Sa pagliko ng ika-18 at ika-19 na siglo, ang European at, kabilang ang mga Amerikano, ang kultura ay nakaranas ng pagsilang na ganap na naiiba sa panahon ng pagninilay at pilosopiya ng Enlightenment, ang yugto ng Romantisismo. Unti-unting nag-interspersing mula sa Germany patungo sa kultura at sining ng England, France, Russia at iba pang European na bansa, pinayaman ng Romanticism ang artistikong mundo ng mga bagong kulay, mga storyline at katapangan ng hubo't hubad.

Ang pangalan ng sariwang agos ay isinilang mula sa malapit na pagsasama-sama ng ilang mga kahulugan ng monosonic na mga salita mula sa iba't ibang bansa - romantisme (France), romansa (Spain), romantiko (England). Kasunod nito, ang pangalan ng direksyon ay nag-ugat at bumaba sa ating mga araw bilang romantique - isang bagay na kakaiba, hindi kapani-paniwalang maganda, umiiral lamang sa mga libro, ngunit hindi sa katotohanan.

pangkalahatang katangian

Pinapalitan ng Romantisismo ang Edad ng Enlightenment at kasabay ng rebolusyong pang-industriya, na minarkahan ng hitsura ng makina ng singaw, makina ng singaw, steamboat, litrato at labas ng pabrika. Kung ang Enlightenment ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng katwiran at sibilisasyon batay sa mga prinsipyo nito, kung gayon ang romantikismo ay nagpapatibay sa kulto ng kalikasan, damdamin at natural sa tao.

Ito ay sa panahon ng romanticism na ang phenomena ng turismo, pamumundok at piknik ay nabuo, na dinisenyo upang ibalik ang pagkakaisa ng tao at kalikasan. Ang imahe ng "noble savage", armado ng "folk wisdom" at hindi pinalayaw ng sibilisasyon, ay hinihiling. Iyon ay, nais ng mga romantiko na magpakita ng isang hindi pangkaraniwang tao sa hindi pangkaraniwang mga pangyayari. Sa madaling salita, tinutulan ng mga romantiko ang progresibong sibilisasyon.

Romantisismo sa pagpipinta

Ang lalim ng kanilang sariling mga personal na karanasan at kaisipan - yan ang ipinahihiwatig ng mga pintor sa pamamagitan ng kanilang masining na imahe, na ginawa sa tulong ng kulay, komposisyon at accent. Ang iba't ibang mga bansa sa Europa ay may sariling mga kakaiba sa interpretasyon ng romantikong imahe. Ang lahat ng ito ay konektado sa pilosopikal na kalakaran, pati na rin ang socio-political na sitwasyon, kung saan ang sining ang tanging masiglang tugon. Ang pagpipinta ay walang pagbubukod.

Ang Alemanya noong panahong iyon ay nahati-hati sa maliliit na duke at pamunuan at nakaranas ng matinding kaguluhan sa publiko. Ang mga pintor ay hindi naglalarawan ng mga bayani-titans, hindi gumawa ng mga monumental na canvases, sa kasong ito, ang sigasig ay pumukaw ng malalim espirituwal na mundo tao, moral na paghahanap, ang kanyang kadakilaan at kagandahan. Dahil sa nai higit pa Ang romanticism sa German painting ay kinakatawan sa mga landscape at portrait.

Ang tradisyonal na pamantayan ng genre na ito ay ang Works of Otto Runge. Sa mga larawan ng pintor na ito, sa pamamagitan ng pagproseso ng mga tampok ng mukha at mga mata, sa pamamagitan ng kaibahan ng anino at liwanag, ang pagnanais ng artist na ipakita ang hindi pagkakapare-pareho ng personalidad, ang lalim at kapangyarihan ng pakiramdam nito ay naihatid. Salamat sa tanawin, isang pinalaking at hindi gaanong nakakaakit na paglalarawan ng mga puno, ibon at bulaklak. Sinubukan din ni Otto Runge na tuklasin ang pagkakaiba-iba ng pagkatao ng tao, ang pagkakatulad nito sa kalikasan, hindi nakikilala at naiiba.

sariling larawan "Tayong tatlo", 1805, Philipp Otto Runge

Sa France, ang romantikismo sa pagpipinta ay nabuo ayon sa iba't ibang mga prinsipyo. Ang isang mabagyo na buhay panlipunan, pati na rin ang mga rebolusyonaryong kaguluhan, ay ipinakita sa pagpipinta sa pamamagitan ng pagkahilig ng mga pintor na ilarawan ang mga nakamamanghang at makasaysayang paksa, pati na rin ang "kinakabahan" na kaguluhan at kalungkutan, na nakamit sa pamamagitan ng nakasisilaw na kaibahan ng kulay, ilang randomness, pagpapahayag ng mga paggalaw , at gayundin ang spontaneity ng mga komposisyon.

Sa akda ni T. Gericault, ang mga romantikong ideya ay pinakamalinaw na kinakatawan. Ang pintor ay lumikha ng isang tumitibok na lalim ng mga emosyon, propesyonal na gumagamit ng liwanag at kulay, na naglalarawan ng isang napakahusay na salpok para sa kalayaan at pakikibaka.

Derby sa Epsom, 1821, Théodore Géricault

"Opisyal ng mga horse rangers ng imperial guard, sa pag-atake", 1812

Ang panahon ng Romantisismo ay natagpuan din ang pagmuni-muni nito sa mga canvases ng mga artista na naglalantad ng mga panloob na takot, impulses, pag-ibig at poot sa malinaw na kaibahan ng liwanag, anino at mga halftone. Ang mga bleached na katawan ni G.I. Espanyol na pintor F. Goya, ang pagiging bago ng kalmado at ang kadiliman ng bagyo ni I. Aivazovsky -  ay hinugot mula sa kailaliman ng mga siglo ng Gothic at Renaissance tungo sa ibabaw kung ano ang dating napakahusay na itinago ng mga canon na tinatanggap sa pangkalahatan.

Bangungot, 1781, Johann Heinrich Fuseli

Liberty Nangunguna sa mga Tao, 1830, Eugene Delacroix

Rainbow, Ivan Aivazovsky

Kung ang pagpipinta ng XIII at XIV na siglo ay maramot sa mga damdamin, at sa kasunod na tatlong daang taon ng pagbuo ng sining ng Maagang at Mataas na Renaissance, kasama ang pagtagumpayan nito sa pagiging relihiyoso at bulag na pananampalataya sa ibang bagay o sa panahon ng Enlightenment, na nagtapos sa "witch hunt", pagkatapos ay ang masining na pagpapakita sa mga canvases ng Romantisismo ay nagpapahintulot sa pagtingin sa isang mundo na naiiba sa tunay.

Upang maihatid ang mga hilig, ginamit ng mga artista ang paggamit ng mga mayayamang kulay, maliwanag na mga stroke at saturation ng mga kuwadro na gawa na may "mga espesyal na epekto".

Biedermeier

Isa sa mga sangay ng romantikismo sa pagpipinta ay ang istilo Biedermeier. Ang pangunahing katangian ng Biedermeier ay idealismo. Sa pagpipinta, ang mga pang-araw-araw na eksena ay nangingibabaw, habang sa ibang mga genre, ang mga pagpipinta ay likas sa silid. Ang pagpipinta ay naglalayong makahanap ng mga tampok ng idyllic attraction sa mundo maliit na tao. Ang kalakaran na ito ay nakaugat sa mga kakaibang uri ng pambansang paraan ng pamumuhay ng Aleman, lalo na ang mga burgher.

Bookworm, ca. 1850, K. Spitzweg

Ang isa sa pinakamalaking kinatawan ng pagpipinta ng Biedermeier, si Karl Spitzweg, ay nagpinta ng mga sira-sira na naninirahan, na tinawag sila sa Alemanya, mga pilistine, tulad ng siya mismo.

Syempre, limitado ang kanyang mga bayani, mga maliliit na taga-probinsya na nagdidilig ng rosas sa balkonahe, mga kartero, mga kusinero, mga klerk. May katatawanan sa mga paintings ni Spitzweg, tumatawa siya sa kanyang mga karakter, ngunit walang malisya.

Unti-unti, ang konsepto ng "Biedermeier" ay kumalat sa fashion, inilapat na sining, graphics, interior, kasangkapan. SA inilapat na sining ang pagpipinta sa porselana at salamin ang pinaka-develop. Sa pamamagitan ng 1900, ang salita ay dumating din sa ibig sabihin "ang magandang lumang araw."

Ang Biedermeier ay isang istilong panlalawigan, bagama't ang mga artistang metropolitan ay nagtrabaho din sa istilong ito, sa Berlin at Vienna. Ang Biedermeier ay tumagos din sa Russia. Ang kanyang impluwensya ay nasa mga gawa ng mga Russian masters, A. G. Venetsianov at V. A. Tropinin. Ang ekspresyong "Russian Biedermeier" ay umiiral, bagaman ito ay katawa-tawa.

Natutulog na batang pastol, 1823-24, A. G. Venetsianov

Larawan ng pamilya ng Counts Morkovs, 1813, V. A. Tropinin

Sa Russia, ang Biedermeier ay ang panahon ng Pushkin. Biedermeier fashion - fashion ni Pushkin. Ito ay isang redingote, isang waistcoat at isang pang-itaas na sumbrero para sa mga lalaki, isang tungkod, masikip na pantalon na may mga hairpins. Minsan - fraque. Ang mga babae ay nagsuot ng mga damit na may makitid na baywang, malalapad na neckline, malapad na palda na hugis kampanilya, at mga sumbrero. Ang mga bagay ay simple, walang kumplikadong mga dekorasyon.

Ang mga interior sa istilong Biedermeier ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapalagayang-loob, balanse ng mga proporsyon, pagiging simple ng mga anyo at mga mapusyaw na kulay. Ang mga silid ay maliliwanag at maluluwag, na ginawa ang interior na pinaghihinalaang katamtamang simple, ngunit komportable sa sikolohikal. Ang mga dingding ng mga silid na may malalim na mga niches sa bintana ay pininturahan ng puti o iba pang mga mapusyaw na kulay, na idinikit sa ibabaw ng embossed na may guhit na wallpaper. Ang pattern sa mga kurtina ng bintana at tapiserya ay pareho. Ang mga detalye ng tela na ito ng interior ay may kulay at naglalaman ng mga guhit na naglalarawan ng mga bulaklak.

Lumilitaw ang konsepto ng isang "malinis na silid", iyon ay, isang silid na hindi ginamit sa mga karaniwang araw. Ang karaniwang saradong "Sunday room" na ito ay inihahain lamang para sa pagtanggap ng mga bisita. Ang karagdagang kaginhawahan sa interior ng tirahan ay ibinigay ng mga muwebles na pininturahan ng mainit na mga kulay at mga watercolor sa dingding, mga ukit, pati na rin ang isang malaking bilang ng mga alahas at souvenir. Tulad ng sa kaso ng mga kagustuhan sa istilo, pinipili lamang ng praktikal na Biedermeier ang mga piraso ng muwebles na tumutugma sa kanyang ideya ng functionality at ginhawa. Kailanman ay ganap na natugunan ng mga kasangkapan ang layunin nito, tulad ng sa panahong ito, ang dekorasyon ay kumukupas sa background.

Sa simula ng ika-20 siglo, nagsimulang masuri nang negatibo ang Biedermeier. Siya ay naunawaan bilang "bulgar, philistine". Talagang nagkaroon siya ng mga tampok tulad ng intimacy, intimacy, sentimentality, poetization ng mga bagay, na humantong sa naturang pagtatasa.

Romantisismo sa panitikan

Sinasalungat din ng Romantisismo ang Enlightenment sa antas ng verbal: ang wika ng mga romantikong gawa, nagsusumikap na maging natural, "simple", naa-access sa lahat ng mga mambabasa, ay isang bagay na kabaligtaran ng mga klasiko na may marangal, "kahanga-hanga" na mga tema, tipikal, halimbawa, para sa klasikal na trahedya.

romantikong bayani- isang kumplikado, madamdamin na personalidad, na ang panloob na mundo ay hindi pangkaraniwang malalim, walang katapusang; ito ay isang buong sansinukob na puno ng mga kontradiksyon. Ang mga romantiko ay interesado sa lahat ng mga hilig, parehong mataas at mababa, na salungat sa bawat isa. Mataas na pagnanasa - pagmamahal sa lahat ng mga pagpapakita nito, mababang - kasakiman, ambisyon, inggit. Interes sa malakas at matingkad na damdamin, lahat-ng-ubos na mga hilig, sa mga lihim na paggalaw ng kaluluwa - ito ang mga katangian ng romantikismo.

Kabilang sa mga huling romantikong Kanlurang Europa, ang pesimismo na may kaugnayan sa lipunan ay nakakakuha ng mga cosmic na proporsyon, ay nagiging "sakit ng siglo." Ang mga bayani ng maraming romantikong mga gawa (F. R. Chateaubriand, A. Musset, J. Byron, A. Vigny, A. Lamartine, G. Heine, atbp.) Ang pagiging perpekto ay nawala magpakailanman, ang mundo ay pinamumunuan ng kasamaan, ang sinaunang kaguluhan ay muling nabubuhay. Ang tema ng "kakila-kilabot na mundo", na katangian ng lahat ng romantikong panitikan, ay pinaka-malinaw na nakapaloob sa tinatawag na "itim na genre", pati na rin sa mga gawa nina Byron, C. Brentano, E.T.A. Hoffmann, E. Poe at N. . Hawthorne.

Kasabay nito, ang romantisismo ay batay sa mga ideya na humahamon sa "kakila-kilabot na mundo", - higit sa lahat, ang mga ideya ng kalayaan. Ang pagkabigo ng romantikismo ay isang pagkabigo sa katotohanan, ngunit ang pag-unlad at sibilisasyon ay isang panig lamang nito. Ang pagtanggi sa panig na ito, ang kawalan ng pananampalataya sa mga posibilidad ng sibilisasyon ay nagbibigay ng isa pang landas, ang landas sa perpekto, sa walang hanggan, sa ganap. Ang landas na ito ay dapat malutas ang lahat ng mga kontradiksyon, ganap na baguhin ang buhay. Ito ang landas patungo sa pagiging perpekto, "sa layunin, ang paliwanag kung saan dapat hanapin sa kabilang panig ng nakikita" (A. De Vigny).

Para sa ilang mga romantiko, ang mundo ay pinangungunahan ng hindi maintindihan at misteryosong pwersa, na dapat sundin at hindi subukang baguhin ang kapalaran (ang mga makata ng "lake school", Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Para sa iba, ang "kasamaan sa mundo" ay nagdulot ng protesta, humihingi ng paghihiganti, pakikibaka. (J. Byron, P. B. Shelley, S. Petofi, A. Mitskevich, maagang A. S. Pushkin). Ang karaniwang bagay ay nakita nilang lahat sa tao ang isang nilalang, ang gawain na kung saan ay hindi nabawasan sa paglutas ng mga ordinaryong problema. Sa kabaligtaran, nang hindi itinatanggi ang pang-araw-araw na buhay, ang mga romantiko ay naghangad na malutas ang misteryo ng pag-iral ng tao, bumaling sa kalikasan, nagtitiwala sa kanilang relihiyoso at patula na damdamin.

Sa pamamagitan ng paraan, salamat kay Zhukovsky na ang isa sa mga paboritong genre ng Western European romantics ay kasama sa panitikang Ruso. balad. Salamat sa mga pagsasalin ni Zhukovsky, nakilala ng mga mambabasang Ruso ang mga ballad ng Goethe, Schiller, Burger, Southey, W. Scott. "Ang isang tagasalin sa prosa ay isang alipin, ang isang tagasalin sa taludtod ay isang karibal", ang mga salitang ito ay kay Zhukovsky mismo at nagpapakita ng kanyang saloobin sa kanyang sariling mga pagsasalin.

Pagkatapos ng Zhukovsky, maraming makata ang bumaling sa ballad genre - A.S. Pushkin ( Awit tungkol sa Propetikong Oleg, nalunod), M.Yu. Lermontov ( Airship, Sirena), A.K. Tolstoy ( Vasily Shibanov) at iba pa.

Nagmula ito sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ngunit naabot ang pinakamalaking kasaganaan nito noong 1830s. Mula sa simula ng 1850s, ang panahon ay nagsimulang bumaba, ngunit ang mga thread nito ay umaabot sa buong ika-19 na siglo, na nagdulot ng mga uso tulad ng simbolismo, pagkabulok at neo-romantisismo.

Pagbangon ng Romantisismo

Ang Europa, lalo na ang England at France, ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng direksyon, kung saan nagmula ang pangalan ng artistikong direksyon na ito - "romantisme". Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang romantikismo noong ika-19 na siglo ay lumitaw bilang resulta ng Rebolusyong Pranses.

Sinira ng rebolusyon ang buong herarkiya na umiral noon, magkahalong lipunan at strata ng lipunan. Ang lalaki ay nagsimulang makaramdam ng kalungkutan at nagsimulang maghanap ng aliw sa pagsusugal at iba pang libangan. Laban sa background na ito, lumitaw ang ideya na ang lahat ng buhay ay isang laro kung saan may mga nanalo at natatalo. Ang pangunahing katangian ng bawat romantikong gawain ay isang lalaking naglalaro ng kapalaran, na may kapalaran.

Ano ang romanticism

Ang Romantisismo ay ang lahat na umiiral lamang sa mga libro: hindi maintindihan, hindi kapani-paniwala at kamangha-manghang mga phenomena, sa parehong oras na nauugnay sa paninindigan ng indibidwal sa pamamagitan ng kanyang espirituwal at malikhaing buhay. Pangunahin ang mga kaganapan na lumalabas laban sa backdrop ng ipinahayag na mga hilig, ang lahat ng mga karakter ay malinaw na nagpakita ng mga karakter, at kadalasan ay pinagkalooban ng isang mapaghimagsik na espiritu.

Binibigyang-diin ng mga manunulat ng panahon ng romantikismo na ang pangunahing halaga sa buhay ay ang personalidad ng isang tao. Ang bawat tao ay isang hiwalay na mundo na puno ng kamangha-manghang kagandahan. Ito ay mula doon na ang lahat ng inspirasyon at matayog na damdamin ay iginuhit, pati na rin ang isang ugali sa idealization.

Ayon sa mga nobelista, ang ideal ay isang ephemeral na konsepto, ngunit gayunpaman ay may karapatang umiral. Ang ideyal ay higit sa lahat ng karaniwan, samakatuwid ang pangunahing karakter at ang kanyang mga ideya ay direktang sumasalungat sa makamundong relasyon at materyal na mga bagay.

Mga natatanging tampok

Ang mga tampok ng romantikismo ay parehong namamalagi sa mga pangunahing ideya at salungatan.

Ang pangunahing ideya ng halos bawat gawain ay ang patuloy na paggalaw ng bayani sa pisikal na espasyo. Ang katotohanang ito, kumbaga, ay sumasalamin sa pagkalito ng kaluluwa, ang patuloy na patuloy na pagmumuni-muni nito at, kasabay nito, ang mga pagbabago sa mundo sa paligid nito.

Tulad ng maraming masining na paggalaw, ang Romantisismo ay may sariling mga salungatan. Dito nakabatay ang buong konsepto sa masalimuot na relasyon ng pangunahing tauhan sa labas ng mundo. Siya ay napaka-egocentric at sa parehong oras ay nagrerebelde laban sa base, bulgar, materyal na mga bagay ng katotohanan, na sa isang paraan o iba pa ay nagpapakita ng sarili sa mga aksyon, pag-iisip at ideya ng karakter. Ang pinaka-binibigkas sa bagay na ito ay ang mga sumusunod mga halimbawang pampanitikan Romantisismo: Childe Harold - ang pangunahing tauhan mula sa "Childe Harold's Pilgrimage" ni Byron at Pechorin - mula sa "A Hero of Our Time" ni Lermontov.

Kung ibubuod natin ang lahat ng nasa itaas, lumalabas na ang batayan ng anumang gawaing ito ay ang agwat sa pagitan ng realidad at ng idealized na mundo, na may napakatalim na mga gilid.

Romantisismo sa Panitikang Europeo

Ang romantikong Europeo noong ika-19 na siglo ay kapansin-pansin na, sa karamihan, ang mga gawa nito ay may kamangha-manghang batayan. Ang mga ito ay maraming mga alamat, maikling kwento at kwento.

Ang mga pangunahing bansa kung saan ang romanticism bilang direksyong pampanitikan ipinahayag ang sarili nitong pinaka-nagpapahayag, ay France, England at Germany.

Ang artistikong hindi pangkaraniwang bagay na ito ay may ilang mga yugto:

1. 1801-1815 taon. Ang simula ng pagbuo ng romantikong aesthetics.
2. 1815-1830 taon. Ang pagbuo at pag-unlad ng kasalukuyang, ang kahulugan ng mga pangunahing postulates ng direksyon na ito.
3. 1830-1848 taon. Ang romantikismo ay may mas maraming anyo sa lipunan.

Ang bawat isa sa mga bansa sa itaas ay gumawa ng sarili nitong, espesyal na kontribusyon sa pag-unlad ng nabanggit na kultural na kababalaghan. Sa Pransya, ang mga romantiko ay may higit na pangkulay sa politika, ang mga manunulat ay laban sa bagong burgesya. Ang lipunang ito, ayon sa mga pinunong Pranses, ay sumira sa integridad ng indibidwal, sa kanyang kagandahan at kalayaan sa espiritu.

Sa mga alamat ng Ingles, ang romantikismo ay umiral nang mahabang panahon, ngunit hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo ay hindi ito namumukod-tangi bilang isang hiwalay na kilusang pampanitikan. Ang mga gawa sa Ingles, hindi tulad ng mga Pranses, ay puno ng Gothic, relihiyon, pambansang alamat, kultura ng mga magsasaka at mga nagtatrabaho na lipunan (kabilang ang mga espirituwal). Bilang karagdagan, ang Ingles na prosa at liriko ay puno ng paglalakbay sa malalayong lupain at paggalugad ng mga dayuhang lupain.

Sa Germany, nabuo ang romantikismo bilang usong pampanitikan sa ilalim ng impluwensya ng idealistikong pilosopiya. Ang mga pundasyon ay indibidwalidad at ang inaapi ng pyudalismo, gayundin ang pang-unawa sa uniberso bilang isang solong buhay na sistema. Halos lahat ng gawaing Aleman ay puno ng mga pagmumuni-muni sa pagkakaroon ng tao at ang buhay ng kanyang espiritu.

Europe: mga halimbawa ng mga gawa

Ang mga sumusunod na akdang pampanitikan ay itinuturing na pinakakilalang mga akdang Europeo sa diwa ng romantikismo:

Ang treatise na "The Genius of Christianity", ang mga kwentong "Atala" at "Rene" Chateaubriand;

Ang mga nobelang "Delphine", "Corinne, o Italy" ni Germaine de Stael;

Ang nobelang "Adolf" ni Benjamin Constant;

Ang nobelang "Confession of the son of the century" ni Musset;

Ang nobelang Saint-Mar ni Vigny;

Manipesto "Preface" sa akdang "Cromwell", ang nobelang "Notre Dame Cathedral" ni Hugo;

Drama "Henry III and his court", isang serye ng mga nobela tungkol sa mga musketeer, "The Count of Monte Cristo" at "Queen Margot" ni Dumas;

Ang mga nobelang "Indiana", "The Wandering Apprentice", "Horas", "Consuelo" ni George Sand;

Manipesto "Racine and Shakespeare" ni Stendhal;

Ang mga tula na "The Old Sailor" at "Christabel" ni Coleridge;

- "Mga Tulang Oriental" at "Manfred" Byron;

Mga Nakolektang Akda ng Balzac;

Ang nobelang "Ivanhoe" ni Walter Scott;

Ang fairy tale na "Hyacinth and the Rose", ang nobelang "Heinrich von Ofterdingen" ni Novalis;

Mga koleksyon ng mga maikling kwento, engkanto at nobela ni Hoffmann.

Romantisismo sa panitikang Ruso

Ang romantikong Ruso noong ika-19 na siglo ay ipinanganak sa ilalim ng direktang impluwensya ng panitikan ng Kanlurang Europa. Gayunpaman, sa kabila nito, mayroon siyang sariling mga tampok na katangian, na sinusubaybayan sa mga nakaraang panahon.

Ang artistikong phenomenon na ito sa Russia ay ganap na sumasalamin sa lahat ng poot ng mga nangunguna sa mga manggagawa at rebolusyonaryo sa naghaharing burgesya, lalo na, sa paraan ng pamumuhay nito - walang pigil, imoral at malupit. Ang romantikong Ruso noong ika-19 na siglo ay isang direktang resulta ng mga mapaghimagsik na kalooban at pag-asam ng mga pagbabago sa kasaysayan ng bansa.

Sa panitikan ng panahong iyon, dalawang direksyon ang nakikilala: sikolohikal at sibil. Ang una ay batay sa paglalarawan at pagsusuri ng mga damdamin at karanasan, ang pangalawa - sa propaganda ng paglaban sa modernong lipunan. Ang pangkalahatan at pangunahing ideya ng lahat ng mga nobelista ay ang makata o manunulat ay kailangang kumilos ayon sa mga mithiin na inilarawan niya sa kanyang mga gawa.

Russia: mga halimbawa ng mga gawa

Ang pinaka-kapansin-pansin na mga halimbawa ng romantikismo sa panitikang Ruso noong ika-19 na siglo ay:

Ang mga kwentong "Ondine", "The Prisoner of Chillon", ang mga ballad na "The Forest King", "Fisherman", "Lenora" ni Zhukovsky;

Mga komposisyon na "Eugene Onegin", "The Queen of Spades" ni Pushkin;

- "Ang Gabi Bago ang Pasko" ni Gogol;

- "Bayani ng Ating Panahon" Lermontov.

Romantisismo sa Panitikang Amerikano

Sa Amerika, ang direksyon ay nakatanggap ng bahagyang pag-unlad sa ibang pagkakataon: ang unang yugto nito ay nagsimula noong 1820-1830, ang kasunod na isa - 1840-1860 ng ika-19 na siglo. Ang parehong mga yugto ay lubhang naimpluwensyahan ng kaguluhang sibil, kapwa sa France (na nagsilbing impetus para sa paglikha ng Estados Unidos), at direkta sa Amerika mismo (ang digmaan para sa kalayaan mula sa Inglatera at ang digmaan sa pagitan ng Hilaga at Timog).

Ang mga artistikong uso sa romantikong Amerikano ay kinakatawan ng dalawang uri: abolisyonista, na nagtataguyod ng pagpapalaya mula sa pagkaalipin, at silangan, na nag-idealize ng plantasyon.

Ang panitikang Amerikano sa panahong ito ay batay sa muling pag-iisip ng kaalaman at mga genre na nakuha mula sa Europa at hinaluan ng kakaibang paraan ng pamumuhay at bilis ng pamumuhay sa isang bago pa rin at hindi gaanong kilalang mainland. Ang mga gawang Amerikano ay may saganang lasa ng mga pambansang intonasyon, isang pakiramdam ng kalayaan at pakikibaka para sa kalayaan.

Romantikismong Amerikano. Mga halimbawa ng mga gawa

Ang Alhambra cycle, ang mga kwentong The Ghost Groom, Rip Van Winkle at The Legend of Sleepy Hollow ni Washington Irving;

Ang nobelang "The Last of the Mohicans" ni Fenimore Cooper;

Ang tulang "The Raven", ang mga kwentong "Ligeia", "The Gold Bug", "The Fall of the House of Usher" at iba pa ni E. Alan Poe;

Ang mga nobelang The Scarlet Letter at The House of Seven Gables ni Gorton;

Ang mga nobelang Typei at Moby Dick ni Melville;

Ang nobelang "Uncle Tom's Cabin" ni Harriet Beecher Stowe;

Ang mga alamat ng "Evangeline", "Song of Hiawatha", "Wooing of Miles Standish" ng Longfellow ay inayos ayon sa tula;

Koleksyon ng "Leaves of Grass" ni Whitman;

"Woman in the Nineteenth Century" ni Margaret Fuller.

Ang Romantisismo, bilang isang uso sa panitikan, ay may isang medyo malakas na impluwensya sa musikal, teatro na sining at pagpipinta - sapat na upang alalahanin ang maraming mga paggawa at pagpipinta noong mga panahong iyon. Nangyari ito pangunahin dahil sa mga katangian ng direksyon tulad ng mataas na aesthetics at emosyonalidad, kabayanihan at kalunos-lunos, chivalry, idealization at humanismo. Sa kabila ng katotohanan na ang edad ng romantikismo ay sa halip ay maikli ang buhay, hindi ito gaanong nakaapekto sa katanyagan ng mga aklat na isinulat noong ika-19 na siglo sa mga sumunod na dekada - ang mga gawa ng sining pampanitikan noong panahong iyon ay minamahal at iginagalang ng publiko. hanggang ngayon.

Kategorya ng Mga Detalye: Iba't ibang istilo at uso sa sining at ang kanilang mga tampok Nai-post noong 02.08.2015 17:33 Mga Pagtingin: 4319

Ang Romantisismo, na pinapalitan ang Enlightenment at dumaan sa sentimentalismo, ay itinatag ang sarili sa kulturang Europeo noong huling bahagi ng ika-18 at unang kalahati ng ika-19 na siglo.

Ang ideolohikal at masining na direksyong ito ay kabaligtaran ng klasisismo at ng Enlightenment. At ang harbinger ng romanticism ay sentimentalism. Ang lugar ng kapanganakan ng romantikismo ay Alemanya.

Pilosopiya ng Romantisismo

Pinagtibay ng Romantisismo ang kulto ng kalikasan, damdamin at natural sa tao. Ngunit, maaari kang tumutol, ito rin ang inaangkin ng sentimentalismo. Kaya ano ang pagkakaiba sa pagitan nila?
Oo, ang protesta laban sa kawalan ng espirituwalidad at pagkamakasarili ay makikita na sa sentimentalismo. Ang romantikismo ay nagpapahayag ng pagtanggi na ito nang lubos. Ang romantikismo sa pangkalahatan ay isang mas kumplikado at magkasalungat na kababalaghan kaysa sa sentimentalismo. Kung sa sentimentalismo ang ideal ay ang kaluluwa karaniwang tao, na nakikita ng mga sentimentalista hindi lamang bilang katumbas ng kaluluwa ng isang aristokrata, ngunit kung minsan ay mas mataas at mas marangal, kung gayon ang romantikismo ay interesado hindi lamang sa kabutihan, kundi pati na rin sa kasamaan, na kahit na sinusubukan nitong palakihin; interesado rin siya sa diyalektika ng mabuti at masama sa tao (tandaan ang pangunahing tauhan ng nobelang A Hero of Our Time ni M.Yu. Lermontov).

M. Vrubel. Ilustrasyon para sa nobela ni Lermontov na "Isang Bayani ng Ating Panahon". Duel Pechorin kay Grushnitsky

Ang mga romantikong makata ay nagsimulang gumamit ng mga larawan ng mga anghel, lalo na ang mga nahulog, sa kanilang mga gawa. Halimbawa, interes sa imahe ng isang demonyo: ilang mga tula at ang tula na "Demonyo" ni Lermontov; isang ikot ng mga pagpipinta na nakatuon sa demonyo ni M. Vrubel.

M. Vrubel "Nakaupo na Demonyo"
Ang mga romantiko ay naghangad na malutas ang misteryo ng pag-iral ng tao, bumaling sa kalikasan, nagtitiwala sa kanilang relihiyoso at patula na damdamin. Ngunit sa parehong oras, sinusubukan ng romantikong pag-isipang muli ang relihiyon.
Ang isang romantikong bayani ay isang kumplikado, madamdamin na tao, na may malalim, ngunit magkasalungat na panloob na mundo - ito ay isang buong uniberso. M.Yu. Sinabi ni Lermontov sa kanyang nobela: "Ang kasaysayan ng kaluluwa ng tao, kahit na ang pinakamaliit na kaluluwa, ay halos mas mausisa at mas kapaki-pakinabang kaysa sa kasaysayan ng isang buong tao." Ang mga tampok na katangian ng romantikismo ay isang interes sa malakas at matingkad na damdamin, lahat-ng-ubos na mga hilig, sa mga lihim na paggalaw ng kaluluwa.
Ang isa pang tampok ng romantisismo ay ang interes sa alamat, alamat, engkanto. Sa romantikong Ruso, ang ballad at romantikong drama ay nagiging tanyag na mga genre. Salamat sa mga pagsasalin ni Zhukovsky, nakilala ng mga mambabasa ng Russia ang mga ballad, I.V. Goethe, F. Schiller, W. Scott, at pagkatapos noon maraming makata ang bumaling sa ballad genre: A.S. Pushkin ("Ang Awit ng Propetikong Oleg", "Ang Nalunod na Tao"), M.Yu. Lermontov ("Airship", "Mermaid"), A.K. Tolstoy at iba pa. At isa pang genre ng panitikan ang naitatag sa Russia, salamat kay V. Zhukovsky - elehiya.
Ang mga romantiko ay interesado sa iba't ibang mga makasaysayang panahon, ang kanilang pagka-orihinal, pati na rin ang mga kakaiba at mahiwagang bansa at mga pangyayari. Ang paglikha ng genre ng nobelang pangkasaysayan ay isang merito rin ng romantikismo. Ang nagtatag ng makasaysayang nobela ay si V. Scott, ngunit higit na umuunlad ang genre na ito sa mga gawa ni F. Cooper, A. Vigny, V. Hugo at iba pa.
At ang isa pang tampok ng romantikismo (malayo sa nag-iisa) ay ang paglikha ng sarili nitong, espesyal na mundo, mas maganda at totoo kaysa sa realidad. Ang romantikong bayani ay nabubuhay sa mundong ito, masigasig na ipagtanggol ang kanyang kalayaan at naniniwala na hindi siya napapailalim sa mga patakaran ng labas ng mundo, ngunit sa kanyang sariling mga patakaran.
Sa panahon ng romantisismo nagkaroon ng pag-usbong ng panitikan. Ngunit, hindi katulad ng panitikan ng sentimentalismo, ang panitikang ito ay hindi nabakuran sa mga suliraning panlipunan at pampulitika.

I.K. Aivazovsky, I.E. Repin "Ang Paalam ni Pushkin sa Dagat" (1877)
makabuluhang lugar sa gawain ng mga romantiko (sa lahat ng uri ng sining) ang tanawin ay sumasakop - una sa lahat, ang dagat, bundok, kalangitan, mga elemento ng bagyo, kung saan ang bayani ay may mga kumplikadong relasyon. Ang kalikasan ay maaaring maging katulad ng madamdamin na katangian ng isang romantikong bayani, ngunit maaari rin itong labanan siya, maging isang pagalit na puwersa kung saan siya ay pinilit na labanan.

I. Aivazovsky "The Ninth Wave" (1850). State Russian Museum (Petersburg)
Sa iba't ibang bansa, ang kapalaran ng romantikismo ay may sariling katangian.

Romantisismo sa pagpipinta

T. Gericault

Maraming mga artista mula sa iba't ibang bansa sa Europa ang sumulat sa istilo ng romantikismo. Ngunit sa mahabang panahon, ang romantikismo ay nakikipaglaban sa klasisismo. At pagkatapos lamang ng paglitaw ng pagpipinta ni Theodore Gericault na "The Raft of the Medusa", na itinuturing na makabago, kinikilala ng mga tagasunod ng istilong pang-akademiko ang romantikismo bilang isang bagong artistikong direksyon sa sining, kahit na ang pagpipinta sa una ay natanggap na hindi sinasang-ayunan. Ngunit ang larawang ito ang nagmarka ng simula ng romantikismong Pranses. Sa France, ang mga tradisyon ng klasisismo ay malakas, at ang bagong direksyon ay kailangang pagtagumpayan ang pagsalungat.

T. Géricault "The Raft of the Medusa" (1819). Canvas, langis. 491 x 716 cm Louvre (Paris)
Ang balangkas ng larawan ay ang kwento ng frigate na "Medusa", na, dahil sa kawalan ng kakayahan ng kapitan, ay bumagsak sa baybayin ng Senegal noong 1816. Sinubukan ng 140 na mga pasahero at tripulante na tumakas sa pamamagitan ng paglapag sa isang balsa. Sa ika-12 araw lamang ay dinampot sila ng Argus brig, ngunit 15 katao lamang ang nakaligtas. Noong 1817, dalawa sa kanila, ang inhinyero na si Correard at ang surgeon na si Henri Savigny, ay magsusulat ng isang libro tungkol sa trahedyang ito.
Si Théodore Géricault, tulad ng marami pang iba, ay nagulat sa nangyari kay Medusa. Nakipag-usap siya sa mga nakasaksi sa kaganapan, gumagawa ng mga sketch ng mga pinatay at namamatay, nagsusulat ng daan-daang sketch ng rumaragasang dagat. At kahit na ang larawan ay nakikilala sa pamamagitan ng isang kulay ng monochrome, ang pangunahing bentahe nito ay nasa malalim na sikolohiya ng sitwasyon na inilalarawan sa canvas.
Ang isa pang pinuno ng romantikong trend sa European painting ay ang Pranses na pintor at graphic artist na si Eugene Delacroix.

Eugene Delacroix "Self-portrait" (1837)
Ang kanyang pagpipinta na Liberty Leading the People (1830) ay batay sa Rebolusyong Hulyo ng 1830, na nagtapos sa rehimeng Pagpapanumbalik ng monarkiya ng Bourbon.
Ang babaeng inilalarawan sa gitna ng larawan ay sumisimbolo ng kalayaan. Siya ay may takip na Phrygian sa kanyang ulo (isang simbolo ng kalayaan o rebolusyon), sa kanyang kanang kamay ay ang bandila ng Republican France, sa kanyang kaliwang kamay ay isang baril. Ang hubad na dibdib ay sumisimbolo sa dedikasyon ng mga Pranses noong panahong iyon, na may "hubad na dibdib" ay pumunta sa kaaway. Sa paligid ng Kalayaan, isang manggagawa, isang burges, isang binatilyo, na sumasagisag sa pagkakaisa ng mga mamamayang Pranses noong Rebolusyong Hulyo. Iminumungkahi ng ilang mga istoryador ng sining at kritiko na inilarawan ng artist ang kanyang sarili bilang isang tao sa isang nangungunang sumbrero sa kaliwa ng pangunahing karakter.

O. Kiprensky "Self-portrait" (1828)
Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) - sikat na Russian artist, graphic artist at pintor, portrait master.

O. Kiprensky "Larawan ng A.S. Pushkin" (1827). Canvas, langis. 63 x 54 cm. Estado Tretyakov Gallery(Moscow)
Ito na siguro ang pinaka sikat na larawan Pushkin, na inatasan sa artist ng kaibigan ni Pushkin na si Delvig. Sa canvas, si Pushkin ay inilalarawan sa baywang, na naka-cross ang mga braso sa kanyang dibdib. Ang isang checkered Scottish plaid ay itinapon sa kanang balikat ng makata - kasama ang detalyeng ito na tinukoy ng artist ang koneksyon ni Pushkin kay Byron, ang idolo ng panahon ng romantikismo.

K. Bryullov "Self-portrait" (1848)
Ang gawa ng Russian artist na si K. Bryullov ay inuri bilang akademiko, ngunit ang ilan sa kanyang mga kuwadro na gawa ay ang rurok ng huling romantikong Ruso, na may kanilang pakiramdam ng trahedya at tunggalian sa buhay, interes sa malakas na mga hilig, hindi pangkaraniwang mga tema at sitwasyon, at sa kapalaran ng malaking masa ng tao.

K. Bryullov "Ang Huling Araw ng Pompeii" (1830-1833). Canvas, langis. 465.5 x 651 cm State Russian Museum (Petersburg)
Pinagsama ni Bryullov sa larawan ang drama ng aksyon, ang mga romantikong epekto ng pag-iilaw at ang sculptural, klasikal na perpektong plasticity ng mga figure.
Ang pagpipinta ay naglalarawan sa sikat na pagsabog ng Mount Vesuvius noong 79 AD. e. at ang pagkawasak ng lungsod ng Pompeii malapit sa Naples. Ang "Huling Araw ng Pompeii" ay naglalarawan ng romantikismo ng pagpipinta ng Russia, na may halong idealismo, isang pagtaas ng interes sa bukas na hangin at nakakaakit sa mga katulad na makasaysayang paksa. Ang malalim na sikolohiyang likas sa romantikismo ay nakakatulong upang makita ang isang personalidad sa bawat karakter: kagalang-galang at walang pag-iimbot (isang grupo ng mga tao sa ibabang kanang sulok ng larawan, may bitbit na matanda), sakim (isang pigura na nakaputi, may dalang ari-arian ng isang tao na ninakaw. ang tuso), mapagmahal (isang binata sa kanang bahagi ng pagpipinta, sinusubukang iligtas ang kanyang minamahal), isang deboto (isang ina na niyayakap ang kanyang mga anak na babae sa ibabang kaliwang sulok ng larawan), atbp.
Ang larawan ng artist sa kaliwang sulok ng larawan ay isang self-portrait ng may-akda.
Ngunit ang kapatid ng artista, Bryullov Alexander Pavlovich, ay isang kinatawan ng romantikismo sa arkitektura (bagaman isa rin siyang artista).

A. Bryullov "Self-portrait" (1830)
Gumawa siya ng mga proyekto para sa mga gusali sa St. Petersburg at sa mga paligid nito.

Ang gusali ng Mikhailovsky Theatre ay itinayo din ayon sa proyekto ng A. Bryullov.

Orthodox Church of the Holy Apostles Peter at Paul sa nayon ng Pargolovo (ngayon ay teritoryo ng St. Petersburg)

Romantisismo sa musika

M. Vodzinskaya "Portrait of F. Chopin" (1835)

Nabuo noong 1820s, nakuha ng romanticism sa musika ang buong ika-19 na siglo. at kinakatawan ng isang buong kalawakan ng mga pinaka mahuhusay na kompositor, kung saan ito ay kahit na mahirap na itangi ang isang tao o iilan upang hindi makasakit ng damdamin ng iba. Samakatuwid, susubukan naming pangalanan ang maraming pangalan hangga't maaari. Ang pinakakilalang kinatawan ng romantikismo sa musika ay sina Franz Schubert, Franz Liszt, gayundin ang mga yumaong romantikong sina Anton Bruckner at Gustav Mahler (Austria-Hungary); Ludwig van Beethoven (sa bahagi), Johannes Brahms, Richard Wagner, Anna Maria Weber, Robert Schumann, Felix Mendelssohn (Germany); Frederic Chopin (Poland); Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, maagang Giuseppe Verdi (Italy); A. A. Alyabiev, M. I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, M.A. Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, P. I. Tchaikovsky (Russia).

J. Kriehuber "Portrait of R. Schumann" (1849)
Sinubukan ng mga romantikong kompositor na ipahayag ang lalim at kayamanan ng panloob na mundo ng isang tao sa tulong ng mga musikal na paraan. Ang musika ay nagiging mas embossed, indibidwal. Ang mga genre ng kanta ay umuunlad, kabilang ang ballad.

Ang pangunahing problema ng romantikong musika ay ang problema ng personalidad sa kontrahan nito sa labas ng mundo. Ang romantikong bayani ay palaging nag-iisa. Ang tema ng kalungkutan ay ang pinakasikat sa lahat ng romantikong sining. Kadalasan, ang ideya ng isang taong malikhain ay nauugnay dito: ang isang tao ay nag-iisa kapag siya ay tiyak na isang pambihirang, likas na matalino na tao. Ang artista, makata, musikero ay ang mga paboritong bayani sa mga gawa ng mga romantiko (Schumann's Love of the Poet, Berlioz's Fantastic Symphony kasama ang subtitle nito - "An Episode from the Artist's Life", ang symphonic poem ni Liszt na "Tasso").

P.I. Chaikovsky
Ang romantikong musika, tulad ng iba pang mga uri ng romantikong sining, ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malalim na interes sa pagkatao ng tao, ang pamamayani ng isang personal na tono sa musika. Kadalasan ang mga musikal na gawa ay may katangian ng sariling talambuhay, na nagdala ng isang espesyal na katapatan sa musika. Halimbawa, marami sa mga gawa ng piano ni Schumann ay konektado sa kuwento ng kanyang pagmamahal kay Clara Wieck. Ang autobiographical na katangian ng kanyang mga opera ay binigyang-diin ni Wagner. Ang musika ni Chopin ay maaari ding tawaging autobiographical; ipinahayag niya ang kanyang pananabik para sa kanyang tinubuang-bayan (Poland) sa kanyang mga mazurka, polonaises, at ballads. Labis na umiibig sa Russia at kalikasan ng Russia, P.I. Si Tchaikovsky ay gumuhit ng mga larawan ng kalikasan sa marami sa kanyang mga gawa, at ang cycle ng mga piraso para sa pianoforte na "The Seasons" ay ganap na nakatuon dito.

Romantisismo sa panitikan

Magkapatid na Grimm: Wilhelm at Jacob

Ang romantikismo ay unang umusbong sa Alemanya, sa mga manunulat at pilosopo ng paaralang Jena. Ito ay isang grupo ng mga pigura ng romantikong kilusan na nagtipon noong 1796 sa unibersidad ng lungsod ng Jena (magkapatid na August Wilhelm at Friedrich Schlegel, Ludwig Tieck, Novalis). Nagsisimula silang mag-publish ng magazine ng Ateneum, kung saan bumalangkas sila ng kanilang sariling aesthetic na programa ng romanticism. Sa hinaharap, ang romantikong Aleman ay nakikilala sa pamamagitan ng isang interes sa fairy-tale at mythological motifs (ang gawain ng magkapatid na Wilhelm at Jacob Grimm, Hoffmann).

R. Westall "Portrait of Byron"
Ang isang kilalang kinatawan ng English romanticism ay si D.G. Byron, na, ayon kay A.S. Pushkin "nadamit ng mapurol na romantikismo at walang pag-asa na pagkamakasarili." Ang kanyang gawain ay puno ng kalunos-lunos na pakikibaka at protesta laban modernong mundo, ang pag-awit ng kalayaan at indibidwalismo.
Kasama sa romantikong Ingles ang gawain ni Shelley, John Keats, William Blake.

Prosper Merimee
Lumaganap din ang romantikismo sa ibang bansa sa Europa. Sa France, ang mga kinatawan nito ay Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand. Sa Italy - N.U. Foscolo, A. Manzoni. Sa Poland - Adam Mickiewicz, Juliusz Slowacki at iba pa, sa USA - Washington Irving, Fenimore Cooper, Edgar Allan Poe, Henry Longfellow at iba pa.

Adam Miscavige

Romantisismo sa panitikang Ruso

K. Bryullov "Larawan ni V. Zhukovsky"

Kasama sa mga romantikong makata ang K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov. Ang maagang tula ng A. S. Pushkin - sa loob ng balangkas ng romantikismo. Ang rurok ng romantikong Ruso ay itinuturing na tula ni M. Yu. Lermontov, na tinawag na "Russian Byron".

P. Zabolotsky. “Larawan ni M.Yu. Lermontov sa kapa ng Life Guards Hussar Regiment "(1837)
Ang personalidad at kaluluwa ay ang pangunahing katotohanan ng pagiging para kay Lermontov, ang pag-aaral ng pagkatao at kaluluwa ng tao ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa. Sa paggalugad ng mga pinagmulan ng mabuti at masama, dumating si Lermontov sa konklusyon na ang mabuti at masama ay hindi umiiral sa labas ng isang tao, ngunit sa kanyang sarili. Samakatuwid, imposibleng umasa na ang isang tao ay magbabago para sa mas mahusay bilang isang resulta ng isang pagbabago sa mundo. Kaya naman halos ganap na kawalan ng mga panawagan ang makata upang ipaglaban ang katarungang panlipunan. Ang pangunahing pokus ni Lermontov ay ang kaluluwa ng tao at ang kanyang espirituwal na landas.
Ang pilosopikal na liriko ng F. I. Tyutchev ay kumpletong romantikismo sa Russia.

F. I. Tyutchev (1860-1861). Larawan ni S. Levitsky
F.I. Hindi itinuring ni Tyutchev ang kanyang sarili na isang makata (nagsilbi siya bilang isang diplomat), ngunit ang lahat ng kanyang mga tula ay autobiographical at puno ng mga pilosopikal na pagmumuni-muni tungkol sa mundo at tao dito, tungkol sa mga kontradiksyon na nagpapahirap sa kaluluwa ng tao, tungkol sa kahulugan ng buhay at kamatayan. .

Manahimik, magtago at magtago
At damdamin, at ang iyong mga pangarap -
Hayaan sa kaibuturan ng kaluluwa
Tumayo sila at pumasok
Tahimik, tulad ng mga bituin sa gabi,
Humanga sila - at tumahimik.

Paano maipahayag ng puso ang sarili?
Paano ka maiintindihan ng ibang tao?
Maiintindihan ba niya kung paano ka nabubuhay?
Ang thought spoken ay isang kasinungalingan.
Sumasabog, abalahin ang mga susi, -
Kumain sila - at tumahimik.

Tanging alam mo kung paano mamuhay sa iyong sarili -
Mayroong isang buong mundo sa iyong kaluluwa
Mahiwagang mahiwagang kaisipan;
Ang ingay sa labas ay mabibingi sila
Magkakalat ang mga sinag sa araw, -
Makinig sa kanilang pag-awit - at tumahimik! ..
_______________
* Katahimikan! (lat.)

Nasabi na natin nang higit sa isang beses na ang isang artista, makata o kompositor ay hindi palaging gumagana sa isang uri ng artistikong istilo. Bilang karagdagan, ang artistikong istilo ay hindi palaging umaangkop sa isang tiyak na yugto ng panahon. Kaya, ang mga tampok ng anumang artistikong istilo ay matatagpuan anumang oras. Minsan ito ay isang fashion (halimbawa, ang istilo ng Empire ay biglang sumikat muli kamakailan), kung minsan ito ay ang pangangailangan ng artist para sa isang paraan ng pagpapahayag ng sarili.

Ang romantikismo bilang isang kalakaran sa pagpipinta ay nabuo sa Kanlurang Europa sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Naabot ng romantikismo ang rurok nito sa sining ng karamihan sa mga bansa sa Kanlurang Europa noong 1920s at 1930s. ika-19 na siglo.

Ang terminong "romantisismo" mismo ay nagmula sa salitang "nobela" (noong ika-17 siglo, ang mga akdang pampanitikan na isinulat hindi sa Latin, ngunit sa mga wikang nagmula rito - Pranses, Ingles, atbp.) ay tinawag na mga nobela. Nang maglaon, ang lahat ng hindi maintindihan at mahiwaga ay nagsimulang tawaging romantiko.

Bilang isang kultural na kababalaghan, ang romantikismo ay nabuo mula sa isang espesyal na pananaw sa mundo na nabuo ng mga resulta ng Rebolusyong Pranses. Nabigo sa mga mithiin ng Enlightenment, ang Romantics, na nagsusumikap para sa pagkakaisa at integridad, ay lumikha ng mga bagong aesthetic ideals at artistikong mga halaga. Ang pangunahing bagay ng kanilang atensyon ay ang mga natatanging karakter sa lahat ng kanilang mga karanasan at pagnanais para sa kalayaan. Ang bayani ng mga romantikong gawa ay isang pambihirang tao na, sa pamamagitan ng kalooban ng kapalaran, ay natagpuan ang kanyang sarili sa mahirap na mga kalagayan sa buhay.

Bagama't umusbong ang romantisismo bilang protesta laban sa sining ng klasisismo, sa maraming paraan ay malapit ito sa huli. Ang mga romantiko ay bahagyang kinatawan ng klasisismo bilang N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.

Ang mga romantika ay ipinakilala sa pagpipinta ng mga orihinal na pambansang tampok, iyon ay, isang bagay na kulang sa sining ng mga klasiko.
Ang pinakamalaking kinatawan ng French romanticism ay si T. Gericault.

Theodore Géricault

Si Theodore Gericault, ang mahusay na pintor ng Pransya, iskultor at graphic artist, ay isinilang noong 1791 sa Rouen sa isang mayamang pamilya. Ang talento ng artista ay nagpakita sa kanya nang maaga. Kadalasan, sa halip na pumasok sa mga klase sa paaralan, si Géricault ay nakaupo sa kuwadra at gumuhit ng mga kabayo. Kahit na noon, hinahangad niyang hindi lamang ilipat ang mga panlabas na katangian ng mga hayop sa papel, kundi upang maihatid din ang kanilang init ng ulo at pagkatao.

Pagkatapos ng pagtatapos mula sa Lyceum noong 1808, si Géricault ay naging estudyante ng sikat na pintor noon na si Carl Vernet, na sikat sa kanyang kakayahang maglarawan ng mga kabayo sa canvas. Gayunpaman, hindi nagustuhan ng batang artista ang istilo ni Vernet. Di-nagtagal ay umalis siya sa workshop at pumunta sa pag-aaral sa isa pa, hindi gaanong mahuhusay na pintor kaysa kay Vernet, P. N. Guerin. natututo sa dalawa mga sikat na artista, gayunpaman ay hindi ipinagpatuloy ni Gericault ang kanilang mga tradisyon sa pagpipinta. Si J. A. Gros at J. L. David ay malamang na ituring na kanyang mga tunay na guro.

Ang mga unang gawa ni Gericault ay nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan na sila ay malapit sa buhay hangga't maaari. Ang ganitong mga pagpipinta ay hindi pangkaraniwang nagpapahayag at nakakaawa. Ipinakita nila ang masigasig na kalooban ng may-akda kapag tinatasa ang mundo sa paligid niya. Ang isang halimbawa ay isang painting na tinatawag na "Officer of the Imperial Horse Rangers during an Attack", na nilikha noong 1812. Ang canvas na ito ay unang nakita ng mga bisita sa Paris Salon. Tinanggap nila ang gawain ng batang artista nang may paghanga, pinahahalagahan ang talento ng young master.

Ang gawain ay nilikha noong panahong iyon ng kasaysayan ng Pransya, nang si Napoleon ay nasa tugatog ng kanyang kaluwalhatian. Iniidolo siya ng mga kontemporaryo, ang dakilang emperador, na nagawang masakop ang karamihan sa Europa. Ito ay may ganoong mood, sa ilalim ng impresyon ng mga tagumpay ng hukbo ni Napoleon, na ang larawan ay pininturahan. Makikita sa canvas ang isang sundalong tumatakbong nakasakay sa kabayo. Bakas sa kanyang mukha ang determinasyon, tapang at walang takot sa harap ng kamatayan. Buong komposisyon
kakaibang dinamiko at emosyonal. Nararamdaman ng manonood na siya mismo ay nagiging isang tunay na kalahok sa mga kaganapang inilalarawan sa canvas.

Ang pigura ng isang matapang na sundalo ay lilitaw nang higit sa isang beses sa gawain ng Géricault. Kabilang sa mga naturang imahe, ang partikular na interes ay ang mga bayani ng mga kuwadro na "Opisyal ng Carabinieri", "Opisyal ng Cuirassier bago ang pag-atake", "Portrait of a Carabinieri", "Wounded Cuirassier", na nilikha noong 1812-1814. Ang huling gawain ay kapansin-pansin dahil ipinakita ito sa susunod na eksibisyon na ginanap sa Salon sa parehong taon. Gayunpaman, hindi ito ang pangunahing bentahe ng komposisyon. Higit sa lahat, ipinakita nito ang mga pagbabagong naganap sa malikhaing istilo ng artista. Kung ang taimtim na damdaming makabayan ay makikita sa kanyang mga unang canvases, kung gayon sa mga gawa na itinayo noong 1814, ang mga kalunos-lunos sa paglalarawan ng mga bayani ay pinalitan ng drama.

Ang isang katulad na pagbabago sa mood ng artist ay muling nauugnay sa mga kaganapan na nagaganap sa oras na iyon sa France. Noong 1812, natalo si Napoleon sa Russia, na may kaugnayan kung saan siya, na dating isang napakatalino na bayani, ay nakakuha mula sa kanyang mga kontemporaryo ng kaluwalhatian ng isang hindi matagumpay na pinuno ng militar at isang mapagmataas na mapagmataas na tao. Ipinakita ni Géricault ang kanyang pagkabigo sa perpekto sa pagpipinta na "The Wounded Cuirassier". Ang canvas ay naglalarawan ng isang sugatang mandirigma na sinusubukang umalis sa larangan ng digmaan sa lalong madaling panahon. Sumandal siya sa isang sable - isang sandata na, marahil, ilang minuto pa lang ang nakalipas ay hawak niya, itinataas ito.

Ang kawalang-kasiyahan ni Géricault sa patakaran ni Napoleon ang nagdikta sa kanyang pagpasok sa serbisyo ni Louis XVIII, na kinuha ang trono ng Pransya noong 1814. Ang katotohanan na pagkatapos ng ikalawang pag-agaw ng kapangyarihan sa France ni Napoleon (ang panahon ng Daang Araw) ang batang artista ay umalis sa kanyang katutubong bansa kasama ang mga Bourbon. Ngunit dito rin, pagkabigo ang naghihintay sa kanya. Ang binata ay hindi mahinahong panoorin kung paano sinisira ng hari ang lahat ng nakamit sa panahon ng paghahari ni Napoleon. Bilang karagdagan, sa ilalim ni Louis XVIII nagkaroon ng pagtindi ng pyudal-Katoliko na reaksyon, ang bansa ay gumulong pabalik nang mas mabilis at mas mabilis, bumalik sa lumang sistema ng estado. Hindi ito matanggap ng kabataan, nang paunti-unti taong nag-iisip. Sa lalong madaling panahon, ang binata, na nawalan ng pananampalataya sa kanyang mga mithiin, ay umalis sa hukbo na pinamumunuan ni Louis XVIII, at muling kumuha ng mga brush at pintura. Ang mga taong ito ay hindi matatawag na maliwanag at anumang bagay na kapansin-pansin sa gawa ng artista.

Noong 1816, nagpunta si Gericault sa Italya. Ang pagbisita sa Roma at Florence at pag-aralan ang mga obra maestra ng mga sikat na masters, ang artist ay mahilig sa monumental na pagpipinta. Ang mga fresco ni Michelangelo, na pinalamutian ang Sistine Chapel, ay lalo na nakaagaw ng kanyang pansin. Sa oras na ito, ang mga gawa ay nilikha ni Géricault, sa kanilang sukat at kamahalan, sa maraming aspeto na nakapagpapaalaala sa mga canvases ng mga pintor ng High Renaissance. Kabilang sa mga ito, ang pinaka-interesante ay ang "The Abduction of the Nymph by the Centaur" at "The Man Throwing the Bull."

Ang parehong mga tampok ng estilo ng mga lumang masters ay makikita din sa pagpipinta na "Pagpapatakbo ng mga libreng kabayo sa Roma", ipininta noong 1817 at kumakatawan sa mga kumpetisyon ng mga mangangabayo sa isa sa mga karnabal na nagaganap sa Roma. Ang isang tampok ng komposisyon na ito ay na ito ay pinagsama-sama ng artist mula sa dati nang ginawang natural na mga guhit. Bukod dito, ang likas na katangian ng mga sketch ay kapansin-pansing naiiba sa estilo ng buong trabaho. Kung ang una ay mga eksena na naglalarawan sa buhay ng mga Romano - ang mga kontemporaryo ng artista, kung gayon sa pangkalahatang komposisyon mayroong mga larawan ng matapang. mga sinaunang bayani parang nagmula sila sa mga sinaunang kwento. Dito, sinusunod ni Gericault ang landas ni J. L. David, na, upang maibigay ang imahe ng mga heroic pathos, binihisan ang kanyang mga bayani sa mga sinaunang anyo.

Di-nagtagal pagkatapos ng pagpipinta ng larawang ito, bumalik si Gericault sa France, kung saan siya ay naging miyembro ng bilog ng oposisyon na nabuo sa paligid ng pintor na si Horace Vernet. Pagdating sa Paris, ang artist ay lalo na interesado sa mga graphics. Noong 1818, lumikha siya ng isang serye ng mga lithograph sa isang tema ng militar, kung saan ang pinakamahalaga ay "Bumalik mula sa Russia". Ang lithograph ay kumakatawan sa mga natalong sundalo ng hukbong Pranses na gumagala sa isang bukid na nababalutan ng niyebe. Ang mga pigura ng mga taong lumpo at pagod na sa digmaan ay inilalarawan sa isang parang buhay at makatotohanang paraan. Walang kalunos-lunos at kabayanihan sa komposisyon, na karaniwan sa mga unang gawa ni Gericault. Hinahangad ng artista na ipakita ang totoong estado ng mga bagay, ang lahat ng mga sakuna na kinailangang tiisin ng mga sundalong Pranses ng kanilang kumander sa isang dayuhang lupain.

Sa akdang "Bumalik mula sa Russia" sa unang pagkakataon ay narinig ang tema ng pakikibaka ng tao sa kamatayan. Gayunpaman, dito ang motibong ito ay hindi pa ipinahayag nang malinaw tulad ng sa mga huling gawa ng Géricault. Ang isang halimbawa ng naturang mga canvases ay maaaring isang pagpipinta na tinatawag na "The Raft of the Medusa". Ito ay isinulat noong 1819 at ipinakita sa Paris Salon sa parehong taon. Inilalarawan ng canvas ang mga taong nakikibaka sa nagngangalit na elemento ng tubig. Ipinapakita ng artista hindi lamang ang kanilang pagdurusa at pagdurusa, kundi pati na rin ang pagnanais na lumitaw na matagumpay sa paglaban sa kamatayan sa lahat ng mga gastos.

Ang balangkas ng komposisyon ay idinidikta ng isang kaganapan na naganap noong tag-araw ng 1816 at nasasabik sa buong France. Ang sikat na frigate na "Medusa" noon ay bumangga sa mga bahura at lumubog sa baybayin ng Africa. Sa 149 na tao na nasa barko, 15 lamang ang nakatakas, kabilang ang surgeon na si Savigny at ang engineer na si Correard. Pagdating sa kanilang sariling bayan, naglathala sila ng isang maliit na libro na nagsasabi tungkol sa kanilang mga pakikipagsapalaran at masayang pagliligtas. Mula sa mga alaalang ito nalaman ng mga Pranses na ang kasawian ay nangyari sa pamamagitan ng kasalanan ng walang karanasan na kapitan ng barko, na nakasakay salamat sa pagtangkilik ng isang marangal na kaibigan.

Ang mga imahe na nilikha ng Gericault ay hindi pangkaraniwang dynamic, plastik at nagpapahayag, na nakamit ng artist sa pamamagitan ng mahaba at maingat na trabaho. Upang tunay na mailarawan ang mga kakila-kilabot na kaganapan sa canvas, upang maihatid ang damdamin ng mga taong namamatay sa dagat, nakipagpulong ang artista sa mga nakasaksi ng trahedya, sa mahabang panahon pinag-aaralan niya ang mga mukha ng mga payat na pasyente na ginagamot sa isa sa mga ospital sa Paris. , pati na rin ang mga mandaragat na nagawang makatakas mula sa mga pagkawasak ng barko. Sa oras na ito, ang pintor ay lumikha ng isang malaking bilang ng mga gawa sa portrait.

Ang rumaragasang dagat ay puno rin ng malalim na kahulugan, na para bang sinusubukang lunukin ang isang marupok na balsa na gawa sa kahoy kasama ng mga tao. Ang larawang ito ay hindi karaniwang nagpapahayag at dynamic. Ito, tulad ng mga pigura ng mga tao, ay iginuhit mula sa kalikasan: ang artista ay gumawa ng ilang mga sketch na naglalarawan sa dagat sa panahon ng isang bagyo. Gumagawa sa isang monumental na komposisyon, paulit-ulit na bumaling si Gericault sa mga naunang inihandang sketch upang ganap na maipakita ang likas na katangian ng mga elemento. Iyon ang dahilan kung bakit ang larawan ay gumagawa ng malaking impresyon sa manonood, nakumbinsi siya sa pagiging totoo at katotohanan ng nangyayari.

Ang "The Raft of the Medusa" ay nagtatanghal ng Géricault bilang isang kahanga-hangang master ng komposisyon. Sa loob ng mahabang panahon, naisip ng artist kung paano ayusin ang mga figure sa larawan upang lubos na maipahayag ang intensyon ng may-akda. Maraming mga pagbabago ang ginawa sa panahon ng trabaho. Ang mga sketch na nauuna sa pagpipinta ay nagpapahiwatig na sa una ay nais ni Gericault na ilarawan ang pakikibaka ng mga tao sa balsa sa bawat isa, ngunit kalaunan ay inabandona ang gayong interpretasyon ng kaganapan. Sa huling bersyon, kinakatawan ng canvas ang sandali kung kailan nakita ng mga desperado na ang barkong Argus sa abot-tanaw at iniunat ang kanilang mga kamay dito. Ang huling karagdagan sa larawan ay ang pigura ng tao na nakalagay sa ibaba, sa kanang bahagi ng canvas. Siya ang huling ugnay ng komposisyon, na pagkatapos nito ay nakakuha ng isang malalim na trahedya na karakter. Kapansin-pansin na ang pagbabagong ito ay ginawa nang ang pagpipinta ay naka-display na sa Salon.

Dahil sa monumentalidad at mas mataas na emosyonalidad nito, ang pagpipinta ni Gericault sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa gawa ng mga High Renaissance masters (karamihan ay ang The Last Judgment ni Michelangelo), na nakilala ng artist habang naglalakbay sa Italya.

Ang pagpipinta na "The Raft of the Medusa", na naging isang obra maestra ng French painting, ay isang malaking tagumpay sa mga bilog ng oposisyon, na nakita ito bilang isang salamin ng mga rebolusyonaryong mithiin. Para sa parehong mga kadahilanan, ang gawain ay hindi tinanggap sa mga pinakamataas na maharlika at opisyal na kinatawan ng sining ng France. Iyon ang dahilan kung bakit sa oras na iyon ang canvas ay hindi binili ng estado mula sa may-akda.

Nabigo sa pagtanggap na ibinigay sa kanyang nilikha sa bahay, pumunta si Gericault sa England, kung saan ipinakita niya ang kanyang paboritong gawain sa korte ng British. Sa London, natanggap ng mga art connoisseurs ang sikat na canvas na may malaking sigasig.

Lumapit si Gericault sa mga artistang Ingles, na nanalo sa kanya sa kanilang kakayahang tapat at totoo na ilarawan ang katotohanan. Ang Gericault ay naglalaan ng isang siklo ng mga lithograph sa buhay at buhay ng kabisera ng England, kung saan ang mga gawa na nakatanggap ng mga pamagat na "The Great English Suite" (1821) at "The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery" (1821) ay ang pinakamalaking interes. Sa huli, inilarawan ng artist ang isang London tramp, na sumasalamin sa mga impression na natanggap ng pintor sa proseso ng pag-aaral ng buhay ng mga tao sa mga nagtatrabaho-class quarters ng lungsod.

Kasama sa parehong siklo ang mga lithograph tulad ng "The Flanders Smith" at "At the Gates of the Adelphin Shipyard", na nagpapakita sa manonood ng isang larawan ng buhay ng mga ordinaryong tao sa London. Ang interes sa mga gawang ito ay mga larawan ng mga kabayo, mabigat at sobra sa timbang. Ang mga ito ay kapansin-pansing naiiba sa mga magaganda at matikas na hayop na ipininta ng ibang mga artista - mga kapanahon ng Géricault.

Ang pagiging nasa kabisera ng England, si Gericault ay nakikibahagi sa paglikha ng hindi lamang mga lithograph, kundi pati na rin mga kuwadro na gawa. Ang isa sa mga pinaka-kapansin-pansin na mga gawa ng panahong ito ay ang canvas na "Race at Epsom", na nilikha noong 1821. Sa larawan, inilalarawan ng artist ang mga kabayo na nagmamadali nang buong bilis, at ang kanilang mga binti ay hindi nakadikit sa lupa. Ang tusong pamamaraan na ito (pinatunayan ng litrato na ang mga kabayo ay hindi maaaring magkaroon ng ganoong posisyon ng mga binti sa panahon ng pagtakbo, ito ang pantasiya ng artist) ay ginagamit ng master upang magbigay ng dinamismo sa komposisyon, upang bigyan ang manonood ng impresyon ng kidlat- mabilis na paggalaw ng mga kabayo. Ang pakiramdam na ito ay pinahusay ng tumpak na paglipat ng plasticity (pose, kilos) ng mga pigura ng tao, pati na rin ang paggamit ng maliwanag at mayaman na mga kumbinasyon ng kulay (pula, bay, puting kabayo; malalim na asul, madilim na pula, puti-asul at ginintuang- dilaw na jacket ng mga hinete) .

Ang tema ng karera ng kabayo, na matagal nang nakakaakit ng atensyon ng pintor sa pamamagitan ng espesyal na pagpapahayag nito, ay inulit ng higit sa isang beses sa mga gawa na nilikha ni Géricault pagkatapos ng pagkumpleto ng trabaho sa Horse Racing sa Epsom.

Sa pamamagitan ng 1822 ang artist ay umalis sa England at bumalik sa kanyang katutubong France. Dito siya ay nakikibahagi sa paglikha ng mga malalaking canvases, katulad ng mga gawa ng mga masters ng Renaissance. Kabilang sa mga ito ay "Negro trade", "Pagbukas ng mga pinto ng bilangguan ng Inquisition sa Espanya". Ang mga kuwadro na ito ay nanatiling hindi natapos - ang kamatayan ay humadlang kay Gericault na makumpleto ang gawain.

Ang partikular na interes ay ang mga portrait, ang paglikha ng kung saan ang mga art historian ay iniuugnay sa panahon mula 1822 hanggang 1823. Ang kasaysayan ng kanilang pagsulat ay nararapat na espesyal na pansin. Ang katotohanan ay ang mga larawang ito ay kinomisyon ng isang kaibigan ng artista, na nagtrabaho bilang isang psychiatrist sa isang klinika sa Paris. Sila ay dapat na maging isang uri ng mga ilustrasyon na nagpapakita ng iba't ibang sakit sa pag-iisip tao. Kaya ang mga portrait na "Crazy old woman", "Crazy", "Crazy, imagining himself a commander" ay pininturahan. Para sa master ng pagpipinta, hindi gaanong mahalaga na ipakita ang mga panlabas na palatandaan at sintomas ng sakit, ngunit upang maihatid ang panloob, estado ng pag-iisip maysakit na tao. Ang mga trahedya na larawan ng mga tao ay lumilitaw sa mga canvases sa harap ng manonood, na ang mga mata ay puno ng sakit at kalungkutan.

Kabilang sa mga larawan ng Géricault, ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng isang larawan ng isang Negro, na kasalukuyang nasa koleksyon ng Rouen Museum. Ang isang determinado at malakas ang kalooban na tao ay tumitingin sa manonood mula sa canvas, handang lumaban hanggang sa wakas na may mga pwersang pagalit sa kanya. Ang imahe ay hindi pangkaraniwang maliwanag, emosyonal at nagpapahayag. Ang lalaki sa larawang ito ay halos kapareho sa mga masugid na bayani na ipinakita noon ni Gericault sa malalaking komposisyon (halimbawa, sa canvas na "The Raft of the Medusa").

Si Gericault ay hindi lamang isang master ng pagpipinta, kundi isang mahusay na iskultor. Ang kanyang mga gawa sa ganitong anyo ng sining sa simula ng ika-19 na siglo ay ang mga unang halimbawa ng mga romantikong eskultura. Kabilang sa mga naturang gawa, ang hindi pangkaraniwang nagpapahayag na komposisyon na "Nymph at Satyr" ay partikular na interes. Ang mga imaheng nagyelo sa paggalaw ay tumpak na naghahatid ng plasticity katawan ng tao.

Malungkot na namatay si Théodore Gericault noong 1824 sa Paris, na bumagsak sa pagkahulog mula sa isang kabayo. Ang kanyang maagang pagkamatay ay isang sorpresa sa lahat ng mga kontemporaryo ng sikat na artista.

Ang gawain ng Gericault ay minarkahan ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng pagpipinta hindi lamang sa Pransya, kundi pati na rin sa sining ng mundo - ang panahon ng romantikismo. Sa kanyang mga gawa, napagtagumpayan ng master ang impluwensya ng mga klasikal na tradisyon. Ang kanyang mga gawa ay hindi pangkaraniwang makulay at sumasalamin sa pagkakaiba-iba ng natural na mundo. Sa pamamagitan ng pagpapakilala ng mga pigura ng tao sa komposisyon, ang artist ay nagsusumikap na ipakita ang panloob na damdamin at emosyon ng isang tao nang buo at malinaw hangga't maaari.

Pagkatapos ng kamatayan ni Gericault, ang mga tradisyon ng kanyang romantikong sining ay kinuha ng nakababatang kontemporaryo ng artist, si E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Si Ferdinand Victor Eugene Delacroix, ang sikat na Pranses na pintor at graphic artist, ang kahalili ng mga tradisyon ng romantikismo na nabuo sa gawain ni Géricault, ay isinilang noong 1798. Nang hindi natapos ang kanyang pag-aaral sa Imperial Lyceum, noong 1815 ay pumasok si Delacroix sa sikat na master Guerin. Gayunpaman, ang mga masining na pamamaraan ng batang pintor ay hindi nakakatugon sa mga kinakailangan ng guro, kaya pagkatapos ng pitong taon ay iniwan siya ng binata.

Ang pag-aaral kasama si Guerin, Delacroix ay naglalaan ng maraming oras sa pag-aaral ng gawain ni David at ang mga masters ng pagpipinta ng Renaissance. Isinasaalang-alang niya ang kultura ng unang panahon, ang mga tradisyon na sinundan din ni David, bilang pangunahing para sa pag-unlad ng sining ng mundo. Samakatuwid, ang mga aesthetic ideals para kay Delacroix ay ang mga gawa ng mga makata at palaisip ng sinaunang Greece, kasama ng mga ito ang artist lalo na pinahahalagahan ang mga gawa ni Homer, Horace at Marcus Aurelius.

Ang mga unang gawa ni Delacroix ay mga hindi natapos na canvases, kung saan hinangad ng batang pintor na ipakita ang pakikibaka ng mga Greek sa mga Turko. Gayunpaman, ang artist ay kulang sa kasanayan at karanasan upang lumikha ng isang nagpapahayag na larawan.

Noong 1822, ipinakita ni Delacroix ang kanyang trabaho sa Paris Salon sa ilalim ng pamagat na Dante at Virgil. Ang canvas na ito, hindi pangkaraniwang emosyonal at maliwanag na kulay, sa maraming paraan ay kahawig ng gawa ng Géricault "The Raft of the Medusa".

Pagkalipas ng dalawang taon, isa pang pagpipinta ni Delacroix, The Massacre at Chios, ang ipinakita sa mga manonood ng Salon. Nasa loob nito na ang matagal nang plano ng artista ay isinama upang ipakita ang pakikibaka ng mga Griyego sa mga Turko. Ang kabuuang komposisyon ng larawan ay binubuo ng ilang bahagi, na bumubuo ng mga grupo ng mga tao na inilagay nang hiwalay, bawat isa sa kanila ay may sariling dramatikong salungatan. Sa pangkalahatan, ang gawain ay nagbibigay ng impresyon ng isang malalim na trahedya. Ang pakiramdam ng pag-igting at dynamism ay pinahusay ng kumbinasyon ng makinis at matutulis na mga linya na bumubuo sa mga figure ng mga character, na humahantong sa isang pagbabago sa proporsyon ng taong inilalarawan ng artist. Gayunpaman, tiyak na dahil dito na ang larawan ay nakakakuha ng isang makatotohanang katangian at kredibilidad sa buhay.

Ang malikhaing paraan ng Delacroix, na ganap na ipinahayag sa "Massacre of Chios", ay malayo sa klasikong istilo na tinatanggap noon sa mga opisyal na bilog ng France at sa mga kinatawan ng sining. Samakatuwid, ang larawan ng batang artista ay sinalubong ng matalim na pagpuna sa Salon.

Sa kabila ng kabiguan, ang pintor ay nananatiling tapat sa kanyang ideal. Noong 1827, lumitaw ang isa pang gawain na nakatuon sa tema ng pakikibaka ng mga taong Griyego para sa kalayaan - "Greece on the ruins of Missolonghi". Ang pigura ng isang determinado at mapagmataas na babaeng Griyego na inilalarawan sa canvas ay nagpapakilala sa hindi nasakop na Greece dito.

Noong 1827, nagsagawa si Delacroix ng dalawang gawa na sumasalamin sa malikhaing paghahanap ng master sa larangan ng paraan at pamamaraan. masining na pagpapahayag. Ito ang mga canvases na "Death of Sardanapalus" at "Marino Faliero". Sa una sa kanila, ang trahedya ng sitwasyon ay ipinarating sa paggalaw ng mga pigura ng tao. Tanging ang imahe ni Sardanapal mismo ang static at kalmado dito. Sa komposisyon ng "Marino Faliero" tanging ang pigura ng pangunahing tauhan ang dinamiko. Ang iba sa mga bayani ay tila nanigas sa takot sa pag-iisip ng malapit nang mangyari.

Noong 20s. ika-19 na siglo Nagsagawa si Delacroix ng maraming mga gawa, na ang mga plot ay kinuha mula sa mga sikat na akdang pampanitikan. Noong 1825 binisita ng artista ang England, ang lugar ng kapanganakan ni William Shakespeare. Sa parehong taon, sa ilalim ng impresyon ng paglalakbay na ito at ang trahedya ng sikat na playwright na si Delacroix, ang lithograph na "Macbeth" ay ginawa. Sa panahon mula 1827 hanggang 1828, lumikha siya ng isang lithograph na "Faust", na nakatuon sa gawain ng parehong pangalan ni Goethe.

Kaugnay ng mga pangyayaring naganap sa France noong 1830, isinagawa ni Delacroix ang pagpipinta na "Liberty Leading the People". Ang rebolusyonaryong France ay ipinakita sa imahe ng isang bata, malakas na babae, makapangyarihan, determinado at independiyente, matapang na pinamumunuan ang karamihan, kung saan ang mga pigura ng isang manggagawa, isang estudyante, isang sugatang sundalo, isang Parisian gamen ay namumukod-tangi (isang imahe na inaasahan Gavroche, na kalaunan ay lumabas sa Les Misérables ni V. Hugo ).

Ang gawaing ito ay kapansin-pansing naiiba sa mga katulad na gawa ng ibang mga artista na interesado lamang sa makatotohanang paghahatid ng isang kaganapan. Ang mga canvases na nilikha ni Delacroix ay nailalarawan sa pamamagitan ng mataas na heroic pathos. Ang mga larawan dito ay mga pangkalahatang simbolo ng kalayaan at kalayaan ng mga Pranses.

Sa pagdating sa kapangyarihan ni Louis Philippe, ang burgis na hari, kabayanihan at matayog na damdaming ipinangaral ni Delacroix, walang lugar sa modernong buhay. Noong 1831 ang artista ay naglakbay sa mga bansang Aprikano. Naglakbay siya sa Tangier, Meknes, Oran at Algiers. Kasabay nito, bumisita si Delacroix sa Espanya. Ang buhay ng Silangan ay literal na nabighani sa artista sa mabilis na daloy nito. Gumagawa siya ng mga sketch, mga guhit at isang bilang ng mga gawa ng watercolor.

Nang bumisita sa Morocco, nagpinta si Delacroix ng mga canvases na nakatuon sa Silangan. Ang mga kuwadro na gawa, kung saan ipinakita ng artista ang mga karera ng kabayo o ang labanan ng mga Moors, ay hindi pangkaraniwang dinamiko at nagpapahayag. Kung ihahambing sa kanila, ang komposisyon na "mga babaeng Algerian sa kanilang mga silid", na nilikha noong 1834, ay tila kalmado at static. Wala itong ganoong mabilis na dinamismo at pag-igting na likas sa higit pa maagang trabaho artista. Lumilitaw dito si Delacroix bilang master of color. Ang scheme ng kulay na ginamit ng pintor sa kabuuan nito ay sumasalamin sa maliwanag na pagkakaiba-iba ng palette, na iniuugnay ng manonood sa mga kulay ng Silangan.

Ang canvas na "Jewish wedding in Morocco", na isinulat nang humigit-kumulang noong 1841, ay nailalarawan sa parehong kabagalan at sukat. Ang isang misteryosong oriental na kapaligiran ay nilikha dito salamat sa tumpak na pag-render ng artist ng orihinalidad ng pambansang interior. Ang komposisyon ay tila nakakagulat na dinamiko: ipinapakita ng pintor kung paano umakyat ang mga tao sa hagdan at pumasok sa silid. Ang liwanag na pumapasok sa silid ay ginagawang makatotohanan at nakakumbinsi ang imahe.

Ang mga silangang motif ay naroroon pa rin sa mga gawa ni Delacroix sa mahabang panahon. Kaya, sa eksibisyon na inayos sa Salon noong 1847, sa anim na gawa na ipinakita niya, lima ang nakatuon sa buhay at buhay ng Silangan.

Noong 30-40s. Noong ika-19 na siglo, lumitaw ang mga bagong tema sa gawa ni Delacroix. Sa oras na ito, ang master ay lumilikha ng mga gawa ng mga makasaysayang tema. Kabilang sa mga ito, ang mga canvases na "Protest of Mirabeau against the dissolution of the States General" at "Boissy d'Angles" ay nararapat na espesyal na pansin. Ang sketch ng huli, na ipinakita noong 1831 sa Salon, ay maliwanag na pattern mga komposisyon sa tema ng popular na pag-aalsa.

Ang mga kuwadro na "The Battle of Poitiers" (1830) at "The Battle of Taybur" (1837) ay nakatuon sa imahe ng mga tao. Sa lahat ng pagiging totoo, ang dinamika ng labanan, ang paggalaw ng mga tao, ang kanilang galit, galit at pagdurusa ay ipinapakita dito. Ang artist ay naglalayong ihatid ang mga damdamin at mga hilig ng isang tao na kinuha ng pagnanais na manalo sa lahat ng mga gastos. Ang mga pigura ng mga tao ang pangunahing naghahatid ng dramatikong katangian ng kaganapan.

Kadalasan sa mga gawa ni Delacroix, ang nagwagi at ang natalo ay mahigpit na sumasalungat sa isa't isa. Ito ay lalo na malinaw na nakikita sa canvas na "The Capture of Constantinople by the Crusaders", na isinulat noong 1840. Ang isang pangkat ng mga tao na napagtagumpayan ng kalungkutan ay ipinapakita sa harapan. Sa likod ng mga ito ay isang kaaya-aya, kaakit-akit na tanawin kasama ang kagandahan nito. Ang mga pigura ng mga matagumpay na rider ay inilalagay din dito, na ang mga kakila-kilabot na silhouette ay kaibahan sa mga malungkot na pigura sa harapan.

Ang "The Capture of Constantinople by the Crusaders" ay nagpapakita kay Delacroix bilang isang kahanga-hangang colorist. Gayunpaman, ang maliwanag at puspos na mga kulay ay hindi nagpapahusay sa kalunos-lunos na simula, na ipinahayag ng mga malungkot na pigura na matatagpuan malapit sa manonood. Sa kabaligtaran, ang isang mayamang palette ay lumilikha ng isang pakiramdam ng isang holiday na inayos bilang parangal sa mga nanalo.

Hindi gaanong makulay ang komposisyon na "Justice of Trajan", na nilikha noong parehong 1840. Kinilala ng mga kontemporaryo ng artist ang larawang ito bilang isa sa pinakamahusay sa lahat ng mga canvases ng pintor. Ang partikular na interes ay ang katotohanan na sa kurso ng trabaho ang mga eksperimento ng master sa larangan ng kulay. Maging ang mga anino ay kumuha ng iba't ibang kulay mula sa kanya. Ang lahat ng mga kulay ng komposisyon ay eksaktong tumutugma sa kalikasan. Ang pagpapatupad ng trabaho ay nauna sa mahabang obserbasyon ng pintor para sa mga pagbabago sa mga lilim sa kalikasan. Ipinasok sila ng artista sa kanyang diary. Pagkatapos, ayon sa mga tala, kinumpirma ng mga siyentipiko na ang mga natuklasan na ginawa ni Delacroix sa larangan ng tonality ay ganap na naaayon sa doktrina ng kulay na ipinanganak noong panahong iyon, ang nagtatag nito ay E. Chevreul. Bilang karagdagan, inihambing ng artist ang kanyang mga natuklasan sa palette na ginamit paaralan ng Venice, na para sa kanya ay isang halimbawa ng kasanayan sa larawan.

Ang mga portrait ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa mga painting ni Delacroix. Ang master ay bihirang bumaling sa ganitong genre. Ipininta niya lamang ang mga taong matagal na niyang kilala, na ang espirituwal na pag-unlad ay naganap sa harap ng artista. Samakatuwid, ang mga imahe sa mga portrait ay napaka nagpapahayag at malalim. Ito ang mga larawan nina Chopin at George Sand. Ang canvas na nakatuon sa sikat na manunulat (1834) ay naglalarawan ng isang marangal at malakas ang loob na babae na nagpapasaya sa kanyang mga kontemporaryo. Ang larawan ni Chopin, na ipininta makalipas ang apat na taon, noong 1838, ay kumakatawan sa isang mala-tula at espirituwal na imahe ng mahusay na kompositor.

Isang kawili-wili at hindi pangkaraniwang nagpapahayag na larawan ng sikat na biyolinista at kompositor na si Paganini, na ipininta ni Delacroix noong 1831. Ang estilo ng musikal ng Paganini ay sa maraming paraan ay katulad ng paraan ng pagpipinta ng pintor. Ang gawa ni Paganini ay nailalarawan sa parehong pagpapahayag at matinding emosyonalidad na katangian ng mga gawa ng pintor.

Ang mga tanawin ay sumasakop sa isang maliit na lugar sa gawain ng Delacroix. Gayunpaman, sila ay naging napakahalaga para sa pagpapaunlad ng pagpipinta ng Pransya sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang mga tanawin ng Delacroix ay minarkahan ng pagnanais na tumpak na maihatid ang liwanag at mailap na buhay ng kalikasan. Ang mga matingkad na halimbawa nito ay ang mga kuwadro na "Sky", kung saan nalikha ang isang pakiramdam ng dinamika salamat sa mga ulap na puti ng niyebe na lumulutang sa kalangitan, at "Ang Dagat, na nakikita mula sa mga baybayin ng Dieppe" (1854), kung saan ang pintor ay mahusay. naghahatid ng gliding ng mga light sailboat sa ibabaw ng dagat.

Noong 1833, nakatanggap ang artista ng utos mula sa hari ng Pransya na magpinta ng isang bulwagan sa Bourbon Palace. Ang gawain sa paglikha ng isang monumental na gawain ay tumagal ng apat na taon. Kapag tinutupad ang pagkakasunud-sunod, ang pintor ay ginabayan lalo na sa katotohanan na ang mga imahe ay napaka-simple at maigsi, naiintindihan ng manonood.
Ang huling gawa ni Delacroix ay ang pagpipinta ng kapilya ng mga Banal na Anghel sa simbahan ng Saint-Sulpice sa Paris. Ginawa ito sa panahon mula 1849 hanggang 1861. Gamit ang maliliwanag, mayayamang kulay (pink, maliwanag na asul, lila, inilagay sa abo-asul at dilaw-kayumanggi na background), ang artist ay lumilikha ng isang masayang kalagayan sa mga komposisyon, na nagiging sanhi ng manonood para makaramdam ng rapturous glee. Ang tanawin, na kasama sa pagpipinta na "The Expulsion of Iliodor from the Temple" bilang isang uri ng background, ay biswal na pinapataas ang espasyo ng komposisyon at ang lugar ng kapilya. Sa kabilang banda, na parang sinusubukang bigyang-diin ang paghihiwalay ng espasyo, ipinakilala ni Delacroix ang isang hagdanan at isang balustrade sa komposisyon. Ang mga figure ng mga tao na nakalagay sa likod nito ay tila halos flat silhouettes.

Namatay si Eugene Delacroix noong 1863 sa Paris.

Si Delacroix ang pinaka-edukado sa mga pintor ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. Maraming mga paksa ng kanyang mga pagpipinta ay kinuha mula sa mga akdang pampanitikan ng mga sikat na masters ng panulat. Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay madalas na pininturahan ng artist ang kanyang mga character nang hindi gumagamit ng isang modelo. Ito ang gusto niyang ituro sa kanyang mga tagasunod. Ayon kay Delacroix, ang pagpipinta ay isang bagay na mas kumplikado kaysa sa primitive na pagkopya ng mga linya. Naniniwala ang artista na ang sining ay pangunahing nakasalalay sa kakayahang ipahayag ang kalooban at malikhaing layunin ng master.

Si Delacroix ay ang may-akda ng ilang mga teoretikal na gawa sa mga isyu ng kulay, pamamaraan at estilo ng artist. Ang mga gawang ito ay nagsilbing isang beacon para sa mga pintor ng mga susunod na henerasyon sa paghahanap ng kanilang sarili masining na paraan ginagamit sa paglikha ng mga komposisyon.

Abstract ng pagsusulit

Paksa: "Romanticism bilang isang uso sa sining".

Ginanap mag-aaral 11 "B" klase sekondaryang paaralan No. 3

Boiprav Anna

Guro sa mundo ng sining

kultura Butsu T.N.

Brest, 2002

1. Panimula

2. Mga Dahilan ng Romantisismo

3. Ang mga pangunahing tampok ng romanticism

4. romantikong bayani

5. Romantisismo sa Russia

a) Panitikan

b) Pagpipinta

c) Musika

6. Kanlurang Europeong romantikismo

a) Pagpipinta

b) Musika

7. Konklusyon

8. Mga Sanggunian

1. PANIMULA

Kung titingnan mo Diksyunaryo Wikang Ruso, mahahanap mo ang ilang mga kahulugan ng salitang "romantisismo": 1. Isang trend sa panitikan at sining ng unang quarter ng ika-19 na siglo, na nailalarawan sa pamamagitan ng idealization ng nakaraan, paghihiwalay mula sa katotohanan, ang kulto ng personalidad at tao. . 2. Isang direksyon sa panitikan at sining, na puno ng optimismo at pagnanais na magpakita matingkad na mga larawan ang mataas na layunin ng tao. 3. Isang estado ng pag-iisip na puno ng ideyalisasyon ng katotohanan, panaginip na pagmumuni-muni.

Tulad ng makikita mula sa kahulugan, ang romantisismo ay isang kababalaghan na nagpapakita ng sarili hindi lamang sa sining, kundi pati na rin sa pag-uugali, pananamit, pamumuhay, sikolohiya ng mga tao at nangyayari sa mga kritikal na sandali sa buhay, kaya ang tema ng romantisismo ay may kaugnayan pa rin ngayon. . Nabubuhay tayo sa turn of the century, nasa transitional stage na tayo. Kaugnay nito, sa lipunan ay may hindi paniniwala sa hinaharap, kawalan ng tiwala sa mga mithiin, mayroong pagnanais na makatakas mula sa nakapaligid na katotohanan sa mundo ng sariling mga karanasan at sa parehong oras ay naiintindihan ito. Ito ang mga tampok na ito na katangian ng romantikong sining. Kaya naman pinili ko ang paksang “Romanticism as a trend in art” para sa pananaliksik.

Ang Romantisismo ay isang napakalaking layer ng iba't ibang uri ng sining. Ang layunin ng aking gawain ay upang masubaybayan ang mga kondisyon para sa paglitaw at mga sanhi ng paglitaw ng romantikismo sa iba't ibang bansa, upang siyasatin ang pag-unlad ng romantikismo sa mga anyo ng sining tulad ng panitikan, pagpipinta at musika, at upang ihambing ang mga ito. Ang pangunahing gawain para sa akin ay upang i-highlight ang mga pangunahing tampok ng romantikismo, katangian ng lahat ng uri ng sining, upang matukoy kung ano ang impluwensya ng romantikismo sa pag-unlad ng iba pang mga uso sa sining.

Sa pagbuo ng tema, ginamit ko mga gabay sa pag-aaral sa sining, tulad ng mga may-akda tulad ng Filimonova, Vorotnikov, at iba pa, encyclopedic publication, monographs na nakatuon sa iba't ibang mga may-akda ng panahon ng romanticism, biographical na materyales ng mga may-akda tulad ng Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova, at iba pa.

2. MGA DAHILAN NG PINAGMULAN NG ROMANTISMO

Kung mas malapit tayo sa modernidad, mas maikli ang tagal ng panahon ng pangingibabaw ng isa o ibang istilo. Ang yugto ng panahon ng pagtatapos ng ika-18-1 ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. itinuturing na panahon ng romanticism (mula sa French Romantique; isang bagay na misteryoso, kakaiba, hindi totoo)

Ano ang nakaimpluwensya sa paglitaw ng isang bagong istilo?

Ito ang tatlong pangunahing kaganapan: ang Dakila rebolusyong Pranses, Napoleonic wars, ang pag-usbong ng pambansang kilusang pagpapalaya sa Europa.

Ang mga kulog ng Paris ay umalingawngaw sa buong Europa. Ang slogan na "Kalayaan, Pagkakapantay-pantay, Kapatiran!" ay nagtataglay ng napakalaking atraksyon para sa lahat ng mga mamamayang Europeo. Sa pagbuo ng mga burges na lipunan, nagsimulang kumilos ang uring manggagawa laban sa pyudal na sistema bilang isang malayang puwersa. Ang magkasalungat na pakikibaka ng tatlong uri - ang maharlika, ang burgesya at ang proletaryado - ang naging batayan ng makasaysayang pag-unlad ng ika-19 na siglo.

Ang kapalaran ni Napoleon at ang kanyang papel sa kasaysayan ng Europa sa loob ng 2 dekada, 1796-1815, ay sumakop sa isip ng mga kontemporaryo. "Ang pinuno ng mga pag-iisip" - Nagsalita si A.S. tungkol sa kanya. Pushkin.

Para sa France, ito ay mga taon ng kadakilaan at kaluwalhatian, kahit na sa halaga ng buhay ng libu-libong mga Pranses. Nakita ng Italya si Napoleon bilang tagapagpalaya nito. Malaki ang pag-asa ng mga Polo sa kanya.

Si Napoleon ay kumilos bilang isang mananakop na kumikilos sa interes ng Pranses na burges. Para sa mga monarko ng Europa, hindi lamang siya isang kalaban ng militar, kundi isang kinatawan din ng dayuhan na mundo ng bourgeoisie. Kinasusuklaman nila siya. Sa simula ng Napoleonic Wars, maraming direktang kalahok sa rebolusyon sa kanyang "Great Army".

Ang personalidad ni Napoleon mismo ay kahanga-hanga din. Ang binata na si Lermontov ay tumugon sa ika-10 anibersaryo ng pagkamatay ni Napoleon:

Isa siyang estranghero sa mundo. Lahat ng tungkol sa kanya ay isang misteryo.

Ang araw ng kadakilaan - at ang pagbagsak ng oras!

Ang misteryong ito ay lalong nakakuha ng atensyon ng mga romantiko.

Kaugnay ng mga digmaang Napoleoniko at ang pagkahinog ng pambansang kamalayan sa sarili, ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-usbong ng pambansang kilusan sa pagpapalaya. Ang Germany, Austria, Spain ay nakipaglaban laban sa Napoleonic occupation, Italy - laban sa Austrian yoke, Greece - laban sa Turkey, sa Poland sila ay nakipaglaban laban sa tsarism ng Russia, Ireland - laban sa British.

Ang mga kamangha-manghang pagbabago ay naganap sa harap ng mga mata ng isang henerasyon.

Higit sa lahat, pinuna ng France: ang magulong ikalimang anibersaryo ng Rebolusyong Pranses, ang pagbangon at pagbagsak ni Robespierre, ang mga kampanyang Napoleoniko, ang unang pagbibitiw ni Napoleon, ang kanyang pagbabalik mula sa isla ng Elba ("daang araw") at ang pangwakas.

pagkatalo sa Waterloo, ang madilim na ika-15 anibersaryo ng rehimeng pagpapanumbalik, ang Rebolusyong Hulyo ng 1860, ang Rebolusyong Pebrero ng 1848 sa Paris, na nagdulot ng isang rebolusyonaryong alon sa ibang mga bansa.

Sa Inglatera, bilang resulta ng rebolusyong pang-industriya sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. naitatag ang produksyon ng makina at kapitalistang relasyon. Ang repormang parlyamentaryo noong 1832 ay nagbigay daan para sa burgesya sa kapangyarihan ng estado.

Sa mga lupain ng Alemanya at Austria, napanatili ng mga pinunong pyudal ang kapangyarihan. Matapos ang pagbagsak ni Napoleon, malupit ang pakikitungo nila sa oposisyon. Ngunit maging sa lupain ng Aleman, ang steam locomotive, na dinala mula sa England noong 1831, ay naging salik sa pag-unlad ng burges.

Binago ng mga rebolusyong pang-industriya, mga rebolusyong pampulitika ang mukha ng Europa. "Ang bourgeoisie, sa wala pang isang daang taon ng dominasyon ng uri nito, ay lumikha ng mas marami at engrande na produktibong pwersa kaysa sa lahat ng nakaraang henerasyon na pinagsama-sama," isinulat ng mga iskolar ng Aleman na sina Marx at Engels noong 1848.

Kaya, ang Great French Revolution (1789-1794) ay minarkahan ang isang espesyal na milestone na naghihiwalay sa bagong panahon mula sa Age of Enlightenment. Hindi lamang ang mga anyo ng estado, ang istrukturang panlipunan ng lipunan, ang pagkakahanay ng mga uri ay nagbago. Ang buong sistema ng mga ideya, na iluminado sa loob ng maraming siglo, ay nayanig. Ideolohiyang inihanda ng mga enlightener ang rebolusyon. Ngunit hindi nila mahulaan ang lahat ng kahihinatnan nito. Ang "kaharian ng katwiran" ay hindi naganap. Ang rebolusyon, na nagpahayag ng kalayaan ng indibidwal, ay nagbunga ng burges na kaayusan, ang diwa ng pagiging acquisitive at pagkamakasarili. Ito ang makasaysayang batayan para sa pag-unlad ng artistikong kultura, na naglagay ng isang bagong direksyon - romantismo.

3. PANGUNAHING TAMPOK NG ROMANTISMO

Romantisismo bilang isang paraan at direksyon sa masining na kultura ay isang kumplikado at kontrobersyal na kababalaghan. Sa bawat bansa mayroon siyang maliwanag na pambansang ekspresyon. Hindi madaling makahanap ng mga tampok sa panitikan, musika, pagpipinta at teatro na pinag-iisa ang Chateaubriand at Delacroix, Mickiewicz at Chopin, Lermontov at Kiprensky.

Sinakop ng mga romantiko ang iba't ibang publiko at mga posisyong pampulitika sa lipunan. Lahat sila ay nagrebelde laban sa kinalabasan rebolusyong burges, ngunit naghimagsik sila sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may sariling mithiin. Ngunit sa lahat ng maraming mga mukha at pagkakaiba-iba, ang romantikismo ay may matatag na mga tampok.

Ang pagkabigo sa modernong panahon ay nagbunga ng isang espesyal interes sa nakaraan: sa mga pormasyong panlipunan bago ang burges, sa patriyarkal na sinaunang panahon. Maraming mga romantiko ang nailalarawan sa ideya na ang kaakit-akit na exoticism ng mga bansa sa timog at silangan - Italy, Spain, Greece, Turkey - ay isang patula na kaibahan sa boring na burges na pang-araw-araw na buhay. Sa mga bansang ito, hindi pa gaanong apektado ng sibilisasyon, ang mga romantiko ay naghahanap ng maliwanag, malalakas na karakter, orihinal, makulay na pamumuhay. Ang interes sa pambansang nakaraan ay nagbunga ng isang masa ng mga akdang pangkasaysayan.

Sa isang pagsisikap na kahit papaano ay tumaas sa prosa ng pagiging, upang palayain ang magkakaibang mga kakayahan ng indibidwal, upang sa huli ay mapagtanto ang sarili sa pagkamalikhain, sinalungat ng mga romantiko ang pormalisasyon ng sining at ang prangka at mapanghusgang diskarte dito, na katangian ng klasisismo. Lahat sila nanggaling pagtanggi sa Enlightenment at sa rasyonalistikong mga canon ng klasisismo, na nakagapos sa malikhaing inisyatiba ng artista.At kung hinahati ng klasisismo ang lahat sa isang tuwid na linya, sa mabuti at masama, sa itim at puti, kung gayon ang romantikismo ay walang hinahati sa isang tuwid na linya. Ang Classicism ay isang sistema, ngunit ang romanticism ay hindi. Isinulong ng Romantisismo ang pagsulong ng modernong panahon mula sa klasisismo tungo sa sentimentalismo, na nagpapakita ng panloob na buhay ng isang tao na naaayon sa malawak na mundo. At kabaligtaran ang romantisismo panloob na mundo pagkakaisa. Sa romantikismo na nagsisimulang lumitaw ang tunay na sikolohiya.

Ang pangunahing gawain ng romantikismo ay imahe ng panloob na mundo , buhay isip, at ito ay maaaring gawin sa materyal ng mga kwento, mistisismo, atbp. Kinakailangan na ipakita ang kabalintunaan ng panloob na buhay na ito, ang pagiging hindi makatwiran nito.

Sa kanilang imahinasyon, binago ng mga romantiko ang hindi kaakit-akit na katotohanan o napunta sa mundo ng kanilang mga karanasan. Ang agwat sa pagitan ng panaginip at katotohanan, ang pagsalungat ng magagandang kathang-isip sa layunin na katotohanan, ay nasa gitna ng buong romantikong kilusan.

Ang romantikismo sa unang pagkakataon ay nagdudulot ng problema sa wika ng sining. “Ang sining ay isang wika na ibang-iba kaysa sa kalikasan; ngunit naglalaman din ito ng parehong mahimalang kapangyarihan na tulad ng lihim at hindi maintindihan na nakakaapekto sa kaluluwa ng tao ”(Wackenroder at Tieck). Ang isang artista ay isang interpreter ng wika ng kalikasan, isang tagapamagitan sa pagitan ng mundo ng espiritu at mga tao. "Salamat sa mga artista, ang sangkatauhan ay lumalabas bilang isang buong pagkatao. Pinag-iisa ng mga artista sa pamamagitan ng modernidad ang mundo ng nakaraan sa mundo ng hinaharap. Sila ang pinakamataas na espirituwal na organ kung saan ang mga mahahalagang puwersa ng kanilang panlabas na sangkatauhan ay nagtatagpo sa isa't isa, at kung saan ang panloob na sangkatauhan ay unang nagpapakita ng sarili sa lahat" (F. Schlegel).

Gayunpaman, ang romantisismo ay hindi isang homogenous na kalakaran: ang pag-unlad ng ideolohiya nito ay napunta sa iba't ibang direksyon. Kabilang sa mga romantiko ang mga reaksyunaryong manunulat, mga tagasunod ng lumang rehimen, na umawit ng pyudal na monarkiya at Kristiyanismo. Sa kabilang banda, ang mga romantikong may progresibong pananaw ay nagpahayag ng demokratikong protesta laban sa pyudal at lahat ng uri ng pang-aapi, na naglalaman ng rebolusyonaryong udyok ng mamamayan para sa isang magandang kinabukasan.

Ang Romantisismo ay nag-iwan ng isang buong panahon sa kultura ng sining ng mundo, ang mga kinatawan nito ay: sa panitikan V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz, at iba pa; sa pinong sining ng E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky at iba pa; sa musika ni F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin at iba pa. Natuklasan at nakabuo sila ng mga bagong genre, binigyang pansin ang kapalaran ng personalidad ng tao, inihayag ang dialectic ng mabuti at masama, mahusay na inihayag ang mga hilig ng tao, atbp.

Ang mga anyo ng sining ay halos katumbas ng kanilang kahalagahan at gumawa ng mga kahanga-hangang gawa ng sining, bagaman ang mga romantiko ay nagbigay ng priyoridad sa musika sa hagdan ng sining.

4. ROMANTIC HERO

Sino ang isang romantikong bayani at ano siya?

Isa itong indibidwalista. Isang superman na nabuhay sa dalawang yugto: bago ang banggaan sa realidad, siya ay nabubuhay sa isang 'pink' na estado, siya ay tinataglay ng pagnanais para sa tagumpay, pagbabago ng mundo; pagkatapos ng isang banggaan sa katotohanan, patuloy niyang isinasaalang-alang ang mundong ito na parehong bulgar at boring, ngunit hindi siya nagiging isang may pag-aalinlangan, isang pesimista. Sa isang malinaw na pag-unawa na walang mababago, ang pagnanais para sa isang gawa ay bumababa sa isang pagnanais para sa panganib.

Romantics ay maaaring magbigay ng walang hanggan pangmatagalang halaga bawat maliit na bagay, bawat kongkretong katotohanan, lahat ay iisa. Tinawag ito ni Joseph de Maistre na "the paths of Providence", Germaine de Stael - "the fruitful bosom of the imortal universe." Ang Chateaubriand sa "Henyo ng Kristiyanismo", sa isang aklat na nakatuon sa kasaysayan, ay direktang tumutukoy sa Diyos bilang simula ng makasaysayang panahon. Lumilitaw ang lipunan bilang isang hindi matitinag na bono, "ang hibla ng buhay na nag-uugnay sa atin sa ating mga ninuno at dapat nating iabot sa ating mga inapo." Ang puso lamang ng isang tao, at hindi ang kanyang isip, ang makakaunawa at makakarinig ng tinig ng Lumikha, sa pamamagitan ng kagandahan ng kalikasan, sa pamamagitan ng malalim na damdamin. Ang kalikasan ay banal, ito ay pinagmumulan ng pagkakaisa at malikhaing pwersa, ang mga metapora nito ay kadalasang inililipat ng mga romantiko sa pampulitikang leksikon. Para sa mga romantiko, ang isang puno ay nagiging isang simbolo ng uri, kusang pag-unlad, pang-unawa ng mga juice. katutubong lupain, simbolo ng pambansang pagkakaisa. Kung mas inosente at sensitibo ang kalikasan ng isang tao, mas madali niyang marinig ang tinig ng Diyos. Ang isang bata, isang babae, isang marangal na kabataan ay mas madalas kaysa sa iba na nakikita ang kawalang-kamatayan ng kaluluwa at ang halaga ng buhay na walang hanggan. Ang pagkauhaw ng mga romantiko sa kaligayahan ay hindi limitado sa idealistikong pagnanais para sa Kaharian ng Diyos pagkatapos ng kamatayan.

Bilang karagdagan sa mistikong pag-ibig sa Diyos, ang isang tao ay nangangailangan ng tunay, makalupang pag-ibig. Hindi kayang taglayin ang layunin ng kanyang pagnanasa, ang romantikong bayani ay naging isang walang hanggang martir, na nakatakdang maghintay para sa isang pagpupulong kasama ang kanyang minamahal sa kabilang buhay, "sapagkat ang dakilang pag-ibig ay karapat-dapat sa kawalang-kamatayan kapag ito ay nagkakahalaga ng buhay ng isang tao."

Ang isang espesyal na lugar sa gawain ng mga romantiko ay inookupahan ng problema ng pag-unlad at edukasyon ng indibidwal. Ang pagkabata ay walang mga batas, ang mga panandaliang impulses nito ay lumalabag sa moralidad ng publiko, na sumusunod sa sarili nitong mga alituntunin ng paglalaro ng bata. Sa isang may sapat na gulang, ang mga katulad na reaksyon ay humahantong sa kamatayan, sa paghatol sa kaluluwa. Sa paghahanap ng makalangit na kaharian, dapat maunawaan ng isang tao ang mga batas ng tungkulin at moralidad, saka lamang siya makakaasa ng buhay na walang hanggan. Dahil ang tungkulin ay idinidikta sa mga romantiko sa pamamagitan ng kanilang pagnanais na makamit ang buhay na walang hanggan, ang pagtupad sa tungkulin ay nagbibigay ng personal na kaligayahan sa pinakamalalim at pinakamakapangyarihang pagpapakita nito. Sa moral na tungkulin ay idinagdag ang tungkulin ng malalim na damdamin at matayog na interes. Nang walang paghahalo ng mga merito ng iba't ibang kasarian, itinataguyod ng mga romantiko ang pagkakapantay-pantay ng espirituwal na pag-unlad ng mga lalaki at babae. Sa parehong paraan, ang pag-ibig sa Diyos at sa kanyang mga institusyon ay nagdidikta ng tungkuling sibiko. Ang personal na pagsusumikap ay nahahanap ang pagkumpleto nito sa karaniwang layunin, sa pagsusumikap ng buong bansa, ng buong sangkatauhan, ng buong mundo.

Ang bawat kultura ay may sariling romantikong bayani, ngunit si Byron, sa kanyang obra na si Charld Harold, ay nagbigay ng tipikal na representasyon ng romantikong bayani. Nagsuot siya ng maskara ng kanyang bayani (sinabi niya na walang distansya sa pagitan ng bayani at ng may-akda) at pinamamahalaang sumunod sa romantikong canon.

Ang lahat ng mga romantikong gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tampok na katangian:

Una, sa bawat romantikong akda ay walang distansya sa pagitan ng bayani at ng may-akda.

Pangalawa, hindi nanghuhusga ang may-akda ng bida, ngunit kahit na may masamang sabihin tungkol sa kanya, ang plot ay binuo sa paraang hindi masisisi ang bida. Karaniwang romantiko ang balangkas sa isang romantikong gawain. Ang mga romantiko ay nagtatayo din ng isang espesyal na relasyon sa kalikasan, gusto nila ang mga bagyo, bagyo, at cataclysm.

5. ROMANTICISMO SA RUSSIA.

Ang Romantisismo sa Russia ay naiiba sa Kanlurang Europa sa pabor ng ibang makasaysayang tagpuan at ibang kultural na tradisyon. Ang Rebolusyong Pranses ay hindi mabibilang bilang isa sa mga sanhi ng paglitaw nito; isang napakakitid na bilog ng mga tao ang may pag-asa para sa mga pagbabago sa kurso nito. At ang mga resulta ng rebolusyon ay ganap na nakakabigo. Ang tanong ng kapitalismo sa Russia sa simula ng ika-19 na siglo. hindi tumayo. Samakatuwid, walang ganoong dahilan. Ang tunay na dahilan ay ang Digmaang Patriotiko noong 1812, kung saan ipinakita ang lahat ng kapangyarihan ng inisyatiba ng bayan. Ngunit pagkatapos ng digmaan, hindi nakuha ng mga tao ang kalooban. Ang pinakamahusay sa mga maharlika, na hindi nasisiyahan sa katotohanan, ay pumunta sa Senate Square noong Disyembre 1825. Nag-iwan din ng marka ang pagkilos na ito sa mga creative intelligentsia. Ang magulong taon pagkatapos ng digmaan ay naging kapaligiran kung saan nabuo ang romantikong Ruso.

Romantisismo, at, bukod dito, sa atin, Ruso, na binuo at hinulma sa ating orihinal na anyo, ang romantikismo ay hindi isang simpleng pampanitikan, ngunit isang kababalaghan sa buhay, isang buong panahon ng moral na pag-unlad, isang panahon na may sariling espesyal na kulay, na nagsagawa ng isang espesyal na pananaw sa buhay ... Hayaang ang romantikong kalakaran ay magmula sa labas, mula sa Kanluraning buhay at mga panitikan sa Kanluran, natagpuan nito sa kalikasan ng Russia ang lupa na handa para sa pang-unawa nito, at samakatuwid ay makikita sa ganap na orihinal na mga phenomena, bilang ang makata at kritiko na si Apollon Grigoriev nasuri - ito ay isang natatanging kultural na kababalaghan, at ang paglalarawan nito ay nagpapakita ng mahahalagang kumplikado ng romantikismo , mula sa mga bituka kung saan lumabas ang batang Gogol at kung kanino siya nauugnay hindi lamang sa simula ng kanyang karera sa pagsusulat, ngunit sa buong buhay niya.

Tumpak na tinukoy ni Apollon Grigoriev ang likas na katangian ng epekto ng romantikong paaralan sa panitikan at buhay, kabilang ang prosa ng panahong iyon: hindi isang simpleng impluwensya o paghiram, ngunit isang katangian at makapangyarihang buhay at uso sa panitikan na nagbigay ng ganap na orihinal na mga phenomena sa mga batang Ruso na panitikan.

a) Panitikan

Ang romantikong Ruso ay karaniwang nahahati sa ilang mga panahon: inisyal (1801-1815), mature (1815-1825) at ang panahon ng pag-unlad ng post-Decembrist. Gayunpaman, may kaugnayan sa paunang panahon, ang pagkakatulad ng pamamaraang ito ay kapansin-pansin. Para sa bukang-liwayway ng romantikong Ruso ay nauugnay sa mga pangalan nina Zhukovsky at Batyushkov, ang mga makata na ang trabaho at pananaw sa mundo ay mahirap na magkatabi at ihambing sa loob ng parehong panahon, ang kanilang mga layunin, adhikain, at pag-uugali ay ibang-iba. Sa mga tula ng parehong makata, ang napakagandang impluwensya ng nakaraan, ang panahon ng sentimentalismo, ay nararamdaman pa rin, ngunit kung malalim pa rin ang ugat ni Zhukovsky, kung gayon si Batyushkov ay mas malapit sa mga bagong uso.

Tamang nabanggit ni Belinsky na ang gawain ni Zhukovsky ay nailalarawan sa pamamagitan ng "mga reklamo tungkol sa hindi perpektong pag-asa na walang pangalan, kalungkutan para sa nawawalang kaligayahan, na alam ng Diyos kung ano ang binubuo nito." Sa katunayan, sa katauhan ni Zhukovsky, ang romantikismo ay nagsasagawa pa rin ng mga unang mahiyain na hakbang, na nagbibigay pugay sa sentimental at mapanglaw na pananabik, isang malabo, halos hindi mahahalata na pananabik ng puso, sa madaling salita, sa masalimuot na hanay ng mga damdamin na sa pagpuna sa Russia ay tinatawag na "romantisismo ng Middle Ages."

Isang ganap na kakaibang kapaligiran ang naghahari sa tula ni Batyushkov: ang kagalakan ng pagiging, prangka na kahalayan, isang himno sa kasiyahan.

Si Zhukovsky ay nararapat na itinuturing na isang kilalang kinatawan ng Russian aesthetic humanism. Alien sa malakas na hilig, kampante at maamo si Zhukovsky ay nasa ilalim ng kapansin-pansing impluwensya ng mga ideya ni Rousseau at ng mga romantikong Aleman. Sumunod sa kanila, nagbigay siya pinakamahalaga aesthetic side sa relihiyon, moralidad, panlipunang relasyon. Ang sining ay nakakuha ng isang relihiyosong kahulugan mula kay Zhukovsky, hinahangad niyang makita sa sining ang isang "paghahayag" ng mas mataas na mga katotohanan, ito ay "sagrado" para sa kanya. Karaniwang kilalanin ng mga romantikong Aleman ang tula at relihiyon. Nakita natin ang parehong bagay kay Zhukovsky, na sumulat: "Ang tula ay Diyos sa mga banal na panaginip ng lupa." Sa romantikong Aleman, lalo siyang malapit sa atraksyon sa lahat ng bagay sa kabila, sa "gilid ng gabi ng kaluluwa", sa "hindi maipahayag" sa kalikasan at tao. Ang kalikasan sa tula ni Zhukovsky ay napapalibutan ng misteryo, ang kanyang mga tanawin ay makamulto at halos hindi totoo, tulad ng mga pagmuni-muni sa tubig:

Anong insenso ang pinagsama sa lamig ng mga halaman!

Kay tamis sa katahimikan sa dalampasigan ng mga jet splashing!

Gaano katahimik ang hangin ng mga marshmallow sa tubig

At nababaluktot na wilow flutter!

Ang sensitibo, malambot at mapangarapin na kaluluwa ni Zhukovsky ay tila matamis na nag-freeze sa threshold ng "misteryosong liwanag na ito." makata, ni angkop na pagpapahayag Belinsky, "mahal at kalapati ang kanyang pagdurusa", ngunit ang pagdurusa na ito ay hindi sinasaksak ang kanyang puso ng malupit na sugat, dahil kahit na sa dalamhati at kalungkutan ang kanyang panloob na buhay ay tahimik at matahimik. Samakatuwid, kapag sa isang mensahe kay Batyushkov, "ang anak ng kaligayahan at kasiyahan," tinawag niya ang Epicurean na makata na "kamag-anak sa Muse," mahirap paniwalaan ang relasyon na ito. Sa halip, naniniwala kami sa mabait na si Zhukovsky, na magiliw na nagpapayo sa mang-aawit ng mga kasiyahan sa lupa: "Tanggihan ang kabaliwan, ang mga pangarap ay nakamamatay!"

Si Batyushkov ay isang pigura sa lahat ng bagay na kabaligtaran ni Zhukovsky. Siya ay isang tao ng malakas na hilig, at ang kanyang malikhaing buhay ay pinutol 35 taon na mas maaga kaysa sa kanyang pisikal na pag-iral: bilang isang napakabata, siya ay bumulusok sa kailaliman ng kabaliwan. Inialay niya ang kanyang sarili nang may pantay na puwersa at simbuyo ng damdamin sa parehong kagalakan at kalungkutan: sa buhay, pati na rin sa patula na pag-unawa, siya - hindi katulad ni Zhukovsky - ay dayuhan sa "gintong kahulugan". Bagaman ang kanyang tula ay nailalarawan din ng papuri ng dalisay na pagkakaibigan, ang kagalakan ng isang "mapagpakumbaba na sulok", ngunit ang kanyang idyll ay hindi nangangahulugang katamtaman at tahimik, dahil hindi ito maiisip ni Batiushkov nang walang matamlay na kaligayahan ng madamdaming kasiyahan at pagkalasing sa buhay. Kung minsan, ang makata ay dinadala ng mga senswal na kagalakan na handa siyang walang ingat na tanggihan ang mapang-aping karunungan ng agham:

Nasa katotohanan ba ng malungkot

Mapanglaw na stoics at boring sage,

Nakaupo sa mga damit pang-libing,

Sa pagitan ng mga durog na bato at mga kabaong

Mahahanap ba natin ang tamis ng ating buhay?

Mula sa kanila, nakikita ko ang saya

Lumilipad ito na parang paru-paro mula sa mga matitinik na palumpong.

Para sa kanila walang kagandahan sa kagandahan ng kalikasan,

Ang mga dalaga ay hindi umaawit sa kanila, na nagsasama-sama sa mga pabilog na sayaw;

Para sa kanila, para sa mga bulag,

Ang tagsibol na walang kagalakan at tag-araw na walang mga bulaklak.

Ang tunay na trahedya ay bihirang marinig sa kanyang mga tula. Sa pagtatapos lamang ng kanyang malikhaing buhay, nang magsimula siyang magpakita ng mga palatandaan ng sakit sa pag-iisip, ang isa sa kanyang mga huling tula ay naitala sa ilalim ng pagdidikta, kung saan malinaw na tunog ang mga motif ng kawalang-saysay ng pag-iral sa lupa:

Naalala mo ba yung sinabi mo

Nagpaalam sa buhay, may buhok na Melchizedek?

Ang tao ay ipinanganak na alipin

Hihiga na parang alipin sa libingan,

At halos hindi sasabihin sa kanya ng kamatayan

Bakit siya lumakad sa lambak ng kamangha-manghang mga luha,

Nagdusa, umiyak, nagtiis,

Sa Russia, ang romantikismo bilang isang usong pampanitikan na binuo noong ikadalawampu ng ikalabinsiyam na siglo. Ang mga pinagmulan nito ay mga makata, manunulat ng prosa, manunulat, at lumikha sila ng romantikong Ruso, na naiiba sa "Western European" sa pambansa, orihinal na karakter nito. Ang romantikong Ruso ay binuo ng mga makata ng unang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo, at ang bawat makata ay nagdala ng bago. Ang romantikong Ruso ay malawakang binuo, nakakuha ng mga katangiang katangian, at naging isang independiyenteng kalakaran sa panitikan. Sa "Ruslan at Lyudmila" A.S. Pushkin mayroong mga linya: "Mayroong isang espiritu ng Russia, doon ito amoy ng Russia." Ang parehong ay maaaring sinabi tungkol sa Russian romanticism. Ang mga bayani ng mga romantikong gawa ay mga makatang kaluluwa na nagsusumikap para sa "mataas" at maganda. Ngunit mayroong isang pagalit na mundo na hindi nagpapahintulot sa iyo na madama ang kalayaan, na nag-iiwan sa mga kaluluwang ito na hindi maintindihan. Napaka-grabe ng mundong ito kaluluwang patula tumatakbo sa isa pa, kung saan mayroong isang perpekto, nagsusumikap siya para sa "walang hanggan". Ang romantikismo ay batay sa labanang ito. Ngunit iba ang naging reaksyon ng mga makata sa sitwasyong ito. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, nagpapatuloy mula sa isang bagay, bumuo ng relasyon ng kanilang mga bayani at ng mundo sa kanilang paligid sa iba't ibang paraan, samakatuwid ang kanilang mga bayani ay may iba't ibang mga landas patungo sa perpekto.

Ang katotohanan ay kakila-kilabot, bastos, walang pakundangan at makasarili, walang lugar dito para sa mga damdamin, pangarap at pagnanasa ng makata, ang kanyang mga bayani. "Totoo" at walang hanggan - sa kabilang mundo. Kaya ang konsepto ng dalawang mundo, ang makata ay nagsusumikap para sa isa sa mga mundong ito sa paghahanap ng isang ideal.

Ang posisyon ni Zhukovsky ay hindi ang posisyon ng isang taong pumasok sa isang pakikibaka sa labas ng mundo, na hinamon siya. Ito ay isang landas sa pamamagitan ng pagkakaisa sa kalikasan, isang landas ng pagkakaisa sa kalikasan, sa isang walang hanggan at magandang mundo. Si Zhukovsky, sa opinyon ng maraming mananaliksik (kabilang si Yu.V. Mann), ay nagpapahayag ng kanyang pag-unawa sa prosesong ito ng pagkakaisa sa The Inexpressible. Ang pagkakaisa ay ang paglipad ng kaluluwa. Ang kagandahan na nakapaligid sa iyo ay pumupuno sa iyong kaluluwa, ito ay nasa iyo, at ikaw ay nasa loob nito, ang kaluluwa ay lumilipad, walang oras o espasyo, ngunit mayroon ka sa kalikasan, at sa sandaling ito ay nabubuhay ka, nais mong kantahin ang tungkol sa kagandahang ito. , ngunit walang mga salita upang ipahayag ang iyong estado, mayroon lamang isang pakiramdam ng pagkakaisa. Hindi ka ginugulo ng mga tao sa paligid mo, mga mala-prosaic na kaluluwa, mas marami ang bukas sa iyo, ikaw ay malaya.

Nilapitan nina Pushkin at Lermontov ang problemang ito ng romantikismo nang iba. Walang alinlangan na ang impluwensyang ginawa ni Zhukovsky kay Pushkin ay hindi maipapakita sa gawain ng huli. Para sa maagang pagkamalikhain Ang Pushkin ay nailalarawan sa pamamagitan ng "sibil" na romantikismo. Sa ilalim ng impluwensya ng "The Singer in the Camp of Russian Warriors" Zhukovsky at ang mga gawa ni Griboyedov, si Pushkin ay sumulat ng isang ode sa "Liberty", "To Chaadaev". Sa huli, tinawag niya:

"Aking kaibigan! Ilaan natin ang ating mga kaluluwa sa Ama na may kahanga-hangang mga impulses ...". Ito ang parehong pagnanais para sa ideyal na mayroon si Zhukovsky, tanging si Pushkin ang nakakaunawa ng perpekto sa kanyang sariling paraan, samakatuwid ang landas sa perpekto ay naiiba para sa makata. Hindi niya gusto at hindi maaaring magsikap para sa ideal na mag-isa, ang tawag sa kanya ng makata. Iba ang tingin ni Pushkin sa realidad at sa ideal. Hindi mo ito matatawag na rebelyon, ito ay repleksyon sa mga rebeldeng elemento. Ito ay makikita sa ode na "Dagat". Ito ang lakas at kapangyarihan ng dagat, malaya ang dagat, naabot na nito ang ideal. Ang tao ay dapat ding maging malaya, ang kanyang espiritu ay dapat na malaya.

Ang paghahanap para sa isang ideal ay ang pangunahing katangian ng romanticism. Ipinakita nito ang sarili sa gawain ni Zhukovsky, at Pushkin, at Lermontov. Lahat ng tatlong makata ay naghahanap ng kalayaan, ngunit hinanap nila ito sa iba't ibang paraan, naiintindihan nila ito nang iba. Si Zhukovsky ay naghahanap ng kalayaang ipinadala ng "tagalikha". Ang pagkakaroon ng natagpuan ang pagkakaisa, ang isang tao ay nagiging malaya. Para kay Pushkin, ang kalayaan ng espiritu ay mahalaga, na dapat magpakita mismo sa isang tao. Para kay Lermontov, ang rebeldeng bayani lamang ang libre. Paghihimagsik para sa kalayaan, ano ang mas maganda? Ang saloobing ito sa ideyal ay napanatili sa mga liriko ng pag-ibig ng mga makata. Sa aking opinyon, ang relasyon na ito ay dahil sa oras. Bagama't lahat sila ay nagtrabaho halos sa parehong panahon, ang oras ng kanilang trabaho ay naiiba, ang mga kaganapan ay nabuo nang may pambihirang bilis. Malaki rin ang impluwensya ng mga tauhan ng mga makata sa kanilang relasyon. Ang kalmado na si Zhukovsky at ang rebeldeng Lermontov ay ganap na kabaligtaran. Ngunit ang romantikong Ruso ay tiyak na umunlad dahil ang mga katangian ng mga makata na ito ay naiiba. Nagpakilala sila ng mga bagong konsepto, bagong karakter, bagong mithiin, nagbigay ng kumpletong larawan kung ano ang kalayaan, kung ano ang totoong buhay. Ang bawat isa sa kanila ay kumakatawan sa sarili nitong landas patungo sa ideal, ito ang karapatan ng pagpili para sa bawat indibidwal.

Ang mismong paglitaw ng romantikismo ay lubhang nakababahala. Ang pagkatao ng tao ngayon ay nakatayo sa gitna ng buong mundo. Ang "Ako" ng tao ay nagsimulang bigyang-kahulugan bilang batayan at kahulugan ng lahat ng pag-iral. Ang buhay ng tao ay nakita bilang piraso ng sining, sining. Laganap ang Romantisismo noong ika-19 na siglo. Ngunit hindi lahat ng mga makata na tinawag ang kanilang sarili na mga romantiko ay naghatid ng kakanyahan ng kalakaran na ito.

Ngayon, sa pagtatapos ng ika-20 siglo, maaari na nating uriin ang mga romantiko noong nakaraang siglo batay dito sa dalawang grupo. Ang isa at marahil ang pinakamalawak na grupo ay ang nagbuklod sa "pormal" na mga romantiko. Mahirap na maghinala sa kanila ng kawalan ng katapatan, sa kabaligtaran, napakatumpak nilang ihatid ang kanilang mga damdamin. Kabilang sa mga ito ay sina Dmitry Venevitinov (1805-1827) at Alexander Polezhaev (1804-1838). Ginamit ng mga makata na ito ang romantikong anyo, na isinasaalang-alang ito ang pinakaangkop para sa pagkamit ng kanilang masining na layunin. Kaya, isinulat ni D. Venevitinov:

Pakiramdam ko nasusunog ito sa loob ko

Banal na apoy ng inspirasyon

Ngunit ang diwa ay pumapaitaas patungo sa madilim na layunin...

Makakahanap ba ako ng maaasahang bangin,

Saan ko ipagpapahinga ang matigas kong paa?

Ito ay isang tipikal na romantikong tula. Gumagamit ito ng tradisyunal na romantikong bokabularyo - ito ay parehong "ang apoy ng inspirasyon" at "sumisikat na espiritu". Kaya, inilalarawan ng makata ang kanyang damdamin. Pero wala na. Ang makata ay nakatali sa balangkas ng romanticism, ang "verbal appearance" nito. Ang lahat ay pinasimple sa ilang mga selyo.

Ang mga kinatawan ng isa pang grupo ng mga romantiko noong ika-19 na siglo, siyempre, ay sina A.S. Pushkin at M. Lermontov. Ang mga makata na ito, sa kabaligtaran, ay pinunan ang romantikong anyo ng kanilang sariling nilalaman. Ang romantikong panahon sa buhay ni A. Pushkin ay maikli, kaya kakaunti ang mga romantikong gawa niya. Ang "Prisoner of the Caucasus" (1820-1821) ay isa sa mga pinakaunang romantikong tula ni A.S. Pushkin. Bago sa amin ay isang klasikong bersyon ng isang romantikong gawa. Ang may-akda ay hindi nagbibigay sa amin ng isang larawan ng kanyang bayani, hindi namin alam ang kanyang pangalan. At hindi ito nakakagulat - lahat ng mga romantikong bayani ay magkatulad sa bawat isa. Bata pa sila, maganda... at malungkot. Ang balangkas ng trabaho ay klasikal din na romantiko. Isang bilanggo na Ruso kasama ng mga Circassian, isang batang babaeng Circassian ang umibig sa kanya at tinulungan siyang makatakas. Ngunit siya ay walang pag-asa na nagmamahal sa isa pa... Ang tula ay nagtatapos sa tragically - ang babaeng Circassian ay itinapon ang sarili sa tubig at namatay, at ang Ruso, na napalaya mula sa "pisikal" na pagkabihag, ay nahulog sa isa pa, mas masakit na pagkabihag - pagkabihag ng kaluluwa. Ano ang alam natin tungkol sa nakaraan ng bayani?

Malayo ang daan patungo sa Russia...

.....................................

Kung saan niyakap niya ang matinding pagdurusa,

Kung saan nasira ang hectic na buhay

Pag-asa, kagalakan at pagnanais.

Dumating siya sa steppe sa paghahanap ng kalayaan, sinubukang tumakas mula sa kanya nakaraang buhay. At ngayon, nang ang kaligayahan ay tila malapit na, kailangan niyang tumakbo muli. Pero saan? Bumalik sa mundo kung saan siya "niyakap ang kakila-kilabot na pagdurusa."

Taksil ng liwanag, kaibigan ng kalikasan,

Iniwan niya ang kanyang sariling lupain

At lumipad sa malayong lupain

Na may masayang multo ng kalayaan.

Ngunit ang "multo ng kalayaan" ay nanatiling multo lamang. Tuluyan niyang susuyuin ang romantikong bayani. Ang isa pang romantikong tula ay "Gypsies". Sa loob nito, hindi muling binibigyan ng may-akda ang mambabasa ng isang larawan ng bayani, alam lamang natin ang kanyang pangalan - Aleko. Dumating siya sa kampo upang malaman ang tunay na kasiyahan, tunay na kalayaan. Para sa kanyang kapakanan, iniwan niya ang lahat ng nakapaligid sa kanya noon. Malaya ba siya at masaya? Tila mahal ni Aleko, ngunit sa pakiramdam na ito ay kasawian at paghamak lamang ang dumarating sa kanya. Si Aleko, na labis na naghahangad ng kalayaan, ay hindi makilala ang kalooban ng ibang tao. Sa tulang ito, ang isa pa sa mga labis na katangian ng pananaw sa mundo ng romantikong bayani ay ipinakita - pagkamakasarili at kumpletong hindi pagkakatugma sa labas ng mundo. Si Aleko ay hindi pinarusahan ng kamatayan, ngunit mas masahol pa - sa pamamagitan ng kalungkutan at debate. Siya ay nag-iisa sa mundo kung saan siya tumakas, ngunit sa isa pa, kaya kanais-nais, siya ay naiwang mag-isa muli.

Bago isulat ang The Prisoner of the Caucasus, minsang sinabi ni Pushkin: "Hindi ako karapat-dapat na maging bayani ng isang romantikong tula"; gayunpaman, sa parehong oras, noong 1820, isinulat ni Pushkin ang kanyang tula na "Namatay ang liwanag ng araw ...". Dito makikita mo ang lahat ng bokabularyo na likas sa romantikismo. Ito ang "malayong baybayin", at "mapanglaw na karagatan", at "katuwaan at pananabik", na nagpapahirap sa may-akda. Ang refrain ay tumatakbo sa buong tula:

Kumaway sa ilalim ko, masungit na karagatan.

Ito ay naroroon hindi lamang sa paglalarawan ng kalikasan, kundi pati na rin sa paglalarawan ng damdamin ng bayani.

... Ngunit ang dating pusong sugat,

Malalim na sugat ng pag-ibig, walang naghilom...

Ingay, ingay, masunuring layag,

Mag-alala sa ilalim ko, madilim na karagatan...

Ibig sabihin, nagiging ibang karakter ang kalikasan, isa pang liriko na bayani ng tula. Nang maglaon, noong 1824, isinulat ni Pushkin ang tula na "Sa Dagat". Ang romantikong bayani sa loob nito, tulad ng sa "Ang liwanag ng araw ay lumabas ...", muling naging may-akda mismo. Dito tinutukoy ni Pushkin ang dagat bilang isang tradisyonal na simbolo ng kalayaan. Ang dagat ay isang elemento, na nangangahulugang kalayaan at kaligayahan. Gayunpaman, itinayo ni Pushkin ang tula na ito nang hindi inaasahan:

Naghintay ka, tumawag ka... nakadena ako;

Narito ang aking kaluluwa ay napunit:

Nabighani ng matinding pagsinta,

Nanatili ako sa dalampasigan...

Masasabi nating kinukumpleto ng tulang ito ang romantikong panahon ng buhay ni Pushkin. Ito ay isinulat ng isang lalaking nakakaalam na pagkatapos makamit ang tinatawag na "pisikal" na kalayaan, ang romantikong bayani ay hindi nagiging masaya.

Sa kagubatan, sa disyerto ay tahimik

Ililipat ko, punong-puno ka,

Ang iyong mga bato, ang iyong mga bay...

Sa oras na ito, dumating si Pushkin sa konklusyon na ang tunay na kalayaan ay maaari lamang umiral sa loob ng isang tao at ito lamang ang makapagpapasaya sa kanya.

Ang variant ng romantikismo ni Byron ay nabuhay at nadama sa kanyang trabaho ang una sa kulturang Ruso na Pushkin, pagkatapos ay si Lermontov. Si Pushkin ay may regalo para sa pagbibigay pansin sa mga tao, ngunit ang pinaka-romantikong mga tula sa gawa ng mahusay na makata at manunulat ng prosa ay walang alinlangan na The Fountain of Bakhchisarai.

Ang tula na "The Fountain of Bakhchisaray" ay nagpapatuloy lamang sa paghahanap ni Pushkin sa genre ng isang romantikong tula. At tiyak na napigilan ito ng pagkamatay ng mahusay na manunulat na Ruso.

Ang romantikong tema sa trabaho ni Pushkin ay nakatanggap ng dalawang magkakaibang mga pagpipilian: mayroong isang kabayanihan na romantikong bayani ("bihag", "magnanakaw", "takas"), na nakikilala sa pamamagitan ng isang malakas na kalooban, na dumaan sa isang malupit na pagsubok ng marahas na mga hilig, at mayroong isang naghihirap na bayani kung saan ang mga banayad na emosyonal na karanasan ay hindi tugma sa kalupitan ng labas ng mundo ("pagkatapon", "bilanggo"). Ang pasibo na simula sa isang romantikong karakter ngayon ay nakakuha ng isang pambabae na pagkukunwari sa Pushkin. Ang Fountain ng Bakhchisaray ay tiyak na bumuo ng aspetong ito ng romantikong bayani.

Sa "Prisoner of the Caucasus" ang lahat ng pansin ay binabayaran sa "bilanggo" at napakaliit sa "Circassian", ngayon sa kabaligtaran - si Khan Girey ay hindi hihigit sa isang hindi dramatikong pigura, at sa katunayan ang pangunahing karakter ay isang babae, kahit dalawa - sina Zarema at Maria. Ang solusyon sa duality ng bayani na natagpuan sa mga nakaraang tula (sa pamamagitan ng imahe ng mga nakakadena na kapatid) ay ginagamit din ni Pushkin dito: ang pasibo na simula ay inilalarawan sa harap ng dalawang karakter - ang nagseselos, madamdamin sa pag-ibig Zarema at ang malungkot , nawalan ng pag-asa at pagmamahal kay Maria. Parehong dalawang magkasalungat na hilig. romantikong kalikasan: pagkabigo, kawalan ng pag-asa, kawalan ng pag-asa at sa parehong oras espirituwal na sigasig, intensity ng damdamin; trahedya ang pagkakasalungatan sa tula - ang pagkamatay ni Maria ay hindi rin nagdulot ng kaligayahan kay Zarema, dahil konektado sila ng mahiwagang ugnayan. Kaya sa The Robber Brothers, ang pagkamatay ng isa sa magkapatid ay walang hanggan ang sumalubong sa buhay ng isa pa.

Gayunpaman, wastong sinabi ni B.V. Tomashevsky, "ang liriko na paghihiwalay ng tula ay tumutukoy din sa ilang kakulangan ng nilalaman ... Ang moral na tagumpay laban kay Zarema ay hindi humahantong sa karagdagang mga konklusyon at pagmumuni-muni ... "Ang Prisoner of the Caucasus" ay may malinaw na pagpapatuloy sa Ang gawa ni Pushkin: parehong pinahihintulutan nina Aleko at Eugene Onegin ... mga tanong na ibinabanta sa unang tula sa timog. Ang "The Fountain of Bakhchisarai" ay walang ganoong pagpapatuloy ... "

Hinanap at tinukoy ni Pushkin ang pinaka-mahina na lugar sa romantikong posisyon ng isang tao: gusto niya ang lahat para lamang sa kanyang sarili.

Ang tula ni Lermontov na "Mtsyri" ay hindi rin ganap na sumasalamin katangian romantikismo.

Ang tulang ito ay may dalawa romantikong bayani, samakatuwid, kung ito ay isang romantikong tula, kung gayon ito ay lubhang kakaiba: una, ang pangalawang bayani ay inihatid ng may-akda sa pamamagitan ng epigraph; pangalawa, ang may-akda ay hindi kumonekta kay Mtsyri, nilulutas ng bayani ang problema ng sariling kagustuhan sa kanyang sariling paraan, at iniisip lamang ni Lermontov sa buong tula ang paglutas ng problemang ito. Hindi niya hinuhusgahan ang kanyang bayani, ngunit hindi rin niya ito binibigyang-katwiran, ngunit kumuha siya ng isang tiyak na posisyon - pag-unawa. Lumalabas na ang romantikismo sa kulturang Ruso ay binago sa pagmuni-muni. Lumalabas ang romanticism in terms of realism.

Masasabing hindi nagawa nina Pushkin at Lermontov na maging mga romantiko (bagaman minsan ay nagawang sumunod ni Lermontov sa mga romantikong batas - sa drama na 'Masquerade'). Sa pamamagitan ng kanilang mga eksperimento, ipinakita ng mga makata na sa England ang posisyon ng isang indibidwalista ay maaaring maging mabunga, ngunit hindi sa Russia. Bagama't nabigo sina Pushkin at Lermontov na maging romantiko, naghanda sila ng daan para sa pag-unlad ng realismo. Noong 1825, ang unang makatotohanang gawain ay nai-publish: "Boris Godunov", pagkatapos ay "The Captain's Daughter", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time" at marami pang iba.

b) Pagpipinta

Sa visual arts, ang romantikismo ay malinaw na ipinakita sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong ipinahayag sa iskultura at arkitektura. Mga natitirang kinatawan romanticism sa visual arts ay mga Russian romantikong pintor. Sa kanilang mga canvases ay ipinahayag nila ang diwa ng pag-ibig sa kalayaan, aktibong pagkilos, madamdamin at temperamental na umapela sa pagpapakita ng humanismo. Ang mga pang-araw-araw na canvases ng mga pintor ng Russia ay nakikilala sa pamamagitan ng kaugnayan at sikolohiya, hindi pa naganap na pagpapahayag. Ang mga espiritwal at mapanglaw na tanawin ay muli ang parehong pagtatangka ng mga romantiko na tumagos sa mundo ng mga tao, upang ipakita kung paano nabubuhay at nangangarap ang isang tao sa sublunar na mundo. Ang romantikong pagpipinta ng Russia ay naiiba sa dayuhan. Natukoy ito ng makasaysayang sitwasyon at tradisyon.

Mga tampok ng romantikong pagpipinta ng Russia:

Ang ideolohiya ng paliwanag ay humina ngunit hindi bumagsak, tulad ng sa Europa. Samakatuwid, ang romantikismo ay hindi binibigkas.

Ang romantikismo ay nabuo kasabay ng klasisismo, na kadalasang nakakabit dito.

Ang akademikong pagpipinta sa Russia ay hindi pa naubos ang sarili nito.

Ang romantikismo sa Russia ay hindi isang matatag na kababalaghan, ang mga romantiko ay naakit sa akademiko. Sa kalagitnaan ng siglo XIX. halos mamatay na ang romantikong tradisyon.

Ang mga gawa na may kaugnayan sa romantisismo ay nagsimulang lumitaw sa Russia noong 1790s (ang mga gawa ni Feodosy Yanenko "Travelers Caught in a Storm" (1796), "Self-Portrait in a Helmet" (1792). Ang prototype ay halata sa kanila - Salvator Rosa, napakapopular noong ika-18 at ika-19 na siglo. Nang maglaon, ang impluwensya ng proto-romantic artist na ito ay magiging kapansin-pansin sa gawa ni Alexander Orlovsky. Ang mga magnanakaw, mga eksena sa paligid ng apoy, mga labanan ay sinamahan ng kanyang buong malikhaing paraan. Tulad ng sa ibang mga bansa, ang mga artista na kabilang sa Russian romanticism ay nagpakilala ng isang ganap na bagong emosyonal na mood sa mga klasikal na genre ng portraiture, landscape at genre na mga eksena.

Sa Russia, ang romantikismo ay nagsimulang magpakita mismo sa pagpipinta ng portrait . Sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, sa karamihan, nawalan siya ng pakikipag-ugnayan sa mataas na ranggo ng aristokrasya. Ang isang makabuluhang lugar ay nagsimulang sakupin ng mga larawan ng mga makata, artista, mga patron ng sining, ang imahe ng mga ordinaryong magsasaka. Ang kalakaran na ito ay lalo na binibigkas sa gawain ng O.A. Kiprensky (1782 - 1836) at V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Si Vasily Andreevich Tropinin ay nagsumikap para sa isang buhay na buhay, tahimik na katangian ng isang tao, na ipinahayag sa pamamagitan ng kanyang larawan. Ang portrait ng isang anak na lalaki (1818), "Portrait of A.S. Pushkin" (1827), "Self-portrait" (1846) ay humanga hindi sa isang portrait na pagkakahawig sa mga orihinal, ngunit sa isang hindi pangkaraniwang banayad na pagtagos sa panloob na mundo ng isang tao.

Larawan ng isang anak na lalaki- Si Arsenia Tropinina ay isa sa mga pinakamahusay sa trabaho ng master. Katangi-tanging, malambot na gintong mga kulay na nakapagpapaalaala sa pagpipinta ng valerie noong siglong XVIII. Gayunpaman, kumpara sa isang tipikal na larawan ng mga bata sa romanticism ng XVIII na siglo. dito ang walang pinapanigan na disenyo ay kapansin-pansin - ang batang ito ay nag-pose sa napakaliit na lawak. Ang tingin ni Arseny ay dumaan sa tumitingin, nakasuot ito ng kaswal, ang gate ay parang aksidenteng nabuksan. Ang kakulangan ng pagiging kinatawan ay nasa pambihirang fragmentation ng komposisyon: pinupuno ng ulo ang halos buong ibabaw ng canvas, ang imahe ay pinutol hanggang sa mga collarbone, at sa gayon ang mukha ng batang lalaki ay awtomatikong inilipat patungo sa manonood.

Pambihirang kawili-wiling kasaysayan ng paglikha "Larawan ng Pushkin". Tulad ng dati, para sa unang kakilala kay Pushkin, si Tropinin ay dumating sa bahay ni Sobolevsky sa palaruan ng aso, kung saan nakatira ang makata. Natagpuan siya ng artista sa kanyang opisina na kinakalikot ang mga tuta. Kasabay nito, tila, ito ay isinulat ayon sa unang impression, na labis na pinahahalagahan ni Tropinin, isang maliit na sketch. Sa mahabang panahon ay nanatili siyang wala sa paningin ng mga humahabol sa kanya. Pagkaraan lamang ng halos isang daang taon, noong 1914, inilathala ito ni P.M. Si Shchekotov, na sumulat na sa lahat ng mga larawan ni Alexander Sergeevich, "pinakadala niya ang kanyang mga tampok ... ang mga asul na mata ng makata ay puno ng isang espesyal na ningning dito, ang pagliko ng ulo ay mabilis, at ang mga tampok ng mukha ay nagpapahayag at mobile. . Walang alinlangan, narito ang mga tunay na tampok ng mukha ni Pushkin, na isa-isa nating nakikilala sa isa o isa pa sa mga larawang napunta sa atin. Ito ay nananatiling palaisipan," dagdag ni Shchekotov, "kung bakit ang kaakit-akit na sketch na ito ay hindi nakatanggap ng nararapat na atensyon mula sa mga publisher at connoisseurs ng makata." Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng mismong mga katangian ng maliit na sketch: walang kinang ng mga kulay, o kagandahan ng brushstroke, o mahusay na nakasulat na "roundabouts" dito. At ang Pushkin dito ay hindi isang tanyag na "vitia", hindi isang "henyo", ngunit, higit sa lahat, isang lalaki. At halos hindi katanggap-tanggap sa pagsusuri kung bakit ang napakahusay na nilalaman ng tao ay nakapaloob sa monochromatic grayish-green, olive scale, sa padalos-dalos, na parang random na mga stroke ng brush ng halos hindi matukoy na etude. Ang pagpunta sa memorya sa buong buhay at kasunod na mga larawan ng Pushkin, ang pag-aaral na ito, sa mga tuntunin ng lakas ng sangkatauhan, ay maaari lamang ilagay sa tabi ng pigura ng Pushkin, na nililok ng iskultor ng Sobyet na si A. Matveev. Ngunit hindi ito ang gawain na itinakda ni Tropinin sa kanyang sarili, hindi ito ang uri ng Pushkin na gustong makita ng kanyang kaibigan, kahit na inutusan niyang ilarawan ang makata sa isang simple, parang bahay na anyo.

Sa pagtatasa ng artist, si Pushkin ay "ang tsar-makata". Ngunit isa rin siyang makatang bayan, sarili niya at malapit sa lahat. "Ang pagkakahawig ng larawan sa orihinal ay kapansin-pansin," isinulat ni Polevoy sa dulo nito, bagaman napansin niya ang kakulangan ng "bilis ng paningin" at "masiglang pagpapahayag ng mukha," na nagbabago at binubuhay ang Pushkin sa bawat bagong impresyon .

Sa portrait, ang lahat ay naisip at napatunayan sa pinakamaliit na detalye, at sa parehong oras ay walang sinadya, walang ipinakilala ng artist. Kahit na ang mga singsing na nagpapalamuti sa mga daliri ng makata ay naka-highlight sa lawak na si Pushkin mismo ay nagbigay ng kahalagahan sa kanila sa buhay. Kabilang sa mga kaakit-akit na paghahayag ng Tropinin, ang larawan ng Pushkin ay tumatama sa sonority ng saklaw nito.

Ang romanticism ni Tropinin ay malinaw na nagpahayag ng sentimentalistic na pinagmulan. Si Tropinin ang nagtatag ng genre, medyo idealized na larawan ng isang tao mula sa mga tao ("The Lacemaker" (1823)). "Parehong mga connoisseurs at hindi connoisseurs," ang isinulat ni Svinin tungkol sa "Lacemaker" -- humanga kapag tinitingnan ang larawang ito, na tunay na nag-uugnay sa lahat ng kagandahan ng sining ng larawan: ang kaaya-aya ng brush, ang tama, masayang pag-iilaw, ang kulay ay malinaw, natural, bukod dito, ang larawang ito ay nagpapakita ng kaluluwa ng isang kagandahan at iyon mapanlinlang na tingin ng curiosity na ibinato niya sa isang taong pumasok ng mga sandaling iyon. Ang kanyang mga braso, na nakabukas sa siko, ay tumigil sa kanyang tingin, ang trabaho ay tumigil, isang buntong-hininga ang lumipad mula sa birhen na dibdib, na natatakpan ng isang muslin scarf - at ang lahat ng ito ay inilalarawan nang may katotohanan at simple na ang larawang ito ay madaling magkamali. para sa pinakamatagumpay na gawain ng maluwalhating Pangarap. Ang mga pangalawang bagay, tulad ng isang lace na unan at isang tuwalya, ay inayos nang may mahusay na sining at ginawa nang may katapusan ... ”

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang Tver ay isang makabuluhang sentro ng kultura ng Russia. Ang lahat ng mga kilalang tao ng Moscow ay narito para sa mga gabing pampanitikan. Dito, nakilala ng batang Orest Kiprensky si A.S. Pushkin, na ang larawan, na ipininta kalaunan, ay naging perlas ng sining ng larawan sa mundo, at ilalaan ni A.S. Pushkin ang mga tula sa kanya, kung saan tatawagin niya siyang "paborito ng light-winged fashion." Larawan ng Pushkin ang mga brush ni O. Kiprensky ay isang buhay na personipikasyon ng isang mala-tula na henyo. Sa determinadong pag-ikot ng ulo, sa mga bisig na masiglang nakakrus sa dibdib, ang buong anyo ng makata ay nagpapakita ng isang pakiramdam ng kalayaan at kalayaan. Ito ay tungkol sa kanya na sinabi ni Pushkin: "Nakikita ko ang aking sarili bilang isang salamin, ngunit ang salamin na ito ay nagpapapuri sa akin." Sa trabaho sa larawan ng Pushkin, sina Tropinin at Kiprensky ay nagkita sa huling pagkakataon, kahit na ang pulong na ito ay hindi nagaganap nang personal, ngunit maraming taon na ang lumipas sa kasaysayan ng sining, kung saan, bilang panuntunan, dalawang larawan ng pinakadakilang makatang Ruso. ay inihambing, nilikha nang sabay-sabay, ngunit sa iba't ibang mga lugar - isa sa Moscow. Isa pa sa St. Petersburg. Ngayon ito ay isang pulong ng mga masters na pantay na mahusay sa kanilang kahalagahan para sa sining ng Russia. Bagaman inaangkin ng mga hinahangaan ni Kiprensky na ang mga artistikong bentahe ay nasa gilid ng kanyang romantikong larawan, kung saan ipinakita ang makata na nalubog sa kanyang sariling mga kaisipan, nag-iisa sa muse, ang nasyonalidad at demokrasya ng imahe ay tiyak na nasa panig ng Pushkin ni Tropininsky.

Kaya, ang dalawang larawan ay sumasalamin sa dalawang lugar ng sining ng Russia, na puro sa dalawang kabisera. At sa kalaunan ay isusulat ng mga kritiko na ang Tropinin ay para sa Moscow kung ano ang Kiprensky para sa St.

Ang isang natatanging tampok ng mga larawan ni Kiprensky ay ang pagpapakita ng espirituwal na kagandahan at panloob na kadakilaan ng isang tao. Ang larawan ng isang bayani, matapang at malakas ang pakiramdam, ay dapat na isama ang mga kalunos-lunos ng mapagmahal sa kalayaan at makabayan na damdamin ng isang advanced na taong Ruso.

sa harap "Larawan ni E.V. Davydov"(1809) ay nagpapakita ng pigura ng isang opisyal, na direktang nagpakita ng pagpapahayag ng kultong iyon ng isang malakas at matapang na personalidad, na napaka tipikal para sa romantikismo ng mga taong iyon. Ang fragmentarily na ipinakita na tanawin, kung saan ang isang sinag ng liwanag ay nakikipagpunyagi sa kadiliman, ay nagpapahiwatig ng mga espirituwal na pagkabalisa ng bayani, ngunit sa kanyang mukha ay may isang pagmuni-muni ng panaginip na sensitivity. Hinahanap ni Kiprensky ang "tao" sa isang tao, at ang perpekto ay hindi nakakubli sa mga personal na katangian ng karakter ng modelo mula sa kanya.

Ang mga larawan ni Kiprensky, kung titingnan mo sila gamit ang iyong isip, ipakita ang espirituwal at likas na yaman ng isang tao, ang kanyang intelektwal na lakas. Oo, mayroon siyang ideyal ng isang maayos na personalidad, gaya ng binanggit ng kanyang mga kontemporaryo, ngunit hindi hinangad ni Kiprensky na literal na maipakita ang ideyal na ito sa isang masining na imahe. Sa gusali masining na imahe lumakad siya mula sa kalikasan, na parang sinusukat kung gaano kalayo o kalapit siya sa gayong ideal. Sa katunayan, marami sa mga inilalarawan niya ay nasa bisperas ng ideal, na nakadirekta dito, habang ang ideal mismo, ayon sa mga ideya ng romantikong aesthetics, ay halos hindi makakamit, at ang lahat ng romantikong sining ay isang landas lamang dito.

Pansinin ang mga kontradiksyon sa kaluluwa ng kanyang mga bayani, na nagpapakita sa kanila sa mga sandali ng pagkabalisa ng buhay, kapag nagbago ang kapalaran, nasira ang mga lumang ideya, umalis ang kabataan, atbp., Tila nararanasan ni Kiprensky kasama ang kanyang mga modelo. Samakatuwid ang espesyal na paglahok ng pintor ng portrait sa interpretasyon ng mga masining na imahe, na nagbibigay sa portrait ng isang intimate touch.

Sa unang bahagi ng panahon ng pagkamalikhain sa Kiprensky hindi ka makakakita ng mga mukha na nahawaan ng pag-aalinlangan, pagsusuri na nakakasira sa kaluluwa. Darating ito sa ibang pagkakataon, kapag ang romantikong oras ay makakaligtas sa taglagas nito, na nagbibigay daan sa iba pang mga mood at damdamin, kapag ang pag-asa para sa tagumpay ng ideal ng isang maayos na personalidad ay gumuho. Sa lahat ng mga portrait ng 1800s at ang mga portrait na isinagawa sa Tver, Kiprensky ay nagpapakita ng isang matapang na brush, madali at malayang pagbuo ng isang form. Ang pagiging kumplikado ng mga diskarte, ang likas na katangian ng pigura ay nagbago mula sa trabaho patungo sa trabaho.

Kapansin-pansin na hindi mo makikita ang heroic elation sa mga mukha ng kanyang mga bayani, sa kabaligtaran, karamihan sa mga mukha ay medyo malungkot, sila ay nagpapakasawa sa mga pagmumuni-muni. Tila ang mga taong ito ay nag-aalala tungkol sa kapalaran ng Russia, iniisip nila ang hinaharap kaysa sa kasalukuyan. Sa mga larawang babae na kumakatawan sa mga asawa, mga kapatid na babae ng mga kalahok sa mga makabuluhang kaganapan, hindi rin nagsikap si Kiprensky para sa sinasadyang kabayanihan. Nangibabaw ang pakiramdam ng kagaanan, pagiging natural. Kasabay nito, sa lahat ng mga larawan ay may napakaraming tunay na maharlika ng kaluluwa. Ang mga larawan ng kababaihan ay umaakit sa kanilang katamtamang dignidad, integridad ng kalikasan; sa mga mukha ng mga tao ay maaaring hulaan ang isang matanong na pag-iisip, isang kahandaan para sa asetisismo. Ang mga larawang ito ay kasabay ng mga namumuong etikal at aesthetic na ideya ng mga Decembrist. Ang kanilang mga iniisip at adhikain ay ibinahagi ng marami (ang paglikha ng mga lihim na lipunan na may ilang mga programang panlipunan at pampulitika ay nahuhulog sa panahon ng 1816-1821), alam ng artista ang tungkol sa kanila, at samakatuwid ay masasabi nating ang kanyang mga larawan ng mga kalahok sa mga kaganapan ng 1812-1814, mga larawan ng mga magsasaka, nilikha sa parehong mga taon - isang uri ng artistikong kahanay sa mga umuusbong na konsepto ng Decembrism.

Ang maliwanag na selyo ng romantikong ideal ay minarkahan "Larawan ni V.A. Zhukovsky"(1816). Ang artista, na lumilikha ng isang larawan na kinomisyon ni S.S. Uvarov, ay nagpasya na ipakita sa kanyang mga kontemporaryo hindi lamang ang imahe ng makata, na kilalang-kilala sa mga bilog na pampanitikan, kundi pati na rin upang ipakita ang isang tiyak na pag-unawa sa personalidad ng romantikong makata. Sa harap natin ay isang uri ng makata na nagpahayag ng pilosopiko at mapangarapin na takbo ng romantikong Ruso. Ipinakilala ni Kiprensky si Zhukovsky sa isang sandali ng malikhaing inspirasyon. Ginulo ng hangin ang buhok ng makata, ang mga puno ay nakakabahala na nagsasaboy sa kanilang mga sanga sa gabi, ang mga guho ng mga sinaunang gusali ay halos hindi nakikita. Ganito dapat ang hitsura ng lumikha ng mga romantikong ballad. Ang mga madilim na kulay ay nagpapalala sa kapaligiran ng misteryoso. Sa payo ni Uvarov, hindi natapos ni Kiprensky ang pagpipinta ng mga indibidwal na fragment ng portrait, upang ang "sobrang pagkakumpleto" ay hindi mapatay ang espiritu, ugali, at emosyonalidad.

Maraming mga larawan ang ipininta ni Kiprensky sa Tver. Bukod dito, nang ipinta niya si Ivan Petrovich Vulf, isang may-ari ng lupa mula sa Tver, tumingin siya nang may damdamin sa batang babae na nakatayo sa harap niya, ang kanyang apo, ang hinaharap na Anna Petrovna Kern, kung saan ang isa sa mga pinaka-kaakit-akit na liriko na gawa ay nakatuon - A.S. Pushkin's tula "Naaalala ko ang napakagandang sandali... Ang ganitong mga asosasyon ng mga makata, artista, musikero ay naging isang pagpapakita ng isang bagong kalakaran sa sining - romantikismo.

Ang "Young Gardener" (1817) ni Kiprensky, "Italian Noon" (1827) ni Bryullov, "Reapers" o "Reaper" (1820s) ni Venetsianov ay mga gawa ng parehong typological series. Nakatuon ang mga ito sa kalikasan at malinaw na isinulat gamit ang gayunpaman, ang gawain ng bawat isa sa mga artist - upang isama ang aesthetic na pagiging perpekto ng simpleng kalikasan - ay humantong sa isang tiyak na ideyalisasyon ng mga hitsura, damit, mga sitwasyon para sa kapakanan ng paglikha ng isang metapora ng imahe. Pagmamasid sa buhay, kalikasan, muling inisip ito ng artist , pagtutula sa nakikita. Sa ganitong qualitatively bagong kumbinasyon ng kalikasan at imahinasyon na may karanasan ng mga sinaunang at Renaissance masters, na nagbubunga ng mga imahe na hindi kilala sa sining noon, at isa sa mga tampok ng romantikismo sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang metaporikal na kalikasan, sa pangkalahatan ay katangian ng mga gawang ito nina Venetsianov at Bryullov, ay isa sa pinakamahalagang katangian ng romantikong noong ang mga artistang Ruso ay hindi pa gaanong pamilyar sa Kanlurang Europa na romantikong larawan. "Larawan ng isang ama (A. K. Schwalbe)"(1804) ay isinulat ni Orest Kiprensky ng sining at ang portrait genre sa partikular.

Ang pinakamahalagang tagumpay ng romantikong Ruso ay mga gawa sa genre ng portrait. Ang pinakamaliwanag at pinakamahusay na mga halimbawa ng Romantisismo ay mula sa unang bahagi ng panahon. Matagal bago ang kanyang paglalakbay sa Italya, noong 1816, si Kiprensky, sa loob na handa para sa isang romantikong pagkakatawang-tao, ay nakita ng mga bagong mata ang mga kuwadro na gawa ng mga lumang masters. Madilim na kulay, mga figure na naka-highlight sa pamamagitan ng liwanag, nasusunog na mga kulay, matinding dramaturgy ay nagkaroon ng malakas na epekto sa kanya. Ang "Portrait of a Father" ay walang alinlangan na nilikha sa ilalim ng impresyon ni Rembrandt. Ngunit ang Russian artist ay kumuha lamang ng mga panlabas na pamamaraan mula sa mahusay na Dutchman. Ang "Portrait of a Father" ay isang ganap na independiyenteng gawain, na nagtataglay ng sarili nitong panloob na enerhiya at kapangyarihan ng masining na pagpapahayag. Ang isang natatanging tampok ng mga landscape portrait ay ang kasiglahan ng kanilang pagganap. Walang kaakit-akit dito - ang agarang paglipat ng kanyang nakita sa papel ay lumilikha ng kakaibang pagiging bago ng graphic na pagpapahayag. Samakatuwid, ang mga taong inilalarawan sa mga guhit ay tila malapit at naiintindihan sa amin.

Tinawag ng mga dayuhan si Kiprensky ang Russian Van Dyck, ang kanyang mga larawan ay nasa maraming museo sa buong mundo. Ang kahalili ng gawain nina Levitsky at Borovikovsky, ang hinalinhan ni L. Ivanov at K. Bryullov, Kiprensky, kasama ang kanyang trabaho, ay nagbigay sa Russian art school na European katanyagan. Sa mga salita ni Alexander Ivanov, "siya ang unang nagdala ng pangalang Ruso sa Europa ...".

Ang pagtaas ng interes sa personalidad ng isang tao, katangian ng romantikismo, ay paunang natukoy ang pamumulaklak ng genre ng portrait sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, kung saan ang self-portrait ay naging nangingibabaw na tampok. Bilang isang patakaran, ang paglikha ng isang self-portrait ay hindi isang random na episode. Paulit-ulit na isinulat at iginuhit ng mga artista ang kanilang mga sarili, at ang mga gawang ito ay naging isang uri ng talaarawan na sumasalamin sa iba't ibang estado ng pag-iisip at yugto ng buhay, at kasabay nito ay isang manifesto na hinarap sa mga kontemporaryo. sariling larawan ay hindi isang pasadyang genre, ang artist ay nagsulat para sa kanyang sarili, at dito, bilang hindi kailanman bago, siya ay naging malaya sa pagpapahayag ng sarili. Noong ika-18 siglo, ang mga artistang Ruso ay bihirang nagpinta ng mga orihinal na larawan, ang romantikismo lamang, kasama ang kulto ng indibidwal, ang pambihirang, ay nag-ambag sa pagtaas ng genre na ito. Ang iba't ibang uri ng self-portrait ay sumasalamin sa pananaw ng mga artista sa kanilang sarili bilang isang mayaman at multifaceted na personalidad. Lumilitaw ang mga ito sa karaniwan at natural na papel ng lumikha (“Self-portrait in a velvet beret” ni A. G. Varnek, 1810s), pagkatapos ay bumulusok sila sa nakaraan, na parang sinusubukan ito sa kanilang sarili (“Self-portrait in a helmet at baluti” ni F. I. Yanenko , 1792), o, kadalasan, lumilitaw nang walang anumang propesyonal na mga katangian, na iginiit ang kahalagahan at pagpapahalaga sa sarili ng bawat tao, pinalaya at bukas sa mundo, naghahanap at nagmamadali, tulad ng, halimbawa, F. A. Bruni at O. A. Orlovsky sa self-portraits noong 1810s. Ang pagiging handa para sa pag-uusap at pagiging bukas, na katangian ng makasagisag na solusyon ng mga gawa ng 1810-1820s, ay unti-unting pinalitan ng pagkapagod at pagkabigo, paglulubog, pag-alis sa sarili ("Self-portrait" ni M. I. Terebenev). Ang trend na ito ay makikita sa pagbuo ng portrait genre sa kabuuan.

Ang mga self-portraits ng Kiprensky ay lumitaw, na kung saan ay nagkakahalaga ng pagpuna, sa mga kritikal na sandali ng buhay, sila ay nagpatotoo sa pagtaas o pagbagsak ng lakas ng kaisipan. Sa pamamagitan ng kanyang sining, tiningnan ng artista ang kanyang sarili. Gayunpaman, hindi siya gumamit, tulad ng karamihan sa mga pintor, ng salamin; ipininta niya ang kanyang sarili higit sa lahat ayon sa kanyang ideya, nais niyang ipahayag ang kanyang espiritu, ngunit hindi ang kanyang hitsura.

"Pag-self-portrait na may mga brush sa likod ng tainga" binuo sa isang pagtanggi, at isang malinaw na nagpapakita, sa panlabas na pagluwalhati ng imahe, ang klasikal na normativity at perpektong konstruksyon. Ang mga tampok ng mukha ay nakabalangkas sa humigit-kumulang, sa pangkalahatan. Ang ilaw sa gilid ay bumabagsak sa mukha, na nagha-highlight lamang sa mga tampok sa gilid. Ang hiwalay na mga pagmuni-muni ng liwanag ay nahuhulog sa pigura ng artist, na pinatay sa isang halos hindi nakikitang tela, na kumakatawan sa background ng larawan. Ang lahat dito ay napapailalim sa pagpapahayag ng buhay, damdamin, mood. Ito ay isang pagtingin sa romantikong sining sa pamamagitan ng sining ng self-portraiture. Ang paglahok ng artist sa mga lihim ng pagkamalikhain ay ipinahayag sa misteryosong romantikong "sfumato ng ika-19 na siglo". Lumilikha ng kakaibang maberde na tono espesyal na kapaligiran masining na mundo, sa gitna nito ay ang artist mismo.

Halos kasabay ng self-portrait na ito, at nakasulat “Self-portrait sa isang pink na neckerchief”, kung saan nakapaloob ang isa pang larawan. Nang walang direktang indikasyon ng propesyon ng isang pintor. Ang imahe ng isang binata ay muling nilikha, pakiramdam sa kagaanan, natural, malaya. Ang nakalarawang ibabaw ng canvas ay pinong pagkakagawa. Kumpiyansa na naglalagay ng pintura ang brush ng artist. Nag-iiwan ng malaki at maliliit na stroke. Ang pangkulay ay napakahusay na binuo, ang mga kulay ay hindi maliwanag, sila ay magkakasuwato na pinagsama sa isa't isa, ang pag-iilaw ay kalmado: ang liwanag ay malumanay na bumubuhos sa mukha ng binata, na binabalangkas ang kanyang mga tampok, nang walang hindi kinakailangang pagpapahayag at pagpapapangit.

Ang isa pang natatanging pintor ay si Venetsianov. Noong 1811, natanggap niya ang pamagat ng akademiko mula sa Academy, na hinirang para sa "Self-portrait" at "Portrait of K.I. Golovachevsky na may tatlong mga mag-aaral ng Academy of Arts." Ito ay mga pambihirang gawa.

Ipinahayag ni Venetsianov ang kanyang sarili bilang isang tunay na karunungan "Larawan sa sarili" 1811. Ito ay isinulat nang iba kaysa sa iba pang mga artist na pininturahan ang kanilang mga sarili sa oras na iyon - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek at maging ang serf V. Tropinin. Karaniwan sa kanilang lahat na isipin ang kanilang sarili sa isang romantikong halo, ang kanilang mga larawan sa sarili ay isang uri ng patula na paghaharap na may kaugnayan sa kapaligiran. Ang pagiging eksklusibo ng artistikong kalikasan ay ipinakita sa pose, mga kilos, sa katangi-tangi ng espesyal na ipinaglihi na kasuutan. Sa "Self-portrait" ni Venetsianov, ang mga mananaliksik ay nagpapansin, una sa lahat, ang mahigpit at matinding pagpapahayag ng isang abalang tao ... Tamang kahusayan, na naiiba sa pakitang-tao na "artistic negligence", na ipinahiwatig ng mga dressing gowns o coquettishly nagpalit ng sumbrero ng ibang artista. Tinitingnan ni Venitsianov ang kanyang sarili nang matino. Ang sining para sa kanya ay hindi isang inspiradong salpok, ngunit higit sa lahat isang bagay na nangangailangan ng konsentrasyon at atensyon. Maliit sa laki, halos monochrome sa kulay ng mga tono ng oliba, lubos na tumpak na nakasulat, ito ay simple at kumplikado sa parehong oras. Hindi umaakit sa panlabas na bahagi ng pagpipinta, huminto siya sa kanyang tingin. Ang perpektong manipis na mga gilid ng manipis na gintong frame ng mga baso ay hindi nagtatago, ngunit sa halip ay binibigyang-diin ang matalim na talas ng mga mata, hindi masyadong nakatuon sa kalikasan (ipinakita ng artist ang kanyang sarili na may isang palette at isang brush sa kanyang mga kamay), ngunit sa ang lalim ng sariling iniisip. Ang isang malaking malapad na noo, kanang bahagi ng mukha, na pinaliwanagan ng direktang liwanag, at isang puting sando sa harap ay bumubuo ng isang magaan na tatsulok, una sa lahat ay umaakit sa mata ng manonood, na sa susunod na sandali, sumusunod sa paggalaw ng kanan. kamay na may hawak na manipis na brush, dumudulas pababa sa palette. Kulot na mga hibla ng buhok, makintab na mga frame, isang maluwag na kurbata na bilog sa kwelyo, isang malambot na linya ng balikat at, sa wakas, isang malawak na kalahating bilog ng palette ay bumubuo ng isang gumagalaw na sistema ng makinis, umaagos na mga linya, sa loob kung saan mayroong tatlong pangunahing mga punto : maliit na liwanag na nakasisilaw ng mga mag-aaral, at ang matalim na dulo ng shirt-harap, halos pagsasara sa palette at brush. Ang ganitong halos mathematical na pagkalkula sa pagbuo ng komposisyon ng portrait ay nagbibigay sa imahe ng bahagyang panloob na pag-iingat at nagbibigay ng dahilan upang ipalagay na ang may-akda ay may analytical na pag-iisip, madaling kapitan ng pag-iisip sa siyensiya. Sa "Self-portrait" ay walang bakas ng anumang romanticism, na noon ay napakadalas sa paglalarawan ng mga artista mismo. Ito ay isang self-portrait ng isang artist-researcher, isang artist-thinker at isang hard worker.

Iba pang gawain - larawan ng Golovachevsky- ipinaglihi bilang isang uri komposisyon ng plot: ang mas matandang henerasyon ng mga masters ng Academy sa katauhan ng matandang inspektor ay nagbibigay ng mga tagubilin sa lumalaking talento: ang pintor (na may folder ng mga guhit. Ang arkitekto at ang iskultor. Ngunit hindi pinahintulutan ni Venetsianov kahit isang anino ng anumang artificiality o didaktisismo sa larawang ito: ang mabuting matandang si Golovachevsky na palakaibigan ay nag-interpret ng ilang pagbabasa sa mga tinedyer sa pahina ng libro. Ang katapatan ng pagpapahayag ay nakahanap ng suporta sa kaakit-akit na istraktura ng larawan: ang masunurin, banayad at magandang pagkakatugma ng mga makukulay na tono ay lumilikha ng impresyon ng kapayapaan at kaseryosohan. Ang mga mukha ay ipininta nang maganda, puno ng panloob na kahalagahan. Ang larawan ay isa sa pinakamataas na tagumpay ng larawang Ruso.

At sa gawain ni Orlovsky noong 1800s, lumilitaw ang mga gawa sa portrait, karamihan sa anyo ng mga guhit. Sa pamamagitan ng 1809, tulad ng isang emosyonal na mayaman portrait sheet bilang "Larawan sa sarili". Isinagawa gamit ang isang makatas na libreng stroke ng sanguine at charcoal (na may chalk highlighting), ang "Self-portrait" ni Orlovsky ay umaakit sa kanyang artistikong integridad, characterization ng imahe, at kasiningan ng pagganap. Kasabay nito, pinapayagan nito ang isa na makilala ang ilang mga kakaibang aspeto ng sining ni Orlovsky. Ang "Self-portrait" Orlovsky, siyempre, ay hindi naglalayong tumpak na kopyahin ang tipikal na hitsura ng artist ng mga taong iyon. Bago sa amin - sa maraming aspeto sinadya. Ang labis na hitsura ng isang "artista", na sumasalungat sa kanyang sariling "Ako" sa nakapaligid na katotohanan, hindi siya nababahala tungkol sa "desente" ng kanyang hitsura: hindi hinawakan ng suklay at brush ang kanyang malago na buhok, sa kanyang balikat ay ang gilid ng isang checkered raincoat sa ibabaw mismo ng isang home shirt na may bukas na kwelyo. Isang matalim na pagliko ng ulo na may "mapanglaw" na hitsura mula sa ilalim ng inilipat na mga kilay, isang malapit na hiwa ng larawan, kung saan ang mukha ay inilalarawan malapitan, mga kaibahan ng liwanag - lahat ng ito ay naglalayong makamit ang pangunahing epekto ng pagsalungat sa inilalarawang tao sa kapaligiran (at sa gayon ay sa manonood).

Ang mga pathos ng paggigiit ng sariling katangian - isa sa mga pinaka-progresibong tampok sa sining ng panahong iyon - ay bumubuo ng pangunahing ideolohikal at emosyonal na tono ng larawan, ngunit lumilitaw sa isang kakaibang aspeto na halos hindi matatagpuan sa sining ng Russia noong panahong iyon. Ang paninindigan ng personalidad ay hindi napupunta sa pamamagitan ng pagsisiwalat ng kayamanan ng panloob na mundo nito, ngunit sa pamamagitan ng isang mas panlabas na paraan ng pagtanggi sa lahat ng bagay na nasa paligid nito. Ang imahe sa parehong oras, siyempre, mukhang maubos, limitado.

Ang ganitong mga solusyon ay mahirap hanapin sa Russian portrait art noong panahong iyon, kung saan nasa kalagitnaan na ng ika-18 siglo ang civic at humanistic motives ay malakas na tunog at ang personalidad ng tao ay hindi kailanman sinira ang malakas na ugnayan sa kapaligiran. Nangangarap ng isang mas mahusay, demokratikong kaayusang panlipunan, ang pinakamahusay na mga tao ng Russia sa panahong iyon ay hindi nangangahulugang hiwalay sa katotohanan, sinasadya nilang tinanggihan ang indibidwal na kulto ng "personal na kalayaan" na umunlad sa lupa ng Kanlurang Europa, na pinaluwag ng burges na rebolusyon. . Ito ay malinaw na ipinakita bilang isang salamin ng mga tunay na kadahilanan sa Russian portrait art. Ang isa ay dapat lamang ihambing ang "Self-portrait" ni Orlovsky sa sabay-sabay "Larawan sa sarili" Kiprensky (halimbawa, 1809), upang ang seryosong panloob na pagkakaiba sa pagitan ng dalawang pintor ng larawan ay agad na nakakakuha ng mata.

"Kabayanihan" din ni Kiprensky ang personalidad ng isang tao, ngunit ipinapakita niya ang tunay na mga pagpapahalaga nito. Sa harap ng artista, nakikilala ng manonood ang mga tampok ng isang malakas na pag-iisip, karakter, kadalisayan ng moral.

Ang buong hitsura ng Kiprensky ay natatakpan ng kamangha-manghang maharlika at sangkatauhan. Nagagawa niyang makilala ang pagitan ng "mabuti" at "masama" sa nakapaligid na mundo at, tinatanggihan ang pangalawa, mahalin at pahalagahan ang una, mahalin at pahalagahan ang mga taong katulad ng pag-iisip. Kasabay nito, mayroon kaming bago sa amin, walang alinlangan, isang malakas na pagkatao, ipinagmamalaki ang kamalayan ng halaga ng kanyang mga personal na katangian. Eksakto ang parehong konsepto ng larawan ng portrait na pinagbabatayan ng kilalang heroic portrait ni D. Davydov ni Kiprensky.

Orlovsky, kung ihahambing kay Kiprensky, pati na rin sa ilang iba pang mga pintor ng larawan ng Russia noong panahong iyon, mas limitado, mas tapat at panlabas na niresolba ang imahe " malakas na personalidad”, habang malinaw na nakatuon sa sining ng burges na France. Kapag tiningnan mo ang kanyang "Self-portrait", ang mga larawan ni A. Gro, Gericault ay hindi sinasadyang pumasok sa isip. Ang profile ni Orlovsky na "Self-portrait" noong 1810, kasama ang kulto ng indibidwal na "panloob na lakas", gayunpaman, ay wala na sa matalim na "sketch" na anyo ng "Self-portrait" ng 1809 o "Larawan ng Duport". Sa huli, si Orlovsky, tulad ng sa Self-Portrait, ay gumagamit ng isang kamangha-manghang, "kabayanihan" na pose na may matalim, halos criss-cross na paggalaw ng ulo at balikat. Binibigyang-diin niya ang hindi regular na istraktura ng mukha ni Duport, ang kanyang gusot na buhok, na may layuning lumikha ng isang portrait na imahe na sapat sa sarili sa kakaiba at random na karakter nito.

"Ang tanawin ay dapat na isang larawan," isinulat ni K. N. Batyushkov. Karamihan sa mga artista na bumaling sa genre ay sumunod sa setting na ito sa kanilang trabaho. tanawin. Kabilang sa mga halatang eksepsiyon, na nakahilig patungo sa kamangha-manghang tanawin, ay si A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("Tingnan sa paligid ng Roma", 1809); P. V. Basin ("The Sky at Sunset in the Outskirts of Rome", "Evening Landscape", pareho - 1820s). Paglikha ng mga tiyak na uri, pinanatili nila ang kamadalian ng sensasyon, emosyonal na kayamanan, pagkamit ng napakalaking tunog na may mga diskarte sa komposisyon.

Nakita ng batang Orlrovsky sa kalikasan ang mga titanic na puwersa lamang, hindi napapailalim sa kalooban ng tao, na may kakayahang magdulot ng isang sakuna, isang sakuna. Ang pakikibaka ng isang tao na may nagngangalit na elemento ng dagat ay isa sa mga paboritong tema ng artista ng kanyang "mapaghimagsik" na romantikong panahon. Ito ang naging laman ng kanyang mga guhit, watercolor at oil painting noong 1809-1810. ang kalunos-lunos na tagpo ay ipinapakita sa larawan "Pagbagsak ng barko"(1809(?)). Sa matinding dilim na bumagsak sa lupa, sa gitna ng rumaragasang alon, ang mga nalulunod na mangingisda ay galit na galit na umaakyat sa mga bato sa baybayin kung saan bumagsak ang kanilang barko. Nananatili sa matinding pulang kulay, pinahuhusay ng kulay ang pakiramdam ng pagkabalisa. Kakila-kilabot ang mga pagsalakay ng malalakas na alon, na naglalarawan ng isang bagyo, at sa isa pang larawan - "Sa dagat"(1809). Ito rin ay gumaganap ng isang malaking emosyonal na papel sa mabagyong kalangitan, na sumasakop sa karamihan ng komposisyon. Bagaman hindi pinagkadalubhasaan ni Orlovsky ang sining ng pananaw sa himpapawid, ang mga unti-unting paglipat ng mga plano ay nalutas dito nang mas maayos at mahina. Ang kulay ay naging mas maliwanag. Mahusay na naglalaro sa isang mapula-pula-kayumanggi na background, ang mga pulang batik ng damit ng mga mangingisda. Hindi mapakali at balisang elemento ng dagat sa watercolor "bangka"(c.1812). At kahit na ang hangin ay hindi umuuga sa layag at hindi umaagos sa ibabaw ng tubig, tulad ng sa watercolor “Seascape na may mga barko”(c. 1810), hindi iniiwan ng manonood ang premonisyon na isang bagyo ang susunod sa kalmado.

Sa lahat ng drama at damdamin ng mga damdamin, ang mga seascape ni Orlovsky ay hindi gaanong bunga ng kanyang mga obserbasyon sa mga phenomena sa atmospera, ngunit ang resulta ng isang direktang imitasyon ng mga klasiko ng sining. Sa partikular, si J. Vernet.

Ang mga tanawin ng S. F. Shchedrin ay may ibang katangian. Ang mga ito ay puno ng pagkakaisa ng magkakasamang buhay ng tao at kalikasan ("Terrace sa dalampasigan. Cappuccini malapit sa Sorrento", 1827). Maraming tanawin ng Naples at ang paligid ng kanyang brush ang nagtamasa ng pambihirang tagumpay at katanyagan.

Ang paglikha ng isang romantikong imahe ng St. Petersburg sa pagpipinta ng Russia ay nauugnay sa gawain ni M. N. Vorobyov. Sa kanyang mga canvases, ang lungsod ay lumitaw na nababalot ng mahiwagang mga fog ng St. Petersburg, isang malambot na ulap ng puting gabi at isang kapaligiran na puspos ng kahalumigmigan ng dagat, kung saan ang mga contour ng mga gusali ay nabubura, at ang liwanag ng buwan ay nakumpleto ang sakramento. Ang parehong liriko na simula ay nakikilala ang mga pananaw sa mga kapaligiran ng St. Petersburg na ginawa niya ("Sunset in the Outskirts of St. Petersburg", 1832). Ngunit ang hilagang kabisera ay nakita din ng mga artista sa ibang, dramatikong ugat, bilang isang arena para sa banggaan at pakikibaka ng mga natural na elemento (V. E. Raev, Alexander Column sa panahon ng Thunderstorm, 1834).

Ang makikinang na mga pagpipinta ni I. K. Aivazovsky ay malinaw na isinama ang mga romantikong mithiin ng pagkalasing sa pakikibaka at kapangyarihan ng mga likas na pwersa, ang tibay ng espiritu ng tao at ang kakayahang lumaban hanggang sa wakas. Gayunpaman, ang isang malaking lugar sa pamana ng master ay inookupahan ng mga seascape sa gabi na nakatuon sa mga tiyak na lugar kung saan ang bagyo ay nagbibigay daan sa magic ng gabi, isang oras na, ayon sa mga pananaw ng mga romantiko, ay puno ng isang mahiwagang panloob na buhay, at kung saan nakadirekta ang pictorial search ng artist sa pagkuha ng mga pambihirang epekto ng pag-iilaw ( "Tingnan ang Odessa sa gabing naliliwanagan ng buwan", "Tingnan ang Constantinople sa liwanag ng buwan", pareho - 1846).

Ang tema ng mga natural na elemento at isang lalaking nagulat, isang paboritong tema ng romantikong sining, ay naiiba ang interpretasyon ng mga artista noong 1800-1850s. Ang mga gawa ay batay sa mga totoong pangyayari, ngunit ang kahulugan ng mga larawan ay wala sa kanilang layuning muling pagsasalaysay. Ang isang tipikal na halimbawa ay ang pagpipinta ni Pyotr Basin "Lindol sa Rocca di Papa malapit sa Roma"(1830). Ito ay nakatuon hindi gaanong sa paglalarawan ng isang tiyak na kaganapan bilang sa paglalarawan ng takot at sindak ng isang tao na nahaharap sa isang pagpapakita ng mga elemento.

Ang mga luminaries ng pagpipinta ng Russia sa panahong ito ay sina K.P. Bryullov (1799-1852) at A.A. Ivanov (1806 - 1858). Russian pintor at draftsman K.P. Si Bryullov, habang nag-aaral pa rin ng Academy of Arts, ay pinagkadalubhasaan ang walang kapantay na kasanayan sa pagguhit. Ang gawain ni Bryullov ay karaniwang nahahati sa bago ang "Ang Huling Araw ng Pompeii" at pagkatapos. Ano ang nilikha bago ....?!

"Italian Morning" (1823), "Ermilia with the Shepherds" (1824) batay sa tula ni Torquatto Tasso "The Liberation of Jerusalem", "Italian Noon" ("Italian Woman Harvesting Grapes", 1827), "Horsewoman" ( 1830), "Bathsheba" (1832) - ang lahat ng mga pagpipinta na ito ay puno ng isang maliwanag, hindi nakikilalang kagalakan ng buhay. Ang ganitong mga gawa ay naaayon sa mga unang epicurean na tula ng Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. Ang lumang paraan, batay sa imitasyon ng mga dakilang masters, ay hindi nasiyahan kay Bryullov, at isinulat niya ang "Italian Morning", "Italian Noon", "Bathsheba" sa bukas na hangin.

Habang nagtatrabaho sa larawan, pininturahan lamang ni Bryullov ang ulo mula sa buhay. Ang lahat ng iba ay madalas na idinidikta sa kanya ng kanyang imahinasyon. Ang bunga ng naturang libreng creative improvisation ay "Rider". Ang pangunahing bagay sa larawan ay ang kaibahan ng isang pinainit, lumulutang na hayop na may namamaga na mga butas ng ilong at kumikinang na mga mata at isang matikas na babaeng mangangabayo na mahinahong pinipigilan ang galit na galit na enerhiya ng isang kabayo (ang pagpapaamo ng mga hayop ay isang paboritong tema ng mga klasikal na iskultor, nalutas ito ni Bryullov sa pagpipinta) .

SA "Bathsheba" ginagamit ng pintor ang kuwento sa Bibliya bilang isang dahilan para sa pagpapakita ng isang hubad na katawan sa bukas na hangin at paghahatid ng paglalaro ng liwanag at reflexes sa makatarungang balat. Sa "Bathsheba" nilikha niya ang imahe ng isang dalaga, puno ng kagalakan at kaligayahan. Ang hubad na katawan ay kumikinang at nagniningning na napapalibutan ng mga olive green, mga damit na cherry, isang transparent na reservoir. Ang malambot na nababanat na mga anyo ng katawan ay maganda na pinagsama sa pagpaputi na tela at ang kulay na tsokolate ng babaeng Arabe na naglilingkod kay Bathsheba. Ang mga umaagos na linya ng mga katawan, pond, at mga tela ay nagbibigay sa komposisyon ng larawan ng isang makinis na ritmo.

Ang pagpinta ay naging isang bagong salita sa pagpipinta "Ang huling araw ng Pompeii"(1827-1833). Ginawa niyang walang kamatayan ang pangalan ng artista at napakasikat sa kanyang buhay.

Ang balangkas nito, tila, ay pinili sa ilalim ng impluwensya ng kanyang kapatid na si Alexander, na masinsinang pinag-aralan ang mga guho ng Pompeian. Ngunit mas malalim ang mga dahilan ng pagsulat ng larawan. Napansin ito ni Gogol, at direktang sinabi ni Herzen na sa The Last Day of Pompeii natagpuan nila ang kanilang lugar, marahil, isang walang malay na pagmuni-muni ng mga iniisip at damdamin ng artist, na sanhi ng pagkatalo ng pag-aalsa ng Decembrist sa Russia. Hindi nang walang dahilan, kabilang sa mga biktima ng nagngangalit na mga elemento sa namamatay na Pompeii, inilagay ni Bryullov ang kanyang sariling larawan at ibinigay ang mga tampok ng kanyang mga kakilala sa Russia sa iba pang mga character sa larawan.

Ang Italian entourage ng Bryullov ay gumanap din ng isang papel, na maaaring sabihin sa kanya ang tungkol sa mga rebolusyonaryong bagyo na dumaan sa lupain ng Italya sa mga nakaraang taon, tungkol sa malungkot na kapalaran ng Carbonari sa mga taon ng reaksyon.

Ang napakagandang larawan ng pagkamatay ni Pompeii ay napuno ng diwa ng historicism, ipinapakita nito ang pagbabago ng isang makasaysayang panahon patungo sa isa pa, ang pagsupil sa sinaunang paganismo at ang pagsisimula ng isang bagong pananampalatayang Kristiyano.

Nakikita ng artista ang takbo ng kasaysayan, ang pagbabago ng mga panahon bilang isang pagkabigla sa sangkatauhan. Sa gitna ng komposisyon, ang isang babae na nahulog mula sa isang karwahe at binasag hanggang sa mamatay ay personified, tila, ang pagkamatay ng sinaunang mundo. Ngunit malapit sa katawan ng ina, inilagay ng artista ang isang buhay na sanggol. Inilalarawan ng artista ang mga bata at magulang, isang binata at isang matandang ina, mga anak na lalaki at isang huwarang ama, ipinakita ng artista ang mga lumang henerasyon na kumukupas sa kasaysayan at ang mga bagong darating na papalit sa kanila. kapanganakan bagong panahon sa mga guho ng isang luma, gumuho na mundo, ito ang tunay na tema ng pagpipinta ni Bryullov. Anuman ang mga pagbabagong dulot ng kasaysayan, ang pag-iral ng sangkatauhan ay hindi tumitigil, at ang pagkauhaw nito sa buhay ay nananatiling walang kupas. Ito ang pangunahing ideya sa likod ng The Last Day of Pompeii. Ang larawang ito ay isang himno sa kagandahan ng sangkatauhan, na nananatiling walang kamatayan sa lahat ng mga siklo ng kasaysayan.

Ang canvas ay ipinakita noong 1833 sa Milan Art Exhibition, nagdulot ito ng magulo ng mga masigasig na tugon. Nasakop ang weathered Italy. Ang estudyante ni Bryullov na si G. G. Gagarin ay nagpapatotoo: “Ang dakilang gawaing ito ay pumukaw ng walang hanggang sigasig sa Italya. Ang mga lungsod kung saan ipinakita ang pagpipinta ay nag-ayos ng mga solemne na pagtanggap para sa artista, ang mga tula ay nakatuon sa kanya, dinala siya sa mga lansangan na may musika, mga bulaklak at mga sulo ... Kahit saan siya ay tinanggap nang may karangalan bilang isang kilalang, matagumpay na henyo, naiintindihan at pinahahalagahan ng lahat.

Ang manunulat ng Ingles na si Walter Scott (kinatawan ng romantikong panitikan, sikat sa mga nobelang pangkasaysayan) gumugol ng isang buong oras sa studio ni Bryullov, tungkol sa kung saan sinabi niya na hindi ito isang larawan, ngunit isang buong tula. Inihalal ng mga akademya ng sining ng Milan, Florence, Bologna at Parma ang pintor ng Russia bilang kanilang honorary member.

Ang canvas ni Bryullov ay nagdulot ng masigasig na mga tugon mula kina Pushkin at Gogol.

Binuksan ni Vesuvius zev - bumulwak ang usok sa isang club-flame

Malawak na binuo tulad ng isang banner ng labanan.

Ang lupa ay nag-aalala - mula sa nakakagulat na mga haligi

Bumagsak ang mga idol!..

Sumulat si Pushkin sa ilalim ng impresyon ng larawan.

Simula kay Bryullov, ang mga pagbabago sa kasaysayan ay naging pangunahing paksa ng Ruso pagpipinta ng kasaysayan, kung saan itinatanghal ang mga engrandeng katutubong eksena, kung saan ang bawat tao ay kalahok sa isang makasaysayang drama, kung saan walang pangunahin at pangalawa.

Ang "Pompeii" ay kabilang, sa pangkalahatan, sa klasisismo. Mahusay na inihayag ng artista ang kaplastikan ng katawan ng tao sa canvas. Ang lahat ng mga espirituwal na paggalaw ng mga tao ay ipinadala ni Bryullov, pangunahin sa wika ng plasticity. Ang mga hiwalay na numero, na ibinigay sa isang mabagyong kilusan, ay kinokolekta sa balanseng, nagyelo na mga grupo. Binibigyang-diin ng mga kislap ng liwanag ang mga hugis ng mga katawan at hindi gumagawa ng malakas na mga epekto sa larawan. Gayunpaman, ang komposisyon ng pagpipinta, na may isang malakas na pambihirang tagumpay sa gitna sa lalim, na naglalarawan ng isang pambihirang kaganapan sa buhay ni Pompeii, ay inspirasyon ng romantikismo.

Ang romantikismo bilang isang pananaw sa mundo ay umiral sa Russia sa unang alon nito mula sa katapusan ng ika-18 siglo hanggang sa 1850s. Ang linya ng romantiko sa sining ng Russia ay hindi tumigil noong 1850s. Ang tema ng estado ng pagkatao, na natuklasan ng Romantics para sa sining, ay kalaunan ay binuo ng mga artista ng Blue Rose. Ang mga direktang tagapagmana ng Romantics ay walang alinlangan ang mga Simbolista. Ang mga romantikong tema, motif, nagpapahayag na mga diskarte ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, uso, malikhaing asosasyon. Ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinaka masigla, matiyaga, mabunga.

Ang romantikismo bilang isang pangkalahatang saloobin, pangunahing katangian ng mga kabataan, bilang isang pagnanais para sa isang perpekto at malikhaing kalayaan, ay patuloy na nabubuhay sa sining ng mundo.

c) Musika

Ang romantikismo sa pinakadalisay nitong anyo ay isang kababalaghan ng sining ng Kanlurang Europa. Musika ng Russia noong ika-19 na siglo. mula Glinka hanggang Tchaikovsky, ang mga tampok ng klasisismo ay pinagsama sa mga tampok ng romantikismo, ang nangungunang elemento ay isang maliwanag, orihinal na pambansang prinsipyo. Ang Romantisismo sa Russia ay nagbigay ng hindi inaasahang pagtaas nang ang kalakaran na ito ay tila isang bagay ng nakaraan. Ang dalawang kompositor ng ika-20 siglo, sina Scriabin at Rachmaninov, ay muling nagbangon ng mga katangian ng romantikismo tulad ng walang pigil na paglipad ng pantasya at ang kaluluwa ng mga liriko. Samakatuwid, ang ika-19 na siglo tinatawag na panahon ng klasikal na musika.

Ang oras (1812, ang pag-aalsa ng Decembrist, ang sumunod na reaksyon) ay nag-iwan ng marka sa musika. Anumang genre ang kunin natin - romansa, opera, ballet, chamber music - kahit saan sinabi ng mga kompositor na Ruso ang kanilang bagong salita.

Ang musika ng Russia, kasama ang lahat ng kagandahan ng salon nito at mahigpit na pagsunod sa mga tradisyon ng propesyonal na instrumental na pagsulat, kabilang ang sonata-symphonic na pagsulat, ay batay sa natatanging pangkulay ng modal at ritmikong istraktura ng alamat ng Russia. Ang ilan ay lubos na umaasa sa pang-araw-araw na kanta, ang iba ay sa mga orihinal na anyo ng paggawa ng musika, at ang iba pa sa sinaunang modalidad ng sinaunang Russian peasant mode.

Maagang ika-19 na siglo - ito ang mga taon ng una at maliwanag na pamumulaklak ng genre ng romansa. Ang katamtaman na taos-pusong liriko ay tumutunog pa rin at nagpapasaya sa mga nakikinig. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Sumulat siya ng mga romansa sa mga taludtod ng maraming makata, ngunit ang mga imortal ay "Nightingale" sa mga taludtod ng Delvig, "Daan sa taglamig", "Mahal kita" sa mga tula ni Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) nagsulat ng musika para sa mga dramatikong pagtatanghal, ngunit mas kilala natin siya mula sa mga sikat na romansa "Pulang sundress", "Huwag mo akong gisingin sa madaling araw", "Isang layag ang pumuputi".

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- kompositor, pianista, violinist at guro, nagmamay-ari siya ng mga romansa gaya ng "Tunog ng monotonous ang kampana", "Sa bukang-liwayway ng isang malabo na kabataan" at iba pa.

Ang pinakakilalang lugar dito ay inookupahan ng mga romansa ni Glinka. Wala pang nakamit ang gayong natural na pagsasanib ng musika sa tula ni Pushkin, Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- isang kontemporaryo ng Pushkin (sa loob ng 5 taon mas bata kay Alexander Si Sergeevich), isang klasiko ng panitikang Ruso, ay naging tagapagtatag ng mga klasikong musikal. Ang kanyang trabaho ay isa sa mga tuktok ng kulturang musikal ng Russia at mundo. Ito ay maayos na pinagsasama ang kayamanan ng katutubong musika at ang pinakamataas na tagumpay ng kakayahan ng kompositor. Ang malalim na katutubong makatotohanang gawa ni Glinka ay sumasalamin sa malakas na pamumulaklak ng kulturang Ruso sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, na nauugnay sa Digmaang Patriotiko noong 1812 at kilusang Decembrist. Ang liwanag, nagpapatibay sa buhay na karakter, pagkakatugma ng mga anyo, kagandahan ng nagpapahayag at malambing na melodies, iba't-ibang, kinang at subtlety ng harmonies ay ang pinakamahalagang katangian ng musika ni Glinka. Sa sikat na opera "Ivan Susanin"(1836) ang ideya ay nakatanggap ng isang napakatalino na pagpapahayag popular na pagkamakabayan; Ang moral na kadakilaan ng mga taong Ruso ay niluwalhati din sa fairy tale opera " Ruslan at Ludmila". Mga orkestra na gawa ni Glinka: “Fantasy Waltz”, “Gabi sa Madrid” at lalo na "Kamarinskaya", bumubuo ng batayan ng klasikal na symphonism ng Russia. Kapansin-pansin sa mga tuntunin ng kapangyarihan ng dramatikong pagpapahayag at ang ningning ng mga katangian ng musika para sa trahedya "Prinsipe Kholmsky". Ang vocal lyrics ni Glinka (romances "Naaalala ko ang isang magandang sandali", "Pag-aalinlangan") ay isang hindi maunahang sagisag ng tula ng Russia sa musika.

6. WESTERN EUROPEAN ROMANTICISMO

a) Pagpipinta

Kung ang France ang ninuno ng klasisismo, kung gayon "upang mahanap ang mga ugat ng ... ang romantikong paaralan," isinulat ng isa sa kanyang mga kontemporaryo, "dapat tayong pumunta sa Alemanya. Siya ay ipinanganak doon, at doon nabuo ng mga modernong Italyano at Pranses na romantiko ang kanilang mga panlasa.

pira-piraso Alemanya hindi alam ang rebolusyonaryong pag-aalsa. Marami sa mga romantikong Aleman ay dayuhan sa mga pathos ng mga advanced na ideya sa lipunan. Ginawa nila ang Middle Ages. Sumuko sila sa hindi masasabing espirituwal na mga impulses, pinag-usapan ang pag-abandona sa buhay ng tao. Ang sining ng marami sa kanila ay passive at contemplative. Nilikha nila ang kanilang pinakamahusay na mga gawa sa larangan ng portrait at landscape painting.

Ang isang natatanging pintor ng portrait ay si Otto Runge (1777-1810). Ang mga larawan ng master na ito, na may panlabas na kalmado, ay humanga sa isang matindi at matinding panloob na buhay.

Ang imahe ng romantikong makata ay nakita ni Runge sa "Larawan sa sarili". Maingat niyang sinuri ang sarili at nakita niya ang isang maitim na buhok, maitim ang mata, seryoso, puno ng sigla, maalalahanin, introspective at malakas ang loob na binata. Gustong makilala ng romantikong artista ang kanyang sarili. Ang paraan ng pagsasagawa ng larawan ay mabilis at malawak, na para bang ang espirituwal na enerhiya ng lumikha ay dapat na naihatid na sa texture ng akda; sa isang madilim na makulay na hanay, lumilitaw ang mga kaibahan ng liwanag at dilim. Ang contrast ay isang katangian na nakalarawan na pamamaraan ng mga romantikong masters.

Upang mahuli ang nababagong paglalaro ng mood ng isang tao, upang tingnan ang kanyang kaluluwa, palaging susubukan ng isang artista ng isang romantikong bodega. At sa bagay na ito, ang mga larawan ng mga bata ay magsisilbing matabang materyal para sa kanya. SA larawan ng mga batang Hülsenbeck(1805) Ang Runge ay hindi lamang naghahatid ng kasiglahan at kamadalian ng karakter ng isang bata, ngunit nakakahanap din ng isang espesyal na pagtanggap para sa isang maliwanag na mood, na nagpapasaya sa mga pagbubukas ng plein-air ng ika-2 palapag. ika-19 na siglo Ang background sa larawan ay isang landscape, na nagpapatotoo hindi lamang sa coloristic na regalo ng artist, hinahangaan ang saloobin sa kalikasan, kundi pati na rin sa paglitaw ng mga bagong problema sa mahusay na pagpaparami ng mga spatial na relasyon, mga light shade ng mga bagay sa open air. Ang isang master romantic, na nagnanais na pagsamahin ang kanyang "I" sa mga kalawakan ng Uniberso, ay nagsisikap na makuha ang senswal na nasasalat na anyo ng kalikasan. Ngunit sa ganitong kahalayan ng imahe, mas gusto niyang makita ang simbolo ng malaking mundo, "ang ideya ng artista."

Si Runge, isa sa mga unang Romantikong artista, ay nagtakda sa kanyang sarili ng gawain ng pag-synthesize ng mga sining: pagpipinta, eskultura, arkitektura, musika. Ang ensemble sound ng sining ay dapat na ipahayag ang pagkakaisa ng mga banal na puwersa ng mundo, ang bawat butil nito ay sumisimbolo sa kosmos sa kabuuan. Ang artista ay nagpapantasya, na nagpapatibay sa kanyang pilosopikal na konsepto sa mga ideya ng sikat na German thinker ng 1st floor. ika-17 siglo Jacob Boehme. Ang mundo ay isang uri ng mystical na kabuuan, ang bawat butil nito ay nagpapahayag ng kabuuan. Ang ideyang ito ay nauugnay sa mga romantiko ng buong kontinente ng Europa. Sa anyong patula, ang Ingles na makata at pintor na si William Blake ay naglagay ng ganito:

Tingnan ang kawalang-hanggan sa isang sandali

Isang malaking mundo - sa salamin ng buhangin,

Sa isang dakot - infinity

At ang langit ay nasa isang tasa ng isang bulaklak.

Ang Runge cycle, o, kung tawagin niya, ang "nakamamanghang musikal na tula" "Mga oras ng araw"- umaga, tanghali, gabi - ang pagpapahayag ng konseptong ito. Umalis siya sa tula at prosa ng paliwanag ng kanyang konseptwal na modelo ng mundo. Ang imahe ng isang tao, tanawin, liwanag at kulay ay mga simbolo ng patuloy na pagbabago ng cycle ng natural at buhay ng tao.

Ang isa pang namumukod-tanging Aleman na romantikong pintor, si Caspar David Friedrich (1774-1840), ay mas gusto ang tanawin sa lahat ng iba pang genre at nagpinta lamang ng mga larawan ng kalikasan sa kanyang pitumpung taong buhay. Ang pangunahing motibo ng gawain ni Friedrich ay ang ideya ng pagkakaisa ng tao at kalikasan.

"Makinig sa tinig ng kalikasan na nagsasalita sa loob natin," ang tagubilin ng artista sa kanyang mga estudyante. Ang panloob na mundo ng isang tao ay nagpapakilala sa kawalang-hanggan ng Uniberso, samakatuwid, nang marinig ang kanyang sarili, naiintindihan ng isang tao ang espirituwal na kalaliman ng mundo.

Tinutukoy ng posisyon ng pakikinig ang pangunahing anyo ng "komunikasyon" ng isang tao na may kalikasan at imahe nito. Ito ang kadakilaan, misteryo o kaliwanagan ng kalikasan at ang mulat na kalagayan ng nagmamasid. Totoo, madalas na hindi pinapayagan ni Friedrich ang figure na "pumasok" sa landscape space ng kanyang mga kuwadro na gawa, ngunit sa banayad na pagtagos ng makasagisag na istraktura ng mga nababagsak na expanses, ang pagkakaroon ng isang pakiramdam, ang karanasan ng isang tao ay nararamdaman. Ang subjectivism sa paglalarawan ng landscape ay dumarating lamang sa sining sa gawa ng mga romantiko, na naglalarawan sa liriko na paghahayag ng kalikasan ng mga masters ng 2nd floor. ika-19 na siglo Napansin ng mga mananaliksik sa mga gawa ni Friedrich ang "pagpapalawak ng repertoire" ng mga motif ng landscape. Interesado ang may-akda sa dagat, bundok, kagubatan at iba't ibang lilim ng estado ng kalikasan sa iba't ibang oras ng taon at araw.

1811-1812 minarkahan ng paglikha ng isang serye ng mga landscape ng bundok bilang isang resulta ng paglalakbay ng artist sa mga bundok. "Umaga sa bundok" kaakit-akit na kumakatawan sa isang bagong natural na katotohanan, ipinanganak sa sinag ng pagsikat ng araw. Ang pinkish-purple tones ay bumabalot at nag-aalis sa kanila ng lakas ng tunog at materyal na gravity. Ang mga taon ng pakikipaglaban kay Napoleon (1812-1813) ay naging si Friedrich sa mga makabayang tema. Naglalarawan, na inspirasyon ng drama ni Kleist, nagsusulat siya "Libingan ni Arminius"- isang tanawin na may mga libingan ng mga sinaunang Aleman na bayani.

Si Friedrich ay isang banayad na master ng mga seascape: "Ages", "Moonrise over the Sea", "Death of "Nadezhda" sa yelo.

Ang mga huling gawa ng artist - "Magpahinga sa field", "Big swamp" at "Memories of the Giant mountains", "Giant mountains" - isang serye ng mga hanay ng bundok at mga bato sa foreground na nagdilim. Ito, tila, ay isang pagbabalik sa nakaranas na pakiramdam ng tagumpay ng isang tao sa kanyang sarili, ang kagalakan ng pag-akyat sa "tuktok ng mundo", ang pagnanais para sa maliwanag na hindi nasakop na mga taas. Ang mga damdamin ng artist sa isang espesyal na paraan ay bumubuo ng mga masa ng bundok na ito, at muli ang paggalaw mula sa kadiliman ng mga unang hakbang patungo sa hinaharap na liwanag ay binasa. Ang tuktok ng bundok sa background ay naka-highlight bilang sentro ng espirituwal na adhikain ng master. Ang larawan ay napaka-ugnay, tulad ng anumang gawain ng mga romantiko, at nagsasangkot ng iba't ibang antas ng pagbabasa at interpretasyon.

Napakatumpak ni Friedrich sa pagguhit, magkatugma sa musika sa maindayog na pagtatayo ng kanyang mga kuwadro na gawa, kung saan sinusubukan niyang magsalita sa pamamagitan ng mga emosyon ng kulay at mga light effect. “Marami ang binibigyan ng kaunti, kakaunti ang binibigyan ng marami. Ang bawat tao'y nagbubukas ng kaluluwa ng kalikasan sa ibang paraan. Samakatuwid, walang sinumang maglalakas-loob na ilipat ang kanyang karanasan at ang kanyang mga tuntunin sa iba bilang isang umiiral na walang kondisyong batas. Walang sinuman ang sukatan ng lahat. Ang bawat tao'y nagdadala sa loob ng kanyang sarili ng isang sukatan lamang para sa kanyang sarili at para sa mga kalikasan na higit pa o hindi gaanong kamag-anak sa kanyang sarili, "ang pagmuni-muni na ito ng panginoon ay nagpapatunay ng kamangha-manghang integridad ng kanyang panloob na buhay at pagkamalikhain. Ang pagiging natatangi ng artista ay makikita lamang sa kalayaan ng kanyang trabaho - ang romantikong si Friedrich ay naninindigan dito.

Ang mas pormal ay tila ang paghiwalay sa mga artista - "mga klasiko" - mga kinatawan ng klasisismo ng isa pang sangay ng romantikong pagpipinta sa Alemanya - ang mga Nazarene. Itinatag sa Vienna at nanirahan sa Roma (1809-1810), ang "Union of St. Luke" ay pinagsama ang mga masters sa ideya ng muling pagbuhay sa monumental na sining ng mga isyu sa relihiyon. Ang Middle Ages ay isang paboritong panahon ng kasaysayan para sa Romantics. Ngunit sa kanilang masining na paghahanap, ang mga Nazarene ay bumaling sa mga tradisyon ng maagang pagpipinta ng Renaissance sa Italya at Alemanya. Sina Overbeck at Geforr ang mga nagpasimula ng isang bagong alyansa, na kalaunan ay sinamahan ni Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

Ang kilusang ito ng mga Nazareno ay tumutugma sa kanilang sariling mga anyo ng pagsalungat sa mga klasikong akademya sa France, Italy, at England. Halimbawa, sa France, ang tinatawag na "primitive" na mga artista ay lumitaw mula sa pagawaan ni David, at sa England, ang Pre-Raphaelites. Sa diwa ng romantikong tradisyon, itinuring nila ang sining bilang "isang pagpapahayag ng panahon", "ang diwa ng mga tao", ngunit ang kanilang mga pampakay o pormal na kagustuhan, na sa una ay parang slogan ng pagkakaisa, pagkaraan ng ilang sandali sa parehong mga prinsipyo ng doktrina tulad ng sa Academy, na kanilang tinanggihan.

Ang Sining ng Romantisismo sa France binuo sa mga tiyak na paraan. Ang unang bagay na ikinaiba nito sa mga katulad na kilusan sa ibang mga bansa ay ang aktibong opensiba (“rebolusyonaryo”) na karakter nito. Ang mga makata, manunulat, musikero, artista ay ipinagtanggol ang kanilang mga posisyon hindi lamang sa pamamagitan ng paglikha ng mga bagong gawa, kundi pati na rin sa pamamagitan ng pakikilahok sa kontrobersya sa magasin at pahayagan, na kung saan ay nailalarawan ng mga mananaliksik bilang isang "romantikong labanan". Ang sikat na V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz at marami pang ibang Pranses na manunulat, kompositor at mamamahayag ay "naghasa ng kanilang mga balahibo" sa romantikong kontrobersya.

Ang romantikong pagpipinta sa France ay lumitaw bilang isang pagsalungat sa klasikong paaralan ni David, akademikong sining, na tinutukoy bilang "paaralan" sa pangkalahatan. Ngunit dapat itong maunawaan sa mas malawak na kahulugan: ito ay oposisyon sa opisyal na ideolohiya ng reaksyunaryong panahon, isang protesta laban sa mga limitasyon ng petiburges nito. Kaya't ang kalunus-lunos na katangian ng mga romantikong gawa, ang kanilang nerbiyos na kaguluhan, pagkahumaling sa mga kakaibang motif, sa mga makasaysayang at pampanitikan na mga balangkas, sa lahat ng bagay na maaaring umakay sa "dilim na pang-araw-araw na buhay", kaya ang larong ito ng imahinasyon, at kung minsan, sa kabaligtaran, pangangarap ng gising at ganap na kawalan ng aktibidad.

Ang mga kinatawan ng "paaralan", ang mga akademiko, ay pangunahing naghimagsik laban sa wika ng mga romantiko: ang kanilang nasasabik na mainit na kulay, ang kanilang pagmomodelo ng anyo, hindi ang pamilyar sa "klasiko", statuary-plastic, ngunit binuo sa malakas na mga kaibahan. ng mga spot ng kulay; ang kanilang nagpapahayag na disenyo, sadyang tinatanggihan ang katumpakan at klasisismo; ang kanilang matapang, kung minsan ay magulong komposisyon, walang kamahalan at hindi matitinag na kalmado. Si Ingres, ang walang kapantay na kaaway ng mga romantiko, hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ay nagsabi na si Delacroix ay "nagsusulat gamit ang isang baliw na walis", at inakusahan ni Delacroix si Ingres at ang lahat ng mga artista ng "paaralan" ng kalamigan, katwiran, kawalan ng paggalaw, na sila huwag sumulat, ngunit "pintura" ang kanilang mga kuwadro na gawa. Ngunit ito ay hindi isang simpleng pag-aaway ng dalawang maliwanag, ganap na magkaibang personalidad, ito ay isang pakikibaka sa pagitan ng dalawang magkaibang artistikong pananaw sa mundo.

Ang pakikibaka na ito ay tumagal ng halos kalahating siglo, ang romanticism sa sining ay hindi nagwagi nang madali at hindi kaagad, at ang unang artist ng trend na ito ay si Theodore Gericault (1791-1824) - isang master ng heroic monumental forms, na pinagsama sa kanyang trabaho parehong classicistic mga tampok at tampok ng romantikismo mismo, at, sa wakas, isang malakas na makatotohanang simula, na nagkaroon ng malaking epekto sa sining ng realismo sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ngunit sa panahon ng kanyang buhay ay pinahahalagahan lamang siya ng ilang malalapit na kaibigan.

Ang pangalan ni Theodore Zhariko ay nauugnay sa mga unang makikinang na tagumpay ng romantikismo. Nasa kanyang mga unang pagpipinta (mga larawan ng militar, mga larawan ng mga kabayo), ang mga sinaunang mithiin ay umatras bago ang direktang pang-unawa ng buhay.

Sa salon noong 1812, ipinakita ni Géricault ang isang larawan "Opisyal ng imperial horse rangers sa panahon ng pag-atake." Ito ang taon ng apogee ng kaluwalhatian ni Napoleon at ng kapangyarihang militar ng France.

Ang komposisyon ng larawan ay nagpapakita ng nakasakay sa isang hindi pangkaraniwang pananaw ng "biglaang" sandali kapag ang kabayo ay umayos, at ang nakasakay, na humahawak sa halos patayong posisyon ng kabayo, ay lumingon sa manonood. Ang imahe ng gayong sandali ng kawalang-tatag, ang imposibilidad ng pustura ay nagpapabuti sa epekto ng paggalaw. Ang kabayo ay may isang punto ng suporta, dapat itong mahulog sa lupa, turnilyo sa paglaban na nagdala nito sa ganoong estado. Maraming pinagsama-sama sa gawaing ito: Ang walang pasubaling pananalig ni Gericault sa posibilidad na ang isang tao ay nagmamay-ari ng kanyang sariling mga kapangyarihan, isang marubdob na pag-ibig para sa paglalarawan ng mga kabayo at ang tapang ng isang baguhang master sa pagpapakita kung ano ang tanging musika o wika ng tula ang maaaring ihatid noon - ang kaguluhan ng isang labanan, ang simula ng isang pag-atake, ang pinakahuling pilay ng isang buhay na nilalang . Itinayo ng batang may-akda ang kanyang imahe sa paghahatid ng dinamika ng paggalaw, at mahalaga para sa kanya na itakda ang manonood para sa "pag-iisip", pagpipinta gamit ang "panloob na pangitain" at isang pakiramdam ng nais niyang ipakita.

Ang France ay halos walang mga tradisyon ng gayong dinamika ng nakalarawan na salaysay ng pag-iibigan, maliban marahil sa mga kaluwagan ng mga templong Gothic, dahil noong unang dumating si Gericault sa Italya, nabigla siya sa nakatagong kapangyarihan ng mga komposisyon ni Michelangelo. "Nanginig ako," ang isinulat niya, "nag-alinlangan ako sa aking sarili at sa mahabang panahon ay hindi ako nakabawi mula sa karanasang ito." Ngunit itinuro ni Stendhal si Michelangelo bilang nangunguna sa isang bagong istilo ng istilo sa sining kahit na mas maaga sa kanyang mga artikulong polemikal.

Ang pagpipinta ni Gericault ay inihayag hindi lamang ang pagsilang ng isang bagong artistikong talento, ngunit nagbigay din ng parangal sa pagnanasa at pagkabigo ng may-akda sa mga ideya ni Napoleon. Mayroong ilang iba pang mga gawa na nauugnay sa paksang ito: Carabinieri officer", "Cuirassier officer bago ang pag-atake", "Portrait of a carabinieri", "Wounded cuirassier".

Sa treatise na "Reflection on the state of painting in France", isinulat niya na "ang karangyaan at ang sining ay naging ... isang pangangailangan at, kumbaga, pagkain para sa imahinasyon, na siyang pangalawang buhay ng isang sibilisadong tao . .. Hindi bilang isang bagay ng pangunahing pangangailangan, ang sining ay lilitaw lamang kapag ang mga mahahalagang pangangailangan ay natutugunan at kapag ang kasaganaan ay dumating. Ang isang tao, na napalaya mula sa pang-araw-araw na pag-aalala, ay nagsimulang maghanap ng kasiyahan upang maalis ang pagkabagot, na hindi maiiwasang maabutan siya sa gitna ng kasiyahan.

Ang ganitong pag-unawa sa pang-edukasyon at humanistic na papel ng sining ay ipinakita ni Gericault pagkatapos bumalik mula sa Italya noong 1818 - nagsimula siyang makisali sa litograpiya, na kinokopya ang iba't ibang mga paksa, kabilang ang pagkatalo ni Napoleon ( "Bumalik mula sa Russia").

Kasabay nito, lumingon ang artista sa paglalarawan ng paglubog ng frigate ng Meduza sa baybayin ng Africa, na ikinatuwa ng lipunan noong panahong iyon. Ang sakuna ay naganap sa pamamagitan ng kasalanan ng isang walang karanasan na kapitan, na itinalaga sa post na nasa ilalim ng patronage. Ang mga nakaligtas na pasahero ng barko, ang surgeon na si Savigny at ang engineer na si Correar, ay nagsalita nang detalyado tungkol sa aksidente.

Nagawa ng naghihingalong barko na itapon ang balsa, kung saan nakuha ng isang dakot ng mga nailigtas na tao. Sa loob ng labindalawang araw ay dinala sila sa nagngangalit na dagat hanggang sa makatagpo sila ng kaligtasan - ang barkong "Argus".

Interesado si Gericault sa sitwasyon ng sukdulang pag-igting ng espirituwal at pisikal na lakas ng tao. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng 15 nakaligtas na pasahero sa isang balsa nang makita nila ang Argus sa abot-tanaw. “Ang balsa ng Medusa” ay ang resulta ng isang mahabang gawaing paghahanda ng artist. Gumawa siya ng maraming sketch ng rumaragasang dagat, mga larawan ng mga nasagip na tao sa ospital. Sa una, nais ni Gericault na ipakita ang pakikibaka ng mga tao sa isang balsa sa bawat isa, ngunit pagkatapos ay nanirahan siya sa kabayanihan na pag-uugali ng mga nanalo ng elemento ng dagat at kapabayaan ng estado. Matapang na tiniis ng mga tao ang kasawian, at hindi sila iniwan ng pag-asa ng kaligtasan: bawat grupo sa balsa ay may sariling katangian. Sa pagtatayo ng komposisyon, pinipili ni Gericault ang isang punto ng view mula sa itaas, na nagpapahintulot sa kanya na pagsamahin ang malawak na saklaw ng espasyo (nakikita ang mga distansya ng dagat) at ilarawan, na dinadala ang lahat ng mga naninirahan sa balsa na napakalapit sa harapan. Ang kilusan ay itinayo sa kaibahan ng mga figure na nakahiga nang walang magawa sa harapan at ang mapusok sa grupo na nagbibigay ng mga senyales sa dumadaang barko. Ang kalinawan ng ritmo ng paglago ng dynamics mula sa grupo hanggang sa grupo, ang kagandahan ng mga hubad na katawan, ang madilim na kulay ng larawan ay nagtatakda ng isang tiyak na tala ng conventionality ng imahe. Ngunit hindi ito ang punto para sa nakikitang manonood, kung kanino ang pagiging kumbensyonal ng wika ay nakakatulong upang maunawaan at madama ang pangunahing bagay: ang kakayahan ng isang tao na lumaban at manalo. Umuungol ang karagatan. Ang layag ay umuungol. Ang mga lubid ay tumutunog. Kaluskos ang balsa. Ang hangin ay nagtutulak sa mga alon at pinupunit ang mga itim na ulap.

Hindi ba ang France mismo, na dala ng unos ng kasaysayan? isip ni Eugene Delacroix, nakatayo sa tabi ng painting. “Nagulat si Delacroix sa balsa ng Medusa, umiyak siya at, parang baliw, tumalon palabas ng pagawaan ni Gericault, na madalas niyang binibisita.

Ang gayong mga hilig ay hindi alam ang sining ni David.

Ngunit ang buhay ni Gericault ay nagwakas nang maaga (siya ay may karamdaman matapos mahulog mula sa isang kabayo), at marami sa kanyang mga plano ay nanatiling hindi natapos.

Ang inobasyon ni Géricault ay nagbukas ng mga bagong pagkakataon para ihatid ang kilusang nag-aalala sa mga romantiko, ang pinagbabatayan na damdamin ng isang tao, ang coloristic textural expressiveness ng larawan.

Ang tagapagmana ni Géricault sa kanyang paghahanap ay si Eugene Delacroix. Totoo, pinahintulutan si Delacroix ng dalawang beses sa haba ng kanyang buhay, at pinamamahalaan niya hindi lamang upang patunayan ang kawastuhan ng romantikismo, kundi pati na rin upang pagpalain ang bagong direksyon sa pagpipinta ng ika-2 palapag. ika-19 na siglo - impresyonismo.

Bago magsimulang magsulat sa kanyang sarili, nag-aral si Eugene sa paaralan ng Lerain: nagpinta siya mula sa buhay, kinopya ang mahusay na Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian sa Louvre ... Ang batang artista ay nagtrabaho ng 10-12 oras sa isang araw. Naalala niya ang mga salita ng dakilang Michelangelo: "Ang pagpipinta ay isang naninibugho na ginang, hinihingi nito ang buong tao ..."

Si Delacroix, pagkatapos ng mga pagtatanghal ng demonstrasyon ni Géricault, ay alam na alam na ang panahon ng matinding emosyonal na kaguluhan ay dumating sa sining. Una, sinisikap niyang unawain ang isang bagong panahon para sa kanya sa pamamagitan ng mga kilalang literary plot. Ang kanyang pagpipinta "Dante at Virgil", na ipinakita sa salon ng 1822, ay isang pagtatangka sa pamamagitan ng mga makasaysayang nag-uugnay na mga imahe ng dalawang makata: sinaunang panahon - Virgil at Renaissance - Dante - upang tumingin sa isang kumukulong kaldero, ang "impiyerno" ng modernong panahon. Minsan sa kanyang "Divine Comedy" kinuha ni Dante ang lupain ni Virgil bilang isang escort sa lahat ng larangan (langit, impiyerno, purgatoryo). Sa akda ni Dante, isang bagong renaissance na mundo ang lumitaw sa pamamagitan ng karanasan sa memorya ng sinaunang panahon sa Middle Ages. Ang simbolo ng romantikong bilang isang synthesis ng sinaunang panahon, ang Renaissance at ang Middle Ages ay lumitaw sa "katakutan" ng mga pangitain nina Dante at Virgil. Ngunit ang kumplikadong pilosopikal na alegorya ay naging isang magandang emosyonal na paglalarawan ng panahon ng pre-Renaissance at isang walang kamatayang obra maestra sa panitikan.

Si Delacroix ay susubukan na makahanap ng isang direktang tugon sa mga puso ng kanyang mga kontemporaryo sa pamamagitan ng kanyang sariling dalamhati. Ang mga kabataan noong panahong iyon, na nag-aapoy sa kalayaan at pagkamuhi sa mga mapang-api, ay nakikiramay sa digmaang pagpapalaya ng Greece. Ang romantikong bard ng England, si Byron, ay pupunta doon upang makipaglaban. Nakita ni Delacroix ang kahulugan bagong panahon sa larawan ay mas tiyak na makasaysayang pangyayari- ang pakikibaka at paghihirap ng Greece na mapagmahal sa kalayaan. Naninirahan siya sa balangkas ng pagkamatay ng populasyon ng isla ng Chios ng Greece, na nakuha ng mga Turko. Sa Salon ng 1824, ipinakita ni Delacroix ang isang pagpipinta "Masacre sa isla ng Chios". laban sa backdrop ng walang katapusang kalawakan ng maburol na lupain. Na sumisigaw pa rin mula sa usok ng apoy at walang tigil na labanan, ipinakita ng artista ang ilang grupo ng mga sugatan, pagod na mga kababaihan at mga bata. Nagkaroon sila ng mga huling minuto ng kalayaan bago ang paglapit ng mga kaaway. Ang Turk sa isang nagpapalaki na kabayo sa kanan ay tila nakabitin sa buong harapan at ang karamihan ng mga nagdurusa na naroroon. Magagandang katawan, mukha ng mga taong binihag. Hindi sinasadya, isusulat iyon ni Delacroix Griyego na iskultura ay ginawang hieroglyph ng mga artista na itinago ang tunay na kagandahang Griyego ng mukha at pigura. Ngunit, inilalantad ang "kagandahan ng kaluluwa" sa mga mukha ng natalong mga Griyego, ang pintor ay nagsasadula ng mga kaganapan nang labis na upang mapanatili ang isang solong dinamikong bilis ng pag-igting, pumunta siya sa pagpapapangit ng mga anggulo ng pigura. Ang mga "pagkakamali" na ito ay "nalutas" na ng gawa ni Gericault, ngunit muling ipinakita ni Delacroix ang romantikong paniniwala na ang pagpipinta ay "hindi ang katotohanan ng isang sitwasyon, ngunit ang katotohanan ng isang pakiramdam."

Noong 1824, nawalan ng kaibigan at guro si Delacroix, si Géricault. At siya ang naging pinuno ng bagong pagpipinta.

Lumipas ang mga taon. Isa-isang lumabas ang mga larawan: "Greece sa mga guho ng Missalunga", "Kamatayan ni Sardanapalus" at iba pa.Ang pintor ay naging outcast sa mga opisyal na bilog ng pagpipinta. Ngunit binago ng Rebolusyong Hulyo ng 1830 ang sitwasyon. Pinasisigla niya ang artista sa pagmamahalan ng mga tagumpay at tagumpay. Nagpapicture siya "Kalayaan sa mga Barricades".

Noong 1831, sa Paris Salon, unang nakita ng mga Pranses ang pagpipinta ni Eugene Delacroix na "Freedom on the Barricades", na nakatuon sa "tatlong maluwalhating araw" ng Rebolusyong Hulyo ng 1830. Ang canvas ay gumawa ng nakamamanghang impresyon sa mga kontemporaryo na may kapangyarihan, demokrasya at tapang ng masining na desisyon. Ayon sa alamat, ang isang kagalang-galang na burges ay bumulalas: "Sabi mo - ang pinuno ng paaralan? Sabihin mo sa akin nang mas mabuti - ang pinuno ng paghihimagsik! Matapos ang pagsasara ng Salon, ang gobyerno, na natakot sa nakakatakot at nakasisiglang apela na nagmumula sa larawan, ay nagmadali upang ibalik ito sa may-akda. Sa panahon ng rebolusyon ng 1848, muli itong ipinakita sa publiko sa Palasyo ng Luxembourg. At muling bumalik sa artista. Pagkatapos lamang maipakita ang canvas sa World Exhibition sa Paris noong 1855, napunta ito sa Louvre. Isa ito sa pinakamagandang likha ng French romanticism, isang inspiradong patotoo ng isang nakasaksi at walang hanggang monumento pakikibaka ng mga tao para sa kanilang kalayaan.

Anong masining na wika ang natagpuan ng batang Pranses na romantikong upang pagsamahin ang dalawang tila magkasalungat na prinsipyong ito - isang malawak, sumasaklaw sa kabuuan at isang konkretong katotohanang malupit sa kahubaran nito?

Paris ng sikat na araw ng Hulyo 1830. Air saturated na may kulay abong usok at alikabok. Isang maganda at marilag na lungsod, nawawala sa manipis na ulap. Sa malayo, halos hindi napapansin, ngunit ang mga tore ng katedral ay bumangon nang buong kapurihan Notre Dame ng Paris- isang simbolo ng kasaysayan, kultura, diwa ng mga taong Pranses. Mula doon, mula sa mausok na lungsod, sa ibabaw ng mga guho ng barikada, sa ibabaw ng mga bangkay ng mga patay na kasama, ang mga rebelde ay matigas ang ulo at determinadong lumapit. Ang bawat isa sa kanila ay maaaring mamatay, ngunit ang hakbang ng mga rebelde ay hindi natitinag - sila ay inspirasyon ng kagustuhang manalo, sa kalayaan.

Ang kagila-gilalas na puwersang ito ay nakapaloob sa larawan ng isang magandang dalaga, sa isang marubdob na pagsabog ng pagtawag sa kanya. Sa hindi mauubos na enerhiya, libre at kabataang bilis ng paggalaw, siya ay tulad ng isang diyosang Griyego

panalo si Nick. Ang kanyang matipunong pigura ay nakasuot ng chiton na damit, ang kanyang mukha na may perpektong katangian, na may nagbabagang mga mata, ay nakaharap sa mga rebelde. Sa isang kamay ay hawak niya ang tricolor na banner ng France, sa kabilang banda - isang baril. Sa ulo ay isang takip ng Phrygian - isang sinaunang simbolo ng pagpapalaya mula sa pagkaalipin. Mabilis at magaan ang kanyang hakbang - ganito ang hakbang ng mga diyosa. Kasabay nito, ang imahe ng isang babae ay totoo - siya ay anak na babae ng mga taong Pranses. Siya ang gumagabay na puwersa sa likod ng paggalaw ng grupo sa mga barikada. Mula dito, bilang mula sa isang pinagmumulan ng liwanag sa gitna ng enerhiya, ang mga sinag ay nagliliwanag, na naniningil ng uhaw at ang paghahangad na manalo. Ang mga taong malapit dito, ang bawat isa sa kanilang sariling paraan, ay nagpapahayag ng kanilang pakikilahok sa nagbibigay-inspirasyon at nagbibigay-inspirasyong panawagang ito.

Sa kanan ay isang batang lalaki, isang Parisian gamen, na nagba-brand ng mga pistola. Siya ang pinakamalapit sa Kalayaan at, kumbaga, pinag-alab ng kanyang sigasig at kagalakan sa malayang simbuyo. Sa isang mabilis, walang tiyaga na kilusan, nauuna pa siya ng kaunti sa kanyang inspirasyon. Ito ang hinalinhan ng maalamat na Gavroche, na inilarawan pagkalipas ng dalawampung taon ni Victor Hugo sa Les Misérables: “Si Gavroche, puno ng inspirasyon, nagniningning, ay kinuha sa kanyang sarili ang gawain na itakda ang buong bagay sa paggalaw. Nagpabalik-balik siya, umakyat siya, bumaba siya

bumaba, bumangon muli, kumaluskos, kumikinang sa tuwa. Mukhang pumunta siya dito para pasayahin ang lahat. May motibo ba siya para dito? Oo, siyempre, ang kanyang kahirapan. May pakpak ba siya? Oo, siyempre, ang pagiging masayahin niya. Ito ay isang uri ng isang ipoipo. Tila pinupuno nito ang hangin sa sarili nito, na naroroon saanman sa parehong oras ... Naramdaman ito ng malalaking barikada sa gulugod nito.

Si Gavroche sa pagpipinta ni Delacroix ay ang personipikasyon ng kabataan, isang "magandang salpok", isang masayang pagtanggap sa maliwanag na ideya ng Kalayaan. Dalawang imahe - Gavroche at Liberty - tila umakma sa isa't isa: ang isa ay apoy, ang isa ay isang tanglaw na sinindihan mula rito. Sinabi ni Heinrich Heine kung ano ang masiglang tugon ng pigura ni Gavroche sa mga Parisian. "Damn it! bulalas ng isang groser. "Ang mga batang iyon ay lumaban na parang mga higante!"

Sa kaliwa ay isang estudyante na may hawak na baril. Dati, ito ay nakita bilang isang self-portrait ng artist. Ang rebeldeng ito ay hindi kasing bilis ni Gavroche. Ang kanyang paggalaw ay mas pinigilan, mas puro, makabuluhan. Ang mga kamay ay kumpiyansa na pinipiga ang bariles ng baril, ang mukha ay nagpapahayag ng lakas ng loob, matatag na determinasyon na tumayo hanggang sa wakas. Ito ay isang malalim na trahedya na imahe. Batid ng estudyante ang hindi maiiwasang mga pagkalugi na daranasin ng mga rebelde, ngunit hindi siya tinatakot ng mga biktima - mas malakas ang kalooban sa kalayaan. Sa likod niya ay nakatayo ang isang parehong matapang at determinadong manggagawa na may sable. Nasugatan sa paanan ng Kalayaan. Siya ay bumangon nang may kahirapan upang muling tumingala sa Kalayaan, upang makita at madama nang buong puso ang kagandahang kanyang ikinamamatay. Ang figure na ito ay nagdudulot ng isang matinding dramatikong simula sa tunog ng canvas ni Delacroix. Kung ang mga imahe ni Gavroche, Liberty, ang mag-aaral, ang manggagawa - halos mga simbolo, ang sagisag ng hindi maiiwasang kalooban ng mga mandirigma ng kalayaan - ay nagbibigay inspirasyon at tumawag sa manonood, kung gayon ang sugatang lalaki ay nananawagan para sa pakikiramay. Ang tao ay nagpaalam sa Kalayaan, nagpaalam sa buhay. Siya ay isang salpok pa rin, isang kilusan, ngunit isa nang kumukupas na salpok.

Transitional ang figure niya. Bumaba sa paanan ng barikada ang titig ng manonood, na nabighani at dinadala pa rin ng rebolusyonaryong pagpapasiya ng mga rebelde, na natatakpan ng mga katawan ng maluwalhating patay na mga sundalo. Ang kamatayan ay ipinakita ng artista sa lahat ng kahubaran at katibayan ng katotohanan. Nakikita natin ang mga asul na mukha ng mga patay, ang kanilang mga hubad na katawan: ang pakikibaka ay walang awa, at ang kamatayan ay hindi maiiwasang kasama ng mga rebelde bilang ang magandang inspirar na Kalayaan.

Ngunit hindi eksaktong pareho! Mula sa kakila-kilabot na tanawin sa ibabang gilid ng larawan, muli naming itinaas ang aming mga mata at nakita ang isang magandang batang pigura - hindi! panalo ang buhay! Ang ideya ng kalayaan, na kinakatawan nang nakikita at nakikita, ay nakatuon sa hinaharap na ang kamatayan sa pangalan nito ay hindi kakila-kilabot.

Ang artist ay naglalarawan lamang ng isang maliit na grupo ng mga rebelde, buhay at patay. Ngunit ang mga tagapagtanggol ng barikada ay tila hindi pangkaraniwang marami. Ang komposisyon ay binuo sa paraang ang pangkat ng mga mandirigma ay hindi limitado, hindi sarado sa sarili nito. Bahagi lamang siya ng walang katapusang avalanche ng mga tao. Ang artist ay nagbibigay, kumbaga, ng isang fragment ng grupo: pinuputol ng frame ng larawan ang mga figure mula sa kaliwa, kanan, at ibaba.

Karaniwan ang kulay sa mga gawa ng Delacroix ay nakakakuha ng isang emosyonal na tunog, gumaganap ng isang nangingibabaw na papel sa paglikha ng isang dramatikong epekto. Ang mga kulay, minsan raging, minsan kumukupas, muffled, lumikha ng isang panahunan na kapaligiran. Sa Liberty at the Barricades, umalis si Delacroix sa prinsipyong ito. Tumpak na tumpak, hindi mapag-aalinlanganan ang pagpili ng pintura, na inilalapat ito ng malawak na mga stroke, ang artist ay nagbibigay ng kapaligiran ng labanan.

Ngunit ang hanay ng mga kulay ay pinigilan. Nakatuon ang Delacroix sa relief modeling ng form. Ito ay kinakailangan ng makasagisag na solusyon ng larawan. Pagkatapos ng lahat, na naglalarawan ng isang tiyak na kaganapan kahapon, ang artist ay lumikha din ng isang monumento sa kaganapang ito. Samakatuwid, ang mga figure ay halos sculptural. Samakatuwid, ang bawat karakter, bilang bahagi ng isang solong kabuuan ng larawan, ay bumubuo rin ng isang bagay na sarado sa sarili nito, ay kumakatawan sa isang simbolo na inilagay sa isang nakumpletong anyo. Samakatuwid, ang kulay ay hindi lamang emosyonal na nakakaapekto sa damdamin ng manonood, ngunit nagdadala ng simbolikong pagkarga. Dito at doon, isang solemne triad ng pula, asul, puti ang kumikislap sa kayumanggi-kulay-abong espasyo - ang mga kulay ng bandila ng Rebolusyong Pranses noong 1789. Ang paulit-ulit na pag-uulit ng mga kulay na ito ay sumusuporta sa malakas na kuwerdas ng tatlong kulay na watawat na lumilipad sa ibabaw ng mga barikada.

Ang pagpipinta ni Delacroix na "Freedom on the Barricades" ay isang kumplikado, engrande na gawa sa saklaw nito. Dito pinagsama ang pagiging tunay ng direktang nakikitang katotohanan at ang simbolismo ng mga imahe; pagiging totoo, naabot ang brutal na naturalismo, at perpektong kagandahan; magaspang, kakila-kilabot at dakila, dalisay.

Ang pagpipinta na "Liberty at the Barricades" ay pinagsama ang tagumpay ng romantikismo sa pagpipinta ng Pranses. Noong 30s, dalawa pang makasaysayang pagpipinta: "Labanan ng Poitiers" At "Ang Pagpatay sa Obispo ng Liege".

Noong 1822 binisita ng artista ang North Africa, Morocco, Algeria. Ang paglalakbay ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon sa kanya. Noong 50s, lumitaw ang mga pagpipinta sa kanyang trabaho, na inspirasyon ng mga alaala ng paglalakbay na ito: "Pangangaso para sa mga leon", "Moroccan saddling isang kabayo" at iba pa. Ang maliwanag na magkakaibang kulay ay lumilikha ng isang romantikong tunog sa mga painting na ito. Sa kanila, lumilitaw ang pamamaraan ng isang malawak na stroke.

Si Delacroix, bilang isang romantikong, ay naitala ang estado ng kanyang kaluluwa hindi lamang sa wika ng mga larawang larawan, kundi pati na rin sa pampanitikan na anyo ng kanyang mga kaisipan. Inilarawan niya nang maayos ang proseso. malikhaing gawain isang romantikong artista, ang kanyang mga eksperimento sa kulay, mga pagmumuni-muni sa relasyon sa pagitan ng musika at iba pang mga anyo ng sining. Ang kanyang mga talaarawan ay naging paboritong pagbabasa ng mga artista ng mga sumunod na henerasyon.

Ang French romantikong paaralan ay gumawa ng makabuluhang pag-unlad sa larangan ng iskultura (Rud at ang kanyang Marseillaise relief), landscape painting (Camille Corot kasama ang kanyang mga light-air na larawan ng kalikasan ng France).

Salamat sa romanticism, ang personal na subjective na pananaw ng artist ay nasa anyo ng isang batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisira sa hadlang sa pagitan ng artist at kalikasan, na nagdedeklara ng sining bilang isang impresyon. Ang mga romantiko ay nagsasalita tungkol sa pantasya ng artista, "ang tinig ng kanyang mga damdamin", na nagpapahintulot sa kanya na huminto sa trabaho kapag isinasaalang-alang ng master na kinakailangan ito, at hindi ayon sa hinihiling ng mga pamantayang pang-akademiko ng pagkakumpleto.

Kung ang mga pantasya ni Gericault ay nakatuon sa paghahatid ng paggalaw, si Delacroix sa mahiwagang kapangyarihan ng kulay, at idinagdag ng mga Aleman dito ang isang tiyak na "espiritu ng pagpipinta", kung gayon Espanyol Ang mga romantiko sa katauhan ni Francisco Goya (1746-1828) ay nagpakita ng mga alamat na pinagmulan ng istilo, ang phantasmagoric at kakaibang karakter nito. Si Goya mismo at ang kanyang trabaho ay mukhang malayo sa anumang balangkas na pangkakanyahan, lalo na dahil madalas na kailangang sundin ng artista ang mga batas ng materyal ng pagganap (kapag, halimbawa, gumawa siya ng mga kuwadro na gawa para sa pinagtagpi na mga trellis carpet) o ang mga kinakailangan ng customer.

Ang kanyang phantasmagoria ay nahayag sa serye ng pag-ukit "Mga Capricho" (1797-1799),"Mga Kalamidad ng Digmaan" (1810-1820),“Disparantes (“Mga Kalokohan”)(1815-1820), ang mga mural ng "House of the Deaf" at ang Church of San Antonio de la Florida sa Madrid (1798). Malubhang sakit noong 1792. humantong sa kumpletong pagkabingi ng artist. Ang sining ng master pagkatapos magdusa ng isang pisikal at espirituwal na trauma ay nagiging mas puro, maalalahanin, panloob na dinamiko. Ang panlabas na mundo, sarado dahil sa pagkabingi, ay nag-activate ng panloob na espirituwal na buhay ni Goya.

Sa mga ukit "Mga Capricho" Nakamit ni Goya ang pambihirang lakas sa paglipat ng mga agarang reaksyon, mapusok na damdamin. Black and white na performance, salamat sa isang matapang na kumbinasyon malalaking spot, ang kawalan ng linearity na katangian ng mga graphics, ay nakakakuha ng lahat ng mga katangian ng isang pagpipinta.

Ang mga mural ng Simbahan ni St. Anthony sa Madrid Goya ay lumilikha, tila, sa isang hininga. Ang pag-uugali ng stroke, ang laconism ng komposisyon, ang pagpapahayag ng mga katangian ng mga character, na ang uri ay kinuha ni Goya nang direkta mula sa karamihan, ay kamangha-manghang. Inilalarawan ng pintor ang himala ni Anthony ng Florida, na nagpabangon at nagsalita sa pinatay na tao, na pinangalanan ang mamamatay-tao at sa gayon ay nailigtas ang inosenteng hinatulan mula sa pagpapatupad. Ang dynamism ng matingkad na tumutugon sa karamihan ay ipinarating ni Goya kapwa sa mga kilos at sa mga ekspresyon ng mukha ng mga itinatanghal na mukha. Sa compositional scheme ng pamamahagi ng mga painting sa espasyo ng simbahan, sinusundan ng pintor si Tiepolo, ngunit ang reaksyon na ipinupukaw niya sa manonood ay hindi barok, ngunit puro romantiko, na nakakaapekto sa damdamin ng bawat manonood, na tinatawag siyang lumingon sa kanyang sarili.

Higit sa lahat, ang layuning ito ay nakamit sa pagpipinta ng Conto del Sordo ("Bahay ng mga Bingi"), kung saan nanirahan si Goya mula 1819. Ang mga dingding ng mga silid ay natatakpan ng labinlimang komposisyon ng isang kamangha-manghang at alegorikal na kalikasan. Ang pag-unawa sa kanila ay nangangailangan ng malalim na empatiya. Ang mga imahe ay lumitaw bilang ilang uri ng mga pangitain ng mga lungsod, babae, lalaki, atbp. Ang kulay, kumikislap, ay kumukuha ng isang pigura, pagkatapos ay isa pa. Ang pagpipinta sa kabuuan ay madilim, ito ay pinangungunahan ng puti, dilaw, pinkish-red spot, mga flash ng nakakagambalang damdamin. Ang mga ukit ng serye "Disparantes" .

Ginugol ni Goya ang huling 4 na taon sa France. Malabong alam niyang hindi nakipaghiwalay si Delacroix sa kanyang "Caprichos". At hindi niya mahulaan kung paano madadala sina Hugo at Baudelaire ng mga ukit na ito, kung ano ang magiging malaking impluwensya ng kanyang pagpipinta kay Manet, at kung paano sa 80s ng XIX na siglo. Aanyayahan ni V. Stasov ang mga artista ng Russia na pag-aralan ang kanyang "Mga Kalamidad ng Digmaan"

Ngunit kami, dahil dito, alam namin kung gaano kalaki ang epekto nitong "walang istilo" na sining ng isang matapang na realista at inspiradong romantiko sa artistikong kultura noong ika-19 at ika-20 siglo.

Ang kamangha-manghang mundo ng mga pangarap ay natanto din sa kanyang mga gawa ng Ingles na romantikong artista na si William Blake (1757-1827). Inglatera ay isang klasikong bansa ng romantikong panitikan. Byron. Si Shelley ang naging bandila ng kilusang ito na malayo sa "foggy Albion". Sa Pransya, sa pagpuna sa magasin sa panahon ng "mga romantikong labanan", ang Romantics ay tinawag na "Shakespeareans". Ang pangunahing tampok ng pagpipinta ng Ingles ay palaging isang interes sa pagkatao ng tao, na nagpapahintulot sa genre ng portrait na mabungang umunlad. Ang romantikismo sa pagpipinta ay napakalapit na nauugnay sa sentimentalismo. Ang Romantikong interes sa Middle Ages ay nagbunga ng malaking makasaysayang panitikan. Ang kinikilalang master nito ay si V. Scott. Sa pagpipinta, tinutukoy ng tema ng Middle Ages ang hitsura ng tinatawag na Peraphaelites.

Si William Blake ay isang kamangha-manghang uri ng romantiko sa eksenang pangkultura ng Ingles. Nagsusulat siya ng mga tula, naglalarawan ng kanyang sarili at iba pang mga libro. Ang kanyang talento ay naghangad na yakapin at ipahayag ang mundo sa isang holistic na pagkakaisa. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay mga ilustrasyon para sa biblikal na "Book of Job", "The Divine Comedy" ni Dante, "Paradise Lost" ni Milton. Pino-populate niya ang kanyang mga komposisyon ng mga titanic figure ng mga bayani, na tumutugma sa kanilang kapaligiran ng isang hindi tunay na maliwanagan o phantasmagoric na mundo. Ang isang pakiramdam ng mapaghimagsik na pagmamataas o pagkakaisa, mahirap na likhain mula sa mga dissonance, ay nangingibabaw sa kanyang mga ilustrasyon.

Ang mga ukit ng tanawin para sa mga "Pastorals" ng makatang Romano na si Virgil ay tila medyo naiiba - ang mga ito ay mas idyllicly romantiko kaysa sa kanilang mga nakaraang gawa.

Ang romanticism ni Blake ay nagsisikap na makahanap ng sarili nitong artistikong pormula at anyo ng pagkakaroon ng mundo.

Si William Blake, na namuhay ng matinding kahirapan at kalabuan, pagkatapos ng kanyang kamatayan ay niraranggo sa host ng mga klasiko ng sining ng Ingles.

Sa gawain ng mga pintor ng landscape ng Ingles noong unang bahagi ng XIX na siglo. ang mga romantikong libangan ay pinagsama sa isang mas layunin at matino na pagtingin sa kalikasan.

Ang mga romantikong nakataas na tanawin ay nilikha ni William Turner (1775-1851). Gusto niyang ilarawan ang mga bagyo, pagbuhos ng ulan, mga bagyo sa dagat, maliwanag, maapoy na paglubog ng araw. Madalas na pinalalaki ni Turner ang mga epekto ng pag-iilaw at pinatindi ang tunog ng kulay kahit na pininturahan niya ang kalmadong estado ng kalikasan. Para sa mas malaking epekto, ginamit niya ang watercolor technique at pinatong pintura ng langis napakanipis na layer at direktang nagsulat sa lupa, na nakakamit ng iridescent overflows. Ang isang halimbawa ay ang larawan “Ulan, singaw at bilis”(1844). Ngunit kahit na ang kilalang kritiko noong panahong iyon, si Thackeray, ay hindi maaaring maunawaan nang tama, marahil, ang pinaka-makabagong larawan kapwa sa disenyo at pagpapatupad. "Ang ulan ay ipinahihiwatig ng mga mantsa ng maruming masilya," isinulat niya, "na tumalsik sa canvas gamit ang isang palette knife, ang sikat ng araw na may mapurol na kinang ay pumapasok sa napakakapal na bukol ng maruruming dilaw na chrome. Ang mga anino ay dinadala ng malamig na mga kulay ng iskarlata na kraplak at mga cinnabar spot ng mga naka-mute na tono. At kahit na ang apoy sa pugon ng lokomotibo ay tila pula, hindi ko ipinapalagay na igiit na hindi ito pininturahan ng kulay ng cabalt o gisantes. Isa pang kritiko ang natagpuan sa pangkulay ni Turner ng kulay ng "scrambled egg at spinach." Ang mga kulay ng yumaong Turner sa pangkalahatan ay tila ganap na hindi maiisip at hindi kapani-paniwala sa mga kontemporaryo. Kinailangan ng higit sa isang siglo upang makita sa kanila ang butil ng tunay na mga obserbasyon. Ngunit tulad ng sa ibang mga kaso, ito ay narito. Ang isang kakaibang ulat ng isang nakasaksi, o sa halip, isang saksi sa pagsilang ng "Ulan, singaw at bilis", ay napanatili. Isang Mrs. Simone ang nakasakay sa isang compartment ng Western Express kasama ang isang matandang ginoo na nakaupo sa tapat niya. Humingi siya ng pahintulot na buksan ang bintana, idinikit ang ulo sa buhos ng ulan, at nanatili sa ganoong posisyon nang medyo matagal. Nang tuluyan na niyang isinara ang bintana. Tumulo ang tubig mula sa kanya sa mga batis, ngunit ipinikit niya ang kanyang mga mata nang masaya at sumandal, malinaw na nasiyahan sa kanyang nakita. Nagpasya ang isang mausisa na batang babae na maranasan ang kanyang nararamdaman para sa kanyang sarili - inilapit din niya ang kanyang ulo sa bintana. Nabasa rin. Ngunit nakakuha ako ng hindi malilimutang impresyon. Isipin ang kanyang sorpresa nang, makalipas ang isang taon, sa isang eksibisyon sa London, nakita niya ang Rain, Steam and Speed. Isang taong nasa likod niya ang kritikal na nagsabi, "Extremely typical of Turner, right. Wala pang nakakita ng ganoong halo ng mga kahangalan.” At siya, hindi napigilan ang sarili, ay nagsabi: "Nakita ko."

Marahil ito ang unang larawan ng isang tren sa pagpipinta. ang punto ng view ay kinuha mula sa isang lugar sa itaas, na naging posible upang magbigay ng malawak na malawak na saklaw. Ang Western Express ay lumilipad sa ibabaw ng tulay sa bilis na talagang kakaiba para sa oras na iyon (mahigit sa 150 km bawat oras). Bilang karagdagan, ito ay marahil ang unang pagtatangka upang ilarawan ang liwanag sa pamamagitan ng ulan.

sining ng Ingles noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. binuo sa isang ganap na naiibang direksyon kaysa sa pagpipinta ni Turner. Bagama't ang kanyang husay ay karaniwang kinikilala, wala ni isa man sa mga kabataan ang sumunod sa kanya.

Si Turner ay matagal nang itinuturing na isang nangunguna sa Impresyonismo. Tila ang mga Pranses na artista ang dapat na bumuo pa ng kanyang paghahanap ng kulay mula sa liwanag. Ngunit hindi iyon ang kaso sa lahat. Sa esensya, ang impluwensya ni Turner sa mga Impresyonista ay bumalik sa Paul Signac's From Delacroix to Neo-Impressionism, na inilathala noong 1899, kung saan inilarawan niya kung paano "noong 1871, sa kanilang mahabang pananatili sa London, natuklasan nina Claude Manet at Camille Pissarro si Turner. Namangha sila sa tiwala at mahiwagang kalidad ng kanyang mga kulay, pinag-aralan nila ang kanyang trabaho, sinuri nila ang kanyang pamamaraan. Sa una ay namangha sila sa kanyang paglalarawan ng niyebe at yelo, nabigla sa paraan na nagawa niyang ihatid ang isang pakiramdam ng kaputian ng niyebe, na sila mismo ay hindi maaaring, na may malalaking patak ng kulay-pilak na puti na nakalatag na patag na may malalawak na mga hampas ng brush. . Nakita nila na ang impresyon na ito ay hindi nakamit sa pamamagitan lamang ng whitewash. At isang masa ng mga multi-color na stroke. Inflicted isa sa tabi ng isa, na ginawa ito impression, kung titingnan mo sila mula sa malayo.

Sa mga taong ito, si Signac ay naghahanap sa lahat ng dako para sa kumpirmasyon ng kanyang teorya ng pointillism. Ngunit wala sa mga painting ni Turner na makikita ng mga French artist sa National Gallery noong 1871, mayroong isang teknik ng pointillism na inilarawan ni Signac, at wala ring "broad spots of whitewash". Sa katunayan, ang impluwensya ni Turner sa French ay hindi mas malakas sa 1870 -e, at noong 1890s.

Si Turner ay pinag-aralan nang mabuti ni Paul Signac - hindi lamang bilang isang tagapagpauna ng impresyonismo, na isinulat niya tungkol sa kanyang libro, kundi pati na rin bilang isang mahusay na makabagong artista. Tungkol sa mga huling pagpipinta ni Turner na "Rain, Steam and Speed", "Exile", "Morning" at "Evening of the Flood", sumulat si Signac sa kanyang kaibigan na si Angrand: magandang kahulugan ng salita."

Ang masigasig na pagtatasa ni Signac ay minarkahan ang simula ng modernong pag-unawa sa pictorial quest ni Turner. Ngunit para sa mga nakaraang taon minsan nangyayari na hindi nila isinasaalang-alang ang subtext at ang pagiging kumplikado ng mga direksyon ng kanyang paghahanap, isang panig na pagpili ng mga halimbawa mula sa talagang hindi natapos na "underpainting" ni Turner, sinusubukan nilang matuklasan sa kanya ang hinalinhan ng impresyonismo.

Sa mga pinakabagong artista, ang lahat ay natural na nagmumungkahi ng paghahambing kay Monet, na kinilala mismo ang impluwensya ni Turner sa kanya. Mayroong kahit isang balangkas na ganap na magkapareho sa pareho - ibig sabihin, ang western portal ng Rouen Cathedral. Ngunit kung binibigyan kami ni Monet ng pag-aaral ng solar lighting ng gusali, hindi niya kami binibigyan ng Gothic, ngunit isang uri ng hubad na modelo, sa Turner naiintindihan mo kung bakit ang artist, na ganap na hinihigop sa kalikasan, ay naging interesado sa paksang ito - sa kanyang imahe ito ay tiyak na kumbinasyon ng napakalaki na kadakilaan ng kabuuan at ang walang katapusan na tumatama sa iba't ibang mga detalye na nagdadala sa mga likha ng Gothic na sining na mas malapit sa mga gawa ng kalikasan.

Ang espesyal na katangian ng kultura ng Ingles at romantikong sining ay nagbukas ng posibilidad ng paglitaw ng unang plein air artist, na naglatag ng mga pundasyon para sa light-air na imahe ng kalikasan noong ika-19 na siglo, si John Constable (1776-1837). Pinipili ng Englishman Constable ang landscape bilang pangunahing genre ng kanyang pagpipinta: “The world is great; walang dalawang araw ang magkatulad, kahit dalawang oras na magkapareho; Mula nang likhain ang mundo, walang dalawang dahon ang magkapareho sa isang puno, at lahat ng mga gawa ng tunay na sining, tulad ng mga likha ng kalikasan, ay naiiba sa isa't isa," sabi niya.

Ang constable ay nagpinta ng malalaking sketch ng langis sa open air na may banayad na pagmamasid sa iba't ibang estado ng kalikasan. Sa mga ito, naihatid niya ang pagiging kumplikado ng panloob na buhay ng kalikasan at ang pang-araw-araw na buhay nito. (“Tanaw ng Highgate mula sa Hempstead Hills”, OK. 1834; "Hay cart" 1821; Nakamit ito ng "Detham Valley", ca. 1828) sa tulong ng mga diskarte sa pagsulat. Nagpinta siya gamit ang mga gumagalaw na stroke, minsan makapal at magaspang, minsan mas makinis at mas transparent. Ang mga Impresyonista ay darating sa ito lamang sa katapusan ng siglo. Naimpluwensyahan ng makabagong pagpipinta ng Constable ang mga gawa ni Delacroix, pati na rin ang buong pag-unlad ng tanawin ng Pransya.

Ang sining ng Constable, pati na rin ang maraming aspeto ng gawa ni Gericault, ay minarkahan ang paglitaw ng isang makatotohanang kalakaran sa sining ng Europa noong ika-19 na siglo, na sa simula ay nabuo nang kaayon ng romantikismo. Nang maglaon, naghiwalay ang kanilang mga landas.

Binubuksan ng mga romantiko ang mundo kaluluwa ng tao, indibidwal, hindi katulad ng iba, ngunit taos-puso at samakatuwid ay malapit sa lahat ng sensual na pananaw sa mundo. Ang instantaneity ng imahe sa pagpipinta, gaya ng sinabi ni Gelacroix, at hindi ang pagkakapare-pareho nito sa pagganap sa panitikan, ang nagpasiya sa pokus ng mga artista sa pinaka-kumplikadong paghahatid ng paggalaw, para sa kapakanan kung saan natagpuan ang mga bagong pormal at coloristic na solusyon. Ang Romantisismo ay nag-iwan ng isang pamana sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. lahat ng mga problemang ito at artistikong indibidwalidad ay napalaya mula sa mga tuntunin ng akademya. Ang simbolo, na kabilang sa Romantics ay dapat na ipahayag ang mahalagang kumbinasyon ng ideya at buhay, sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. natutunaw sa polyphony ng artistikong imahe, na kumukuha ng pagkakaiba-iba ng mga ideya at sa nakapaligid na mundo.

b) Musika

Ang ideya ng art synthesis ay natagpuang pagpapahayag sa ideolohiya at kasanayan ng romantikismo. Ang romantikismo sa musika ay nabuo noong 20s ng ika-19 na siglo sa ilalim ng impluwensya ng panitikan ng romantikismo at binuo na malapit na nauugnay dito, kasama ang panitikan sa pangkalahatan (bumaling sa mga sintetikong genre, pangunahin ang opera, kanta, instrumental na miniature at musical programming). Ang pag-apila sa panloob na mundo ng isang tao, na katangian ng romantikismo, ay ipinahayag sa kulto ng subjective, ang pananabik para sa matinding emosyonal, na tumutukoy sa primacy ng musika at lyrics sa romanticism.

Musika ng ika-1 kalahati ng ika-19 na siglo. mabilis na umunlad. Isang bagong musikal na wika ang lumitaw; sa instrumental at chamber-vocal music, ang miniature ay nakatanggap ng isang espesyal na lugar; ang orkestra ay tumunog na may magkakaibang spectrum ng mga kulay; ang mga posibilidad ng piano at biyolin ay inihayag sa isang bagong paraan; ang musika ng mga romantiko ay napaka birtuoso.

Ang musical romanticism ay nagpakita ng sarili sa maraming iba't ibang sangay na nauugnay sa iba't ibang pambansang kultura at sa iba't ibang mga panlipunang paggalaw. Kaya, halimbawa, ang intimate, liriko na istilo ng mga romantikong Aleman at ang "oratorical" civil pathos, na katangian ng gawa ng mga kompositor ng Pranses, ay naiiba nang malaki. Kaugnay nito, ang mga kinatawan ng mga bagong pambansang paaralan na bumangon batay sa isang malawak na kilusang pambansang pagpapalaya (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), pati na rin ang mga kinatawan ng paaralan ng opera ng Italya, na malapit na nauugnay sa kilusang Risorgimento (Verdi, Bellini), sa maraming paraan ay naiiba sa mga kontemporaryo sa Germany, Austria o France, sa partikular, ang ugali na mapanatili ang mga klasikal na tradisyon.

Gayunpaman, lahat sila ay nagbabahagi ng ilang karaniwan masining na prinsipyo, na nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang tungkol sa isang romantikong istraktura ng pag-iisip.

Dahil sa espesyal na kakayahan ng musika na malalim at matalim na ihayag ang mayamang mundo ng mga karanasan ng tao, ito ay inilagay sa unang lugar bukod sa iba pang mga sining sa pamamagitan ng romantikong aesthetics. Maraming mga romantiko ang nagbigay-diin sa isang intuitive na simula sa musika, na nauugnay dito ang pag-aari ng pagpapahayag ng "hindi alam". Ang gawain ng mga namumukod-tanging romantikong kompositor ay may matibay na makatotohanang batayan. Ang interes sa buhay ng mga ordinaryong tao, ang kapunuan ng buhay at ang katotohanan ng mga damdamin, ang pag-asa sa musika ng pang-araw-araw na buhay ay tumutukoy sa pagiging totoo ng gawain ng pinakamahusay na mga kinatawan ng musikal na romantikismo. Ang mga reaksyonaryong tendensya (mistisismo, paglipad mula sa katotohanan) ay likas sa isang medyo maliit na bilang ng mga gawa ng mga romantiko. Lumitaw sila sa bahagi sa opera na Euryanta ni Weber (1823), sa ilang mga musikal na drama ni Wagner, oratorio Christ ni Liszt (1862), atbp.

SA maagang XIX siglo, lumilitaw ang mga pangunahing pag-aaral ng alamat, kasaysayan, sinaunang panitikan, mga alamat sa medieval, sining ng gothic, kultura ng Renaissance, nakalimutan, nabuhay na mag-uli. Sa oras na ito maraming mga pambansang paaralan ng isang espesyal na uri ang binuo sa gawain ng kompositor ng Europa, na nakalaan upang makabuluhang palawakin ang mga hangganan ng karaniwang kultura ng Europa. Russian, na sa lalong madaling panahon kinuha, kung hindi ang una, pagkatapos ay isa sa mga unang lugar sa mundo kultural na pagkamalikhain(Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), Polish (Chopin, Moniuszko), Czech (Sour Cream, Dvorak), Hungarian (List), pagkatapos ay Norwegian (Grig), Spanish (Pedrel) Finnish (Sibelius), English (Elgar ) - lahat sila, na pinagsama sa pangkalahatang mainstream ng pagkamalikhain ng kompositor sa Europa, ay hindi sa anumang paraan sumasalungat sa kanilang sarili sa itinatag na sinaunang mga tradisyon. Isang bagong bilog ng mga imahe ang lumitaw, na nagpapahayag ng mga natatanging pambansang katangian ng pambansang kultura kung saan kabilang ang kompositor. Ang istraktura ng intonasyon ng trabaho ay nagpapahintulot sa iyo na agad na makilala sa pamamagitan ng tainga na kabilang sa isang partikular na pambansang paaralan.

Isinasama ng mga kompositor sa karaniwang European musical language ang intonational turns ng lumang, pangunahing alamat ng magsasaka ng kanilang mga bansa. Sila, parang, nilinis ang Russian folk song mula sa lacquered opera, ipinakilala nila sa cosmopolitan intonation system ng 18th century song turns ng folk-everyday genre. Ang pinaka-kapansin-pansing kababalaghan sa musika ng romantikismo, na kung saan ay malinaw na nakikita kung ihahambing sa matalinghagang globo ng klasisismo, ay ang pangingibabaw ng liriko-sikolohikal na prinsipyo. Siyempre, ang isang natatanging tampok ng musikal na sining sa pangkalahatan ay ang repraksyon ng anumang kababalaghan sa pamamagitan ng globo ng mga damdamin. Ang musika sa lahat ng panahon ay napapailalim sa pattern na ito. Ngunit ang mga romantiko ay nalampasan ang lahat ng kanilang mga nauna sa halaga ng liriko na simula sa kanilang musika, sa lakas at pagiging perpekto sa paghahatid ng kalaliman ng panloob na mundo ng isang tao, ang mga banayad na lilim ng kalooban.

Ang tema ng pag-ibig ay sumasakop sa isang nangingibabaw na lugar dito, dahil ito ang estado ng pag-iisip na pinaka-komprehensibo at ganap na sumasalamin sa lahat ng kalaliman at nuances ng pag-iisip ng tao. Ngunit ito ay lubos na katangian na ang temang ito ay hindi limitado sa mga motibo ng pag-ibig sa literal na kahulugan ng salita, ngunit kinilala sa pinakamalawak na hanay ng mga phenomena. Ang puro liriko na mga karanasan ng mga karakter ay inilalantad sa backdrop ng malawak na makasaysayang panorama. Ang pag-ibig ng isang tao para sa kanyang tahanan, para sa kanyang amang-bayan, para sa kanyang mga tao ay tumatakbo tulad ng isang thread sa pamamagitan ng trabaho ng lahat ng mga romantikong kompositor.

Ang isang malaking lugar ay ibinibigay sa mga musikal na gawa ng maliliit at malalaking anyo sa imahe ng kalikasan, malapit at hindi maihihiwalay sa tema ng liriko na pag-amin. Tulad ng mga imahe ng pag-ibig, ang imahe ng kalikasan ay nagpapakilala sa estado ng pag-iisip ng bayani, na madalas na kulay ng isang pakiramdam ng hindi pagkakasundo sa katotohanan.

Ang tema ng pantasya ay madalas na nakikipagkumpitensya sa mga larawan ng kalikasan, na marahil ay nabuo ng pagnanais na makatakas mula sa pagkabihag ng totoong buhay. Karaniwan para sa mga romantiko ay ang paghahanap para sa isang kahanga-hanga, kumikinang na may kayamanan ng mga kulay ng mundo, laban sa kulay abong pang-araw-araw na buhay. Sa mga taong ito na ang panitikan ay pinayaman ng mga fairy tale, ballad ng mga manunulat na Ruso. Kabilang sa mga kompositor ng romantikong paaralan, ang mga kamangha-manghang, kamangha-manghang mga imahe ay nakakakuha ng isang pambansang natatanging kulay. Ang mga balad ay inspirasyon ng mga manunulat na Ruso, at salamat dito, ang mga gawa ng isang kamangha-manghang kataka-taka na plano ay nilikha, na sumasagisag, parang, ang maling panig ng pananampalataya, na nagsisikap na baligtarin ang mga ideya ng takot sa mga puwersa ng kasamaan.

Maraming mga romantikong kompositor din ang kumilos bilang mga manunulat at kritiko ng musika (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, atbp.). Ang teoretikal na gawain ng mga kinatawan ng progresibong romantisismo ay gumawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa pag-unlad ng pinakamahalagang isyu ng musikal na sining. Natagpuan din ang romantikismo sa mga sining ng pagtatanghal (ang violinist na Paganini, ang mang-aawit na si A. Nurri, at iba pa).

Ang progresibong kahulugan ng Romantisismo sa panahong ito ay pangunahing nakasalalay sa aktibidad Franz Liszt. Ang gawain ni Liszt, sa kabila ng magkasalungat na pananaw sa mundo, ay karaniwang progresibo, makatotohanan. Isa sa mga tagapagtatag at klasiko ng Hungarian na musika, isang natatanging pambansang artista.

Ang mga pambansang tema ng Hungarian ay malawak na makikita sa marami sa mga gawa ni Liszt. Pinalawak ng mga romantikong, birtuoso na komposisyon ni Liszt ang teknikal at nagpapahayag na mga posibilidad ng pagtugtog ng piano (concertos, sonatas). Mahalaga ang mga koneksyon ni Liszt sa mga kinatawan ng musikang Ruso, na ang mga gawa ay aktibong isinulong niya.

Kasabay nito, gumaganap ng malaking papel si Liszt sa pag-unlad ng sining ng musikal sa mundo. Pagkatapos ng Liszt, "naging posible ang lahat para sa pianoforte." Mga katangian ng karakter kanyang musika - improvisasyon, romantikong tuwa ng damdamin, nagpapahayag na himig. Si Liszt ay pinahahalagahan bilang isang kompositor, performer, musical figure. Mga pangunahing gawa ng kompositor: opera " Don Sancho o ang kastilyo ng pag-ibig”(1825), 13 symphonic poems” Tasso ”, ” Prometheus ”, “Hamlet” at iba pa, gumagana para sa orkestra, 2 concerto para sa piano at orkestra, 75 romansa, koro at iba pang pantay na kilalang mga gawa.

Ang isa sa mga unang pagpapakita ng romantikismo sa musika ay ang pagkamalikhain Franz Schubert(1797-1828). Si Schubert ay pumasok sa kasaysayan ng musika bilang pinakamalaki sa mga tagapagtatag ng musikal na romantikismo at ang lumikha ng isang bilang ng mga bagong genre: romantikong symphony, piano miniature, lyric-romantic song (romance). Pinakamataas na halaga sa kanyang trabaho ay may kanta, kung saan ipinakita niya lalo na ang maraming mga makabagong tendensya. Sa mga kanta ni Schubert, ang panloob na mundo ng isang tao ay pinakamalalim na inihayag, ang kanyang katangian na koneksyon sa katutubong musika ay pinaka-kapansin-pansin, ang isa sa mga pinakamahalagang katangian ng kanyang talento ay pinaka-maliwanag - ang kamangha-manghang pagkakaiba-iba, kagandahan, kagandahan ng mga melodies. Ang pinakamagagandang kanta noong unang panahon ay “ Margarita sa umiikot na gulong ”(1814) , “hari ng kagubatan". Ang parehong mga kanta ay nakasulat sa mga salita ng Goethe. Sa una sa kanila, naaalala ng inabandunang batang babae ang kanyang minamahal. Siya ay nag-iisa at malalim na nagdurusa, ang kanyang kanta ay malungkot. Ang isang simple at taos-pusong himig ay umaalingawngaw lamang ng monotonous na huni ng simoy ng hangin. Ang "The Forest King" ay isang kumplikadong gawain. Ito ay hindi isang kanta, ngunit sa halip ay isang dramatikong eksena kung saan tatlong karakter ang lumalabas sa ating harapan: isang ama na nakasakay sa isang kabayo sa kagubatan, isang may sakit na bata na dala-dala niya, at isang kakila-kilabot na hari ng kagubatan na nagpakita sa isang batang lalaki na nilalagnat. kahibangan. Ang bawat isa sa kanila ay may sariling melodic na wika. Ang mga kanta ni Schubert na "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" ay hindi gaanong sikat at minamahal. Isinulat sa mga susunod na taon, ang mga kantang ito ay kapansin-pansin para sa kanilang nakakagulat na simple at nagpapahayag ng melody at sariwang kulay.

Sumulat din si Schubert ng dalawang siklo ng mga kanta - " magandang miller"(1823), at" landas ng taglamig”(1872) - sa mga salita ng makatang Aleman na si Wilhelm Müller. Sa bawat isa sa kanila, ang mga kanta ay pinagsama ng isang balangkas. Ang mga kanta ng cycle na "The Beautiful Miller's Woman" ay nagsasabi tungkol sa isang batang lalaki. Kasunod ng agos ng batis, nagsimula siyang maglakbay upang hanapin ang kanyang kaligayahan. Karamihan sa mga kanta sa cycle na ito ay may magaan na karakter. Ang mood ng cycle na "Winter Way" ay ganap na naiiba. Ang isang mahirap na binata ay tinanggihan ng isang mayamang nobya. Sa kawalan ng pag-asa, umalis siya sa kanyang sariling lungsod at pumunta sa mundo. Ang kanyang mga kasama ay ang hangin, isang blizzard, isang nakakatakot na uwak.

Ang ilang mga halimbawa na ibinigay dito ay nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang tungkol sa mga tampok ng pagsulat ng kanta ni Schubert.

Mahilig magsulat si Schubert musikang piano. Para sa instrumento na ito, sumulat siya ng isang malaking bilang ng mga gawa. Tulad ng mga kanta, ang kanyang mga gawa sa piano ay malapit sa pang-araw-araw na musika at kasing simple at naiintindihan. Mga paboritong genre ang kanyang mga komposisyon ay mga sayaw, martsa, at sa mga huling taon ng kanyang buhay - impromptu.

Ang mga waltz at iba pang mga sayaw ay karaniwang lumilitaw sa mga bola ni Schubert, sa mga paglalakad sa bansa. Doon siya nag-improvise sa kanila, at ni-record sa bahay.

Kung ihahambing natin ang mga piyesa ng piano ni Schubert sa kanyang mga kanta, marami tayong makikitang pagkakatulad. Una sa lahat, ito ay isang mahusay na melodic expressiveness, biyaya, makulay na paghahambing ng major at minor.

Isa sa pinaka malaki Pranses mga kompositor ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo Georges Bizet, ang lumikha ng isang walang kamatayang likha para sa musikal na teatro - mga opera “Carmen"at magandang musika para sa drama ni Alphonse Daudet" Arlesian ”.

Ang gawa ni Bizet ay nailalarawan sa pamamagitan ng kawastuhan at kalinawan ng pag-iisip, pagiging bago at pagiging bago ng mga nagpapahayag na paraan, pagkakumpleto at kagandahan ng anyo. Matalas si Bizet sikolohikal na pagsusuri sa pag-unawa sa mga damdamin at kilos ng tao, katangian ng gawa ng mga dakilang kababayan ng kompositor - ang mga manunulat na sina Balzac, Flaubert, Maupassant. Ang sentral na lugar sa gawain ng Bizet, na magkakaibang sa mga genre, ay kabilang sa opera. Ang operatic art ng kompositor ay lumitaw sa pambansang lupa at pinalaki ng mga tradisyon ng French opera house. Isinasaalang-alang ni Bizet ang unang gawain sa kanyang trabaho upang mapagtagumpayan ang mga paghihigpit sa genre na umiiral sa French opera, na humahadlang sa pag-unlad nito. Ang "malaking" opera ay tila sa kanya ay isang patay na genre, ang liriko na opera ay nakakainis sa kanyang pagluha at petiburges na makitid ang pag-iisip, ang komiks ay nararapat pansin nang higit sa iba. Sa kauna-unahang pagkakataon sa opera ni Bizet, lumilitaw ang mga makatas at masiglang domestic at mass scene, na naghihintay sa buhay at matingkad na mga eksena.

Ang musika ni Bizet para sa drama ni Alphonse Daudet “Arlesian” ay pangunahing kilala para sa dalawang concert suite na binubuo ng kanyang pinakamahusay na mga numero. Gumamit si Bizet ng ilang tunay na Provençal melodies : “Marso ng Tatlong Hari” At "Sayaw ng malikot na kabayo".

Ang opera ni Bizet Carmen” ay isang musikal na drama na inilalahad sa harap ng mga manonood na may nakakumbinsi na katotohanan at may nakakabighaning artistikong kapangyarihan ang kuwento ng pag-ibig at pagkamatay ng mga bayani nito: ang sundalong si Jose at ang gipsy na si Carmen. Ang Opera Carmen ay nilikha batay sa mga tradisyon ng French musical theater, ngunit sa parehong oras ay ipinakilala din nito ang maraming mga bagong bagay. Batay sa pinakamahusay na mga nagawa ng pambansang opera at reporma sa pinakamahalagang elemento nito, lumikha si Bizet ng bagong genre - isang makatotohanang musikal na drama.

Sa kasaysayan ng opera house noong ika-19 na siglo, ang opera Carmen ay sumasakop sa isa sa mga unang lugar. Mula noong 1876, nagsimula ang kanyang matagumpay na prusisyon sa mga yugto ng mga opera house ng Vienna, Brussels, at London.

Ang pagpapakita ng isang personal na relasyon sa kapaligiran ay ipinahayag ng mga makata at musikero, una sa lahat, sa kamadalian, emosyonal na "pagiging bukas" at pagsinta ng pagpapahayag, sa pagsisikap na kumbinsihin ang nakikinig sa tulong ng walang tigil na intensity ng tono ng pagkilala o pagtatapat.

Ang mga bagong uso sa sining ay may mapagpasyang impluwensya sa paglitaw lyric opera. Lumitaw ito bilang isang antithesis ng "grand" at comic opera, ngunit hindi ito makapasa sa kanilang mga pananakop at tagumpay sa larangan ng operatic dramaturgy at paraan ng pagpapahayag ng musika.

Ang isang natatanging tampok ng bagong genre ng opera ay ang liriko na interpretasyon ng anuman banghay na pampanitikan- sa historikal, pilosopiko o modernong tema. Ang mga bayani ng lyrical opera ay pinagkalooban ng mga katangian ng mga ordinaryong tao, walang exclusivity at ilang hyperbolization, katangian ng isang romantikong opera. Ang pinaka makabuluhang artist sa larangan ng lyric opera ay Charles Gounod.

Kabilang sa napakaraming operatic heritage ng Gounod, ang opera " Faust" sumasakop sa isang espesyal at, maaaring sabihin, pambihirang lugar. Ang kanyang katanyagan at katanyagan sa buong mundo ay hindi mapapantayan ng iba pang mga opera ni Gounod. Ang makasaysayang kahalagahan ng opera na Faust ay lalong malaki dahil ito ay hindi lamang ang pinakamahusay, ngunit sa esensya ang una sa mga opera ng bagong direksyon, tungkol sa kung saan isinulat ni Tchaikovsky: "Imposibleng tanggihan na si Faust ay isinulat, kung hindi kasama ang henyo, pagkatapos ay may pambihirang kasanayan at walang makabuluhang pagkakakilanlan." Sa imahe ni Faust, ang matalim na hindi pagkakapare-pareho at "paghiwa-hiwalay" ng kanyang kamalayan, ang walang hanggang kawalang-kasiyahan na dulot ng pagnanais na makilala ang mundo, ay pinawi. Hindi maiparating ni Gounod ang lahat ng versatility at pagiging kumplikado ng imahe ng Mephistopheles ni Goethe, na naglalaman ng diwa ng militanteng pagpuna sa panahong iyon.

Ang isa sa mga pangunahing dahilan para sa katanyagan ng "Faust" ay na ito ay nagkonsentra ng pinakamahusay at pangunahing mga bagong tampok ng batang genre ng lyrical opera: isang emosyonal na direkta at malinaw na indibidwal na paglipat ng panloob na mundo ng mga character ng opera. Malalim pilosopikal na kahulugan Ang "Faust" ni Goethe, na naghangad na ipakita ang makasaysayang at panlipunang kapalaran ng lahat ng sangkatauhan sa halimbawa ng salungatan ng mga pangunahing tauhan, ay isinama ni Gounod sa anyo ng isang makataong liriko na drama nina Marguerite at Faust.

Pranses na kompositor, konduktor, kritiko ng musika Hector Berlioz pumasok sa kasaysayan ng musika bilang pinakamalaking romantikong kompositor, tagalikha ng symphony ng programa, innovator sa larangan ng anyo ng musika, pagkakaisa at lalo na ang instrumento. Sa kanyang trabaho, natagpuan nila ang isang matingkad na sagisag ng mga tampok ng mga rebolusyonaryong kalunos-lunos at kabayanihan. Pamilyar si Berlioz kay M. Glinka, na ang musika ay lubos niyang pinahahalagahan. Nakipagkaibigan siya sa mga pinuno ng "Mighty Handful", na masigasig na tinanggap ang kanyang mga sinulat at malikhaing prinsipyo.

Gumawa siya ng 5 gawa sa entablado ng musika, kabilang ang opera " Benvenuto Cillini ”(1838), “ Mga Trojan ”,”sina Beatrice at Benedict(batay sa komedya ni Shakespeare na Much Ado About Nothing, 1862); 23 vocal at symphonic works, 31 romances, choirs, sinulat niya ang mga librong "Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration" (1844), "Evenings in the Orchestra" (1853), "Through Songs" (1862), "Musical Curiosities" ( 1859), "Memoirs" (1870), mga artikulo, mga pagsusuri.

Aleman kompositor, konduktor, playwright, publicist Richard Wagner pumasok sa kasaysayan ng kulturang pangmusika sa daigdig bilang isa sa mga pinakadakilang tagalikha ng musika at mga pangunahing repormador ng sining ng opera. Ang layunin ng kanyang mga reporma ay lumikha ng isang monumental programmatic vocal at symphonic work sa dramatikong anyo, na idinisenyo upang palitan ang lahat ng uri ng opera at symphonic music. Ang ganitong gawain ay isang musikal na drama, kung saan ang musika ay dumadaloy sa isang tuluy-tuloy na stream, pinagsasama-sama ang lahat ng mga dramatikong link. Tinanggihan ang natapos na pag-awit, pinalitan sila ni Wagner ng isang uri ng emosyonal na mayaman na recitative. Ang isang malaking lugar sa mga opera ni Wagner ay inookupahan ng mga independiyenteng orkestra na mga yugto, na isang mahalagang kontribusyon sa musikang symphonic sa mundo.

Ang kamay ni Wagner ay kabilang sa 13 opera:“ The Flying Dutchman"(1843), "Tannhäuser"(1845), "Tristan and Isolde"(1865), "Gold of the Rhine"(1869) at iba pa.; mga koro, mga piyesa ng piano, mga romansa.

Ang isa pang namumukod-tanging Aleman na kompositor, konduktor, pianista, guro, at pigura ng musika ay Felix Mendelssohn-Bartholdy. Mula sa edad na 9 nagsimula siyang gumanap bilang isang pianista, sa edad na 17 nilikha niya ang isa sa mga obra maestra - isang overture sa isang komedya " C nasa summer night siya" Shakespeare. Noong 1843 itinatag niya ang unang conservatory sa Germany sa Leipzig. Sa gawa ni Mendelssohn, "isang klasiko sa mga romantiko", ang mga romantikong tampok ay pinagsama sa klasikal na sistema ng pag-iisip. Ang kanyang musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliwanag na himig, demokratismo ng pagpapahayag, katamtaman ng mga damdamin, kalmado ng pag-iisip, ang pamamayani ng maliliwanag na damdamin, liriko na kalooban, hindi walang bahagyang ugnayan ng sentimentalidad, hindi nagkakamali na mga anyo, napakatalino na pagkakayari. Tinawag siya ni R. Schumann na "Mozart ng ika-19 na siglo", G. Heine - "isang himala sa musika".

May-akda ng landscape romantic symphony ("Scottish", "Italian"), mga palabas sa konsiyerto ng programa, isang sikat na violin concerto, mga cycle ng mga piraso para sa pianoforte na "Song without Words"; ang opera na Camacho's Marriage. Sumulat siya ng musika para sa dramatikong dula na Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) ni Sophocles, Atalia ni Racine (1845), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1843) at iba pa; oratorio "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 concerto para sa piano at 2 para sa violin.

SA Italyano kultura ng musika ang isang espesyal na lugar ay pagmamay-ari ni Giuseppe Verdi - isang natitirang kompositor, konduktor, organista. Ang pangunahing lugar ng trabaho ni Verdi ay opera. Siya ay kumilos pangunahin bilang tagapagsalita para sa kabayanihan-makabayan na damdamin at mga ideya sa pambansang pagpapalaya ng mga Italyano. Sa mga sumunod na taon, binigyang pansin niya ang mga dramatikong salungatan na dulot ng hindi pagkakapantay-pantay ng lipunan, karahasan, pang-aapi, at tinuligsa ang kasamaan sa kanyang mga opera. Mga tampok na katangian ng gawa ni Verdi: katutubong musika, dramatikong ugali, melodic na ningning, pag-unawa sa mga batas ng eksena.

Sumulat siya ng 26 na opera: " Nabucco”, “Macbeth”, “Troubadour”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida" at iba pa . , 20 romances, vocal ensembles .

Bata pa Norwegian kompositor Edvard Grieg (1843-1907) naghahangad sa pagpapaunlad ng pambansang musika. Ito ay ipinahayag hindi lamang sa kanyang trabaho, kundi pati na rin sa pagsulong ng musikang Norwegian.

Sa kanyang mga taon sa Copenhagen, sumulat si Grieg ng maraming musika: " Mga Makatang Larawan” At "Humoresque", sonata para sa piano at unang violin sonata, mga kanta. Sa bawat bagong gawa, mas malinaw na lumalabas ang imahe ni Grieg bilang isang kompositor ng Norwegian. Sa banayad na liriko na "Poetic Pictures" (1863), ang mga pambansang tampok ay mahiyain pa ring pumasok. Ang rhythmic figure ay madalas na matatagpuan sa Norwegian folk music; naging katangian ito ng marami sa mga himig ni Grieg.

Ang gawa ni Grieg ay malawak at maraming aspeto. Sumulat si Grieg ng mga gawa ng iba't ibang genre. Piano Concerto at Ballades, tatlong sonata para sa violin at piano at isang sonata para sa cello at piano, ang quartet ay nagpapatotoo sa patuloy na pananabik ni Grieg para sa malaking anyo. Kasabay nito, ang interes ng kompositor sa mga instrumental na miniature ay nanatiling hindi nagbabago. Sa parehong lawak ng pianoforte, ang kompositor ay naaakit ng maliit na tinig ng silid - isang romansa, isang kanta. Huwag maging pangunahing kasama ni Grieg, ang larangan ng symphonic creativity ay minarkahan ng mga obra maestra tulad ng mga suite " Bawat Gounod ”, “Mula sa mga araw ni Holberg". Ang isa sa mga katangiang uri ng gawa ni Grieg ay ang pagproseso ng mga katutubong kanta at sayaw: sa anyo ng mga simpleng piraso ng piano, isang suite cycle para sa piano na may apat na kamay.

Ang musikal na wika ni Grieg ay maliwanag na orihinal. Ang sariling katangian ng estilo ng kompositor ay higit sa lahat ay tinutukoy ng kanyang malalim na koneksyon sa Norwegian folk music. Malawakang gumagamit si Grieg ng mga tampok ng genre, istraktura ng intonasyon, mga pormula ng ritmo ng katutubong awit at himig ng sayaw.

Nag-ugat ang kahanga-hangang kasanayan ni Grieg sa variational at variant development ng isang melody katutubong tradisyon paulit-ulit na pag-uulit ng isang melody na may mga pagbabago nito. "Ni-record ko ang katutubong musika ng aking bansa." Sa likod ng mga salitang ito ay nakasalalay ang magalang na saloobin ni Grieg sa katutubong sining at ang pagkilala sa mapagpasyang papel nito para sa kanyang sariling pagkamalikhain.

7. KONGKLUSYON

Batay sa itaas, ang mga sumusunod na konklusyon ay maaaring makuha:

Ang paglitaw ng romantisismo ay naimpluwensyahan ng tatlong pangunahing kaganapan: ang Rebolusyong Pranses, ang Napoleonic Wars, ang pag-usbong ng pambansang kilusan sa pagpapalaya sa Europa.

Ang Romantisismo bilang isang pamamaraan at direksyon sa kulturang sining ay isang kumplikado at kontrobersyal na kababalaghan. Sa bawat bansa mayroon siyang maliwanag na pambansang ekspresyon. Sinakop ng mga romantiko ang iba't ibang posisyon sa lipunan at pulitika sa lipunan. Lahat sila ay naghimagsik laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit sila ay naghimagsik sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may sariling mithiin. Ngunit sa lahat ng maraming mukha at pagkakaiba-iba, ang romantikismo ay may matatag na katangian:

Ang lahat ng mga ito ay nagmula sa pagtanggi sa Enlightenment at sa rasyonalistikong mga canon ng klasisismo, na nakagapos sa malikhaing inisyatiba ng artist.

Natuklasan nila ang prinsipyo ng historicism (husgahan ng mga enlighteners ang nakaraan na anti-historically para sa kanila mayroong "makatwiran" at "hindi makatwiran"). Nakita natin ang mga karakter ng tao sa nakaraan, na hinubog ng kanilang panahon. Ang interes sa pambansang nakaraan ay nagbunga ng isang masa ng mga akdang pangkasaysayan.

Interes sa isang malakas na personalidad na sumasalungat sa kanyang sarili sa buong mundo sa kanyang paligid at umaasa lamang sa kanyang sarili.

Pansin sa panloob na mundo ng tao.

Ang romantikismo ay malawakang binuo kapwa sa mga bansa sa Kanlurang Europa at sa Russia. Gayunpaman, ang romantikismo sa Russia ay naiiba sa Kanlurang Europa sa pabor ng ibang makasaysayang setting at ibang kultural na tradisyon. Ang tunay na dahilan ng paglitaw ng romantikismo sa Russia ay ang Digmaang Patriotiko noong 1812, kung saan ipinakita ang lahat ng kapangyarihan ng popular na inisyatiba.

Mga tampok ng romantikong Ruso:

Hindi tinutulan ng Romantisismo ang Enlightenment. Ang ideolohiya ng paliwanag ay humina, ngunit hindi bumagsak, tulad ng sa Europa. Ang ideal ng isang napaliwanagan na monarko ay hindi naubos ang sarili nito.

Ang romantikismo ay nabuo kasabay ng klasisismo, na kadalasang nakakabit dito.

Ang Romantisismo sa Russia ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang paraan sa iba't ibang uri ng sining. Sa arkitektura, hindi ito binasa. Sa pagpipinta, natuyo ito sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Bahagya lang siyang nagpakita sa musika. Marahil sa panitikan lamang ang romantikismo ay patuloy na nagpakita ng sarili.

Sa visual arts, ang romantikismo ay malinaw na ipinakita sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong ipinahayag sa iskultura at arkitektura.

Binubuksan ng mga romantiko ang mundo ng kaluluwa ng tao, indibidwal, hindi katulad ng iba, ngunit taos-puso at samakatuwid ay malapit sa lahat ng senswal na pangitain ng mundo. Ang instantaneity ng imahe sa pagpipinta, gaya ng sinabi ni Delacroix, at hindi ang pagkakapare-pareho nito sa pagganap sa panitikan, ang nagpasiya sa pokus ng mga artista sa pinaka-kumplikadong paghahatid ng paggalaw, para sa kapakanan kung saan natagpuan ang mga bagong pormal at coloristic na solusyon. Ang Romantisismo ay nag-iwan ng isang pamana sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. lahat ng mga problemang ito at artistikong indibidwalidad ay napalaya mula sa mga tuntunin ng akademya. Ang simbolo, na kabilang sa Romantics ay dapat na ipahayag ang mahalagang kumbinasyon ng ideya at buhay, sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. natutunaw sa polyphony ng artistikong imahe, na kumukuha ng pagkakaiba-iba ng mga ideya at sa nakapaligid na mundo. Ang romantikismo sa pagpipinta ay malapit na nauugnay sa sentimentalismo.

Salamat sa romanticism, ang personal na subjective na pananaw ng artist ay nasa anyo ng isang batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisira sa hadlang sa pagitan ng artist at kalikasan, na nagdedeklara ng sining bilang isang impresyon. Ang mga romantiko ay nagsasalita tungkol sa pantasya ng artista, "ang tinig ng kanyang mga damdamin", na nagpapahintulot sa kanya na huminto sa trabaho kapag isinasaalang-alang ng master na kinakailangan ito, at hindi ayon sa hinihiling ng mga pamantayang pang-akademiko ng pagkakumpleto.

Ang Romantisismo ay nag-iwan ng isang buong panahon sa mundo ng artistikong kultura, ang mga kinatawan nito ay: sa panitikang Ruso Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov at iba pa; sa fine arts E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin at iba pa; sa musika ni F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin at iba pa. Natuklasan at nakabuo sila ng mga bagong genre, binigyang pansin ang kapalaran ng personalidad ng tao, inihayag ang dialectic ng mabuti at masama, mahusay na inihayag ang mga hilig ng tao, atbp.

Ang mga anyo ng sining ay halos katumbas ng kanilang kahalagahan at gumawa ng mga kahanga-hangang gawa ng sining, bagaman ang mga romantiko ay nagbigay ng priyoridad sa musika sa hagdan ng sining.

Ang romantikismo bilang isang pananaw sa mundo ay umiral sa Russia sa unang alon nito mula sa katapusan ng ika-18 siglo hanggang sa 1850s. Ang linya ng romantiko sa sining ng Russia ay hindi tumigil noong 1850s. Ang tema ng estado ng pagkatao, na natuklasan ng Romantics para sa sining, ay kalaunan ay binuo ng mga artista ng Blue Rose. Ang mga direktang tagapagmana ng Romantics ay walang alinlangan ang mga Simbolista. Ang mga romantikong tema, motif, nagpapahayag na mga aparato ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, direksyon, malikhaing asosasyon. Ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinaka masigla, matiyaga, mabunga.

Ang romantikismo bilang isang pangkalahatang saloobin, pangunahing katangian ng mga kabataan, bilang isang pagnanais para sa isang perpekto at malikhaing kalayaan, ay patuloy na nabubuhay sa sining ng mundo.

8. SANGGUNIAN

1. Amminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov. -- M: Kaalaman, 1980

2. Atsarkina E.N. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: Sining, 1971.

3. Belinsky V.G. Gumagana. A. Pushkin. - M: 1976.

4. Great Soviet Encyclopedia (Punong editor Prokhorov A.M.).– M: Encyclopedia ng Sobyet, 1977.

5. Vainkop Yu., Gusin I. Maikling talambuhay na diksyunaryo ng mga kompositor. - L: Musika, 1983.

6. Vasily Andreevich Tropiin (sa ilalim ng pag-edit ni M.M. Rakovskaya). -- M: Visual arts, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorshkovoz O.D., Yorkina O.A. Kasaysayan ng sining. - Mn: Panitikan, 1997.

8. Zimenko V. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: State Publishing House of Fine Arts, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. Buhay at sining. - M: 1989.

10. Panitikan sa musika ibang bansa (sa ilalim ng editorship ni B. Levik).- M: Musika, 1984.

11. Nekrasova E.A. Turner. -- M: Fine Arts, 1976.

12. Ozhegov S.I. Diksyunaryo ng wikang Ruso. - M: State publishing house ng mga dayuhan at Russian na diksyunaryo, 1953.

13. Orlova M. J. Konstable. -- M: Sining, 1946.

14. Mga artistang Ruso. A.G. Venetsianov. - M: State Publishing House of Fine Arts, 1963.

15. Sokolov A.N. Kasaysayan ng panitikan ng Russia noong ika-19 na siglo (1st half). - M: Higher School, 1976.

16. Turchin V.S. Orest Kiprensky. -- M: Kaalaman, 1982.

17. Turchin V.S. Theodore Géricault. -- M: Visual arts, 1982.

18. Filimonova S.V. Kasaysayan ng kultura ng sining sa mundo.-- Mozyr: White wind, 1997.