Einführung
1. Ursachen, Besonderheiten, Hauptperioden der Renaissance
2. Philosophie des Humanismus und der Religion. Reformation
3. Entdeckungen in Wissenschaft und Technik
4. Kunst der Renaissance
5. Theater der Renaissance
Abschluss
Liste der verwendeten Quellen

Einführung

Renaissance – eine ganze Kulturepoche im Übergangsprozess vom Mittelalter zur Neuzeit, in der ein kultureller Umbruch (ein Wendepunkt, ein Wandel) stattfand. Mit der Ausrottung der altchristlichen mythologischen Weltanschauung sind grundlegende Veränderungen verbunden. Trotz der Herkunft des Begriffs „Renaissance“ gab es streng genommen keine Wiederbelebung der Antike und konnte es auch nicht sein. Der Mensch kann nicht in seine Vergangenheit zurückkehren. Die Renaissance führte auf der Grundlage der Lehren der Antike Innovationen ein. Er hat nicht alle antiken Genres wieder zum Leben erweckt, sondern nur diejenigen, die den Ansprüchen seiner Zeit und Kultur entsprachen. Die Renaissance verband eine neue Lesart der Antike mit einer neuen Lesart des Christentums. Die Renaissance brachte diese beiden Grundprinzipien der europäischen Kultur näher zusammen.

Der Begriff „Renaissance“ (Renaissance) tauchte im 16. Jahrhundert auf. Betrachtet man das Mittelalter als einen einfachen Bruch in der Entwicklung des Kultes? Sogar Giordano Vasari, Maler und erster Historiograph der italienischen Kunst, Autor der berühmten „Leben“ der berühmtesten Maler, Bildhauer und Architekten (1550), schrieb über die „Wiederbelebung“ der italienischen Kunst.

Die Renaissance, eine Periode in der Kulturgeschichte West- und Mitteleuropas im 14.-16. Jahrhundert, deren Hauptinhalt die Bildung eines neuen, „irdischen“, im Wesentlichen säkularen Weltbildes war, das sich radikal von dem unterscheidet mittelalterliches.

Die Renaissance ist eine der hellsten Perioden in der Geschichte der Entwicklung der europäischen Kultur.

Renaissance ist eine ganze Kulturepoche, in der ein kultureller Umbruch (ein Wendepunkt, ein Wandel) stattfand. Mit der Ausrottung der altchristlichen mythologischen Weltanschauung sind grundlegende Veränderungen verbunden. Trotz der Herkunft des Begriffs „Renaissance“ gab es streng genommen keine Wiederbelebung der Antike und konnte es auch nicht geben. Der Mensch kann nicht in seine Vergangenheit zurückkehren. Die Renaissance führte auf der Grundlage der Lehren der Antike Innovationen ein. Er hat nicht alle antiken Genres wieder zum Leben erweckt, sondern nur diejenigen, die den Ansprüchen seiner Zeit und Kultur entsprachen. Die Renaissance verband eine neue Lesart der Antike mit einer neuen Lesart des Christentums.

Die Renaissance brachte diese beiden Grundprinzipien der europäischen Kultur näher zusammen.
Das Hauptziel meiner Forschung ist es, die grundlegenden Veränderungen aufzuzeigen, die im Weltbild der Menschen stattgefunden haben.

1. Ursachen, Besonderheiten, Hauptperioden der Renaissance

Unter Renaissance verstehen wir eine bestimmte ideologische Bewegung, die im 14.-16. Jahrhundert stattfand. Die Führer dieser Bewegung machten sich daran, die Antike, die alte Kultur und die alte Lebensweise wiederzubeleben. Die unmittelbare Vergangenheit (das Mittelalter) wurde von ihnen im Allgemeinen als eine Zeit der Dunkelheit und Unwissenheit wahrgenommen und bewertet. Natürlich war es nicht möglich, die Antike wiederzubeleben (in der Geschichte ist so etwas einfach unmöglich), aber das Ergebnis der Tätigkeit von Denkern und Künstlern der Renaissance war eine neue Weltanschauung, die die Antike in gewisser Weise reproduzierte, aber genau eine war neue Weltanschauung. Es konnte nicht anders, als neu zu sein, weil es neue Bedürfnisse zum Ausdruck brachte und weil hinter den Denkern der Renaissance das christliche Mittelalter stand, eine ganze Ära spiritueller Entwicklung, die nicht durchgestrichen werden konnte. Im Wesentlichen war die Weltanschauung der Renaissance eine Art Synkretismus der christlichen Weltanschauung und der antiken, heidnischen Weltanschauung. In den Schriften von Renaissance-Denkern gibt es Hinweise auf antike Philosophen neben Verweisen auf heilige Bibel und Kirchenväter.

Der Hauptwiderspruch der Renaissance ist die Kollision des riesigen Neuen mit dem immer noch starken, etablierten und vertrauten Alten.
Dennoch hat die Renaissance die Gesellschaft bei aller Vielfalt der Widersprüche, bei aller Grausamkeit und Unhöflichkeit der Moral auf eine qualitativ neue Ebene des Bewusstseins über sich selbst, ihre Aktivitäten und ihre Ziele gehoben.

Lassen Sie uns die Hauptmerkmale dieser Zeit hervorheben.

1. Der Begriff „Renaissance“ selbst bedeutet den Wunsch der Gesellschaft, ihre Vergangenheit zu verstehen und zu überdenken, ihren früheren Glanz wiederzubeleben und ihre Fehler zu beseitigen. Eine der Hauptideen der Renaissance ist die Verbindung der Zeiten, die Erneuerung von allem, wozu die Antike keine Zeit hatte.

2. Die Renaissance „offenbarte“ der Welt die Individualität eines Menschen und zeigte den Weg zu einem persönlichen Staat. Bis zu diesem Zeitpunkt wurde das Individuum als biologisches Individuum wahrgenommen, das von anderen auf der Grundlage der Tatsache getrennt war, dass die Menschheit aus Menschen besteht. Der Begriff „Individualität“ in seiner modernen Bedeutung existierte damals noch nicht, da der Begriff „Individuum“ eine menschliche biologische Einheit bezeichnet, die sich nur als Teil eines kollektiven Ganzen manifestiert. Und erst die Renaissance sah den Menschen in seiner Einzigartigkeit und Fähigkeit dazu Kreative Aktivitäten Erst die Renaissance machte seine Gefühlswelt, seine Leidenschaften und Affekte, die Originalität seiner Einstellung zur Wirklichkeit bedeutsam, und erst in der Renaissance wird der handelnde Mensch zur Hauptfigur seiner Zeit.

Die Renaissance gelangte zur Idee der Gottähnlichkeit des Menschen und leitete daraus die Idee der Unendlichkeit seiner Möglichkeiten ab, die in den Aktivitäten der Titanen der Renaissance verwirklicht wurde. Es stellt auch eines der Hauptmerkmale der Renaissance dar – den Humanismus (lateinisch „humanus“, „Mensch“, „Mensch“). Humanismus ist die Anerkennung des Wertes eines Menschen als Person, seines Rechts auf freie Entfaltung, die Bekräftigung des Wohl einer Person als Kriterium für die Beurteilung sozialer Beziehungen).

3. Der Humanismus der Renaissance lässt einen „klaren Wunsch nach Rebellion“ entstehen, diese Kulturperiode ist gekennzeichnet durch „ein Programm des Bruchs mit der alten Welt, um andere Formen der Bildung und Kommunikation, eine andere Gesellschaft usw. zu etablieren.“ Beziehungen zwischen Mensch und Natur.“ Der Wunsch nach Rebellion bricht nicht mit Religion und Kirche, sondern schafft eine säkulare Kultur fernab von religiösem Einfluss.

4. Was der gesamten Renaissance in ihren zeitlichen und räumlichen Beziehungen gemeinsam ist, sollte man auch das besondere Gefühl berücksichtigen, dass diese Ära ein „goldenes Zeitalter“ im Leben der Menschheit ist. „Unser Zeitalter ist ein wahrhaft goldenes Zeitalter. Er belebte die bereits verstorbenen freien Künste wieder – Grammatik, Poesie, Redekunst, Malerei, Bildhauerei, Architektur, Musik und die alten Melodien der Orpheus-Harfe“, schrieb einer der Humanisten dieser Zeit, Marsilio Ficino (1433-1499).

Die Renaissance ist also eine Übergangsphase in der Geschichte der Menschheit, der Kultur, des politischen und wirtschaftlichen Lebens. In seiner Geschichte werden drei Perioden unterschieden: die Frührenaissance – Trecento (XIV. Jahrhundert), die Hochrenaissance, die Zeit ihrer Blütezeit – Quattrocento (XV. Jahrhundert) und die Spätrenaissance – Cinquecento (XVI. Jahrhundert).

Während der Trecento-Zeit entstehen die ersten Manufakturen und die damit verbundenen neuen Formen der Ausbeutung, es kommt zu gewalttätigen Auseinandersetzungen zwischen der aufstrebenden Arbeiterklasse und dem jungen Bürgertum. Es blühten freie Stadtstaaten, Stadtgemeinden (wie Florenz), in denen es keine Leibeigenschaft gab, und Hauptrolle Sie wurden nicht von Aristokraten, sondern von Kaufleuten und Handwerkern gespielt. In der Kunst ist dies die Ära von Francesco Petrarca und Giovanni Boccaccio, die schufen Neue Literatur, „dessen zentrale Figur der Mensch in all seinen Erscheinungsformen mit seinem komplexen Innenleben ist.“
In der Ära des Quattrocento entbrannte ein erbitterter Krieg zwischen Anhängern des römischen Papsttums (Guelfen) und der kaiserlichen Macht (Gibeliner), in Kommunalstädten kamen Oligarchen an die Macht und unterdrückten brutal die Auftritte des „mageren Volkes“. Aber gleichzeitig blühte die Malerei auf und gab der nächsten Periode – der Hochrenaissance – einen kraftvollen Impuls. Im 15. Jahrhundert beginnt Leonardo da Vinci zu arbeiten, Raphael und Michelangelo werden seine Nachfolger. Das Interesse an humanitärem Wissen (studio gumanitatis) flammt auf, auch in Kirchen wurden an Feiertagen statt einer Predigt Dantes Gedichte und Vorträge über antike Literatur und Philosophie gelesen. Zu dieser Zeit wurde der Buchdruck von Johannes Gutenberg erfunden.

Am tragischsten war die Zeit des Cinquecento: eine beispiellose Blüte der Kunst und die schrecklichsten Umwälzungen wirtschaftlicher, sozialer und religiöser Natur.

Allen drei Etappen gingen voraus kurze Zeit Vorabend der Renaissance, Vorwiederbelebung (zweite Hälfte des 13. Jahrhunderts) – Ducento, als antifeudale Gefühle gerade Gestalt annahmen und freie Städte entstanden und Dante und Giotto in der Kunst arbeiteten.

2. Philosophie des Humanismus und der Religion. Reformation

Der Begriff „Renaissance-Humanismus“ (oder „Renaissance-Humanismus“) entstand im Jahr Wissenschaftliche Literatur des letzten Jahrhunderts auf der Grundlage der für diese Zeit selbst charakteristischen Konzepte - Humanitas (im Sinne von menschlich moralische spirituelle Kultur) und studia humanitatis – ein Begriff, der eine neue Reihe humanitärer Disziplinen bezeichnete. Dieser Komplex umfasste neben Grammatik und Rhetorik auch die für das mittelalterliche Bildungssystem traditionelle Sprache, Philologie und Poetik, Geschichte, Ethik und Pädagogik.

Die Moralphilosophie wurde in den Mittelpunkt des gesamten humanitären Wissenssystems gestellt, in dem die Linie der säkularen Ethik klar markiert war. Es entwickelte die Probleme der Menschenwürde, die nicht auf dem Adel der Herkunft oder dem Reichtum, sondern auf hohen moralischen Qualitäten und der Fähigkeit zur Selbstverbesserung beruhten, und es wurde eine neue Einschätzung der Arbeit, Kreativität und Willensaktivität des Einzelnen gegeben.

Die Leidenschaft der Renaissance spiegelte sich in der Beziehung wider neue Kultur mit Religion und Kirche. Egal wie stark die Strömung des Atheismus in dieser Zeit war, egal wie sehr sich der Renaissance-Mensch gegen die Einschränkung der Freiheit durch die Religion auflehnte, er blieb dennoch im Rahmen der christlichen Sicht der Natur, ihrer Schöpfung durch Gott.

In jedem philosophischen System, selbst in sehr radikalen Theoretikern, war es unmöglich, ohne Gott auszukommen. Daher sucht die Theorie des Universums nach Kompromissen: Gott fungierte als Schöpfer der Güter, aber die meisten Humanisten singen eine Hymne auf das Genie des Menschen, der dem Genie des Schöpfers der Himmelskörper nahezu gleichgestellt wird. Damit ist der Weg dafür frei, dass die Natur als Gott betrachtet wird und Harmonie der Beginn der Natur selbst ist.

Dennoch war die Renaissance christlich, obwohl das Christentum selbst Veränderungen durchlief und Beziehungen zu einer neuen Kultur aufnahm, die zur Reformation und einer neuen Richtung im Christentum führte – dem Protestantismus. Die Renaissance offenbarte erstmals den Gegensatz nicht nur zwischen Religion und wissenschaftlichem Wissen, sondern auch zwischen Religion und der Institution Kirche.

Reformation (lat. reformatio – Korrektur, Wiederherstellung) – eine religiöse und gesellschaftspolitische Massenbewegung in West- und Mitteleuropa des 16. – frühen 17. Jahrhunderts, die darauf abzielte, das katholische Christentum im Einklang mit der Bibel zu reformieren.

Die Hauptgründe für die Reformation waren die Überwindung der feudalen Zersplitterung und die Entstehung zentralisierter Staaten, die Wirtschaftskrise nach dem Auftauchen großer Mengen amerikanischen Goldes und der Erfindung der Fusionsmethode, der Ruin der Banken und die Unzufriedenheit verschiedener Segmente der europäischen Bevölkerung mit dem moralischen Verfall der katholischen Kirche, der mit einer wirtschaftlichen und politischen Monopolisierung einherging.

Fast alle sozialen Schichten der Gesellschaft beteiligten sich an dieser Bewegung. Neue Wirtschaftsbeziehungen erforderten eine eigene Ideologie. Da die wichtigste Ideologie viele Jahrhunderte lang die Religion war, die auch die Moral umfasste, war es auch notwendig, darin moralische Gründe für „ehrlichen Gewinn“ zu finden. Die Kirche bot solche Gründe, Spenden für den Bedarf der Kirche zu spenden. Sogar ein Dieb, der solche Spenden tätigte, galt als wohltätiger Mensch: „Sie haben die Sünde erlöst ... Menschen, die ihr Geld ehrlich verdienten, der Kirche aber nichts oder fast nichts gaben, wurden von ihr so ​​angesehen, als wären sie für Gott überhaupt unsichtbar.“ .“ Der Ablasshandel basierte auf demselben Prinzip. Wer sich eine Absolution erkaufte, könnte weiterhin gegen religiöse Normen verstoßen.

Ergebnisse der Reformation.

Die Ergebnisse der Reformbewegung lassen sich nicht eindeutig charakterisieren. Einerseits existierte die christliche Welt, die alle Völker Europas unter der geistlichen Führung des Papstes vereinte, nicht mehr, ebenso wie es keine einheitliche christliche Kultur gab. Die Einzelkirche wurde durch eine Vielzahl nationaler Kirchen ersetzt, die oft von weltlichen Herrschern abhängig waren, während zuvor der Klerus den Papst als Schiedsrichter anrufen konnte. Andererseits trugen die Nationalkirchen zum Wachstum des Nationalbewusstseins der Völker Europas bei. Gleichzeitig stieg das Kultur- und Bildungsniveau der Bewohner Nordeuropas, das zuvor sozusagen am Rande der christlichen Welt gelegen hatte, deutlich an – die Notwendigkeit, die Bibel zu studieren, führte zu einem Wachstum beider Grundschulbildung Institutionen (hauptsächlich in Form von Pfarrschulen) und höheren Schulen, was zur Gründung von Universitäten für die Ausbildung nationaler Kirchen führte. Für einige Sprachen wurde die Schrift speziell entwickelt, um die Bibel in ihnen veröffentlichen zu können.

Die Verkündigung der geistigen Gleichheit regte die Entwicklung von Vorstellungen über politische Gleichheit an. In Ländern, in denen die Mehrheit reformiert war, hatten die Laien also große Möglichkeiten bei der Leitung der Kirche und die Bürger bei der Leitung des Staates. In wirtschaftlicher Hinsicht trug die Reformation zur Umwandlung der alten feudalen Wirtschaftsverhältnisse in neue kapitalistische bei. Der Wunsch nach Sparsamkeit, nach der Entwicklung der Industrie, nach dem Verzicht auf teure Unterhaltung (sowie teure Gottesdienste) trug zur Anhäufung von Kapital bei, das in Handel und Produktion investiert wurde. Infolgedessen begannen die protestantischen Staaten, die katholischen Staaten in der wirtschaftlichen Entwicklung zu überholen. Sogar die Ethik der Protestanten selbst trug zur Entwicklung der Wirtschaft bei.

3. Entdeckungen in Wissenschaft und Technik.

Die wichtigste Voraussetzung für das Ausmaß und die revolutionären Errungenschaften der Wissenschaft der Renaissance war die humanistische Weltanschauung, in der die Tätigkeit der Weltbeherrschung als Bestandteil des irdischen Schicksals des Menschen verstanden wurde. Hinzu kommt die Wiederbelebung der antiken Wissenschaft. Eine wesentliche Rolle bei der Entwicklung spielten die Bedürfnisse der Schifffahrt, der Einsatz von Artillerie, die Schaffung von Wasserbauwerken usw. Die Verbreitung wissenschaftlicher Erkenntnisse, ihr Austausch zwischen Wissenschaftlern, wäre ohne die Erfindung des Buchdrucks unmöglich gewesen.

Die ersten Fortschritte in Mathematik und Astronomie gehen auf die Mitte des 15. Jahrhunderts zurück. und sind in vielerlei Hinsicht mit den Namen G. Peyerbach (Purbach) und I. Müller (Regiomontan) verbunden. Müller schuf neue, fortschrittlichere astronomische Tabellen (als Ersatz für die Alfons-Tabellen aus dem 13. Jahrhundert) – „Ephemeriden“ (veröffentlicht 1492), die Kolumbus, Vasco da Gama und andere Seefahrer auf ihren Reisen verwendeten. Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung von Algebra und Geometrie leistete der italienische Mathematiker der Jahrhundertwende L. Pacioli. Im 16. Jahrhundert Die Italiener N. Tartaglia und J. Cardano entdeckten neue Wege zur Lösung von Gleichungen dritten und vierten Grades.

Das wichtigste wissenschaftliche Ereignis des 16. Jahrhunderts. war die kopernikanische Revolution in der Astronomie. Der polnische Astronom Nikolaus Kopernikus lehnte in seiner Abhandlung „Über die Revolution der Himmelssphären“ (1543) das vorherrschende geozentrische ptolemäisch-aristotelische Weltbild ab und postulierte nicht nur die Rotation der Himmelskörper um die Sonne und der Erde weiterhin um diese Achse, sondern auch zum ersten Mal im Detail gezeigt (Geozentrismus als Vermutung wurde damals geboren Antikes Griechenland) wie man mit einem solchen System alle Daten astronomischer Beobachtungen viel besser als bisher erklären kann. Im 16. Jahrhundert Das neue Weltsystem fand im Allgemeinen keine Unterstützung in der wissenschaftlichen Gemeinschaft. Überzeugende Beweise für die Wahrheit der Theorie des Kopernikus lieferte nur Galilei.

Aufgrund ihrer Erfahrung äußerten einige Wissenschaftler des 16. Jahrhunderts (darunter Leonardo, B. Varki) Zweifel an den bis dahin vorherrschenden Gesetzen der aristotelischen Mechanik, boten jedoch keine eigene Lösung für die Probleme an (später würde Galilei dies tun). mach das). Die Praxis des Artillerieeinsatzes trug zur Formulierung und Lösung neuer Probleme bei Wissenschaftliche Probleme: Tartaglia befasste sich in der Abhandlung New Science mit Fragen der Ballistik. Die Theorie der Hebel und Gewichte wurde von Cardano untersucht. Leonardo da Vinci war der Begründer der Hydraulik. Seine theoretischen Forschungen befassten sich mit dem Bau von Wasserbauwerken, der Landgewinnung, dem Bau von Kanälen und der Verbesserung von Schleusen. Der englische Arzt W. Gilbert legte den Grundstein für die Erforschung elektromagnetischer Phänomene, indem er seinen Aufsatz „On the Magnet“ (1600) veröffentlichte, in dem er seine Eigenschaften beschrieb.

In der Medizin und Anatomie waren eine kritische Haltung gegenüber Autoritäten und ein Vertrauen auf Erfahrungen deutlich zu erkennen. Fleming A. Vesalius in seinem berühmten Werk „On the structure“. menschlicher Körper(1543) beschrieb den menschlichen Körper ausführlich, stützte sich dabei auf seine zahlreichen Beobachtungen bei der Anatomie von Leichen und kritisierte Galen und andere Autoritäten. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts Zusammen mit der Alchemie entsteht die Iatrochemie – die medizinische Chemie, die neue medizinische Präparate entwickelte. Einer ihrer Gründer war F. von Hohenheim (Paracelsus). Er lehnte die Errungenschaften seiner Vorgänger ab und entfernte sich theoretisch zwar nicht weit von ihnen, führte aber als Praktiker eine Reihe neuer Medikamente ein.

Im 16. Jahrhundert Mineralogie, Botanik und Zoologie wurden entwickelt (Georg Bauer Agricola, K. Gesner, Cesalpino, Rondela, Belona), die sich in der Renaissance im Stadium der Faktensammlung befanden. Eine wichtige Rolle bei der Entwicklung dieser Wissenschaften spielten die Berichte von Forschern aus neuen Ländern, die Beschreibungen von Flora und Fauna enthielten.

Im 15. Jahrhundert Kartographie und Geographie wurden aktiv weiterentwickelt, die Fehler des Ptolemäus wurden auf der Grundlage mittelalterlicher und moderner Daten korrigiert. Im Jahr 1490 schuf M. Behaim den ersten Globus. Ende des 15. – Anfang des 16. Jahrhunderts. Die Suche der Europäer nach einem Seeweg nach Indien und China, Fortschritte in Kartographie und Geographie, Astronomie und Schiffbau gipfelten in der Entdeckung der Küste Mittelamerikas durch Kolumbus, der glaubte, Indien erreicht zu haben (zum ersten Mal ein Kontinent namens Amerika erschien 1507 auf Waldseemüllers Karte. 1498 erreichte der Portugiese Vasco da Gama Indien, indem er Afrika umsegelte. Die Idee, Indien und China auf dem Westweg zu erreichen, wurde von der spanischen Magellan-Expedition El Cano (1519-1522) umgesetzt, die Südamerika umrundete und die erste Weltreise unternahm (in der Praxis war die Sphärizität der Erde bewiesen!). Im 16. Jahrhundert Die Europäer waren sich sicher, dass „die Welt heute völlig offen ist und die gesamte Menschheit bekannt ist“. Die großen Entdeckungen veränderten die Geographie und stimulierten die Entwicklung der Kartographie.

Die Wissenschaft der Renaissance hatte kaum Einfluss auf die Produktivkräfte, die sich auf dem Weg der allmählichen Verbesserung der Tradition entwickelten. Gleichzeitig dienten die Erfolge der Astronomie, Geographie und Kartographie als wichtigste Voraussetzung für die großen geographischen Entdeckungen, die zu grundlegenden Veränderungen im Welthandel, zu kolonialer Expansion und einer Preisrevolution in Europa führten. Errungenschaften der Wissenschaft des Renaissancestahls notwendige Bedingung zur Genese der klassischen Wissenschaft der Neuzeit.

4. Kunst der Renaissance

Die Kunst der Renaissance ist wie andere Kulturbereiche von der Grundidee der Zeit durchdrungen – der Idee des Humanismus.

Es genügt, an die Werke von Leonardo da Vinci (1452-1519), Raffael (1483-1520), Michelangelo (1475-1564), Tizian (ca. 1476/77 oder 1489/90-1576), Albrecht Dürer (1471 - 1528) oder poetisch die Werke von Petrarca, Boccaccio, Torquato Tasso (1544-1595) und Dante (1265-1321), die Prosa von Rabelais (1494-1553), die Dramaturgie von Shakespeare (1564-1616), wie eine große Zahl von Charakteren werden uns umgeben. Die Vielfalt der Charaktere, sozialen Typen und Temperamente, die in diesem Kunststrom gezeigt werden, ist erstaunlich. Hier gibt es praktisch keine Standards, jeder Charakter ist bedeutsam, tiefgründig und kann als Phänomen wirken, das die Epoche als Ganzes prägt. Bemerkenswert ist auch, dass die Kunst während der Renaissance bedeutende Höhen bei der Darstellung des Zustands und der Psychologie ihrer Helden erreichte. Wenn die Antike am häufigsten vom Äußeren zum Inneren ging und glaubte, dass nur in einem schönen Körper eine schöne Seele möglich sei, und das Mittelalter glaubte, dass nur die Seele wichtig sei, nicht aber der Körper, dann waren es die Künstler der Renaissance Der Schlüssel zum allgemeinen Konzept einer umfassend entwickelten Person machte beides nicht dominant.

Ein Mensch wird nun nicht nur beschrieben oder dargestellt, sondern er wird anhand der Ideale seiner Zeit bewertet. Seine Gefühle, Besonderheiten der Erfahrungen werden bedeutsam. Daher nimmt in der Kunst das Gefühl der Liebe einen großen Raum ein, der die Einzigartigkeit und Bedeutung eines Menschen am deutlichsten zeigt.

Die Poesie der Renaissance bringt hervor ein neuer Stil- Dolce Slil Nuova („süßer neuer Stil“), wo die Zunge neue Form Vers – ein Sonett – die Liebe selbst spricht.

Ein weiterer Verdienst der Renaissance-Poesie war die Schaffung einer neuen Literatursprache, die nichts mit Latein zu tun hatte.

Der Realismus als Methode zur Darstellung des Lebens wird zu einem unverzichtbaren Merkmal der Kunst der Renaissance. Immer seltener greifen die Autoren auf Allegorien zurück (obwohl sie in vielen Werken vorkommen), sie interessieren sich für die Realität in all ihrem Reichtum und ihrer Vielfalt. Neue Genres entstehen – Landschaft und Stillleben in Malerei und Grafik.

5. Renaissance-Theater

Theatralik, das Theater erscheint in der Lebensschöpfung und Kreativität der Renaissance als Prinzipien und Darstellung in allen Lebens- und Kunstformen, bevor es in voller Entfaltung die Form des Theaters in Form von Drama, Inszenierung und Bau annimmt, in dem sich Figuren und Zuschauer befinden kombiniert und verschmelzen in ihrer Vorstellungskraft mit der Handlung auf der Bühne des Seins. Dies ist der Höhepunkt der Renaissance-Klassiker.

Mysterienaufführungen in Kirchen und auf Plätzen gehen mit einem zunehmenden Interesse am antiken Theater einher, vor allem an Terenz und Plautus, die im Mittelalter allerdings nur aus Manuskripten bekannt waren. Im 15. Jahrhundert erschienen gedruckte Ausgaben der Komödien von Terentius und Plautus in lateinischer Sprache. Bei den Aufführungen lateinischer Theaterstücke an den Höfen spielen Laien aus dem Adel. Dann kommt die Zeit der Übersetzungen, vor allem der ersten gelehrten Komödien, an denen fast jeder teilnimmt. berühmte Dichter, Schriftsteller, Humanisten von Angelo Poliziano, der angeblich im Alter von siebzehn Jahren „Das Märchen vom Orpheus“ auf Italienisch komponierte, bis hin zu Machiavelli und Trissino.

Theateraufführungen werden Teil der Hoffeste in Ferrara, in Mantua, und professionelle Schauspielertruppen treten auf den Plätzen während des Karnevals in Venedig oder Florenz auf, mit der Geburtsstunde der Commedia dell'arte, die mit dem Namen des Schauspielers und Dramatikers Angelo verbunden ist Beolco (1502-1542).

Im 16. Jahrhundert wurde in Florenz nach einer Reihe mörderischer Kriege die monarchische Regierungsform der Medici etabliert, die die Sondertitel der Großherzöge der Toskana erwarben, sodass alle Arten von Theaterfesten – Turniere, Triumphe, Hochzeiten – stattfanden. werden von Theateraufführungen in einem bereits eigens dafür errichteten Saal in den Uffizien begleitet, der von Giorgio Vasari konzipiert und von Bernardo Buontalenti (1536-1608), Architekt, Organisator höfischer Feste und Aufführungsleiter, fertiggestellt wurde.

Sowohl die Feierlichkeiten als auch die Aufführung von Theaterstücken auf der Bühne des Theaters wurden von Zwischenspielen begleitet, an denen Musiker, Tänzer und Sänger teilnahmen. Aus den Zwischenspielen, in denen Musik, Tanz und Gesang mit der Festlegung einer einzigen Handlung verbunden wurden, entstand die Oper. Dies geschah im Jahr 1600 in Florenz während der Aufführungen von Jacopo Peris Eurydike im Palazzo Pitti und Caccinis Die Entführung des Kephalus in den Uffizien, nachweislich in Anwesenheit von 300 Herren und 800 Damen. Die Kulissen und Kostüme von Buontalenti, alle möglichen Lichteffekte sowie Musik und Gesang sorgten, so heißt es, beim Publikum für Begeisterung. Würde es trotzdem tun.

Forscher verfolgen im Werk Buontalentis sowie in der Entwicklung der Kunst in Italien im Allgemeinen den Übergang vom Manierismus zum Barock, der den Niedergang der Renaissance markiert. Aber wenn der Barock in Architektur, Bildhauerei und Malerei in Italien nach dem Aufkommen der Renaissance-Klassiker wirklich das Ende der Renaissance bedeutet, dann ist es in Spanien und England der Barock, der als Ästhetik der Renaissance und als Grundlage dafür fungiert der höchste Turm des Renaissance-Theaters.

Abschluss

Die Renaissance als Entwicklungsperiode der europäischen Kultur vereinte zwei starke Strömungen: antike und christliche. Fast alle Denker dieser Zeit, ausgehend von der alten Tradition, hoben sie als die wichtigsten hervor Schauspieler im Bild der menschlichen Welt. Das neue Weltbild der Renaissance war umstritten. Einerseits sahen und verherrlichten Humanisten die Größe des Menschen, seine Fähigkeit, die Welt zu erschaffen und zu verstehen. Andererseits zerstörten die Ideen von Kopernikus und insbesondere Giordano Bruno über die Pluralität der Welten die freudige und optimistische Sichtweise des Humanismus. Diese Widersprüche spiegelten sich nicht nur in der Kunst, sondern auch in religiösen Unterschieden wider. Der Humanismus ist in der Tat das Hauptpathos der Renaissance. Es sollte beachtet werden, dass es nur wenige Humanisten selbst gab und nur ihre vielfältige gigantische Tätigkeit in allen Bereichen der Kultur so bedeutsam war, dass sie einen starken kulturellen Wert darstellte.

Die Renaissance eröffnete der Menschheit den wünschenswertesten aller Bereiche ihrer Existenz – die Sphäre der Freiheit: im Bereich der Welterkenntnis, im Bereich der sozialen und wirtschaftlichen Beziehungen, im Bereich des menschlichen Selbstbewusstseins.

Die Renaissance brachte Titanen in allen Tätigkeitsbereichen hervor – so bedeutsam war das humanistische Prinzip, das die herausragenden Menschen ihrer Zeit zu Taten inspirierte, deren Schicksal die Ewigkeit war.

Liste der verwendeten Quellen

1. Alferov A.A. Kultur der Renaissance: ein Blick auf die Geschichte // Philosophie im Kulturraum: Russland und der Westen. Serie „Ost – West – Russland“. Rostow am Don, 2001.
2. Bystrova A. N. World of Culture (Grundlagen der Kulturwissenschaften). Lernprogramm. 2. Auflage, korrigiert und erweitert. - M.: Fedor Konyukhov Verlag; Nowosibirsk: YuKEA Publishing House LLC, 2002.- 712 S.
3. Bystrova A. N. Die Welt der Kultur (Grundlagen der Kulturwissenschaften). Lernprogramm. 2. Auflage, korrigiert und erweitert. - M.: Fedor Konyukhov Verlag; Nowosibirsk: YuKEA Publishing House LLC, 2002.- 712 S.
4. http://ru.wikipedia.org Wikipedia – die freie Enzyklopädie
5. Bystrova A. N. Die Welt der Kultur (Grundlagen der Kulturwissenschaften). Lernprogramm. 2. Auflage, korrigiert und erweitert. - M.: Fedor Konyukhov Verlag; Nowosibirsk: YuKEA Publishing House LLC, 2002.- 712 S.
6. http://ru.wikipedia.org Wikipedia – die freie Enzyklopädie
7. http://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/2/20/1012239.htm DAS ZEITALTER DER RENAISSANCE – Yandex. Wörterbücher
8. Bystrova A. N. World of Culture (Grundlagen der Kulturwissenschaften). Lernprogramm. 2. Auflage, korrigiert und erweitert. - M.: Fedor Konyukhov Verlag; Nowosibirsk: YuKEA Publishing House LLC, 2002.- 712 S.
9. http://www.renclassic.ru/Ru/34/611/ Theater der Renaissance/Renaissance

Essay zum Thema „Renaissance-Kultur“ aktualisiert: 13. November 2018 von: Wissenschaftliche Artikel.Ru

Die Welt der künstlerischen Kultur der Renaissance

Ziele: charakterisieren die Trends in der Entwicklung der europäischen Kunst im 16.-17. Jahrhundert; die Gemeinsamkeiten und Unterschiede in der kreativen Methode der Schöpfer der Kunst der Hochrenaissance zu bestimmen; die Fähigkeit zu bilden und zu entwickeln, mit verschiedenen historischen Quellen zu arbeiten und diese bei der Vorbereitung von Botschaften und Präsentationen zu nutzen.

Geplante Ergebnisse: Machen Sie sich mit den kulturellen Errungenschaften der Renaissance vertraut; sich eine Vorstellung von den Kunstwerken der untersuchten Epoche zu machen; den Einfluss der Ideen der Humanisten auf die Arbeit kultureller Persönlichkeiten der Renaissance bewerten; geben Sie detaillierte Merkmale historischer Persönlichkeiten an; lernen, ihre Urteile zu rechtfertigen; mit zusätzlichen Informationsquellen arbeiten, Präsentationen erstellen; interdisziplinäre Verbindungen mit dem Verlauf der Literatur und der Weltkunstkultur zu entwickeln.

Beziehung , Werte , interne Einstellungen: die Aktivitäten der Kunstschaffenden der Renaissance bewerten, Moralvorstellungen von dem sie geleitet wurden; ihre Einstellung zu den Kunstwerken der Renaissance zum Ausdruck zu bringen.

Ausrüstung: Karte „Europa im 16.-17. Jahrhundert“, Multimedia-Ausstattung, Porträts von Kulturschaffenden der Renaissance, Reproduktionen von Gemälden, ein Paket mit Testaufgaben.

Unterrichtsart: allgemeine methodische Lektion.

Während des Unterrichts

Zeit organisieren

Aktualisierung des Grundwissens

Botschaften von Studenten über das Leben und die Ansichten der Humanisten des New Age.

(Gemeinsame Diskussion von Nachrichten. Erledigung von Testaufgaben.)

Erasmus von Rotterdam gehört zu Peru und schreibt:

„Lob der Weisheit“ 3) „Lob der Narren“

„Lob der Dummheit“ 4) „Lob der Narren“

F. Rabelais 3) M. Montaigne

T. More 4) J. Morelli

Der Roman „Gargantua und Pantagruel“ schrieb:

M. Cervantes 3) T. Mehr

M. Montaigne 4) F. Rabelais

Wörtliche Übersetzung des Wortes „Utopie“:

bester Ort 3) Land der Zukunft

neuer Ort 4) ein Ort, den es nicht gibt

Das Gemälde der Sixtinischen Kapelle im Vatikan wurde in Auftrag gegeben von:

Michelangelo

Leonardo da Vinci

Raphael

Hans Holbein der Jüngere

Der Lordkanzler von England war:

Erasmus von Rotterdam 3) F. Rabelais

T. Mehr 4) M. Montaigne

Der Begriff „Utopie“ wurde eingeführt von:

T. Mehr 3) F. Campanella

F. Rabelais 4) N. Machiavelli

Thomas More lebte in:

Deutschland 3) Niederlande

Frankreich 4) England

(Überprüfung der Ausführung von Aufgaben.)

Motivations-Ziel-Stufe

XVI-XVII Jahrhunderte waren die Ära des Humanismus. Die Ideale humanistischer Wissenschaftler spiegelten sich auch in den Werken der künstlerischen Kultur der Renaissance wider. Diese Zeit wurde als Ära der Titanen bezeichnet. Welchen Beitrag leisteten die Schöpfer der Renaissance zur Weltkunstkultur? Das werden wir in unserer Lektion herausfinden. Thema der Lektion: „Die Welt der künstlerischen Kultur der Renaissance.“ Unterrichtsplan

Zeitalter der Titanen.

Nördliche Renaissance. „Männlicher Maler“.

Leonardo da Vinci aus Deutschland.

Auf dem Weg zur Unsterblichkeit Bearbeiten Sie das Thema der Lektion

„Was für ein Wunder der Natur ist der Mensch!“

Präsentation von Studenten über die Kulturfiguren der Renaissance (W. Shakespeare und M. Cervantes).

Vervollständigen Sie die Tabelle ausgehend von § 8-9 des Lehrbuchs (S. 75-77).

Macher

Ein Land

Kunstwerke

Der Inhalt der Kreativität

Wilhelm

Shakespeare

(1564-1616)

England

Romeo und Julia, Hamlet, Othello, König Lear usw.

Shakespeares Komödien verblüffen durch ihre Lebendigkeit und ihren sprühenden Witz. In seinen Tragödien gibt es viele schöne, weise und stolze Menschen. Helden lieben und leiden, machen Fehler, werden enttäuscht, kämpfen um ihr Glück und verlieren in diesem Kampf meistens.

Miguel

Cervantes

(1547-1616)

Ispa

nia

„Don Quijote“

Hinter den äußerlich lächerlichen Taten des wahnsinnigen Don Quijote stehen Weisheit, Adel und Menschlichkeit; Der letzte Ritter des Guten in einer Welt der Ungerechtigkeit hilft den Menschen, ein wenig besser zu werden

Zeitalter der Titanen

Leonardo da Vinci

Ein wahres Denkmal dafür, was Leonardo als Künstler, als Wissenschaftler, als Erfinder, als Ingenieur ist, sind seine Notizen. Diese Notizen enthalten eine Vielzahl von Skizzen, Zeichnungen, Skizzen, sie enthalten einen unerschöpflichen Vorrat an wissenschaftlichen Ideen und technischen Ideen.

Man kann ohne Übertreibung sagen, dass es keinen einzigen Zweig der Wissenschaft gibt, in dem Leonardo nicht neue Wege aufgezeigt hätte. Sein forschender Geist drang überall ein. In allen Bereichen der Wissenschaft unternahm er Versuche, das, was vor ihm getan worden war, auf eine neue Art und Weise umzuwandeln. Aber die Menschheit nutzte nur einen minimalen Teil dessen aus, was Leonardo sich ausgedacht hatte, denn alles, was er schrieb, blieb in seinen Notizen verborgen.

Sein literarisches Erbe in Form einer Vielzahl von Kodizes und Folianten ging nach seinem Tod an seinen Schüler Francesco Melzi über, der aus Leonardos Werken einen Teil dessen auswählte, was mit der Malerei zu tun hatte, und daraus das Buch erstellte, das heute unter dem Namen „Leonardo“ bekannt ist Titel „Abhandlungen über die Malerei. Nach dem Tod von Francesco lagen die kostbaren Leonardo-Blätter lange Zeit verlassen auf dem Dachboden der Villa Vaprio, wo Leonardo zwischen 1506 und 1512 so viel Zeit verbrachte. glückliche Tage. Dann wurden sie geplündert. Über Jahrhunderte gingen diese Manuskripte, ganze Codes und einzelne Blätter, um die Welt. Mittlerweile sind sie in verschiedenen europäischen Lagerstätten konzentriert. Einige davon wurden bereits veröffentlicht und alle wurden sorgfältig studiert. Aber während sie unter Verschluss waren, funktionierte das wissenschaftliche Denken weiter und die meisten Entdeckungen und Erfindungen Leonardos verherrlichten andere Wissenschaftler.

Nur ein kleiner Teil seines Erbes erwies sich als direkter Beitrag zur Wissenschaft, der in den Jahren nach seinem Tod zufällig in die Hände sachkundiger Menschen gelangte. Vesalius kannte die anatomischen Aufzeichnungen Leonardos, wenn auch nicht vollständig, so doch einige davon. Ebenso konnte sich der berühmte Mathematiker Girolamo Cardano einige mathematische Ideen Leonardos zunutze machen.

Leonardo lehnte jegliche Autorität ab. Er lehnte die damals noch im wissenschaftlichen Bereich vorherrschenden religiösen Kriterien völlig ab. Er bestand darauf, dass jede wissenschaftliche Position durch Erfahrung bestätigt werden müsse, und dies war seine wichtigste methodische These. Erfahrung war in seinen Augen der einzige entscheidende Test für die wissenschaftliche Wahrheit. Deshalb ehrt die Wissenschaft in Leonardo zu Recht nicht nur einen der größten Maler, sondern auch einen der ersten Pioniere echter wissenschaftlicher Methoden.

(Jivelegov A. "Leonardo da Vinci")

Über Michelangelo Buonarottis David

Michelangelo fertigte ein Wachsmodell an und plante, darin als Palastwappen den jungen David mit einer Schleuder in der Hand darzustellen, damit, so wie David sein Volk verteidigte und fair regierte, die Herrscher dieser Stadt [Florenz!] es wurde mutig verteidigt und gerecht regiert... Der Marmor war bereits vom Meister Simone verdorben und verstümmelt worden, und an manchen Stellen reichte es Michelangelo nicht aus, das zu tun, was er vorhatte. Auf der Oberfläche des Marmors musste er die ersten Schnitte des Meisters Simone hinterlassen, so dass noch heute einige davon sichtbar sind, und natürlich vollbrachte Michelangelo ein wahres Wunder, indem er das Verstorbene wiederbelebte.

In der Zwischenzeit geschah es, dass Pier Soderini, als er zu der Statue aufblickte, die ihm sehr gefiel, zu Michelangelo, der sie damals hier und da beschnitt, sagte, dass seiner Meinung nach ihre Nase groß sei: Michelangelo bemerkte das Der Gonfalonier stand unter dem gigantischsten, und der Standpunkt täuschte ihn, kletterte, um ihm zu gefallen, auf das Gerüst an den Schultern der Statue und kratzte mit einem Meißel, den er in der linken Hand hielt, ein wenig Marmorstaub heraus Von der Plattform des Gerüsts aus begann er, den Staub nach und nach herabregnen zu lassen, wobei er wie mit anderen Meißeln arbeitete, ohne jedoch die Nase zu berühren. Dann beugte er sich zu dem Gonfalonière, der ihn beobachtete, und sagte: „Komm, sieh ihn dir jetzt an.“ „Jetzt gefällt es mir besser“, sagte der Gonfaloniere, „du hast es zum Leben erweckt.“ Dann stieg Michelangelo von der Brücke herab, lachte ihn vor sich hin und hatte Mitleid mit den Leuten, die, um sich als Experten zu zeigen, Dinge sagen, die sie selbst nicht verstehen. Als die Statue endlich aufgestellt war, öffnete er sie, und es war wirklich eine Schöpfung, sie stellte alle bekannten Statuen in den Schatten, ob neu oder alt, ob griechisch oder römisch ... Michelangelo vollendete sie mit solchen Proportionen und Schönheit, mit so guter Qualität.

Über die Bemalung der Sixtinischen Kapelle

Als das Werk zur Hälfte fertiggestellt war, forderte der Papst [Julius II.], der mit Michelangelos Hilfe mehr als einmal die Leitern erklommen hatte, um es zu besichtigen, die Öffnung, da er von Natur aus eilig und ungeduldig war und dies nicht konnte Warten Sie, bis es fertig ist, also, wie man sagt, der letzte Pinselstrich.

Und sobald es geöffnet war, versammelte sich ganz Rom, um es anzusehen, allen voran der Papst, der es kaum erwarten konnte, dass sich der Staub nach der Entfernung des Gerüsts legte. Als Raffael von Urbinsky sie sah, änderte er sofort sein Verhalten und schrieb, um zu zeigen, wozu er fähig war, die Propheten und Sibyllen in Santa Maria della Tempo; Dann versuchte Bramante, die zweite Halbzeit zu sichern der Papst übergab die Kapellen an Raffael ... Doch der Papst, der von Tag zu Tag mehr von Michelangelos Fähigkeiten überzeugt war, wünschte, dass er sein Werk fortsetzte; Denn als er das Werk offen sah, kam er zu dem Schluss, dass die zweite Hälfte mit Michelangelo noch besser hätte herauskommen können: Und tatsächlich vollendete er das Werk in nur zwanzig Monaten, sogar ohne die Hilfe derer, die seine Farben schleiften. Trotzdem musste sich Michelangelo manchmal darüber beschweren, wie sein Vater ihn mit aufdringlichen Bitten, wann er fertig sein würde, zur Eile drängte und ihm nicht erlaubte, auf seine Weise fertig zu werden, wie er es wollte. Und auf eine der zahlreichen Anfragen antwortete er einmal, dass das Ende dann sei, wenn er selbst mit seiner Kunst zufrieden sei. [Michelangelo] musste mit erhobenem Kopf schreiben, und sein Sehvermögen war so sehr beeinträchtigt, dass er mehrere Monate lang nicht lesen konnte, was geschrieben stand, und Zeichnungen nicht mehr anschauen konnte ... Immerhin flammte das Verlangen von Tag zu Tag mehr auf Um das Geschaffene zu erschaffen, zu akkumulieren und zu verbessern, bemerkte er keine Müdigkeit und kümmerte sich nicht um Komfort.

(Vasari J. „Leben der berühmtesten Maler, Bildhauer und Architekten“)

„Sixtinische Madonna“ von Raffael

Die „Sixtinische Madonna“ wurde von Raffael als Altarbild für die Kapelle des Klosters St. Sixtus in Piacenza in Auftrag gegeben. Dies ist das berühmteste Gemälde von Raffael. Der Künstler schuf es zwischen 1515 und 1519. Es scheint, als hätte sich der Vorhang gerade geöffnet und eine himmlische Vision habe sich vor den Augen der Gläubigen geöffnet – die Jungfrau Maria, die mit dem Jesuskind im Arm leicht auf eine Wolke tritt. Im Bild herrscht Maß. Gleichgewicht und Harmonie. Es zeichnet sich durch glatte und abgerundete Linien, weiche und melodische Muster, Fülle und Saftigkeit der Farben aus. Die Madonna selbst strahlt Energie und Bewegung aus. Mit diesem Werk schuf Raffael das Erhabenste und poetisches Bild Madonnen in der Kunst der Renaissance. Sie geht zu Menschen, jung und majestätisch, und trägt etwas Beunruhigendes in ihrer Seele; Der Wind weht durch die Haare des Kindes, und seine Augen blicken mit so großer Kraft und solcher Erleuchtung auf uns, auf die Welt, als ob er sowohl sein eigenes Schicksal als auch das Schicksal der gesamten Menschheit sieht. Ihr durch den Betrachter gerichteter Blick ist voller verstörender Voraussicht auf das tragische Schicksal ihres Sohnes. Das Gesicht der Madonna ist die Verkörperung des antiken Schönheitsideals, verbunden mit der Spiritualität des christlichen Ideals. Das ist keine Realität, sondern ein Spektakel. Kein Wunder, dass der Künstler selbst auf dem Bild einen schweren Vorhang vor dem Publikum öffnete. Ein Spektakel, das die Realität in die Erhabenheit der Dinge, Weisheit und Schönheit verwandelt, ein Spektakel, das mit seiner absoluten Harmonie die Seele erhebt, uns erobert und veredelt.

Begeisterte Zeilen so unterschiedlicher Autoren und Kritiker wie V.A. Schukowski, V.G. Belinsky, N.P. Ogarev. Zwei große russische Schriftsteller, L.N. Tolstoi und F.M. Dostojewski hatte Reproduktionen der „Sixtinischen Madonna“ in ihren Büros. „Ein Bild, das ich für immer sehen wollte ...“, sagte Puschkin über sie. Dostojewski sah in der Sixtinischen Madonna das höchste Maß menschlichen Adels, die höchste Manifestation menschlichen Genies.

Macher

Ein Land

Kunstwerke

Der Inhalt der Kreativität

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Italien

„Madonna Litta“, „Gioconda“, „Letztes Abendmahl“ usw.

Leonardo war ein brillanter Maler und ein kluger Forscher. Durch Langzeitexperimente lernte er, das Volumen mit feinsten Schattierungen, dem Lichtspiel darzustellen. Er war in der Lage, die Welt zu zeigen, die für die Vorstellungskraft eines Normalsterblichen unzugänglich war

Macher

Ein Land

Kunstwerke

Der Inhalt der Kreativität

Mikel

Angelo

Buonarroti

(1475-1564)

Italien

„David“, „Moses“, „Pieta“, das Gemälde der Sixtinischen Kapelle, die Kuppel der Peterskirche in Rom IT. D.

Er betrachtete die Skulptur als „die erste Kunst“, die den Menschen und seine Schönheit am besten verherrlichte. „David“ sollte die Behörden an die gerechte Verwaltung und mutige Verteidigung der Stadt erinnern. Das Gemälde auf der Kuppel der Sixtinischen Kapelle stellt mehrere Szenen aus dem Buch Genesis dar

Raphael

Santi

(1483-1520)

Italien

„Madonna Co-“

instabil",

„Sixtinisch

Madonna,

"Athener

Schule“ usw.

Die Welt in den Gemälden von Raffael sieht perfekt und schön, harmonisch und ruhig aus.

Nördliche Renaissance. „Männlicher Maler“

Präsentation von Studierenden über die Kulturschaffenden der Renaissance (Peter Brueghel der Ältere).

Macher

Ein Land

Kunstwerke

Der Inhalt der Kreativität

Pieter Brueghel der Ältere (Bauer) (zwischen 1525 und 1530-1569)

Nieder

landet

„Bauerntanz“, eine Reihe von „Jahreszeiten“ („Ernte“, „Rückkehr der Jäger“)

Wegen seiner Vorliebe für die Darstellung von Volks- und Volksszenen erhielt er den Spitznamen Muzhitsky. In den unbeholfenen Bewegungen und unbeholfenen Figuren der Figuren von Brueghel dem Älteren, ihren rustikalen Gesichtern lässt sich die Stärke und Kraft der Menschen erahnen

4. Leonardo da Vinci aus Deutschland

Präsentation von Studierenden über die Kulturschaffenden der Renaissance (Albrecht Dürer).

- Arbeiten mit§ 8-9 des Lehrbuchs (S. 83-85), füllen Sie die Tabelle aus.

Macher

Ein Land

Kunstwerke

Der Inhalt der Kreativität

Albrecht

Dürer

(1471-1528)

Germa

nia

Selbstporträt, Apokalypse-Serie

Bestätigt ein humanistisches Verständnis des Individuums, Selbstwertgefühl, der Wunsch, in Künstlern keine Handwerker, sondern Denker zu sehen

Vervollständigen Sie anhand von § 8-9 des Lehrbuchs (S. 81-83) die Tabelle „Auf dem Weg zur Unsterblichkeit“.

Ungefährer Inhalt der Antwort

Wie in der Malerei und Bildhauerei begannen auch in der Musik Werke, menschliche Gefühle anzusprechen. Weltliche Werke werden weithin entwickelt und verbreitet. Die Regeln des guten Benehmens schrieben jungen Menschen aus wohlhabenden Familien vor, Musikinstrumente spielen zu können.

Maler der Wahrheit

Präsentation von Studierenden über die Kulturschaffenden der Renaissance (Hans Holbein der Jüngere, Rembrandt, Velazquez).

Vervollständigen Sie die Tabelle ausgehend von § 8-9 des Lehrbuchs (S. 87-90).

Macher

Ein Land

Kunstwerke

Der Inhalt der Kreativität

Hans

Holbein

Jr

(1497-1543)

Germa

nia

Porträts von HeinrichVIII, Erasmus von Rotterdam, Illustrationen zu „In Praise of Stupidity“

Hinter der Undurchdringlichkeit und Ausgewogenheit der Menschenbilder treten die Individualität, Komplexität und Widersprüchlichkeit der menschlichen Natur deutlich hervor.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669)

Nieder

landet

"Zurückkehren verlorene Sohn“, „Porträt eines alten Mannes in Rot“ usw.

Rembrandt versuchte, auf der Leinwand den Geisteszustand eines Menschen, gekonnt wahrgenommene Gesichtszüge, charakteristische Gesten und Posen zu vermitteln.

Diego

Velasquez

(1599-1660)

Ispa

nia

Porträts

Spanisch

Adel,

"Frühstück",

„Spinner“

Der Künstler gibt die Details der Kleidung, die Haltungen des Hofadels und den Charakter seiner Figuren präzise wieder. Gemälde, die dem einfachen Volk gewidmet sind, spiegeln den Adel der Arbeiter wider

Konsolidierung des untersuchten Materials

Lassen Sie uns überprüfen, wie gut Sie das neue Material gelernt haben.

Nennen Sie die literarischen Werke der Frühen Neuzeit.(„Romeo und Julia“, „Hamlet“, „Othello“, „König Lear“, „Don Quijote“. » usw.)

Warum wird die Renaissance das Zeitalter der Titanen genannt? ( Die Natur hat viele Künstler dieser Zeit großzügig mit universellen Talenten ausgestattet.)

Wofür war Lorenzo der Prächtige bekannt? (Lorenzo der Prächtige komponierte fröhliche Tanzmelodien für Volksfeste. Warum erhielt Pieter Brueghel der Ältere den Spitznamen „Bauernmaler“? (Aus Liebe zur Darstellung von Bürgern und Volksszenen.)

Zusammenfassung der Lektion

Die Renaissance leistete einen großen Beitrag zur künstlerischen Weltkultur. Die Werke der großen Meister der Literatur, Malerei, Bildhauerei und Musik sind zum Vorbild und zur Quelle der Kreativität künftiger Generationen geworden. Sie bilden die Schatzkammer der Menschheit.

Die Geschichte der Renaissance beginnt im Jahr 1930. Diese Periode wird jedoch Renaissance genannt. Die Renaissance verwandelte sich in Kultur und wurde zum Vorläufer der Kultur des New Age. Und die Renaissance endete im 16.-17. Jahrhundert, da jeder Staat sein eigenes Anfangs- und Enddatum hat.

Einige allgemeine Informationen

Vertreter der Renaissance sind Francesco Petrarca und Giovanni Boccaccio. Sie waren die ersten Dichter, die begannen, erhabene Bilder und Gedanken in einer offenen, gemeinsamen Sprache auszudrücken. Diese Innovation wurde mit großem Erfolg aufgenommen und in anderen Ländern verbreitet.

Renaissance und Kunst

Charakteristisch für die Renaissance ist, dass der menschliche Körper für die Künstler dieser Zeit zur Hauptinspirationsquelle und Forschungsgegenstand wurde. Dabei wurde Wert auf die Ähnlichkeit von Skulptur und Malerei mit der Realität gelegt. Zu den Hauptmerkmalen der Kunst der Renaissance zählen Strahlkraft, raffinierte Pinselführung, das Spiel von Schatten und Licht, Gründlichkeit im Arbeitsprozess und komplexe Kompositionen. Für Renaissance-Künstler waren Bilder aus der Bibel und Mythen die wichtigsten.

In Ähnlichkeit echte Person mit seinem Bild auf dieser oder jener Leinwand war so nah, dass die fiktive Figur lebendig schien. Von der Kunst des 20. Jahrhunderts kann man das nicht sagen.

Die Renaissance (ihre Haupttrends werden oben kurz skizziert) betrachtete den menschlichen Körper als einen endlosen Anfang. Wissenschaftler und Künstler verbesserten regelmäßig ihre Fähigkeiten und Kenntnisse durch die Untersuchung der Körper von Einzelpersonen. Damals herrschte die Meinung vor, dass der Mensch nach dem Ebenbild Gottes geschaffen sei. Diese Aussage spiegelte körperliche Perfektion wider. Die wichtigsten und wichtigsten Objekte der Renaissancekunst waren die Götter.

Natur und Schönheit des menschlichen Körpers

Die Kunst der Renaissance schenkte der Natur große Aufmerksamkeit. Ein charakteristisches Element der Landschaften war eine vielfältige und üppige Vegetation. Der blaublaue Himmel, der von den Sonnenstrahlen durchdrungen wurde, die die weißen Wolken durchdrangen, bildete eine herrliche Kulisse für die schwebenden Kreaturen. Die Kunst der Renaissance verehrte die Schönheit des menschlichen Körpers. Dieses Merkmal manifestierte sich in den verfeinerten Elementen der Muskeln und des Körpers. Schwierige Posen, Mimik und Gestik, eine gut abgestimmte und klare Farbpalette sind charakteristisch für das Werk von Bildhauern und Bildhauern der Renaissance. Dazu gehören Tizian, Leonardo da Vinci, Rembrandt und andere.

Rubrik der Spiritualität. 9.3 Wiederbelebung chronologisch in 4 Phasen unterteilt: 1) Proto-Renaissance(Vorwiederbelebung) - 13. Jahrhundert. (200. Jahr - Ducento) und XIV. Jahrhundert. (300. Jahr - Trecento); 2) Frühe Wiederbelebung - 15. Jahrhundert (Quattrocento); 3) hohe Wiederbelebung - 80er Jahre 15. Jahrhundert - 30er Jahre 16. Jahrhundert (cinquicento); 4) Späte Wiederbelebung bis zum Ende des 16. Jahrhunderts

Am Ende des XIV. - Anfang des XV. Jahrhunderts. in Europa nämlich Italien, Es begann sich eine frühbürgerliche Kultur herauszubilden, die als Kultur der Renaissance (Renaissance) bezeichnet wurde. Der Begriff „Renaissance“ deutete auf die Verbindung der neuen Kultur mit der Antike hin. Die Renaissance war im Vergleich zur Zeit des Mittelalters durch viele sehr bedeutende Veränderungen in der Mentalität der Menschen gekennzeichnet. Mit der Zerstörung der alten feudal-religiösen Vorstellungen und der Schaffung eines neuen Wertesystems, das dem Entstehen entsprach bürgerliche Ära, Anthropozentrismus war auch damit verbunden. Der Mensch wird zum Zentrum des Universums erklärt, als Teil der Natur und ihrer vollkommensten Schöpfung verstanden. Der Mensch als Maß aller Dinge, als heroische, unabhängige, umfassend entwickelte Persönlichkeit, als schöpferische Kraft im Kampf gegen die Natur und die Unterdrückung durch kirchlich-feudalen Zwang. Dieses Leitmotiv spiegelt sich lebhaft in allen Kunstsparten wider.

Am Ursprung der Renaissance („Frührenaissance“) in Italien stand der große Dante Alighieri, der Autor der Komödie, die die Nachkommen als Ausdruck ihrer Bewunderung die „Göttliche Komödie“ nannten. Weltweite Berühmtheit erlangten die Sonette der Francesca Petrarca (1304–1374) über Leben und Sterben der Madonna Laura. Ein Anhänger Petrarcas ist Giovanni Boccaccio (1313-1375), der Autor des Dekamerons, einer Sammlung realistischer Kurzgeschichten, die durch ein gemeinsames humanistisches Ideal vereint sind und ein einziges Ganzes darstellen. Die berühmten Dichter der Renaissance schufen die italienische Literatursprache. Zu ihren Lebzeiten erlangten ihre Werke nicht nur in Italien, sondern weit über die Grenzen hinaus große Bekanntheit und gelangten in die Schatzkammer der Weltliteratur.

Die Renaissance ist geprägt vom Schönheitskult, insbesondere der Schönheit des Menschen. Italienische Malerei, das für eine Weile zur führenden Kunstform wird, zeigt schöne, perfekte Menschen. Die Malerei der Frührenaissance wird durch die Werke von Botticelli (1445-1510), Giotto (1266-1337) und Masaccio (1401-1428) repräsentiert. Einer der berühmtesten Bildhauer dieser Zeit war Donatello (1386-1466), der Autor einer Reihe realistischer Werke des Porträttyps, der erstmals nach der Antike wieder einen nackten Körper in der Skulptur präsentierte. Der größte Architekt der Frührenaissance ist Brunelleschi (1377-1446). Er versuchte, Elemente des antiken Roms und des antiken Roms zu kombinieren Gothic-Stile, bauten Tempel, Paläste, Kapellen.

Zum Wechseln Frührenaissance kam Hochrenaissance- die Zeit der höchsten Blüte der humanistischen Kultur Italiens. Damals wurden die Vorstellungen über die Ehre und Würde des Menschen, seine hohe Bestimmung auf Erden, mit größter Fülle und Kraft zum Ausdruck gebracht. Die Titanen der Hochrenaissance waren Leonardo da Vinci (1456–1519), Rafael Santi (1483–1520) und Michelangelo Buonarotti (1475–1564).

Die humanistische Bewegung gilt als gesamteuropäisches Phänomen. Im 15. Jahrhundert. Der Humanismus geht über die Grenzen Italiens hinaus und verbreitet sich rasch in allen westeuropäischen Ländern. Jedes Land hatte seine eigenen Merkmale bei der Bildung der Renaissance-Kultur, seinen nationalen Errungenschaften und seinen Führern.

In Deutschland Die Ideen des Humanismus wurden Mitte des 15. Jahrhunderts bekannt und übten einen starken Einfluss auf Universitätskreise und die fortschrittliche Intelligenz aus. Ein herausragender Vertreter der deutschen humanistischen Literatur war Johann Reuchlin (1455-1522), der das Göttliche im Menschen selbst zeigen wollte. Er ist der Autor des berühmten satirischen Werks „Briefe dunkler Menschen“, in dem eine Reihe unwissender, dunkler Menschen dargestellt wird – Meister und Junggesellen, die übrigens einen akademischen Abschluss haben. Während der Reformationszeit ragte der begabte Dichter Hans Sachs (1494-1576) hervor, der viele erbauliche Fabeln, Lieder, Schwanken usw. schrieb.

blühte Kunst. In dieser Gegend wirkte der berühmte Maler und Kupferstecher Albrecht Dürer (1471-1528), der Begründer und größte Vertreter der deutschen Renaissance. nördliches Leonardo da Vinci“, Künstler Hans Holbein der Jüngere (1497–1543), Lucas Cranach der Ältere (1472–1553).

Der größte Vertreter der Renaissance-Kultur in Niederlande war Erasmus von Rotterdam (1496-1536). Der Wert der Werke dieses großen Humanisten und Aufklärers, einschließlich seines berühmten „Lobs der Dummheit“, für die Erziehung zum freien Denken, einer kritischen Haltung gegenüber der Scholastik und dem Aberglauben ist wirklich von unschätzbarem Wert. Seine satirischen Werke waren in Deutschland, Frankreich, Spanien und England weithin bekannt. Exzellent in der Form, tiefgründig im Inhalt, finden sie seit mehr als einem Jahrhundert ihre Leser.

In England Die Universität Oxford galt als Zentrum humanistischer Ideen, wo führende Wissenschaftler der damaligen Zeit – Grosin, Linacre, Colet – Vorlesungen hielten. Die Entwicklung humanistischer Ansichten im Bereich der Sozialphilosophie ist mit dem Namen Thomas More (1478-1535) verbunden, dem Autor von Utopia, der dem Leser seiner Meinung nach die ideale menschliche Gesellschaft präsentierte. Die größte Figur der englischen Renaissance ist William Shakespeare (1564-1616), der Schöpfer der weltberühmten Tragödien Hamlet, König Lear, Othello, historischer Stücke Heinrich IV., Richard III. und Sonette.

Renaissance in Spanien war umstrittener als in anderen europäischen Ländern: Viele Humanisten stellten sich hier nicht gegen den Katholizismus und die katholische Kirche. Sowohl Ritterromane als auch Schelmenromane waren weit verbreitet. Fernando de Rojas, der Autor der bekannten Tragikomödie Celestina (geschrieben um 1492-1497), trat erstmals in diesem Genre auf. Diese Linie wurde von dem großen spanischen Schriftsteller Miguel de Cervantes (1547-1616), dem Autor des unsterblichen „Don Quijote“, dem Satiriker Francisco de Quevedo (1580 – 1645), der den berühmten Roman „Das Leben“ schuf, fortgeführt und weiterentwickelt Geschichte eines Schurken“. Der Begründer des spanischen Nationaldramas ist der große Lope de Vega (1562-1635), der Autor von mehr als 1800 Werken literarische Werke, darunter „Dog in the Manger“, „Dance Teacher“. Die spanische Malerei erzielte bedeutende Erfolge. Einen besonderen Platz nehmen darin El Greco (1541-1614) und Diego Velasquez (1599-1660) ein, deren Werk einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Malerei in europäischen Ländern hatte.

In Frankreich Die humanistische Bewegung begann sich erst zu Beginn des 16. Jahrhunderts auszubreiten. Ein herausragender Vertreter des französischen Humanismus ist Francois Rabelais (1494-1553), Autor des satirischen Romans Gargantua und Pantagruel. Im Zentrum poetischer Themen stehen romantische Gefühle, die Verherrlichung der Liebe. Bezeichnend hierfür sind die Sonette von Pierre Ronsard (1524-1580), der den Spitznamen „Fürst der Dichter“ trägt und einen sehr starken Einfluss auf die Entwicklung der Poesie im Allgemeinen hatte. Der größte Vertreter der Kultur Frankreichs des 16. Jahrhunderts. war Michel de Montaigne (1533-1592). Sein Hauptwerk – „Experimente“ – war eine Reflexion über philosophische, historische und ethische Themen.

So bescherte die Renaissance der Weltkultur eine riesige Galaxie talentierter Wissenschaftler, Literatur- und Kunstschaffender. Unter ihnen: Philosophen und Wissenschaftler – Nikolaus von Kues, Picodella Miran-dola, Bruno, Galileo, Machiavelli, Campanella, Montaigne, Müntzer, Kepler, Paracelsus, Kopernikus; Schriftsteller und Dichter - Dante, F. Petrarca, J. Boccaccio, E. Rotterdam, Rabelais, Cervantes, Shakespeare; herausragende Architekten, Bildhauer, Maler - N. Pisano, Donatello, A. Rosselino, S. Botticelli, Leonardo da Vinci, Raffael, Giorgione, Tizian, Michelangelo, X. Bosch, A. Dürer und andere.

Allerdings gibt es in der Kultur der Renaissance neben fortschrittlichen Elementen des Humanismus und Realismus auch mittelalterliche Überreste. Es genügt, an die große Rolle zu erinnern, die Theologie und Scholastik in der gesamten Renaissance spielten. Um in das Wesen der Kultur und Kunst dieser Zeit einzudringen, muss man sich die Widersprüche und Kontraste, aus denen sie gewoben ist, klar vorstellen, die Widersprüche von Freiheit und Sklaverei, Rationalismus und Magie, Sinnlichkeit und Askese.

Fragen zur Selbstprüfung:

Was sind die Hauptmerkmale der Kultur der Renaissance? Beschreiben Sie die Kunst der nördlichen Renaissance. Warum wird D. Alighieri „der letzte Dichter des Mittelalters und der erste Dichter der Neuzeit“ genannt? Was ist Anthropozentrismus? Warum basiert der Renaissance-Humanismus darauf?

Bedingungen:

Anthropozentrismus- eine Art Weltanschauung, nach der der Mensch das Zentrum des Universums und das ultimative Ziel des gesamten Universums ist.

Askese - Einschränkung oder Unterdrückung sinnlicher, körperlicher Wünsche, um geistige Konzentration, Befreiung von materiellen Bedürfnissen und Erlangung übernatürlicher Fähigkeiten zu erreichen.

Humanismus - eine Reihe von Ideen und Ansichten, die den Wert einer Person unabhängig von ihrem Wert bestätigen soziale Position und das Recht des Einzelnen auf freie Entfaltung seiner schöpferischen Kräfte.

Madonna- der Name der Muttergottes unter Katholiken und ihr bildliches oder skulpturales Bild.

Werte- gemeinsam und individuell entwickelte Definitionen der Objekte der Welt, die darauf abzielen, ihre kulturelle Bedeutung für Mensch und Gesellschaft zu ermitteln.

Einführung

Die Renaissance ist eine der hellsten Perioden in der Geschichte der Entwicklung der europäischen Kultur.

Renaissance – eine ganze Kulturepoche im Übergangsprozess vom Mittelalter zur Neuzeit, in der ein kultureller Umbruch (ein Wendepunkt, ein Wandel) stattfand. Mit der Ausrottung der altchristlichen mythologischen Weltanschauung sind grundlegende Veränderungen verbunden. Trotz der Herkunft des Begriffs „Renaissance“ gab es streng genommen keine Wiederbelebung der Antike und konnte es auch nicht geben. Der Mensch kann nicht in seine Vergangenheit zurückkehren. Die Renaissance führte auf der Grundlage der Lehren der Antike Innovationen ein. Er hat nicht alle antiken Genres wieder zum Leben erweckt, sondern nur diejenigen, die den Ansprüchen seiner Zeit und Kultur entsprachen. Die Renaissance verband eine neue Lesart der Antike mit einer neuen Lesart des Christentums. Die Renaissance brachte diese beiden Grundprinzipien der europäischen Kultur näher zusammen.

Ursprünge der Renaissance

Der Begriff „Renaissance“ ist vielfältig. Diejenigen, die darüber stritten, kamen nicht zu einer gemeinsamen Meinung. Einige halten es für „Heidentum“, „Antichristentum“, während andere im Gegenteil darin christlich-katholische Elemente sehen und nach seinen Wurzeln in der christlichen Kultur suchen. Die Einstellung zu diesem Problem offenbart die Weltanschauung der Forscher selbst. Die antichristliche Bedeutung der Kultur der Renaissance wird von jenen verliehen, die das Christentum mit Askese und Weltverleugnung gleichsetzen.

Unter den Definitionen des Kulturphänomens der Renaissance gibt es keine allgemein anerkannte. Kunstkritiker, Historiker, Denker und Schriftsteller bieten ihre Erklärungen für dieses Phänomen an und achten dabei auf verschiedene Merkmale. Wenn wir viele der häufigsten Merkmale zusammenfassen, können wir die kulturelle Bedeutung der Renaissance wie folgt verstehen:

Das Aufblühen der Kultur;

Revolution in der Kultur;

Übergangskulturelle Bühne;

Restaurierung der Antike.
Jedes dieser Zeichen kann sich unabhängig von der Renaissance manifestieren, aber nur ihre Komplexität bildet eine qualitativ neue Kulturstufe. Europäische Renaissance – eine Zeit kraftvoller kultureller Blüte und Wiederherstellung vieler kultureller Traditionen der griechisch-römischen Antike; entscheidende kulturelle Umstrukturierung und Übergang in eine neue Zeit der Geschichte Europäische Zivilisation.

Die Blütezeit ist geprägt von der gesteigerten Energie der kulturellen Aktivität, der Schaffung und Umsetzung neuer Anreize für kulturelle Kreativität. In diesem Sinne lässt sich die Renaissance in der Weltkulturgeschichte mit dem „griechischen Wunder“ des 8.-5. Jahrhunderts vergleichen. Chr. Der Vergleich basiert auf:

Die besondere Intensität des kulturellen Lebens, die Existenz vieler seiner Zentren;

Vielfalt an Erscheinungsformen von Kreativität, gestalterischer Freiheit;

Kombination aus Vitalität und Ästhetik;

Überschüssige spirituelle Energie;

Eine erstaunliche Konzentration auf einen kleinen Raum-Zeit-Intervall großartiger, universell begabter Menschen, die neue Wege der Kreativität gewählt haben. Die Namen von Petrarca, Boccaccio, Brunelleschi, Botticelli, Leonardo da Vinci und Michelangelo können als Symbole der Renaissancekultur bezeichnet werden.

GRUNDLAGEN DER WIEDERBELEBUNG
KULTUREN

In der Renaissance geht es vor allem um die Förderung und Etablierung der menschlichen Persönlichkeit in Kultur und Gesellschaft, was zu verschiedenen Formen des revivalistischen Anthropozentrismus führt.

Darin werden die Grundlagen des Neuen Europas gelegt
Gefühle einer Persönlichkeit - einer autonomen individualistischen Persönlichkeit, sich ihres eigenen Wertes bewusst, aktiv und freiheitsbedürftig. Von diesem Moment an wird erstmals die menschliche Persönlichkeit und nicht die Welt, nicht das Ganze zum Ausgangspunkt für die Bildung eines Systems der Weltwahrnehmung. Dieser grandiose Wendepunkt in der Kultur geschieht gerade in der Renaissance – in Italien bildet sich in der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts eine neue Weltanschauung heraus. Es gibt eine Behauptung der menschlichen Persönlichkeit in der Kultur. Zum ersten Mal kam es zu einer Isolation dieser Persönlichkeit, zu ihrer Trennung von der Welt.

Infolgedessen kam es zu einem Zerfall der ganzen Welt in einzelne, individualisierte Dinge, die begannen, sich in sich selbst zu verschließen. In der Renaissance war dieser Prozess jedoch noch nicht abgeschlossen, da er sich hauptsächlich auf den Menschen beschränkte und sich noch weniger auf andere Dinge in der Welt ausbreitete.

Das Ergebnis war die Bewegung des Menschen in das Zentrum der materiellen Welt, die allmählich anwuchs und die himmlische Welt überschattete, wodurch die materielle Welt in den Vordergrund gerückt wurde und der Mensch selbst zu einer aktiven schöpferischen Kraft darin wurde. Anthropozentrismus in der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts. nicht nur eine Person, sondern eine Person als aktives, aktives Prinzip in den Vordergrund gerückt.

In diesem Zusammenhang wurde das Problem der Würde des Menschen scharf gestellt, die in ihrem Rahmen gerade auf der materiellen Ebene ganz kompromisslos bekräftigt wird. Einer der wichtigsten Wiederbelebungswerte war das Konzept des „Ruhms“ als Ziel, auf das sich ein Mensch zubewegen sollte.

Als Ergebnis all dieser Behauptung begann sich nach und nach ein kreatives, aktives materielles Prinzip herauszubilden neues Bild des Menschen, seines neuen Typs - "homofaber" - "Menschenschöpfer", "Menschenschöpfer", "Menschenproduzent", dessen Essenz letztendlich in einer weitläufigen aphoristischen Formel mündete: "Der Mensch ist der Schmied seines eigenen Glücks ".

Die Menschheit hat ihre eigene Biographie: Kindheit, Jugend und Reife. Die Ära, die Renaissance genannt wird, lässt sich am ehesten mit der Zeit der beginnenden Reife mit ihrer inhärenten Romantik, der Suche nach Individualität und dem Kampf gegen die Vorurteile der Vergangenheit vergleichen. Ohne die Renaissance gäbe es keine moderne Zivilisation. Die Kunst der Renaissance entstand auf der Grundlage des Humanismus (von lat. -
„Mensch“) – ein Trend des gesellschaftlichen Denkens, der im 14. Jahrhundert in Italien und dann in der zweiten Hälfte des 15.-16. Jahrhunderts entstand. Ausbreitung auf andere europäische Länder. Alle
Die wichtigsten Kunstgattungen – Malerei, Grafik, Bildhauerei, Architektur – haben sich enorm verändert.

In der Architektur wurden gestalterisch überarbeitete Prinzipien des antiken Ordnungssystems etabliert und neue Typen öffentlicher Gebäude entstanden. Die Malerei wurde durch eine lineare und Luftperspektive sowie Kenntnisse über die Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers bereichert. Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Erhöhtes Interesse an antike Mythologie, Geschichten. Alltagsszenen, Landschaft, Porträt. Zusammen mit den monumentalen Wandgemälden, die architektonische Strukturen schmücken, entstand ein Gemälde, ein Ölgemälde entstand.

Die Kunst hat sich noch nicht völlig vom Handwerk gelöst, aber die schöpferische Individualität des Künstlers, dessen Tätigkeit damals äußerst vielfältig war, hat bereits den ersten Platz eingenommen. Das universelle Talent der Meister der Renaissance ist erstaunlich – sie arbeiteten oft in den Bereichen Architektur, Bildhauerei, Malerei und vereinten ihre Leidenschaft für Literatur.

Poesie und Philosophie mit dem Studium der exakten Wissenschaften
Das Konzept einer schöpferisch reichen Persönlichkeit oder „Renaissance-Persönlichkeit“ wurde später zum geflügelten Wort.

In der Kunst der Renaissance waren die Wege der wissenschaftlichen und künstlerischen Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Seine kognitive Bedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in seinem Streben nach Natürlichkeit verfiel es nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.

Die Entstehung der Renaissancekultur in Italien fand in wirtschaftlich unabhängigen Städten statt. Beim Aufstieg und der Blütezeit der Kunst der Renaissance spielten die Kirche und die prächtigen Höfe ungekrönter Herrscher (herrschende reiche Familien) – die größten Förderer und Kunden von Werken der Malerei, Bildhauerei und Architektur – eine wichtige Rolle.
Die Hauptzentren der Renaissancekultur waren zunächst die Städte Florenz, Siena, Pisa und dann Padua. Ferrara, Genua. Mailand und später, in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, war das reiche Kaufmanns-Venedig. Rom wurde im 16. Jahrhundert zur Hauptstadt der italienischen Renaissance. Seitdem gibt es lokale Kunstzentren. außer Venedig, haben ihre frühere Bedeutung verloren.

PROTORENESSANZ

In der italienischen Kultur des XIII-XIV Jahrhunderts. Vor dem Hintergrund immer noch starker byzantinischer und gotischer Traditionen zeichneten sich Merkmale einer neuen Kunst ab – der zukünftigen Kunst der Renaissance. Daher wurde diese Periode ihrer Geschichte Proto-Renaissance genannt (das heißt, sie bereitete den Beginn der Renaissance vor: von griechisch„protos“ – „zuerst“).

In keinem europäischen Land gab es eine vergleichbare Übergangszeit
Länder. In Italien selbst gab es nur Kunst der Proto-Renaissance
in der Toskana und Rom.

In der italienischen Kultur waren die Merkmale des Alten und des Neuen miteinander verflochten. „Der letzte Dichter des Mittelalters“ und der erste Dichter der neuen Ära, Dante Alighieri, schuf die italienische Literatursprache. Was Dante begann, wurde von anderen großen Florentinern des 14. Jahrhunderts fortgeführt – Francesco Petrarca (1304–1374), der Begründer der europäischen Lyrik, und Giovanni Boccaccio (1313–1375), der Begründer des Genres Roman (Kurzgeschichte) in der Welt Literatur. Der Stolz der Ära sind
Architekten und Bildhauer Niccolo und Giovanni Pisano, Arnolfodi Kam-
Biografie und Maler Giotto di Bondone.

DIE ARCHITEKTUR

Die italienische Architektur orientiert sich seit langem an mittelalterlichen Traditionen.
was sich vor allem in der Verwendung vieler gotischer Motive äußerte.
Gleichzeitig ähnelte die italienische Gotik selbst nicht der Nordgotik: Sie tendierte zu ruhigen, großen Formen, sogar leicht und horizontal
Artikulationen der Architektur, große Wandflächen. Die Kirche Santa Croce, eine der größten in Florenz, wurde Ende des 13. Jahrhunderts von Arnolfo di Cambio begonnen. (Die Fassade wurde im 19. Jahrhundert erstellt). Der Tempel zeichnet sich durch große Spannweiten und einen einzigen hellen Innenraum aus. Anstelle komplexer gotischer Gewölbe wird eine Holzdecke verwendet. Im Jahr 1296
Florenz begann mit dem Bau der Kathedrale Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio wollte den Altar der Kathedrale mit einer riesigen Kuppel krönen. Nach dem Tod des Architekten im Jahr 1310 verzögerte sich der Bau jedoch und wurde erst in der Zeit der Frührenaissance fertiggestellt. Im Jahr 1334 wurde nach dem Projekt von Giotto mit dem Bau des Glockenturms der Kathedrale, des sogenannten Campanile, begonnen – eines schlanken rechteckigen Turms mit horizontalen Etagenteilungen und schönen gotischen Fenstern in Spitzbogenform
die in der italienischen Architektur seit langem erhalten geblieben sind.

Zu den berühmtesten Stadtpalästen gehört der Palazzo della Signoria in Florenz. Es wird angenommen, dass es von Arnolfo di Cambio erbaut wurde. Dies ist ein schwerer Würfel mit einem hohen Turm, der mit grobem Stein ausgekleidet ist. An der Fassade befinden sich unterschiedlich große Fenster, seitlich befindet sich ein unauffälliger Eingang. Das Gebäude prägt das Erscheinungsbild der Altstadt und dringt mit seiner schroffen Masse in den Platz ein. Der mächtige Palast diente als Symbol der Unabhängigkeit von Florenz.

SKULPTUR

Früher als in der Architektur und Malerei wurden neue künstlerische Ansätze in der Bildhauerei und vor allem in der Pisaner Schule skizziert, deren Gründer Niccolo Pisano (um 1220 – zwischen 1278 und 1284) war. Seine Arbeit entwickelte sich unter dem Einfluss antiker Traditionen, er studierte zweifellos die skulpturale Dekoration spätrömischer und frühchristlicher Sarkophage. Die von ihm für das Baptisterium in Pisa angefertigte sechseckige Marmorkanzel (1260) wurde zu einer herausragenden Errungenschaft der Renaissance-Bildhauerei und beeinflusste deren weitere Gestaltung. Die Kanzel aus weißem, rosarotem und dunkelgrünem Marmor ist ein ganzes architektonisches Bauwerk, das von allen Seiten gut sichtbar ist.

Niccolo Pisano verwendete hier traditionelle Handlungen und Motive, aber die Kanzel gehört bereits dazu neue Ära. Die Hauptleistung des Bildhauers besteht darin, dass er gelang es um den Formen Volumen zu verleihen und
Ausdruckskraft, und jedes Bild hat körperliche Kraft. Pisanos Bilder sind statisch, majestätisch und teilnahmslos. Die Gottesmutter ähnelt der römischen Göttin Juno, eine Allegorie der Stärke in Form eines nackten Sportlers – alter Held Herkules.

Ein besonderer Platz in der Geschichte der italienischen Bildhauerei des späten 13. und frühen 14. Jahrhunderts. gehört Giovanni Pisano (1245 oder 1250 - nach 1314). Als Schüler und Assistent von Nicolò Pisano wurde er zu viel mehr berühmter Meister als sein berühmter Vater. In den Werken von Giovanni gab es viele neue und ungewöhnliche Dinge. Er war fast im gleichen Alter wie Giotto und war das genaue Gegenteil der weisen Zurückhaltung seines Florentiner Zeitgenossen.

Am bekanntesten sind die von Giovanni Pisano geschaffenen Kanzeln in der Kathedrale von Pisa und in der Kirche Sant'Andrea in Pistoia sowie Statuen von Heiligen, Propheten und Madonnen.

Komplexe mehrfigurige Reliefs schmücken die Kanzel im Dom
In Pisa und den Kirchen Sant'Andrea in Pistoia herrscht reger Verkehr. Die Figuren, die die Ruhe der Bilder von Niccolo Pisano verloren haben, scheinen danach zu streben, aus dem Stein auszubrechen. Ihre Gesten sind natürlich, ihre Gesichter ausdrucksstark. Besonders ausdrucksstark sind so dramatische Szenen wie die Kreuzigung und das Massaker an den Unschuldigen.

FRÜHE WIEDERBELEBUNG

Im 15. Jahrhundert. Die Kunst Italiens nahm eine beherrschende Stellung im künstlerischen Leben Europas ein. In Florenz wurden die Grundlagen einer humanistischen, säkularen (also nicht kirchlichen) Kultur gelegt, die Siena und Pisa in den Hintergrund drängte. Florenz wurde damals „die Blume Italiens, der Rivale der glorreichen Stadt Rom“ genannt. aus dem es hervorgegangen ist und dessen Größe es nachahmt. Die politische Macht lag hier bei den Kaufleuten und
Als Handwerker hatten einige der reichsten Familien einen besonderen Einfluss auf die Angelegenheiten der Stadt. Sie konkurrierten ständig miteinander. Dieser Kampf endete Ende des 14. Jahrhunderts. Sieg des Medici-Bankhauses. Ihr Oberhaupt, Cosimo de' Medici, wurde unausgesprochener Herrscher von Florenz. An den Hof von Cosimo
Die Medici (und später sein Enkel Lorenzo, der den Spitznamen „der Prächtige“ erhielt) strömten in Scharen von Schriftstellern, Dichtern, Wissenschaftlern, Architekten und Künstlern zusammen. In der Architektur fand damals eine regelrechte Revolution statt. In Florenz fanden umfangreiche Bauarbeiten statt, die das Gesicht der Stadt vor unseren Augen veränderten.

DIE ARCHITEKTUR

Ein gebürtiger Florentiner war Philippe Brunelleschi (1377-1446), der Begründer der Renaissance-Architektur in Italien, einer der Begründer der wissenschaftlichen Perspektiventheorie (er errichtete Gebäude auf der Grundlage präziser mathematischer Berechnungen). Vielseitig begabt, weithin
Aufgrund seiner humanistischen Ausbildung arbeitete er zunächst als Bildhauer und beteiligte sich 1401 an einem Wettbewerb für bestes Projekt Bronzereliefs für die Türen des Florentiner Baptisteriums. Brunelleschis frühes Bauwerk ist die Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz; Dies ist ein Beispiel für eine brillante plastische (räumliche) und technische Lösung. Brunelleschi musste die enorme Spannweite der Kuppel (Basisdurchmesser 42 Meter) blockieren, ohne ein Gerüst zu errichten. Der Architekt erfand einen für seine Zeit ungewöhnlich komplexen Entwurf: Eine leichte Hohlkuppel hatte eine Doppelschale und einen Rahmen aus acht Rippen,
die von Ringen umgeben waren. Die grandiose Kuppel, bedeckt mit dunkelroten Ziegeln, mit starken weißen Rippen verbunden und gekrönt von einem eleganten Oberlicht aus weißem Marmor, schwebt feierlich über der Stadt als majestätisches Abbild von Florenz. Der große italienische Architekt Leon Battista Alberti, der Brunelleschi seine Abhandlung über die Malerei widmete, schrieb, dass dieses „große Gebäude, das in den Himmel ragt, alle toskanischen Länder überschattet“. Brunelleschis Schöpfung ist der Vorläufer zahlreicher Kuppeltempel in Italien und anderen europäischen Ländern.

Brunelleschi initiierte die Errichtung eines Kuppeltempels
Grundlage der antiken Ordnung. 1421-1428. Er baute die Seitenkapelle der Kirche San Lorenzo in Florenz. Die von Brunelleschi in diesem Gebäude verwendeten architektonischen Prinzipien wurden in seiner berühmten Pazzi-Kapelle (1429-1443) weiterentwickelt – einer wahren Perle der Frührenaissance. In der Tiefe gelegen
Im schmalen Innenhof der Kirche Santa Croce empfängt die Kapelle der wohlhabenden Florentiner Familie Pazzi den ankommenden anmutigen sechssäuligen Portikus mit einer großen zentralen Bogenöffnung. Jüngsten Archivdaten zufolge wurde der von Brunelleschi errichtete Portikus anschließend wieder aufgebaut. Es ist jedoch schwer anzunehmen, dass die neue Struktur nicht die allgemeine Bildsprache widerspiegelte
Idee eines großartigen Architekten. Die lichtdurchflutete Pazzi-Kapelle selbst ist klein, hat einen rechteckigen Grundriss und besticht durch die Schönheit der Proportionen, die Ausgewogenheit der Teile und die Reinheit der Linien. Die Flächen der perlgrauen Wände scheinen mit Streifen architektonischer Stäbe aus dunkelgrauem Stein, Rechtecken, Kreisen, Bogenbögen gesäumt zu sein. Die Dekoration der Wände wird als architektonisches Element wahrgenommen und vermittelt den Eindruck von Leichtigkeit und Spiritualität.

In den frühen 30er Jahren. 15. Jahrhundert Brunelleschi, zusammen mit seinem Freund,
Bildhauer Donatello. besuchte Rom. In den frühen Stadien von
Geburt. Bekanntschaft der italienischen Gesellschaft mit der antiken Kultur
war auf das Studium des Überlebens zurückzuführen Baudenkmäler Antiquitäten und entdeckte Manuskripte – sie wurden gesammelt, studiert und kopiert. Während der Reise nahmen Brunelleschi und Donatello an Ausgrabungen teil, vermaßen, untersuchten und klassifizierten antike Denkmäler. Der Einfluss der römischen Klassiker spiegelte sich in den späteren großen Gebäuden von Brunelleschi wider – den florentinischen Kirchen San Lorenzo (1442–1444) und Santo Spirito (von ihm 1444 begonnen, nach seinem Tod 1487 fertiggestellt).

Schaffung eines neuen Typs von Stadtpalästen, der als Vorbild diente
für öffentliche Gebäude späterer Zeit, wurde zu einer der Hauptaufgaben der italienischen Architektur des 15. Jahrhunderts.

SKULPTUR

Im 15. Jahrhundert. Die italienische Bildhauerei blühte auf. Sie hat erworben
unabhängig, unabhängig von der Architekturbedeutung, darin erschienen neue Genres. Die Ausübung des künstlerischen Lebens begann mit Aufträgen wohlhabender Kaufleute und Handwerker zur Dekoration öffentlicher Gebäude; Kunstwettbewerbe erlangten den Charakter breiter öffentlicher Veranstaltungen. Der Fall, dass
eröffnet eine neue Periode in der Entwicklung der italienischen Renaissance-Skulptur. Man geht davon aus, dass der 1401 ausgetragene Wettbewerb für die Herstellung von
Bronzen der zweiten Nordtür des Florentiner Baptisteriums. Zu den Teilnehmern des Wettbewerbs gehörten junge Meister – Philippe Brunelleschi und Lorenzo Ghiberti (ca. 1381–1455).

Der brillante Zeichner Ghiberti gewann den Wettbewerb. Einer der gebildetsten Menschen seiner Zeit, der erste Historiker der italienischen Kunst, Ghiberti, in dessen Werk das Gleichgewicht und die Harmonie aller Elemente des Bildes im Vordergrund standen, widmete sein Leben einer Art von Skulptur – dem Relief. Seine Suche erreichte den Höhepunkt
bei der Herstellung der Osttüren des Florentiner Baptisteriums (1425-1452), die Michelangelo das „Tor des Paradieses“ nannte. Die zehn quadratischen Kompositionen aus vergoldeter Bronze vermitteln die Tiefe des Raumes, in dem Figuren, Natur und Architektur verschmelzen. Sie erinnern an ausdrucksstarke malerische Gemälde. Ghibertis Werkstatt ist zu einer echten Schule für eine ganze Generation von Künstlern geworden. In seiner Werkstatt arbeitete der junge Donatello, der große Reformator der italienischen Bildhauerei, als Assistent.

Donato diNiccolodiBettoBardi, der Donatello hieß
(ca. 1586-1466), wurde in Florenz in der Familie eines Kämmerers geboren
wolle. Er arbeitete in Florenz. Siena, Rom, Padua. Der große Ruhm änderte jedoch nichts an seiner einfachen Lebensweise. Es hieß, der selbstlose Donatello habe einen Geldbeutel an die Tür seiner Werkstatt gehängt und seine Freunde und Schüler hätten so viel Geld aus dem Geldbeutel genommen, wie sie brauchten.

Einerseits sehnte sich Donatello nach der Wahrheit des Lebens in der Kunst. Andererseits verlieh er seinen Werken die Züge erhabener Heldentaten. Diese Eigenschaften zeigen sich bereits in frühe Arbeit Ah Meister – Heiligenstatuen, die für die äußeren Nischen der Fassaden der Kirche Or San Michele in Florenz bestimmt sind, und der alttestamentlichen Propheten des Florentiner Glockenturms. Die Statuen befanden sich in Nischen, fielen aber durch die raue Ausdruckskraft und innere Stärke der Bilder sofort auf.
Besonders berühmt ist „St. Georg“ (1416) – ein junger Krieger mit Schild
Volumen in der Hand. Er hat einen fokussierten, tiefen Blick; er steht fest darauf
mit weit auseinander liegenden Beinen auf dem Boden. In den Statuen der Propheten ist Donatello besonders hervorzuheben
betonte sie Charaktereigenschaften, manchmal unhöflich, un-
bemalt, sogar hässlich, aber lebendig und natürlich. Donatellos Propheten Jeremia und Habakuk sind gesunde und spirituell reiche Naturen. Ihre
Starke Gestalten werden von schweren Umhangfalten verdeckt. Das Leben hat Avvakums verblasstes Gesicht mit tiefen Falten zerfurcht;
Glatze, weshalb er in Florenz den Spitznamen Zuccone (Kürbis) erhielt.

Im Jahr 1430 schuf Donatello „David“ – die erste Nacktstatue in
Italienische Skulptur der Renaissance. Die Statue war für einen Brunnen im Innenhof des Medici-Palastes gedacht. Der biblische Hirte, der den Riesen Goliath besiegt, ist eines der Lieblingsbilder der Renaissance. Bei der Darstellung seines jugendlichen Körpers orientierte sich Donatello zweifellos an antiken Vorbildern, überarbeitete sie jedoch im Zeitgeist. Der nachdenkliche und ruhige David mit einem Hirtenhut beschattet ihn
Gesicht, trampelte mit dem Fuß auf Goliaths Kopf und schien sich der Leistung, die er bereits vollbracht hatte, nicht bewusst zu sein.

Eine Reise nach Rom mit Brunelleschi erweiterte Donatellos künstlerische Möglichkeiten erheblich, sein Werk wurde mit neuen Bildern und Techniken bereichert, die den Einfluss der Antike beeinflussten.
Im Werk des Meisters hat eine neue Periode begonnen. 1433 vollendete er die Marmorkanzel der Florentiner Kathedrale. Das gesamte Feld der Kanzel wird von einem jubelnden Reigen der Tänzer eingenommen Putten - so etwas wie antike Amoretten
und zugleich mittelalterliche Engel in Gestalt nackter Knaben,
manchmal geflügelt, in Bewegung dargestellt. Dies ist ein beliebtes Motiv in der Bildhauerei der italienischen Renaissance, die sich dann verbreitete
Kunst XVII-XVIII Jahrhunderte

Fast zehn Jahre lang arbeitete Donatello in Padua, der alten Universitätsstadt, einem der Zentren der humanistischen Kultur, der Heimat
in der katholischen Kirche St. Antonius von Padua zutiefst verehrt. Die dem Heiligen Antonius geweihte Stadtkathedrale wurde von Donatello 1446–1450 fertiggestellt. ein riesiger geschnitzter Altar mit vielen Statuen und Reliefs. Den zentralen Platz unter dem Baldachin nahm die Statue der Madonna mit Kind ein, auf deren beiden Seiten sechs Heiligenstatuen standen. Am Ende des 16. Jahrhunderts. Der Altar wurde abgerissen. Nur ein Teil davon ist bis heute erhalten geblieben und man kann sich kaum noch vorstellen, wie es ursprünglich aussah.

Vier erhaltene Altarreliefs, die die Wundertaten des heiligen Antonius darstellen, ermöglichen es uns, die ungewöhnlichen Techniken des Meisters zu würdigen. Dies ist eine Art flach, als ob es abgeflacht wäre
Erleichterung. Überfüllte Szenen werden in einem einzigen Satz in einer realen Umgebung dargestellt. Im Hintergrund sind sie eine riesige Stadt
Gebäude und Arkaden. Durch die Übertragung der Perspektive entsteht der Eindruck der Tiefe des Raumes
in Gemälden.

In den letzten Jahren, die Donatello in Florenz verbrachte, erlebte er eine spirituelle Krise, seine Bilder wurden immer dramatischer. Er schuf eine komplexe und ausdrucksstarke Gruppe „Judith und Holofernes“ (1456-1457); Statue von „Maria Magdalena“ (1454-1455)
in Form einer altersschwachen alten Frau, eines abgemagerten Einsiedlers im Tierfell; Reliefs für die Kirche San Lorenzo, tragisch in der Stimmung, bereits von seinen Schülern der Werkstatt fertiggestellt, und seine Freunde und Schüler nahmen so viel aus der Tasche, wie sie brauchten.

Einerseits sehnte sich Donatello nach der Wahrheit des Lebens in der Kunst. Andererseits verlieh er seinen Werken die Züge erhabenen Heldentums.

MALEN

Einen besonderen Platz in der Malerei der Frührenaissance nimmt Sandro Botgicelli ein, ein Zeitgenosse von Leonardo da Vinci und dem jungen Michelangelo.

Alessandro Filipepi, Spitzname Botticelli (1445-1510), wurde in Florenz geboren. Er studierte Malerei bei Filippo Lippi und besuchte
Werkstatt des berühmten Bildhauers und Malers Verrocchio, wo er zusammenbrachte
Xia mit Leonardo, der ebenfalls ein Schüler von Verrocchio war.

Sein Name wurde durch das Gemälde „Die Anbetung der Heiligen Drei Könige“ bekannt.

(1476), was die Aufmerksamkeit der Medici-Familie auf sich zog. Auf dem Bild
Drei Generationen dieser ungekrönten Herrscher von Florenz wurden dargestellt. Botticelli begann am Medici-Hof zu arbeiten.

Die exquisite Kunst Botticellis mit Elementen der Stilisierung, also der Verallgemeinerung von Bildern mit konventionellen Techniken – Vereinfachung von Form, Farbe und Volumen, erfreute sich bei hochgebildeten Florentinern großen Erfolgs. In der Kunst Botticellis herrschte, anders als bei den meisten Meistern der Frührenaissance, die persönliche Erfahrung des Meisters vor. Der außergewöhnlich sensible und aufrichtige Künstler durchlief einen schwierigen und tragischen Weg der kreativen Suche – von einer poetischen Wahrnehmung der Welt in seiner Jugend bis hin zu schmerzhaftem Pessimismus im Erwachsenenalter.

Sein Berühmte Gemälde Reifezeit „Frühling“ (ca. 1477-
1478) und Die Geburt der Venus (1483-1484) sind von den Gedichten des herausragenden Humanisten Angelo Poliziano, Hofdichter der Medici, inspiriert. Das allegorische Gemälde „Frühling“, das zur Dekoration der Medici-Villa geschrieben wurde, ist eines der bedeutendsten komplexe Werke Botticelli.

Vor dem Hintergrund des dunklen Grüns eines fantastischen Gartens erscheinen flexible, schlanke Figuren als anmutige Silhouetten. Die blühende Wiese unter ihren Füßen gleicht einem leuchtenden Teppich. In den Tiefen der Komposition steht Venus in einem eleganten Kleid in melancholischer Nachdenklichkeit. Sie ist von einem obligatorischen Gefolge umgeben: Ein Amor mit Bogen schwebt über ihrem Kopf, drei junge Grazien führen einen Reigen an, eine Nymphe rennt aus einem Hain, verfolgt von einem Faun. Im Vordergrund steht der Frühling bzw. die Göttin Flora
ein Kranz und ein mit Blumen gewebtes Kleid marschieren schnell und so leicht,
der mit bloßen Füßen kaum den Boden berührt. In der linken Ecke ist die Figur eines jungen Mannes zu sehen, der üblicherweise Merkur genannt wird. Der Rhythmus fließender Linien
vereint die Komposition zu einem Ganzen und schafft eine raffinierte Farbharmonie. Der Künstler wandte eine für seine Zeit archaische Technik an – die feinste Schattierung einiger Details mit Gold, darunter Blumen, Früchte, Strahlen, Kronen, Stoffmuster. Einzelfiguren und Gruppen sind reizvoll, insbesondere die drei tanzenden Grazien. Erobert den Charme der Umrisse ihrer Figuren, Kleidung, wie aus der Luft gewebt, Handbewegungen, Fingerberührungen.
Durchdrungen vom musikalischen Rhythmus des Tanzes, dem Zittern der Linien, verherrlicht das Bild der drei Grazien den kommenden Frühling, ein Fest der Natur und der menschlichen Gefühle. Aber im Gemälde von Botticelli spürt man einen Anflug von Traurigkeit, eine kalte Distanziertheit, die für seine Kunst charakteristisch ist. Die Charaktere sind in sich selbst versunken und innerlich allein.

Direkter wahrgenommen wird das Gemälde „Die Geburt der Venus“, das nicht so stark mit allegorischen Untertönen verbunden ist. Dies ist eine der faszinierendsten Kreationen der Weltmalerei. Das Gemälde zeigt Venus, die Göttin der Liebe und Schönheit, die auf einer großen Muschel schwebt. Das „Boot“ wird vom Gott und der Göttin des Windes fliegend und in ihren Armen verschlungen ans Ufer getrieben. Am Ufer erwartet Venus eine Nymphe, die sich beeilt, einen hellroten, mit Blumen gewebten Schleier über ihre Schultern zu werfen. Der Meister vergoldet das vom Wind verwehte Haar der Venus, was ihrem weiblichen Aussehen etwas Unheimliches verleiht. Die Erscheinung einer realitätsfernen Gottheit spiegelt sich auch in der Palette kalter, transparenter, heller Farben wider.

In der Malerei der Frührenaissance sind unter den vielen Gesichtern – schön und fast hässlich, aber immer bedeutsam – sofort die Bilder von Frauen, Mädchen, Jungen und Kindern zu erkennen, die zum Pinsel Botticellis gehören. Sie zeichnen sich nicht durch die klassische Korrektheit ihrer Gesichtszüge, nicht durch ihre Schönheit aus, sondern durch den Charme sündloser Reinheit, Wehrlosigkeit und unausgesprochener Traurigkeit. Das Bild der Venus ist die höchste Verkörperung dieses Ideals. Vier Jahrhunderte später blicken Menschen in ihre klaren Gesichtszüge und finden darin etwas Aufregendes.
und attraktiv. In den frühen 90ern. Im 15. Jahrhundert kam es im Werk Botticellis zu einem entscheidenden Wendepunkt. Er wurde stark von den leidenschaftlichen Predigten des Dominikanermönchs Savonarola beeinflusst, der das Papsttum, die Aristokratie, die reiche und humanistische Kultur anprangerte.

HOHE WIEDERBELEBUNG

Die Hochrenaissance, die der Menschheit so große Meister wie Leonardo da Vinci, Raffael, Michelangelo, Giorgione, Tizian und Bramante bescherte, erstreckt sich über einen relativ kurzen Zeitraum – vom Ende des 15. Jahrhunderts. bis zum Ende des zweiten Jahrzehnts des 16. Jahrhunderts. Nur in Venedig hielt die Blüte der Kunst bis zur Mitte des Jahrhunderts an.

Grundlegende Veränderungen, die mit entscheidenden Ereignissen in der Weltgeschichte verbunden sind, die Erfolge fortgeschrittenen wissenschaftlichen Denkens haben die Vorstellungen der Menschen über die Welt – nicht nur über die Erde, sondern auch über den Kosmos – unendlich erweitert. Die Wahrnehmung der Welt und der menschlichen Persönlichkeit schien erweitert; V künstlerische Kreativität Dies spiegelte sich nicht nur in der majestätischen Größe architektonischer Bauwerke, Denkmäler, feierlicher Freskenzyklen und Gemälde wider, sondern auch in ihrem Inhalt, der Ausdruckskraft der Bilder. Die Bildsprache, die nach Definition einiger Forscher in der Frührenaissance zu „gesprächig“ wirken konnte, wurde verallgemeinert und zurückhaltend. Die Kunst der Hochrenaissance ist ein lebendiger und komplexer künstlerischer Prozess mit schillernden Aufschwüngen und nachfolgenden Krisen.

LEONARDO DA VINCI

In der Geschichte der Menschheit ist es nicht einfach, einen anderen ebenso brillanten Menschen zu finden
Persönlichkeit als Begründer der Kunst der Hochrenaissance Leonardo
da Vinci (1452-1519). Wie umfassend die Tätigkeit dieses großen Künstlers und Wissenschaftlers war, wurde erst deutlich, als man die verstreuten Manuskripte aus seinem Nachlass untersuchte. Leonardo ist kolossale Literatur gewidmet. auf die ausführlichste Art und Weise studierte sein Leben. Dennoch bleibt vieles in seinem Werk geheimnisvoll und erregt weiterhin die Gemüter der Menschen.

Zu seinen frühen Werken gehört das Gemälde „Madonna mit Blume“ (1472). Im Gegensatz zu den Meistern des 15. Jahrhunderts. Leonardo lehnte Erzählungen ab, die Verwendung von Details, die die Aufmerksamkeit des Betrachters ablenken und mit Bildern des Hintergrunds gesättigt sind. Das Bild wird als einfache, schlichte Szene der freudigen Mutterschaft der jungen Maria wahrgenommen. Zwei große Figuren füllen den gesamten Bildraum, nur außerhalb des Fensters in der dunklen Wand ist ein klarer, kaltblauer Himmel zu sehen. Ein besonderer Moment wird festgehalten: Die Mutter, selbst noch ein liebevolles und lebhaftes Mädchen, hält ihrem Kind lächelnd eine Blume hin und beobachtet, wie ein ernsthaftes Kind einen unbekannten Gegenstand sorgfältig untersucht. Die Blume verbindet beide Figuren miteinander.

Donatello Und Verrocchios Denkmal erhielt den Spitznamen „Großer Koloss“.

Die Gemälde Leonardos aus der Mailänder Zeit sind bis heute erhalten geblieben. Das erste Altarbild der Hochrenaissance war die Madonna in der Grotte (1483–1494). Der Maler entfernte sich von den Traditionen des 15. Jahrhunderts, in deren religiösen Gemälden feierliche Steifheit vorherrschte. Auf Leonardos Altarbild gibt es nur wenige Figuren: die weibliche Maria, das Christuskind, das den kleinen Johannes den Täufer segnet, und einen knienden Engel, als würde er herausschauen das Bild. Die Bilder sind vollkommen schön und natürlich mit ihrer Umgebung verbunden. Dies ist eine Art Grotte zwischen dunklen Basaltfelsen mit einer Lücke in der Tiefe – eine für Leonardo typische Landschaft: im Allgemeinen fantastisch geheimnisvoll, aber im Besonderen – im Bild jeder Pflanze, jeder Blume im dichten Gras – mit einer präzisen Darstellung Kenntnis natürlicher Formen. Figuren und Gesichter sind in einen luftigen Dunst gehüllt, der ihnen eine besondere Weichheit verleiht. Die Italiener nannten diese Technik Leonardo Sfumato.

In Mailand schuf der Meister offenbar das Gemälde „Madonna mit Kind“ („Madonna Litta“). Hier, im Gegensatz zur Madonna mit einer Blume, er
strebte nach einer stärkeren Verallgemeinerung und Idealität des Bildes. Es stellt keinen bestimmten Moment dar, sondern einen bestimmten langfristigen Zustand ruhiger Freude, in den die junge Frau eintaucht. eine schöne Frau stillendes Baby. Ausdrucksstark ist die Klarheit der ausgewogenen Komposition mit zwei symmetrisch angeordneten Fenstern, zwischen denen sich die lebendige und flexible Silhouette einer weiblichen Halbfigur einschreibt. Kaltes, klares Licht beleuchtet ihr dünnes, sanft geformtes Gesicht und ein leichtes, kaum wahrnehmbares Lächeln. Das Bild ist in Tempera gemalt und verleiht den Tönen von Marias blauem Umhang und rotem Kleid Klang. Das flauschige dunkelgoldene Lockenhaar des Säuglings ist erstaunlich geschrieben, sein aufmerksamer, auf den Betrachter gerichteter Blick ist nicht kindisch ernst.

Eine andere, dramatische Stimmung zeichnet das monumentale Gemälde Leonardos aus. Das letzte Abendmahl", von ihm 1495-1497 aufgeführt. im Auftrag von Lodovico Moro für die Refektoriumskirche Santa Mariadella Grazie in Mailand. Das Schicksal dieses berühmten Werks von Leonardo ist tragisch. Noch Zu Lebzeiten des Meisters begann die Farbe zu bröckeln. Im HUL In der Wand des Refektoriums wurde eine Tür eingeschlagen, wodurch ein Teil der Komposition zerstört wurde, und zwar im 18. Jahrhundert. Das Gebäude wurde in ein Heulager umgewandelt. Durch unsachgemäße Restaurierungen wurde das Fresko stark beschädigt. IN
Im Jahr 1908 wurden Arbeiten zur Freilegung und Verstärkung des Wandgemäldes durchgeführt.
Im Zweiten Weltkrieg wurden Decke und Südwand des Refektoriums durch eine Bombe zerstört. Die 1945 durchgeführte Restaurierung rettete das Gemälde vor weiterer Zerstörung, die Reste von Leonardos Gemälde wurden identifiziert und gesichert. Über die große Schöpfung des Meisters lässt sich nun jedoch nur eine allgemeinste Vorstellung bilden.

Es ist unmöglich, sich vorzustellen, dass Leonardo da Vinci in einer anderen Zeit leben und schaffen könnte. Und doch überschritt seine Persönlichkeit ihre Zeit, erhob sich über sie. Das Werk Leonardos vor Vinci ist unerschöpflich. Das Ausmaß und die Einzigartigkeit seines Talents lassen sich anhand der Zeichnungen des Meisters beurteilen, die einen der Ehrenplätze in der Geschichte der Weltkunst einnehmen. Mit Zeichnungen von Leonardo da Vinci, Skizzen, Skizzen, Diagrammen sind nicht nur Manuskripte, die den exakten Wissenschaften gewidmet sind, sondern auch Arbeiten zur Kunsttheorie untrennbar miteinander verbunden.

Die Kunst von Leonardo da Vinci, seine wissenschaftlichen und theoretischen Forschungen, die Einzigartigkeit seiner Persönlichkeit haben die gesamte Geschichte der Weltkultur durchlaufen und einen großen Einfluss auf sie gehabt.

Die Idee erhabener Schönheit und Harmonie ist in der Geschichte der Weltkunst mit dem Werk Raffaels (1483-1520) verbunden.
Es ist allgemein anerkannt, dass in der Konstellation Meister des Genies In der Hochrenaissance, in der Leonardo den Intellekt und Michelangelo die Macht verkörperte, war Raffael der Hauptträger der Harmonie. Natürlich besaß jeder von ihnen bis zu einem gewissen Grad alle diese Eigenschaften. Es besteht jedoch kein Zweifel daran, dass das unermüdliche Streben nach einem strahlenden, perfekten Anfang das gesamte Werk Raffaels durchdringt und seinen inneren Sinn ausmacht.

Rafael studierte zunächst in Urbino bei seinem Vater, dann bei einem Einheimischen
der berühmte Maler Timoteo Vite. Im Jahr 1500 zog er nach Perugia, der Hauptstadt Umbriens, um seine Ausbildung in der Werkstatt des berühmten Künstlers fortzusetzen
Maler, Leiter der umbrischen Schule Pietro Perugino. Der junge Meister übertraf seinen Lehrer schnell.

Raffaels Lieblingsbild ist die Madonna mit Kind. In der Kunstgeschichte ist die „Sixtinische Madonna“ ein Bild von vollkommener Schönheit. Das
Ein großes Altarbild zeigt nicht nur die göttliche Mutter
mit dem göttlichen Kind und dem Wunder der Erscheinung der himmlischen Königin,
Suppe als Sühneopfer für das Volk seines Sohnes. Eingerahmt von Grün
Auf hellen Wolken steht Maria mit dem Kind im Arm. Der Blick Ihrer dunklen, glanzlosen Augen ist an dem Betrachter vorbei und sozusagen durch ihn hindurch gerichtet. Dieser Look ist verfügbar. was vor anderen verborgen bleibt. Im Bild von Christus, einem großen, schönen Kind, lässt sich etwas erahnen, das nicht kindisch angespannt und visionär ist. Hier ist dem Künstler ein seltenes dynamisches Gleichgewicht gelungen: scheinbare klare Einfachheit, Züge abstrakter Idealität, die Göttlichkeit eines Wunders und die wahre Schwere der Formen sind ineinander verflochten, ergänzen und bereichern einander.
Freund. Links von der Madonna betet Papst Sixtus IV. zärtlich
denkt über ein Wunder nach. Die heilige Barbara, die ehrfürchtig den Blick senkt und wie Maria zum Himmel gehört, schwebt leicht in den Wolken. Zwei an die Brüstung gelehnte Engel blicken nach oben und lenken die Aufmerksamkeit des Betrachters wieder auf das zentrale Bild.

Michelangelo

Michelangelo Bounarroti (1475-1564) – der größte Meister der Hochrenaissance, der herausragende Werke der Skulptur, Malerei und Architektur schuf. Michelangelo schuf eine kolossale Marmorstatue Davids. Die Statue erreicht eine Höhe von fünfeinhalb Metern. Sie verkörpert die grenzenlose Macht des Menschen. David bereitet sich gerade darauf vor, den Feind mit einem aus einer Schleuder abgefeuerten Stein zu treffen, aber es ist bereits zu spüren, dass dies der Fall ist Zukunft ein Eroberer, voller Bewusstsein seiner körperlichen und geistigen Stärke. Das Gesicht des Helden drückt einen unerschütterlichen Willen aus.

Die im Auftrag der Florentiner Republik gefertigte Statue wurde am Eingang von Talazzo Vskchio aufgestellt. Die Eröffnung des Denkmals im Jahr 1504 wurde zu einem nationalen Fest. „David“ schmückte den Platz mehr als dreieinhalb Jahrhunderte lang. Im Jahr 1873 wurde das Denkmal in der Galerie der Akademie der Schönen Künste in Florenz aufgestellt. An der alten Stelle, an der Michelangelo selbst die Statue platzierte, befindet sich heute eine Marmorkopie.

DIE BEDEUTUNG DER KULTUR
DAS ZEITALTER DER RENAISSANCE

Um die Kultur der Renaissance und die Geheimnisse ihrer Kunst kennenzulernen, ist es daher notwendig, die Traditionen nicht nur Italiens, sondern auch anderer westlicher Länder zu analysieren, denn nur eine solche Vereinigung ist an dieselben Ideen gebunden und Ansichten, werden ein vollständiges Bild der Renaissance geben.

Die revolutionäre Bedeutung der Renaissance ist für alle nachfolgenden Zeiten wichtig, da in dieser Zeit die wichtigsten humanistischen Ansichten entwickelt wurden, deren Entwicklung heute für die gesamte Menschheit relevant ist.

In den Höhepunktperioden der Kulturentwicklung, ein Beispiel dafür ist die Renaissance, offenbaren sich in der Regel tiefe Widersprüche, aus deren Überwindung neue Traditionen und Techniken entstehen. Und neben den revolutionärsten Forderungen auf dem Gebiet des Denkens und Wollens, die zu den kühnsten Postulaten auf dem Gebiet der Moral, der Wissenschaft und der Kunst führten, neben der grenzenlosen Kühnheit, Altes zu zerstören und Neues zu schaffen, was manchmal den Eindruck erweckt von etwas sehr Modernem, den Überresten alter Ansichten.

Und die kreativsten und produktivsten Gedanken werden gerade in der Verbesserung und Weiterentwicklung alter Ideen getestet.

Die Renaissance leitete eine Ära eines völlig neuen Menschen in der Geschichte der europäischen Zivilisation ein. Dies spiegelte sich vor allem in der Weltanschauung, im Glauben, in allen Tätigkeitsbereichen des Einzelnen sowie im Bereich seiner Gefühle und Emotionen wider. In dieser Zeit gingen Wille und Handeln zusammen, Altes und Neues vereinten sich und ließen brillante Ideen, Bilder und Werke entstehen; Die Vervollkommnung der Kreativität eines Einzelnen war ebenso bedeutsam wie die Aktivitäten von Schulen und Epochen. Humanistische Denker und Kunstschaffende stellten sich heroische Aufgaben und lösten sie erfolgreich. Wer die Lösung aller Probleme in der Verbesserung der Ideen der Gesellschaftsordnung sah, ging für das Gemeinwohl der Menschheit in Tod und Entbehrung und schuf die Voraussetzungen für die grandiose Tätigkeit nachfolgender Generationen.

Auf dem Gebiet der Philosophie und der Wissenschaften (sowohl humanitärer als auch mathematischer Natur) gab es einen bedeutenden Entwicklungssprung, der von humanistischen Ideen und einem neuen Blick auf den Menschen und seine Fähigkeiten geprägt war.

Im Bereich der Kunst wurden die Aufgaben eines Menschen in heruntergekommener Form der Zukunft vererbt, da uns die grundlegenden Techniken und Prinzipien klar sind, wie aber der Gesamteindruck eines Werkes zustande kommt, ist gerade im künstlerischen Bereich ein Rätsel Darstellung eines Menschen, seiner Schönheit und Erhabenheit.

Es war diese Ära, die der Menschheit eine große Anzahl allumfassender, titanischer und mysteriöser Persönlichkeiten bescherte – Petrarca, Shakespeare, Giotto, Raffael, Tizian, Michelangelo. Es sind Jahrhunderte erforderlich, um ihre Kreativität und menschliche Persönlichkeit zu verstehen.

Der Anthropozentrismus der Renaissance manifestiert sich in neue semantische Farbgebung Mikrokosmizität – dass der Mensch im Makrokosmos zu einem der Allerweltswelten wird lebendig Und aktive Kräfte. Vergessen Sie daher nicht, dass die Renaissance nicht nur die Ära von Leonardo und Michelangelo ist, sondern auch die Ära Paracelsus(1493-1541) und Nostradamus (1503-1566).

Abschluss

Hauptergebnis und Hauptergebnis Eroberung Renaissance - Behauptung einer aktiven menschlichen Persönlichkeit, sein optimistisches Potenzial und Kreativität, was bis zum Ende des 15. Jahrhunderts zu vielen großen Errungenschaften der Menschheit, Annehmlichkeiten, Komfort und verbesserter Lebensqualität führte. passt nicht gut zu herkömmlichen Fundamenten mittelalterliche Kultur und Leben droht in einen scharfen Konflikt mit ihm und in einen völligen Bruch mit dem mittelalterlichen Ganzen zu geraten.

All dies verschärfte die Widersprüche der Renaissance weiter und verwandelte sie in einen akuten Konflikt sowohl innerhalb der Renaissance-Persönlichkeit selbst als auch zwischen den kulturellen Schichten der Epoche, aber gleichzeitig war die Renaissance der Anstoß für die Schaffung einer neuen Kultur – Die Kultur des New Age.