Die Renaissance verursachte tiefgreifende Veränderungen in allen Bereichen der Kultur – Philosophie, Wissenschaft und Kunst. Einer von ihnen ist. die immer unabhängiger von der Religion wird, hört auf, die „Magd der Theologie“ zu sein, obwohl sie noch weit von völliger Unabhängigkeit entfernt ist. Wie in anderen Kulturbereichen werden auch in der Philosophie die Lehren antiker Denker wiederbelebt, allen voran Platon und Aristoteles. Marsilio Ficino gründete die Platonische Akademie in Florenz und übersetzte die Werke des großen Griechen ins Lateinische. Die Ideen des Aristoteles kehrten noch früher, vor der Renaissance, nach Europa zurück. Während der Renaissance sei es laut Luther nicht Christus, sondern er, der „in den europäischen Universitäten herrscht“.

Zusammen mit den alten Lehren, der Naturwissenschaft oder die Philosophie der Natur. Es wird von Philosophen wie B. Telesio, T. Campanella und D. Bruno gepredigt. In ihren Werken werden Gedanken entwickelt, dass die Philosophie nicht einen übernatürlichen Gott, sondern die Natur selbst studieren sollte, dass die Natur ihren eigenen inneren Gesetzen gehorcht, dass die Grundlage des Wissens Erfahrung und Beobachtung ist und nicht göttliche Offenbarung, dass der Mensch ein Teil der Natur ist .

Die Verbreitung naturphilosophischer Ansichten wurde erleichtert durch wissenschaftlich Entdeckungen. Der Chef unter ihnen war heliozentrische Theorie N. Copernicus, der eine echte Revolution in der Weltvorstellung bewirkte.

Es ist jedoch zu beachten, dass die wissenschaftlichen und philosophischen Ansichten dieser Zeit immer noch unter einem spürbaren Einfluss von Religion und Theologie stehen. Solche Ansichten nehmen oft die Form an Pantheismus in dem die Existenz Gottes nicht geleugnet wird, sondern er in der Natur aufgelöst und mit ihr identifiziert wird. Dazu kommt noch der Einfluss der sogenannten okkulten Wissenschaften – Astrologie, Alchemie, Mystik, Magie usw. All dies geschieht sogar bei einem Philosophen wie D. Bruno.

Die Renaissance brachte die bedeutendsten Veränderungen mit sich künstlerische Kultur, Kunst. In diesem Bereich erwies sich der Bruch mit dem Mittelalter als der tiefgreifendste und radikalste.

Im Mittelalter wurde Kunst größtenteils in der Natur angewandt, sie war in das Leben selbst eingewoben und sollte es schmücken. In der Renaissance erlangt die Kunst erstmals einen Eigenwert, sie wird zu einem eigenständigen Bereich der Schönheit. Gleichzeitig bildet sich beim wahrnehmenden Betrachter zum ersten Mal ein rein künstlerisches, ästhetisches Gefühl aus, zum ersten Mal wird eine Liebe zur Kunst um ihrer selbst willen geweckt, und nicht um des Zwecks willen, dem sie dient.

Nie zuvor genoss Kunst so hohe Ehre und Respekt. Selbst in antikes Griechenland die Arbeit eines Künstlers war in ihrer gesellschaftlichen Bedeutung der Tätigkeit eines Politikers und eines Bürgers deutlich unterlegen. Einen noch bescheideneren Platz nahm der Künstler im antiken Rom ein.

Jetzt Ort und Rolle des Künstlers in der Gesellschaft wachsen ins Unermessliche. Zum ersten Mal wird er als unabhängiger und angesehener Fachmann, Wissenschaftler und Denker betrachtet, als einzigartige Persönlichkeit. In der Renaissance wird Kunst als eines der mächtigsten Erkenntnismittel wahrgenommen und in dieser Eigenschaft mit Wissenschaft gleichgesetzt. Leonardo da Vinci betrachtet Wissenschaft und Kunst als zwei völlig gleichwertige Arten, die Natur zu studieren. Er schreibt: „Malerei ist eine Wissenschaft und die legitime Tochter der Natur.“

Noch höher geschätzte Kunst als Kreativität. Hinsichtlich seiner schöpferischen Fähigkeiten wird der Renaissance-Künstler mit Gott dem Schöpfer gleichgesetzt. Dies erklärt, warum Raphael den Namenszusatz „göttlich“ erhielt. Aus den gleichen Gründen wurde Dantes Komödie auch „göttlich“ genannt.

Die Kunst selbst unterliegt tiefgreifenden Veränderungen. Es vollzieht eine entscheidende Wendung von einem mittelalterlichen Symbol und Zeichen zu einem realistischen Bild und einem zuverlässigen Bild. Mittel werden neu künstlerische Ausdruckskraft. Sie basieren nun auf der Linear- und Luftperspektive, der Dreidimensionalität des Volumens und der Proportionslehre. Kunst strebt in allem nach Realitätstreue, nach Objektivität, Authentizität und Lebendigkeit.

Die Renaissance war hauptsächlich italienisch. Daher ist es nicht verwunderlich, dass die Kunst in dieser Zeit in Italien ihren höchsten Aufstieg und ihre Blütezeit erlebte. Hier finden sich Dutzende Namen von Titanen, Genies, großen und einfach talentierten Künstlern. Auch in anderen Ländern gibt es große Namen, aber Italien ist konkurrenzlos.

In der italienischen Renaissance werden üblicherweise mehrere Phasen unterschieden:

• Protorenaissance: zweite Hälfte des 13. Jahrhunderts. - XIV. Jahrhundert.
• Frührenaissance: fast das gesamte 15. Jahrhundert.
• Hochrenaissance: Ende des 15. Jahrhunderts - erstes Drittel des 16. Jahrhunderts
• Spätrenaissance: die letzten zwei Drittel des 16. Jahrhunderts.

Die Hauptfiguren der Proto-Renaissance sind der Dichter Dante Alighieri (1265–1321) und der Maler Giotto (1266/67–1337).

Das Schicksal stellte Dante vor viele Prüfungen. Er wurde wegen seiner Teilnahme am politischen Kampf verfolgt, er wanderte umher und starb in einem fremden Land, in Ravenna. Sein Beitrag zur Kultur geht über die Poesie hinaus. Er verfasste nicht nur Liebestexte, sondern auch philosophische und politische Abhandlungen. Dante ist der Schöpfer der italienischen Literatursprache. Manchmal wird er als der letzte Dichter des Mittelalters und der erste Dichter der Neuzeit bezeichnet. Diese beiden Anfänge – der Alte und der Neue – sind in seinem Werk wirklich eng miteinander verknüpft.

Die ersten Werke von Dante – „Neues Leben“ und „Fest“ – sind lyrische Gedichte mit Liebesinhalt, die seiner geliebten Beatrice gewidmet sind, die er einmal in Florenz traf und die sieben Jahre nach ihrer Begegnung starb. Der Dichter behielt seine Liebe zum Leben. Dantes Lyrik steht in ihrer Gattung im Einklang mit der mittelalterlichen höfischen Poesie, in der das Bild der „schönen Dame“ gesungen wird. Allerdings gehören die vom Dichter zum Ausdruck gebrachten Gefühle bereits zur Renaissance. Sie entstehen durch echte Begegnungen und Veranstaltungen, erfüllt von aufrichtiger Herzlichkeit, geprägt von einer einzigartigen Individualität.

Der Höhepunkt von Dantes Werk war "Die Göttliche Komödie“, das in der Geschichte der Weltkultur einen besonderen Platz einnimmt. Auch dieses Gedicht steht in seinem Aufbau im Einklang mit mittelalterlichen Traditionen. Es erzählt von den Abenteuern eines Mannes, der in die Unterwelt gelangte. Das Gedicht besteht aus drei Teilen – Hölle, Fegefeuer und Paradies, von denen jeder 33 Lieder in dreizeiligen Strophen enthält.

Die wiederholte Zahl „drei“ spiegelt direkt die christliche Trinitätslehre wider. Im Verlauf der Geschichte folgt Dante strikt vielen Anforderungen des Christentums. Insbesondere lässt er seinen Gefährten in den neun Kreisen der Hölle und des Fegefeuers – den römischen Dichter Vergil – nicht ins Paradies, denn dem Heiden wird ein solches Recht vorenthalten. Hier wird der Dichter von seiner verstorbenen Geliebten Beatrice begleitet.

Allerdings in seinen Gedanken und Urteilen, in seiner Einstellung zu den dargestellten Figuren und ihren Sünden. Dante widerspricht oft und sehr deutlich der christlichen Lehre. So. Statt der christlichen Verurteilung der sinnlichen Liebe als Sünde spricht er vom „Gesetz der Liebe“, wonach sinnliche Liebe zum Wesen des Lebens selbst gehört. Dante behandelt die Liebe von Francesca und Paolo mit Verständnis und Mitgefühl. obwohl ihre Liebe mit Francescas Verrat an ihrem Mann zusammenhängt. Auch bei anderen Gelegenheiten triumphiert der Geist der Renaissance in Dante.

Zu den herausragenden italienischen Dichtern gehört auch Francesco Petrarca. In der Weltkultur ist er vor allem für seine bekannt Sonette. Gleichzeitig war er ein breit aufgestellter Denker, Philosoph und Historiker. Er gilt zu Recht als Begründer der gesamten Renaissancekultur.

Auch das Werk Petrarcas bewegt sich teilweise im Rahmen mittelalterlicher höfischer Lyrik. Wie Dante hatte er eine Geliebte namens Laura, der er sein „Buch der Lieder“ widmete. Gleichzeitig bricht Petrarca entschiedener mit der mittelalterlichen Kultur. In seinen Werken erscheinen die ausgedrückten Gefühle – Liebe, Schmerz, Verzweiflung, Sehnsucht – viel schärfer und nackter. Sie haben eine stärkere persönliche Note.

Andere prominenter Vertreter Literatur ist geworden Giovanni Boccaccio(1313-1375). weltberühmter Autor Dekameron“. Boccaccio entlehnt das Aufbauprinzip seiner Kurzgeschichtensammlung und die Handlungsskizze dem Mittelalter. Alles andere ist vom Geist der Renaissance durchdrungen.

Die Hauptfiguren der Romane sind gewöhnliche und einfache Leute. Sie sind in einer überraschend hellen, lebendigen Umgangssprache verfasst. Sie enthalten kein langweiliges Moralisieren, im Gegenteil, viele Kurzgeschichten sprühen förmlich vor Lebenslust und Spaß. Die Handlungen einiger von ihnen haben einen Liebes- und Erotikcharakter. Neben dem Decameron schrieb Boccaccio auch die Erzählung Fiametta, die als erster psychologischer Roman der westlichen Literatur gilt.

Giotto di Bondone ist der prominenteste Vertreter der italienischen Proto-Renaissance Bildende Kunst. Sein Hauptgenre waren Freskenmalereien. Alle von ihnen sind in biblischer Sprache verfasst mythologische Themen, zeigen Szenen aus dem Leben der Heiligen Familie, Evangelisten, Heiligen. Die Interpretation dieser Handlungsstränge wird jedoch eindeutig vom Beginn der Renaissance dominiert. Giotto verlässt in seinem Werk mittelalterliche Konventionen und wendet sich dem Realismus und der Plausibilität zu. Für ihn wird das Verdienst der Wiederbelebung der Malerei als eigenständiger künstlerischer Wert anerkannt.

In seinen Werken wird die Naturlandschaft recht realistisch dargestellt, auf der Bäume, Felsen und Tempel deutlich zu erkennen sind. Alle beteiligten Charaktere, einschließlich der Heiligen selbst, erscheinen als lebende Menschen, ausgestattet mit physischem Fleisch, menschlichen Gefühlen und Leidenschaften. Ihre Kleidung spiegelt die natürlichen Formen ihres Körpers wider. Giottos Werke zeichnen sich durch leuchtende Farbigkeit und Bildhaftigkeit sowie feine Plastizität aus.

Die Hauptschöpfung von Giotto ist das Gemälde der Kapelle der Arena in Padua, das von Ereignissen aus dem Leben der Heiligen Familie erzählt. Den stärksten Eindruck hinterlässt der Wandzyklus, der die Szenen „Flucht nach Ägypten“, „Kuss des Judas“, „Beweinung Christi“ umfasst.

Alle auf den Gemälden dargestellten Charaktere wirken natürlich und authentisch. Die Haltung ihrer Körper, Gesten, emotionaler Zustand, Blicke, Gesichter – all das wird mit seltener psychologischer Überzeugungskraft dargestellt. Gleichzeitig entspricht das Verhalten jedes Einzelnen strikt der ihm zugewiesenen Rolle. Jede Szene hat eine einzigartige Atmosphäre.

So herrscht in der Szene „Flucht nach Ägypten“ ein zurückhaltender und insgesamt ruhiger emotionaler Ton vor. „Kiss of Judas“ ist voller stürmischer Dynamik, scharfer und entschlossener Handlungen der Charaktere, die sich buchstäblich miteinander auseinandersetzten. Und nur die beiden Hauptteilnehmer – Judas und Christus – erstarrten bewegungslos und kämpften mit den Augen.

Die Szene „Beweinung Christi“ ist von besonderer Dramatik geprägt. Es ist erfüllt von tragischer Verzweiflung, unerträglichem Schmerz und Leid, untröstlicher Trauer und Trauer.

Die Frührenaissance wurde schließlich genehmigt neue Ästhetik und künstlerische Prinzipien Kunst. Gleichzeitig erfreuen sich biblische Geschichten nach wie vor großer Beliebtheit. Ihre Interpretation wird jedoch völlig anders, vom Mittelalter ist darin kaum noch etwas übrig.

Heimat Frührenaissance wurde Florenz, und die „Väter der Renaissance“ sind die Architekten Philippe Brunelleschi(1377-1446), Bildhauer Donatello(1386-1466). Maler Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi leistete einen großen Beitrag zur Entwicklung der Architektur. Er legte den Grundstein für die Architektur der Renaissance und entdeckte neue Formen, die jahrhundertelang existierten. Er hat viel dazu beigetragen, die Gesetze der Perspektive zu entwickeln.

Brunelleschis bedeutendstes Werk war die Errichtung einer Kuppel über dem fertigen Bauwerk der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz. Er stand vor einer äußerst schwierigen Aufgabe, da die erforderliche Kuppel eine enorme Größe haben musste – etwa 50 m Durchmesser. Mit Hilfe des Originaldesigns kommt er brillant aus einer schwierigen Situation heraus. Dank der gefundenen Lösung erwies sich nicht nur die Kuppel selbst als überraschend leicht und schwebte gleichsam über der Stadt, sondern das gesamte Gebäude der Kathedrale erlangte Harmonie und Majestät.

Nicht weniger schönes Werk von Brunelleschi war die berühmte Pazzi-Kapelle, die im Innenhof der Kirche Santa Croce in Florenz errichtet wurde. Es ist ein kleines, rechteckiges Gebäude, das in der Mitte von einer Kuppel bedeckt ist. Innen ist es mit weißem Marmor ausgekleidet. Wie andere Gebäude von Brunelleschi zeichnet sich die Kapelle durch Einfachheit und Klarheit, Eleganz und Anmut aus.

Brunelleschis Werk zeichnet sich dadurch aus, dass er über Kultstätten hinausgeht und prächtige Gebäude weltlicher Architektur schafft. ein schönes Beispiel Zu dieser Architektur gehört das pädagogische Schutzhaus in Form des Buchstabens „P“ mit einer überdachten Galerie-Loggia.

Der Florentiner Bildhauer Donatello ist einer der bedeutendsten Schöpfer der Frührenaissance. Er arbeitete in einer Vielzahl von Genres und zeigte überall echte Innovationen. In seiner Arbeit nutzt Donatello das antike Erbe, stützt sich auf ein tiefes Studium der Natur und aktualisiert die künstlerischen Ausdrucksmittel mutig.

Er beteiligt sich an der Entwicklung der Theorie der linearen Perspektive, lässt das skulpturale Porträt und das Bild eines nackten Körpers wieder aufleben und gießt das erste Bronzedenkmal. Die von ihm geschaffenen Bilder verkörpern das humanistische Ideal einer harmonisch entwickelten Persönlichkeit. Donatello hatte mit seinem Werk großen Einfluss auf die weitere Entwicklung der europäischen Bildhauerei.

Donatellos Wunsch, die dargestellte Person zu idealisieren, zeigte sich deutlich in Statue des jungen David. In diesem Werk erscheint David als junger, schöner, geistig und körperlich starker junger Mann. Die Schönheit seines nackten Körpers wird durch einen anmutig geschwungenen Oberkörper betont. Das junge Gesicht drückt Nachdenklichkeit und Traurigkeit aus. Dieser Statue folgte eine ganze Reihe nackter Figuren in der Renaissance-Skulptur.

Das heroische Prinzip ist stark und deutlich ausgeprägt die Statue des hl. George, Dies wurde zu einem der Höhepunkte von Donatellos Werk. Hier gelang es ihm voll und ganz, die Idee einer starken Persönlichkeit zu verkörpern. Vor uns steht ein großer, schlanker, mutiger, ruhiger und selbstbewusster Krieger. In dieser Arbeit entwickelt der Meister kreativ die besten Traditionen der antiken Skulptur weiter.

Ein klassisches Werk Donatellos ist die Bronzestatue des Kommandanten Gattamelatta – das erste Reiterdenkmal in der Kunst der Renaissance. Hier erreicht der große Bildhauer die höchste Stufe der künstlerischen und philosophischen Verallgemeinerung, die dieses Werk der Antike näher bringt.

Gleichzeitig schuf Donatello das Porträt einer spezifischen und einzigartigen Persönlichkeit. Der Kommandant erscheint als echter Renaissance-Held, als mutiger, ruhiger und selbstbewusster Mensch. Die Statue zeichnet sich durch lakonische Formen, klare und präzise Plastizität, natürliche Haltung von Reiter und Pferd aus. Dadurch ist das Denkmal zu einem wahren Meisterwerk der Monumentalskulptur geworden.

In der letzten Schaffensperiode kreiert Donatello die Bronzegruppe „Judith und Holofernes“. Dieses Werk ist voller Dynamik und Dramatik: Judith wird in dem Moment dargestellt, in dem sie ihr Schwert über den bereits verwundeten Holofernes erhebt. um ihn fertig zu machen.

Masaccio gilt zu Recht als eine der Hauptfiguren der Frührenaissance. Er führt die von Giotto ausgehenden Trends fort und entwickelt sie weiter. Masaccio lebte nur 27 Jahre und konnte wenig erreichen. Die von ihm geschaffenen Fresken wurden jedoch zu einer echten Malschule für spätere italienische Künstler. Laut Vasari, einem Zeitgenossen der Hochrenaissance und maßgeblichen Kritiker, „kam kein Meister den modernen Meistern so nahe wie Masaccio.“

Die Hauptschöpfung Masaccios sind die Fresken in der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, die Episoden aus den Legenden des Heiligen erzählen.

Obwohl die Fresken von den Wundern erzählen, die der hl. Peter, es ist nichts Übernatürliches und Mystisches in ihnen. Der dargestellte Christus, Petrus, die Apostel und andere Teilnehmer des Geschehens scheinen ganz irdische Menschen zu sein. Sie sind mit individuellen Eigenschaften ausgestattet und verhalten sich ganz natürlich und menschlich. Insbesondere in der Szene „Taufe“ ist ein nackter, vor Kälte zitternder junger Mann überraschend authentisch dargestellt. Masaccio baut seine Komposition nicht nur aus linearer, sondern auch aus der Luftperspektive auf.

Der gesamte Zyklus verdient besondere Erwähnung Fresko „Vertreibung aus dem Paradies“. Sie ist ein wahres Meisterwerk der Malerei. Das Fresko ist äußerst lakonisch, es enthält nichts Überflüssiges. Vor dem Hintergrund einer vagen Landschaft sind deutlich die Figuren von Adam und Eva zu erkennen, die die Tore des Paradieses verließen, über denen ein Engel mit Schwert schwebt. Alle Aufmerksamkeit ist auf Mama und Eva gerichtet.

Masaccio war der erste in der Geschichte der Malerei, dem es gelang, einen nackten Körper so überzeugend und zuverlässig zu malen, seine natürlichen Proportionen zu vermitteln, ihm Stabilität und Bewegung zu verleihen. Ebenso überzeugend und eloquent internen Zustand Helden. Adam, der mit großen Schritten schritt, senkte beschämt den Kopf und bedeckte sein Gesicht mit seinen Händen. Schluchzend warf Eve mit offenem Mund verzweifelt den Kopf zurück. Dieses Fresko eröffnet eine neue Ära in der Kunst.

Was Masaccio tat, wurde von Künstlern wie … fortgeführt Andrea Mantegna(1431 -1506) und Sandro Botticelli(1455-1510). Die erste wurde vor allem für ihre Wandgemälde berühmt, unter denen Fresken, die die letzten Episoden aus dem Leben des Heiligen erzählen, einen besonderen Platz einnehmen. Jakobus – die Prozession zur Hinrichtung und die Hinrichtung selbst. Botticelli bevorzugte die Staffeleimalerei. Seine berühmtesten Gemälde sind „Der Frühling“ und „Die Geburt der Venus“.

Ab dem Ende des 15. Jahrhunderts, als die italienische Kunst ihren Höhepunkt erreichte, Hochrenaissance. Für Italien war diese Zeit äußerst schwierig. Zersplittert und daher wehrlos, wurde es durch Invasionen aus Frankreich, Spanien, Deutschland und der Türkei buchstäblich verwüstet, geplündert und ausgeblutet. Doch seltsamerweise erlebt die Kunst in dieser Zeit eine beispiellose Blüte. Zu dieser Zeit entstanden Titanen wie Leonardo da Vinci. Raphael. Michelangelo, Tizian.

In der Architektur wird der Beginn der Hochrenaissance mit Kreativität assoziiert Donato Bramante(1444-1514). Er war es, der den Stil schuf, der die Entwicklung der Architektur dieser Zeit bestimmte.

Eines seiner frühen Werke war die Kirche des Klosters Santa Maria della Grazie in Mailand, in deren Refektorium Leonardo da Vinci sein berühmtes Fresko malte. Das letzte Abendmahl". Sein Ruhm beginnt mit einer kleinen Kapelle namens Tempetto(1502), erbaut in Rom und wurde zu einer Art „Manifest“ der Hochrenaissance. Die Kapelle hat die Form einer Rotunde und zeichnet sich durch die Einfachheit der architektonischen Mittel, die Harmonie der Teile und die seltene Ausdruckskraft aus. Das ist ein echtes kleines Meisterwerk.

Der Höhepunkt von Bramantes Schaffen ist der Wiederaufbau des Vatikans und die Umwandlung seiner Gebäude in ein einziges Ensemble. Ihm gehört auch der Entwurf der Kathedrale St. Peter, in dem Michelangelo Änderungen vornehmen und mit der Umsetzung beginnen wird.

Siehe auch: Michelangelo Buonarroti

In der Kunst der italienischen Renaissance nimmt sie einen besonderen Platz ein Venedig. Die Schule, die sich hier entwickelte, unterschied sich deutlich von den Schulen in Florenz, Rom, Mailand oder Bologna. Letztere tendierten zu stabilen Traditionen und Kontinuität, sie neigten nicht zu einer radikalen Erneuerung. Auf diese Schulen stützte sich der Klassizismus des 17. Jahrhunderts. und Neoklassizismus späterer Jahrhunderte.

Die venezianische Schule fungierte als ihr ursprüngliches Gegengewicht und Antipode. Hier herrschte der Geist der Innovation und der radikalen, revolutionären Erneuerung. Von den Vertretern anderer italienischer Schulen stand Leonardo Venedig am nächsten. Vielleicht konnte seine Leidenschaft für Forschung und Experimente hier angemessenes Verständnis und Anerkennung finden. Im berühmten Streit zwischen „alten und neuen“ Künstlern stützten sich letztere auf das Beispiel Venedigs. Hier begannen die Strömungen, die zum Barock und zur Romantik führten. Und obwohl die Romantiker Raffael verehrten, waren ihre wahren Götter Tizian und Veronese. In Venedig erhielt El Greco seinen kreativen Auftrag, der es ihm ermöglichte, die spanische Malerei zu schockieren. Velazquez reiste durch Venedig. Das Gleiche gilt für die flämischen Künstler Rubens und Van Dyck.

Als Hafenstadt befand sich Venedig an der Kreuzung von Wirtschafts- und Handelswegen. Sie erlebte den Einfluss Norddeutschlands, Byzanz und des Ostens. Venedig ist für viele Künstler zum Wallfahrtsort geworden. A. Dürer war hier zweimal – am Ende des 15. Jahrhunderts. und Anfang des 16. Jahrhunderts. Sie wurde von Goethe (1790) besucht. Wagner lauschte hier dem Gesang der Gondolieri (1857), unter deren Inspiration er den zweiten Akt von Tristan und Isolde schrieb. Auch Nietzsche lauschte dem Gesang der Gondolieri und nannte ihn den Gesang der Seele.

Die Nähe des Meeres rief eher fließende und bewegliche Formen hervor als klare geometrische Strukturen. Venedig war mit seinen strengen Regeln nicht so sehr von der Vernunft angezogen, sondern von Gefühlen, aus denen die erstaunliche Poesie der venezianischen Kunst entstand. Im Mittelpunkt dieser Poesie stand die Natur – ihre sichtbare und fühlbare Materialität, eine Frau – die aufregende Schönheit ihres Fleisches, Musik – geboren aus dem Spiel von Farben und Licht und aus den bezaubernden Klängen der vergeistigten Natur.

Künstler Venezianische Schule bevorzugte nicht Form und Muster, sondern Farbe, das Spiel von Licht und Schatten. Durch die Darstellung der Natur versuchten sie, deren Impulse und Bewegung, Variabilität und Fließfähigkeit zu vermitteln. Sie sahen die Schönheit des weiblichen Körpers nicht so sehr in der Harmonie der Formen und Proportionen, sondern im lebendigsten und gefühlvollsten Fleisch.

Es mangelte ihnen an realistischer Plausibilität und Verlässlichkeit. Sie wollten den Reichtum offenbaren, der der Malerei selbst innewohnt. Es ist Venedig, das das Verdienst verdient, ein reines malerisches Prinzip oder das Malerische in seiner reinsten Form entdeckt zu haben. Die venezianischen Künstler zeigten als erste die Möglichkeit, das Malerische von Objekt und Form zu trennen, die Probleme der Malerei mit Hilfe einer Farbe, rein bildnerischer Mittel zu lösen, die Möglichkeit, das Malerische als Selbstzweck zu betrachten. Alle nachfolgenden Gemälde, die auf Ausdruck und Ausdruckskraft basieren, werden diesem Weg folgen. Nach Ansicht einiger Experten kann man von Tizian zu Rubens und Rembrandt gehen, dann zu Delacroix und von ihm zu Gauguin, Van Gogh, Cezanne usw.

Der Gründer der venezianischen Schule ist Giorgione(1476-1510). In seiner Arbeit fungierte er als wahrer Innovator. Für ihn setzt sich schließlich der weltliche Ansatz durch, und statt biblischer Themen schreibt er lieber über mythologische und literarische Themen. In seinem Werk findet die Etablierung eines Staffeleigemäldes statt, das nicht mehr einer Ikone oder einem Altarbild ähnelt.

Giorgione öffnet neue Ära in der Malerei war er der erste, der nach der Natur malte. Mit der Darstellung der Natur rückt er erstmals den Fokus auf Mobilität, Variabilität und Fluidität. Ein hervorragendes Beispiel dafür ist sein Gemälde „Gewitter“. Es war Giorgione, der als Vorläufer von Caravaggio und dem Caravaggismus begann, nach dem Geheimnis der Malerei im Licht und seinen Übergängen, im Spiel von Licht und Schatten zu suchen.

Giorgione schuf Werke verschiedener Genres und Themen – „Country Concert“ und „Judith“. Sein berühmtestes Werk war „Schlafende Venus“". Dieses Bild ist frei von jeglicher Handlung. Sie besingt die Schönheit und den Charme des nackten weiblichen Körpers und stellt „Nacktheit um der Nacktheit willen“ dar.

Der Leiter der venezianischen Schule ist Tizian(ca. 1489-1576). Sein Werk ist – zusammen mit dem Werk von Leonardo, Raffael und Michelangelo – der Höhepunkt der Kunst der Renaissance. Der Großteil seines langen Lebens fällt in die Spätrenaissance.

Im Werk Tizians erreicht die Kunst der Renaissance ihren höchsten Höhepunkt und ihre Blüte. Seine Werke vereinen die kreative Suche und Innovation von Leonardo, die Schönheit und Perfektion von Raffael, die spirituelle Tiefe, Dramatik und Tragödie von Michelangelo. Sie verfügen über eine außergewöhnliche Sinnlichkeit, wodurch sie eine starke Wirkung auf den Betrachter haben. Tizians Werke sind überraschend musikalisch und melodisch.

Wie Rubens zusammen mit Tizian feststellt, erhielt die Malerei ihren eigenen Geschmack und, laut Delacroix und Van Gogh, die Musik. Seine Leinwände sind mit einem offenen Pinselstrich bemalt, der sowohl leicht, frei als auch transparent ist. In seinen Werken löst sich die Farbe gleichsam auf und nimmt die Form auf, und das Bildprinzip erlangt erstmals Autonomie, erscheint in seiner reinen Form. Der Realismus in seinen Kreationen verwandelt sich in eine charmante und subtile Lyrik.

In den Werken der ersten Periode verherrlicht Tizian die unbeschwerte Lebensfreude, den Genuss irdischer Güter. Er besingt das sinnliche Prinzip, das vor Gesundheit strotzende menschliche Fleisch, die ewige Schönheit des Körpers, die körperliche Vollkommenheit des Menschen. Dies ist das Thema seiner Gemälde wie „Liebe auf Erden und im Himmel“, „Fest der Venus“, „Bacchus und Ariadne“, „Danae“, „Venus und Adonis“.

Im Bild herrscht ein sinnlicher Beginn vor „Reuige Magdalena“, obwohl es der dramatischen Situation gewidmet ist. Aber auch hier hat der reuige Sünder sinnliches Fleisch, einen bezaubernden, strahlenden Körper, volle und sinnliche Lippen, rote Wangen und goldenes Haar. Die Leinwand „Junge mit Hunden“ ist voller eindringlicher Lyrik.

In den Werken der zweiten Periode bleibt das sinnliche Prinzip erhalten, wird aber durch zunehmenden Psychologismus und Dramatik ergänzt. Im Allgemeinen vollzieht Tizian einen allmählichen Übergang vom Physischen und Sinnlichen zum Spirituellen und Dramatischen. Die laufenden Veränderungen im Werk Tizians sind in der Verkörperung der Themen und Handlungsstränge deutlich sichtbar großartiger Künstler zweimal kontaktiert. Ein typisches Beispiel hierfür ist das Gemälde „Heiliger Sebastian“. In der ersten Version erscheint das Schicksal eines einsamen, von Menschen verlassenen Leidenden nicht allzu traurig. Im Gegenteil, der dargestellte Heilige ist mit Vitalität und körperlicher Schönheit ausgestattet. In einer späteren Version des Bildes, die sich in der Eremitage befindet, erhält dasselbe Bild Züge einer Tragödie.

Ein noch eindrucksvolleres Beispiel sind die Varianten des Gemäldes „Die Dornenkrönung“, das einer Episode aus dem Leben Christi gewidmet ist. Im ersten davon, aufbewahrt im Louvre. Christus erscheint als körperlich gutaussehender und starker Athlet, der in der Lage ist, seine Vergewaltiger abzuwehren. In der zwanzig Jahre später entstandenen Münchner Fassung wird dieselbe Episode viel tiefer, komplexer und bedeutungsvoller vermittelt. Christus ist in einem weißen Umhang dargestellt, seine Augen sind geschlossen, er erträgt gelassen die Schläge und Demütigungen. Die Hauptsache ist nun nicht das Krönen und Schlagen, kein physisches Phänomen, sondern ein psychologisches und spirituelles. Das Bild ist von tiefer Tragödie erfüllt, es drückt den Triumph des Geistes, des spirituellen Adels über die körperliche Stärke aus.

In den späteren Werken Tizians wird der tragische Klang immer intensiver. Davon zeugt das Gemälde „Beweinung Christi“.

Der Inhalt des Artikels

Erweckungsliteratur, Literatur der Länder Europas in der Zeit der Bestätigung und Dominanz der Ideologie der Renaissance, die die typologischen Merkmale dieser Kultur widerspiegelt. Deckt den Zeitraum vom 16. bis zum ersten Viertel des 17. Jahrhunderts in verschiedenen Ländern ab. Die Literatur ist eine der wichtigsten Errungenschaften der Kultur der Renaissance, in ihr manifestierten sich wie in der bildenden Kunst die dieser Kultur innewohnenden neuen Vorstellungen über den Menschen und die Welt mit größter Kraft. Gegenstand der Literatur war das irdische Leben in seiner ganzen Vielfalt, Dynamik und Authentizität, was die Literatur der Renaissance grundlegend von der Literatur des Mittelalters unterscheidet. Ein Merkmal der Literatur der Renaissance sowie aller Kulturen war das tiefste Interesse am Individuum und seinen Erfahrungen, an der Problematik des Individuums und der Gesellschaft, die Verherrlichung der Schönheit des Menschen, die gesteigerte Wahrnehmung der Poesie von die irdische Welt. Wie die Humanismus-Ideologie der Renaissance war auch die Literatur der Renaissance von dem Wunsch geprägt, auf alle aktuellen Fragen der menschlichen Existenz zu reagieren, sowie von einem Appell an die nationale historische und legendäre Vergangenheit. Daher kam es zu einer seit der Antike beispiellosen Blüte der Lyrik und der Schaffung neuer poetischer Formen und in der Folge zum Aufstieg der Dramaturgie.

Es war die Kultur der Renaissance, die die Literatur, genauer gesagt die Poesie und die Sprach- und Literaturwissenschaft, über andere Gattungen stellte. Menschliche Aktivität. Die bloße Tatsache, dass zu Beginn der Renaissance die Poesie als eine Möglichkeit zum Erkennen und Verstehen der Welt verkündet wurde, bestimmte den Platz der Literatur in der Kultur der Renaissance. Die Entwicklung der Renaissance-Literatur ist mit der Bildung von Nationalsprachen in europäischen Ländern verbunden, Humanisten in Italien, Frankreich und England fungieren als Verteidiger der Nationalsprache und in vielen Fällen als deren Schöpfer. Ein Merkmal der Renaissance-Literatur war, dass sie sowohl in den Landessprachen als auch in Latein verfasst wurde, aber fast alle ihre höchsten Errungenschaften waren mit ersteren verbunden. Der Wortkult und das scharfe Bewusstsein der Humanisten für die eigene Persönlichkeit warfen erstmals die Frage nach Originalität und Originalität auf literarische Kreativität, was möglicherweise zur Suche nach neuen künstlerischen, zumindest poetischen Formen geführt hat. Es ist kein Zufall, dass die Renaissance mit der Entstehung einer Reihe poetischer Formen verbunden ist, die mit den Namen der Künstler verbunden sind, die sie geschaffen haben – Dantes Tercina, Ariosts Oktave, Spencers Strophe, Sidneys Sonett usw. Die Frage nach der Originalität des Künstlers wurde aufgeworfen die Frage des Stils. Nach und nach etabliert sich statt der Stildominante die Genredominante. Es ist kein Zufall, dass die Theoretiker der Renaissance-Literatur fast jedem Genre eine besondere Studie widmeten.

Die Literatur der Renaissance veränderte das Genresystem grundlegend. Es entstand ein neues System literarischer Gattungen, von denen einige, die seit der Antike bekannt waren, aus humanistischen Positionen wiederbelebt und neu gedacht wurden, andere wurden neu geschaffen. Die größten Veränderungen betrafen den Bereich der Dramaturgie. Anstelle der mittelalterlichen Genres belebte die Renaissance die Tragödie und die Komödie wieder, Genres, die in den Tagen des Römischen Reiches buchstäblich von der Bühne verschwunden waren. Im Vergleich zur mittelalterlichen Literatur verändern sich die Handlungsstränge der Werke – zunächst werden mythologische, dann historische oder moderne angenommen. Die Szenografie verändert sich, sie basiert auf dem Prinzip der Plausibilität. Zuerst kehrt die Komödie zurück, dann die Tragödie, die sich aufgrund der Besonderheiten des Genres in der Zeit bestätigt, in der die neue Kultur die Unvermeidlichkeit des Konflikts zwischen Ideal und Realität erkennt. Die Pastoral ist in der Literatur weit verbreitet.

Das Epos wird in der Literatur der Renaissance in unterschiedlichen Formen dargestellt. Hervorzuheben ist zunächst die weite Verbreitung des Epos, der mittelalterliche Ritterroman erhält neues Leben und neue Inhalte werden in ihn eingegossen. Am Ende der Renaissance entsteht ein Schelmenroman. Die wahre Schöpfung der Renaissance ist das Genre der Kurzgeschichte, dessen typologische Grundlagen von Boccaccio gelegt wurden.

Der Dialog wurde zu einem spezifischen Genre der Renaissance. Es handelte sich ursprünglich um eine beliebte Schreibform der Humanisten, deren Ziel es war, den Leser nach Abwägung der Vor- und Nachteile in Streitfällen zu einer eigenen Schlussfolgerung zu zwingen.

Die Poesie der Renaissance war auch mit der Entstehung und Wiederbelebung einer Reihe von Genres verbunden. Es zeichnet sich durch die Dominanz der Lyrik aus. Von den alten Genres der epischen Poesie werden Ode und Hymne wiederbelebt, die Lyrik ist eng mit der Entstehung, Entwicklung und Verbesserung des Sonetts verbunden, das zur führenden Form der Lyrik geworden ist, sowie des Madrigals. Ein Epigramm, eine Elegie und seltener eine Ballade werden ebenfalls entwickelt. Es ist anzumerken, dass in verschiedenen Ländern Europas sowohl die Stilprobleme als auch die Genreprobleme unterschiedliche Bedeutungen erhielten.

Die Literatur der Renaissance stützte sich wie die gesamte Kultur der Renaissance auf antike Errungenschaften und lehnte sie ab. Daher zum Beispiel die Entstehung des „gelehrten Dramas“ als Nachahmung des antiken Dramas. Gleichzeitig entwickelte sie kreativ die Volkstraditionen der mittelalterlichen Literatur weiter. Diese Merkmale waren bis zu einem gewissen Grad in jeder nationalen Literatur verankert.

Italienische Literatur

Die Geschichte der Renaissance-Literatur beginnt wie die gesamte Kultur der Renaissance in Italien. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts Es wurde vom großen Dichter Dante Alighieri (1265–1321) angekündigt. In ihrem Philosophische Schriften (Fest Und Monarchie) und das größte Gedicht Die Göttliche Komödie er spiegelte alle Komplexitäten der Weltanschauung eines Menschen im Übergang wider, der die Zukunft bereits klar sieht neue Kultur.

Der wahre Initiator der Renaissance ist Francesco Petrarca (1304–1374), in dessen Werk die Hinwendung zu einer neuen Kultur und anderen spirituellen Werten festgelegt wurde. Mit seiner Tätigkeit begann der Wiederaufbau der antiken Kultur, das Studium literarischer Denkmäler und die Suche nach antiken Manuskripten. Petrarca war nicht nur Wissenschaftler, sondern auch ein bedeutender Philosoph, eine politische Persönlichkeit und tatsächlich der erste Intellektuelle in der Geschichte Europas. Er steigerte das Wissen auf eine solche Höhe, dass er 1349 wie antike Helden feierlich mit einem Lorbeerkranz auf dem Kapitol in Rom gekrönt wurde.

Für die Zeitgenossen wurde Petrarca sowohl zum Symbol als auch zur idealen Persönlichkeit einer neuen Kultur. Er verkündete den Grundsatz der Notwendigkeit, das kulturelle Erbe der Antike zu beherrschen, aber diese Aufgabe beinhaltete die Bildung eines moralisch vollkommenen, geistig bereicherten und intellektuell entwickelten Menschen. Eine Person musste ihre Wahl auf die Erfahrung der Vergangenheit stützen.

Petrarca schuf ein neues Denksystem, definierte alle Vorstellungen über den Renaissance-Menschen, war ein bedeutender Philologe und verbesserte die lateinische Sprache. In seinen lateinischen Werken stützte er sich auf die antike Tradition, im Geiste Vergils verfasste er Eklogen, im Geiste Horaz - Poetische Botschaften. Er betrachtete seine beste Arbeit Afrika(1339–1341), ein lateinisches Gedicht nach einem Vorbild Aeneis wo er in seinem Namen ist antike Helden prophezeit den großen kommenden Ruhm Italiens und die Wiederbelebung einer noch größeren italienischen Kultur. Er blieb in der Literaturgeschichte vor allem als Schöpfer einer Gedichtsammlung. Liederbuch, von ihm auf Italienisch geschrieben und der Verherrlichung der Schönheit menschlicher Gefühle gewidmet, der Liebe, die einen Menschen veredelt und verbessert. Der Name seiner geliebten Laura ist seit der Zeit Petrarcas ein bekannter Name, und das Buch selbst wurde zum Vorbild für die meisten Dichter der Renaissance, so dass das Verb „petrarchisieren“ sogar in Frankreich auftauchte.

Zum ersten Mal in der Literatur begründete Petrarca nicht nur Liebeserlebnisse, sondern offenbarte auch deren außergewöhnliche Vielseitigkeit, die Komplexität der Gefühle eines Verliebten. Noch ungewöhnlicher für die Zeitgenossen war die Nähe, mit der er die geistige Welt seiner Geliebten beschrieb.

Petrarcas jüngerer Zeitgenosse und Freund, Giovanni Boccaccio (1313–1375), wurde sein Nachfolger. Sein literarisches Erbe ist recht vielfältig: Der Schriftsteller wandte sich auch an traditionelles Genre höfische Romanze ( Filocolo Und Philostrato) und klassisches Epos ( Tezeid). Boccaccio schuf eine Reihe von Werken in neuen Genres: Er besitzt einen Roman in Prosa und Versen Komödie der Florentiner Nymphen das markierte den Beginn des pastoralen Genres. Peru Boccaccio besitzt auch ein ungewöhnlich lyrisches Hirtengedicht Fiesolan-Nymphen. Er schuf den ersten psychologischen Roman Europas Elegie der Madonna Fiametta. In der Literaturgeschichte blieb er vor allem der Schöpfer des Genres der Renaissance-Kurzgeschichte, der berühmten Sammlung Decameron. IN Decameron eine neue Gesellschaft (Erzähler von Kurzgeschichten) ist entstanden – gebildet, sensibel, die Welt poetisierend, schön. Diese Welt basiert auf einer gemeinsamen Kultur und ist gegensätzlich gruselige Bilder Tod und Verfall der Gesellschaft während der Pestepidemie.

In den Kurzgeschichten gibt der Autor das breiteste Panorama von Lebenssituationen und -phänomenen. Die Helden repräsentieren alle Schichten der europäischen Gesellschaft und sie alle legen großen Wert auf das irdische Leben. Der neue Held ist eine aktive Person, die in der Lage ist, das Schicksal zu bekämpfen und das Leben in all seinen Erscheinungsformen zu genießen. Boccaccios Mann ist furchtlos, er strebt danach, die Welt zu erobern und zu verändern, er besteht auf seiner Gefühls- und Handlungsfreiheit und dem Recht zu wählen.

Gleichzeitig verkündet Boccaccio die Gleichheit aller Menschen von Geburt an und leugnet die Klassenunterschiede der mittelalterlichen Gesellschaft. Der Wert eines Menschen wird nur durch seine persönlichen Qualitäten und nicht durch seine Herkunft bestimmt, der Wille und der Geist eines Menschen siegen über die zufälligen Umstände seines Schicksals. Seine Schriften trugen zur Entwicklung der italienischen Literatursprache bei.

Literatur des 15. Jahrhunderts wurde mit der Entwicklung der Lyrik im Werk von Angelo Poliziano (1454–1494) und Lorenzo de Medici (1449–1492) in Verbindung gebracht, deren Werk von Karnevalsliedern geprägt ist, die die Lebensfreude singen (). Poliziano besitzt das erste humanistische Gedicht, das für das Theater geschrieben wurde, Die Legende von Orpheus. Im 15. Jahrhundert der erste Pastoralroman wurde geschrieben Arkadien Jacopo Sanadzaro, der die weitere Entwicklung des Genres beeinflusste.

Das Genre der Kurzgeschichte entstand im 15. Jahrhundert. weitere Entwicklung. Poggio Bracciolini (1380–1459) hinterließ eine Sammlung von Facetten (Witze, deren Genre Kurzgeschichten ähnelt). Am Ende des Jahrhunderts wurde das Genre der Kurzgeschichte (bereits im neapolitanischen Dialekt) mit dem Werk von Tommaso (Masuccio) Guardato (ca. 1420–1476) in Verbindung gebracht, der das Buch hinterließ Novellino.

Einen bedeutenden Platz in der Literatur der italienischen Renaissance nimmt die epische Poesie ein, die sich auf Handlungsstränge aus Ritterromanen und vor allem auf den karolingischen Zyklus stützte. Die besten Beispiele dieser Poesie waren Großer Morgante Luigi Pulci (1432–1484) und Orlando verliebt(1483-1494) Matteo Boiardo (1441-1494).

Die Hochrenaissance in der Literatur Italiens war durch die Vorherrschaft des klassischen Renaissancestils gekennzeichnet, der monumental und erhaben war und die humanistischen Ideale von Schönheit und Harmonie verkörperte, aus denen die Idealisierung der Realität folgte. Es ist vor allem mit dem Namen Ludovico Ariosto (1474–1533) verbunden, der ein grandioses Gedicht hinterlassen hat Wütender Roland, der zu einem der größten Höhepunkte der italienischen Renaissance wurde. Wie sein Vorgänger Matteo Boiardo ( Roland verliebt). Ariosto wandte sich den Handlungssträngen von Ritterromanen zu, die den Paladinen Karls des Großen und den Rittern der Tafelrunde gewidmet waren. Mittelalterliche Bilder und Situationen erhalten ein neues Gesicht und werden neu interpretiert: Die Helden sind mit Renaissance-Persönlichkeitsmerkmalen, starken Gefühlen, starkem Willen und der Fähigkeit, das Leben zu genießen, ausgestattet. Auffallend ist der Einfallsreichtum und die Freiheit des Autors bei der kompositorischen Gestaltung des Romans sowie die insgesamt harmonische Ausgewogenheit des gesamten Textes. Heroische Episoden könnten mit rein komischen Episoden kombiniert werden. Das Gedicht wurde in einer besonderen Strophe geschrieben, die oft als „goldene Oktave“ bezeichnet wird. Die lyrische Strömung in der Zeit der Hochrenaissance ist mit der Poesie von Pietro Bembo verbunden, der zum Begründer der Poesie des Petrarcatums wurde und das poetische Erbe Petrarcas pflegte. Bembo bewies darüber hinaus die Vorzüge des toskanischen Dialekts, in dem er die Grundlage der literarischen italienischen Sprache sah ( Argumentation in Prosa über die Volkssprache).

Die Literatur der Spätrenaissance zeichnet sich durch die Beibehaltung des bestehenden Gattungssystems, aber viele Veränderungen darin (Handlungen, Bilder etc.) aus, auch in der ideologischen Ausrichtung. M. Bandello (1485–1565) und J. Cinthio (1504–1573) wurden zu den größten Meistern der Kurzgeschichte dieser Zeit. UND Novellam Bandello und Hundert Geschichten Cintio zeichnet sich durch extreme Dramatik der Situationen, gesteigerte Dynamik, ein ungeschöntes Bild der Schattenseiten des Lebens und fatale Leidenschaften aus. Der Roman nimmt einen pessimistischen und tragischen Charakter an. Auch der dritte Romanautor der Spätrenaissance, Giovanni Francesco Straparola (1500-1557), zeichnet sich durch eine Abkehr von der Harmonie und Klarheit der Renaissance aus, seine Sprache ist mit dem einfachen Volk verflochten und der Autor setzt auf Folklore. Einen besonderen Platz in dieser Zeit nimmt das autobiografische Werk des berühmten Bildhauers und Ziselierers Benvenuto Cellini ein.

Lyrik Spätrenaissance wird in Italien weitgehend mit der Kreativität von Frauen in Verbindung gebracht. Die Gedichte von V. Colonna (1490–1547) und G. Stampa (ca. 1520–1554) spiegelten dramatische Erlebnisse und Leidenschaft wider. Einen ganz besonderen Platz in der Literatur Italiens der Spätrenaissance nehmen die poetischen Werke des großen Künstlers Michelangelo ein, dessen Poesie von äußerst tragischen Motiven durchdrungen ist. Die Literatur der Spätrenaissance wird durch das künstlerische Erbe von Torquato Tasso (1544–1595) gekrönt. Sein frühe Arbeit, Aminta(1573) wurde im Genre der dramatischen, hochpoetischen Pastoral geschaffen. Er ist vor allem für sein episches Gedicht bekannt Befreites Jerusalem(1580). Die Handlung stammt aus der Zeit der Kreuzzüge, aber die Verherrlichung der Heldentaten ihrer Helden verbindet sich organisch mit neuen Tendenzen, dem Einfluss der Ideen der Gegenreformation. Das Gedicht vereinte die Ideen der Renaissance, die Tendenzen der Spätrenaissance und die fabelhaften Elemente ritterlicher Romane (verzauberter Wald, magische Gärten und Schlösser). Das Heldengedicht war von religiösen Motiven durchdrungen, es zeichnet sich durch einen außergewöhnlichen Reichtum an Sprache und Lautschrift aus.

In geringerem Maße entwickelte sich die Dramaturgie in Italien. Im 16. Jahrhundert Es wurden hauptsächlich Komödien und Pastoralen geschrieben. Komödien wurden von so großen Autoren wie Machiavelli (1469-1527) geschrieben ( Alraune) und Ariosto (1474–1533) und das Stück des großen Wissenschaftlers und Denkers Giordano Bruno (1548–1600) vollendet die Entwicklung der Komödie der italienischen Renaissance. Neben der nach antiken Vorbildern geschaffenen „wissenschaftlichen Komödie“ entwickelt sich auch die Volkskomödie der Masken, die Tragödie entsteht. Bis zum Ende des Jahrhunderts verbreitete sich die Pastoral (aufgrund der Entwicklung des Hoftheaters und der Hofmusik) immer weiter ( treuer Hirte D. Guarini). ( Biografie).

Ein charakteristisches Merkmal der Literatur des 16. Jahrhunderts. ist die Entstehung und Tätigkeit literarischer Vereinigungen, vor allem Akademien.

französische Literatur

Die Literatur der Renaissance entwickelte sich in Frankreich überwiegend bereits im 16. Jahrhundert, als Vorläufer gilt jedoch meist der große Dichter François Villon (1431–1469), der erste wirklich tragische Dichter Frankreichs, der sich dem Thema Entbehrung und Einsamkeit zuwandte . Der Beginn der Renaissance-Poesie selbst stammt aus der Schule der sogenannten. „große Rhetoren“, die viel zur Bildung einer literarischen Form beigetragen haben. Der erste Dichter der Renaissance ist der letzte von ihnen, Jean Lemaire de Belge (1473-1525), der den weltlichen Anfang und die Lebensfreude der Renaissance in die Literatur brachte und sich dabei auf antike Poesie und die großen Meister der italienischen Renaissance (Dante und Petrarca) stützte ). Auch die Lyoner Dichterschule orientierte sich an der antiken Tradition, deren größte Vertreter Maurice Saive (ca. 1510 – ca. 1564) und die „schöne Seilerin“ Louise Labe (1525/26–1565) waren, deren Poesie vor allem damit verbunden ist mit der Entwicklung Liebesthema. Anmut, Natürlichkeit und Gefühlsstärke einer verlassenen Frau vereinen sich in ihrem poetischen Erbe mit der Raffinesse des Stils. Labes Liebestexte zeichneten sich durch tiefe Menschlichkeit, die Genauigkeit des Bildes und die Verfolgung der Form des Sonetts aus.

Der erste Aufstieg der Renaissance-Dichtung in Frankreich ist mit dem Namen Clément Marot verbunden. Die Natur davon literarisches Erbe Maro erlaubt uns zu Recht, ihn als Begründer der Renaissance-Dichtung in Frankreich zu betrachten: Er brach völlig mit der mittelalterlichen dichterischen Tradition und führte eine Reihe neuer Formen ein (einschließlich des Sonetts). Von antiken Dichtern entlehnte er eine Reihe poetischer Formen (Ekloge, Epigramm, Satire). Als Hofdichter hinterließ Maro vor allem elegante Werke in nicht-großen Genres (Slogans, Epigramme, „Geschenke“), die sich durch Säkularität und sogar Verspieltheit auszeichnen. Maros Werk insgesamt zeichnete sich durch einen erhabeneren harmonischen Charakter aus, eine Renaissance-Vision der Welt und des Menschen. Er führte eine gigantische Übersetzungsarbeit der biblischen Psalmen ins Französische durch.

Es stammt aus der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Es gab einen Kampf um die Anerkennung der französischen Nationalsprache, der durch die Aktivitäten von Philologen und Dichtern erheblich erleichtert wurde.

Die Blütezeit der französischen Poesie war mit den Aktivitäten der Literaturgruppe Pleiades verbunden, die eine nationale Poesieschule gründete. Das erste ernsthafte Werk dieser Gruppe war ihr literarisches Manifest Verteidigung und Verherrlichung der französischen Sprache(1549), traditionell Joashen du Bellay (1522-1560) zugeschrieben, in dem neue Ideen über die nationale Kultur und Literatur klar dargelegt wurden. Der Autor verband den Aufstieg und das Aufblühen der Kultur mit einem landesweiten Aufstieg und Wohlstand; Der Entwicklungsstand der Kultur wurde somit durch den Entwicklungsstand des Staates und des Volkes bestimmt. Gleichzeitig wird im Manifest der für die Renaissance charakteristische Kult der Antike nachgezeichnet und die Losung der Nachahmung antiker Autoren verkündet. Das künstlerische Programm der Plejaden bekräftigte den Vorrang der französischen Sprache und ihre Gleichstellung mit Latein und Italienisch und verkündete die hohe Ernennung des Dichter-Schöpfers. Die Sprache wurde als eine Art Kunst und die Poesie als ihre höchste Form proklamiert. Sie betrachteten das antike Erbe als Anreiz für die Entwicklung der Nationalliteratur. Die Zusammensetzung der Gruppe änderte sich, aber ihre Anführer waren Pierre Ronsard (1524-1585), Joashen du Bellay und Jean Antoine Baif. Der Geist der Renaissancekultur und ihre Ideale kamen größtenteils im Werk des Anführers der Plejaden, Ronsard, zum Ausdruck. Als Humanist besang er die Lebensfreude, den Menschen und die Menschenliebe als Höhepunkt seines Lebens. Der Naturkult, das Gefühl und die Wahrnehmung der Schönheit der Welt, die für die Weltanschauung des Dichters charakteristisch sind, spiegelten sich in der Bekräftigung der Idee der organischen Einheit von Mensch und Natur wider. Das Erbe von Ronsard manifestierte auch seine kritische Wahrnehmung der Gesellschaft ( Hymne an das Gold, Gedichte gegen Bürgerkriege) und Philosophische Überlegungenüber das Schicksal der Menschheit. Gleichzeitig versuchte er, sein Heimatland zu verherrlichen ( Hymne von Frankreich). Einen besonderen Platz in seinem Werk nahmen die Themen Liebe und Natur ein, er hinterließ mehrere Bücher, die der Liebe gewidmet waren ( Liebe zu Cassandra, Liebe zu Maria usw.). Er besitzt ein episches Gedicht Franciade. Zu Recht galt er bei seinen Zeitgenossen als „Fürst der Dichter“.

An zweiter Stelle stand in den Plejaden Joashen du Bellay, ein Dichter und Literaturtheoretiker. Der Provinzadlige ging unter dem Einfluss von Ronsard nach Paris, wo er aktives Mitglied der Plejaden wurde. Er besitzt mehrere Gedichtsammlungen (u. a Olive, Reue, Vielfältiger ländlicher Spaß, Römische Antiquitäten). Reue Und Römische Antiquitäten verschaffte Du Bellay einen Ehrenplatz in der französischen Literatur. Der Autor war nicht von der Grandiosität der Ideen und Bilder und dem Spielraum der Fantasie geprägt, er tendierte zur Einfachheit, seine Poesie ist eher intim. Es zeichnet sich durch eine elegische Stimmung, Reflexionen über die Nöte und Leiden des Lebens, Aufrichtigkeit und Melancholie, Sanftheit und leichte Traurigkeit aus. In der Frühphase seines Schaffens teilte Du Bellay weitgehend die allgemeine Haltung der Plejaden und ihres Anführers Ronsard, insbesondere in der Interpretation des Liebesproblems, obwohl seine Poesie schon in dieser Zeit von einem persönlichen, individuellen Klang geprägt war Ausdruck einer besonderen spirituellen Stimmung. Diese Sammlung zeigt deutlich den Einfluss der manieristischen Beispiele der italienischen Petrarchisten. In seinen reifsten Schriften ging Du Bellay weit über seine erste Sammlung hinaus. Römische Antiquitäten(einschließlich 33 Sonette) – eine Sammlung philosophischer Texte, in der das historische Thema mit einem Verständnis vergangener Epochen und persönlicher Erfahrungen verbunden wurde. Der tragische Anfang, das Verständnis für die Zerbrechlichkeit menschlichen Handelns und die Allmacht der Zeit fanden ihren Ausdruck in Römische Antiquitäten. Gleichzeitig bleiben, so der Dichter, hohe spirituelle Gedanken und schöne Schöpfungen im Gedächtnis der Menschen erhalten. Damit betonte er den Glauben an den dauerhaften Charakter kulturelles Erbe und insbesondere Literatur. Der Höhepunkt von Du Bellays Schaffen gilt als sein eigenes Reue Im Wesentlichen das lyrische Tagebuch des Dichters während seines Aufenthalts in Rom. In den Sonetten verschwindet die Renaissance-Idee vom Triumph und Aufblühen der Persönlichkeit, stattdessen erscheint ein tragisches Bewusstsein für die Unvermeidlichkeit des Triumphs schrecklicher Umstände, unabhängig vom Willen und Handeln einer Person. IN Reue Verurteilung von Kriegen, Gemeinheit und Käuflichkeit des Gerichts, die Politik der Herrscher, ein Verständnis für nationale Werte wurde zum Ausdruck gebracht. IN Reue spiegelte die Krise wider, die sowohl in der Weltanschauung des Dichters selbst als auch im gesamten französischen Humanismus bereits begonnen hatte, den Beginn einer spirituellen Tragödie und den Zusammenbruch der Ideale der Renaissance während der Bürgerkriege der zweiten Hälfte des Jahrhunderts. Einen Ausdruck in der Sammlung gefunden zentrales Problem Spätrenaissance - ein Widerspruch zwischen dem humanistischen Ideal des Individuums und der Gesellschaft der Renaissance und der Realität, die Humanisten wirklich umgibt.

Unter anderen Mitgliedern der Plejaden sollten wir den talentierten Remy Bellot (ca. 1528–1577) und den Wissenschaftler J. Baif (1532–1589) sowie Etienne Jodel (1532–1573) erwähnen, der das erste klassische Französisch schuf Tragödie Kleopatra gefangen genommen(1553). Er versuchte sich auch an der Verskomödie ( Eugen, 1552). Das Stück war geprägt von patriotischem Pathos und scharfer Kritik an Kirchenmännern.

Jodel war der erste französische Dramatiker, der völlig mit dem Mittelalter brach Theatertradition Seine Stücke waren an der Antike orientiert und nach den Regeln geschrieben. Jodels Dramaturgie nimmt in vielerlei Hinsicht die Tragödie des französischen Klassizismus des 17. Jahrhunderts vorweg. In seinem späteres Werk Der Einfluss des Manierismus und sogar des Barock ist spürbar.

Religionskriege trugen zum Niedergang der Plejaden bei und bestimmten die Besonderheiten des Werkes des letzten großen Dichters der französischen Renaissance. Theodore Agrippa D "Aubigne (1552–1630), ein überzeugter Calvinist, Adliger, schwor als Kind einen Eid, sich der Sache des christlichen Glaubens zu widmen, und hielt ihn. Die Festigkeit und Ausdauer seines Charakters waren mit außergewöhnlicher Treue verbunden zum Glauben, zur Ehre und zum König. Am Ende seines Lebens musste er sein Heimatland verlassen und sich nach Genf zurückziehen. Seine ersten literarischen Experimente ( Frühling) wurden mit der poetischen Tradition verbunden, die von Ronsard und sogar von Petrarca ausging. Ruhm brachte ihm ein einzigartiges poetisches Epos Tragische Gedichte(1577–1589). Die Idee, Struktur und künstlerische Bilder Gedichte haben nicht nur auf Französisch, sondern auch keine Entsprechungen Europäische Literatur Renaissance. Entsprechend der tragischen Weltanschauung des Autors, hinsichtlich der Bildkraft und der emotionalen Intensität Tragische Gedichte stellen ein außergewöhnliches Denkmal der Spätrenaissance dar, das bereits den Barock vorwegnimmt, „das Jahrhundert, das die Sitten verändert hat, verlangt nach einem anderen Stil.“ Und doch zeigt das Gedicht deutlich den Geist der Renaissance, Tragische Gedichte- der Schrei der zertrampelten Menschheit. Ihre Sprache ist voll von außergewöhnlich ausdrucksstarken Bildern, erhabenes Pathos verbindet sich mit bissigem Sarkasmus und extremer Dramatik, die Darstellung nimmt grandiose, fast kosmische Ausmaße an. Kreativität (er ging Erinnerungen und ein bedeutendes historisches Werk) vervollständigt die Entwicklung der französischen Renaissance-Dichtung.

Die Entwicklung der französischen Prosa der Renaissance ist weitgehend mit der Kurzgeschichte verbunden, deren Geschichte von eröffnet wird Hundert neue Romane(1486). Heben Sie sich unter den zahlreichen Sammlungen hervor Neue lustige und unterhaltsame Gespräche berühmter Freidenker und Satireautor Friedensbecken Bonaventure Deperrier (1510–1544), das einen umfassenden Überblick über das Alltagsleben des zeitgenössischen französischen Autors gibt und farbenfrohe, individuelle Bilder zeigt. Das Erbe der gekrönten humanistischen Schriftstellerin Marguerite von Angoulême (1592–1549) gilt als Höhepunkt der französischen Kurzgeschichten. Die Schwester des französischen Königs Franz I. stand im Mittelpunkt eines brillanten Hofes, der gesamten intellektuellen und raffinierten Hofgesellschaft. Nachdem sie Königin von Navarra geworden war, löste sie sich vom üblichen kulturellen Umfeld des französischen Hofes, schaffte es jedoch, in einer abgelegenen Provinz ein neues großes Kulturzentrum zu schaffen, das immer mehr neue Persönlichkeiten der französischen Renaissance anzog. Als Schriftstellerin und Dichterin ging sie in die Literaturgeschichte ein. Der für ihren Kreis charakteristische platonische Anfang fand seinen höchsten Ausdruck in der Poesie der Königin von Navarra selbst. Sie besitzt allegorische Gedichte und Gedichte. Der wahre Ruhm von Margarita als Schriftstellerin wurde durch eine Sammlung von Kurzgeschichten zusammengestellt Heptameron. Die Sammlung blieb unvollendet, sie sollte 100 Kurzgeschichten enthalten, aber der Autor schaffte es, nur 72 zu schreiben. Ihre zweite Auflage (1559), in der Kurzgeschichten mit scharfen antikirchlichen Angriffen durch neutralere Texte ersetzt wurden, hieß Heptameron. Ein Merkmal der Sammlung war die Weigerung des Autors, wandernde traditionelle Handlungsstränge von Kurzgeschichten zu verwenden, da ihre Handlungsstränge mit den persönlichen Erfahrungen der Erzähler oder anderen realen Ereignissen verbunden sind. Teilnehmer der Veranstaltungen waren Personen aus dem unmittelbaren Umfeld der Schriftstellerin und sogar ihre Verwandten. Daher der besondere autobiografische Charakter des Buches und die Tiefe der Charaktere der Geschichtenerzähler, die nicht so sehr die Geschichten selbst, sondern die Diskussion in den Vordergrund stellen. Im Vergleich zu anderen Sammlungen von Renaissance-Kurzgeschichten Heptameron stellt im Buch einen engeren sozialen Kreis dar wir reden vielmehr geht es um Gefühle, moralische Situationen und Reichtum innere Welt von Leuten. Bezeichnend ist, dass es in der Sammlung keinen jubelnden Optimismus gibt – viele Geschichten sind traurig und ihre Interpretation zeigt eine Diskrepanz zwischen dem hohen Ideal des Menschen und der Realität der umgebenden Welt. Das Werk von Margarete von Angouleme und insbesondere die Sammlung Heptameron spiegelte den Beginn der Krise der Ideale der französischen Renaissance wider.

Die höchste Errungenschaft der französischen Renaissanceliteratur in Prosa ist das Werk von François Rabelais (1483–1553). Die Suche nach einem Humanisten (einem berühmten Arzt) führte ihn zur Literatur, ab 1532 begann er, einzelne Bücher seines berühmten Romans „Aus dem Leben der Riesen“ zu veröffentlichen, von denen jedes nacheinander von der Sorbonne verurteilt wurde, und das vierte ( 1552) wurde vom Parlament zur Verbrennung verurteilt. Im Roman Rabelais Gargantua und Pantagruel Die untrennbare Verbindung zwischen der französischen Kultur der Renaissance und der mittelalterlichen Volkstradition des Lachens kommt zum Ausdruck. Im Roman gibt es zweifellos eine Parodie mit Hilfe der Hyperbolisierung mittelalterlicher Genres, Traditionen und Werte. Gleichzeitig werden humanistische Ideale und Werte bekräftigt. Rabelais, ein Arzt und Wissenschaftler, förderte den Wissenskult und das Studium der Wissenschaft als Mittel zur Erziehung eines harmonischen Menschen, er bestand auf dem Recht des Menschen, frei zu denken und zu fühlen, und wandte sich gegen religiösen Fanatismus. Der Roman schildert eine Art gesellschaftliche Utopie – das Thelema-Kloster, in dem ein Mensch sein Recht auf Freiheit, Lebensfreude und den Wunsch nach Wissen verwirklichen kann. Gleichzeitig sind diesem Buch Optimismus und der Glaube an die grenzenlosen Möglichkeiten des Menschen inhärent: „Der Mensch wurde für den Frieden geschaffen, nicht für den Krieg, geboren für die Freude, um alle Früchte und Pflanzen zu genießen.“

Humanistische Ideale halten sich in der französischen Literatur bis weit ins späte 16. Jahrhundert hinein; verallgemeinert und in einem neu geschaffenen Ausdruck ausgedrückt Literarisches Genre- Aufsatz - Michel de Montaigne (1533-1592). Zum ersten Mal in der Geschichte der Literatur gab der Autor seine eigenen Erfahrungen und Erfahrungen wieder: „Der Inhalt meines Buches bin ich selbst.“ Die Persönlichkeit Montaignes wurde zum Gegenstand der Analyse seines Werkes Erfahrungen. Er verkündet ein humanistisches Verständnis der Bestimmung des Menschen – des Ziels Menschenleben ist das Streben nach Glück und Genuss. Er war es, der diese Idee mit der Idee des natürlichen Lebens und der natürlichen Freiheit des Menschen verband. Das Vorhandensein von Freiheit bestimmt die Natur der sozialen Ordnung, und alle Menschen sind von Natur aus gleich. Montaigne fasste die Entwicklung des Humanismus zusammen und beurteilte die Ergebnisse der Entwicklung der Wissenschaften und sogar der Kunst eher skeptisch, indem er auf Einfachheit und Klarheit bestand und die Prinzipien des kommenden Klassizismus vorwegnahm.

Deutsche Literatur

In Deutschland war das Schicksal der Literatur der Renaissance eng mit der Reformation verbunden. Das Werk des großen Erasmus von Rotterdam (1466/9–1536) grenzt in vielerlei Hinsicht an den Kulturraum Deutschland. Erasmus ist der führende Denker Europas, er hat ein großes Erbe hinterlassen, aber zwei Satiren erfreuten sich größter Beliebtheit – Lob der Dummheit Und Reden ist einfach. Zu dieser Tradition gehören auch die berühmten Narrenschiff Sebastian Brant (eine Satire, die ein großer Erfolg war) und die berühmte Satire auf Erasmus von Rotterdam Lob der Dummheit(1511) und Reden ist einfach, das eine scharfe Kritik an der modernen Gesellschaft liefert. Die deutsche Literatur nimmt am Vorabend der Reformation einen besonderen polemischen Charakter an. In einer angespannten Atmosphäre des ideologischen Kampfes berühmt Briefe von dunklen Menschen, ein Scherz der Humanisten, eine Satire, die von den Humanisten K. Rubian, G. Bush und U. von Hutten in lateinischer Sprache in Form von Briefen im Namen fiktiver Geistlicher verfasst wurde. Satire dominiert die deutsche Literatur dieser Zeit und kommt am deutlichsten in den Schriften des Humanisten Ulrich von Hutten zum Ausdruck, der in seinen Dialogen die katholische Kirche lächerlich machte.

Die Entstehung der deutschen Literatursprache war mit der Renaissance und der Reformation verbunden. Übersetzung der Bibel durch die herausragende Persönlichkeit der Reformation Martin Luther deutsche Sprache bedeutete die Anerkennung der Normen der gemeinsamen deutschen Sprache. Die Poesie verliert in Deutschland an Bedeutung, das Werk von Hans Sachs (1494-1576) steht in der deutschen Tradition und gibt das städtische Leben Deutschlands wieder. Von besonderer Bedeutung in der deutschen Literatur sind die sogenannten. Volksbücher, anonyme Schriften, die für die Massenlektüre bestimmt sind. Inhaltlich sind sie äußerst farbenfroh, sie vereinen Märchenmotive, Handlungsstränge von Ritterromanen, Anekdoten und sogar historische Erzählungen. Sie unterschieden sich auch im Charakter: wenn Schöne Magellone war der Poesie innewohnend, dann in Die Geschichten von Thiel Ulenspiegel Und Schildburger es gibt einen scharfen satirischen Strahl. Schließlich sind das Renaissance-Ideal des Wissens- und Ruhmdurstes, der Kult der grenzenlosen Möglichkeiten des Menschen präsent Geschichten über Dr. Johann Faust, den berühmten Zauberer und Hexenmeister(1587), die erste Behandlung dieser Geschichte in der Weltliteratur.

englische Literatur

Die Entstehung neuer Strömungen in der Literatur ist seit der Entstehung humanistischer Zirkeln an Universitäten zu beobachten, die vom italienischen Humanismus beeinflusst waren. Die größte Persönlichkeit des Humanismus in England war Thomas More (1478–1535), der eines der Programmwerke der Renaissance hinterließ Utopie Wo eine ideale Gesellschaft entsteht, die auf Gleichheit und Gerechtigkeit aufbaut, wo das Prinzip des Kollektiveigentums und der Arbeitsgemeinschaft vorherrscht, gibt es keine Armut und das Ziel ist die Verwirklichung des Gemeinwohls. Da ein wahrer Humanist mehr auf die harmonische Entwicklung der Persönlichkeit in dieser Gesellschaft besteht, widmet jeder Mensch die meiste Zeit intellektuellen Beschäftigungen. Bezeichnend ist, dass Mor in einer Zeit, in der Europa von religiösen Konflikten zerrissen wurde, in seinem Idealstaat den Triumph der religiösen Toleranz beschreibt und gnadenlos spöttisch die Menge an Gold beschreibt, die darin steckt Utopie.

Die englische Poesie der Renaissance entstand zu Beginn der Herrschaft Heinrichs VIII., als literarische Freizeitbeschäftigungen am Hof ​​große Popularität erlangten. Der erste humanistische Dichter war John Scalton, der Erzieher des späteren Heinrich VIII., der für seine Gelehrsamkeit berühmt war. Scalton hinterließ eine Reihe satirischer Gedichte ( Warum kommen Sie nicht vor Gericht?). In der ersten Hälfte des Jahrhunderts kam es zu einer Assimilation neuer literarischer Formen und Gattungen sowie des antiken Erbes. Die Popularität der Poesie Petrarcas in England führte zur Etablierung des Sonetts als führende poetische Form, wenn auch leicht vom klassischen Italienisch abgewandelt. Der erste englische Petrarchisten-Dichter Thomas Wyeth (1503-1542) führte ein Sonett aus drei Vierzeilern und einem abschließenden Couplet ein. Liebestexte wurden von Henry Howard, Earl of Surrey (Surrey) (1517-1547) weiterentwickelt, der den Zyklus diesem Thema widmete „Geraldine“ und perfektionierte auch die Form des Sonetts. Die Blüte der englischen Literatur und vor allem der Poesie wurde mit dem „goldenen Zeitalter“ der Regierungszeit von Elizabeth Tudor in Verbindung gebracht. In dieser Zeit entwickelt sich insbesondere die Philanthropie in Bezug auf Kunst und Literatur. Das betonte Interesse an der Sprache führte zur Entstehung einer besonderen Gerichtssprache, verfeinert und mit Vergleichen überladen. Die Literatur entwickelte sich hauptsächlich im Bereich der Poesie und des Dramas. Die Vorherrschaft der Lyrik erfolgte Mitte des Jahrhunderts mit dem Aufkommen der Texte von T. Wyeth und G. Surry, doch die wahre Blüte der Lyrik war mit dem Namen Philip Sidney (1554–1586) verbunden wahrer Erneuerer der Poesie und Literaturtheorie. Er wandte sich der in England bereits etablierten Sonettform zu und schuf einen Zyklus von 108 Sonetten. Astrophile und Stella, wo poetische Miniaturen durch eine gemeinsame Idee zu einem Ganzen vereint wurden und eine „Liebesgeschichte“ mit einem komplexen Erfahrungsspektrum entstand. Das Ende ist traurig, der Held (Astrophile) reagierte nicht auf seine Gefühle und seine Hingabe. Sidneys Sonette enthielten Dialoge, das erste Mal, dass ein ironisches Thema in diesem Genre auftaucht. Das Sonett wird zur vorherrschenden Form in der englischen Poesie der Renaissance, aber auch andere Dichter dieser Zeit (die sogenannten Elisabethaner) arbeiteten in den Genres Oden, Elegien, Balladen, Epigramme, Satiren usw. Sidney fungierte auch als Literaturtheoretiker und verteidigte den hohen Zweck der Poesie, ihre erzieherische Wirkung auf den Einzelnen und die moralische Verbesserung der Menschen (Abhandlung). Schutz der Poesie). Er war auch der erste Mensch in England, der sich in seinem unvollendeten Roman dem pastoralen Genre zuwandte Arkadien(veröffentlicht 1590).

Der größte englische Dichter der Renaissance war Edmund Spenser (ca. 1552–1599). Im Gegensatz zum Aristokraten Sidney lebte Spencer hartes Leben; Er hinterließ ein bedeutendes Erbe in der Lyrik und arbeitete in den traditionellen Renaissance-Genres Sonette und Hymnen. Er entwickelte die englische Pastoral in seinem „Shepherd's Calendar“ weiter, in dem sich die für die Pastoral übliche Hirtenidylle vor dem Hintergrund der Natur mit der Verkündigung bürgerlicher Ideale verband. Spencer ist vor allem für sein Gedicht bekannt Feen Königin, das wichtigste Werk des Dichters. Spencer wandte sich der Handlung zu, die aus einem mittelalterlichen Ritterroman und einem Legendenzyklus über König Artus stammte. Die Abenteuer der Ritter, von denen jedes die Verkörperung einer der 12 Tugenden ist, bildeten die Handlung, aber die Offenlegung der Charaktere, das Interesse am heroischen Prinzip. Der Durst nach Ruhm, der Wunsch nach moralischer Perfektion im Geiste humanistischer Ideale, all dies erfüllte die Artus-Handlung mit Renaissance-Inhalten. Darüber hinaus wurde die Anziehungskraft auf Artussagen auch durch das allgemeine Interesse an der nationalen Geschichte bestimmt. Später wurde Looseness, eine freie Darstellung menschlicher Leidenschaften, in die englische Poesie eingeführt. Gleichzeitig blieb die Verherrlichung der Lebensfreude und Liebe erhalten. Seine Besonderheit war die Suche nach neuen Versformen. Sidney führte den „männlichen Reim“ ein, Spencer wurde zum Erfinder einer besonderen „Spencer“-Strophe. Prosa entwickelte sich hauptsächlich im Genre der Kurzgeschichte, und oft enthielt sie ein Element der Satire und der Verherrlichung bürgerlicher Tugenden (Arbeit, Sparsamkeit, Bescheidenheit der Moral). Es entstehen eine Reihe unterschiedlicher Romane (utopisch, pastoral, sogar pikaresk).

Größter Durchbruch englische Literatur Renaissance hat sich in der Dramaturgie engagiert, wobei natürlich die Briten ganz Europa voraus waren. Das englische Theater erreicht seine höchste Entwicklung in den 1580er-1590er Jahren. Ursprünglich war die englische Dramaturgie mit der Nachahmung der Antike verbunden, und es wurden Theaterstücke zu Themen aus der antiken Geschichte geschrieben. Bereits um 1580 zeichnete sich die englische Dramaturgie durch eine besondere Genrevielfalt aus und brachte eine Reihe brillanter Dramatiker hervor. Die von üppiger Rhetorik erfüllten Stücke von John Lily richteten sich an das Hofpublikum, aber in ihnen kann man wie bei Robert Green eine deutlich zum Ausdruck gebrachte patriotische Ausrichtung und Nähe zu Volksmärchen erkennen ( Eine Komödie über George Green, einen Weckfield-Feldwächter). Seit Spanische Tragödie Thomas Kidd kam zum „blutigen Drama“. Im Allgemeinen zeichnete sich die Dramaturgie durch eine Vielfalt an Genres aus (Tragödie, Komödie, historisches Theaterstück, sogar Pastoral) und die Dramatiker waren ungewöhnlich produktiv (aufgrund der Bedürfnisse der Bühne und des Publikumskontingents). Die Besonderheit der englischen Dramaturgie war auch die fortgesetzte Vermischung von hohen und niedrigen Genres in einem Stück, die für den Effekt des Kontrasts sorgte und in der Folge die Theoretiker des Klassizismus zutiefst verärgerte.

Die Besonderheit dieses Theaters bestand darin, dass er, gestützt auf die nationale Vergangenheit, das antike Erbe und die Errungenschaften der Renaissancekultur, in einer für die breitesten Massen zugänglichen Sprache mit grandiosen Bildern die ewigen Fragen der menschlichen Existenz aufwerfen konnte , der Sinn seines Lebens, Zweck, Zeit und Ewigkeit, die Beziehung zwischen Individuum und Gesellschaft.

Die Dramatiker, die über Schauspieler verfügten (sie arbeiteten meist mit der Truppe zusammen und schrieben auf der Grundlage ihrer Fähigkeiten), brachten nicht nur gigantische Charaktere auf die Bühne, sondern stellten auch die Frage nach der moralischen Verantwortung des Einzelnen gegenüber der Gesellschaft, nach dem, was die Die unbegrenzte Freiheit des Außergewöhnlichen bringt es mit sich. Ein Mensch für andere, wenn auch nicht so große Menschen, was ist das Schicksal der Menschen in „schicksalhaften Minuten“. An der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. Das Theater war in der Lage, alle in der Renaissance gesammelten Erfahrungen zu verallgemeinern und auszudrücken, indem es die zuvor vorgebrachten Ideen vertiefte.

Diese Zweifel und Widersprüche kamen im Werk des ersten großen tragischen Dramatikers Christopher Marlowe (1564-1593) zum Ausdruck. Marlo schuf das Bild von Faust, der die Welt wieder aufbauen wollte. Durch den Mund seiner anderen Figur, des grausamen Eroberers und des ungebildeten Hirten Tamerlane, legt der Dramatiker sein Verständnis vom Schicksal des Menschen dar: „Ein ängstlicher und unbezwingbarer Geist“ zieht ihn zum Handeln und Wissen. Die Helden von Marlowe zeigten zum ersten Mal die Kehrseite des Ideals des Renaissance-Menschen – sie sind außergewöhnlich und widersetzen sich der Gesellschaft, indem sie nicht nur ihre Gesetze, sondern auch die allgemein anerkannten Normen der Menschheit verletzen. Aufgrund ihres Immoralismus erregten sie sowohl Entsetzen als auch Bewunderung. Mit dem Werk von Marlo beginnt eine neue Etappe in der Entwicklung der Dramaturgie der englischen Renaissance, die mit einer Analyse innerer spiritueller Widersprüche, mit dem Bild einer grandiosen Persönlichkeit, die unweigerlich in den Tod gezogen wird, verbunden war.

Der Höhepunkt der Entwicklung der Renaissance (und des europäischen Theaters) ist das Werk von William Shakespeare (1564–1616). Die genaue Anzahl seiner Stücke und der Zeitpunkt ihrer Entstehung sind unbekannt. Basierend auf der Analyse der ersten posthumen Ausgabe identifizierten die Forscher 37 Stücke (den sogenannten Kanon) und schlugen Daten vor. IN In letzter Zeit Einige Gelehrte neigen dazu, ihm einzelne Werke hinzuzufügen, die traditionell Shakespeare zugeschrieben werden, und der Streit um die Urheberschaft des gesamten Erbes ist erneut entbrannt. Kreativität ist in drei Perioden unterteilt. Die erste Periode (1590–1600) wird von Komödien dominiert; Die meisten davon sind lyrisch, einige sind alltäglicher Natur, andere enthalten Elemente romantisches Märchen oder Pastorale. Sie alle drückten die Ideale der Renaissance aus, sind von Lebensfreude durchdrungen, verherrlichen menschliche Gefühle und aktive menschliche Aktivität, sind zutiefst humanistisch ( Ein Traum in einer Sommernacht. Viel Lärm um nichts, zwölfte Nacht, Lustige Weiber von Windsor). Seine ersten Tragödien mit Themen aus der antiken Geschichte stammen aus derselben Zeit ( Julius Caesar) sowie ein Zyklus historischer Stücke zur Nationalgeschichte (Chroniken), in dem das historische und politische Konzept des Dramatikers zum Ausdruck kam ( Richard II, Heinrich IV,Heinrich V, Richard III usw.). In ihnen beschäftigte er sich erstmals mit dem Problem der Macht, des Herrschers, der Tyrannei und der Rolle des Volkes politisches Leben Land und die Legitimität der Macht. An der Wende der ersten und zweiten Periode entstand die poetischste Tragödie Shakespeares – eine wahre Hymne an die Liebe, die an der Trägheit der Gesellschaft stirbt ( Romeo und Julia). Die zweite Periode (1601–1602) war geprägt von einer Krise der humanistischen Weltanschauung und der Hinwendung des Dramatikers zum Genre der Tragödie. Tragödien hatten den tiefsten philosophischen Inhalt. In ihnen stellt sich der Renaissance-Held nicht nur der feindlichen Welt, sondern auch der neuen Zeit entgegen, die Renaissance-Harmonie des Einzelnen und der Gesellschaft wird zerstört. Es ist eine Tragödie Weiler, König Lear, Macbeth, Römische Tragödien Antonius und Kleopatra Und Coriolanus) Shakespeare zeigte den komplexesten psychologischen Kampf und die Dialektik der Leidenschaften in den Seelen seiner Figuren, offenbarte die Tiefe des Konflikts. Die dritte Periode (1608–1612) war durch das Erscheinen romantischer, fast märchenhafter Stücke gekennzeichnet ( Cymbeline, Wintermärchen, besonders Sturm), erfüllt von Nostalgie für die Ideale der Renaissance, blieb Shakespeare in ihnen den Idealen der Renaissance treu – ein harmonisch entwickelter Mensch ist „die Krone aller Dinge“, aber es ist ihm gegeben, nur außerhalb über das Schicksal der Welt zu entscheiden die vertraute Welt, in einem Märchen (Utopie, Pastoral).

Shakespeare hat in seinem Werk die Widersprüche der menschlichen Natur so tief offenbart und das Schicksal des Einzelnen und der Gesellschaft verstanden, dass nicht nur die Ideen des Renaissance-Humanismus vertieft wurden, sondern sein Menschenverständnis, seine Reflexionen und Erfahrungen auch in späteren Epochen wahrgenommen wurden und Theaterstücke Einzug hielten goldener Fundus ewiger Werke, und ohne sie ist bis heute die Tätigkeit eines Schauspielhauses undenkbar.

Der Name Shakespeare ist mit dem Konzept des „tragischen Humanismus“ verbunden: dem Bewusstsein für die Tragödie des Einzelnen, der gezwungen ist, mit der Gesellschaft zu kämpfen. Fast immer ist dieser Kampf zum Scheitern verurteilt, aber notwendig und unvermeidlich. Shakespeare teilte voll und ganz die Ideale der Renaissance, aber der zentrale Konflikt seiner Stücke wurde durch die Diskrepanz zwischen dem Ideal des Menschen und der Realität der Renaissance bestimmt. Die Gesellschaft steht diesem Ideal feindlich gegenüber.

Eine kritische Haltung gegenüber einer unvollkommenen Gesellschaft ist mit ihrer Haltung gegenüber der Zeit verbunden, einer mächtigen Kraft, die jedoch nicht den Prinzipien der Weltordnung entspricht, so der bildliche Ausdruck des Dramatikers: „Die Zeit hat das Gelenk ausgerenkt.“ " Dies verurteilt die meisten Charaktere Shakespeares zum unvermeidlichen Tod, und selbst in Komödien mit Happy End müssen die Charaktere schwere Prüfungen durchmachen. Die meisten seiner Helden streben danach, nicht nur sich selbst zu verstehen, sondern auch ihre Zeit, den Platz des Menschen in der Welt und Ewigkeit und die Konfrontation zwischen Gut und Böse. Reflexion und Verständnis für ihr Schicksal, ihr Schicksal und ihre Fehler führen sie zur Erleuchtung.

Die Größe Shakespeares liegt darin, dass er Fragen aufwerfen konnte, die die Menschen aller Zeiten beschäftigen, die Ideale der Renaissance der Nachwelt nahebringen und ungewöhnlich komplexe, vielseitige und psychologisch tiefe Bilder schaffen konnten. Shakespeare hat das Ideal des Menschen aus der Renaissance geerbt, aber ein Hauch von Bitterkeit lässt bereits eine andere Zeit erahnen. Bereits Shakespeares Nachfolger („die jüngeren Elisabethaner“) brachten nicht nur die Krise der Renaissance-Ideale zum Ausdruck, sondern auch die tragische Weltanschauung, die für Manierismus und Barock charakteristisch ist.

Spanische Literatur

Die spanische Literatur wurde überwiegend mit dem 16. Jahrhundert in Verbindung gebracht, an dessen Ende sich in ihr Krisenphänomene bemerkbar machten, die in vielerlei Hinsicht das Aufkommen des Barock vorwegnahmen (). Vom Anfang des 16. Jahrhunderts In der Literatur bilden sich führende Genres der Renaissance heraus. Die Besonderheiten der Situation im Land führten zu einem ungewöhnlich frühen Bewusstsein für die Widersprüchlichkeit der Renaissance-Ideale mit der umgebenden Realität, was das Wesen der Literatur prägte.

Gleichzeitig entwickelte sich die spanische Literatur auf nationaler Ebene. Bezeichnend ist, dass sich darin das Genre des Ritterromans entwickelt, das neue Vorstellungen von der Welt und dem Menschen widerspiegelt: die Freude an der Beherrschung der Welt, den säkularen Charakter, ein neues Ideal des Menschen und die Normen seines Verhaltens in der Gesellschaft. Das Beste aus vielen dieser „Massenliteratur“ war die berühmte Amadis von Gallien Garcia Montalvo (1508), das von verschiedenen Autoren fertiggestellt wurde und schließlich auf 12 Bücher (statt 4) anwuchs, überstand mehr als 300 Auflagen und erlangte europaweite Popularität. Auch das römische Drama gehört zur spanischen Prosa der Renaissance. Celestina F. De Rojas, wo der strahlenden Liebe der Hauptfiguren die sie umgebende bösartige und niederträchtige Welt der Stadt gegenübersteht. Elemente des Schelmenromans formierten sich bereits im Ritterroman; das erste vollständige Beispiel dieser Gattung erscheint in der Mitte des 16. Jahrhunderts. Anonyme Romanze Leben des Lazarillo von Tormez war ein Roman in Kurzgeschichten, in dem alle Handlungsstränge im Gegenteil im Vergleich zur Moral aufgelöst werden. Realismus, ja Naturalismus des Bildes, scharfe Satire bestimmten den Erfolg des Romans.

Als Höhepunkt der spanischen Renaissanceliteratur gilt das kreative Erbe von Miguel de Cervantes Saavedra (1547–1616). Das schwere Schicksal des Autors, seine große Erfahrung (bis hin zum Schuldengefängnis und algerischer Gefangenschaft) spiegeln sich auch in seinem Werk wider. Cervantes blieb den Idealen der Renaissance treu, was in seinen frühen Werken deutlich zum Ausdruck kam. Der erste davon war ein Pastoralroman Galatea in dem die Helden mit Adel und moralischer Ausdauer ausgestattet waren. Seine Charaktere Lehrreiche Kurzgeschichten in jedem Test mit den gleichen Eigenschaften ausgestattet. Seine Tragödie ist von heroischem und patriotischem Pathos durchzogen Numancia. Die humanistische Weltanschauung des Schriftstellers kam in seinem berühmten Roman am deutlichsten zum Ausdruck Don Quijote von La Mancha. Die Geschichte eines armen Ritters, der Ritterromane gelesen hatte und sich auf eine Reise begab, wurde als Hohn auf überholte Ideale verstanden. Die ersten Leser nahmen den Roman auf diese Weise wahr. Aber im Roman steckt auch hohe Menschlichkeit, echter Humanismus: Der Ritter des traurigen Bildes blieb den humanistischen Idealen treu und wurde zum Symbol der Menschlichkeit in einer Welt der Grausamkeit und Täuschung.

Die edle Ritterlichkeit, die der große Held von Cervantes verehrte, bedeutete im Wesentlichen Hauptidee Humanismus ist ein echter und selbstloser Dienst am Gemeinwohl der Menschheit und an der Gerechtigkeit. Der Mensch ist verpflichtet, „die Benachteiligten und Unterdrückten der Mächtigen dieser Welt zu schützen“. Der Held stürzt sich buchstäblich in die Schlacht, um hohe Ideale zu verteidigen und glaubt an den Triumph der Tugend. Tatsächlich zeichnet Cervantes das Bild des idealen Renaissance-Menschen, verleiht ihm jedoch Wahnsinn. Der Wahnsinn von Don Quijote unterstreicht nur die Absurdität einer zynischen und pragmatischen Gesellschaft. Besonderheit Don Quijote Da ein Roman aus Mehrdeutigkeit, der Möglichkeit unterschiedlicher Wahrnehmungen und Interpretationen von Charakteren und Situationen besteht, ist er voller Widersprüche. Und jede weitere Ära nahm es aus einer anderen Perspektive wahr.

Die Poesie der spanischen Renaissance spiegelte den Wunsch nach Raffinesse wider und betonte die Erhabenheit, während sie auch die subtilste Analyse menschlicher Erfahrungen, eine Beschreibung der Schönheit der Natur und die Verherrlichung der Liebe zu Gott enthalten konnte.

Die spanische Dramaturgie der Renaissance war mit dem Prozess der Säkularisierung des Theaters verbunden. Der Beginn der Blütezeit des spanischen Theaters fällt mit der Renaissance zusammen, und diese Blütezeit war in vielerlei Hinsicht dem Werk von Lope de Vega Carpio (1562-1635) zu verdanken. Lope de Vega stammte aus einem städtischen Umfeld und führte ein abenteuerliches Leben. Tatsächlich gründete er ein neues spanisches Theater. Lope stellte wahrscheinlich einen Rekord für die Größe seines künstlerischen Erbes auf: Ihm wurden mehr als 2.000 Theaterstücke zugeschrieben, von denen 468 überliefert sind, darunter 426 Komödien. Er war es, der den Charakter des spanischen Dramas bestimmte, indem er in den Stücken Elemente des Komischen und des Tragischen kombinierte. Lope gab das Prinzip der Einheit von Ort und Zeit auf und behielt die Einheit des Handelns bei. Lope de Vega glaubt wie Cervantes weiterhin an den Triumph des humanistischen Ideals eines perfekten und freien Individuums. Nur hohe persönliche Qualitäten und Talente eines Menschen haben Wert. Der Rest ist für einen Humanisten unwichtig, auch die Klassenzugehörigkeit. Diese Zeile wird in seinen besten Komödien des Genres „Umhang und Schwert“ ausgeführt ( Hund in der Krippe, Tanzlehrer, Mädchen mit Krug). In seinen anderen Komödien offenbart der Dramatiker die Kraft menschlicher Gefühle, die alle Hindernisse überwinden.

In einer Reihe von Stücken wirft der Dramatiker ernsthafte moralische und sogar politische Probleme auf ( Stern von Sevilla, Dumm zu anderen, schlau zu dir selbst, Strafe ohne Rache), verstärken sie oft den tragischen Anfang, nehmen in vielerlei Hinsicht die Entwicklung des Theaters der Barockzeit vorweg.

Das Theaterstück nimmt in seinem Werk einen besonderen Platz ein. Schafquelle, wo Lope de Vega die Bauern auf die Bühne brachte, einen Bauernaufstand gegen den Feudalherrn schilderte und die Bauern moralisch standhaft, mutig, heldenhaft zeigte und nicht nur ihre Herren, sondern auch den König und die Königin an Geistesstärke übertraf. Dank ihrer brillanten Handlung und sprachlichen Vorzüge sowie der Tiefe der Interpretation der Charaktere seiner Stücke gelangten sie in den goldenen Fundus der europäischen Literatur.

Die Literatur der Renaissance brachte alle Merkmale dieser Kultur, ihren säkularen Charakter, ihr Streben nach dem Menschen und seine Gefühle sowie sein Interesse an der irdischen Welt vollständig zum Ausdruck. Ihre Werke erlangen (zusammen mit der Kunst der Renaissance) eine besondere Bedeutung und erreichen den „Status höchster künstlerischer Vollkommenheit“ (M. Andreev). Die Literatur der Renaissance wurde vollständig klassisch, drückte die kulturellen Werte der Renaissance aus, schuf neue Genres und bestimmte die Wege für ihre weitere Entwicklung.

Irina Elfond

Literatur:

Empson W. Essays zur Literatur der Renaissance. Cambridge, 1995
Ausländische Literatur der Renaissance, des Barock, des Klassizismus. M., 1998
Lewis C.S. Studium der Literatur des Mittelalters und der Renaissance. Cambridge, 1998
Shaitanov I.O. Geschichte ausländische Literatur , Bd. 1. M., 2001. Bd. 2, 2002



Für die Europäer endete die Zeit des dunklen Mittelalters, gefolgt von der Renaissance. Dadurch konnte das fast verschwundene Erbe der Antike wiederbelebt und großartige Kunstwerke geschaffen werden. Eine wichtige Rolle in der Entwicklung der Menschheit spielten die Wissenschaftler der Renaissance.

Paradigma

Die Krise und die Zerstörung von Byzanz führten dazu, dass in Europa Tausende christlicher Auswanderer auftauchten, die Bücher mitbrachten. In diesen Manuskripten wurden Erkenntnisse aus der Antike gesammelt, die im Westen des Kontinents halb vergessen waren. Sie wurden zur Grundlage des Humanismus, der den Menschen, seine Ideen und den Wunsch nach Freiheit in den Mittelpunkt stellte. Im Laufe der Zeit entstanden in Städten, in denen die Rolle von Bankiers, Handwerkern, Kaufleuten und Handwerkern zunahm, säkulare Wissenschafts- und Bildungszentren, die nicht nur nicht unter der Herrschaft der katholischen Kirche standen, sondern oft gegen deren Diktate kämpften.

Gemälde von Giotto (Renaissance)

Künstler im Mittelalter schufen Werke mit überwiegend religiösem Inhalt. Insbesondere die Ikonenmalerei war lange Zeit das Hauptgenre der Malerei. Der erste, der beschloss, die einfachen Menschen auf seine Leinwände zu bringen und die kanonische Schreibweise der byzantinischen Schule aufzugeben, war Giotto di Bondone, der als Pionier der Proto-Renaissance gilt. Bei den Fresken der Kirche San Francesco in der Stadt Assisi verwendete er das Hell-Dunkel-Spiel und entfernte sich von der allgemein akzeptierten Kompositionsstruktur. Giottos wichtigstes Meisterwerk war jedoch das Gemälde der Arenakapelle in Padua. Interessanterweise wurde der Künstler unmittelbar nach diesem Auftrag mit der Dekoration des Rathauses beauftragt. Bei der Arbeit an einem der Gemälde konsultierte Giotto den Astronomen Pietro d'Abano, um eine möglichst zuverlässige Darstellung des „Himmelszeichens“ zu erreichen. Dank dieses Künstlers stellte die Malerei Menschen, Gegenstände und Naturphänomene nicht mehr nach bestimmten Regeln dar, sondern wurde realistischer.

Leonardo da Vinci

Viele Figuren der Renaissance verfügten über ein vielseitiges Talent. Allerdings ist keiner von ihnen in seiner Vielseitigkeit mit Leonardo da Vinci zu vergleichen. Er zeichnete sich als herausragender Maler, Architekt, Bildhauer, Anatom, Naturforscher und Ingenieur aus.

Im Jahr 1466 ging Leonardo da Vinci zum Studium nach Florenz, wo er neben der Malerei auch Chemie und Zeichnen studierte und sich außerdem Fähigkeiten im Umgang mit Metall, Leder und Gips aneignete.

Schon die ersten malerischen Gemälde des Künstlers hoben ihn unter seinen Kameraden im Laden hervor. Während seines langen, damals 68-jährigen Lebens schuf Leonardo da Vinci Meisterwerke wie „Mona Lisa“, „Johannes der Täufer“, „Dame mit dem Hermelin“, „Das letzte Abendmahl“ usw.

Wie andere prominente Persönlichkeiten der Renaissance interessierte sich der Künstler für Wissenschaft und Technik. Insbesondere ist bekannt, dass das von ihm erfundene Pistolenschloss mit Rädern bis ins 19. Jahrhundert verwendet wurde. Darüber hinaus schuf Leonardo da Vinci Zeichnungen eines Fallschirms, eines Flugzeugs, eines Suchscheinwerfers, eines Spektivs mit zwei Linsen usw.

Michelangelo

Wenn die Frage diskutiert wird, was die Renaissance-Figuren der Welt gegeben haben, enthält die Liste ihrer Leistungen zwangsläufig die Werke dieses herausragenden Architekten, Künstlers und Bildhauers.

Zu den berühmtesten Schöpfungen von Michelangelo Buonarroti zählen die Fresken an der Decke der Sixtinischen Kapelle, die Davidstatue, die Skulptur des Bacchus, die Marmorstatue der Madonna von Brügge, das Gemälde „Die Qual des Heiligen Antonius“ und viele mehr andere Meisterwerke der Weltkunst.

Rafael Santi

Der Künstler wurde 1483 geboren und lebte nur 37 Jahre. Das große Vermächtnis von Rafael Santi bringt ihn jedoch in die erste Reihe jeder symbolischen Bewertung als „herausragende Persönlichkeiten der Renaissance“.

Zu den Meisterwerken des Künstlers zählen „Die Krönung Mariens“ für den Oddi-Altar, „Porträt von Pietro Bembo“, „Dame mit Einhorn“, zahlreiche in Auftrag gegebene Fresken für Stanza della Senyatura usw.

Der Höhepunkt von Raffaels Schaffen ist die „Sixtinische Madonna“, geschaffen für den Altar des Tempels des Klosters St. Sixtus in Piacenza. Dieses Bild hinterlässt bei jedem, der es sieht, einen unvergesslichen Eindruck, da die darin dargestellte Maria auf unverständliche Weise die irdische und die himmlische Essenz der Gottesmutter vereint.

Albrecht Dürer

Berühmte Persönlichkeiten der Renaissance waren nicht nur Italiener. Unter ihnen ist der deutsche Maler und Kupferstecher Albrecht Dürer, der 1471 in Nürnberg geboren wurde. Zu seinen bedeutendsten Werken zählen der „Landauer Altar“, ein Selbstbildnis (1500), das Gemälde „Fest der Rosenkränze“ und drei „Meisterstiche“. Letztere gelten als Meisterwerke der grafischen Kunst aller Zeiten und Völker.

Tizian

Die großen Persönlichkeiten der Renaissance auf dem Gebiet der Malerei haben uns Bilder ihrer berühmtesten Zeitgenossen hinterlassen. Einer der herausragenden Porträtmaler dieser Epoche der europäischen Kunst war Tizian, der aus der bekannten Familie Vecellio stammte. Er verewigte auf Leinwand Federico Gonzaga, Karl V., Clarissa Strozzi, Pietro Aretino, den Architekten Giulio Romano und viele andere. Darüber hinaus gehören seine Pinsel zu Leinwänden zu Themen aus antike Mythologie. Wie hoch die Wertschätzung des Künstlers durch die Zeitgenossen war, zeigt die Tatsache, dass einst der Pinsel, der aus Tizians Händen fiel, eilig von Kaiser Karl V. abgeholt wurde. Der Monarch begründete seine Tat damit, dass es für ihn eine Ehre sei, einem solchen Meister zu dienen jeder.

Sandro Botticelli

Der Künstler wurde 1445 geboren. Ursprünglich wollte er Juwelier werden, doch dann gelangte er in die Werkstatt von Andrea Verrocchio, bei dem einst Leonardo da Vinci studierte. Neben Werken mit religiösen Themen schuf der Künstler mehrere Gemälde mit weltlichem Inhalt. Zu den Meisterwerken Botticellis zählen die Gemälde „Die Geburt der Venus“, „Frühling“, „Pallas und der Zentaur“ und viele andere.

Dante Alighieri

Die großen Persönlichkeiten der Renaissance haben ihre unauslöschlichen Spuren in der Weltliteratur hinterlassen. Einer der bedeutendsten Dichter dieser Zeit ist Dante Alighieri, der 1265 in Florenz geboren wurde. Im Alter von 37 Jahren wurde er aufgrund seiner politischen Ansichten aus seiner Heimatstadt vertrieben und wanderte bis zu seinen letzten Lebensjahren umher.

Als Kind verliebte sich Dante in seine Altersgenossin Beatrice Portinari. Als sie aufwuchs, heiratete das Mädchen eine andere und starb im Alter von 24 Jahren. Beatrice wurde zur Muse des Dichters und er widmete ihr seine Werke, darunter die Erzählung „Neues Leben“. Im Jahr 1306 beginnt Dante mit der Entstehung seiner „Göttlichen Komödie“, an der er fast 15 Jahre lang arbeitet. Darin entlarvt er die Laster der italienischen Gesellschaft, die Verbrechen von Päpsten und Kardinälen und versetzt seine Beatrice ins „Paradies“.

William Shakespeare

Obwohl die Ideen der Renaissance mit einiger Verzögerung auf die Britischen Inseln gelangten, entstanden auch dort herausragende Kunstwerke.

Insbesondere einer der berühmtesten Dramatiker der Menschheitsgeschichte, William Shakespeare, wirkte in England. Seit mehr als 500 Jahren haben seine Stücke nicht überall auf der Welt die Theaterbühnen verlassen. Er schrieb die Tragödie „Othello“, „Romeo und Julia“, „Hamlet“, „Macbeth“ sowie die Komödien „Twelfth Night“, „Viel Lärm um nichts“ und viele andere. Darüber hinaus ist Shakespeare für seine Sonette bekannt, die der mysteriösen Swarthy Lady gewidmet sind.

Leon Battista Alberti

Die Renaissance trug auch zu einer Veränderung des Erscheinungsbildes europäischer Städte bei. In dieser Zeit entstanden große architektonische Meisterwerke, darunter die römische Kathedrale St. Peter, die Laurentianische Treppe, die Kathedrale von Florenz usw. Der bekannte Wissenschaftler Leon Battista Alberti gehört neben Michelangelo zu den berühmten Architekten der Renaissance. Er leistete einen großen Beitrag zur Architektur, Kunsttheorie und Literatur. Zu seinem Interessengebiet gehörten auch die Probleme der Pädagogik und Ethik, der Mathematik und der Kartographie. Er schuf eines der ersten wissenschaftlichen Werke zur Architektur mit dem Titel „Zehn Bücher zur Architektur“. Diese Arbeit hatte großen Einfluss auf nachfolgende Generationen seiner Kollegen.

Jetzt kennen Sie die berühmtesten Kulturschaffenden der Renaissance, dank denen die menschliche Zivilisation in eine neue Runde ihrer Entwicklung eingetreten ist.

Tiefgreifende Veränderungen im sozioökonomischen und spirituellen Leben Italiens am Ende des XIV. Jahrhunderts. spielte eine entscheidende Rolle bei der Entstehung und Entwicklung einer gesamteuropäischen Kultur, der sogenannten Renaissance.

Das Hauptmerkmal der Erweckungsbewegung ist der Anthropozentrismus (griechisch anthropos – Mensch), eine Orientierung an einem umfassenden Verständnis der Existenz einer bestimmten Person, der Rechtfertigung ihres inneren Wertes. Humanistische Ansichten spiegeln sich in literarischen und künstlerischen Werken, philosophischen und wissenschaftlichen Abhandlungen wider.

Die Philosophie, die die Probleme des Universums (Ontologie, Naturphilosophie), die sozialgeschichtliche Entwicklung und den Erkenntnisprozess berücksichtigt, überwindet nach und nach die frühere theologische Form. Das spirituelle Leben der Gesellschaft beginnt, einen säkularen Charakter anzunehmen. Es entstehen erste politische Theorien und gesellschaftliche Utopien. Wesentliche Entwicklung erhält naturwissenschaftliches Wissen.

Die Hauptmerkmale der Renaissance

Die Ära der Renaissance (oder Renaissance), die in Italien (Ende des 14. Jahrhunderts) entstand, wird dann (15.-16. Jahrhundert) zu einem Phänomen der gesamteuropäischen Kultur. Der radikale Wandel im spirituellen Leben der europäischen Völker hatte tiefe Wurzeln in den sozioökonomischen Veränderungen, die durch die Bildung früher bürgerlicher Beziehungen verursacht wurden. Die Erweckungsbewegung beginnt in Venedig, Florenz, Genua (Norditalien), wo sich der Handel intensiv entwickelte, Prozesse der anfänglichen Kapitalakkumulation stattfanden und republikanische politische Regime dominierten. Im engeren Sinne bedeutete der Begriff „Wiederbelebung“ die aktive Nutzung der reichen Traditionen des antiken Erbes durch Schriftsteller, Philosophen und Wissenschaftler. Im weitesten Sinne ist es zum Synonym für die neue europäische Kultur geworden. Anthropozentrismus wird zu seinem wesentlichen Merkmal – ein intensives Interesse an einer bestimmten Person, ihren Aktivitäten, ihrem Platz in der Welt, ihrem Zweck, ihrer inneren und äußeren Erscheinung, ihren Bedürfnissen und Bestrebungen. Individualismus als Grundeinstellung bei der Betrachtung eines Menschen wird zum Mittel zur Begründung seines Selbstwertgefühls, zum Bedürfnis nach Befreiung von den gesellschaftspolitischen und spirituellen Fesseln des Mittelalters. Das Wachstum des persönlichen Faktors findet auch in der Sozialpsychologie seinen Ausdruck, der sich beispielsweise in Bezug auf den Zeitfaktor manifestiert. In dieser Zeit erschienen die ersten mechanischen Uhren auf den Türmen der italienischen Stadtstaaten. Der prominenteste Humanist G. Manetti argumentierte, dass der allmächtige Gott wie ein Bankier Zeit wie Geld an die Menschen verteilt und dann jeden streng nach der Zweckmäßigkeit der Verwendung fragt. Zeit wird zum aktiven Faktor persönlicher, individueller Aktivität.

In der Renaissance steigt der Bedarf an geistiger, intellektueller Arbeit, die Zahl der sogenannten „Freiberufe“ nimmt rasant zu und es bildet sich eine säkulare Intelligenz. Bei der Verbreitung und Entwicklung der neuen Kultur spielten „humanistische Zirkel“ eine wichtige Rolle – Gemeinschaften fortschrittlich denkender Vertreter von Kunst, Wissenschaft, Religion, die sich aktiv gegen die Dominanz der Scholastik stellten.

Die Entstehung einer humanistischen Weltanschauung

Die Philologie war die Haupttätigkeit der Humanisten. Humanisten begannen, nach Umschreibungen zu suchen, um zunächst literarische und dann künstlerische Denkmäler der Antike, vor allem Statuen, zu studieren. Darüber hinaus sind in Florenz – der antiken Stadt, die in der Antike von Yeshe gegründet wurde – sowie in Rom, Ravenna und Neapel vor allem griechische und römische Statuen, bemalte Gefäße, Rakonets und Gebäude erhalten geblieben. Zum ersten Mal in tausend Jahren des Christentums wurden antike Statuen nicht als heidnische Idole, sondern als Kunstwerke behandelt. Das Gleiche gilt für alte Bücher. Natürlich gerieten die antiken Denker nicht unwiderruflich in Vergessenheit – in der Zeit der sogenannten karolingischen Renaissance, also im 10. Jahrhundert, und ein Jahrhundert später, während der Herrschaft Kaiser Ottos, und zwar im gesamten Mittelalter der Antike Manuskripte wurden in Klöstern kopiert – sonst hätten sie einfach nicht einmal die Zeit der Renaissance erreicht, weil die Originale nicht erhalten geblieben sind. Und auf der Philosophie des Aristoteles baute Thomas von Aquin, der Schöpfer des theologischen Systems des Katholizismus, ein Weltbild auf, das die Kirche für ein Dogma hielt. Auch die alte angewandte Kunst, die das byzantinische Kunsthandwerk übernommen hatte, starb nicht aus.

Aber mit den Humanisten beginnt die Einbeziehung des antiken Erbes in das Bildungssystem, die Bekanntschaft mit antiker Literatur, Bildhauerei und Philosophie (also dem, was am besten erhalten ist) breiter gebildeter Kreise. Dichter und Künstler streben danach, antike Autoren zu imitieren und die antike Kunst im Allgemeinen wiederzubeleben. Aber wie so oft in der Geschichte, insbesondere in der Kunstgeschichte, führt die Wiederbelebung einiger alter Prinzipien und Formen (es sei denn natürlich, hochbegabte Menschen erwecken sie wieder) zur Schaffung eines völlig neuen Prinzips. Florenz war die anerkannte Hauptstadt der italienischen Renaissance. Hier wurde der große Dichter Dante Alighieri (1225-1321) geboren und erlangte weltweite Anerkennung. Seine Feder gehört zu: „Die Göttliche Komödie“, „Fest“, „Über die Monarchie“. Es waren diese Werke, die einen großen Einfluss auf den Geist und die Herzen der Menschen hatten und Humanisten inspirierten. Francesco Petrarca (1304-1374), ein weiterer großer Lyriker Italiens, gilt als Begründer der Erweckungsbewegung. In dem Laura gewidmeten Gedichtzyklus (Canzoniere) stehen der Askese des mittelalterlichen Bewusstseins natürliche Gefühle für die Geliebte und die Natur gegenüber. Als zutiefst religiöser Mann lehnte er die Scholastik, die er für die Verkörperung von Dummheit und Unsinn hielt, entschieden ab.

Die fortschrittliche Philosophie der Renaissance war ein integraler Bestandteil der humanistischen Kultur. Einer der tiefgreifendsten und originellsten Denker der frühen Renaissance war Nikolaus von Kues (1401–1464), ein Kardinal der römisch-katholischen Kirche. Seine Hauptwerke sind: „Über wissenschaftliche Ignoranz“, „Über Annahmen“, „Einfacher Mann“ (vier Dialoge), „Auf der Suche nach Gott“, „Auf der Jagd nach Weisheit“ und andere. Er war ein aktives Mitglied des humanistischen Kreises. Den größten Einfluss erlangte er, als sein Jugendfreund Papst Pius II. wurde und er tatsächlich den zweiten Platz in der Kirchenhierarchie einnahm. Das Werk von N. Kuzansky ist antischolastischer Natur, was sich in der pantheistischen Tendenz seiner Philosophie, einem verstärkten Interesse an der antiken Philosophie, manifestiert. Zahlreiche Werke nutzen die Ideen von Pythagoras, Demokrit, Anaxagoras, Aristoteles, Boethius, insbesondere Platon und den Neuplatonikern. Natürlich kann und kann er die kreationistischen Bestimmungen der christlichen Lehre nicht leugnen, aber im Gegenteil, als einer der Führer der römisch-katholischen Kirche versuchte er, deren Dogmen zu verteidigen. Dennoch untergrub die Identifikation von Gott und Natur (Pantheismus) auf die eine oder andere Weise das Schöpfungspostulat.

In der Erkenntnistheorie sah er das Hauptziel nicht darin, eine unveränderliche, für immer gegebene „göttliche Wahrheit“ zu erreichen, sondern in der unendlichen Erweiterung des menschlichen Wissens über die ihn umgebende Welt. Als Stufen der Erkenntnis hebt er hervor: Empfindungen, die zu vagen Vorstellungen von Dingen führen; Die Vernunft bezeichnet die Dinge mit Namen, operiert mit Figuren, deckt Gegensätze auf und stellt ihnen entgegen; Die Vernunft betreibt dialektisches Denken und überwindet durch die Fähigkeit, das Unendliche zu denken, alle Widerstände; Die Intuition verwirklicht das Verständnis der Wahrheit durch das völlige Zusammentreffen von Gegensätzen. Der Geist ist unabhängig von Empfindungen und Vernunft und ein Spiegelbild des absoluten Intellekts – Gottes. Kuzanets entwickelt die Lehre vom „Zusammentreffen von Gegensätzen“ im Unendlichen konsequent weiter und betrachtet die Probleme der Identität von „Maximum“ und „Minimum“ (Ontologie), absolut und relativ in der Erkenntnis („wissenschaftliche Unwissenheit“), „Mikrokosmos“ ( Mensch) und „Makrokosmos“ (Welt). Die Betrachtung dieser und anderer Probleme, deren Inhalt sich gegen den vorherrschenden Dogmatismus richtet, macht N. Kuzansky zu einem der Begründer des Neuen Europas. Die Entwicklung der humanistischen Weltanschauung ist eng mit der aktiven Entwicklung der Menschenlehre verbunden. Ein Beispiel hierfür ist das Werk von Pico Dela Mirandola (1463-1494), der die Idee des Platonismus über die „mittlere“ Stellung des Menschen zwischen dem Irdischen, Tierischen und Göttlichen entwickelt. Mit freiem Willen kann er zu einem Tier hinabsteigen oder zu einem gottähnlichen Wesen aufsteigen. Hier kommt das Hauptkonzept der Anthropologie der Renaissance zum Ausdruck: Der Mensch schafft sein eigenes Schicksal, ist „sein eigener Bildhauer und Schöpfer“, ist zu unbegrenzter Selbstverbesserung und einem glücklichen Leben auf Erden fähig, nicht im Himmel.

Politische Doktrinen und soziale Utopien

Tiefgreifende sozioökonomische Veränderungen tragen zur Manifestation neuer Vorstellungen über die politische Struktur der Gesellschaft, soziale Ideale sowie Wege und Mittel zu deren Verwirklichung bei. Einer der ersten bürgerlichen politischen Ideologen war Niccolò Machiavelli (1469-1527) – Staatsmann, Schriftsteller, Historiker. In seinem berühmtesten Werk „The Sovereign“ („Prinz“) enthüllt er die Motive für die Aktivitäten der Menschen – materielles Interesse, Egoismus. Die egoistische Natur des Menschen erfordert die staatliche Struktur der Gesellschaft. Der Staat ist die höchste Manifestation des menschlichen Geistes, und der Dienst am Staat ist der Sinn und das Glück des menschlichen Lebens. Machiavelli glaubt, dass die beste Staatsform eine Republik ist, in der jeder für sein Schicksal verantwortlich ist. Wenn das Volk jedoch keine entwickelten demokratischen Traditionen hat, kann der Souverän alle Mittel einsetzen, um politische Ziele zu erreichen. Als Privatperson kann der Souverän moralische Normen nicht außer Acht lassen, sie darf sie aber im Interesse des Wohlergehens des Staates nicht berücksichtigen. In der Zukunft begann man, den Machiavellismus als Skrupellosigkeit und Zynismus bei der Erreichung politischer Ziele zu verstehen. Machiavelli N. Sovereign. Moskau: Planeta, 1990/.

Der englische Humanist und Politiker Thomas More (1478-1535) versuchte in seinem Buch „Utopia“ die konkreten Probleme der gesellschaftlichen Neuordnung zu lösen. Das Buch besteht aus zwei Abschnitten. Der erste analysiert die konkreten historischen Bedingungen der englischen Gesellschaft im 16. Jahrhundert. Die zweite beschreibt die ideale soziale Struktur, die auf einer fiktiven Insel existiert – Utopia (gr. U – nein; topos – ein Ort. Ein Ort, der nicht existiert). Die Hauptprinzipien dieser Gesellschaft sind das Fehlen von Privateigentum und Pflichtarbeit für alle. Laut T. More VUtopien:

Es gibt kein Privateigentum;

alle Bürger beteiligen sich an der produktiven Arbeit;

Die Arbeit wird auf der Grundlage des allgemeinen Arbeitsdienstes geleistet;

Alle produzierten Produkte (Arbeitsergebnisse) gehen in das Eigentum der Gesellschaft über (öffentliche Lagerhäuser) und werden dann gleichmäßig unter allen Bewohnern Utopiens verteilt:

Da jeder mit der Arbeit beschäftigt ist, reicht ein kurzer Arbeitstag von sechs Stunden aus, um Utopia zu gewährleisten;

Personen, die besondere Fähigkeiten in den Naturwissenschaften nachgewiesen haben, sind von der Erwerbstätigkeit befreit;

Die schmutzigste Arbeit wird von Sklaven verrichtet – Kriegsgefangenen und verurteilten Kriminellen;

Die primäre Zelle der Gesellschaft ist keine blutsverwandte Familie, sondern eine „Arbeitsfamilie“ (eigentlich ein Arbeitskollektiv);

Alle Amtsträger werden gewählt – direkt oder indirekt;

Männer und Frauen haben gleiche Rechte (und auch gleiche Pflichten);

Die Bewohner glauben an Gott, es herrscht völlige religiöse Toleranz.

Ein weiteres, berühmtestes Projekt des sozialen Wiederaufbaus ist mit dem Namen Tommaso Campanella (1568-1639) verbunden. Sein naturwissenschaftliches Interesse verband sich mit einem noch größeren Interesse an den gesellschaftspolitischen Problemen seiner Zeit. Wegen seiner Teilnahme am Kampf gegen das spanische Joch verbrachte er etwa dreißig Jahre im Gefängnis, wo er sein Hauptwerk schrieb – „Die Stadt der Sonne“. Die Handlung findet in der fantastischen Stadt der Sonne statt, wo ihre Bewohner – Solarien – eine ideale, auf sozialer Gerechtigkeit basierende Gesellschaft aufgebaut haben und das Leben und Arbeiten genießen. Von Campanelle, in der Stadt der Sonne:

Es gibt kein Privateigentum;

Alle Bürger beteiligen sich an der produktiven Arbeit;

Die Ergebnisse der Arbeit werden Eigentum der gesamten Gesellschaft und werden dann gleichmäßig unter ihren Mitgliedern verteilt;

Arbeit wird mit gleichzeitiger Ausbildung kombiniert;

Das Leben in Solarien ist bis ins kleinste Detail geregelt, vom Aufstehen bis zum Schlafengehen;

Solarien machen alles gemeinsam: Sie gehen von Arbeit zu Arbeit, arbeiten, essen, ruhen sich aus, singen Lieder;

Der Bildung wird große Aufmerksamkeit geschenkt – von Geburt an wird das Kind seinen Eltern weggenommen und in Sonderschulen erzogen, wo es die Wissenschaften lernt und sich an das Gemeinschaftsleben und andere Verhaltensregeln der Stadt der Sonne gewöhnt;

An der Spitze der Stadt der Sonne steht ein lebenslanger Herrscher (von Solarien gewählt) – ein Metaphysiker, der über das gesamte Wissen seiner Zeit und aller Berufe verfügt.

Die Ideen der utopischen Sozialisten während der Renaissance waren eine Reaktion auf die soziale Ungerechtigkeit, die es gegeben hatte, und fanden viele Anhänger unter denen, die die Welt sowohl in der Renaissance als auch in der Zukunft verändern wollten.

Naturwissenschaftliche Ansichten der Renaissance, Naturphilosophie

Italienische Humanisten des XIV.-XV. Jahrhunderts. relativ geringes Interesse an den Naturwissenschaften. Aber die Entwicklung der Produktion und die Komplizierung der praktischen Tätigkeit zeigten die Notwendigkeit einer immer tieferen Untersuchung der Natur, um die Muster der in ihr ablaufenden Prozesse zu identifizieren. Eines der Merkmale der Renaissance-Wissenschaft ist, dass sie in enger Verbindung mit der Kunst entsteht. Darüber hinaus manifestiert sich diese Einheit manchmal in den Aktivitäten einer Person. Ein Beispiel hierfür ist das Werk eines brillanten Künstlers, Ingenieurs, Wissenschaftlers – Naturforschers, Philosophen – Leonardo da Vinci (1452-1519). Durch seine Ausbildung in Kunstwerkstätten entwickelt er sich schnell zu einem erstklassigen Meister der Malerei. Seine Gemälde „La Gioconda“, „Das letzte Abendmahl“ und andere stellen die wichtigsten Meisterwerke der Renaissance dar. Der Umfang seiner technischen Interessen ist grenzenlos. Er war der erste, der die Ideen eines Webstuhls, eines Fallschirms, eines Hubschraubers, eines U-Bootes, hydraulischer Schleusen und anderer zum Ausdruck brachte. Als unversöhnlicher Gegner der schulischen Wissenschaft sah er die Grundlage wissenschaftlichen Handelns in der Praxis und entwickelte eine Methode zielgerichteter Erfahrung – das Experiment. Er verstand die Bedeutung und Rolle der Wissenschaft für die Erkenntnis zutiefst („Die Wissenschaft ist der Befehlshaber und die Praxis sind die Soldaten“). Als Pionier der modernen Naturwissenschaften ging er zu Recht in die Geschichte der Wissenschaft ein

Die wichtigste wissenschaftliche Entdeckung des Berichtszeitraums ist das heliozentrische System von Nikolaus Kopernikus (1473-1543), das den Grundstein für die wissenschaftliche Astronomie legte. Der „kopernikanische Putsch“ untergrub die jahrhundertealte Dominanz der aristotelisch-ptolemäischen Kosmologie, die den zentralen Platz der Erde und ihre Unbeweglichkeit behauptete, zu weitreichenden Schlussfolgerungen über das Scheitern religiöser Ideen führte und zur Bildung einer wissenschaftlichen Theorie beitrug Weltanschauung und hatte einen entscheidenden Einfluss auf die Weiterentwicklung der Naturwissenschaften /Siehe. Dort. um 117-128/.

Die Ideen von N. Copernicus erhielten ihre umfassende Entwicklung in der Naturphilosophie des großen italienischen Denkers Giordano Bruno (1548-1600), der in seinem Werk so wichtige Merkmale der humanistischen Philosophie wie Pantheismus, Dialektik und einen scharfen Sinn am umfassendsten und tiefsten verkörperte von der Harmonie der Natur, ihrer Unendlichkeit. Der radikale Pantheismus des Denkers, d.h. die absolute Identifizierung von Gott und Natur, die das Postulat der Lehre von der Erschaffung der Welt leugnete – der Grund für seinen unversöhnlichen Konflikt mit der Kirche, der in seinem Schicksal eine tragische Rolle spielte. Grundlegend in seiner Lehre ist das Konzept des Einen, das sowohl die Ursache des Seins als auch die Existenz der Dinge selbst ist. Gott „bewegt“ sich sozusagen in die Natur, die seine Eigenschaften als Unendlichkeit in Raum und Zeit, schöpferische Natur und andere wahrnimmt. Basierend auf der Untrennbarkeit von Gott und Natur gab er dieser eine aktive Rolle und argumentierte, dass die Materie „alles aus ihrem Schoß erschafft“. Die Nolaner gaben allen Unendlichkeiten der Welt physikalische Homogenität, hielten am Hylozoismus (universelle Belebung der Natur) fest und erklärten damit den Grund für die Bewegung kosmischer Körper: Das Gesetz der universellen Gravitation sei noch nicht entdeckt worden. Er nutzt aktiv die Bestimmungen der Dialektik von N. Cusa, befreit sie von theologischen Inhalten und formuliert sie als Naturlehre. J. Bruno weigert sich beispielsweise, das absolute Zentrum des Universums anzuerkennen: Die Unendlichkeit des Einen schließt die Möglichkeit eines solchen Zentrums aus. Dadurch werden verschiedene theologische und schulische Beschränkungen der Unendlichkeit des Universums und der umgebenden Welt aufgehoben. Der naturalistische Pantheismus von G. Bruno spielte eine wichtige Rolle und fand seine Fortsetzung im europäischen Freigeist des 18.-19. Jahrhunderts. /Cm. Dort. um 154-176/.

Galileo Galilei (1564-1642) – der große Naturwissenschaftler vollendet die Entwicklung der Wissenschaft der Renaissance und eröffnet die Seite der europäischen experimentellen und mathematischen Naturwissenschaft. Der Gegner der scholastischen Wissenschaft, Galileo, begründete eine mechanistische Interpretation der Welt und vertrat die Ansichten des Deismus. Aufgrund der von ihm formulierten Beweise verwandelt sich das heliozentrische System von N. Copernicus und J. Bruno von einer Hypothese in eine demonstrative Theorie. Der Wissenschaftler revidiert die bisherigen physikalischen Ansichten, die unter dem starken Einfluss der Scholastik standen, und schafft Dynamik – die Lehre von der Bewegung von Körpern. Die Entdeckung der Gesetze der Mechanik sowie der Gesetze der Planetenbewegung um die Sonne (I. Kepler), deren Kenntnis auf mathematischen Methoden beruhte, führt zur endgültigen Ablehnung der Elemente des Anthropomorphismus. Der Begriff des Naturgesetzes erhält einen streng wissenschaftlichen Inhalt. Galilei formulierte seine Hauptgedanken im „Dialog über die beiden Hauptsysteme der Welt – Ptolemäer und Kopernikan“. Die Inquisition zwang den Wissenschaftler unter Androhung der Verbrennung, offiziell auf seine „Wahnvorstellungen“ zu verzichten, aber nichts konnte die fortschreitende Entwicklung der Wissenschaft aufhalten

Die Ära ... neuer Voraussetzungen für die Bildung einer humanistischen Kultur Epoche Renaissance war die Entstehung einer humanistischen Intelligenz. ... über den sozialen Elitismus der bürgerlichen Kultur. IN Epoche Renaissance Zum ersten Mal gab es eine Idee von intellektueller ...

Epoche Renaissance (10)

Zusammenfassung >> Philosophie

IV. PHILOSOPHIE ALTER WIEDERBELEBUNG Manchmal der Begriff Renaissance" wird im weitesten Sinne verstanden ... zur Natur, was passiert ist Epoche Renaissance, kann mit einem Schlagwort illustriert werden ... Geheimnis. Und nur in Epoche Renaissance es ist eine irdische Frau, Geliebte, ...