na genre. Maraming mga kinatawan ng landscape painting ang interesado sa paglipat ng mga hayop. Ang huli ay madalas na nagiging katumbas ng purong mga elemento ng landscape, at kung minsan ang landscape ay nagsisilbing walang iba kundi isang background para sa kanila. Ang kakayahang makilala ang lahi ng isang hayop, ang istraktura, kulay, mga paggalaw ng katangian ay isa sa mga kapansin-pansin na katangian ng Dutch. Ang kahusayan ng paghahatid ng kapaligiran at liwanag, na sinamahan ng kasanayang ito, ay umabot sa pambihirang pagiging perpekto sa ilang mga pintor ng hayop. Ito ay pinatunayan ng maraming mga gawa Paulus Potter(1625-1654) at Albert Cuyp(1620-1691). Kapwa sila, kasama ang mga pintura na naglalarawan ng mga hayop na nanginginain o nagpapahinga sa bukas (Potter's Farm, Hermitage, 1649), ay sumulat din ng mga indibidwal na kopya ng mga ito nang malapitan. Si Potter, bilang karagdagan sa mga pangkalahatang kuha, ay gustong maglarawan ng isa o higit pang mga hayop nang malapitan sa backdrop ng isang landscape (“A Dog on a Chain”). Ang paboritong motif ng Cape ay mga baka sa watering hole ("Sunset on the River", "Cows on the Bank of the Stream"). Pagpinta ng "Landscape na may kawan, mangangabayo at magsasaka".
Ang mapayapang tanawin sa kanayunan ay naliligo sa ginintuang liwanag ng paglubog ng araw. Ang mainit na liwanag ay tumatagos sa bawat detalye ng komposisyon, na lumilikha ng isang kumikinang na epekto. Ito ay kapansin-pansing nakikilala ang kulay ng Cape mula sa malamig na asul at mga gulay ng kanyang mga kontemporaryo, tulad ng Meindert Hobbema. Ang tila randomness ng pag-aayos ng mga hayop ay sa katunayan ay maingat na isinasaalang-alang upang ipakita ang paglalaro ng liwanag at anino.
Bilang karagdagan, ang Cape ay kabilang sa isa sa mga unang lugar sa mga kinatawan ng isang purong tanawin. Ang kanyang mga pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang kasanayan sa paghahatid ng ginintuang, sikat ng araw, lubhang magkakaibang sa mga motibo at kasama ang maraming marinas (mga tanawin ng dagat).
Seascape lang(marina) ay engaged Jan Porcellis(1584-1632). Ang Marina ay gumanap ng isang napakahalagang papel sa sining ng Holland noong ika-17 siglo at nagdala ng ilang mga first-class na mga espesyalista. Ang pangkalahatang kurso ng pag-unlad ng marina ay tila katumbas ng kung ano ang karaniwang sinusunod sa kasaysayan ng Dutch landscape. Sa isang maagang yugto, ang mga komposisyon ay simple. Nakikita ng pintor ang kanyang layunin na nakamit kung ihahatid niya ang kalawakan ng dagat, ang mga barkong umuugoy dito, at ang mismong tubig na may pinakamalaking posibilidad. Kaya isinulat ni Jan Porcellis. Sa susunod na henerasyon, ang likas na katangian ng paghahatid ng mga marine species ay nagbabago tungo sa higit na dinamika. Tulad ng dati, gayunpaman, ang mga kuwadro na gawa ay nilikha na naglalarawan sa kalmado ng elemento ng tubig, ngunit hindi ito sapat ngayon; ang mga bagyo ay nagsimulang magtapon ng mga barko sa mga bato, ang mga higanteng alon ay nagbabanta sa kanila ng kamatayan at nagtutulak sa mga mandaragat na sumilong sa daungan. Sa parehong mga kaso, walang mga paghihirap para sa Backhuizen (1631-1709). Ang kanyang brush na may parehong virtuosity ay naghahatid ng cloudlessness ng kalangitan, mga bagyo, spray, mga bato at mga bakas ng mga wrecks.
Ang napakatalino na pag-unlad ay umabot sa isang tahimik na buhay. Ang buhay pa rin ng Dutch, sa kaibahan sa Flemish, ay katamtaman sa laki at motibo para sa mga pagpipinta ng isang matalik na kalikasan. Peter Klas (1597-1661), Willem Kheda(1594-1680) kadalasang inilalarawan ang tinatawag na. almusal: mga pagkaing may ham o pie sa isang medyo katamtamang inihain na mesa. Sa isang mahusay na layout, ang mga bagay ay ipinapakita sa isang paraan na ang isang tao ay nararamdaman, bilang ito ay, ang panloob na buhay ng mga bagay (ito ay hindi para sa wala na ang Dutch ay tinatawag na ang buhay na buhay na "pa rin leven" - "tahimik na buhay", at hindi. "nature morte" - "patay na kalikasan"). Ang pangkulay ay pinigilan at pino (Heda "Breakfast with Lobster", 1658; Class "Still Life with Candles", 1627)
Si Willem Heda ay nagtrabaho sa Haarlem at naimpluwensyahan ni Pieter Claesz. Ang mahinhin na buhay pa rin - "almusal" ng Ulo, na naglalarawan, bilang panuntunan, isang maliit na hanay ng mga kagamitan sa sambahayan at isang pagkain, ay nailalarawan sa pamamagitan ng mahusay na pagkakayari sa paghahatid ng texture ng mga bagay, isang maingat na pilak-berde o pilak-kayumanggi na kulay ( “Breakfast with Blackberry Pie”, 1631, Art Gallery , Dresden; "Ham and silverware", 1649, Museo ng Estado Fine Arts, Moscow).
Sa pagbabago sa buhay ng Dutch community sa 2nd floor. Noong ika-17 siglo, sa unti-unting pagtaas ng pagnanais ng bourgeoisie para sa aristokratisasyon at pagkawala ng dating demokrasya nito, nagbabago rin ang kalikasan ng mga still life. Ang mga "almusal" ni Kheda ay pinalitan ng masaganang "mga dessert" Willem Kalf (1619-1693). Ang mga simpleng kagamitan ay pinapalitan ng mga mesang marmol, mga mantel na karpet, mga pilak na kopita, mga shell ng ina-ng-perlas, at mga basong kristal. Nakakamit ng Kalf ang kamangha-manghang virtuosity sa paghahatid ng texture ng mga peach, ubas, at kristal na ibabaw. Ang nag-iisang tono ng mga still lifes ng dating panahon ay pinalitan ng isang rich gradation ng mga pinaka-katangi-tanging makulay na lilim.
Pintor ng Dutch. Noong 1640-1645 nagtrabaho siya sa France, mula 1653 - sa Amsterdam. Sa hinaharap, si Willem Kalf ay nanirahan at nagtrabaho pangunahin sa Amsterdam. Ang malalim at mayaman na mga kulay ng kanyang mga kuwadro na gawa, ang pintor na ito ng mga still life ay maaaring dahil sa impluwensya ng gawa ng kanyang kontemporaryong Jan Vermeer. Isa sa mga pinakadakilang master paaralang Dutch habang buhay pa, ipininta ni Kalf ang parehong katamtamang mga pagpipinta batay sa mahihirap na kusina at mga bakuran ("Courtyard of a peasant house", State Hermitage Museum, St. Petersburg), at mga nakamamanghang komposisyon na may mahahalagang kagamitan at kakaibang mga prutas sa timog ("Breakfast", State Museum, Amsterdam ; "Still Life", State Hermitage Museum, St. Petersburg). Ang kagalingan ni Kalf bilang isang still life na pintor ay ipinakita sa klasikal na pagpipino ng mga spatial na konstruksyon, isang banayad na kahulugan ng pagka-orihinal at intrinsic na halaga ng bawat bagay, ang pagiging sopistikado at kayamanan ng liwanag at lilim at kulay na mga relasyon, at ang kamangha-manghang contrasting paghahambing ng iba't ibang mga texture. at mga materyales.
"Buhay pa rin na may lobster, sungay ng alak at baso." Ang koleksyon ng mga kakaiba at mararangyang bagay na inilatag sa mesa ay pininturahan ng napakatalino na pagkakayari at isang malalim na pakiramdam ng kulay. Isang lobster, isang sungay ng alak na may kumikinang na filigree na pilak na frame, mga transparent na baso, isang lemon at isang Turkish carpet ay ginawa nang may kamangha-manghang pangangalaga na mayroong isang ilusyon na sila ay totoo at maaari mong hawakan ang mga ito gamit ang iyong kamay. Ang lugar para sa paglalagay ng bawat item ay pinili nang may pag-iingat na ang grupo sa kabuuan ay bumubuo ng isang pagkakatugma ng kulay, hugis at texture. Ang mainit na liwanag na bumabalot sa mga bagay ay nagbibigay sa kanila ng dignidad ng mamahaling alahas, at ang kanilang pambihira, karilagan at kakaiba ay sumasalamin sa pinong panlasa ng mga Dutch collector noong ika-17 siglo - isang panahon kung saan ang mga buhay pa rin ay pambihirang tanyag.
Dutch buhay pa rin- isa sa mga masining na pagsasakatuparan ng mahalagang paksa Dutch art - mga tema privacy ordinaryong tao. Ang temang ito ay ganap na nakapaloob sa pagpipinta ng genre. Noong 20-30s. ika-17 siglo ang Dutch ay lumikha ng isang espesyal na uri ng maliit na maliit na larawang pagpipinta. 40-60s - ang pamumulaklak ng pagpipinta, niluluwalhati ang kalmadong buhay ng burgher ng Holland, sinusukat ang pang-araw-araw na pag-iral. Kahit na sa bilog ng Hals, kung saan nabuo din si Adrian Brouwer, ang pintor ng Flemish, nabuo ang isang natatanging interes sa mga tema mula sa buhay magsasaka. Adrian van Ostade(1610-1685) - ay ang pinakamalaki sa mga tuntunin ng mga nakalarawang merito nito sa paglalarawan ng buhay magsasaka. Karaniwang inilalarawan niya ang kanyang mga malabong panig ("Labanan") Tulad ng iba pang mga kinatawan nito, karaniwan niyang nilalapitan ang kanyang mga paksa nang buo sa diwa ng ideolohiya ng naghaharing uri at maaaring i-idealize ang katotohanan o nakikita lamang ang mga nakakatawang nilalang sa mga magsasaka, na ang mga kaugalian ay nagbubunga ng tawanan at biro. (“Sa isang baryo tavern” 1660).
Ang kanyang sining ay nakakakuha ng mga tampok ng liriko sa ibang pagkakataon, at ang mga dating plot ay pinalitan ng mga larawan ng mapayapang pahinga sa threshold ng isang kubo o sa looban ng isang baryo tavern, pati na rin ang mga interior na may mga tanawin ng tahimik na kaginhawahan ng pamilya ("Bansa. Konsiyerto", 1655, Hermitage). Bilang karagdagan sa mga maliliit na larawang pagpipinta, madalas na nagpinta si Ostade sa higit pa malapitan mahigpit na makatotohanang kalahating pigura ng mga kinatawan ng iba't ibang mga crafts. Sa kanan, ang pagpipinta ni Ostade na "The Painter in the Studio" (1663) ay itinuturing na isang obra maestra ng pagpipinta, kung saan niluluwalhati ng artista ang paggawa ng tao nang hindi gumagamit ng alinman sa isang deklarasyon o kalungkutan.
Pero Pangunahing tema Ang "Small Dutch" ay hindi pa rin isang magsasaka, ngunit isang buhay na burgher. Kadalasan ang mga ito ay mga imahe na walang anumang kamangha-manghang balangkas. Sa mga painting ng ganitong genre, parang walang nangyayari. Isang babae ang nagbabasa ng isang sulat, isang ginoo at isang babae ang tumutugtog ng musika. O kakakilala pa lang nila at m / sila ay may unang pakiramdam, ngunit ito ay binalangkas lamang, ang manonood ay binibigyan ng karapatang mag-isip ng kanyang sarili. Ang pinakanakakaaliw na mananalaysay sa mga larawan ng ganitong uri ay Jan Stan(1626-1679). Para kay Stan, hindi tulad ng karamihan sa kanyang mga kontemporaryo, ang panig ng kuwento ay hindi walang malasakit. Itinalaga niya sa kanyang mga pagpipinta ang simula ng pagsasalaysay malaki ang bahagi at gustong maglarawan ng ilang nakakaaliw na eksena mula sa pang-araw-araw na buhay ng petiburgesya. Sa kanila, ang master ay nagpapakita ng matalas na kapangyarihan ng pagmamasid, aptly characterizes ang mga uri at nagsasabi sa mga episode na pinili niya na may banayad na masayang katatawanan. Ang pagpipinta na "Ang Babaeng May Sakit at ang Doktor" (c. 1660, ang Ermita) ay nagpapahiwatig sa kanya. Sa huli na panahon ng aktibidad ni Sten, ang mga tampok na ito ay nawawala ang kanilang talas, at, kasunod ng pangkalahatang kalakaran, sinimulan niya ang landas ng sining, mas elegante at nakatuon sa mga problema ng isang puro visual na pang-unawa sa totoong mundo.
Nakamit ang mahusay na kasanayan Gerard Terborch(1617-1681). Nagsimula siya sa pinaka-demokratikong mga paksa ("Grinders"). Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng sukdulang kasanayan sa paglalarawan ng mga sutla at satin, ang transparency ng mga glass goblets, ang ibabaw ng anumang bagay. Ang mga figure ni Terborch ay madalas na nailalarawan sa pamamagitan ng isang kilalang aristokratikong hitsura, na ipinaliwanag sa pamamagitan ng kanyang pagpili ng mga modelo mula sa kapaligiran ng maharlika. Ang pagpipino ng sining ni Terborch ay higit sa lahat dahil sa kulay nito, na pinangungunahan ng mga katangi-tanging kulay pilak. Kabilang sa mga pinakamahusay na pagpipinta ng artist ay ang "Isang baso ng limonada" (Hermitage) at "Concert" (Berlin, Dahlem).
Ang panloob ay nagiging lalo na patula sa mga maliliit na Dutch. Ang buhay ng mga Dutch ay nagpatuloy pangunahin sa bahay. Ang tunay na mang-aawit ng temang ito ay Peter de Hooch(1629-1689). Ang ilusyon na likas na katangian ng paglipat ng mga bagay ay umuurong sa background para sa master na ito, at ang interes ay nakatuon sa pagbuo ng mga spatial na relasyon, lalo na sa paglalarawan ng mga interior, pati na rin ang mga patyo at mga lansangan na bumubukas sa likod nila ("The Mistress with isang Lingkod", ang Ermita, c. 1660). ang kanyang mga silid na may kalahating bukas na bintana na may mga sapatos na itinapon nang hindi sinasadya o isang walis na naiwan, bilang panuntunan, ay inilalarawan nang walang pigura ng tao, ngunit ang mga tao ay hindi nakikita dito, palaging may koneksyon sa pagitan ng interior at mga tao. Kapag inilalarawan niya ang mga tao, sadyang binibigyang-diin niya ang nakapirming ritmo, inilalarawan ang buhay na parang nagyelo, hindi gumagalaw gaya ng mga bagay mismo ("Bauran").
Ang mabagal na ritmo ng buhay, ang katumpakan ng pang-araw-araw na gawain, ang isang tiyak na monotony ng pag-iral ay perpektong naghahatid Gabriel Metsu(1629-1667; "Almusal"). Sa pangkalahatang katangian ng kanyang mga imahe sa genre, malapit siya sa Terborch, ngunit mas maliwanag sa mga kulay.
Ang isang bagong yugto ng pagpipinta ng genre ay nagsisimula sa 50s at nauugnay sa tinatawag na. Delft paaralan, na may pangalan ng mga artista tulad ng Karel Fabricius, Emmanuel de Witte at Jan Vermeer(1632-1675), na kilala sa kasaysayan ng sining bilang Vermeer ng Delft (palayaw sa lugar ng kanyang aktibidad). Ang sining ng Vermeer ng Delft ay nabibilang sa huling panahon ng pag-unlad ng Holland. Ang henerasyon ng mga bayani ngunit bastos na mandirigma para sa kalayaan at matino na mga negosyante - mga organisador ng kapitalistang ekonomiya - ay nabibilang sa nakaraan. Ang kanilang mga apo ay pumasok sa makasaysayang arena, na ligtas na magagamit ang mga nakuhang benepisyo. Sa ilalim ng mga kundisyong ito, ang isang buhay na buhay, masayang sining ng huling yugto ng kasagsagan ng Dutch Republic ay nahuhubog.
Sa partikular na panahon na ito nabibilang ang mature, matalim at sa parehong oras malinaw at simple, sa kabila ng lahat ng pagiging sopistikado ng teknolohiya, ang sining ng Vermeer ng Delft. Mayroong ilang mga tunay na gawa ni Vermeer, iilan lamang sa mga museo ang may maliliit at palaging mahalagang mga pintura ng Delft master. Ang paksa ni Vermeer ay higit pa o hindi gaanong tradisyonal; mga kabataang babae na nagbabasa ng isang liham, nagbuburda, kasama ng isang ginoo, isang pintor sa harap ng isang easel, isang batang babae na nangangarap lamang sa bintana ("Girl with a Letter", Dresden; "The Cavalier and the Lady at the Spinet" , atbp.) - sa isang salita, lahat ng bagay na nailarawan nang higit sa isang beses ng mga pintor ng Dutch. Sa mga tuntunin ng paksa, sa makitid na kahulugan ng salita, si Vermeer ay walang orihinal. Sa mga bihirang kaso lamang siya bumaling sa nakakaaliw na mga plot at ipinakilala ang isang elemento ng aksyon sa komposisyon ("Sa Matchmaker", 1656, Dresden). Gayunpaman, ang lahat ng kanyang mga imahe ay may ganap na indibidwal na karakter. Mayroong ilang uri ng magaan at magaan na tula sa lahat ng mga karakter na kanyang inilalarawan, at kasama ng tula at lambot na ito, isang espesyal na pakiramdam ng matinding pagiging simple, isang bagay na tunay na klasiko, ay nakatatak sa lahat ng kanyang mga gawa.
Si Vermeer ay walang alinlangan na isa sa mga pinakadakilang colorist sa kasaysayan ng sining ng Kanlurang Europa. Hindi lamang ang kanyang maselan na panlasa sa pagpili ng mga kulay, kundi pati na rin ang kakayahang mahanap ang kanilang relasyon sa isa't isa ay gumawa ng Vermeer na isa sa mga pinaka-pinong master ng kulay. Sa sukdulang pakiramdam ng proporsyon at taktika, pinagsasama niya ang lemon-dilaw, asul, lila ng iba't ibang mga shade, iskarlata at maputlang berdeng mga kulay sa isang soundorous na hanay ng tonal. Ito ay sa gawain ng Vermeer ng Delft na ang tradisyunal na Dutch art na problema ng liwanag ay nakatanggap ng pinakaperpektong solusyon nito. Ang iridescent mother-of-pearl light ay isa sa mga pinaka-katangian na katangian ng mga painting ng Delft master. Walang alinlangan, gayundin, na si Vermeer ng Delft ay isa sa pinakamagaling na technician sa kanyang panahon. Ang kanyang ilang mga painting ay nakasulat sa isang mayaman at iba't ibang texture. Ang kanyang paraan ng paglalagay ng pintura, na paunang natukoy ang susunod na pamamaraan ng mga Impresyonista, ay naging posible para kay Vermeer mismo na ilarawan ang liwanag na bumabalot na mga bagay sa lahat ng larawang konkreto nito. Ang liwanag sa mga painting ni Vermeer ay hindi lamang isang transparent na daluyan, ngunit hangin, na mayaman sa banayad na paglipat ng kulay-pilak na mga tono.
Ginawa ni Wermeer ang hindi ginawa ng iba noong ika-17 siglo: nagpinta siya ng mga tanawin mula sa kalikasan ("Kalye", "Tingnan sa Delft"). Maaari silang tawaging mga unang halimbawa ng plein air painting. Mature, classical sa pagiging simple nito, ang sining ng Vermeer ay napakahalaga para sa mga hinaharap na panahon.
Ang tugatog ng Dutch realism, ang resulta ng mga nakalarawang tagumpay ng kulturang Dutch noong ika-17 siglo. ay gawa ni Rembrandt. Ngunit ang halaga ng R., tulad ng anumang magaling na artista, higit pa sa Dutch art at Dutch school. Sumasakop sa isang sentral na lugar sa Dutch school sa panahon ng pinakamataas na kasaganaan nito, namumukod-tangi pa rin si Rembrandt sa maraming artista ng kanyang tinubuang-bayan. Nanatili silang dayuhan sa lawak ng hanay ng mga artistikong interes ni Rembrandt at ang malalim na sikolohiya ng kanyang trabaho.
Harmensz van Rijn Rembrandt ay ipinanganak noong 1606 sa Leiden at anak ng isang mayamang may-ari ng flour mill. Maaga niyang natuklasan ang isang atraksyon sa pagpipinta at pagkatapos ng maikling pamamalagi sa Unibersidad ng Leiden, buong-buo niyang inilaan ang kanyang sarili sa sining. Sa pagtatapos ng karaniwang tatlong taong panahon ng pag-aaral kasama ang hindi gaanong mahalagang lokal na artista na si Jacob Swannenburg, nagpunta si Rembrandt sa Amsterdam para sa pagpapabuti, kung saan siya ay naging isang mag-aaral ng Lastman. Lastman, bihasang manggagawa, na nag-aral sa Italya, ang nagpakilala kay Rembrandt sa epekto ng chiaroscuro, na ginagamit upang ihatid ang dami at ihayag ang drama ng aksyon. Ang pamamaraan na ito ay magiging pangunahing bagay sa gawain ng artist. Nang sumunod na mga taon, nagtrabaho si Rembrandt sa Leiden, na nakakuha ng reputasyon bilang master ng mga eksena sa biblikal at mitolohiko. Samakatuwid, ang mga taong 1625-1632 ay karaniwang tinatawag. Leiden panahon ng kanyang trabaho.
Noong 1632 lumipat siya sa Amsterdam, kung saan agad siyang nakakuha ng katanyagan sa pamamagitan ng pagsulat ng "The Anatomy Lesson of Dr. Tulp". Ang 30s ay ang oras ng pinakamataas na kaluwalhatian, ang landas sa kt ay binuksan para sa pintor ng larawang ito, na itinuturing na isang larawan ng grupo at may isa pang pangalan na "Anatomy Lesson". Sa canvas na ito, ang mga tao ay nagkakaisa sa pamamagitan ng pagkilos, lahat ay ipinakita sa natural na mga poses, ang kanilang pansin ay iginuhit sa pangunahing karakter - si Dr. Tulp, na nagpapakita ng istraktura ng mga kalamnan sa isang bangkay. Siya ay nakatira sa art dealer na si Hendrick van Uylenborch, na tumangkilik sa kanya, ay nag-aayos ng mga order para sa mga portrait, na lumilikha ng isang reputasyon para sa batang artist bilang isang naka-istilong matagumpay na master. Noong 1634, matagumpay na napangasawa ni Rembrandt ang pamangkin ni Hendrik na si Saskia, at noong 1639, kasama ang kanyang asawa, nakakuha siya ng isang napakagandang bahay sa kabisera. Hanggang sa unang bahagi ng 1640s. tinatamasa niya ang mahusay na tagumpay sa mga customer, ito ang oras ng kanyang personal na kagalingan. Sa sikat na obra maestra ng panahong ito - "Self-portrait kasama si Saskia sa kanyang mga tuhod" (circa 1635, Art Gallery, Dresden), inilarawan ni Rembrandt ang kanyang sarili kasama ang kanyang batang asawa sa festive table. Ang banayad na pag-apaw ng mga ginintuang tono, ang mga daloy ng liwanag na tumatagos sa larawan ay naghahatid ng masayang kalagayan ng isang bata at matagumpay na artista at ng kanyang asawa, na puno ng pag-asa at pangarap.
Ang buong panahong ito ay natatakpan ng pag-iibigan. Ang pintor, tulad nito, ay partikular na naghahangad sa kanyang trabaho na lumayo mula sa mapurol na burgher araw-araw na buhay. Pininturahan niya ang kanyang sarili at si Saskia sa mga mararangyang damit, sa kamangha-manghang mga outfits at headdress, na lumilikha ng mga kamangha-manghang komposisyon, sa lahat, sa mga poses, sa mga paggalaw, ang karaniwang bagay ay nananaig - ang kagalakan ng pagiging. (Saskia bilang Flora). Ang wikang Baroque ang pinakamalapit sa pagpapahayag ng mataas na espiritu na ito. Ang Rembrandt sa panahong ito ay higit na naiimpluwensyahan ng Italian Baroque.
Sa mga kumplikadong anggulo, ang mga karakter ng pagpipinta na "The Sacrifice of Abraham" (1635) ay lilitaw sa harap natin. Ang larawan ay bakas ang kalagayan ng pag-iisip ni Abraham, na, sa biglaang pagpapakita ng isang anghel, ay hindi nagkaroon ng panahon upang madama ang alinman sa kagalakan ng pagpapalaya mula sa isang kakila-kilabot na sakripisyo, o pasasalamat, ngunit hanggang ngayon ay nakakaramdam lamang ng pagkapagod at pagkalito.
Palaging binibigyang pansin ni Rembrandt ang pag-ukit (pag-ukit) at pagguhit, at sa lalong madaling panahon ay naging pinakamalaking master ng graphic technique sa Europa. Ang mga larawan at tanawin na isinagawa niya sa pamamaraan ng pag-ukit, araw-araw at relihiyosong mga eksena ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging bago ng mga artistikong pamamaraan, malalim na sikolohiya ng mga imahe, kayamanan ng chiaroscuro, pagpapahayag at laconism ng mga linya. Mga dalawang libong drawing ni Rembrandt ang nakarating sa amin. Kabilang sa mga ito ang mga sketch ng paghahanda, mga guhit ng sketch para sa mga pagpipinta, mga sketch ng mga eksena ng pang-araw-araw na buhay at mga ideya na ipinanganak sa kanyang imahinasyon.
Sa pagliko ng maagang panahon ng pagkamalikhain, lumilitaw ang isa sa kanyang pinakasikat na mga painting na "Night Watch" - isang larawan ng grupo ng rifle guild. Ngunit ang porter ng grupo ay ang pormal na pangalan ng produkto, na nagmumula sa pagnanais ng mga customer. Sa The Night Watch, gumagamit si Rembrandt ng bagong diskarte sa genre ng group portrait, tradisyonal para sa Dutch art. Ang pagpipinta (1642, Rijks Museum, Amsterdam) ay isang larawan ng grupo ng mga miyembro ng shooting guild ng Captain Banning Cock at nalutas ng artist bilang isang tunay na eksena sa kalye. Inabandona ni Rembrandt ang static na pag-aayos ng lahat ng kalahok na tinanggap sa oras na iyon, na lumikha ng isang eksenang puno ng paggalaw. Ang mga kaibahan ng liwanag at anino, ang emosyonalidad ng pagpipinta ay naghahatid ng kaguluhan sa kaganapan. Ang larawan ay tumatagal sa isang makasaysayang karakter, na nagsasabi tungkol sa mga taong matapang na handang ipagtanggol ang kalayaan at pambansang kalayaan ng kanilang tinubuang-bayan na may mga sandata sa kanilang mga kamay. Hindi naunawaan ng mga customer ang intensyon ng artist, at, simula sa larawang ito, ang salungatan sa nangingibabaw na kapaligiran ay lalakas, ngunit hindi nito babawasan ang enerhiya ng master, at si Rembrandt ay patuloy na lumikha ng mga makatotohanang canvases, na kapansin-pansin para sa kanilang emosyonal na epekto. . Ang kamangha-manghang, walang alinlangan na medyo theatrical, libreng komposisyon, tulad ng nabanggit na, ay hindi naglalayong kumatawan sa bawat isa sa mga customer. Maraming mga mukha ang hindi gaanong "nabasa" sa matalim na chiaroscuro, sa kaibahan ng makapal na mga anino at maliwanag na sikat ng araw, isang detatsment ang lumalabas sa CT (noong ika-19 na siglo ang larawan ay nagdilim nang labis na ito ay itinuturing na isang imahe ng isang eksena sa gabi, kaya't ang maling pangalan.kapitan sa matingkad na damit ng tinyente, ay nagpapatunay na hindi gabi, kundi araw). Ang hitsura ng mga estranghero sa eksenang ito, lalo na ang isang maliit na batang babae sa isang gintong dilaw na damit, ay tila hindi maintindihan at walang katotohanan sa manonood. Lahat dito ay nagdulot ng pagkalito at pagkairita ng publiko, at masasabi nating sa larawang ito nagsisimula ang hidwaan sa pagitan ng artista at lipunan. Sa pagkamatay ni Saskia sa parehong taon, nangyari ang natural na pahinga ni Rembrandt sa mga burgher circle na dayuhan sa kanya.
Ang makatotohanang kasanayan ni Rembrandt ay lumalim sa paglipas ng mga taon. Iniiwasan niya ang labis na mga detalye at pandekorasyon na epekto sa pabor ng mas malalim at emosyonal na intensidad. masining na imahe. Ang isang napakalaking lugar sa gawa ng artista ay nagsisimulang kumuha ng larawan ng silid. Inihayag ni Rembrandt ang espirituwal na buhay ng isang tao, na parang tumatagal sa oras at espasyo. Ito ay isang uri ng portrait-biography. Halimbawa, ang mga ito ay "Larawan ng isang matandang babae", "Hendrikje sa bintana", "Pagbasa ng Titus", mga larawan ng mga kaibigan ng artista na si N. Breining, J. Six, maraming mga larawan sa sarili (higit sa isang daan sa langis at uling).
40-50s - Ito ang panahon ng pagiging malikhain. Ito ang panahon ng pagdaragdag ng kanyang malikhaing sistema, kung saan marami ang magiging isang bagay ng nakaraan at ang mga bago, napakahalagang katangian ay makukuha. Sa panahong ito, madalas siyang bumaling sa mga lumang obra upang gawing muli ang mga ito sa bagong paraan. Ganito ang kaso ni Danae, na ipininta niya noong 1636. Bumaling sa pagpipinta noong 40s, pinalakas ng artist emosyonal na kalagayan. Isinulat niyang muli ang gitnang bahagi kasama ang pangunahing tauhang babae at ang dalaga. Ibinigay kay Danae ang isang bagong kilos ng nakataas na kamay, sinabi niya sa kanya ang labis na pananabik, isang pagpapahayag ng kagalakan, pag-asa, isang apela. Ang liwanag ay gumaganap ng isang malaking papel: ang maliwanag na pagkilos ng bagay, tulad nito, ay bumabalot sa pigura ni Danae, lahat siya ay kumikinang sa pag-ibig at kaligayahan, ang liwanag na ito ay nakikita bilang isang pagpapahayag ng damdamin ng tao.
Sa unang bahagi ng 50s, ang artist ay lumilikha ng isang obra maestra pagkatapos ng isa pa. Nawala na siya sa uso, ngunit hindi naisalin ang mga mayayamang customer.
Sa mga taong ito, pinipili niya para sa interpretasyon ang pinaka liriko, patula na aspeto ng pag-iral ng tao, ang tao, na walang hanggan at lahat-ng-tao: pagmamahal ng ina, habag. Ang pinakadakilang materyal ay nagbibigay sa kanya banal na Bibliya, at mula rito - mga eksena ng buhay ng banal na pamilya. Relihiyoso sa paksa nito, ngunit puro genre sa interpretasyon nito sa balangkas, ang pagpipinta ng Hermitage na The Holy Family (1645) ay lubhang katangian ng panahong iyon.
Kasama ng mga komposisyon ng genre ng Bibliya, ang panahong ito ay puno ng bagong uri ng paglalarawan ng realidad para sa Rembrandt - mga landscape. Nagbabayad sa ilang mga kaso ng pagkilala sa kanyang mga romantikong hilig, lumilikha siya, kasama nito, mga larawan ng isang walang palamuti na nayon ng Dutch na nakakabighani sa isang mahigpit na realismo ng diskarte. Ang maliit na "Winter View" (1646, Kassel), na naglalarawan ng isang patyo ng magsasaka sa liwanag ng isang malinaw na nagyelo na araw at ilang mga pigura sa makinis na ibabaw ng isang nagyeyelong kanal, ay isa sa mga pinaka perpektong halimbawa ng makatotohanang tanawin ng Dutch sa mga tuntunin. ng subtlety ng pakiramdam at pagiging totoo ng visual na perception.
Sa kabila ng kalawakan at masining na halaga ng nilikha sa panahong ito, naging lubhang mahirap ang sitwasyong pinansyal ni Rembrandt noong kalagitnaan ng 1650s. Dahil sa pagbagsak ng bilang ng mga order, ang mahirap na pagbebenta ng mga kuwadro na gawa, at lalo na ang kapabayaan ng master sa pagsasagawa ng kanyang mga gawain, si Rembrandt ay nakaranas ng malaking paghihirap sa pananalapi. Ang utang na nauugnay sa pagkuha ng isang mamahaling bahay sa panahon ng buhay ni Saskia ay nanganganib na ganap na masira. Ang pagsisikap na makaahon sa utang ay maaari lamang maantala ang sakuna, ngunit ito ay sumiklab pa rin. Noong tag-araw ng 1656, idineklara si Rembrandt na bangkarota at lahat ng kanyang ari-arian ay naibenta sa auction. Dahil sa pagkakaitan ng kanyang karaniwang tahanan, napilitan siyang lumipat kasama ang kanyang pamilya sa mahirap na Jewish quarter ng komersyal na kabisera, at dito lumipas ang kanyang mga huling araw sa matinding kakapusan.
Ang mga paghihirap na ito, tulad ng mga kasawiang sinapit ni Rembrandt kalaunan - ang pagkamatay ni Hendrick, ang pagkamatay ng kanyang nag-iisang anak na si Titus - ay walang kapangyarihang pigilan ang karagdagang paglaki ng kanyang henyo.
Ang pagtatapos ng 1650s at 1660s ay ang pinaka-trahedya na mga taon ng buhay ni R., ngunit puno ang mga ito ng malikhaing aktibidad ni Rembrandt ng engrandeng kapangyarihan. Kumakatawan ito, kumbaga, isang synthesis ng lahat ng kanyang nakaraang sikolohikal at pictorial na paghahanap. Sa mga larawang ito, ang lahat ay nalilinis ng lumilipas, hindi sinasadya. Ang mga detalye ay pinananatiling pinakamaliit, ang mga kilos, postura, pagkiling ng ulo ay maingat na pinag-isipan at naiintindihan. Ang mga figure ay pinalaki, malapit sa harap na eroplano ng canvas. Kahit na ang maliit na laki ng mga gawa ng mga taong ito ay lumikha ng isang impresyon ng hindi pangkaraniwang kadakilaan at tunay na monumentalidad. Pangunahing nagpapahayag na paraan ay liwanag at mga linya. Mas tumpak na sabihin tungkol sa yumaong R. na ang kanyang kulay ay "maliwanag", dahil sa kanyang mga canvases ay iisa ang liwanag at kulay, ang kanyang mga kulay ay tila nagliliwanag. Ang kumplikadong pakikipag-ugnayan ng kulay at liwanag ay hindi isang katapusan sa sarili nito, lumilikha ito ng isang tiyak na emosyonal na kapaligiran at sikolohikal na katangian ng imahe.
Sa mga portrait, mas malaya na ngayon si Rembrandt sa pagpili ng mga modelo at pagpipinta ng karamihan sa mga mukha na may malinaw na sariling katangian. Pangunahin ang mga ito ay matatandang babae at matatandang Hudyo. Ngunit sa parehong talas, nagagawa niyang ihatid ang alindog ng isang kabataan mukha ng babae o ang alindog ng isang kabataang hitsura. Ang lahat ng maliliit sa mga larawang ito ay nagbibigay daan sa isang pangkalahatan, ngunit sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang matalas na pagtatanghal ng imahe. Ito ay higit na pinadali ng pagtaas ng lawak ng paraan ng teknikal na pagpapatupad.
Ang pangwakas sa kasaysayan ng larawan ng grupo ay ang imahe ni Rembrandt ng matanda ng tindahan ng tela - ang tinatawag na. "Synics" (1662, Amsterdam). nararapat na ituring na isa sa mga tugatog ng gawa ni Rembrandt). Ang isang matalim na sikolohikal na katangian, pagiging simple ng konstruksiyon, itinatago ang hindi pagkakamali ng ritmo ng mga linya at masa, pati na rin ang isang maramot sa bilang ng mga kulay, ngunit ang matinding pangkulay ay nagbubuod sa buong nakaraang landas ng Rembrandt bilang isang pintor ng portrait.
Sa mga taon ng kapanahunan (50s), nilikha ni Rembrandt ang kanyang pinakamahusay na mga ukit. Pagkilala sa lalim ng Rembrandt sikolohikal na pagsusuri, ang nagpapahayag na pagiging totoo ng mga imahe at ang pagiging perpekto ng artistikong pamamaraan ay makikita sa isang mahabang serye ng mga kahanga-hangang sheet, na mas magkakaibang ayon sa tema kaysa sa pagpipinta ng master. Kabilang sa mga pinakatanyag ay ang "Christ Healing the Sick" (ang tinatawag na "Leaf of a hundred florin", c. 1649), "Three Crosses" (1653), portraits of Lutma (1656), Haring (1655), Six (1647), gayundin ang mga tanawin na kilala bilang The Three Trees (1643) at The Estate of the Gold Weigher (1651).
Hindi bababa sa makabuluhang lugar Ang graphic na pamana ni Rembrandt ay inookupahan ng mga guhit. Ang talas at pagka-orihinal ng pang-unawa ni Rembrandt sa nakapaligid na mundo ay makikita sa marami at iba't ibang mga sheet na may partikular na puwersa. Ang paraan ng pagguhit, tulad ng nakalarawan na paraan ng Rembrandt, ay kapansin-pansing nagbabago sa kabuuan malikhaing pag-unlad mga master. Kung ang mga unang guhit ni Rembrandt ay ginawa nang detalyado at medyo kumplikado sa komposisyon, kung gayon sa kanyang mas mature na panahon ay ginampanan niya ang mga ito sa isang malawak na paraan ng larawan, hindi karaniwang maigsi at simple. Karaniwang gumuhit si Rembrandt gamit ang panulat ng gansa o tambo at nakamit, sa tulong ng mga pinakasimpleng pamamaraan, ang isang pambihirang kapangyarihan ng pagpapahayag. Naiwan ni R. ang 2000 na guhit. Ang kanyang mga guhit, kahit na ang mga ito ay mga maliliit na sketch ng ilang ordinaryong motibo, ay isang kumpletong kabuuan, na ganap na naghahatid ng lahat ng pagkakaiba-iba ng kalikasan.
Ang epilogue ng akda ni R. ay maaaring ituring na kanyang engrandeng canvas na "The Return alibughang anak”(mga 1668-1669, ang Hermitage), kung saan ang aesthetic height at pictorial skill ng artist ay nagpakita ng kanyang sarili na may pinakadakilang pagkakumpleto. Ang talinghaga ng ebanghelyo tungkol sa isang kabataang lalaki na umalis sa bahay, nilustay ang kanyang kayamanan at bumalik sa kanyang ama na miserable, punit-punit, napahiya, ang pintor ay pinunan ng malalim na nilalaman ng tao. Ang marangal na ideya ng pag-ibig para sa isang taong nagdurusa ay ipinahayag dito sa mga imahe na kapansin-pansin sa kanilang tulad-buhay na panghihikayat. Ang mukha ng matandang kalahating bulag na ama at ang kilos ng kanyang mga kamay ay nagpapahayag ng walang katapusang kabaitan, at ang pigura ng anak na lalaki sa maruming basahan, na nakakapit sa kanyang ama, ay taos-puso at malalim na pagsisisi. Marahil ay walang ibang pagpipinta ni Rembrandt ang pumukaw ng napakaraming malalim at mahabagin na damdamin. Itinuro ni Rembrandt sa kanyang mga manonood ang tungkol sa pagmamahal at pagpapatawad. Mamaya sa mga nakaraang taon at buwan, ang buhay ni Rembrandt ay dumadaloy sa labas nang mahinahon. Matapos mabuhay sina Hendrickje at Titus, namatay siya noong Oktubre 4, 1669.
Malaki ang epekto ni R. sa sining. Walang pintor sa Holland na hindi nakaranas ng impluwensya ng isang mahusay na pintor, kung saan naging pinakatanyag sina Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckgout (1621-1674) at Art de Gelder (1645-1727). Sa pagkakaroon ng pinagkadalubhasaan ang mga tema, mga diskarte sa komposisyon at mga uri ng mga guro, gayunpaman ay hindi na sila nagpatuloy sa kanilang pagpipinta ng pigura na lampas sa panlabas na imitasyon ng mga pamamaraan ni Rembrandt. Ang buhay na impluwensya ng master, sa kabaligtaran, ay tiyak na nakakaapekto sa maraming mga pintor ng landscape na katabi niya - Philips Koninck (1619-1688), Doomer (1622-1700) at iba pa. Ngunit ang karamihan ay nagtaksil sa kanya, lumipat sa posisyon ng akademiko at imitasyon ng noon ay naka-istilong Flemings, at pagkatapos ay ang Pranses.
Tulad ng madalas na nangyayari sa kasaysayan ng sining, sa kabila ng kanyang napakatalino na talento, namatay si Rembrandt sa kahirapan at kalungkutan, isang nakalimutan, walang silbi na master. Ngunit habang tumatagal, mas mahalaga sa mata ng sangkatauhan ang pamana ng artista. Ito ay maaaring sabihin nang walang pagmamalabis na ang Rembrandt ay isa sa mga pinaka ang pinakadakilang mga artista sa kasaysayan ng sining ng daigdig. Maraming tatawagin itong hindi maunahan. Ang libingan ni Rembrandt ay nawala, ngunit ang kanyang trabaho ay mabubuhay sa loob ng maraming siglo.
Sa huling quarter ng ika-17 siglo ang pagbaba ng Dutch painting ay nagsisimula, ang pagkawala ng pambansang pagkakakilanlan nito, at mula sa simula. Ika-18 siglo paparating na ang katapusan ng dakilang panahon ng realismong Dutch.
Pagpipinta ng Dutch - mga pagpipinta ng ika-17 siglo
Ang isang makabuluhang tampok ng sining ng Dutch ay ang makabuluhang pagkalat sa lahat ng mga uri nito ng pagpipinta. Ang mga kinatawan ng pinakamataas na echelon ng kapangyarihan, mahihirap na burghers, artisan at magsasaka ay pinalamutian ang kanilang mga bahay ng mga kuwadro na gawa. Ibinenta sila sa mga auction at fairs; minsan ginagamit pa ito ng mga artista bilang paraan sa pagbabayad ng mga bayarin.
Daan sa kagubatan, Meindert Hobbema, 1670
Maraming pintor, at medyo mahirap ang kumpetisyon, dahil karaniwan ang propesyon ng artista. Hindi marami ang maaaring kumita sa pamamagitan ng pagpipinta. Karamihan sa mga artista ay kailangang gumanap ng karamihan sari-saring gawain: Si Jacob van Ruisdael ay isang doktor, si Meindert Hobbema ay nagtrabaho bilang isang opisyal ng excise, at si Jan Steen ay isang innkeeper.
Noong ika-17 siglo, ang pagpipinta ng Dutch ay mabilis na umunlad hindi lamang dahil sa lumalaking pangangailangan para sa mga nagnanais na palamutihan ang kanilang mga tahanan ng mga pintura, ngunit dahil din sa katotohanan na sila ay nagsimulang tingnan bilang isang kalakal, isang paraan ng haka-haka at isang mapagkukunan ng tubo. Ang artista ay ganap na umaasa sa mga uso sa merkado, pinalaya ang kanyang sarili mula sa mga direktang customer gaya ng mga maimpluwensyang patron (mga pyudal na panginoon) at ang Simbahang Katoliko. Natukoy ang mga landas ng pag-unlad ng lipunang Dutch, at ang mga artista na sumalungat sa kanila at nagtanggol sa kanilang kalayaan sa mga tuntunin ng pagkamalikhain ay nahiwalay at namatay nang maaga sa kalungkutan at kahirapan. Sa karamihan ng mga kaso, ito lamang ang mga pinaka mahuhusay na artista, gaya nina Rembrandt at Frans Hals.
Pangunahing inilalarawan ng mga pintor ng Dutch ang nakapaligid na katotohanan, na hindi lubos na ipinakita ng mga artista ng ibang mga paaralan ng pagpipinta. Ang pangunahing lugar sa pagpapalakas ng mga makatotohanang uso ay inookupahan ng mga portrait, pang-araw-araw na genre, still lifes at landscape, habang ang mga artista ay bumaling sa iba't ibang aspeto ng buhay. Napakalalim at totoo nilang inilarawan ang totoong mundo na nabuksan sa harap nila, napakaganda ng kanilang mga gawa.
Jan Steen, Pakikipagtagpo sa mga nagsasaya, 1679
Ang bawat genre ay may sariling agos. Kabilang sa mga naglalarawan ng mga tanawin ay ang mga marine painters at mga pintor na mas gusto ang kapatagan o kagubatan, mayroon ding mga masters. tanawin ng taglamig at mga tanawin na naglalarawan ng liwanag ng buwan. Kabilang sa mga pintor ng genre, ang mga naglalarawan sa mga taong-bayan at magsasaka, mga eksena ng buhay sa tahanan at mga partido, mga palengke at pangangaso, ay namumukod-tangi. Mayroon ding mga artista na dalubhasa sa mga interior ng simbahan at iba't ibang uri ng still life, tulad ng "shop", "dessert", "almusal", atbp. Ang bilang ng mga gawain na ginawa ay naiimpluwensyahan ng isang tampok ng Dutch painting bilang pagiging limitado. Gayunpaman, ang virtuosity ng pintor ay pinadali ng katotohanan na ang bawat artist ay nakatuon sa isang partikular na genre. Tanging ang pinakamahalagang Dutch artist ang nagpinta sa iba't ibang genre.
Ang pag-unlad ng makatotohanang pagpipinta ng Dutch ay naganap sa isang pakikibaka sa mannerism at isang direksyon na ginaya ang klasikal na sining ng Italyano. pormal na hiniram sa Mga artistang Italyano, mga kinatawan ng mga uso na ito, ang mga pamamaraan ay lubhang hindi natural para sa mga tradisyon ng pambansang Dutch painting. Ang mga makatotohanang agos ay mas malinaw na ipinakita sa pang-araw-araw na genre at mga larawan sa panahon ng pagbuo ng Dutch painting, na sumasaklaw sa 1609-1640.
Jacob van Ruisdael(1628-1682) ay isang natatanging master sa genre ng landscape (pininturahan nila ang klasikong Dutch landscape - mga buhangin ng disyerto, sikat na windmill, canal boat, skater, at hindi kalikasan sa pangkalahatan), isang artista ng walang hangganang imahinasyon ("Waterfall", " Forest swamp ", "Jewish cemetery"). Ang masigasig na pagkopya sa kalikasan, ang Ruisdael sa parehong oras ay nakakamit ng monumentalidad.
Windmill sa Wijk bei Dürsted. 1670. Rijksmuseum. Amsterdam, Jacob van Ruisdael
Ang isa sa mga pinaka-mahuhusay na pintor ng larawan sa panahong ito ay matatawag Frans Hals(tinatayang 1585-1666). Gumawa siya ng maraming larawan ng grupo, tulad ng mga larawan ng rifle guild (isang asosasyon ng mga opisyal para sa proteksyon ng mga lungsod at depensa). Nais ng mga burghers na makuha ang kanilang sarili, at hindi dapat kalimutan ng artist ang tungkol sa magalang na saloobin sa bawat modelo. Sa mga kuwadro na ito, ang pagpapakita ng mga mithiin ng batang republika, pakikipagkaibigan, pagkakapantay-pantay at pakiramdam ng kalayaan ay umaakit. Ang mga taong may tiwala sa kanilang sarili at sa hinaharap, na puno ng enerhiya ay tumitingin sa manonood mula sa mga canvases ("St. George's Archery Guild", "St. Naturally, inilalarawan sila sa isang magiliw na piging. Salamat sa indibidwal na estilo ng artist - malawak, tiwala, na may mayaman, maliliwanag na kulay (pula, dilaw, asul, atbp.) - ang mga indibidwal na ito ay nabuo dokumento ng sining kapanahunan.
Larawan ni Stefan Gerads, 1652, Royal Museum, Antwerp
Mayroong maraming walang ingat na kasigasigan, presyon, hindi mapigilan na enerhiya sa mga indibidwal na portrait na may mga balangkas ng isang genre na pagpipinta. Nawawala ito sa mga susunod na larawan. Halimbawa, sa larawan ng lalaki sa Hermitage makikita ang kalungkutan at pagkapagod ng bayaning si Khals sa lahat ng kanyang kahanga-hanga at kahit na pagmamayabang. Ang mga tampok na ito ay higit na pinahusay sa isa pang larawan (ang imahe ng isang lalaki sa isang malawak na brimmed na sumbrero). Sa huling yugtong ito, naabot ni Hals ang itaas na yugto ng karunungan, ang mga tono sa kanyang trabaho ay nagiging monochromatic (karaniwan ay madilim, itim na damit, na may puting kuwelyo at cuffs, at isang madilim na kulay ng background ng oliba). Para sa lahat ng conciseness ng pictorial palette, ito ay batay sa sobrang banayad na gradations.
Paglikha Rembrandt van Rijn(1606-1669) ang huling tagumpay ng Dutch sining XVII siglo at ang rurok ng kanyang pagiging totoo.
Mula kay: Alena Artyomenko, -
Noong ika-17 siglo, ang Dutch na paaralan ng pagpipinta ay naging isa sa mga nangungunang sa Europa. Dito, sa unang pagkakataon sa kasaysayan ng sining ng mundo, na ang mga bagay ng nakapaligid na katotohanan ay naging mapagkukunan ng malikhaing inspirasyon, at masining na layunin. Sa sining ng Dutch sa panahong ito, ang pagbuo ng isang buong sistema ng mga genre, na nagsimula sa Renaissance, ay nakumpleto. Sa mga portrait, pang-araw-araw na pagpipinta, landscape at still lifes, ang mga artista na may bihirang kasanayan at init ay naghatid ng kanilang mga impresyon sa nakapaligid na kalikasan at hindi mapagpanggap na buhay. Sinasalamin nila ang kolektibong imahe ng Holland - isang batang republika na ipinagtanggol ang kalayaan nito sa digmaan sa Espanya.
"Umaga ng isang Young Lady" 1660 Frans Miris the Elder. Kahoy, langis. Ermita ng Estado
Ang mga pagpipinta ng mga artista sa pang-araw-araw na paksa (o mga pagpipinta ng genre) na naglalarawan sa isang tao sa isang pamilyar, pang-araw-araw na kapaligiran, ay sumasalamin sa mga itinatag na anyo ng buhay, pag-uugali at komunikasyon ng mga taong kabilang sa iba't ibang klase ng lipunang Dutch. Dinisenyo upang palamutihan ang mga interior ng mga bahay ng mga mangangalakal, artisan o mayayamang magsasaka, ang mga kuwadro na gawa ng mga Dutch artist ay maliit sa laki. Kumita ang mga artista sa pamamagitan ng pagbebenta ng mga painting na ipininta na may posibilidad ng detalyadong pagtingin sa malapitan. Ito naman ay nagbunga ng isang partikular na maingat, maselang paraan ng pagsulat.
Lipunan ng Terrace. 1620 Esais Van De Velde. Kahoy, langis. Ermita ng Estado
Sa buong ika-17 siglo, ang Dutch genre painting ay sumailalim sa isang makabuluhang ebolusyon. Sa panahon ng pagbuo nito, sa simula ng siglo, ang mga plot sa mga tema ng libangan, libangan ng mga batang mayayamang Dutchmen, o mga eksena mula sa buhay ng mga opisyal ay karaniwan. Ang ganitong mga kuwadro ay tinawag na "mga piging", "mga lipunan", "mga konsyerto". Ang kanilang pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng isang sari-saring kulay, isang mataas na masayang tono. Ang pagpipinta na "Society on the Terrace" ni Esaias van de Velde ay kabilang sa mga gawa ng ganitong uri.
Sa simula ng 1930s, natapos ang pagbuo ng Dutch genre painting. Ang masikip na "mga lipunan" ay nagbigay-daan sa maliliit na komposisyon. Ang imahe ng kapaligiran na nakapalibot sa isang tao ay nagsimulang maglaro ng isang mahalagang papel. Nagkaroon ng dibisyon ng pagpipinta ng genre ayon sa mga linyang panlipunan: mga balangkas sa mga tema mula sa buhay ng burgesya, at mga eksena mula sa buhay ng mga magsasaka at maralitang lungsod. Parehong iyon at iba pang mga kuwadro na gawa ay inilaan upang palamutihan ang loob.
"Labanan". 1637 Adrian van Ostade. Kahoy, langis. Ermita ng Estado
Isa sa pinaka mga sikat na artista na nagtrabaho sa "genre ng magsasaka" ay si Adrian van Ostade. Sa unang bahagi ng panahon ng pagkamalikhain, ang imahe ng mga magsasaka sa kanyang mga pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng isang accentuated comicality, kung minsan ay umaabot sa isang karikatura. Kaya, sa pagpipinta na "The Fight", na pinaliwanagan ng isang matalim na liwanag, ang mga taong nakikipaglaban ay tila hindi mga buhay na tao, ngunit mga papet, na ang mga mukha ay parang mga maskara na binaluktot ng mga ngiting masama. Ang pagsalungat ng malamig at mainit na mga kulay, matalim na kaibahan ng liwanag at anino ay higit na nagpapaganda sa impresyon ng kababalaghan ng eksena.
Mga Musikero sa Nayon. 1635 Adrian Van De Ostade 1635 Langis sa kahoy. Ermita ng Estado
Noong 1650s, nagkaroon ng pagbabago sa pagpipinta ni Adrian Ostade. Ang artista ay bumaling sa mas kalmado na mga paksa, na naglalarawan ng isang tao sa mga nakagawiang aktibidad, kadalasan sa mga sandali ng pahinga. Ganito, halimbawa, ang panloob na pagpipinta na "Mga Musikero ng Nayon". Mahusay na inihahatid ng Ostade ang konsentrasyon ng "mga musikero" na dinadala ng kanilang trabaho, na naglalarawan sa mga bata na nanonood sa kanila sa bintana na may halos hindi kapansin-pansin na katatawanan. Ang pagkakaiba-iba at lambot ng paglalaro ng liwanag at lilim, ang maberde-kayumanggi na scheme ng kulay ay pinagsasama ang mga tao at ang kanilang kapaligiran sa isang solong kabuuan.
"Tingnan sa taglamig". 1640 Isaac Van Ostade. Kahoy, langis. Ermita ng Estado
Ang kapatid ni Adrian na si Isaac van Ostade, na namatay nang maaga, ay nagtrabaho din sa "genre ng magsasaka". Inilarawan niya ang buhay ng kanayunan ng Holland, sa likas na katangian kung saan naramdaman ng isang tao sa tahanan. Ang pagpipinta na "Winter View" ay nagpapakita ng isang tipikal na Dutch landscape na may kulay-abo na kalangitan na nakabitin nang husto sa ibabaw ng lupa, isang nagyeyelong ilog, sa mga pampang kung saan matatagpuan ang nayon.
"Ang pasyente at ang doktor." 1660 Jan Steen. Kahoy, langis. Ermita ng Estado
Ang tema ng genre ng sining ng magkapatid na Ostade ay ipinagpatuloy ni Jan Steen, isang mahuhusay na master na, na may pagkamapagpatawa, napansin ang mga detalye ng katangian ng pang-araw-araw na buhay at mga relasyon. mga artista sa kanilang mga ipininta. Sa pagpipinta na "Revelers", ang artist mismo ay tumingin nang masaya at palihim sa manonood, nakaupo sa tabi ng kanyang asawa, na nakatulog pagkatapos ng isang masayang kapistahan. Sa pelikulang "The Patient and the Doctor", sa pamamagitan ng mga ekspresyon ng mukha at kilos ng mga karakter, mahusay na isiniwalat ni Jan Steen ang balangkas ng isang haka-haka na sakit.
"Isang silid sa isang Dutch house". Peter Janssens. Canvas, langis. Ermita ng Estado
Noong ikalimampu at ikaanimnapung taon ng ika-17 siglo, unti-unting lumiit ang paksa ng mga pagpipinta ng genre. Ang makasagisag na istraktura ng mga kuwadro na gawa ay nagbabago. Sila ay nagiging mas kalmado, mas matalik, mas liriko na pagmumuni-muni, tahimik na pag-iisip ay lumilitaw sa kanila. Ang yugtong ito ay kinakatawan ng mga gawa ng mga artista tulad ng: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens. Ang kanilang mga gawa ay naglalaman ng isang mala-tula at medyo idealized na imahe ng pang-araw-araw na buhay ng Dutch bourgeoisie, na minsan ay nakipaglaban para sa kanilang mga karapatan at kalayaan, at ngayon ay nakamit ang napapanatiling kaunlaran. Kaya, sa panloob na pagpipinta na "A Room in a Dutch House" ni Peter Janssens, isang maaliwalas na silid na binaha ng sikat ng araw ay inilalarawan ng mga sunbeam na naglalaro sa sahig at sa mga dingding, sa pagpipinta na "The Old Lady by the Fireplace" ni Jacob Ang Wrehl, isang silid na may fireplace na nahuhulog sa malambot na takipsilim ay inilalarawan. Ang pagpili ng komposisyon sa mga gawa ng parehong mga artista ay binibigyang diin ang pagkakaisa ng tao at ng kanyang kapaligiran.
"Basa ng limonada." 1664 Gerard Terborch. Host (pagsasalin mula sa kahoy), langis. Ermita ng Estado
Sa mga taong ito, sinubukan ng mga pintor ng Dutch genre sa unang pagkakataon na ipakita sa kanilang mga gawa ang lalim ng panloob na buhay ng isang tao. Sa pang-araw-araw na sitwasyon sa buhay, nakahanap sila ng pagkakataon na maipakita ang magkakaibang mundo ng mga pinakamadaling karanasan. Ngunit, makikita mo lamang ito sa maingat at maingat na pagsusuri sa larawan. Kaya, sa pagpipinta ni Gerard Terborch na "A Glass of Lemonade", ang banayad na wika ng mga kilos, pagpindot ng mga kamay, at pakikipag-ugnay sa mata ay nagpapakita ng isang buong gamut ng mga damdamin at relasyon sa pagitan ng mga karakter.
"Almusal". 1660 Gabriel Metsu. Kahoy, langis. Ermita ng Estado
Ang mundo ng bagay ay nagsisimulang maglaro ng malaking papel sa mga pagpipinta ng genre sa panahong ito. Hindi lamang nito nailalarawan ang materyal at emosyonal na kapaligiran ng buhay ng isang tao, ngunit ipinahayag din ang pagkakaiba-iba ng relasyon ng isang tao sa labas ng mundo. Ang hanay ng mga bagay, ang kanilang pag-aayos, isang kumplikadong sistema ng mga simbolo, pati na rin ang mga kilos ng mga character - lahat ay gumaganap ng isang papel sa paglikha ng makasagisag na istraktura ng larawan.
"Mga Revelers". 1660 Jan Steen. Kahoy, langis. Ermita ng Estado
Ang pagpipinta ng Dutch genre ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng malawak na iba't ibang mga paksa. Nilimitahan ng mga artista ang kanilang sarili sa paglalarawan lamang ng isang partikular na bilog ng mga karakter at kanilang mga trabaho. Ngunit, sa kanilang tulong, ang Dutch genre painting ay nakapaghatid ng maaasahang imahe ng mga mores, customs, at ideya tungkol sa buhay ng isang tao noong ika-17 siglo.
Sa paghahanda ng publikasyon, ginamit ang mga materyales mula sa mga bukas na mapagkukunan.
Noong ika-17 siglo Naging modelong kapitalistang bansa ang Holland. Nagsagawa siya ng malawak na kolonyal na kalakalan, mayroon siyang isang malakas na armada, ang paggawa ng mga barko ay isa sa mga nangungunang industriya.
Kasaysayan ng pagpipinta ng Dutch noong ika-17 siglo. perpektong nagpapakita ng ebolusyon ng gawa ng isa sa pinakamalaking pintor ng portrait sa Holland Frans Hals(mga 1580-1666). Noong 10-30s, maraming nagtrabaho si Hals sa genre ng mga larawan ng grupo. Ito ay karaniwang isang paglalarawan ng mga rifle guild - mga korporasyon ng mga opisyal para sa pagtatanggol at proteksyon ng mga lungsod. Nais ng mga burgher na ma-immortalize sa canvas, gumawa sila ng isang tiyak na kontribusyon para sa karapatang mailarawan, at kailangang tandaan ng artist ang tungkol sa pantay na atensyon sa bawat modelo. Ngunit hindi portrait resemblance ang nakakaakit sa atin sa mga gawang ito ng Hals. Ipinapahayag nila ang mga mithiin ng batang republika, ang pakiramdam ng kalayaan, pagkakapantay-pantay at pakikipagkaibigan. Mula sa mga canvases ng mga taong ito, mukhang masayahin, masigla, masigasig na mga tao, tiwala sa kanilang mga kakayahan at sa hinaharap ("St. Adrian's Shooting Guild", 1627 at 1633; "St. George's Shooting Guild", 1627). Karaniwang inilalarawan sila ni Khale sa isang magkakasamang piging, sa isang masayang piging. Ang malaking sukat ng pahalang na pahabang komposisyon, ang malawak na kumpiyansa na pagsulat, ang matindi, puspos na mga kulay (dilaw, pula, asul, atbp.) Ay lumikha ng isang monumental na imahe. Ang artista ay gumaganap bilang isang historiographer ng isang buong panahon.m
Ang kasagsagan ng landscape painting sa Dutch school ay nagsimula noong kalagitnaan ng ika-17 siglo. Ang pinakadakilang master ng makatotohanang tanawin ay si Jacob van Ruysdael (1628/29-1682), isang pintor ng hindi mauubos na imahinasyon. Ang kanyang mga gawa ay karaniwang puno ng malalim na drama, kung siya ay naglalarawan ng mga kagubatan ("Forest swamp"), mga landscape na may mga talon ("Waterfall") o isang romantikong tanawin na may sementeryo ("Jewish cemetery"). Ang kalikasan sa Ruisdael ay lumilitaw sa dinamika, sa walang hanggang pagpapanibago. Kahit na ang pinakasimpleng motif ng kalikasan ay nakakakuha ng isang monumental na karakter sa ilalim ng brush ng artist. Ang Ruisdael ay may posibilidad na pagsamahin ang maingat na pagsusulat na may mahusay na sigla, na may isang sintetikong imahe.
Tanging si Jan Porcellis (circa 1584-1632) ang nakikibahagi sa seascape (marina). Sa tabi ng makatotohanan, purong Dutch na tanawin, isa pang direksyon ang umiral noong panahong iyon: mga tanawin ng kalikasang Italyano, na binibigyang-buhay ng mga mitolohiyang karakter, mga pigura ng mga tao at hayop.
Ang Dutch still life ay isa sa mga artistikong pagpapatupad ng pinakamahalagang tema ng Dutch art - ang tema ng pribadong buhay ng isang ordinaryong tao. Ang temang ito ay ganap na nakapaloob sa larawan ng genre. Sa 20-30s ng XVII century. ang Dutch ay lumikha ng isang espesyal na uri ng maliit, maliit na larawang pagpipinta. 40-60s - ang kasagsagan ng pagpipinta, niluluwalhati ang kalmadong buhay ng burgher ng Holland, isang sinusukat na pang-araw-araw na pag-iral.
Ang 40-50s ay ang panahon ng creative maturity. Hindi lamang ang panlabas na buhay ang nagbago Rembrandt, Una sa lahat, binago niya ang sarili niya. Ito ang panahon ng pagbuo ng kanyang malikhaing sistema, kung saan marami ang magiging isang bagay ng nakaraan at kung saan ang iba pa, napakahalagang mga katangian ay makukuha. Sa panahong ito, madalas siyang bumaling sa mga lumang obra upang gawing muli ang mga ito sa bagong paraan. Ganito ang kaso, halimbawa, kay Danae, na isinulat niya noon pang 1636. Kahit noon pa man, ang pangunahing bagay ay ipinahayag sa larawang ito: ang sensual na prinsipyo, pagano, sa ilang lawak ay "Titian" ay bahagi lamang ng pangkalahatan sa pagpapahayag ng mga kumplikadong emosyonal na karanasan, isang solong espirituwal na salpok. Ang klasikal, maganda, ngunit abstract din sa kanyang kagandahan ideal ay pinalitan ng pagpapahayag ng katotohanan ng buhay, ang maliwanag na sariling katangian ng pisikal na bodega. Ang pangit na katawan na ito ay ipinarating nang lubos na makatotohanan. Ngunit hindi nasisiyahan si Rembrandt sa panlabas na katotohanan. Ang pag-on sa larawan noong 40s, pinalakas ng artist ang emosyonal na estado. Isinulat niyang muli ang gitnang bahagi kasama ang pangunahing tauhang babae at ang dalaga.
Ang mga larawan ng yumaong si Rembrandt ay ibang-iba sa mga larawan ng 30s at kahit 40s. Ang sobrang simple (kalahating haba o generational) na mga larawan ng mga taong malapit sa artist sa kanilang panloob na istraktura ay palaging isang makasagisag na pagpapahayag ng isang multifaceted na personalidad ng tao, na kapansin-pansin sa kakayahan ng master na ihatid ang hindi matatag, mailap na mga paggalaw na espirituwal.
Alam ni Rembrandt kung paano gumawa ng portrait-biography; ang pag-highlight lamang ng mukha at mga kamay, ipinahayag niya ang buong kasaysayan ng buhay
sining ng Pranses noong ika-17 siglo
sining ng pranses ika-15 siglo ay batay sa mga tradisyon ng French Renaissance. Mga pagpinta at mga guhit nina Fouquet at Clouet, mga eskultura nina Goujon at Pilon, mga kastilyo noong panahon ni Francis 1, ang Palasyo ng Fontainebleau at ang Louvre, mga tula ni Ronsard at prosa ni Rabelais, mga karanasang pilosopikal Montaigne, ang lahat ng ito ay nagtataglay ng selyo ng isang klasiko na pag-unawa sa anyo, mahigpit na lohika, rasyonalismo, isang nabuong pakiramdam ng kagandahan, i.e. na nakatakdang ganap na mabuo sa ika-15 siglo. sa pilosopiya ni Descartes, sa dramaturhiya ng Corneille at Racine, sa pagpipinta ng Poussin at Lorrain.
Sa larangan ng sining, ang proseso ng pagbuo ng klasisismo ay hindi gaanong pinag-isa.
Sa arkitektura, ang mga unang tampok ng bagong istilo ay nakabalangkas, bagaman hindi sila ganap na nagdaragdag. Sa Luxembourg Palace, na itinayo para sa balo ni Henry IV, ang regent na si Maria Medici, ni Salomon de Bros, marami ang kinuha mula sa Gothic at Renaissance, ngunit ang harapan ay naipahayag na sa isang order, na magiging tipikal para sa klasisismo. Ang Maisons-Lafitte ni François Mansart, kasama ang lahat ng pagiging kumplikado ng mga volume, ay isang solong kabuuan, isang malinaw na konstruksyon na tumutuon sa mga klasikong pamantayan.
Sa pagpipinta, ang sitwasyon ay mas kumplikado, dahil ang mga impluwensya ng Mannerism, Flemish at Italian Baroque ay magkakaugnay dito. Ang pagpipinta ng Pranses sa unang kalahati ng siglo ay naimpluwensyahan ng parehong caravagism at ang makatotohanang sining ng Holland. Sa anumang kaso, ang mga impluwensyang ito ay malinaw na makikita sa gawain ng magkapatid na Le Nain. Sa mga pagpipinta ni Louis Lenain ay walang pagsasalaysay, paglalarawan, ang komposisyon ay mahigpit na pinag-isipan at static, ang mga detalye ay maingat na napatunayan at pinili upang maihayag, una sa lahat, ang etikal, moral na batayan ng trabaho. Pinakamahalaga sa mga painting ni Lenain ay may tanawin.
SA Kamakailan lamang Parami nang parami, sa panitikan sa kasaysayan ng sining, ang pangalan ng direksyon kung saan nabibilang si Louis Le Nain ay tinukoy ng terminong "pagpipinta ng totoong mundo." Ang gawa ng artist na si Georges de Latour ay kabilang sa parehong direksyon. Sa kanyang mga unang gawa sa mga tema ng genre, si Latour ay lumilitaw bilang isang artist na malapit sa Caravaggio. Nasa unang bahagi ng mga gawa ng Latour, ang isa sa mga pinakamahalagang katangian ay ipinakita: ang hindi mauubos na pagkakaiba-iba ng kanyang mga imahe, ang ningning ng kulay, ang kakayahang lumikha ng mga monumental na makabuluhang imahe sa pagpipinta ng genre.
Ang ikalawang kalahati ng 30s - 40s - ang panahon ng pagiging malikhain ni Latour. Sa panahong ito, siya ay nagiging mas kaunti sa mga paksa ng genre, karamihan ay nagpinta ng mga relihiyosong pagpipinta. Ang masining na wika ng Latour ay isang harbinger ng istilong klasiko: mahigpit, nakabubuo na kalinawan, kalinawan ng komposisyon, balanse ng plastik ng mga pangkalahatang anyo, hindi nagkakamali na integridad ng silhouette, mga estatika. Ang isang halimbawa ay isa sa kanyang mga huling gawa na "St. Sebastian and the Holy Wives" na may perpektong maganda, nakapagpapaalaala. antigong iskultura ang pigura ni Sebastian sa harapan, kung saan ang katawan - bilang isang simbolo ng pagkamartir - ang artist ay naglalarawan lamang ng isang natigil na arrow.
Ang klasisismo ay umusbong sa tuktok ng panlipunang pagsulong ng bansang Pranses at estado ng Pransya. Ang batayan ng teorya ng klasisismo ay rasyonalismo, batay sa pilosopikal na sistema ni Descartes, ang paksa ng klasikal na sining ay ipinahayag lamang ang maganda at ang kahanga-hanga, sinaunang panahon ay nagsilbi bilang isang etikal at aesthetic na ideal. Ang lumikha ng classicist trend sa French painting noong ika-15 siglo. ay si Nicolas Poussin. Ang mga tema ng mga canvases ni Poussin ay magkakaiba: mitolohiya, kasaysayan, Bago at Lumang Tipan. Bayani ng Poussin - mga tao malalakas na karakter at maringal na mga gawa, isang mataas na pakiramdam ng tungkulin sa lipunan at estado. Ang pampublikong layunin ng sining ay napakahalaga sa Poussin. Ang lahat ng mga tampok na ito ay kasama sa umuusbong na programa ng klasisismo. Ang sining ng makabuluhang pag-iisip at isang malinaw na espiritu ay nagpapaunlad din ng isang tiyak na wika. Sukat at pagkakasunud-sunod, ang balanse ng komposisyon ay nagiging batayan pagpipinta klasisismo. Ang makinis at malinaw na linear na ritmo, ang statuary na plastik ay perpektong naghahatid ng kalubhaan at kamahalan ng mga ideya at karakter. Ang kulay ay binuo sa consonance ng malakas, malalim na tono. Ito ay isang maayos na mundo sa kanyang sarili na hindi lalampas sa pictorial space, tulad ng sa baroque.
Ang pagkamalikhain Poussin ay bumagsak sa unang kalahati ng siglo, na minarkahan ng pagtaas ng pampubliko at masining na buhay sa France at aktibong pakikibaka sa lipunan. Kaya ang pangkalahatang progresibong oryentasyon ng kanyang sining, ang kayamanan ng nilalaman nito. Ang isang iba't ibang sitwasyon ay nabuo sa mga huling dekada ng ika-17 siglo, sa panahon ng pinakadakilang pagtindi ng absolutistang pang-aapi at ang pagsugpo sa mga progresibong phenomena ng panlipunang pag-iisip, nang kumalat ang sentralisasyon sa mga artistang nagkakaisa sa Royal Academy at pinilit na maglingkod kasama ang kanilang sining. ang pagluwalhati sa monarkiya. Sa ilalim ng mga kundisyong ito, nawala ang kanilang sining ng malalim na nilalamang panlipunan, at ang mahina, limitadong mga tampok ng klasikong pamamaraan ay nauna.
Sining ng Flanders noong ika-17 siglo.
Ang sining ng Flemish ay una sa lahat Rubens at muli Rubens. Bagama't kasabay nito ay may iba pang mga natatanging artista sa Flanders, lahat sila ay itinuturing na "circle of Rubens", ang "school of Rubens", tulad ng mga planeta na umiikot sa araw ni Rubens.
Ang ikalabing pitong siglo ay ang panahon ng paglikha ng pambansang paaralan ng sining ng pagpipinta sa Flanders. Tulad ng sa Italya, ang baroque ay naging opisyal na nangingibabaw na kalakaran dito. Gayunpaman, ang Flemish Baroque ay makabuluhang naiiba sa Italyano sa maraming paraan. Ang mga anyo ng Baroque ay napuno dito ng isang pakiramdam ng bumubulusok na buhay, at ang makulay na kayamanan ng mundo, isang pakiramdam ng elemental na kapangyarihan ng paglago ng tao at kalikasan. Sa loob ng balangkas ng Baroque, sa mas malaking lawak kaysa sa Italya, ang mga makatotohanang tampok ay binuo.
Ang basehan masining na kultura Ang mga Flanders - pagiging totoo, nasyonalidad, maliwanag na kagalakan, solemne na kasiyahan - ay lubos na ipinahayag sa pagpipinta. Nakuha ng mga Flemish painters sa kanilang mga canvases ang mala-tula na sensual na kagandahan ng mundo at ang imahe ng isang taong puno ng kalusugan, hindi mauubos na enerhiya.
Ang gawain ng dekorasyon ng mga kastilyo ng pamilya, mga palasyo ng aristokrasya, mga simbahang Katoliko ay nag-ambag sa malawakang paggamit sa pagpipinta ng makapangyarihang decorativeism batay sa mga epekto ng kulay.
Ang pinuno ng Flemish school of painting ay si Peter Paul Rubens (1577-1640). Comprehensively gifted, brilliantly educated, si Rubens ay isang artist ng napakalaking creative scope, mabagyo ang ugali. Isang isinilang na monumental na pintor, isang mahuhusay na diplomat na nagsasalita ng ilang mga wika, isang humanist scientist, siya ay pinahahalagahan sa mga prinsipe at maharlikang korte ng Mantua, Madrid, Paris, at London. Isang artista ng masiglang imahinasyon, si Rubens ang lumikha ng mga napakalaking kalunos-lunos na komposisyon. Ang dynamism ng mga form, ang kapangyarihan ng plastic na imahinasyon, ang tagumpay ng pandekorasyon na prinsipyo ay bumubuo ng batayan ng kanyang trabaho. Gayunpaman, ang sining ng Rubens ay karaniwang makatotohanan. Ang pagiging bago ng pang-unawa sa buhay at ang pagnanais na ibigay ang lahat na inilalarawan ang kredibilidad ng katotohanan ay ang kakanyahan ng kanyang mga gawa.
Buhay pa rin ang Flemish. Noong ika-17 siglo ang buhay pa rin ay itinatag bilang isang malayang genre. Sinasalamin nito ang interes sa materyal na mundo, na nagmula sa "pagpinta ng mga bagay" sa sining ng Dutch noong unang bahagi ng ika-15 siglo, ang kulto ng pribadong buhay. Ang Flemish na "mga tindahan ng mga buhay na nilalang" ay humanga sa maingay na kasiyahan at maligaya na pandekorasyon na epekto. Ang mga canvases, malaki ang sukat, maliwanag ang kulay, ay pinalamutian ang mga dingding ng maluluwag na palasyo ng Flemish nobility, niluluwalhati ang kagandahan ng makalupang pag-iral, ang kayamanan ng buhay sa kanayunan, ang mga bunga ng lupa, dagat, mga ilog.
Anthony (Anton, Anthony) van Dyck Flemish pintor at graphic artist, master of court portrait at relihiyosong mga eksena sa istilo barok.
Si Van Dyck ay nagpakita ng kanyang sarili nang maaga bilang isang master ng portraiture at pagpipinta para sa relihiyon at mga paksang mitolohiya. SA 1618 Sa pamamagitan ng 1620 nagtrabaho siya sa workshop Rubens. Gumagawa siya ng mga gawa sa mga relihiyosong tema, madalas sa ilang bersyon: Pagpuputong ng mga tinik» « Halik ni Judas» "Pagpapasan ng Krus" "St. Martin and the Beggars", "The Martyrdom of St. Sebastian"
Jacob Jordan ( netherl. Jacob Jordan) ( 19 Mayo 1593, Antwerp - Oktubre 18, 1678, Antwerp) - Flemish artista. Mula 1607 nag-aral siya sa Adam van Noort. Noong 1616 pinakasalan niya ang kanyang anak na babae. Nabuhay sa buong buhay niya Timog Netherlands, noong 1641 lamang siya nagtrabaho sa loob ng maikling panahon Inglatera. Ang kanyang mga kuwadro ay matatagpuan sa anumang simbahan sa Antwerp. Kahit matapos ang kanyang apela sa Calvinism noong 1645 ang Simbahang Katoliko ay nagpatuloy sa pag-utos ng mga gawain mula sa kanya. Isinasaalang-alang ang Jordanes, lalo na pagkatapos ng kamatayan Rubens, na may malaking impluwensya sa kanya, isa sa mga kilalang kinatawan ng Flemish barok.
Pagpipinta ng Pranses noong ika-19 na siglo
20s ika-19 na siglo ay para sa France ang panahon ng pagbuo ng romantikong sining. Ang mga batang artista ay nagpahayag ng isang tunay na digmaan sa kanilang mga guro. Tinawag ng mga mananalaysay ang kanilang pagtatanghal na isang "romantikong labanan", at ang pintor na si Eugene Ferdinand Victor Delacroix ang naging bayani nito. Delacroix - Pranses pintor At iskedyul, pinuno romantiko uso sa European painting. Mga romantikong artista, anuman ang mga canon na umiral noon sining mga nakaraang panahon, kusang-loob na bumaling sa hindi pangkaraniwang mga plano na nauugnay sa kabaliwan, supernatural na mga phenomena, karahasan o exotic (iyon ay, higit sa "normal"). Si Delacroix sa France ang pinuno ng trend na ito. Si Eugene Delacroix ay ipinanganak sa bayan ng Charenton-Saint-Maurice malapit sa Paris. Maagang naulila ang magiging artista. Noong 1815, pumasok siya sa studio ni Pierre Narcisse Guerin (1774-1833), na kamakailan ay nag-aral kay Theodore Géricault, bilang isang baguhan. Ang mga kontemporaryo ni Delacroix ay mahigpit na sumunod sa takbo ng rebolusyon sa pagpapalaya sa Greece noong 1821-1829. (mula sa ika-15 siglo ang Greece ay nasa ilalim ng pamumuno ng Turkey). Pinili ni Delacroix ang marahil ang pinaka-trahedya na pahina sa epiko ng Greek. Noong Setyembre 1821, sinira ng mga Turkong parusa ang sibilyang populasyon ng Chios, isang isla ng Greece sa Dagat Aegean, sa baybayin ng Asia Minor. Mahigit apatnapung libong Griyego ang napatay at humigit-kumulang dalawampung libo ang naalipin. Ang tugon ng pintor sa mga pangyayaring ito ay ang pagpipinta na "The Massacre of Chios" (1824) Sa harapan ay ang mga pigura ng napapahamak na Chios na nakasuot ng makukulay na basahan; ang background ay ang madilim na silhouette ng mga armadong Turks. Karamihan sa mga bihag ay walang malasakit sa kanilang kapalaran, ang mga bata lamang ang walang kabuluhang nagmamakaawa sa kanilang mga magulang na protektahan sila. Nadama ni Delacroix ang interes sa modernidad at nilikha noong 1830 ang pagpipinta na "Liberty Leading the People (Hulyo 28, 1830)". Ang artista ay nagbigay ng walang-hanggang, epikong tunog sa isang simpleng yugto ng labanan sa kalye. Noong 1832, sinamahan ni Delacroix ang isang diplomatikong misyon sa Algeria at Morocco. Kaagad sa kanyang pagbabalik sa Paris, ang artista ay nagtakdang magtrabaho sa pagpipinta na "Mga babaeng Algeria sa kanilang mga silid" (1833). Mula noong katapusan ng 20s. ika-19 na siglo ang pintor ay lumikha ng isang bilang ng mga painting sa labanan na nakatuon sa medieval na kasaysayan ng Pransya. Sa The Battle of Nancy (1828-1834), ang mga tropa - ang mga kulay-abo ay nag-rally ng masa na may maraming kulay na mga mukha at mga banner - clumsily lumipat sa isang maniyebe kapatagan sa ilalim ng isang malabo na dilaw na langit ng paglubog ng araw. Eugene Delacroix - ang pinaka-independiyenteng pintor sa France muna kalahati ng XIX V.
JACQUES LOUIS DAVID(1748-1825) K maagang XIX V. Ang pangkalahatang kinikilalang pinuno sa mga Pranses na artista ay si Jacques Louis David - ang pinaka-pare-parehong kinatawan ng neoclassicism sa pagpipinta at isang sensitibong tagapagtala ng kanyang magulong panahon. Si David ay ipinanganak sa Paris sa isang mayamang burgis na pamilya. Noong 1766 pumasok siya sa Royal Academy of Painting and Sculpture. Ang isang katangian ng kulturang Pranses noong mga taong iyon ay ang pangkalahatang pagkahumaling sa unang panahon. Noong 1781, tinanggap si David bilang miyembro ng Royal Academy at natanggap ang karapatang lumahok sa mga eksibisyon nito - ang Louvre Salons. Noong unang bahagi ng 1776, isang programa ng pamahalaan ang binuo na nag-udyok sa paglikha ng malalaking mga pintura "na idinisenyo upang muling buhayin ang mga birtud at damdaming makabayan." Inalok si David ng isang balangkas mula sa unang bahagi ng kasaysayan ng Roma - ang gawa ng tatlong magkakapatid na lalaki mula sa marangal na pamilya ng Horatii. Upang magtrabaho sa pagpipinta na "The Oath of the Horatii" (1784), pumunta si David sa Roma. Nang matapos ang canvas at ipinakita ito ng pintor sa publiko, Ang buong komposisyon ay nakabatay sa numerong tatlo: tatlong arko, tatlong grupo ng mga karakter, tatlong espada, tatlong kamay, handa sa sandata. Noong 1795-1799. Si David, kasama ang kanyang mga mag-aaral, ay nagtrabaho sa pagpipinta na "The Sabines Stopping the Battle Between the Romans and the Sabines". Ayon sa kanya, nais niyang "ilarawan ang mga sinaunang kaugalian na may katumpakan na ang mga Griyego at Romano, kung magkakaroon sila ng pagkakataong makita ang aking gawa, ay hindi ako ituturing na dayuhan sa kanilang mga kaugalian." Noong 1799, naluklok si Napoleon Bonaparte sa kapangyarihan bilang resulta ng isa pang kudeta. Si David, tulad ng maraming dating rebolusyonaryo, ay masayang tinanggap ang kaganapang ito.Sa engrandeng pagpipinta na “The Coronation of Napoleon I and Empress Josephine in the Cathedral Notre Dame ng Paris Disyembre 2, 1804" (1807) Si David ay lumikha ng isa pang alamat - ang ningning ng altar at ang ningning ng mga damit ng mga courtier ay nakakaapekto sa manonood na hindi mas masahol pa kaysa sa mga kaawa-awang kasangkapan at lumang mga sheet ng Marat. Pagkatapos ng pagkatalo ni Napoleon, si David, na minsang bumoto sa Convention para sa hatol na kamatayan ni Louis XVI, ay sapilitang umalis sa France. Ang artista ay nagpunta sa Brussels (na noon ay kabilang sa Kaharian ng Netherlands), kung saan siya nanirahan hanggang sa kanyang kamatayan. Nagpatuloy siya sa pagtatrabaho: masigasig, ngunit wala nang sigasig, nagpinta siya ng mga larawan ng mga tapon na tulad niya at gumagawa sa mga sinaunang paksa.
