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Interieur mit einer lesenden Frau. Gemälde von Carl Holsø. Dänemark, vor 1935

Doktor der Philologie Sergey Zenkin erklärt den Nutzen der Literatur anhand von sechs Konzepten aus der Theorie als Beispiel. Inspirierender Artikel, nach dem Sie ein Buch zur Hand nehmen möchten.

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Das Stück "At the Bottom" endet sehr spektakulär. Die Mitbewohner – es gibt keinen Luka mehr, keinen Ash, Anna ist gestorben, Kostylev wurde getötet – singen ein Lied. Dieses Lied spielt während des gesamten Stücks:

Die Sonne geht auf und unter
Und mein Gefängnis ist dunkel.
Tage und Nächte sind stündlich
Bewache mein Fenster.

Bewache, wie du willst
Ich werde sowieso nicht weglaufen.
Ich möchte frei sein -
Ich kann die Kette nicht brechen.

Diesmal haben sie keine Zeit, das Lied vor dem Ende der zweiten Strophe zu beenden. Die Tür bricht auf, an der Tür steht der Baron, der ruft: „Komm her! In der Einöde ... dort ... Der Schauspieler ... hat sich selbst erwürgt! Und dann spricht Satin die letzte Zeile des Stücks aus: "Eh ... ruined the song ... stupid-cancer."

Wer hat das Lied ruiniert? Auf den ersten Blick ist alles klar: Das Lied wurde vom Baron ruiniert. Aber es kommt oft vor, dass die erste Bedeutung die zweite zieht und die zweite sich als tiefer, wichtiger und zuverlässiger herausstellt als die erste.

Was bedeutet „kann oder darf nicht die Kette brechen“? Vielleicht beginne ich mein Leben noch einmal von vorne oder auch nicht, verlasse diesen Keller, diese Pension. Erinnern wir uns, dass der gesamte vierte Akt des Schauspielers – und nicht nur der Schauspieler, sondern auch Nastya – sagt: „Ich werde gehen“ („Er wird gehen“, sagt der Schauspieler).

Und neben dem Lied erklingt als weiterer ideologischer Pol des Stücks eine Strophe. An dieses Gedicht von Beranger „Mad Men“ erinnert sich der Schauspieler, wenn er es schafft, sich zu enthalten, nicht zu trinken. Überrascht sagt er: „Hier sind sie, zwei Fünf-Altyns. Die Straße ist Kreide, aber ich trinke nicht.“

Herr! Wenn die Wahrheit heilig ist
Die Welt weiß nicht, wie man den Weg findet -
Ehre dem Verrückten, der inspirieren wird
Die Menschheit hat einen goldenen Traum!

Wenn morgen die Erde unser Weg ist
Vergessen, unsere Sonne zu scheinen -
Morgen würde die ganze Welt erleuchten
Der Gedanke eines Verrückten!

Aus diesen Kontrasten – Licht und Dunkelheit, Gefängnis und Freiheit – besteht das Stück „At the Bottom“.

Man kann darüber streiten, ob Luka lügt, wenn er dem Schauspieler von einer Stadt erzählt, in der es ein Krankenhaus gibt, in dem Betrunkene behandelt werden. Der Schauspieler ist voller Hoffnung, dass er sich erholen und auf die Bühne zurückkehren kann, und Luka sagt zu ihm: „Ich werde die Stadt für dich benennen, aber fürs Erste unterlässt du es, trink nicht.“ Eine Zeit lang schafft es der Schauspieler wirklich, nicht zu trinken. Und warum nennt Lukas die Städte nicht? Vor allem in populären Lehrbüchern findet man eine solche Aussage: "Luke belügt den Schauspieler, und es gab keine Krankenhäuser." Tatsächlich gab es Krankenhäuser, und es gab sogar ein spezielles Magazin, das die Sobriety Society herausgab - es gab eine sehr breite Kampagne zur Bekämpfung des Alkoholismus. Ich denke, dass Lukas keine Städte und Krankenhäuser nennt, nicht weil es sie nicht gibt, sondern weil man sich befreien muss.

Es gibt einen sehr wichtigen Moment im vierten Akt, wenn der Tatar betet, der Schauspieler von der Koje herunterkommt und sagt: "Prinz, bete für mich." Worauf der Tatar antwortet: "Bete dich selbst ..." Was bedeutet das? Unhöflichkeit, Unmenschlichkeit, Egoismus, Gefühllosigkeit der Mitbewohner? Nein. Man muss einfach glauben.

Wie Satin, der bereits von den Ideen des Lukas fermentiert wurde, sagt, zahlt der Mensch alles selbst – für den Glauben, für den Unglauben. Der Mensch muss sich befreien – er braucht keinen Führer. Und dann erinnert sich der Schauspieler an dieses Gedicht von Beranger. Und hier kollidieren diese beiden Wahrheiten, die bei Gorki immer kollidierten. Die erste ist die Wahrheit einer realen Tatsache, die Wahrheit ist offensichtlich:

„Was für eine Wahrheit brauchst du, Vaska? Bubnov fragt Vaska Ash. „Du kennst die Wahrheit über dich selbst, und jeder weiß sie über dich.“

Was bedeutet das? Das bedeutet, dass Vaska ein Dieb ist, Nastya eine Prostituierte, Baron ein Zuhälter und Satin ein Kartenbetrüger. Hier ist sie, die Wahrheit dieser unmenschlichen, zweifellos realen, aber offensichtlich nicht die einzige Welt.

Gorki sagt, dass es noch eine andere Wahrheit gibt. Es gibt die Wahrheit des menschlichen Strebens, die Wahrheit des menschlichen Ideals. Und sie ist stärker, sie ist wichtiger. Im vierten Akt hat der Schauspieler ständig das Gefühl, dass er die Kette sprengen muss, er muss gehen. Eine andere Sache ist, dass er nur so gehen kann, wie er gegangen ist, nur durch Selbstmord.

Es gibt eine interessante Schnittmenge zwischen der Handlung des vierten Akts „Ganz unten“ und dem Gleichnis vom rechtschaffenen Land, das Lukas zuvor erzählt hat: Wie ein Mann den verbannten Ingenieur bat, auf der Karte zu zeigen, wo sich das rechtschaffene Land befindet. Und er legte seine Karten aus und sagte: "Es gibt nirgendwo rechtschaffenes Land." "Wie nicht?" Und der Mensch lebte und hielt nur daran fest, weil er an dieses gerechte Land glaubte, darauf hoffte. "Du Bastard, kein Wissenschaftler!" - und in seinen Zähnen. Und dann ging er und erhängte sich.

Und was ist die Wahrheit? Dass dieses gerechte Land nicht existiert? Ja, es ist nicht auf der Karte. Aber bedeutet das, dass es überhaupt nicht existiert? Es ist sehr wichtig.

Dieses Stück, das im Dezember 1902 im Art Theatre aufgeführt wurde, klang wie ein revolutionäres. Denn die Bedeutung war folgende: Solange ein Mensch im Keller lebt, wird er sich nicht befreien können, er wird kein Mensch sein können. Wir müssen diesen Keller zerstören. Aber bis zu den letzten Aufführungen (und das Stück ist immer noch inszeniert) lässt es sich nicht auf eine Idee, auf einen Gedanken reduzieren, es kann nicht ein für alle Mal eindeutig interpretiert werden.

Gorki war verwirrt darüber, wie Ivan Moskvin Luka spielte. Und Moskwin spielte keinen Gauner. Hier stehen wir vor einer für Gorki sehr charakteristischen Situation. Gorki mochte seine Stücke nicht sehr, er hielt sich nicht für einen bedeutenden Dramatiker, aber er versuchte, seine eigenen Stücke zu kommentieren und zu interpretieren. Insbesondere interpretierte er nach seiner Rückkehr in die UdSSR das Stück "At the Bottom" als ein Stück, das sich gegen tröstende Lügen richtete. Aber alles, was Gorki sagen wollte, hat er mit dem Stück selbst gesagt. Seine Interpretation ist nur eine der möglichen. Wie überzeugend es ist, entscheiden jedes Mal das Theater, der Leser, die Schauspieler und der Literaturhistoriker auf ihre Weise.

Entschlüsselung

1904 schrieb Innokenty Fedorovich Annensky einen Programmartikel mit dem Titel "Balmont-lyric". Sie war dem Werk von Konstantin Balmont gewidmet, aber dort bestimmte Annensky, wie so oft bei Dichtern, auch das Hauptthema seines eigenen Schaffens. " ICH inmitten der Natur, ihm mystisch nahe und jemand, der schmerzlich und ziellos mit seiner Existenz verbunden ist. Ich möchte die Aufmerksamkeit auf das Wort "verknüpft" lenken, weil dieses Thema - bedeutungslos, ziellos, von jemandem (ob von Gott oder nicht von Gott, es ist nicht klar, von wem) - die verknüpfte Existenz von Mensch und Natur - tatsächlich in Viele von Annenskys Gedichten entstehen, entwickeln sich und gehen unterschiedlich damit um. Und genau zu diesem Thema wurde das Gedicht "Black Spring" geschrieben. Es beschreibt die Beerdigung eines Menschen. Darüber hinaus werden sie mit einer solchen Gogo-Levish-Unterbeleuchtung beschrieben.

Unter dem Grollen von Kupfer - Grab
Es gab eine Überweisung
Und, furchtbar gemobbt, wächsern
Aus der Sargnase geschaut.

Hier ist sie, Gogols Erleuchtung – eine Nase, die wie ein Mensch aussieht. Und hier mag sich einer der Leser an die Legende erinnern (und für Annensky war das natürlich wichtig), dass Gogol lebendig begraben wurde. Und dann geht dieses Thema einer lebenden Nase, einer wiederbelebten Nase an einem toten Körper, weiter.

Atem oder so was wollte er
Dort, in einer leeren Truhe? ..
Der letzte Schnee war dunkelweiß
Und der lose Weg ist hart ...

Eine Nase, die atmen will. Die personifizierende Nase wird zu einer lebendigen Existenz. „Der letzte Schnee war dunkelweiß und der lose Weg ist hart“ - dies ist anscheinend der letzte Weg zum Friedhof, der Sarg, der dorthin gebracht wird.

Und dann dieses Bild: "Der letzte Schnee war dunkelweiß" - Annensky beginnt, das Thema nicht nur des Todes eines Menschen, sondern auch des sterbenden Winters zu spielen. Jeder von uns erinnert sich, wenn der Schnee schwarz wird, locker und schwammig wird. Annensky ist bemerkenswert fähig, mit Realitäten zu arbeiten, mit Objekten zu arbeiten. Schnee, der zur Trauer wird. Und dann eine Strophe, die schon mit dem Tod des Winters und mit dem Tod eines Menschen zusammenhängt.

... und nur Frost, wolkig,
Es ergoss sich glimmend
Ja blöd schwarze Feder
Ich sah in das Gelee des Auges ...

Diese Strophe ist sehr ausdrucksstark und wunderbar. Wenn von „Raureif, der auf Schwelbrand strömt“ die Rede ist, stellt sich dem Leser die Frage „Wessen Schwelbrand?“. In der Tat ist es klar, dass schwelende und menschlicher Körper(der Sarg ist anscheinend offen und Reif tropft darauf) und die Natur, die ebenfalls mit diesem ekelhaften Reif bedeckt ist. Und so Weg tot der Mensch und der sterbende Winter sind gleichsam zu einem sehr düsteren Bild verbunden, wie es oft bei Annensky der Fall ist.

Ich möchte auf eines der meiner Meinung nach schrecklichsten Bilder in der russischen Poesie aufmerksam machen - Gelee-Auge. Hier werden einerseits die offenen Augen eines Toten beschrieben. Die Augen sind entspannt, entspannt, lethargisch, manche blicken sinnlos auf den Tod der Natur. Andererseits antwortet die Natur auf diesen Blick, die schwarze Quelle antwortet. Es ist Trauer: Das sind schwarze Äste und schwarzer Schnee. Und sie (auch ein schreckliches und sehr ausdrucksstarkes Wort) dumm schaut in dieses wackelige Auge. Es gibt zwei dumme, nichtssagende Sichtweisen von Natur und Mensch aufeinander. Und dann geht es weiter mit diesem Thema.

... Von schäbigen Dächern, von braunen Gruben,
Von grünen Gesichtern.
Und dort, über die toten Felder,
Von den geschwollenen Flügeln der Vögel...

"Die Dächer sind schäbig." Das ist auch sehr genaues Bild. Schnee untergraben, Farbe von ihnen entfernt. „...Aus den braunen Gruben“ – diese Quellgruben wurden freigelegt, und sofort taucht hier das Thema Grab auf: Gräber, die in der Natur verstreut liegen. Und dann ein wunderbares Bild "mit grünen Gesichtern ...". Das Gedicht heißt „Schwarzer Frühling“, und wir warten auf das Wort „Grün“, denn im Frühling ist alles grün. Es sind nicht die Linden, die hier grün werden – man könnte zum Beispiel von „grünen Linden“ sagen – hier werden die Gesichter grün, die hageren Gesichter, die müden Gesichter der Menschen, die an diesen Beerdigungen teilnehmen. Und dann das Direkte: "Und dort, über die toten Felder." Wir sind es gewohnt: Frühling ist, im Gegenteil, Leben wird geboren. Annensky betont etwas anderes – tote Felder.

"Von den geschwollenen Flügeln der Vögel ..." Auch ein sehr schrecklicher Beiname geschwollen weil der Körper des Verstorbenen geschwollen ist. Wir sind es gewohnt: In der Poesie symbolisieren Vögel den Anfang: Türme, Stare, fliegende Vögel. Hier fliegen diese Vögel offensichtlich nicht - sie sitzen auf diesen toten Feldern und können nicht abheben, weil sie vom Tod des Winters, von der Feuchtigkeit, die sie überflutet, geschwollen sind. Und das Gedicht endet nicht mit einer Metapher, nicht mit einem Symbol, wie wir es wohl von Annensky erwarten dürfen, es endet mit einer sehr direkten Allegorie, einem direkten Appell.

O Leute! Schwere Lebensspur
Entlang der zerfurchten Pfade,
Aber es gibt nichts Traurigeres
Wie das Aufeinandertreffen zweier Todesfälle.

Dies ist das Zusammentreffen des Todes des Menschen und des Todes des Winters. An dieser Stelle möchte ich auf zwei weitere Dinge aufmerksam machen. Erstens: Annensky arbeitet sehr gekonnt mit dem traditionellen, jahrhundertealten Kulturbild vom Ende des Winters und dem Erwachen des Frühlings. Dies wird manchmal als das Wort "Topos" bezeichnet. Wie ist es angeordnet? Der Winter ist eine alte Frau, der Winter geht und alle freuen sich, dass ein junger Frühling kommt. Ich erinnere Sie an zwei Texte – einen poetischen, einen bildhaften. Poetisch ist der Text, den wahrscheinlich jeder in der Schule gelernt hat, Fedor Tyutchev:

Der Winter wird wütend
Ihre Zeit ist abgelaufen
Der Frühling klopft ans Fenster
Und fährt vom Hof ​​ab.

Frühling und Trauer ist nicht genug:
Im Schnee angespült
Und wurde nur rot
Gegen den Feind.

Und das zweite ist ein Gemälde von Sandro Botticelli „Frühling“. Keines der Bilder darauf verkörpert den Frühling einzeln, sondern alle zusammen – junge, blühende, schöne Mädchen in transparenten Kleidern, ihre frischen Körper scheinen durch die Kleider: alles erwacht, alles erwacht zum Leben. Annensky arbeitet sehr ausdrucksstark, aber bei ihm ist alles genau umgekehrt. Er betont weniger die Geburt des Frühlings als vielmehr den Tod des Winters, denn es ist ihm wichtig, dieses sinnlose, ziellos zusammengeschusterte Leben von Mensch und Natur zu zeigen.

Und das zweite, worauf ich achten möchte, ist die Unterschrift: "29. März 1906, Totma". Totma ist ein Ort nicht weit von Wologda, ganz im Norden, wo der Frühling wirklich sehr langsam kommt, traurig, nicht freudig. Dies ist kein italienischer, kein südlicher, kein Kiewer Frühling. Aber das Datum des 29. März 1906 erscheint mir noch interessanter, weil das jüdische Pessach auf den 29. März 1906 fiel. Und das macht den ganzen Punkt aus. Ostern ist im russischen Geist das christliche Ostern, seine Bedeutung ist das Sterben um der Auferstehung willen. Bei Annensky ist alles genau umgekehrt: Für ihn endet das Sterben nicht mit der Auferstehung. Der Mensch stirbt, der Frühling stirbt, aber es gibt kein göttliches Eingreifen.

Um zu demonstrieren, dass diese Assoziation nicht zufällig ist, möchte ich Annenskys Gedicht „Palmwoche“ (also eine der Fastenwochen vor Ostern) lesen, in dem das gleiche Thema und ähnliche Bilder vorkommen.

In der gelben Dämmerung des toten Aprils,
Abschied nehmen von der Sternenwüste,
Palm Week segelte davon
Auf der letzten, auf der toten Schneescholle;

In duftendem Rauch davongesegelt,
Im Verblassen der Totenglocken,
Von Ikonen mit tiefen Augen
Und vom Lazarus, vergessen in der schwarzen Grube.

"In der gelben Dämmerung des toten Aprils", "am letzten, auf der toten Schneescholle." Dies ist der sterbende Winter. "...vom ​​Lazarus, vergessen in der schwarzen Grube" - hier ist es, das Schlüsselbild. Wenn im Evangelium, wie wir uns erinnern, eines der Hauptereignisse, eines der Hauptwunder Christi die Auferstehung der Toten ist, die sich bereits zu zersetzen beginnen, angeschwollen, wenn Sie so wollen, Lazarus, dann stirbt Lazarus bei Annensky für immer. Er wird nicht auferstehen, und er wird in der schwarzen Grube vergessen.

Entschlüsselung

Wir werden über eines der berühmtesten Gedichte von Sergei Yesenin "Brief an die Mutter" sprechen, das 1924 geschrieben wurde. Auf den ersten Blick hinterlässt dieses Gedicht ein Gefühl von etwas absolut Integralem, Monolithischem. Und es machte immer den Eindruck eines absoluten Ganzen, seit Yesenin es in verschiedenen Wohnzimmern und in verschiedenen Ausgaben zu lesen begann: Mitleid, Anteilnahme, Tränen. Lesen wir die Memoiren des Verlagsmitarbeiters Ivan Evdokimov:

„Ich erinnere mich, wie mir ein kleiner kalter Schock über den Rücken lief, als ich hörte: „Sie schreiben mir, dass Sie, Angst verbergend, / sehr traurig über mich sind. / Dass du oft auf die Straße gehst / In einem altmodischen schäbigen Stall.
Ich sah ihn schief an. Am Fenster verdunkelte sich die äußerst melancholische und melancholische Figur des Dichters. Yesenin schüttelte mitleidig den Kopf: "... Als ob jemand in einem Wirtshauskampf wäre / ich habe mir ein finnisches Messer unters Herz gelegt", verstummte Yesenins Stimme. Er merkte, dass er mühsam weitermachte, grunzte, stammelte noch einmal die Zeilen „/ Im Frühling unser weißer Garten“.
Außerdem verschwinden meine Eindrücke, weil meine Kehle fest und grausam zugeklemmt wurde. Ich versteckte und versteckte mich und weinte in den Tiefen eines riesigen lächerlichen Stuhls, auf dem ich in der dunkler werdenden Wand zwischen den Fenstern saß.

So reagierten sie mehr als einmal auf Yesenins Gedicht. So reagieren sie bis heute. Dieses Gedicht ist jedoch keineswegs vollständig. Es besteht aus Fetzen, Zitaten aus völlig unterschiedlichen und unvereinbaren Traditionen.

Lassen Sie uns dieses Gedicht lesen und sehen, welche Traditionen Yesenin übernimmt, was er berührt, was er verwendet.

Lebst du noch, meine alte Dame?
Ich lebe auch. Hallo du, hallo!
Lass es über deine Hütte fließen
An jenem Abend unsägliches Licht.

„Unspeakable Light“ ist ein Zitat von Blok. Und der mystische Block:

Und voll geschätztem Zittern
Lang ersehnte Jahre
Wir werden im Gelände stürmen
In die unsägliche Welt.

Alexander Block.„Wir leben in einer alten Zelle …“

Dieses Zitat ist in Yesenins Gedicht völlig fehl am Platz. Für Blok bedeutet dieser Satz überhaupt nicht, was er für Yesenin bedeuten sollte. Weiter:

Sie schreiben mir, dass Sie, Angst verbergend,
Sie war sehr traurig um mich,
Was machst du oft auf der Straße
In einem altmodischen baufälligen Zustand.

Dies ist Nekrasov mit seinem charakteristischen ikonischen Reim „Alarm“ - „Straße“:

Was schaust du gierig auf die Straße
Weg von fröhlichen Freundinnen?
Zu wissen, der Herzschlagalarm -
Dein ganzes Gesicht leuchtete plötzlich auf.

Nikolay Nekrasov."Troika"

Und du in der abendlichen blauen Dunkelheit
Wir sehen oft dasselbe:
Als würde sich jemand in einer Taverne um mich streiten
Er legte ein finnisches Messer unter das Herz.

Das finnische Messer ist eine grausame urbane Romanze aus einer ganz anderen Oper.

Nichts, Schatz! Sich beruhigen.
Es ist einfach schmerzhafter Bullshit.
Ich bin nicht so ein bitterer Säufer,
Zu sterben, ohne dich zu sehen.

Die Situation der grausamen Romantik verschärft sich, Assoziationen mit Romantik werden stärker. Aber ein scharfer Bruch:

Ich bin immer noch genauso sanft
Und ich träume nur davon
Also eher aus rebellischer Sehnsucht
Kehre zu unserem niedrigen Haus zurück.

Sanft-rebellisch. Lermontov, klassische Romanze, Pleshcheev Alexey Pleshcheev(1825-1893) - Schriftsteller, Dichter und Romanautor, Übersetzer, Kritiker., Romantik-ty-che-sky-Tradition. Ganz andere Assoziationen. Und sie intensivieren sich in der nächsten Strophe.

Ich komme wieder, wenn sich die Zweige ausbreiten
Im Frühling unser weißer Garten.

Eine typische Romantik-Formel „Weck mich nicht auf“. Außerdem ist „keine Sorge“ eine weitere romantische Zitatformel. Weiter "früher Morgen" - das sind romantische Assoziationen. Das grausame Romantik, dann eine Salonromanze und eine romantische Tradition, dann ein bitterer Nekrasov, dann ein Blok-Zitat. Und das alles steht im Zeichen von Puschkin. Darüber, wie Puschkin in diesem Gedicht auftaucht, schreibt Dovlatov gut und erinnert sich in der "Reserve" an seine Arbeit als ehemaliger Hühnerzüchter in Pushkinskiye Gory:

„Ich ziehe in das Zimmer von Arina Rodionovna …“ Als einzig wirklich nahe stehende Person entpuppte sich das Leibeigene Kindermädchen ... aufrichtig religiös und äußerst sachlich ... „Basrelief von Seryakov ... frei - abgelehnt ... "
Und endlich:
- Der Dichter wandte sich hin und wieder in Versen an das Kindermädchen. Jeder kennt solche zum Beispiel aufrichtigen Zeilen ...
Dann vergaß ich mich auf se-kun-du und schauderte, als ich meine eigene Stimme hörte:
„Lebst du noch, meine alte Dame? / Ich lebe auch. Hallo du, hallo! / Lass es über deinen Busch fließen ... "
Ich friere. Jetzt wird jemand schreien; „Verrückt und ignorant! Das ist Yesenin, ‚Brief an die Mutter‘!“
Ich deklamierte weiter und sagte verzweifelt: „Ja, Genossen, Sie haben absolut recht. Natürlich ist dies Yesenin. Und wirklich-aber - "Brief an die Mutter". Aber wie nah, wohlgemerkt, die Intonation von Puschkin an den Texten von Sergei Yesenin liegt! Wie organisch es sich in Yesenins Poetik verwirklicht …“ Und so weiter.
Ich rezitierte weiter. Irgendwo am Ende leuchtete bedrohlich ein finnisches Messer ... „Tra-ta-tita-tam in einem Wirtshauskampf, tra-ta-tam, ein finnisches Messer unter dem Herzen ...“ In einem Zentimeter von dieser bedrohlich glänzenden Klinge , ich schaffte es , langsamer zu werden . In der Stille der Jetzt-stu-pi-Stimme wartete ich auf den Sturm. Alle schwiegen. Die Gesichter waren aufgeregt und streng. Nur ein älterer Tourist sagte bedeutungsvoll:
Ja, da waren Leute...

Hier ist diese Puschkin-Atmosphäre, Puschkins gemeinsame große Assoziation. Dies ist ein weiteres zusätzliches Stück, das Yesenin für die emotionale Struktur dieses Gedichts verwendet hat.

Also Klappen, verschiedene Traditionen. Habe es überall. Und doch ... Was verbindet die beiden Zitate, die ich gegeben habe, Evdokimov und Dovlatov? All dem lauscht das Publikum mit angehaltenem Atem. Emotionen reagieren absolut wahr. Dieser Vers-ho-your-re-ing funktioniert wirklich. Wofür? Was ist das Geheimnis? Ich glaube, es gibt drei Geheimnisse.

Erstens ist es Tatsache, dass Yesenin der erste Dichter sein könnte, der seine persönliche Erfahrung und Poesie so eng vereinte. Was gestern ein skandalöser Vorfall war, wurde heute zum Thema eines Gedichts. Yesenin hat den Grund seines Lebens nicht verborgen. Sie war allen bekannt und war weniger durch Gerüchte als durch Linien bekannt. Yesenin teilte der Öffentlichkeit mit, was mit ihm geschah – natürlich mythologisierend, verschönernd, Licht und Schatten setzend, wie er es brauchte. Aber geteilt. Er verbarg fast nichts. Und gleichzeitig wandte er sich an Zuhörer und Leser, an alle, als an den einzigen vertrauten Freund, der verstehen würde: „Ihr werdet mich verstehen, aber andere nicht. Ich werde dir diesen Schmerz erzählen. Und andere - lassen Sie sie. Hier ist eine solche Intonation - sie konnte nicht anders, als die Öffentlichkeit zu beeinflussen und beeinflusst sie immer noch.

Und alle, einschließlich Evdokimov in diesen Memoiren, alle haben das Gefühl, dass Yesenin morgen etwas passieren könnte. Dass dieses finnische Messer morgen im Leben realisierbar ist. Dass sie ihn verletzen oder etwas Unwiederbringliches passieren wird. Und wir wissen jetzt, dass dies irreparabel passiert ist. Aus dieser unglaublichen, nie zuvor gegebenen Verbindung zwischen persönlicher Erfahrung und Vers kommt unsere Antwort in vielerlei Hinsicht. Es ist fast unvermeidlich. Das ist das erste.

Das zweite ist natürlich Yesenins Poetik, die dem Forscher eklektisch erscheint, sich aber auch für ihn als ein Ganzes erweist. Wofür? Durch Schlüsselwörter. Meine Version ist, dass solche Schlüsselwörter "shushun" und "very much" sind. Dieser unverständliche Dialekt Shushun (selten kann sich jemand vorstellen, was es ist - und es ist nicht notwendig) - er organisiert irgendwie alles, verbindet alles. Und, verbunden mit dem Wort „sehr viel“, auch umgangssprachlich und irgendwie unbeholfen, aber gleichzeitig aufrichtig, gibt er „sh“ und „g“ diese erstaunliche Alliteration.

Lesen und hören wir: „Lebst du noch, meine Alte? / Ich lebe auch. Hallo du, hallo! / Lass es über deine Hütte fließen / An jenem Abend unsagbares Licht. / Sie schreiben mir, dass du, deine Angst verbergend, / sehr traurig um mich geworden bist, / dass du oft auf die Straße gehst, / altmodisch baufällig. Hier ist es, diese Geschmeidigkeit, diese Liedähnlichkeit, die Yesenin immer gegeben war, und das ist das „sch“, das durch das Gedicht hindurch in Wellen auseinanderläuft. Diese umständlichen und seltsamen Worte, die alles real machen.

Und drittens. Vielleicht das Wichtigste. Es gibt eine echte, aufrichtige Note in diesem Gedicht. Ein wirklich großes Thema, das Thema der letzten flüchtigen Hoffnung. Letzte Chance, letzte Bedeutung, an der man sich festhalten kann. Der Punkt ist, dass alles später arbeiten Yesenin zeichnet sich durch das Entweichen von Bedeutungen aus. Er hatte nichts, womit er leben konnte, nichts, worüber er schreiben konnte. Nur um mich selbst und ewiges Selbstmitleid. Ein gutes, großes russisches Thema, aber für Poesie reicht es nicht - für ihn war es auch nicht genug. Und jedes Mal scheint er nach Halt zu suchen, nach etwas, an dem er sich festhalten kann. Und hier ist das alte Thema der Mutter.

Ob er seine Mutter liebte oder nicht, das lässt sich nie nachvollziehen. Er versuchte zu lieben, hasste aber eher, nach den Aussagen von Memoirenschreibern und manchmal sogar seinen eigenen Gedichten zu urteilen: "Und die Mutter ist wie eine Hexe aus dem Kiewer Berg." Aber hier wird versucht, durch die Verbindung der Mutter mit der Heimat an einer anderen Bedeutung festzuhalten. Und hier ist die letzte, entscheidende Bedeutung, die uns vor den Augen entgleitet.

Ich komme wieder, wenn sich die Zweige ausbreiten
Im Frühling unser weißer Garten.
Nur du mich schon im Morgengrauen
Wach nicht auf wie vor acht Jahren.

Wache nicht auf, was du geträumt hast
Mach dir keine Sorgen darüber, was nicht wahr geworden ist -
Zu früher Verlust und Ermüdung
habe ich in meinem Leben erlebt.

Hoffnung kommt und geht. Bedeutung kommt und geht. Ob er an seine Zärtlichkeit für seine Mutter glaubt, in ein niedriges Haus zurückkehrt oder nicht. Auf diesen Bedeutungsschwankungen, auf dieser letzten Hoffnung beruht unsere Wahrnehmung von Gedichten. Und unsere Sympathie für dieses Gedicht, diesen Dichter, der nicht abgesagt werden kann.

Entschlüsselung

In dem Essay „Kyiv-City“ von 1923 schrieb Bulgakov:

„Wenn der himmlische Donner (schließlich hat die himmlische Geduld eine Grenze) jeden bis zum letzten töten wird zeitgenössische Schriftsteller und in 50 Jahren wird ein neuer echter Leo Tolstoi erscheinen, ein erstaunliches Buch wird über die großen Schlachten in Kiew entstehen.

Tatsächlich hat Bulgakov ein großartiges Buch über die Kämpfe in Kiew geschrieben - dieses Buch heißt " weiße Wache". Und unter jenen Schriftstellern, von denen er seine Tradition zählt und die er als seine Vorgänger ansieht, fällt Leo Tolstoi am meisten auf.

Als frühere "White Guard"-Werke kann man "War and Peace" sowie "The Captain's Daughter" nennen. Alle drei dieser Werke werden historische Romane genannt. Aber es ist nicht einfach, und vielleicht überhaupt nicht. historische Romane sind Familienchroniken. Im Mittelpunkt steht jeweils die Familie. Es ist das Haus und die Familie, die Pugachev in The Captain's Daughter zerstört, wo Grinev kürzlich mit Ivan Ignatievich zu Abend gegessen hat, bei den Mironovs trifft er Pugachev. Es ist Napoleon, der das Haus und die Familie und die französische Herrschaft in Moskau zerstört, und Prinz Andrei wird zu Pierre sagen: „Die Franzosen haben mein Haus ruiniert, meinen Vater getötet, sie werden Moskau ruinieren.“ Dasselbe passiert in der "Weißen Garde". Wo sich Freunde der Turbins zu Hause versammeln, wird dort alles zerstört. Wie zu Beginn des Romans gesagt wird, werden sie, die jungen Turbins, nach dem Tod ihrer Mutter leiden und leiden müssen.

Und natürlich ist es kein Zufall, dass ein Zeichen dieses zusammenbrechenden Lebens Bücherregale sind, in denen die Anwesenheit von Natasha Rostova und der Tochter des Kapitäns betont wird. Und die Art und Weise, wie Petliura in The White Guard dargestellt wird, erinnert sehr an Napoleon in War and Peace. Die Nummer 666 ist die Nummer der Zelle, in der Petliura saß, es ist die Nummer des Tieres, und Pierre Bezukhov passt in seinen Berechnungen (übrigens nicht sehr genau) die digitalen Werte der Buchstaben an Wörter „Kaiser Napoleon“ und „Russisch Bezukhov“ zur Nummer 666. Daher das Thema der Bestie der Apokalypse.

Es gibt viele kleine Anklänge an Tolstois Buch und Bulgakovs Roman. Nai-Tours in The White Guard gratuliert wie Denisov in War and Peace. Aber das ist nicht genug. Wie Denisov verstößt er gegen die Charta, um Nachschub für seine Soldaten zu bekommen. Denisov schlägt einen Konvoi mit Proviant für eine andere russische Abteilung ab - er wird zum Verbrecher und wird bestraft. Nai-Tours verstößt gegen die Charta, um Filzstiefel für seine Soldaten zu besorgen: Er zückt eine Pistole und zwingt den Generalquartiermeister, Filzstiefel herauszugeben. Porträt von Hauptmann Tuschin aus „Krieg und Frieden“: „ kleiner Mann, mit schwachen, unbeholfenen Bewegungen." Malyshev von der "Weißen Garde": "Der Kapitän war klein, mit langer, spitzer Nase, in einem Mantel mit großem Kragen." Beide können sich nicht von der Pfeife losreißen, die sie ständig rauchen. Beide landen allein auf der Batterie – sie werden vergessen.

Hier ist Prinz Andrei in Krieg und Frieden:

„Der bloße Gedanke, dass er Angst hatte, richtete ihn auf: ‚Ich kann keine Angst haben‘“, dachte er.<…>„Hier ist es“, dachte Prinz Andrej und griff nach dem Fahnenmast.

Und hier ist Nikolka, die jüngste der Turbins:

"Nikolka war völlig verblüfft, aber im selben Moment kam er mit sich selbst zurecht und dachte blitzschnell:" Dies ist der Moment, in dem Sie ein Held sein können ", rief er mit seiner durchdringenden Stimme:" Wage es nicht aufzustehen! Hör auf den Befehl!“

Aber Nikolka hat natürlich mehr mit Nikolai Rostov gemeinsam als mit Prinz Andrei. Rostov, der Natashas Gesang hört, denkt: "All das und Unglück und Geld und Dolokhov und Wut und Ehre - all das ist Unsinn ... aber hier ist es - echt." Und hier sind die Gedanken von Nikolka Turbin: „Ja, vielleicht ist alles Unsinn auf der Welt, außer einer Stimme wie der von Shervinsky“, das ist Nikolka, die Shervinsky, dem Gast der Turbins, singen hört. Ich spreche nicht von solch einem vorübergehenden, aber auch kuriosen Detail, wie der Tatsache, dass beide einen Toast auf die Gesundheit des Kaisers aussprechen (Nikolka Turbin tut dies offensichtlich mit Verspätung).

Die Ähnlichkeit zwischen Nikolka und Petya Rostov ist offensichtlich: Beide sind jüngere Brüder; Natürlichkeit, Eifer, unvernünftiger Mut, der Petya Rostov ruiniert; ein Schwarm, an dem beide beteiligt sind.

Im Bild der jüngeren Turbine gibt es Merkmale einiger Charaktere in Krieg und Frieden. Aber etwas anderes ist viel wichtiger. Bulgakow misst in Anlehnung an Tolstoi der Rolle einer historischen Persönlichkeit keine Bedeutung bei. Zuerst Tolstois Satz:

"IN historische Ereignisse die sogenannten großen männer sind die namensgebenden etiketten, die wie die etiketten am wenigsten mit der veranstaltung selbst zu tun haben.

Und jetzt Bulgakow. Ganz zu schweigen von dem unbedeutenden Hetman Skoropadsky, hier ist, was über Petliura gesagt wird:

„Ja, es gab keine. Hatte nicht. Also Unsinn, Legende, Fata Morgana.<…>Unsinn das alles. Er ist es nicht, es ist anders. Nicht der andere - der dritte.

Oder so zum Beispiel auch ein beredter Appell. In Krieg und Frieden vergleichen mindestens drei Charaktere – Napoleon, Prinz Andrej und Pierre – den Kampf mit einem Schachspiel. Und in The White Guard wird Bulgakov von den Bolschewiki als einer dritten Kraft sprechen, die auf dem Schachbrett erschien.

Erinnern wir uns an die Szene im Alexander-Gymnasium: Alexey Turbin wendet sich gedanklich hilfesuchend an Alexander I., der auf dem Bild im Gymnasium hängt. Und Myshlaevsky schlägt vor, das Gymnasium niederzubrennen, wie in der Zeit von Alexander Moskau niedergebrannt wurde, damit niemand es bekommt. Aber der Unterschied ist, dass Tolstois verbranntes Moskau ein Prolog zum Sieg ist. Und Turbinen sind zur Niederlage verdammt – sie leiden und sterben.

Ein weiteres Zitat, und ganz offen. Ich denke, Bulgakov hatte viel Spaß, als er das schrieb. Tatsächlich geht dem Krieg in der Ukraine „irgendein ungeschickter Bauernzorn“ voraus:

„[Wut] rannte durch den Schneesturm und die Kälte in löchrigen Bastschuhen, mit Heu auf seinem unbedeckten, verfilzten Kopf und heulte. In seinen Händen trug er eine große Keule, ohne die kein Unternehmen in Rus auskommen kann.

Es ist klar, dass es sich um einen „Club“ handelt Volkskrieg“, die Tolstoi in „Krieg und Frieden“ sang und die Bulgakow nicht singen möchte. Aber Bulgakow schreibt darüber nicht mit Ekel, sondern wie über die Unvermeidlichkeit: Es konnte diesen Bauernzorn nicht geben. Obwohl Bulgakow keine Idealisierung der Bauern hat, ist es kein Zufall, dass Myshlaevsky in dem Roman sarkastisch über die lokalen „dostojewski-göttertragenden Bauern“ spricht. Es gibt keine Ehrfurcht vor der Wahrheit des Volkes, keinen Tolstoi Karataev in der Weißen Garde, und das kann es auch nicht geben.

Noch interessanter sind die künstlerischen Überschneidungen, wenn die kompositorischen Schlüsselmomente der beiden Bücher mit der allgemeinen Vision der Schriftstellerwelt verbunden werden. Die Folge aus Krieg und Frieden ist Pierres Traum. Pierre ist in Gefangenschaft und träumt von einem alten Mann, einem Erdkundelehrer. Er zeigt ihm eine Kugel, die wie eine Kugel aussieht, aber aus Tropfen besteht. Einige Tropfen verschütten und fangen andere ein, dann brechen sie selbst und verschütten. Der alte Lehrer sagt: "Das ist das Leben." Dann sagt Pierre über den Tod von Karataev nach: "Hier ist Karataev verschüttet und verschwunden." Der zweite Traum in derselben Nacht wird von Petya Rostov geträumt, ein musikalischer Traum. Petja schläft in einer Partisanenabteilung, ein Kosak schärft seinen Säbel, und alle Geräusche - das Geräusch eines geschärften Säbels, das Wiehern von Pferden - vermischen sich, und Petja scheint eine Fuge zu hören. Er hört die harmonische Harmonie der Stimmen, und es scheint ihm, als könne er damit umgehen. Dies ist ein solches Bild der Harmonie, wie die Kugel, die Pierre sieht.

Und am Ende des Romans The White Guard sieht ein anderer Petya, Petya Shcheglov, in einem Traum einen Ball, der Spray sprüht. Und das ist auch die Hoffnung, dass die Geschichte nicht mit Blut und Tod endet, nicht mit dem Triumph des Marssterns. Und die letzten Zeilen der "Weißen Garde" - dass wir nicht in den Himmel schauen und die Sterne nicht sehen. Warum legen wir unsere irdischen Angelegenheiten nicht beiseite und schauen zu den Sternen? Vielleicht erkennen wir dann die Bedeutung dessen, was in der Welt geschieht.

Wie wichtig ist also die tolstoische Tradition für Bulgakow? In einem Brief an die Regierung, den er Ende März 1930 schickte, schrieb Bulgakov, dass er in der "Weißen Garde" bestrebt sei, eine intellektuell-adlige Familie darzustellen, die im Laufe der Jahre vom Schicksal verlassen wurde Bürgerkrieg ins Lager der Weißen Garde, in der Tradition von "Krieg und Frieden". Ein solches Bild ist für einen Schriftsteller, der eng mit der Intelligenz verbunden ist, ganz natürlich. Für Bulgakov war Tolstoi sein ganzes Leben lang ein unbestreitbarer, absolut maßgeblicher Schriftsteller, dessen Nachfolge Bulgakov als größte Ehre und Würde ansah.

Entschlüsselung

Die Geschichten „Spravka“ und „Mein erstes Honorar“, deren Handlung und ein wesentlicher Teil des Textes ähnlich sind, wurden zwischen 1922 und 1928 geschrieben, 1933 von der sowjetischen Presse abgelehnt und in den 60er Jahren gedruckt („Spravka“ in 1966 in der UdSSR und "Mein erstes Honorar" - 1963 im Ausland und 1967 in der UdSSR). In gewissem Sinne wurde "Spravka" zu Lebzeiten des Autors - in der UdSSR, aber gewissermaßen auch im Ausland - in der Zeitschrift International Literature veröffentlicht, einem Schaufenster der angeblich freien sowjetischen Literatur im Westen (auf Englisch " Eine Antwort auf eine Anfrage").

Babel war noch kein verdrängter Autor 1939 wurde Babel wegen "antisowjetischer konspirativer terroristischer Aktivitäten" und Spionage verhaftet, 1940 erschossen., also ist eine der Fragen: Was ist in dieser Geschichte verboten? Und die zweite Frage, welche der beiden Optionen – „Referenz“ oder „Mein erstes Honorar“ – ist endgültig?

Ich fange mit der zweiten Frage an. Es ist wissenschaftlich noch nicht eindeutig geklärt, der Wille des Autors ist unbekannt. Es sei denn, es ist der Wille des Autors, Babels Bereitschaft zu berücksichtigen, diese Geschichte 1937 zu veröffentlichen - wenn auch noch Fremdsprache, aber zu seinen Lebzeiten wurde die „Hilfe“-Version veröffentlicht. Und meine Antwort ist natürlich, die letzte Option ist "Hilfe". Es ist halb so lang, ohne Wiederholungen über „meine Schwester ist eine Schlampe, meine Schwester ist ein Abzeichen“ Sie streckte ihre bloßen Hände aus und teilte die Flügel des Fensters. Draußen pfiffen kühlende Steine. Auf dem Pflaster roch es nach Wasser und Staub ... Veras Kopf taumelte.
- Also - ein Abzeichen ... Unsere Schwester ist eine Schlampe ...
Ich sackte zusammen.
Deine Schwester ist eine Schlampe...
Vera drehte sich zu mir um. Das Hemd lag schräg auf ihrem Körper.
Isaak Babel. "Mein erstes Honorar" verwischt den endgültigen erzählerischen Effekt. Bei "First Fee" passiert das mehrmals, bei "Help" - ein Schock-Mal am Ende „Sie hat das Geld weggeschoben.
„Willst du spucken, Schwester?“
Isaak Babel. "Referenz". Und ohne ein ganzes voyeuristisches Anfangsstück über Sex hinter der Mauer, auf das der Erzähler neidisch ist. Dieses Stück ist auch in einer anderen Geschichte, die 1934 veröffentlicht wurde, "Dante Street". Es wäre also nur eine Wiederholung. Babel liebte die Kürze, einen Punkt, der pünktlich geliefert wurde, wie er berühmt formuliert in der Geschichte "Guy de Maupassant".

Also Hilfe. Der Name ist antiliterarisch unterstrichen, reduziertes Geschäft. Babel sagte, dass die Geschichte genau sein sollte, wie ein Militärbericht oder ein Bankscheck. Die Geschichte ist als Antwort stilisiert – entweder schriftlich oder mündlich, aber offensichtlich fiktiv –, die der Autor einer literarischen Autorität oder Leserschaft gegeben hat, Genossen. Das ist die Antwort auf die Frage, wie der Geschichtenerzähler zum Schriftsteller wurde.

Der Grund, sagt er, war die Liebe. Von den ersten Zeilen an fallen uns zahlreiche Paradoxien auf. Liebe, aber zu wem? Zu einer hässlichen Prostituierten mittleren Alters, ähnlich dem Bild der Jungfrau am Bug eines Fischerbootes. Eine Frau, die völlig unromantisch, äußerst geschäftstüchtig und darin erfolgreich ist, nebenbei ein sehr familiäres Lager. Damit wird unmittelbar eine ganze Tradition russischer und sogar europäischer Literatur aktiviert und provokativ unterminiert, was man als „Topos der Prostitution“ bezeichnen kann. Hier und "Newski-Prospekt" von Gogol und "Notizen aus dem Untergrund" von Dostojewski und "Was tun?" Chernyshevsky und Tolstois "Resurrection" und Tschechovs "Seizure" und viele andere Texte russischer Klassiker. Dieser Archplot besteht darin, dass ein gebildeter junger Held auf eine Prostituierte trifft und davon träumt, sie zu retten, indem er hilft, sich aus einem Bordell freizukaufen. Er ist bereit, sie zu heiraten, ihr einen ehrlichen Beruf, eine Ausbildung, seinen Namen zu geben. Er sieht in ihr keine Prostituierte, sondern eine Schwester, manchmal eine Schwester in Christus, Maria Magdalena.

Der Konflikt wird auf unterschiedliche Weise gelöst, aber innerhalb eines gemeinsamen Rahmens. Gogols Piskarev wird von einer Prostituierten, die ihren Lebensstil nicht ändern will, zurückgewiesen und stirbt an Drogen. Der junge Arzt Kirsanov aus dem Roman Was tun? überredet Nastya, ihren Beruf aufzugeben, hilft finanziell, heilt sie, exkommuniziert sie vom Wein (ein charakteristischer Moment) und beginnt erst dann, mit ihr wie mit einer Geliebten zu leben. Doch dann stirbt sie und macht Platz für die Hauptfigur des Romans, Vera Pawlowna. Der Held von Dostojewski gibt vor, ein Held a la Kirsanov zu sein, aber in Wirklichkeit demütigt er nur die Prostituierte Liza, indem er seinen Groll an ihr auslässt. Sie verlässt ihn schließlich und entpuppt sich als der Typ einer starken russischen Frau. Lehnt Geld ab - Russische Prostituierte nehmen kein Geld.

Babels Glaube braucht keine Erlösung. Sie braucht nicht unbedingt einen anderen Kunden, einen 20-jährigen Geschichtenerzähler, den sie mit sich durch die Stadt schleppt, verschiedene Dinge erledigt, und dann einen im Zimmer lässt, unterwegs sammelt und einen alten Bekannten verabschiedet, der es ist zu ihrem Sohn nach Armawir gehen. Alles ist sehr familienfreundlich. Der Held wartet im Zimmer auf sie – dort ist alles extrem trist und antiromantisch. Endlich kommt Vera und bereitet sich auf den Sex vor wie ein Arzt auf eine Operation. Spricht gähnend das nüchterne "Jetzt lass es uns tun." Er fragt den jungen Helden nach seinem Leben – wohingegen sie normalerweise eine Prostituierte fragen und sich fragen, wie sie zu einem solchen Leben gekommen ist.

Der Held ist davon sichtlich deprimiert und fühlt sich, wie der Leser vermutet, überhaupt nicht in Form für die erwartete sexuelle Initiation („Mein erstes Honorar“, „Meine erste Gans“ – Babel nimmt solche Initiationsthemen bereitwillig auf und gibt solche „zuerst “ Titel). Der Held beantwortet Veras Fragen und beginnt, eine Geschichte über sein Leben als männlicher Prostituierter, „ein Junge unter Armeniern“, zu verfassen, und würzt sie mit Details aus den Büchern, die er gelesen hat: „Kirchenvorsteher – das wurde einem Schriftsteller gestohlen, an Erfindung eines faulen Herzens“. Und unterwegs quetscht er die Effekte aus, wenn ihm scheint, der Zuhörer verliere die Lust an der Geschichte. Er selbst beginnt zusammen mit Vera (der Name ist natürlich kein Zufall) an seine Fiktion zu glauben, die er dem Leser zugibt: „Selbstmitleid hat mein Herz zerrissen.“

Er erobert Vera restlos mit seiner Schreibkunst, sie glaubt fest an die Wahrheit seiner Geschichte, erkennt ihn als ihre Schwester (man erinnere sich an die klischeehafte „Schwester in Christus“), mit der sie am Ende nicht „spucken“ will.

Er erhält die volle Bestätigung seiner erfolgreichen Initiation als Schriftsteller, da er seine Zeugnisse dem Träger genau jenes Berufes und genau jener schrecklichen Realität, Kenntnis und Teilhabe, die er beansprucht, vorlegt und vollen Erfolg hat. Wie so oft bei Babel, zum Beispiel bei Guy de Maupassant, führt verbaler Erfolg zu sexuellem Erfolg. Es findet ein gleichberechtigter Austausch zwischen Vertretern beider Künste statt – ein typischer Babeltausch. Er ist für sie die Kunst des Wortes, sie ist für ihn die Kunst der Liebe.

Die ganze Geschichte ist eine Hymne an die Wortkunst, ihre Fähigkeit, das Leben in seiner herausforderndsten Inkarnation zu meistern. Der Held verwandelt eine lethargische 30-jährige Frau mit eingefallenen Brüsten in einen leidenschaftlichen Liebhaber, lädt sich mit Liebesglut auf und stattet seine Beziehung zu ihr darüber hinaus kreativ mit allen erdenklichen Rollenspiel-Inkarnationen aus. Das Kunden-Prostituierte-Paar nimmt auch die Form eines gleichberechtigten Liebespaares, eines Meisterpaares der Künste ( verschiedene Künste), ein Schwesternpaar (dh Lesben), zwei Brüder (in einem metaphorischen Absatz über einen Dorfschreiner, der eine Hütte „für seinen Zimmerkollegen“ schneidet) - wie gleichgeschlechtliche Liebhaber; schließlich führt das ödipale Paar aus Sohn-Mutter und Mutter die sexuelle Initiation des Helden durch.

Der Zimmermannsschlag einer typischen russischen Hütte für das Brautpaar (man erinnere sich an Sapphos „Über den Sparren, Zimmerleute!“ und den gesamten dazugehörigen Hochzeitstopos) mag auf Babels Bau seines eigenen Wunschhauses in der russischen Literatur anspielen. Schließlich träumte er von Anfang an, bereits im Aufsatz "Odessa" von 1915, davon, die russischen Klassiker - Tolstoi, Dostojewski und Gorki - zu übertreffen. Was er tut, nachdem er das Territorium des Topos der Prostitution betreten und auf den Kopf gestellt hat. Seine Prostituierte braucht keine Erlösung, sondern literarische Eroberung, wie ein naiver Leser. Und die Geschichte endet mit ihrem fröhlichen gemeinsamen Teetrinken auf dem Maidan. Übrigens ist Tee statt Wein ein ständiges Rezept für traditionelle Retter von Prostituierten in der russischen Literatur. Aber hier trinken sie Tee, purpurrot wie ein Backstein und heiß wie vergossenes Blut, kühler als Wein. Vera nimmt wie üblich kein Geld von ihm, aber nicht aus Stolz, sondern aus Liebe und Brüderlichkeit. Als erstes Honorar steckt er zwei Goldmünzen in die Tasche. Das letzte Worte"Informationen" und der Titel der ersten Version der Geschichte.

Was ist an dieser Geschichte nach sowjetischen Maßstäben der frühen 1930er Jahre so undruckbar? Zunächst einmal natürlich Sex, und sogar Sex mit einer Prostituierten, außerdem ohne jede Erlösung, Erlösung, moralische und politische Rechtfertigung. Das ist eine völlig übermenschliche, nietzscheanische, künstlerische Arroganz gegenüber einer arbeitenden Frau von unten, die naiv an die frechen Erfindungen eines Helden glaubt, der vor ihren Augen betrügt, ihr vermeintlich hartes Leben stiehlt. Aber die Hauptsache ist natürlich die raffinierte Gleichsetzung der beiden Künste – Schreiben und Prostitution, die vor dem Hintergrund der offiziellen Ideologie, wonach Schriftsteller Ingenieure menschlicher Seelen sind, zu deren Dienst sie berufen sind, wie eine schreckliche Gotteslästerung klingt die Menschen und die hohen Ideale des Kommunismus und präsentieren gleichzeitig das Geschriebene als Wahrheit. Ist es nicht dieselbe Wahrheit wie die Wahrheit in Anführungszeichen, erfunden vom Babel-Erzähler?

Übrigens über die bittere Wahrheit des Lebens dieses Erzählers, über seine schwierige Kindheit. Der große Erfinder und Propagandist einer schwierigen Kindheit in der russischen Literatur war natürlich Gorki, ein älterer Kamerad, Förderer, literarischer Ziehvater von Babel. Aber in „Spravka“ brachte Babel Gorki selbst aus der Fassung, indem er dem Hörer eine Kindheit erfand und verkaufte, die nicht schwerer vorstellbar sein könnte.

Gorki war auch ein hartnäckiger Prediger einer schönen Erfindung - erinnern wir uns zumindest. In "Help" verbindet der Held perfekt und spöttisch Fiktion mit bitterer Wahrheit. Sein Held verführt Vera nicht mit erhebender Täuschung, sondern mit demütigender Täuschung, die ihn erniedrigt. Aber so findet er den Weg zu ihrem Herzen.

Gorki hat auch viel über Prostituierte geschrieben, vor allem die Geschichte „Werde krank“ ähnelt besonders der Sprawka, wo es eine Prostituierte, literarische Dienstleistungen und Erfindungen gibt. Das Thema der literarischen Eroberung einer Prostituierten wurde übrigens bereits von Dostojewski in "Über nassen Schnee" umrissen. Dort versucht der Held mit seinen (natürlich falschen) Argumenten die Seele der Prostituierten auf den Kopf zu stellen und parodiert dabei Tschernyschewskis Rettungstopos. Und wenn ihm das nicht reicht, dann mit lebendigen Bildern. Aber Dostojewski – unser krankes Gewissen – verurteilt seinen Schriftsteller. Und Babel verherrlicht seine.

Wie solide ist die Annahme, dass Sprawka gegen Gorki ist? Schließlich wird Gorkis Name in der Geschichte nicht erwähnt. Und doch, nicht wahr? "Wir lebten in Aleshki, Provinz Cherson" - das sind die ersten Worte der Geschichte, die der Held einer leichtgläubigen Prostituierten zuflicht Der richtige Name von Maxim Gorki ist Alexey Maksimovich Peshkov, Alyosha Peshkov ist auch der Name der Hauptfigur seiner autobiografischen Geschichte "Childhood".. Die Hilfe wurde 1937 nach Gorkis Tod in englischer Sprache veröffentlicht.

Entschlüsselung

Im Herbst 1931 lebte das theatralische und kulturelle Moskau in Erwartung wichtige Veranstaltung. Das Moskauer Kunsttheater, das berühmte Moskauer Kunsttheater, sollte ein Stück eines sowjetischen Dramatikers aufführen. Der Dramatiker war Alexander Afinogenov, und das Stück hieß Fear. Die Aufführung war ein fantastischer Erfolg. 19 Mal wurde der Vorhang gegeben, Autor, Regisseur, Truppe wurden auf die Bühne gerufen. Dann wurde Afinogenov in die Loge der Parteiführung eingeladen, wo sie ihm die Hand schüttelten und ihre Eindrücke vom Stück teilten. Das Stück wurde von etwa 300 Theatern im ganzen Land zur Produktion angenommen. Und dann erhielten die Dramatiker Tantiemen für jeden Akt - und Afinogenov verdiente im nächsten Jahr 171.000 Rubel. Und das durchschnittliche Gehalt betrug etwa 100-200 Rubel. Was war das Besondere an diesem Stück, warum hatte es einen so fantastischen Erfolg?

Das Stück "Fear" erzählt von einem Physiologen, Professor Ivan Borodin, der am Institut für Physiologische Stimuli arbeitet und Tierversuche durchführt. In dieser Figur konnten Zeitgenossen den Akademiker Pavlov leicht erkennen. Aber Professor Borodin extrapoliert seine Schlussfolgerungen bezüglich des Verhaltens von Tieren auf das Verhalten von Menschen. Und als Borodin nach einem langen Kampf innerhalb des Instituts und einigen Intrigen hinter den Kulissen beschließt, einen öffentlichen Bericht zu machen, versammelt er das Publikum, erhebt sich zur Kanzel und hält dann die folgende Rede:

„... Achtzig Prozent aller Befragten leben in der ewigen Angst, zu schreien oder die soziale Unterstützung zu verlieren. Die Milchmagd hat Angst vor der Beschlagnahme der Kuh, der Bauer hat Angst vor Zwangskollektivierung, der Sowjetarbeiter hat Angst vor andauernden Säuberungen, der Parteiarbeiter hat Angst vor Abweichungsvorwürfen, der wissenschaftliche Arbeiter hat Angst vor Idealismusvorwürfen und so weiter Arbeiter der Technik ist der Vorwurf der Sabotage. Wir leben in einem Zeitalter großer Angst. Angst lässt begabte Intellektuelle ihre Mütter aufgeben, soziale Herkunft schmieden, in hohe Positionen aufsteigen. Ja, ja, an einem hohen Ort ist die Gefahr der Exposition nicht so schlimm. Angst folgt einer Person. Man wird misstrauisch, zurückgezogen, skrupellos, schlampig und prinzipienlos...
Das Kaninchen, das die Boa Constrictor sieht, kann sich nicht bewegen, seine Muskeln sind taub, es wartet gehorsam darauf, dass die Boa-Ringe es quetschen und zerquetschen. Wir sind alle Hasen! Kann man danach noch kreativ arbeiten? Natürlich nicht!
<…>
Zerstöre die Angst, zerstöre alles, was Angst hervorruft, und du wirst sehen, wie reich es ist kreatives Leben das Land wird gedeihen!

Das sind nicht die Worte, die Sie in einem sowjetischen Theaterstück erwarten, und noch mehr erwarten Sie nicht zu wissen, dass sie bei der gesamten Parteiführung und der Bevölkerung des Landes Entzücken hervorgerufen haben. Wie hat Afinogenov entschieden, sie zu schreiben? Wenn Sie sich die Erinnerungen von Zeitgenossen ansehen, stellt sich heraus, dass viele dieser Bemerkungen auswendig gelernt und in Tagebüchern niedergeschrieben wurden, dass dieses Stück für sie ein intellektueller Schock war und dass sie nicht erwartet hatten, im sowjetischen Theater so harte Worte zu hören.

Wenige Monate vor dem Erscheinen des Stücks wurde das Land von den ersten Schauprozessen erschüttert. Dies waren der Prozess der Industriepartei und der Shakhty-Prozess Der Fall Shakhty und der Fall der Industriepartei(1928 und 1930) - Prozesse wegen Zerstörung und Sabotage in der Industrie. Insgesamt wurden mehr als zweitausend Menschen auf ihnen festgenommen.. Vertreter der alten Intelligenz wurden der Sabotage gegen das Sowjetregime beschuldigt. Viele von ihnen wurden zum Tode verurteilt, und dann wurde die Hinrichtung durch Haft ersetzt. Die Vorstellung, dass die alten Intellektuellen nicht in die neuen passen Sowjetisches Leben, aber nur Schaden, war ungewöhnlich beliebt, und das Stück gab eine Antwort auf diese Ereignisse.

Außerdem gehörte Afinogenov einer literarischen Gruppe namens RAPP an, der Russischen Vereinigung proletarischer Schriftsteller. Dann war es die am meisten gehasste literarische Gruppe, von der angenommen wird, dass sie Mayakovsky verfolgt und vielen Schriftstellern und Dichtern nicht das Leben geschenkt hat. Afinogenov war der Leiter der Theaterabteilung dieser Organisation und in seiner theoretische Arbeiten schrieb, dass die sowjetische Literatur eine so außergewöhnliche künstlerische Methode anwenden sollte, die die Entwicklungen des dialektischen Materialismus nutzen würde.

Wenn sie jetzt über den sowjetischen dialektischen Materialismus sprechen, erinnern sie sich leer, an nichts aussagekräftige Sätze. Jeder ist daran gewöhnt, dass dies eine Art entmannte Methode ist, die keinen Inhalt trägt. Dies war in den 1930er Jahren nicht der Fall. Dann gab es einen starken Glauben an die Lehre von Marx, dass diese Lehre das Phänomen des alltäglichen sozialen Lebens wissenschaftlich erklären könnte – und sowohl die literarische Praxis als auch die staatliche Praxis so aufbauen könnte, dass eine gerechte Gesellschaft aufgebaut werden könnte.

Afinogenov versuchte, Marx und andere Theoretiker des dialektischen Denkens zu lesen und diese Methode auf das Theater anzuwenden. Um mehr oder weniger zu verdeutlichen, was er damit meinen könnte, werde ich die Arbeit von Anatoly Lunacharsky zitieren, der damals einer der einflussreichsten Theoretiker war. Der Artikel trägt den Titel „Gedanken zum dialektischen Materialismus im Bereich des Theaters“.

„Wir wollen das Theater zu einem Instrument des Kampfes und des Aufbaus des Proletariats machen. Das Theater muss ein wahrer Hof sein. Er muss Gut und Böse neu, proletarisch beweisen. Moralische Urteile müssen Rechtsstreitigkeiten sein. Es ist notwendig, den Klassenkampf so zu zeichnen, dass er zunächst Zweifel aufkommen lässt, die dann durch die Gewissheit des moralischen Sieges des positiven Prinzips aufgelöst werden. In der Aula können verschiedene Klassen vertreten sein. Jeder kann auf unterschiedliche Weise begeistert sein. Der eine glaubt, dass dies wahr ist, der andere glaubt, dass dies nicht wahr ist. Das Ziel, das die moralischen Urteile des Theaters verfolgen, ist groß, denn das Theater ist eine Werkstatt, eine der größten Werkstätten der Menschen. Und ist es nur, weil wir auf der Bühne meisterhafte Menschen sehen, Menschenbilder, die die Zeit braucht? Nein. Denn im Zuschauerraum werden die Menschen umerzogen.“

Das Theater stellte sich als kein Ort heraus, an dem der Zuschauer Spaß haben musste, es stellte sich als eine Werkstatt heraus, in der neue Person. Geschmiedet wird nicht nur auf der Bühne, sondern vor allem im Saal. Und es ist extrem wichtig, dem Zuschauer zu folgen, der zum Dialog provoziert wird. Wenn wir uns ansehen, wie Afinogenovs Stück in den sowjetischen Theatern wahrgenommen wurde, können wir davon ausgehen, dass Afinogenov sein Ziel erreicht hat.

Dies ist im Fall von Moskau besonders bedeutsam Kunsttheater, Moskauer Kunsttheater. Zuvor war das Stück „Days of the Turbins“ von Mikhail Bulgakov das erfolgreichste Stück, sowohl in Bezug auf die Zuschauerresonanz als auch auf die Kasseneinnahmen. Absolut kein sowjetisches Stück, das so viel Kritik hervorrief, dass es totgeschwiegen oder verleumdet wurde. Sie blieb vor allem deshalb im Repertoire, weil Stalin sie liebte und sie besuchte. Aus den Tagebüchern sowjetischer Zuschauer wissen wir, dass das Publikum während der "Tage der Turbinen" sehr sympathisch für das war, was auf der Bühne passierte - das Publikum fiel in Ohnmacht und erlaubte sich zu schreien. Sie sympathisierten mit den Helden, die von der offiziellen Propaganda als nicht-sowjetisch wahrgenommen wurden.

Im Fall von „Angst“ war die Situation ungefähr gleich. Tatsache ist, dass das proletarische Stück auf der Bühne des nicht-sowjetischsten Theaters des Landes aufgeführt wurde. Es war klar, dass das Publikum auf das Geschehene reagierte. Als Borodin seine anklagenden Bemerkungen über ein von Angst gelähmtes Land machte, klatschte ein Teil des Publikums. Es war klar, dass Borodin nicht nur auf der Bühne, sondern auch im Saal stand.

Aber nachdem Borodin seine Rede beendet hatte, erhob sich der alte Bolschewist Klara auf das Podium und hielt eine feurige Rede, dass Borodin falsch lag - weil er sich in seinen wissenschaftlichen Konstruktionen, die angeblich objektiv waren, tatsächlich subjektiv auf die Seite der Konterrevolution stellte. Damit die Angst verschwindet, muss ein echter Bolschewik genauso mit bolschewistischer Furchtlosigkeit infiziert werden wie die Revolutionäre, die in den Gefängnissen und Exilanten starben, die die Oktoberrevolution schmiedeten. Und wenn der Klassenkampf zu Ende geführt wird, dann wird die Angst in dem Sinne, von dem Borodin spricht, sterben, und die Sowjetgesellschaft wird sie loswerden und furchtlos leben. Und hier fingen schon die meisten Zuschauer an zu klatschen.

Das Hauptziel sowohl von Afinogenov selbst als auch von der Produktion war es, den Zuschauer zu begeistern, indem die Relevanz von Borodins Ideen demonstriert wurde. Was er sagt, ähnelt am ehesten der Kritik, die in einem Emigrantenstück oder in unzensierten Briefen zu finden ist. Alle seine Ansprüche an die Sowjetregierung - sie wurden auf der Ebene der Intelligenz geäußert. Hätte es Facebook damals gegeben, hätte das oppositionelle Facebook solche Antworten ausgetauscht. Aber hier, direkt in der Halle, wurden diese Gefühle zurückgewiesen.

Und diese Demonstration war umso beeindruckender, weil sie nicht auf der Bühne inszeniert wurde - das sowjetische Publikum hatte dies bereits viele Male gesehen, zu dieser Zeit gab es viele solcher Pappstücke in sowjetischen Theatern, wo es böse Weiße und Konterrevolutionäre gab, die waren ausgesetzt, und es gab tadellose Bolschewiki. Und dann war da noch ein sehr netter Held, ein Professor, der seine Theorie wissenschaftlich erzählt und besiegt wird.

Das bringt uns zu Hauptidee, wobei daran erinnert werden muss, dass die Literatur zu Sowjetzeiten sehr oft als Werkzeug gedacht wurde, als magisches Mittel, das es ermöglichen würde, aus einem alten Menschen, der von bürgerlichen Überresten und falscher Ideologie belastet ist, einen idealen Sowjetbürger zu machen. Das Theater musste es schaffen.

Entschlüsselung

Apropos Poetik von Okudzhava, wir wiederholen allzu oft Plattitüden über seine Folklore – etwas, das er selbst ständig betonte – über seine Offenheit und Einfachheit, seinen Wohlklang. Aber Okudzhava ist ein äußerst komplexer Dichter. Darin ist das Hauptproblem dass seine geschlossenen, so starken Rahmenkonstruktionen, in die wir uns so leicht hineinversetzen, aus Zitaten vieler anderer Menschen bestehen, dunklen Umständen, auf die er anspielt, den Umständen seiner uns unbekannten Biographie.

Okudzhava ist sehr geheimnisvoll. Und vielleicht ist das Verstehen der meisten seiner Gedichte deshalb so schwierig, weil das Lied auf unmittelbare Wahrnehmung angelegt ist und wir uns nach dem Hören des Liedes so etwas wie ein eigenes, persönliches Bild von seiner Bedeutung machen. Und es bleibt keine Zeit, das Lied zu begreifen – es bleibt keine Zeit, es anzuhören. Daher denke ich, dass die Zeit gekommen ist, einige der mysteriösesten Dinge über Okudzhava zu analysieren. Nehmen wir zum Beispiel eine so offensichtliche, scheinbar einfache Sache wie "Abschied vom Neujahrsbaum". Es ist auch das längste von Okudzhavas Liedern. Tatsächlich sind seine kurzen Sachen sogar noch schwieriger, da ist mehr Konzentration angesagt.

Solschenizyn sagte in einem privaten Gespräch sehr genau über Okudzhava: "Wie wenige Worte und wie weit es dauert." In der Tat, mit Hilfe seiner ziemlich vielseitigen Assoziationen, die aus völlig unterschiedlichen Quellen stammen, harkt er sehr weit.

„Abschied vom Neujahrsbaum“ erinnert uns an ein fernes Muster in unserer Erinnerung. Aber während das Lied spielt, während wir es hören, sind wir so begeistert davon, dass wir es völlig vergessen, aber woher kennen wir eigentlich diese Taktart und sogar diese spezifischen Wörter?

Irgendwo berührte er die alten Saiten -
ihr Appell geht weiter …
Also rollte Januar auf, flog ein,
verrückt wie ein elektrischer Zug.

Tut mir leid, aber wir haben das schon einmal irgendwo gehört.

Wir sind alle ein bisschen weg vom Leben,
Leben ist nur eine Gewohnheit.
Es scheint mir auf den Atemwegen
Appell von zwei Stimmen.

Nun, das sind Achmatovas „Komarovs Kroki“ oder „Komarovs Skizzen“, die geschrieben wurden, als Oku-ja-va Achmatova bereits kannte, sie besuchte und sogar für sie sang. Wahrscheinlich hat sie ihm dann etwas vorgelesen. Warum zitiert er dann in "Abschied vom Neujahrsbaum" in der ersten Strophe plötzlich Achmatowa? Und was wissen wir eigentlich über den Ursprung dieses Gedichts? Worum geht es und worum geht es?

Sein Ursprung ist laut Okudzhavas Frau wie folgt. Okudzhava geht zu den Dreharbeiten des Films "Zhenya, Zhenechka and Katyusha". Bei dieser Schießerei schreit Oleg Dal seinen damaligen Begleiter an. Alle schweigen niedergeschlagen. Okudzhava sagt: „Warum versteckst du deine Hände?“ Und dann gibt es noch eine Strophe.

Und veredelt wie Nachtigallen,
stolz wie Grenadiere
Was ist mit Ihren zuverlässigen Händen?
Ihre Herren verstecken?

Allerdings gibt es zunächst eine gewisse zeitliche Unstimmigkeit - die Dreharbeiten fanden später statt, als das Gedicht geschrieben wurde. Und zweitens ist der Grund für die Versbildung eindeutig unzureichend. Das Gedicht wurde im März 1966 geschrieben. Welches große und bittere Ereignis erlebte die russische Literatur im März 1966? Dies ist der Verlust von Achmatowa, ihr Tod am 5. März. Und dies ist der letzte zerrissene Faden, der die russische Literatur mit dem Silbernen Zeitalter verband. Hier wird uns deutlich, was der Abschied vom Neujahrsbaum bedeutet, der eigentlich wie ein sehr ambivalentes Gedicht aussieht.

Wir haben dich zu den Neunen angezogen,
wir haben Ihnen gut gedient.
Laut in Pappröhren blasen,
wie in Eile zu einer Leistung.

Worüber reden wir hier? Hier gibt es einen klaren Bezug zu Achmatovs „Gedicht ohne Helden“, zu jenem Karneval, dem dort beschriebenen Ho-Ro-Wasser um den Weihnachtsbaum und zu all dem Ho-Ro-Wasser der russischen Silberzeit. Was ist da los? Es gibt einen Abschied von der Frau und einen Abschied von der Ära. Das ist ganz offensichtlich wir redenüber Achmatowa. Außerdem sagt Okudzhava:

Aber die Aufregung beginnt von neuem.
Die Zeit urteilt auf ihre Weise.
Und in der Hektik wurdest du vom Kreuz abgenommen,
und es wird keinen sonntag geben.

Dies ist ein klarer Hinweis auf das Thema des Gedichts: Es geht um den Tod. schöne Frau, Frauen, deren Schicksal ein riesiger Kreuzweg war. Außer Achmatowa sieht man hier natürlich niemanden. Und noch expliziter:

Meine Fichte, Fichte - ein abfliegendes Reh,
vergeblich hast du wahrscheinlich versucht:
Frauen dieses vorsichtigen Schattens
verloren in deinen Nadeln!

Warum plötzlich ein Reh? Ein Reh, das in keiner Weise wie ein Neujahrsbaum aussieht und in seiner Silhouette nicht zu erahnen ist. Anscheinend war sich Okudzhava bewusst, dass in Achmatovas frühen Gedichten „ein Hirsch in einem Tier mit silberner Stimme über das Nordlicht spricht“. Und das hätte er in einer Scherzkorrespondenz mit Punin wohl wissen können Nikolai Punin(1888-1953) - Kunstkritiker, bürgerlicher Ehemann von Anna Achmatowa. Akhmatova unterschrieb "Deer", und manchmal nannte Punin sie so. In der russischen literarischen Mythologie war dieser Spitzname jedenfalls ziemlich bekannt.

Aber selbst wenn dieser Hirsch hier zufällig auftauchte, kann man nach dem üblichen Geheimwissen der Dichter nicht übersehen, dass die verborgene Handlung des Gedichts ein Abschied vom Feiertag der russischen Kultur ist, ein Abschied vom Weihnachtsgeist, der Pasternak war. Abschied vom Geist eines bitteren und traurigen Feiertags, der das Schicksal des russischen Silberzeitalters markierte. Dies ist nicht nur ein Abschied von einem weiblichen, leidenden Bild, dies ist die Trauerfeier im Stil Achmatovs für eine ganze Ära, die sich nicht wiederholen und nicht wiederbeleben wird, weil Silbernes Zeitalter wiederholte sich in den 1960er Jahren nicht, es gab keine Wiederbelebung, sie blieben hinter diesem Niveau zurück, und Okudzhava verstand dies sehr gut.

Verkomplizieren wir nicht Okudzhavas Poetik? Plötzlich ist es nur noch eine Geschichte über so ein Neujahrsfest gescheiterte Liebe? Ich wage Ihnen zu versichern, wir machen es nicht kompliziert, weil Okudzhava selbst immer fleißig eine literarische Quelle verbirgt. Warum tut er es? Nicht, weil er der Originalität nachjagt, sondern gerade, weil er sich in Gedanken zu nahe an eine literarische Quelle heranbewegt, sich zu deutlich auf sie bezieht – das ist eine schlechte Form, das schadet der Originalität des Textes und verrät irgendwie die Lust des Autors dem Helden nahe sein. Nie widmete er Gedichte dem Andenken an seine großen Vorgänger. Sogar das Gedicht „Lucky Pushkin“, das der Erinnerung an Puschkin gewidmet ist, hat er irgendwie bewusst geglättet, all das Pathos wird durch Ironie reduziert. Er konnte es sich nicht leisten, "In Memory of Akhmatova" zu schreiben, weil Achmatova für ihn auf einem riesigen Sockel stand. Und wie er wiederholte: „Es war schwierig für mich, meinen Mund vor ihr zu öffnen – ich wusste nicht, was ich sagen sollte, meine Frau sprach.“ Vielleicht machte er deshalb auf Achmatowa einen so wunderbaren Eindruck, weil er meistens schwieg oder sang, und das ist die optimale Position für einen Dichter.

Okudzhava neigt dazu, die Inspirationsquellen zu verschweigen, weil er zum Beispiel das brillante Lied über Francois Villon „Prayer of Francois Villon“ später einfach „Prayer“ nannte und alle Fragen nach der Herkunft des Liedes beantwortete: „No way, then es war notwendig, sie so zu nennen, weil es unmöglich war, „Mo-lit-wa“ zu sagen. Wenn jedoch in Polen, wo man frei „Mo-lit-va“ sagen konnte, in einem absolut katholischen sozialistischen Land, so ein Oxymoron, eine Platte mit diesem Lied aufgenommen wird, wird der Name wieder allgemein als „Das Lied“ geführt von Villon." Warum? Denn dieses Lied hat im Kern Villons Weltbild, Villons Ballade der Widersprüche, Villons Ballade eines poetischen Wettstreits in Blois. "Die Ballade des Poesiewettbewerbs in Blois" oder "Die Ballade der Widersprüche" ist eine Ballade des französischen Dichters François Villon aus dem 15. Jahrhundert.. „Gib einem Klugen einen Kopf, gib einem Feigling ein Pferd“ ist eine Brechung, eine Fortsetzung von Viyons Poetik mit ihrem ewigen „Ich werde von allen erkannt, von überall vertrieben“, „aus den Menschen, der einen ruft Taube ein Rabe ist mir am verständlichsten“ und so weiter.

Der Mythos des einfachen Okudzhava, des alltäglichen Okudzhava sollte ein für alle Mal zerstreut werden. Okudzhava ist einer der tiefsten literarischen russischen Dichter. Und wenn wir diese Subtexte öffnen, werden wir seinen Platz auf unserem poetischen Herrscher besser verstehen. In der Selbstbeschreibung seiner Methode ist Okudzhava vielleicht am genauesten in dem Gedicht „Aus dem Autofenster“, das es Ihnen ermöglicht, die Grundlage seiner assoziativen Methode zu sehen, wo der Plan durch den Plan, den Karneval der Silberzeit, erscheint - durch die Versammlungen der sechziger Jahre, das Gebet von Francois Villon - durch das Gebet unserer Zeitgenossen.

Das Gedicht „Aus dem Autofenster“ zeigt am besten diese doppelte Darstellung von Okudzhavas Weltanschauung.

Niedrig wachsender Wald auf dem Weg nach Buzuluk,
alle ähneln einer staubigen Armee von Kobolden -
zu Fuß, schneidige Lieder zu Ende gesungen,
niedergeschlagene Beine, gekühlt, seit Tagen nicht gegessen
und erstarrt, wie am Vorabend des Abschieds.

Ihr grauhaariger Kommandant, ganz mit Schorf und Tränen,
schreibt Briefe nach Hause auf einer dumpfen Trommel,
Er vergisst alle Worte und beschmiert die Blätter.
Die Fahnen sind ausgefranst, die Taschen leer,
der Pfleger ist verrückt, der Pfleger ist hässlich...
Wie eintönig die Landschaft der Niederlage ist!

Oder ist es eine Farce, die vor dem Fenster aufblitzt,
wo ein Hurrikan der Leidenschaften tobt,
wo unbekannte Comedians spielen,
Schicksal und Talente für Pfennige verkaufen,
die Juroren selbst und die Musiker selbst ...

Ihr grauhaariger Direktor, fassungslos von Beschimpfungen,
schreibt ein Stück auf einer zerfetzten Trommel,
Er vergisst alle Worte und befleckt die Laken,
Die Landschaft ist zerknittert, die Taschen sind leer,
Hamlet ist taub und Romeo schon lange hässlich...
Wie eintönig die Handlung unseres Gedächtnisses ist!

Zwei Gleichnisse, zwei Metaphern, die sich ergänzen – ein verkrüppelter Wald, einer besiegten Armee ebenso ähnlich wie eine elende Wandertruppe. Diese beiden Vergleiche ergänzen sich gegenseitig und tragen dazu bei, die Haupthandlung von Okudzhava hervorzuheben, die Handlung der besiegten Armee, die Handlung des Wanderkünstlers, die Handlung des Stolzes trotz der Niederlage.

Diese Handlungen werden natürlich durch Überlagerung von Wörtern, Reimen, Ähnlichkeiten hervorgehoben. Aber die Hauptsache ist dieses offene Geständnis - wie eintönig die Handlung meiner Erinnerung ist, Sie werden dort nichts anderes sehen, egal wie Sie aussehen.

Okudzhava überall, wo er hinschaut, sieht die gleiche Welt durch Literarische Handlung, die Verschwörung des Sieges trotz Niederlage, die Verschwörung der bitteren Selbstverspottung, immer zum Verlieren verurteilt und immer zum Durchhalten gezwungen. Davon erzählt auch sein „Old Soldier’s Song“ („Die Lieder unseres Regiments sind laut …“) – ein Lied, dass den dem Untergang geweihten alten Soldaten nichts als persönliche Würde bleibt.

Hände auf den Fensterladen, Kopf in Angst,
Und die Seele hat schon gerne abgehoben.
Warum schreiben wir mit Blut im Sand?
Unsere Briefe werden von Natur aus nicht benötigt.

Schlaf still, Brüder, alles wird wiederkommen.
Neue Kommandeure werden geboren,
neue Soldaten erhalten
ewige Regierungswohnungen.

Schlaf in dich hinein, Brüder, alles wird wiederkehren,
Alles muss sich in der Natur wiederholen,
und Worte und Kugeln und Liebe und Blut,
es wird keine Zeit geben, sich zu versöhnen.

Die Handlung der ewigen Wiederholung oder, nach Nietzsche, der ewigen Wiederkehr - das ist Hauptthema Liedtext von Okudzhava. Wohin man auch blickt, sieht man sich der gleichen eintönigen Landschaft gegenüber. Deshalb besteht eines der wichtigsten Mittel zur Erzielung von Wirkung in seinen Texten darin, den breitesten poetischen Kontext einzubeziehen, denn für ihn alle Weltliteratur, im Allgemeinen ungefähr dasselbe. Und in „Farewell to the New Year Tree“ und in „Villon’s Prayer“ und in dem Gedicht „From the Window of the Carriage“ sehen wir dasselbe Gerät, das unserem eigenen Schicksal in der Gegenwart an den großen Beispielen der Zukunft folgt . Und es stellt sich heraus, dass uns nichts Neues einfallen wird, aber wir werden nicht bis zum Ende verlieren, denn in letzter Stand unsere Vergangenheit wird mit uns kommen.

SCHRIFTSTELLER, ZENSUR UND LESER IN RUSSLAND

Der Vortrag wurde bei der Celebration of the Arts an der Cornell University am 10. April 1958 gehalten.

In der Vorstellung von Ausländern wird der Begriff „russische Literatur“ als eigenständiges Phänomen gewöhnlich auf die Erkenntnis reduziert, dass Russland der Welt Mitte des vergangenen und zu Beginn unseres Jahrhunderts ein halbes Dutzend großer Prosaautoren geschenkt hat. Russische Leser behandeln es etwas anders, darunter auch einige andere unübersetzbare Dichter, aber dennoch haben wir zunächst die brillante Konstellation von Autoren des 19. Jahrhunderts im Sinn. Mit anderen Worten, die russische Literatur existiert erst seit relativ kurzer Zeit. Außerdem ist es zeitlich begrenzt, sodass Ausländer es eher als etwas Vollendetes, ein für alle Mal Fertiges betrachten. Das liegt vor allem an der Unpersönlichkeit der typisch provinziellen Literatur der letzten vier Jahrzehnte, die unter dem Sowjetregime entstanden ist.

Ich habe einmal ausgerechnet, dass das Beste von allem, was seit Beginn des letzten Jahrhunderts in der russischen Prosa und Poesie geschaffen wurde, 23.000 Seiten der üblichen Art sind. Offensichtlich weder Französisch noch englische Literatur es ist unmöglich, so zu quetschen. Beide sind zeitlich ausgedehnt und zählen mehrere hundert großartige Werke. Damit komme ich zum ersten Fazit. Bis auf ein mittelalterliches Meisterwerk passt russische Prosa überraschend gut in eine runde Amphore des letzten Jahrhunderts, und für die aktuelle gibt es nur einen Magerrahmkrug. Eine aus dem 19. Jahrhundert es genügte einem Land fast ohne jede literarische Tradition, eine Literatur zu schaffen, die in ihrem künstlerischen Wert, in ihrem weltweiten Einfluss, in allem außer dem Umfang, der englischen und französischen gleichkam, obwohl diese Länder ihre Meisterwerke viel früher zu produzieren begannen. Der erstaunliche Anstieg ästhetischer Werte in einer so jungen Zivilisation wäre unmöglich gewesen, wenn das gesamte spirituelle Wachstum Russlands im 19. Jahrhundert stattgefunden hätte. ging nicht mit so unglaublicher Geschwindigkeit voran und erreichte das Niveau der alten europäischen Kultur. Ich bin davon überzeugt, dass die Literatur des letzten Jahrhunderts noch nicht in den Kreis westlicher Vorstellungen über die russische Geschichte eingetreten ist. Die Frage nach der Entwicklung des freien vorrevolutionären Denkens wurde in den 1920er und 1930er Jahren durch die ausgeklügelte kommunistische Propaganda völlig verzerrt. unser Jahrhundert. Die Kommunisten eigneten sich die Ehre an, Rußland aufzuklären. Aber man kann durchaus sagen, dass in den Tagen von Puschkin und Gogol die meisten Russen hinter einem Vorhang aus langsam fallendem Schnee vor den hell erleuchteten Fenstern der aristokratischen Kultur in der Kälte blieben. Diese tragische Diskrepanz ergab sich aus der Tatsache, dass die anspruchsvollsten Europäische Kultur zu hastig in ein Land gebracht, das für das Unglück und die Leiden ihrer zahllosen Stiefkinder berüchtigt ist. Dies ist jedoch ein ganz anderes Thema.

Obwohl, wer weiß, vielleicht nicht der andere. Wenn ich die Geschichte der russischen Literatur skizziere oder vielmehr die Kräfte definiere, die um die Seele des Künstlers kämpften, kann ich das tiefe Pathos spüren, das jeder echten Kunst innewohnt, das aus der Kluft zwischen ihren ewigen Werten und der Leiden unserer verwirrten Welt. Man kann dieser Welt kaum vorwerfen, Literatur als Luxus oder Schmuckstück zu behandeln, da sie nicht als moderner Leitfaden verwendet werden kann.

Einen Trost hat der Künstler: In einem freien Land ist er nicht gezwungen, Reiseführer zu verfassen. Basierend auf dieser eher eingeschränkten Sichtweise, Russland im 19. Jahrhundert. war seltsamerweise ein relativ freies Land: Bücher konnten verboten werden, Schriftsteller wurden ins Exil geschickt, Schurken und Idioten wurden zu Zensoren, Seine Majestät im Schnurrbart konnte selbst Zensor und Bann werden, aber immer noch diese erstaunliche Erfindung der Sowjetzeit - eine Zwangsmethode ganzer literarischer Vereine, unter staatlichem Diktat zu schreiben, gab es im alten Rußland nicht, obwohl zahlreiche reaktionäre Funktionäre eindeutig davon träumten. Ein überzeugter Determinist könnte einwenden, dass die Zeitschrift selbst in einem demokratischen Staat finanziellen Druck auf ihre Autoren ausübt, um sie zu zwingen, das zu liefern, was das sogenannte Lesepublikum verlangt, und folglich den Unterschied zwischen ihr und dem direkten Druck der Polizeistaat, der den Autor nur im Ausmaß des Drucks zwingt, seinen Roman mit den entsprechenden politischen Ideen auszustatten. Aber das ist eine Lüge, schon deshalb, weil es in einem freien Land viele verschiedene Zeitschriften und philosophische Systeme gibt und in einer Diktatur nur eine Regierung. Der Unterschied ist qualitativ. Lassen Sie mich, einen amerikanischen Schriftsteller, daran denken, einen unkonventionellen Roman zu schreiben, zum Beispiel über einen glücklichen Atheisten, einen unabhängigen Bürger der Stadt Boston, der eine schöne schwarze Frau heiratete, ebenfalls eine Atheistin, die ihm einen Haufen Kinder gebar, kleine kluge Agnostiker, die bis zu 106 Jahre ein glückliches, tugendhaftes Leben führten und in einem glückseligen Schlaf starben, kann mir gut gesagt werden, dass Herr trotz Ihres unvergleichlichen Talents in der Lage sein wird, es zu verkaufen. Dies ist die Meinung des Herausgebers - jeder hat das Recht auf seine Meinung. Niemand wird mich in die wilden Weiten Alaskas schicken, wenn die Geschichte meines wohlhabenden Atheisten von einem dubiosen experimentellen Verlag gedruckt wird; Andererseits erhalten amerikanische Schriftsteller niemals Regierungsaufträge, um Epen über die Freuden des freien Unternehmertums und des Morgengebets zu produzieren.

In Russland gab es vor dem Sowjetregime natürlich Einschränkungen, aber niemand befahl den Künstlern. Die Maler, Schriftsteller und Komponisten des letzten Jahrhunderts waren sich ziemlich sicher, dass sie in einem Land lebten, in dem Willkür und Sklaverei herrschten, aber sie hatten einen enormen Vorteil, der erst heute voll und ganz geschätzt werden kann, einen Vorteil gegenüber ihren dort lebenden Enkelkindern modernen Russland: Sie wurden nicht gezwungen zu sagen, dass es keine Despotie und Sklaverei gibt. Zwei Kräfte kämpften gleichzeitig um die Seele des Künstlers, zwei Kritiker beurteilten seine Arbeit, und die erste war Macht. Ein ganzes Jahrhundert lang war sie davon überzeugt, dass alles Ungewöhnliche, Originelle in der Kreativität einen scharfen Ton erklingt und zu einer Revolution führt. Die Wachsamkeit der Machthaber wurde am deutlichsten von Nikolaus I. in den 30er und 40er Jahren zum Ausdruck gebracht. letztes Jahrhundert. Die Kälte seiner Natur durchdrang das russische Leben viel mehr als die Vulgarität nachfolgender Herrscher, und sein Interesse an Literatur wäre rührend gewesen, wenn er aus reinem Herzen gekommen wäre. Mit erstaunlicher Beharrlichkeit strebte dieser Mann danach, absolut alles für die russische Literatur zu werden: sein eigener und Pate, Kindermädchen und Ernährer, Gefängniswärter und Literaturkritiker. Welche Qualitäten er auch in seinem königlichen Beruf an den Tag legte, es muss zugegeben werden, dass er sich im Umgang mit der russischen Muse wie ein bezahlter Mörder oder bestenfalls wie ein Narr benahm. Die von ihm eingeführte Zensur blieb bis in die 1960er Jahre in Kraft, wurde nach den großen Reformen geschwächt, Ende des letzten Jahrhunderts wieder verschärft, zu Beginn dieses Jahrhunderts kurzzeitig abgeschafft und dann auf wundersame und höchst schreckliche Weise unter den Sowjets wiederbelebt.

In der ersten Hälfte des letzten Jahrhunderts Regierungsbeamte, die gerne überall ihre Nase hineinstecken, die höchsten Ränge der Dritten Division, die Byron in die Reihen der italienischen Revolutionäre einschrieben, selbstgefällige Zensoren von ehrwürdigem Alter, Journalisten einer bestimmten Sorte auf der Gehaltsliste der Regierung, einer ruhigen, aber politisch sensiblen und besonnenen Kirche - mit einem Wort, diese ganze Mischung aus Monarchismus, religiösem Fanatismus und bürokratischer Unterwürfigkeit brachte den Künstler ziemlich in Verlegenheit, aber er konnte Haarnadelkurven zulassen und die Machthaber lächerlich machen, während er es bekam wahre Freude an vielen geschickten, geradezu auffälligen Tricks, gegen die die Dummheit der Regierung völlig machtlos war. Der Narr kann ein gefährlicher Typ sein, aber seine Verletzlichkeit macht die Gefahr manchmal zu einem erstklassigen Sport. Welche Mängel auch immer die Bürokratie des vorrevolutionären Russland erlitten hat, es muss zugegeben werden, dass sie ein unbestreitbares Verdienst besaß – das Fehlen von Intelligenz. IN in gewissem Sinne Die Aufgabe des Zensors wurde dadurch erschwert, dass er obskure politische Anspielungen zu entschlüsseln hatte, anstatt einfach nur offensichtliche Obszönitäten anzugreifen. Unter Nikolaus I. war der russische Dichter gezwungen, vorsichtig zu sein, und Puschkins Versuche, die wagemutigen Franzosen Guys und Voltaire nachzuahmen, wurden leicht durch Zensur unterdrückt. Aber die Prosa war tugendhaft. In der russischen Literatur existierte die Rabelaissche Tradition der Renaissance nicht wie in anderen Literaturen, und der russische Roman als Ganzes bleibt vielleicht bis heute ein Modell der Keuschheit. Die sowjetische Literatur ist selbst Unschuld. Es ist unmöglich, sich einen russischen Schriftsteller vorzustellen, der zum Beispiel Lady Chatterleys Liebhaber geschrieben hat.

Die erste Kraft, die sich dem Künstler entgegenstellte, war also die Regierung. Eine andere Kraft, die ihn einschränkte, war die regierungsfeindliche, öffentliche, utilitaristische Kritik, all diese politischen, bürgerlichen, radikalen Denker. Es sollte beachtet werden, dass in Bezug auf Bildung, Intelligenz, Bestrebungen und Menschenwürde diese Leute waren jenen Gaunern, die vom Staat gefüttert wurden, oder den alten dummen Reaktionären, die um den wackelnden Thron herumtrampten, unermesslich überlegen. Dem linken Kritiker ging es ausschließlich um das Wohl der Menschen, und alles andere: Literatur, Wissenschaft, Philosophie – er betrachtete nur ein Mittel, um die soziale und wirtschaftliche Lage der Benachteiligten zu verbessern und die politische Struktur des Landes zu verändern. Ein unbestechlicher Held, gleichgültig gegenüber den Strapazen des Exils, aber gleichgültig gegenüber allem, was in der Kunst verfeinert ist – das war diese Art von Menschen. Der hektische Belinsky in den 40er Jahren, der unbeugsame Chernyshevsky und Dobrolyubov in den 50er und 60er Jahren, der respektable Langweiler Mikhailovsky und Dutzende anderer ehrlicher und sturer Menschen - sie alle können unter einem Zeichen vereint werden: politischer Radikalismus, verwurzelt im alten französischen Sozialismus und deutschen Materialismus und Vorahnung des revolutionären Sozialismus und des trägen Kommunismus der letzten Jahrzehnte, die nicht mit dem russischen Liberalismus im wahrsten Sinne des Wortes verwechselt werden sollten, sowie mit den aufgeklärten Demokratien in Westeuropa und Amerika. Wenn man in den alten Zeitungen der 60er und 70er Jahre blättert, stellt man mit Schrecken fest, welche extremen Ansichten diese Menschen unter den Bedingungen der Autokratie vertreten haben. Doch bei allen Tugenden entpuppten sich linke Kritiker als ebenso ignorant in der Kunst wie die Obrigkeit. Die Regierung und die Revolutionäre, der Zar und die Radikalen waren gleichermaßen Philister in der Kunst. Linke Kritiker kämpften gegen die bestehende Willkür und pflanzten damit eine weitere eigene. Die Ansprüche, die Maximen, die Theorien, die sie durchzusetzen versuchten, hatten genau dieselbe Beziehung zur Kunst wie traditionelle Politik Behörden. Sie forderten vom Schriftsteller soziale Ideen und nicht irgendeinen Unsinn, aber aus ihrer Sicht war ein Buch nur dann gut, wenn es den Menschen einen praktischen Nutzen bringen konnte. Ihr Eifer führte zu tragischen Folgen. Aufrichtig, kühn und kühn verteidigten sie Freiheit und Gleichheit, aber sie widersprachen ihrem eigenen Glauben und wollten die Kunst der modernen Politik unterordnen. Wenn Schriftsteller nach Ansicht der Zaren mit der Pflicht betraut waren, dem Staat zu dienen, dann mussten sie nach Meinung linker Kritik den Massen dienen. Diese beiden Denkrichtungen waren dazu bestimmt, sich zu treffen und ihre Bemühungen zu vereinen, damit endlich in unserer Zeit das neue Regime, das eine Synthese der Hegelschen Triade ist, die Idee der Massen mit der Idee des Staates vereinen würde .

Lektüre Fiktion- das ist nicht nur ein angenehmer Zeitvertreib, sondern auch eine Horizonterweiterung. Es stimmt, es ist nicht immer klar wahre Bedeutung Werke, einige Wendungen in der Handlung, oft sogar das Motiv der Handlungen der Helden, die Helden selbst. Hier helfen zusätzliche Literatur oder Vorträge von Fachleuten ihres Fachs. Wir haben nicht immer Zeit, extra zu lesen, daher ist das Anschauen und Besuchen von Vorlesungen eine gute Option. Es gibt viele Websites im Internet, die Tausende von Vorträgen in Audio- und Videoformaten anbieten. Sie müssen nur etwas wirklich Hochwertiges finden.

Dmitri Bykow

Vielleicht ist Dmitry Bykov heute einer der berühmtesten Lehrer der russischen Literatur. Er hat ein besonderes Auge für die Geschichte der Belletristik und ein klares Talent für den Unterricht. Seine Vorträge sind nicht nur informativ, sondern auch interessant. Zuweilen sehr kategorisch in seinen Äußerungen, schreckt er die Zuhörer dennoch nicht ab.

Live sind seine Vorträge nicht billig, aber es gibt Aufzeichnungen auf YouTube. Zum Beispiel seine Vorlesungen über Russisch Literatur XIX Jahrhundert:

Oder eine Vortragsreihe zum 20. Jahrhundert:

Sie können sich auch für Literaturvorlesungen von Dmitry Bykov anmelden, die er in verschiedenen Städten Russlands hält. So spricht er am 15. Mai in Moskau über Francis Scott Fitzgerald, den Autor des weltberühmten Romans „Der große Gatsby“.

„Bibigon“: Vorlesungen zum Schullehrplan

Eine ganze Playlist mit Vorträgen über russische Literatur, die vom Fernsehsender Kultura für ihre Kinder-Zuschauer gefilmt wurden. In einer zugänglichen Sprache sprechen langweilige Dozenten darüber berühmte Schriftsteller und ihre legendären Werke, die zu Klassikern geworden sind.

Julia Kaminskaja

Yuliana Kaminskaya - Außerordentliche Professorin der Abteilung für Geschichte der ausländischen Literatur von St. Petersburg staatliche Universität, sie kennt sich mit ausländischer Literatur aus und weiß Interessantes darüber zu erzählen. Zusammen mit lektorium.tv hat sie einen vollwertigen Vortragskurs erstellt, in dem man sich nicht nur die Analyse einzelner Werke anhören, sondern auch lernen kann interessante Fakten aus der Geschichte ausländische Literatur. Kafka, Hesse, Camus, Sartre und viele andere Meister künstlerisches Wort wurden die Helden ihrer Vorlesungen.

Goldene Seiten der europäischen Literatur

So heißt ein weiteres Projekt lektorium.tv. Vorträge von Alexey Mashevsky, russischer Dichter und Literaturkritiker. Er spricht sowohl über Russen als auch über ausländische Schriftsteller. Gogol, Defoe, Byron und andere Klassiker standen im Mittelpunkt seiner Vorlesungen.

„Das Glasperlenspiel“ mit Igor Wolgin

Die TV-Sendung Glasperlenspiel im Kulturkanal ist ein interessantes Diskussionsformat, in dem Literaturwissenschaftler und Schriftsteller diskutieren klassische Literatur. Ihr ständiger Gastgeber, Igor Volgin, ist Professor an der nach M. V. Lomonosov benannten Fakultät für Journalistik der Moskauer Staatlichen Universität und Spezialist für das Werk von Dostojewski. Er lädt ein interessante Helden Es macht also immer Spaß, der Diskussion zu folgen.

Wladimir Nabokov

In unserer Rezension durften wir Vladimir Nabokov nicht auslassen, einen berühmten russischen Schriftsteller, der Mitte des 20. Jahrhunderts in den Vereinigten Staaten Vorlesungen über Literatur hielt. Nachdem er einen großen Beitrag zur Literaturkritik geleistet hatte, blieb er für seine einzigartige Vision der russischen Literatur in Erinnerung. Das Hörbuch "Vorlesungen über russische Literatur" zu hören ist überhaupt nicht langweilig - probieren Sie es aus und haben Sie große Freude.

Erster Teil

Zweiter Teil

"Fight Club"

Im Bildungszentrum des Garagenmuseums in Moskau werden häufig Vorträge zu verschiedenen Themen gehalten. So finden am 15. und 22. April auch Vorträge zu den Werken von Umberto Eco und Franz Kafka statt.

Dies ist natürlich nicht die ganze Liste an Online-Veranstaltungen und Vorträgen, die Sie sich anhören können, um Ihren Horizont im Bereich Literatur zu erweitern. Wir wünschen Ihnen, dass Sie einen Dozenten finden, der Ihnen wirklich gefällt, und dann werden Sie nicht nur Wissen, sondern auch viel Freude erhalten.