Der Begriff der Ästhetik Ästhetik ist die Wissenschaft der nicht-utilitaristischen kontemplativen bzw
die kreative Einstellung einer Person zur Realität,
Studium der spezifischen Erfahrung seiner Entwicklung, dabei und
wodurch eine Person fühlt, spürt,
Erfahrungen in Zuständen geistig-sinnlicher Euphorie,
Freude, unbeschreibliche Freude, Glückseligkeit, Katharsis,
Ekstase.

Wichtigste ästhetische Kategorien

Schön
Sublimieren
Tragisch
Komisch
Hässlich

Tragisch

Tragisch ist eine ästhetische Kategorie, die charakterisiert
intensive Konflikterfahrung verbunden mit
spirituelle Überwindung, Transformation (Katharsis),
Leiden oder Emotionen des Helden.

Tragisch bedeutet nicht passives Leiden
Der Mensch steht unter der Last der ihm und ihm feindlich gesinnten Kräfte
freie, aktive Aktivität, Rebellion dagegen
Fels, Schicksal, Umstände und der Kampf dagegen. IN
ein tragischer Mensch offenbart sich an einem Wendepunkt,
angespannter Moment Ihrer Existenz

Das Wort „tragisch“ ruft normalerweise in unserem Leben hervor
die Vorstellung vom Tod oder vom Leiden einer Person. Tragödie ist ein hartes Wort, voll
Hoffnungslosigkeit. Es trägt einen kalten Glanz in sich
Tod, ein eisiger Atem weht von ihm. Dies wird erklärt
weil wir ein bestimmtes Ereignis dann als tragisch bezeichnen,
wenn wir Gefühle erleben, wenn wir es wahrnehmen
Mitgefühl, Trauer, seelischer Schmerz, das heißt, so
Gefühle, die unsere Emotionen sind
Reaktion auf den Tod und das Leid geliebter Menschen.

Tragisch am Beispiel von Shakespeares Werk „Hamlet“

Geschrieben in den Jahren 1600-1601
Jahre „Hamlet“, wie
die meisten Stücke von Shakespeare
in Bezug auf die Handlung
repräsentiert
Literarische Behandlung
geliehene Geschichte
kam im heidnischen vor
Dänemark (bis 827) und
erstmals vorgestellt am
Papier um 1200
Dänischer Chronist
Saxo-Grammatik.

„Hamlet“ ist eine Tragödie darüber, wie ein Mann seine eigenen Entdeckungen macht
die Existenz des Bösen im Leben. Shakespeare dargestellt
außergewöhnliche Schurkerei – Bruder hat Bruder getötet. Hamlet selbst
nimmt diese Tatsache nicht als privates Phänomen wahr, sondern als
einer der Ausdrücke dafür, dass das Böse allgegenwärtig geworden ist und
hat tiefe Wurzeln in der Gesellschaft geschlagen.

Hamlet beginnt einen Kampf gegen diese Welt. Er
sieht es nicht so sehr darin, seinen Vater zu rächen, sondern darin
um das Böse zu zerstören.
In dem Kampf, den Hamlet führt, hat er viele Gegner. Sein
Der Hauptfeind ist König Claudius selbst. Aber er ist nicht allein. Erste
unter den Anhängern des Königs - ein schmeichelhafter und listiger Höfling
Polonium. Ehemalige Freunde werden zu Handlangern des Königs
Hamlet von Rosencrantz und Guildenstern University Taking
übernimmt die unziemliche Mission, Hamlet auszuspionieren. Aber sogar
diejenigen, die den Prinzen aufrichtig lieben, finden sich unwissentlich unter ihm wieder
Feinde. Dies ist vor allem seine Mutter – Königin Gertrude, die wurde
Ehefrau des grausamen und unbedeutenden Claudius. Sogar die Geliebte
Hamlet, Ophelia, wird zum Werkzeug in den Händen seiner Feinde, und er
lehnt ihre Liebe ab.

Aber der Prinz hat wahrer Freund Horatio. Die Soldaten sympathisieren mit ihm
Bernardo und Marcellus. Das Volk liebt ihn, wie der König selbst sagt.
Aber Hamlet greift nicht auf die Hilfe derer zurück, die bereit sind, ihn zu unterstützen,
lieber eins gegen eins gegen den König kämpfen.
Die Langsamkeit des Prinzen in diesem Kampf wird durch mehrere Gründe erklärt
Gründe. Zunächst muss er sicherstellen, wie
Die Worte des Geistes über Mord sind wahr. Angst in die Seele säen
König, der Prinz gibt vor, verrückt zu sein. Claudius beginnt
zu fürchten, ob Hamlet das Geheimnis des Todes seines Vaters erfahren hatte.
Nutzen Sie das, was im königlichen Schloss ankommt
Mit der Schauspielertruppe führt Hamlet eine Aufführung auf, die, wie er
und stellte fest, dass es sich um eine „Mausefalle“ für den König handelte. Aber das tut er nicht
tötet ihn, selbst nachdem er von seiner Schuld überzeugt ist.

Der Zufall bietet ihm eine solche Gelegenheit: Der Prinz steht vor einer Herausforderung
König in einer der Burggalerien. Aber Hamlet wird dadurch aufgehalten
Der König betet. Nach damaligen Vorstellungen befindet sich die Seele des Claudius in diesem Moment
an Gott gerichtet, und wenn er getötet wird, wird sie in den Himmel aufsteigen. Weiler
will den König in die Hölle schicken. Dazu müssen Sie ihn dabei erwischen, wie er etwas tut
eine schlechte Sache. Fast unmittelbar nach dieser Szene spricht er mit seiner Mutter, dem Prinzen
hört ein Geräusch im Zimmer und denkt, dass er den darin versteckten König töten wird
Raum, schlägt mit einem Schwert zu und tötet Polonius.
Dieser Schlag machte alle Pläne Hamlets zunichte. Der König erkannte, auf wen der Prinz es abgesehen hatte.
Nun hat Claudius einen guten Grund, den Prinzen loszuwerden, den er
versuchte es zu tun. Aber auch der Zufall kommt Hamlet zu Hilfe, und er
kehrt nach Dänemark zurück. Die Ereignisse nehmen erneut eine unerwartete Wendung
Mund. Hamlet erfährt von Ophelias Tod. Ihr Tod und der Tod von Polonius machten
Laertes ist Hamlets Erzfeind. Der König richtet Laertes' Hand dagegen
der Prinz, und er wird ein Opfer ihrer gemeinsamen Täuschung.

Am Ende der Tragödie hatte Hamlet alle Prüfungen bestanden und
gehärtet. Er hörte auf, Angst vor dem Tod zu haben, wurde aber nicht zu einer Angst
gleichgültig gegenüber dem Leben. Wenn er stirbt und sieht, dass er es ist
Horatios Freund möchte freiwillig seinen Tod teilen,
Hamlet nimmt ihm den Giftbecher ab und ruft ihn an
Mut. Der Tod ist zu viel einfacher Weg Hash abrechnen
Schwierigkeiten des Lebens, des Menschen unwürdig. „Atmen Sie ein
„Ditch World“, vermacht Hamlet seinem Freund.

Die Geschichte des dänischen Prinzen ist tragisch. Die Tragödie seines Lebens
war, dass ihm viel Böses und Ärger widerfuhr, und
Die Seele war so empfindlich, dass sie herausgerissen wurde
das Leid, das sie verursachen. Sein Schicksal ist tragisch und weil
dass er starb, als er eine gerechte Sache verteidigte.
Aber Hamlet ist keine Tragödie der Verzweiflung angesichts des Bösen, sondern
eine Tragödie über die Schönheit und den Mut eines Mannes, der es nicht konnte
anders zu leben als in einem unversöhnlichen Kampf gegen das Böse.

Symbolik der Tragödie in Hamlet

Die Symbolik der Tragödie ist einfach und verständlich. Wenn eine Person ist
ein Werkzeug ist, dann ist der Tod ein Schädel, dessen Zugehörigkeit es kann
kann nur über installiert werden menschliches Gedächtnis. Knochen
Der königliche Narr Yorick unterscheidet sich nicht von den Überresten des Großen
Feldherr Alexander der Große. Verfall ist das Ergebnis des physischen Lebens und
Was seine spirituelle Fortsetzung ist, ist Hamlet unbekannt. Von hier
und seine berühmte Frage „Sein oder Nichtsein?“ sich dem Schicksal unterwerfen oder
gegen sie kämpfen? Sterben, um die „natürliche Qual“ loszuwerden? UND
Wird es funktionieren? Welche „Träume“ wird ein Mensch außerhalb der Schwelle haben?
Gräber? Ist der Tod den Tod und das Leben das Leben wert? Es ist Unwissenheit, die gibt
Menschen haben die Kraft zu leben: brutale Gewalt und Unwahrheit zu ertragen,
Verachtung und abgelehnte Liebe – all das Unglück, das
endet mit dem Tod einer Person. Aber enden sie? Abwesenheit
die genaue Antwort auf die Frage ist die einzig mögliche Antwort,
was dem menschlichen Leben einen Sinn gibt. Bis es eintrifft, tschüss
eine Person zweifelt, denkt nach, leidet, versucht herauszufinden
was ihn umgibt – er lebt.

Im 20. Jahrhundert wurde Hamlet auf der russischen Bühne von V. Vysotsky, E. Mironov gespielt, es wurde von G. Kozintsev gedreht, diese Rolle wurde in Filmen von I. Smoktunovsky gespielt. Die Tragödie wurde entweder in Kostümen der viktorianischen Ära aufgeführt, oder die Schauspieler trugen Miniröcke und Schlaghosen oder waren völlig unbekleidet; Rosencrantz und Guildenstern nahmen die Gestalt von Rock'n'Roll-Stars an, Hamlet porträtierte einen pathologischen Idioten und Ophelia verwandelte sich von einer Nymphe in eine Nymphomanin. Shakespeare sollte entweder ein Freudianer, ein Existentialist oder ein Homosexueller sein, aber all diese „formalistischen“ Tricks haben glücklicherweise noch nicht zu etwas besonders Außergewöhnlichem geführt.

Eine bemerkenswerte Seite in der „Russischen Hamletiana“ war der Auftritt von Moskowski Kunsttheater(1911), Regie E.G. Craig ist die erste Erfahrung der Zusammenarbeit zwischen russischen Schauspielern und einem englischen Regisseur, während die Schauspieler und der Regisseur diametral entgegengesetzte theatralische Vorlieben und Richtungen haben. Die Rolle des Hamlet wurde von V.I. Kachalov gespielt. Elegisch V.I. Es scheint, dass Kachalov in keiner Weise seinem donnernden Vorläufer ähnelte, und doch ereignete sich im Prinzip die gleiche Auflösung in Hamlet. Und nicht nur Kachalov, sondern das gesamte Stück, Shakespeare und das Publikum: die Welt nicht mit den Augen von Shakespeare, sondern von Hamlet.

Z.B. Craig war ein Vorreiter des Symbolismus in der darstellenden Kunst. Er ersetzt die lebenswichtige Konkretheit von Shakespeares Konflikten und Bildern durch Abstraktionen mystischer Natur. So sieht er in Hamlet die Idee des Kampfes zwischen Geist und Materie. Er interessiert sich nicht für die Psychologie von Helden. Auch die Wohnsituation spielt in seinen Augen keine Rolle. Als begnadeter Künstler schafft er konventionelle Szenerien und befreit das Erscheinungsbild der Helden von allem, was sie zu Menschen einer bestimmten Epoche machen könnte. Zwar ist die praktische Umsetzung seiner Konzepte durch E.G. Craig erreichte zwar nur minimale Erfolge, die von ihm vorgebrachten Ideen hatten jedoch erheblichen Einfluss auf die Entwicklung dekadenter Tendenzen im Theater. Die Inszenierung von Hamlet im Moskauer Kunsttheater im Jahr 1911 brachte nur teilweise seine Absicht zum Ausdruck, die Idee der menschlichen Schwäche zu bekräftigen. Ansichten von E.G. Craig geriet in Konflikt mit den ideologischen und künstlerischen Positionen von K.S. Stanislawski und das von ihm geleitete Theater.

Die Geschichte der Beziehung zwischen K.K. Stanislavsky mit Shakespeare war äußerst schwierig. Die fortschrittlichen Experimente des Moskauer Kunsttheaters basierten auf dem damals modischen realistischen Drama, und die „romantische Tragödie“ entsprach nicht dem Bild des Theaters. Aber am Ende demonstrierte Hamlet, dargeboten von Kachalov, dem Publikum die Hilflosigkeit des Einzelnen in einer Atmosphäre des Triumphs der reaktionären Kräfte.

V.E. Als Meyerhold die Inszenierung von Hamlet plante, dachte er daran, zu den Formen der öffentlichen Aufführung zurückzukehren, obwohl Shakespeare in Hamlet seine Differenzen zum öffentlichen Theater darlegte und sein Vertrauen in den Hof eines Experten, eines Einzelgängers zum Ausdruck brachte?

Eine Komödie aus der Tragödie „Hamlet“ der 30er Jahre. hergestellt von N.P. Akimov, der während der Arbeit an Hamlet mit berechtigter Entschlossenheit zu seiner Zeit auf eine ganze Reihe von Fragen zurückkam, deren Antworten aktualisiert werden mussten. Was bedeutet „Humanismus“, wenn man ihn auf Hamlet und die Shakespeare-Ära anwendet („entspricht überhaupt nicht der trivialen Menschlichkeit der Liberalen“)? Er hatte auch Recht, als er mit Blick auf die Geschichte der „Hamlet“-Inszenierungen im letzten Jahrhundert zu dem Schluss kam, dass das 19. Jahrhundert in vielerlei Hinsicht, aber ausnahmslos, das gleiche romantische Machtgleichgewicht bei der Interpretation von Shakespeares Tragödie wiederholte: „ der König ist böse; „Der Geist von Hamlets Vater ist der ewige Anfang des Guten“, insbesondere „Hamlet selbst verkörperte die Nachtidee des Guten.“ Kurz gesagt, die Essenz des romantischen Verständnisses von Hamlet liegt in den Worten „der beste Mann“. Es ist bezeichnend, dass diese Worte, die wie die Anmut zu einem integralen Merkmal von Hamlet wurden, von Shakespeare einem völlig anderen Charakter zugeschrieben werden . Es ist möglich, dass Hamlet sehr gut ist, dass er ein außergewöhnlicher, herausragender Mensch ist, aber dieser Typ entspricht überhaupt nicht dem, was die Definition des „besten Menschen“ vermuten lässt. So wie Shakespeares „anmutig und sanft“ nicht Hamlet, sondern Fortinbras ist, so ist „der beste Mann“ nicht Hamlet, sondern Horatio. Die Aufführung auf der Bühne des Theaters. Vakhtangov, inspiriert von N.P. Akimov beschränkte sich jedoch auf die Tatsache, dass die für Hamlet etablierte hohe Auflösung auf den Kopf gestellt wurde und Hamlet nicht besser, nicht schlechter als andere wurde, er wurde derselbe wie alle um ihn herum. Aber es zu ändern, auf den Kopf zu stellen, ist noch keine Revision des Wesens.

N.P. Akimov betont, dass die Werke von E. Rotterdamsky Nachschlagewerke für alle gebildeten Menschen zu Shakespeares Zeiten waren, und dies ist ein weiterer Punkt, der für den Regisseur besonders wichtig ist: Der Zeitpunkt und der Ort der Handlung seiner Aufführung sind äußerst spezifisch – das England des Elisabethanischen Zeitalters Epoche. Wenn wir also die philosophische Ebene der Tragödie ausgleichen, bleibt als einzige Linie der Kampf um den Thron übrig. Es gibt einen Usurpator auf dem Thron. Daher besteht das Hauptziel des Erben darin, sich das zu nehmen, was ihm rechtmäßig gehört. Genau so formulierte Akimow das Thema seiner Inszenierung. Er konzipierte „Hamlet“ als ein strahlendes Spektakel mit intensiver, ununterbrochener Action, sofortigen Szenenwechseln, Tricks und Possenreißern. „Da kann man nichts machen, das ist eine Komödie!“ sagte N.P. Akimov bei der Präsentation der Ausstellung der zukünftigen Aufführung vor den Schauspielern.

Später N.P. Akimov gibt zu: „Damals, vor dem Dekret vom 23. April 1932, das mit zusammenfiel Generalproben Als ich bei meiner Hamlet-Inszenierung die Grundlagen meines Produktionsplans nicht mehr überarbeiten und ändern konnte, hatten wir noch nicht die aktuelle Ehrfurcht vor den Klassikern.“

„Er ist fettleibig und leidet unter Atemnot …“ Laut N.P. Akimov, diese Bemerkung von Königin Gertrude brachte den Regisseur auf die Idee, A.I. für die Hauptrolle zu ernennen. Goryunov, ein großartiger Komiker, Improvisator, fetter Witzbold. Akimovs Skizze von Hamlets Kostüm zeigt A.I. Gorjunow. Ähnlich und nicht ähnlich. Sogar seltsam: N.P. Akimov, ein wunderbarer Porträtmaler, der immer wusste, wie man einfängt Hauptmerkmal Charakter einer Person, um ihn in einer Zeichnung zu verkörpern – und mit K.I. Für Goryunov hat es nicht geklappt. Alles wird durch ein schweres, willensstarkes Kinn verdorben.

Eine Reihe von Fakten deuten darauf hin, dass die Hinrichtung von K.I. Goryunovs Rollen unterschieden sich deutlich von dem, was der Regisseur ursprünglich beabsichtigt hatte. Akimov wollte Hamlet als selbstbewusst, sogar ein wenig grob, zynisch, gewagt und wütend sehen. Goryunovs charmante Unreife brachte alle Karten durcheinander. Er konnte nicht wirklich böse sein. Komisch – ja, wehrlos – ja. Der einzige Moment, in dem K.I. Goryunov schaffte es, beim Zuschauer ein Gefühl von etwas Unheimlichem zu erzeugen; er war gleich zu Beginn der Aufführung.

Vor allem aber litt Akimov unter Kritikern wegen der „blasphemischen“ Interpretation dieses besonderen Bildes. „Die Funktion dieses Mädchens im Stück besteht darin, dass sie die dritte Spionin ist, die Hamlet zugewiesen wurde: Rosencrantz, Guildenstern – und Ophelia.“ Die Position des Regisseurs ist äußerst klar und präzise formuliert. Die Schauspielerin V. Vagrina war vielleicht die „skandalöseste“ Ophelia in der Geschichte des Theaters. Von einer Liebe zwischen Hamlet und der Tochter des Polonius war in der Wachtangow-Inszenierung keine Rede. Die Heirat mit dem Prinzen interessierte Ophelia nur als Gelegenheit, Mitglied der königlichen Familie zu werden – dieses ehrgeizige Ziel strebte sie ungeachtet aller Umstände an: Sie spionierte, belauschte, guckte und informierte. Und sie war äußerst beleidigt und verärgert, als ihr klar wurde, dass ihr Traum nicht wahr werden würde. Sie war so aufgebracht, dass sie sich auf dem königlichen Ball völlig betrank und obszöne Lieder brüllte – so löste Akimov die Szene von Ophelias Wahnsinn. „Ich war etwas irritiert von diesem wenig überzeugenden Wahnsinn, der ganz in die alte Bühnentradition passt, aber aus unserer Bühnentradition herausfällt.<…>Ich habe das Ende von Ophelias Rolle geändert: Sie führt einen frivolen Lebensstil, weshalb sie betrunken ertrinkt. Das beeinflusst unsere Aufmerksamkeit viel weniger, als wenn wir denken, dass sie verrückt geworden oder sogar ertrunken ist.“

Akimows berühmte Interpretation der „Mausefalle“-Szene, in der die Komödie auf ein so groteskes Niveau gebracht wird, dass König Claudius zur zentralen Figur wird, wurde schon oft beschrieben. Zum Auftritt der reisenden Schauspieler kam er in einem weiteren neuen Outfit, dessen Hauptdetail eine lange rote Schleppe war. Claudius nahm ruhig seinen Platz ein, doch sobald der Schauspieler, der den König darstellte, dem schlafenden Gonzago Gift ins Ohr goss, sprang Hamlets Onkel schnell von seinem Stuhl auf und rannte davon, man könnte sagen, er floh hinter die Bühne. Und hinter ihm erstreckte sich flatternd eine endlos lange rote – blutige – Schleppe.

Eine weitere wichtige Szene aus Akimows Stück ist Hamlets berühmter Monolog „Sein oder Nichtsein?“ In einer mit Weinfässern gefüllten Taverne überlegte der Prinz, kaum seine Zunge bewegend, ob er König werden sollte oder nicht, während er mal die falsche Pappkrone aufsetzte und mal abnahm, die die Schauspieler nach der Probe zurückgelassen hatten, und ein betrunkener Horatio stimmte begeistert zu mit seinem Freund.

Laut N.P. Akimova Hamlet ist Humanistin, was bedeutet, dass er ein Büro für wissenschaftliche Studien haben sollte. In Hamlets Bibliothek befand sich neben Büchern, Karten und einem Globus auch ein menschliches Skelett mit einer knochigen Hand, die spielerisch erhoben wurde. (Akimov hatte vor, ein Pferdeskelett aufzustellen, aber genau wie im Fall des Schweins konnte diese Absicht nicht verwirklicht werden.)

Wie wir sehen können, steckte ziemlich viel „schwarzer Humor“ in der Aufführung. Auf den Mord an Polonius folgte eine Episode im Geiste eines Stunt-Westerns mit komischen Verfolgungsjagden. Nachdem er die Leiche von Polonius aufgehoben hatte, zerrte Hamlet ihn die zahlreichen Treppen des Schlosses entlang und rannte vor den Palastwächtern davon. Und selbst das Duell war halb Clownerie, halb Guignol. Der Ort des Kampfes, der wie ein Ring angelegt war, war von einer Menge Zuschauern umgeben: Live-Schauspieler gemischt mit Puppen: Dies wurde deutlich, als die Wachen auf ein Zeichen von Claudius hin begannen, die Menge zu zerstreuen (nachdem Gertrude sich vergiftet hatte). Hamlet und Laertes kämpften mit Fechtmasken, wobei Laertes‘ Maske einem Schakal ähnelte. Goryunov war ein unbedeutender Fechter, aber man kann sich vorstellen, mit welcher ansteckenden Leidenschaft er sein Schwert schwang.

Die letzte Szene des Stücks von N.P. Akimov hat es besonders sorgfältig entwickelt. Fortinbras ritt zu Pferd direkt auf die Plattform, auf der das Duell stattfand. Er hielt seinen Monolog, ohne den Sattel zu verlassen. Am Ende dieser fröhlichen Aufführung erklangen unerwartet tragische Töne. Während Fortinbras zusah, wie die Leichen entfernt wurden, las der trauernde Horatio, der sich über Hamlets Körper beugte, die Gedichte von Erasmus von Rotterdam:

„Er sprach über Wolken, über Ideen,

Er maß die Gelenke des Flohs,

Er bewunderte den Gesang der Mücken ...

Aber was ist wichtig für gewöhnliches Leben- Das wusste ich nicht..."

Die letzte Zeile der Aufführung war ein Zitat von Ulrich von Hutten: „Was für eine Freude es zu leben ...“. Horatio sprach diesen Satz mit tiefgründiger und trauriger Stimme aus und betonte mit bitterem Sarkasmus den Unterschied zwischen Bedeutung und Tonfall.

Wenn es also in den 30er und 40er Jahren eine Tendenz gab, Shakespeare neu zu interpretieren und Hamlet als einen starken Mann zu zeigen, der fast keine Zweifel kannte (V. Dudnikov, Leningrad, 1936; A. Polyakov, Woronesch, 1941), dann waren die Aufführungen des Die 50er Jahre markieren die Wiederbelebung der Komplexität und Dualität des Charakters des Helden, seiner Zögerungen und Zweifel, und Hamlet, ohne die Züge eines Kämpfers für Gerechtigkeit zu verlieren, zeigt sich immer mehr als eine Person, die mit der Tragödie des Lebens konfrontiert ist, die das war charakteristischstes Merkmal der Inszenierungen von G. Kozintsev und N. Okhlopkov. Im Gegensatz dazu war die Aufführung von „Hamlet“ von M. Astangov (Evg. Wachtangow-Theater, Regie B. Zahava, 1958) von einer etwas kalten Didaktik geprägt, denn in seiner Interpretation erschien Hamlet als ein Mann, der die Antworten auf alle Fragen im Voraus kannte „verdammte Fragen.“

G. Kozintsev geht in „Hamlet“ einen grundlegend anderen Weg: Er bewahrt alles Handlungsstränge, alle Hauptfiguren, schneidet aber mutig (wenn auch keineswegs gnadenlos) selbst Monologe und Repliken ab, die für den Sinn der Tragödie sehr wichtig sind, entfernt alles Beschreibende, alles, was auf der Leinwand sichtbar dargestellt werden kann.

Dieser Ansatz entstand bereits während der Arbeit an der Theateraufführung von Hamlet. B. Pasternak, der Autor der vom Regisseur verwendeten Übersetzung, gab diesbezüglich die radikalsten Empfehlungen: „Schneiden, kürzen und umformen, so viel Sie wollen.“ Je mehr Sie aus dem Text entfernen, desto besser. Ich betrachte immer die Hälfte des dramatischen Textes eines jeden Stücks, des unsterblichsten, klassischsten und genialsten, als eine allgemeine Bemerkung des Autors, um die Darsteller so tief wie möglich in das Wesen der gespielten Handlung einzuführen. Sobald das Theater in das Konzept eingedrungen ist und es beherrscht, ist es möglich und notwendig, auf die hellsten und nachdenklichsten Bemerkungen (ganz zu schweigen von den gleichgültigen und blassen) zu verzichten, wenn der Schauspieler es geschafft hat, schauspielerisch, mimisch, schweigsam oder schweigsam zu sein Ihnen an dieser Stelle des Dramas, in dieser Phase seiner Entwicklung, entspricht das gleiche Talent. Im Allgemeinen haben Sie völlige Freiheit, über den Text zu verfügen, es ist Ihr Recht …“

G. Kozintsev akzeptierte diese Tipps, aber sozusagen für die Zukunft – für die Leinwand: „Im Kino mit seiner Kraft der visuellen Bilder könnte man riskieren, ein „Äquivalent“ zu erreichen. Das Wort dominiert die Bühne ...“

Um den gleichen Gedankengang fortzusetzen: Das Bild dominiert den Bildschirm. Das heißt, damit Shakespeare filmisch wahrgenommen werden kann, muss seine Poesie ins Bildliche übersetzt werden. Deshalb hat G. Kozintsev bei den Dreharbeiten zu Hamlet bewusst die Sprache der Tragödie proklamiert – dabei ist sein Verbündeter Pasternak, dessen Übersetzung, die der modernen Umgangssprache möglichst nahe kommt, er verwendet. Das Gleiche wird erreicht, indem Stücke reduziert werden, die poetisch schön und metaphorisch figurativ sind. Aber Poesie verschwindet nicht und verliert auch nicht an Wert. Es bleibt erhalten, aber nicht in Worten, sondern in Plastik – sowohl im Schauspiel als auch in dem, was durch sichtbare Bilder auf der Leinwand entsteht.

Bei der Inszenierung von Hamlet von G. Kozintsev sind Probleme bekannt, bei denen es zu einer Konfliktsituation mit dem Darsteller kam führende Rolle I. Smoktunovsky, der seinen Helden ganz anders (also im Rahmen eines anderen Thesaurus) präsentierte. Laut Smoktunovsky zwang Kozintsev ihn buchstäblich, sich an den Plan des Regisseurs zu halten.

Gedanken über den Menschen und die Menschheit, über die Rebellion gegen den Despotismus des Jahrhunderts, die den Regisseur beunruhigten, wurden von Schauspielern, die Shakespeare-Texte sprechen, nicht nur von der Leinwand aus gesprochen – sie durchdringen jede Zelle des Films. Es wurde mehr als einmal darüber geschrieben, wie bedeutsam Kozintsevs Stein und Eisen, Feuer und Luft sind. Die Tatsache, dass Dänemark ein Gefängnis ist, wird uns nicht nur durch Hamlets Worte offenbart, sondern auch durch das Bild von Helsingør selbst, den leblosen Stein der Mauern, die knarrenden, scharfzahnigen Stangen, die auf das Tor fallen, den kalten Stahl von Helme verbergen die Gesichter der Soldaten, die die Burg bewachen. Und den dänischen Prinzen, der sich gegen diese Welt auflehnte, wird den ganzen Film über vom Feuer begleitet sein – rebellisch, rebellisch, aufflammend wie die Wahrheit im Dunkel der Lüge.

„Hamlet“ von Yu.P. zeichnete sich auch durch die Originalität seiner Produktion aus. Lyubimov auf der berühmten Taganka, wo V.S. die Hauptrolle spielte. Wyssozki. Als Regisseur Yu.P. Lyubimov zeichnet sich im Allgemeinen durch eine scharfe plastische Lösung des Gesamtbildes der Aufführung aus, daher bestimmte er dieses Mal in Zusammenarbeit mit dem Künstler D. Borovsky zunächst die visuelle Dominante der Aufführung. Aber heute ist es nicht das Pendel aus Rush Hour, noch das Amphitheater der Universitätsaula aus What Is To Be Done?, noch die Würfel aus Listen Up!, sondern eine Mauer, die alles und jeden im dänischen Königreich trennt.

In dieser Aufführung ließen sich Regisseur und Schauspieler nicht von einer oberflächlichen Modernisierung verleiten und gingen zu Recht sowohl an Hamlets im Frack als auch an bärtigen Männern in ausgeblichenen Jeans vorbei – doch das ausländische Theater versuchte, uns solche Prinzen zu zeigen, und behauptete, Shakespeares Tragödie unserer Zeit näher zu bringen. Wyssotskis Hamlet ist kein willensschwacher Träumer, der zwischen den Geboten des Gewissens und der Pflicht gespalten ist, und kein Abenteurer, der die Krone an sich reißen will, kein erhabener Mystiker und kein Intellektueller, der sich in den Labyrinthen der Freudschen „Komplexe“ verirrt hat, sondern ein Mensch unserer Zeit, ein junger Mann, der sich seiner historischen Pflicht bewusst ist, für die Grundwerte der menschlichen Existenz zu kämpfen, und deshalb offen in den Kampf für humanistische Ideale eintritt.

Wyssozkis „Hamlet“ ist das demokratischste von allen, die im 20. Jahrhundert gespielt wurden, und das ist auch ein Zeichen des Jahrhunderts, denn blaues Blut gilt schon lange nicht mehr als Garant für Anmut und Adel, und heute kann man sich leicht einen Helden vorstellen nicht nur mit einem Schwert, sondern auch mit einem Hockeyschläger oder einem Brecheisen

Die letzte Hamlet-Inszenierung auf der heimischen Bühne war das Werk des deutschen Regisseurs P. Stein. P. Stein erzählt einfach die Geschichte von Hamlet, Prinz von Dänemark. Erzählt für diejenigen, die Shakespeares Stück zum ersten Mal in seiner Gesamtheit sehen. Er erzählt, wie der Geist des ermordeten Vaters erscheint, wie er seinen Sohn zur Rache drängt, wie Hamlet Jr. sich darauf vorbereitet, seinen Plan auszuführen, wie Claudius sich wehrt und versucht, seinen hartnäckigen Stiefsohn loszuwerden, wie am Ende fast alles Die Helden sterben und ein engstirniger Mann kommt auf einem Panzer, aber einem starken Martinet, Fortinbras, nach Dänemark.

Man hat den Eindruck, dass P. Stein Shakespeares Stück als eine „gut erzählte Geschichte“ liest; die Aufführung hat sich keineswegs zum Ziel gesetzt, in Hamlet etwas Neues zu finden. Generell sind die beiden neuen „Hamlets“ interessant, weil es all diese Züge anscheinend schon irgendwo gegeben hat. Hamlet, gespielt von E. Mironov, ist ein gewöhnlicher junger Mann, dem es wirklich schlecht geht: Schließlich ist sein Vater kürzlich gestorben, seine Mutter hat sofort einen ungeliebten Onkel geheiratet, und dann wird der Geist seines ermordeten Vaters erscheinen und Rache anbieten. Es gibt wenig Freude, aber Mironovs Hamlet trübt überhaupt nicht, denkt er, aber das sind keine hochphilosophischen Probleme, das ist die gewöhnliche Denkweise eines jungen Mannes, der solche Neuigkeiten erfährt und manchmal sogar versucht, Selbstmord zu begehen. Oft spähte er sorgfältig in die Adern seines Arms.

Hamlet Sr. (M. Kozakov) ist ein ätherischer Schatten. Eine weiße Gestalt geht um Helsingör herum, das Gesicht ist nicht zu sehen, die Schritte sind nicht zu hören, die Stimme hallt wider, Marcellus und Bernardo springen hindurch, Gertrude ist wirklich nicht in der Lage, den Geist zu sehen.

P. Steins Charaktere sind erfolgreiche Menschen, gekleidet von Tom Clym, die „Die Mausefalle“ in eleganten Gläsern schauen, leise mit einem silbernen Löffel auf eine Porzellantasse klopfen, stillschweigend Bonbonpapier auspacken und sie an Diener-Leibwächter übergeben, und junge Leute sind nicht weit hinter ihnen. Nur Hamlet und Horatio sind mit der Idee beschäftigt, den König zu entlarven; Ophelia und Laertes bevorzugen dieses Leben.

So brachte das 20. Jahrhundert nicht nur im Theater, sondern auch im Kino neue Inkarnationen des Hamlet-Bildes. Die von P. Kachalov, I. Smoktunovsky, V. Vysotsky und anderen Schauspielern geschaffenen Bilder des Prinzen von Dänemark zeigten, wie unterschiedlich Hamlet in verschiedenen Interpretationen in verschiedenen Phasen des 20. Jahrhunderts sein kann.

Auch wenn seit der Uraufführung von „Hamlet“ mehr als vierhundert Jahre vergangen sind, geht diese Tragödie den Regisseuren und Schauspielern auf der ganzen Welt nicht aus dem Kopf. Das Bild von Hamlet veränderte sich nicht nur abhängig von der historischen Epoche, sondern auch davon, in welchem Land Hamlet aufgeführt wurde und wer die Rolle spielte. Übersetzungen, auf deren Grundlage das Stück inszeniert wurde, spielten eine große Rolle bei der Verkörperung des Bildes von Hamlet. Entstand in England das tragische Bild, so ist Hamlet in Deutschland ein fauler und langweiliger Held, der handlungsunfähig ist. In Russland war Hamlet je nach Epoche und Übersetzung so unterschiedlich, dass jede Inszenierung des Stücks so unterschiedlich war neuer Held und neues Drama.

Der Einfluss des Schaffens russischer Komponisten des 19. Jahrhunderts auf die Entstehung der russischen Gesangsschule

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Einführung
3. Katarinas Bild
4. Tragödie „Hamlet“
Abschluss
Literatur

Einführung

Die wunderbaren Kreationen der Meister der Vergangenheit stehen jedem zur Verfügung. Aber es reicht nicht aus, sie zu lesen, um ihre künstlerischen Vorzüge zu offenbaren. Jede Kunst hat ihre eigenen Techniken und Mittel. Wer meint, der Eindruck, den Hamlet und ähnliche Werke hinterlassen, sei etwas Natürliches und Selbstverständliches, der irrt. Die Wirkung der Tragödie ist auf die Kunst ihres Schöpfers zurückzuführen.

Es gibt keine literarisches Werk im Allgemeinen und eine bestimmte Art davon ist Drama. Aber Drama ist anders als Drama. „Hamlet“ ist eine besondere Art davon – es ist eine Tragödie, und zwar eine poetische Tragödie. Das Studium dieses Stückes kann nicht mit Fragen der Dramaturgie in Verbindung gebracht werden.

Wenn man versucht, die ideale Bedeutung, spirituelle Bedeutung und künstlerische Kraft von Hamlet zu verstehen, kann man die Handlung der Tragödie nicht von ihrer Idee trennen, isolieren Charaktere und isoliert voneinander betrachtet werden.

Besonders falsch wäre es, den Helden hervorzuheben und über ihn zu sprechen, ohne dass er mit der Handlung der Tragödie in Zusammenhang steht. „Hamlet“ ist kein Monodrama, sondern ein komplexes dramatisches Lebensbild, das zeigt verschiedene Charaktere im Zusammenspiel. Aber es ist unbestreitbar, dass die Handlung der Tragödie auf der Persönlichkeit des Helden basiert.

Shakespeares Tragödie „Hamlet, Prinz von Dänemark“, das berühmteste Stück des englischen Dramatikers. Nach Ansicht vieler hoch angesehener Kunstkenner handelt es sich um eine der tiefgreifendsten Schöpfungen menschlichen Genies, eines großartigen Philosophische Tragödie. Nicht umsonst wandten sich die Menschen in verschiedenen Phasen der Entwicklung des menschlichen Denkens an Hamlet und suchten darin eine Bestätigung ihrer Ansichten über das Leben und die Weltordnung.

Hamlet zieht jedoch nicht nur diejenigen an, die dazu neigen, über den Sinn des Lebens im Allgemeinen nachzudenken. Shakespeares Werke werfen akute moralische Probleme auf, die keineswegs abstrakter Natur sind.

1. Kurze Beschreibung Shakespeares Werke

Biografische Informationen über Shakespeare sind spärlich und oft unzuverlässig. Forscher gehen davon aus, dass er Ende der 80er Jahre des 16. Jahrhunderts begann, als Dramatiker aufzutreten. Shakespeares Name erschien erstmals 1593 in gedruckter Form in der Widmung des Gedichts „Venus und Adonis“ an den Earl of Southampton. Mittlerweile waren bereits mindestens sechs Stücke des Dramatikers aufgeführt worden.

Frühe Stücke sind von einem lebensbejahenden Prinzip durchdrungen: die Komödien „Der Widerspenstigen Zähmung“ (1593), „Ein Sommernachtstraum“ (1596), „Viel Lärm um Nichts“ (1598), die Tragödie „Romeo und Julia“. " (1595 .). Die historischen Chroniken „Richard III“ (1593), „Heinrich IV“ (1597-98) schildern die Krise des Feudalsystems. Die Verschärfung der gesellschaftlichen Widersprüche führte zu Shakespeares Übergang zum Genre der Tragödie – „Hamlet“ (1601), „Othello“ (1604), „König Lear“ (1605), „Macbeth“ (1606). Gesellschaftspolitische Themen sind typisch für die sogenannten „römischen“ Tragödien: „Julius Caesar“ (1599), „Antonius und Kleopatra“ (1607), „Coriolanus“ (1607). Die Suche nach einer optimistischen Lösung für soziale Tragödien führte zur Entstehung der romantischen Dramen „Cymbeline“ (1610), „ Wintermärchen„(1611), „Der Sturm“ (1612), die den Anklang einer Art lehrreicher Parabel haben. Shakespeares Kanon (unbestreitbar seine Stücke) umfasst 37 Dramen, die überwiegend in Blankversen verfasst sind. Subtile Einblicke in die Psychologie der Charaktere, Lebendige Bilder, öffentliche Interpretation persönlicher Erfahrungen und tiefe Lyrik zeichnen diese wirklich großartigen Werke aus, die Jahrhunderte überdauert haben und zu einem unschätzbaren Wert und einem integralen Bestandteil der Weltkultur geworden sind.

2. Bildsprache und thematische Analyse des Zyklus „Sonette“.

Shakespeare besitzt einen Zyklus von 154 Sonetten, der 1609 (ohne Wissen oder Zustimmung des Autors) veröffentlicht, aber offenbar bereits in den 1590er Jahren geschrieben wurde (auf jeden Fall war bereits 1598 eine Nachricht über seine „süßen Sonette“ engen Freunden bekannt). “) und war eines der brillantesten Beispiele westeuropäischer Lyrik der Renaissance. Unter der Feder Shakespeares erstrahlte die bei englischen Dichtern populär gewordene Form mit neuen Facetten und enthielt ein breites Spektrum an Gefühlen und Gedanken – von intimen Erlebnissen bis hin zu tiefgründigen philosophischen Gedanken und Verallgemeinerungen. Forscher machen seit langem auf die enge Verbindung zwischen Sonetten und Shakespeares Dramaturgie aufmerksam. Dieser Zusammenhang manifestiert sich nicht nur in der organischen Verschmelzung des lyrischen Elements mit dem Tragischen, sondern auch darin, dass die Ideen der Leidenschaft, die Shakespeares Tragödien inspirieren, auch in seinen Sonetten lebendig sind. Wie in seinen Tragödien berührt Shakespeare in seinen Sonetten die grundlegenden Probleme des Daseins, die die Menschheit seit Jahrhunderten beunruhigen, er spricht über Glück und den Sinn des Lebens, über das Verhältnis von Zeit und Ewigkeit, über Gebrechlichkeit menschliche Schönheit und ihre Größe, über Kunst, die den unaufhaltsamen Lauf der Zeit überwinden kann, über die hohe Mission des Dichters.

Das ewige, unerschöpfliche Thema der Liebe, eines der zentralen Themen der Sonette, ist eng mit dem Thema der Freundschaft verknüpft. In Liebe und Freundschaft findet der Dichter eine wahre Quelle kreativer Inspiration, unabhängig davon, ob sie ihm Freude und Glückseligkeit oder den Schmerz der Eifersucht, Traurigkeit und seelischen Qual bereiten.

Thematisch wird der gesamte Zyklus meist in zwei Gruppen eingeteilt: Es wird angenommen, dass die erste

(1 - 126) ist an den Freund des Dichters gerichtet, der zweite (127 - 154) ist an seine Geliebte – die „dunkle Dame“ – gerichtet. Das Gedicht, das diese beiden Gruppen unterscheidet (vielleicht gerade wegen seiner besonderen Rolle in der allgemeinen Reihe), ist streng genommen kein Sonett: Es hat nur 12 Zeilen und eine angrenzende Reimanordnung.

Das Leitmotiv der Trauer über die Zerbrechlichkeit alles Irdischen, das sich durch den gesamten Zyklus zieht, die vom Dichter deutlich erkannte Unvollkommenheit der Welt verstößt nicht gegen die Harmonie seiner Weltanschauung. Die Illusion der Glückseligkeit nach dem Tod ist ihm fremd – er sieht menschliche Unsterblichkeit in Ruhm und Nachkommenschaft und rät seinem Freund, seine Jugend in Kindern wieder aufleben zu lassen.

In der Literatur der Renaissance nimmt das Thema Freundschaft, insbesondere die Männerfreundschaft, einen wichtigen Platz ein: Sie gilt als höchste Manifestation der Menschlichkeit. In einer solchen Freundschaft verbinden sich die Gebote der Vernunft harmonisch mit spirituellen Neigungen, frei vom sinnlichen Prinzip.

Nicht weniger bedeutsam sind die Sonette, die der Geliebten gewidmet sind. Ihr Image ist betont unkonventionell. Wenn die Sonette von Petrarca und seinen englischen Anhängern (Petrarchisten) normalerweise eine goldhaarige, engelhafte Schönheit verherrlichten, stolz und unzugänglich, dann widmet Shakespeare im Gegenteil einer dunklen Brünette eifersüchtige Vorwürfe – inkonsistent, nur der Stimme der Leidenschaft gehorchend.

Shakespeare schrieb seine Sonette in der ersten Phase seines Schaffens, als er noch an den Triumph humanistischer Ideale glaubte. Selbst die Verzweiflung im berühmten 66. Sonett findet im „Sonettschlüssel“ einen optimistischen Ausweg. Liebe und Freundschaft wirken noch immer wie in Romeo und Julia als eine Kraft, die die Harmonie der Gegensätze bekräftigt. Hamlets Bruch mit Ophelia steht noch bevor, ebenso wie die Fragmentierung des Bewusstseins, die der dänische Prinz verkörpert. Es werden mehrere Jahre vergehen – und der Sieg des humanistischen Ideals wird für Shakespeare in ferner Zukunft rücken.

Das Bemerkenswerteste an Shakespeares Sonetten ist das ständige Gefühl der inneren Widersprüchlichkeit des menschlichen Gefühls: Was die Quelle höchster Glückseligkeit ist, führt unweigerlich zu Leid und Schmerz, und umgekehrt entsteht Glück in schwerer Qual.

Diese Konfrontation von Gefühlen passt auf natürlichste Weise in die Welt, egal wie komplex Shakespeares metaphorisches System auch sein magOeine Form, der die Dialektik „von Natur aus“ innewohnt.

3. Katarinas Bild

Catharina ist die Heldin von W. Shakespeares Komödie „Der Widerspenstigen Zähmung“ (1592-1594). K. ist einer der charmantesten weibliche Bilder Shakespeare. Dies ist ein stolzes und eigensinniges Mädchen, dessen Stolz durch die Tatsache, dass ihr Vater mit aller Kraft versucht, sie zu heiraten, schwer verletzt wird. Sie ist zutiefst angewidert von den charakterlosen und manierhaften jungen Männern, die ihre Schwester verfolgen. Biancas Verehrer wiederum beschimpfen sie wegen ihres absurden Charakters und nennen sie nichts weiter als einen „Teufel“. K. gibt einige Gründe für eine solche Einschätzung an: Er verprügelt seine stille Schwester, zerschmettert eine Laute über dem Kopf eines der Verehrer und begrüßt Petruchio, der sie umworben hat, mit einem Schlag aufs Handgelenk. Doch in letzterem findet sie zum ersten Mal einen ebenbürtigen Gegner; Zu ihrem Erstaunen schlägt dieser Mann ihr gegenüber einen spöttisch liebevollen Ton an und spielt die Komödie der ritterlichen Verteidigung einer schönen Dame. Die übliche Unhöflichkeit der „süßen Kat“ zeigt bei ihm keine Wirkung: Nachdem er eine schnelle Hochzeit gespielt hat, erreicht er schnell sein Ziel – am Ende des Stücks erweist sich K. nicht nur als die gehorsamste Ehefrau, sondern auch hält eine Rede zum Lob der weiblichen Demut. Diese Verwandlung von K. wurde sowohl von Shakespeares Zeitgenossen als auch von Forschern seines Werkes unterschiedlich wahrgenommen: Einige warfen dem Dramatiker eine rein mittelalterliche Verachtung für Frauen vor, andere fanden in dem Stück ein lebensbejahendes Ideal der Renaissance-Liebe – eine Eheschließung von zwei „gesunde“ Naturen versprechen völlige Erfüllung in der Zukunft. Auf der russischen Bühne ist die Rolle von K. eine der beliebtesten. Im Laufe der Jahre wurde es von Schauspielerinnen wie G.N. aufgeführt. Fedotova (1865), M.G. Savina (1887), L.I. Dobzhanskaya (1938), V.P. Maretskaya (1938), L.I. Kasatkina (1956). Im Film von F. Zeffirelli (1967) spielte K. E. Taylor. Basierend auf der Handlung der Komödie wurde eine Oper von V.L. geschrieben. Shebalina (mit demselben Namen); unter den Künstlern der Partei K. - G.P. Wischnewskaja (1957).

4. Tragödie „Hamlet“

Unter den Dramen von William Shakespeare ist Hamlet eines der berühmtesten. Der Held dieses Dramas inspirierte Dichter und Komponisten, Philosophen und Politiker.

Eine Vielzahl philosophischer und ethischer Fragen sind in der Tragödie mit sozialen und politischen Fragen verflochten, die den einzigartigen Aspekt des 16. und 17. Jahrhunderts charakterisieren.

Shakespeares Held wurde zu einem feurigen Vertreter jener neuen Ansichten, die die Renaissance mit sich brachte, als die fortschrittlichen Köpfe der Menschheit nicht nur das im Laufe der Jahrtausende des Mittelalters verlorene Verständnis für die Kunst der Antike, sondern auch das des Menschen wiederherzustellen suchten auf seine eigenen Stärken vertrauen, ohne sich auf die Gnade und Hilfe des Himmels zu verlassen.

Soziales Denken, Literatur und Kunst der Renaissance lehnten entschieden mittelalterliche Dogmen über die Notwendigkeit der stündlichen Demut des Geistes und des Fleisches, der Loslösung von allem Wirklichen und der unterwürfigen Erwartung der Stunde ab, in der ein Mensch in die „andere Welt“ übergeht und sich dem Menschen zuwendet mit seinen Gedanken, Gefühlen und Leidenschaften, zu seinem irdischen Leben mit seinen Freuden und Leiden.

Die Tragödie „Hamlet“ ist ein „Spiegel“, „die Chronik des Jahrhunderts“. Es trägt den Abdruck einer Zeit, in der sich nicht nur Einzelpersonen, sondern ganze Nationen gleichsam zwischen Fels und Zwiespalt befanden: Dahinter und sogar in der Gegenwart befinden sich feudale Verhältnisse, die bereits in der Gegenwart und vor uns liegen bürgerliche Beziehungen; dort - Aberglaube, Fanatismus, hier - Freidenker, aber auch die Allmacht des Goldes. Die Gesellschaft ist viel reicher geworden, aber es gab auch mehr Armut; Der Einzelne ist viel freier, aber es gibt auch mehr Freiheit zur Willkür.

Der Staat, in dem der Prinz von Dänemark lebt und an seinen Geschwüren und Lastern schmachtet, ist ein fiktives Dänemark. Shakespeare schrieb über das heutige England. Alles in seinem Stück – Helden, Gedanken, Probleme, Charaktere – gehört zu der Gesellschaft, in der Shakespeare lebte.

„Hamlet“ ist voller tiefgründiger philosophischer Inhalte, die Tragödie vermittelt ein so umfassendes Bild von Shakespeares zeitgenössischem Leben, sie schafft so grandiose menschliche Charaktere, dass die Gedanken und Gefühle des Schriftstellers, die in diesem Meisterwerk des Shakespeare-Dramas enthalten sind, nicht nur seinen eigenen nahe kamen und mit ihnen übereinstimmten Zeitgenossen, aber auch Menschen aus anderen historischen Epochen. Dank einiger „ablenkender“ Episoden vertieft sich Hamlets Bild, seine Menschlichkeit wird weniger streng als in den Szenen, in denen er Probleme hat. Die Wärme der Seele, die Inspiration eines Künstlers, der auf gegenseitiges Verständnis setzt – das sind die neuen Akzente, die im Porträt erscheinen, wenn Shakespeare Hamlet im Gespräch mit den Schauspielern zeigt.

Shakespeares Entschlossenheit wird durch ein wichtiges Detail in der Konstruktion des Hamlet-Bildes belegt. Der dänische Prinz hat nach dem Tod seines Vaters das Recht auf den Thron; er hat das Erwachsenenalter erreicht (obwohl nicht ganz klar ist, wie alt er ist). Kein Einwand der Unreife konnte Claudius' Usurpation des Throns rechtfertigen. Aber Hamlet erklärt niemals seine Rechte, er strebt nicht danach, auf dem Thron zu sitzen. Hätte Shakespeare dieses Motiv in die Tragödie einbezogen, wäre zunächst einmal viel verloren gegangen, das gesellschaftliche Wesen von Hamlets Kampf wäre nicht so deutlich zum Vorschein gekommen. Als Horatio über den verstorbenen Monarchen sagt, er sei „ein wahrer König“1 gewesen, stellt Hamlet klar: „Er war ein Mann, ein Mann in allem.“ Dies ist das wahre Maß aller Dinge, das höchste Kriterium für Hamlet. Wie viele Grenzen gibt es in diesem komplexen Bild?

Er steht Claudius unversöhnlich feindselig gegenüber. Er ist den Schauspielern gegenüber freundlich. Er ist unhöflich im Umgang mit Ophelia. Er ist Horatio gegenüber höflich. Er zweifelt an sich. Er handelt entschlossen und schnell. Er ist witzig. Er führt geschickt ein Schwert. Er hat Angst vor Gottes Strafe. Er ist blasphemisch. Er denunziert seine Mutter und liebt sie. Die Thronfolge ist ihm gleichgültig. Mit Stolz erinnert er sich an seinen Vater, den König. Er denkt viel nach. Er kann und will seinen Hass nicht zurückhalten. Diese ganze reiche Palette wechselnder Farben gibt die Größe der menschlichen Persönlichkeit wieder und ist der Offenbarung der Tragödie des Menschen untergeordnet.

Die Tragödie von Hamlet gilt einhellig als mysteriös. Es scheint jedem, dass es sich von den anderen Tragödien Shakespeares selbst und anderer Autoren vor allem dadurch unterscheidet, dass es beim Betrachter sicherlich einige Missverständnisse und Überraschungen hervorruft.

Eine Tragödie kann unglaubliche Auswirkungen auf unsere Gefühle haben, sie führt dazu, dass sie sich ständig ins Gegenteil verkehren, in ihren Erwartungen getäuscht werden, auf Widersprüche stoßen, sich in zwei Teile spalten; und wenn wir Hamlet erleben, kommt es uns vor, als hätten wir Tausende erlebt Menschenleben An einem Abend haben wir mit Sicherheit mehr gefühlt als in ganzen Jahren unseres normalen Lebens. Und wenn wir gemeinsam mit dem Helden das Gefühl bekommen, dass er nicht mehr zu sich selbst gehört, dass er nicht das tut, was er tun sollte, dann kommt die Tragödie auf den Plan. Hamlet drückt dies bemerkenswert aus, als er in einem Brief an Ophelia ihr schwört ewige Liebe solange „dieses Auto“ ihm gehört. Russische Übersetzer geben das Wort „Maschine“ normalerweise mit dem Wort „Körper“ wieder, ohne zu verstehen, dass dieses Wort die eigentliche Essenz der Tragödie enthält (in der Übersetzung von B. Pasternak: „Dein für immer, das Kostbarste, solange diese Maschine intakt ist.“ ”

Das Schrecklichste im Bewusstsein dieser Zeit war, dass der Gegenstand ihres tiefsten Glaubens – der Mensch – wiedergeboren wurde. Mit diesem Bewusstsein ging eine Angst vor dem Handeln einher, vor dem Handeln, denn mit jedem Schritt drang ein Mensch tiefer in die Tiefen einer unvollkommenen Welt vor und verstrickte sich in deren Unvollkommenheiten: „So macht das Denken uns alle zu Feiglingen ...“

Warum zögert Hamlet? Eine sakramentale Frage, die teilweise bereits beantwortet wurde. Fragen wir deshalb einen anderen: „Woher wissen wir, dass er zögert?“ Zuallererst von Hamlet, der sich selbst zum Handeln drängt und hinrichtet.

Als Hamlet den zweiten Akt abschließt, spricht er endlich das richtige Wort und, als ob er im richtigen Ton wäre, in einem Monolog nach der Szene mit den Schauspielern, die sich bereit erklärt hatten, ein Stück zu spielen, in dem er ihn vor dem Usurpatorkönig entlarvt. Um die Ähnlichkeit der Ereignisse zu vervollständigen, fügt Hamlet noch ein paar Zeilen zum Mord an seinem Vater hinzu und schon ist die „Mausefalle“ fertig. Nachdem Hamlet seiner Aufführung zugestimmt hat, bleibt er allein, erinnert sich an den Schauspieler, der ihm den Monolog vorgelesen hat, und ist begeistert von der Leidenschaft, die er gespielt hat, obwohl es den Anschein hat, „was ist er für Hekabe?“ Was ist Hekabe für ihn? Aber dies ist ein würdiges Beispiel für ihn, Hamlet, der einen echten Grund hat, Himmel und Erde zu erschüttern. Er schweigt, wenn er ausrufen sollte: „O Rache! ”

Hamlet schnappte sich dieses Wort schließlich, kam aber sofort zur Besinnung und korrigierte sich: „Was für ein Arsch ich bin, da gibt es nichts zu sagen.“

Hamlet bricht offen mit der Rolle eines tragischen Helden, der nicht in der Lage und, wie sich herausstellt, auch nicht willens ist, als der dem Publikum vertraute rächende Held aufzutreten.

Darüber hinaus gibt es jemanden, der diese Rolle spielt. Der Schauspieler, der an der „Mausefalle“ teilnimmt, wird es in der Aufführung zeigen können, und Laertes, Fortinbras wird es direkt verkörpern können ... Hamlet ist bereit, ihre Entschlossenheit, ihren Sinn für Ehre zu bewundern, aber er kann nicht anders, als das zu spüren Sinnlosigkeit ihres Handelns: „Zweitausend Seelen, Zehntausende Geld / Nicht, es ist schade für einen Heuhaufen!“ So reagiert Hamlet auf die Kampagne von Fortinbras in Polen.

Vor diesem heroischen Hintergrund tritt Hamlets eigene Untätigkeit deutlicher hervor, deren Diagnose seit zwei Jahrhunderten gestellt wird: schwach, unentschlossen, von den Umständen deprimiert und schließlich krank.

Mit anderen Worten, dies ist göttliche Gerechtigkeit, verkörpert durch das Weltgesetz der Existenz, das untergraben werden kann: Wenn jemandem Böses zugefügt wird, dann wird allen Böses zugefügt, das Böse ist in die Welt eingedrungen. Im Akt der Rache wird die Harmonie wiederhergestellt. Wer die Rache ablehnt, wird zum Komplizen ihrer Zerstörung.

Dies ist das Gesetz, von dem Hamlet abzuweichen wagt. Shakespeare und das Publikum seiner Zeit verstanden sicherlich, wovor er sich in seiner Langsamkeit zurückzog. Und Hamlet selbst ist sich der Rolle des Rächers durchaus bewusst, die er niemals akzeptieren wird.

Hamlet weiß, wofür er geboren wurde, aber wird er die Kraft finden, sein Schicksal zu erfüllen? Und diese Frage bezieht sich nicht auf seine menschlichen Qualitäten: Ist er stark oder schwach, träge oder entscheidungsfreudig? Die ganze Tragödie impliziert nicht die Frage, was Hamlet ist, sondern welche Frage er in der Welt hat. Dies ist Gegenstand schwieriger Überlegungen, seiner vagen Vermutungen.

Hamlet entschied sich für das Denken und wurde „der Erste, der nachdachte“ und dadurch der erste Held der Weltliteratur, der die Tragödie der Entfremdung und Einsamkeit überlebte und in sich selbst und seine Gedanken versunken war.

Hamlets Entfremdung ist katastrophal und nimmt mit fortschreitender Handlung zu. Sein Bruch mit zuvor nahestehenden Menschen, mit seinem früheren Ich, mit der gesamten Ideenwelt, in der er lebte, mit seinem früheren Glauben ist vollzogen... Der Tod seines Vaters schockierte ihn und gab Anlass zu Verdacht. Die überstürzte Heirat seiner Mutter markierte den Beginn seiner Enttäuschung über den Mann und zerstörte, insbesondere über die Frau, seine eigene Liebe.

Liebte Hamlet Ophelia? Liebte sie ihn? Diese Frage taucht beim Lesen der Tragödie immer wieder auf, findet aber in der Handlung keine Antwort, da die Beziehungen der Charaktere nicht als Liebesbeziehungen aufgebaut sind. Sie werden durch andere Motive ausgedrückt: Ophelias väterliches Verbot, Hamlets herzliche Zuwendungen anzunehmen, und ihr Gehorsam gegenüber dem Willen ihrer Eltern; Hamlets Liebesverzweiflung, ausgelöst durch seine Rolle als Verrückter; der echte Wahnsinn von Ophelia, durch den die Worte der Lieder die Erinnerungen an das durchbrechen, was zwischen ihnen passiert ist oder nicht passiert ist. Wenn die Liebe von Ophelia und Hamlet existiert, dann ist sie nur eine wunderbare und unerfüllte Möglichkeit, die vor Beginn der Handlung skizziert und darin zerstört wird.

Ophelia durchbricht nicht den Kreis von Hamlets tragischer Einsamkeit, im Gegenteil, sie lässt ihn diese Einsamkeit noch stärker spüren: Sie wird zu einem gehorsamen Instrument der Intrige und zu einem gefährlichen Köder, mit dem sie versuchen, den Prinzen zu fangen. Das Schicksal von Ophelia ist nicht weniger tragisch als das Schicksal von Hamlet und noch berührender, aber jeder von ihnen begegnet seinem eigenen Schicksal und erlebt seine eigene Tragödie.

Ophelia wird nicht die Gelegenheit gegeben zu verstehen, dass Hamlet ein Mann des philosophischen Denkens ist, dass im Leiden des Denkens wahrhaftig, fordernd, kompromisslos Hamlets Los liegt, dass Hamlets „Ich beschuldige“ die Unerträglichkeit seiner Position in einer konkreten Welt zum Ausdruck bringt , wo alle Konzepte, Gefühle, Verbindungen, wo es ihm so vorkommt, als sei die Zeit stehen geblieben und „es ist so, so wird es für immer sein“.

Der Familie und der Liebe entfremdet, verliert Hamlet den Glauben an die Freundschaft und wird von Rosenkrantz und Güldenstern verraten. Er schickt sie in den Tod, der mit ihrer, wenn auch unfreiwilligen, Hilfe für ihn vorbereitet wurde. Hamlet macht sich ständig die Schuld für seine Untätigkeit und schafft es, in der Tragödie viel zu erreichen.

Sie sprechen sogar von zwei Hamlets: dem Hamlet der Tat und dem Hamlet der Monologe, die sich stark voneinander unterscheiden. Zögern und Nachdenken ist das Zweite; Über ersteres behält die Trägheit des Allgemeingültigen, die Trägheit des Lebens selbst, noch immer die Macht. Und selbst die Trägheit des eigenen Charakters ist, wie wir beurteilen können, keineswegs schwacher Natur, sondern in allem entscheidend, bis es zur Hauptentscheidung kommt – Rache zu nehmen. Hamlet ist ein im Humanismus aufgeklärter Mensch, der zur Aufklärung der Wahrheit einen Schritt zurück zu den mittelalterlichen Vorstellungen von „Gewissen“ und „dem Land, aus dem niemand zurückgekehrt ist“ machen muss. „Gewissen“ ist für uns wie Humanismus zu einem modernen Wort geworden, das seinen ursprünglichen Inhalt verändert und erweitert hat. Für uns ist es schon jetzt sehr schwierig, uns vorzustellen, wie das gleiche Wort von Shakespeares Publikum wahrgenommen wurde, das für sie in erster Linie die Angst vor einer Bestrafung im Jenseits für ihre irdischen Taten bedeutete, genau die Angst, von der sich das neue Bewusstsein zu befreien versuchte. Hamlets Seele fühlt sich zu den Menschen des Volkes hingezogen, und ihre Seelen fühlen sich zu Hamlet hingezogen, „eine gewalttätige Menge ist parteiisch zu ihm“, aber diese gegenseitige Anziehung führt nicht zu ihrer Vereinigung. Die Tragödie von Hamlet ist auch die Tragödie des Volkes.

Beim Nachdenken über den Sinn der menschlichen Existenz spricht Hamlet den aufregendsten und tiefgründigsten seiner Monologe, deren erste Worte schon lange her sind Schlagwort: „Sein oder Nichtsein, das ist hier die Frage.“ Dieser Monolog enthält ein ganzes Gewirr von Fragen. Es gibt das Rätsel um „ein unbekanntes Land, aus dem es für irdische Wanderer keine Rückkehr gibt“ und vieles mehr. Aber die Hauptsache ist die Wahl des Verhaltens im Leben. Vielleicht werden sie sich „den Pfeilen und Schleudern des wütenden Schicksals unterwerfen“? - fragt sich Hamlet. „Oder im Meer des Aufruhrs zu den Waffen greifen und sie durch Konfrontation besiegen?“ Das ist eine wirklich heroische Lösung. Das ist nicht der Grund, warum der Mensch „mit einem so weitreichenden Gedanken geschaffen wurde, der sowohl vorwärts als auch rückwärts blickte“, so dass „der gottähnliche Geist ... untätig schimmelt“!

Hamlet fühlt sich oft zu philosophischen Gedanken hingezogen, aber wenn das Schicksal ihm eine gigantische Mission gegeben hat, die moralische Gesundheit der Menschheit wiederherzustellen und die Menschen für immer von Gemeinheit und Schurken zu befreien, lehnt Hamlet diese Mission nicht ab. Danach ist es nicht Hamlets schwacher Charakter, der durch sein Hin und Her, sein Zögern, seine mentalen und emotionalen Sackgassen erklärt werden muss, sondern durch historische Umstände, als Volksaufstände mit einer Niederlage endeten. Hamlet konnte nicht mit dem Volk verschmelzen – weder in seinem Kampf noch in seiner vorübergehenden Unterwerfung.

Hamlet trägt einen Strahl großer Hoffnung in sich – ein leidenschaftliches Interesse an der Zukunft der Menschheit. Sein letzter Wunsch ist es, seinen „verwundeten Namen“ im Gedächtnis der Nachwelt zu bewahren, und als Horatio den Rest des Giftes aus dem Becher trinken will, um nach seinem Freund zu sterben, bittet Hamlet ihn, dies nicht zu tun. Von nun an ist es Horatios Aufgabe, den Menschen zu erzählen, was mit Hamlet passiert ist und warum er so viel gelitten hat.

Ist Hamlet tragisch? Schließlich wird darüber so oft gestritten. Sie fragen sich: „Verliert Hamlet nicht schon beim kleinsten Misserfolg den Mut, ist nicht sein ganzer Eifer vergeudet und verfehlen seine Schläge nicht das Ziel?“ Ja, aber das liegt daran, dass er mehr will, als er erfüllen kann, und deshalb ist sein Mut verschwendet. Schließlich ist das Schrecklichste an Hamlets Tragödie nicht so sehr das Verbrechen von Claudius, sondern die Tatsache, dass man sich in Dänemark in kurzer Zeit an Despotismus und Sklaverei, rohe Gewalt und dummen Gehorsam, Gemeinheit und Feigheit gewöhnt hat. Das Schlimmste ist, dass das Verbrechen, das begangen wurde, jetzt von denen vergessen wird, die die Umstände des Todes des Königs kennen. Das ist es, wovor Hamlet Angst hat.

Bevor ein Mensch eine böse Tat begeht, wartet er, bis sich sein „Gewissen“ beruhigt und wie eine Krankheit stirbt. Es wird für jemanden funktionieren. Hamlet tut das nicht, und das ist seine Tragödie. Es ist natürlich nicht so, dass Hamlet in den Konzepten unserer gegenwärtigen Moral nicht skrupellos werden will und kann. Die Tragödie besteht darin, dass er nichts anderes vorfindet, als scheinbar ein für alle Mal abgelehnte Abhängigkeit von jenseitiger, unmenschlicher Autorität für Unterstützung und Handeln, um die „verrenkten Gelenke“ der Ära wieder in Ordnung zu bringen. Er muss eine Ära nach den Maßstäben einer anderen, bereits vergangenen Ära beurteilen, und das ist laut Shakespeare undenkbar.

Hamlet hatte im Laufe des Liedes mehr als einmal Gelegenheit, Claudius zu bestrafen. Warum schlägt er beispielsweise nicht zu, wenn Claudius allein betet? Daher fanden die Forscher heraus, dass in diesem Fall nach altem Glauben die Seele der ermordeten Person direkt in den Himmel kommen würde und Hamlet sie in die Hölle schicken muss. Wenn Laertes Hamlet gewesen wäre, hätte er die Gelegenheit nicht verpasst. „Beide Lichter sind für mich verabscheuungswürdig“, sagt er. Für Hamlet sind sie nicht verabscheuungswürdig, und das ist die Tragödie seiner Situation. Die psychologische Dualität von Hamlets Charakter ist historischer Natur: Ihre Ursache ist der duale Zustand eines „Zeitgenossen“, in dessen Geist plötzlich Stimmen zu sprechen begannen und die Kräfte anderer Zeiten zu wirken begannen.

So beliebt andere Stücke auch sein mögen, keines kann mit Hamlet mithalten, in dem der Mann der Neuzeit sich selbst und seine Probleme erstmals erkannte.

Die Zahl der Interpretationen der gesamten Tragödie und insbesondere des Charakters ihrer Hauptfigur ist enorm. Ausgangspunkt für die bis heute andauernde Kontroverse war das Urteil über die Figuren in Goethes Roman „Die Lehrjahre des Wilhelm Meister“, in dem die Vorstellung geäußert wurde, Shakespeare wolle „eine große Tat zeigen, die manchmal auf der Seele lastet“. jenseits der Macht einer solchen Tat ... hier wird eine Eiche in ein kostbares Gefäß gepflanzt, dessen Zweck es war, in seinem Busen nur zarte Blumen zu hegen ...“ Sie stimmten Belinsky zu, dass Hamlet ein Bild von universeller Bedeutung ist: „... das ist eine Person, das bist du, das bin ich, das ist jeder von uns, mehr oder weniger, in einer erhabenen oder lustigen, aber immer in.“ ein erbärmliches und trauriges Gefühl …“ Sie begannen mit dem Ende der Romantik immer beharrlicher mit Goethe zu streiten und bewiesen, dass Hamlet nicht schwach war, sondern sich in einer Situation historischer Hoffnungslosigkeit befand. In Russland wurde eine solche historische Denkweise bereits von V.G. vorgeschlagen. Belinsky. Was Hamlets Schwäche betrifft, so stieß diese Theorie, obwohl sie Anhänger fand, zunehmend auf Widerlegung.

Im gesamten 19. Jahrhundert. Bei den Urteilen über Hamlet ging es in erster Linie um die Klärung seines eigenen Charakters.

Stark oder schwach; selbstbezogen, was vor allem Selbstbeobachtung, „Egoismus und damit Mangel an Glauben“ im Gegensatz zum moralischen Idealismus von Don Quijote darstellt. So sah ihn I. S. Turgenev in dem berühmten Artikel „Hamlet und Don Quijote“ (1859), zehn Jahre zuvor gab er in der Geschichte „Hamlet des Shchigrovsky District“ eine moderne Verkörperung des ewigen Bildes. In der englischen Shakespeare-Forschung hingegen hat sich die Tradition etabliert, im Fall Hamlets die erlebte Tragödie eines moralischen Idealisten zu sehen, der mit Glauben und Hoffnung in die Welt kam, aber durch den Tod seines Vaters und seiner Mutter schmerzlich erschüttert wurde Verrat. Dies ist genau die Interpretation, die A.S. in seinem klassischen Werk „Shakespearean Tragedy“ vorschlägt. Bradley (1904). In gewisser Weise war die Vertiefung und Entwicklung dieses Konzepts die Freudsche Interpretation des Bildes, die von Freud selbst entworfen und von seinem Schüler E. Jones im Detail entwickelt wurde, der im Geiste der Psychoanalyse als Ergebnis die Tragödie von Hamlet präsentierte des Ödipuskomplexes: unbewusster Hass auf den Vater und Liebe zur Mutter.

Doch im 20. Jahrhundert wurde die Warnung, mit der T.S. seinen berühmten Aufsatz über die Tragödie begann, immer häufiger zu hören. Eliot, der sagte, dass „das Stück Hamlet das primäre Problem ist und Hamlet als Charakter nur ein sekundäres.“ Hamlet zu verstehen bedeutet, die Gesetze des künstlerischen Ganzen zu verstehen, in dem er entstanden ist. Eliot selbst war der Meinung, dass Shakespeare die Geburt in diesem Bild brillant erraten hatte menschliche Probleme, so tiefgründig und neu, dass er ihnen weder eine rationale Erklärung noch eine adäquate Form geben konnte, so dass „Hamlet“ aus künstlerischer Sicht ein großer Fehlschlag ist.

Etwa zu dieser Zeit begann in Russland eine von L. S. Vygotsky durchgeführte Analyse der Tragödie „Hamlet“ aus der Sicht der Genrestruktur Gestalt anzunehmen. Stellen Sie die Frage: „Warum zögert Hamlet?“ - Ein bemerkenswerter Linguist und Psychologe sucht nach der Antwort, wie nach den Gesetzen der Konstruktion und Wirkung der Tragödie darin Handlung, Handlung und Held nebeneinander existieren und in einen unvermeidlichen Widerspruch geraten. Und in diesem Sinne ist „Hamlet“ kein Verstoß gegen das Genre, sondern eine ideale Umsetzung seines Gesetzes, das als unausweichliche Bedingung für die Existenz des Helden auf mehreren Ebenen definiert, die er vergeblich zusammenzubringen versucht und nur zusammenführt im Finale, wo der Racheakt mit dem Akt seines eigenen Todes zusammenfällt.

Hamlet ist ein Held des Intellekts und des Gewissens, und das hebt ihn aus der gesamten Shakespeare-Bildergalerie hervor. Nur Hamlet vereint brillante Zivilisation und tiefe Sensibilität, einen gebildeten Geist und unerschütterliche Moral. Er ist uns näher und lieber als alle anderen Helden Shakespeares, sowohl in seiner Stärke als auch in seiner Schwäche. Es ist viel einfacher, sich geistig mit ihm anzufreunden; es ist, als ob Shakespeare selbst direkt mit uns kommuniziert. Wenn Hamlet so leicht zu lieben ist, liegt das daran, dass wir uns in ihm gewissermaßen wie wir selbst fühlen; Wenn es manchmal so schwierig ist, ihn zu verstehen, liegt das daran, dass wir uns selbst noch nicht vollständig verstanden haben.

Die Legende von Hamlet wurde erstmals Ende des 12. Jahrhunderts vom dänischen Chronisten Saxo Grammaticus aufgezeichnet. Seine lateinisch verfasste Geschichte der Dänen wurde 1514 veröffentlicht.

In der Antike des Heidentums – so sagt Saxo Grammaticus – wurde der Herrscher von Jütland während eines Festes von seinem Bruder Feng getötet, der daraufhin seine Witwe heiratete. Der Sohn des Ermordeten, der junge Hamlet, beschloss, sich für den Mord an seinem Vater zu rächen. Um Zeit zu gewinnen und sicher zu wirken, beschloss Hamlet, so zu tun, als wäre er verrückt. Fengs Freund wollte das überprüfen, aber Hamlet kam ihm zuvor. Nach Fengs erfolglosem Versuch, den Prinzen durch den englischen König zu vernichten, triumphierte Hamlet über seine Feinde.

Mehr als ein halbes Jahrhundert später präsentierte der französische Schriftsteller Belfore es in seiner eigenen Sprache in dem Buch „ Tragische Geschichten"(1674). Die englische Übersetzung von Belforts Erzählung erschien erst 1608, sieben Jahre nach der Inszenierung von Shakespeares Hamlet. Der Autor des Hamlet aus der Zeit vor Shakespeare ist unbekannt. Es wird angenommen, dass es sich um den berühmten Thomas Kyd (1588-1594) handelte als Meister der Rachetragödie. Leider ist das Stück nicht erhalten und man kann nur darüber spekulieren, wie Shakespeare es umgearbeitet hat.

Und in der Legende und in der Kurzgeschichte und in altes Stücküber Hamlet Hauptthema Es gab eine Familienrache, die der dänische Prinz beging. Shakespeare interpretierte dieses Bild anders.

Hamlet begann neues Leben in seinem Drama. Aus den Tiefen der Jahrhunderte hervorgegangen, wurde er ein Zeitgenosse Shakespeares, ein Vertrauter seiner Gedanken und Träume. Der Autor hat das ganze Leben seines Helden gedanklich durchlebt.

Zusammen mit dem dänischen Prinzen blätterte Shakespeare gedanklich in der Bibliothek der Universität Wittenberg, dem Zentrum mittelalterlicher Gelehrsamkeit, durch Dutzende alter und neuer Bücher und versuchte, in die Geheimnisse der Natur und der menschlichen Seele einzudringen.

Sein Held wuchs und verließ unmerklich die Grenzen seines Mittelalters und führte Menschen ein, die Thomas Morus lasen, Menschen, die an die Kraft des menschlichen Geistes, an die Schönheit menschlicher Gefühle, an Träume und Streitigkeiten glaubten.

Die Handlung der Tragödie, die der mittelalterlichen Legende über Hamlet, Prinz von Dänemark, entlehnt ist, legt dem Helden Sorgen und Verantwortungen auf, die nichts mit der Tragödie des Humanismus und der Wiedergeburt zu tun haben. Der Prinz wird getäuscht, beleidigt, ausgeraubt, er muss den hinterhältigen Mord an seinem Vater rächen und seine Krone zurückgewinnen. Aber egal welche persönlichen Probleme Hamlet löst, egal welche Qualen er erleidet, alles spiegelt sich in seinem Charakter, seinem Geisteszustand und durch sie in seinem spirituellen Zustand wider, den wahrscheinlich Shakespeare selbst und viele seiner Zeitgenossen, Vertreter, erlebt haben jüngere Generation: Dies ist ein Zustand tiefsten Schocks.

Shakespeare hat in diese Tragödie alle schmerzhaften Fragen seiner Zeit eingebracht, und sein Hamlet wird durch die Jahrhunderte gehen und der Nachwelt seine Hand reichen.

Hamlet ist zu einer der beliebtesten Figuren der Weltliteratur geworden. Darüber hinaus ist er keine Figur mehr in einer antiken Tragödie und wird als lebende Person wahrgenommen, die vielen Menschen wohlbekannt ist und von denen fast jeder seine eigene Meinung über ihn hat.

Obwohl der Tod eines Menschen tragisch ist, hat die Tragödie ihren Inhalt doch nicht im Tod, sondern im moralischen, ethischen Tod eines Menschen, der ihn auf einen tödlichen Weg führte, der mit dem Tod endet.

In diesem Fall besteht die wahre Tragödie von Hamlet darin, dass er ein Mann der Schönsten ist spirituelle Qualitäten, brach zusammen. Als ich die schrecklichen Seiten des Lebens sah – Betrug, Verrat, Mord an geliebten Menschen. Er verlor den Glauben an die Menschen, die Liebe, das Leben verlor seinen Wert für ihn. Er gibt vor, verrückt zu sein, steht aber tatsächlich am Rande des Wahnsinns, als ihm klar wird, wie monströs Menschen sind – Verräter, Inzestuöse, Meineidige, Mörder, Schmeichler und Heuchler. Er fasst den Mut zum Kampf, doch er kann das Leben nur mit Trauer betrachten.

Was verursacht spirituelle Tragödie Weiler? Seine Ehrlichkeit, Intelligenz, Sensibilität und sein Glaube an Ideale. Wenn er wie Claudius, Laertes, Polonius wäre, könnte er wie sie leben, täuschen, vortäuschen und sich der Welt des Bösen anpassen.

Aber er konnte sich nicht versöhnen, und er wusste nicht, wie man kämpft und vor allem wie man gewinnt und das Böse zerstört. Die Ursache von Hamlets Tragödie liegt daher in der Noblesse seiner Natur.

Die Tragödie von Hamlet ist die Tragödie der menschlichen Erkenntnis des Bösen. Das Leben des dänischen Prinzen verlief vorerst heiter: Er lebte in einer erleuchteten Familie gegenseitige Liebe Eltern, er selbst verliebte sich und genoss die Gegenseitigkeit eines hübschen Mädchens, hatte nette Freunde, war begeistert von der Wissenschaft, liebte das Theater, schrieb Gedichte; Es erwartete ihn eine große Zukunft – ein Herrscher zu werden und ein ganzes Volk zu regieren.

Doch plötzlich begann alles auseinanderzufallen. Im Anbeginn der Zeit starb mein Vater. Bevor Hamlet die Trauer überstehen konnte, traf ihn ein zweiter Schlag: Seine Mutter, die seinen Vater so sehr zu lieben schien, heiratete in weniger als zwei Monaten den Bruder des Verstorbenen und teilte mit ihm den Thron. Und der dritte Schlag: Hamlet erfährt, dass sein Vater von seinem eigenen Bruder getötet wurde, um die Krone und seine Frau in Besitz zu nehmen.

Ist es überraschend, dass Hamlet den tiefsten Schock erlebte: Schließlich brach vor seinen Augen alles zusammen, was ihm das Leben wertvoll machte. Er war noch nie so naiv gewesen zu glauben, dass es im Leben kein Unglück gäbe. Und doch wurden seine Gedanken größtenteils von illusorischen Ideen angetrieben. Der Schock, den Hamlet erlebte, erschütterte seinen Glauben an den Menschen und führte zu einer Dualität seines Bewusstseins.

Hamlet sieht zwei Verräter an Menschen, die durch Familien- und Blutsbande verbunden sind: seine Mutter und den Bruder des Königs. Wenn Menschen, die einander am nächsten stehen sollten, gegen die Gesetze der Verwandtschaft verstoßen, was können Sie dann von anderen erwarten? Dies ist die Wurzel des dramatischen Wandels in Hamlets Haltung gegenüber Ophelia. Das Beispiel seiner Mutter führt ihn zu einer traurigen Schlussfolgerung: Frauen sind zu schwach, um den harten Prüfungen des Lebens standzuhalten. Hamlet verzichtet auf Ophelia, auch weil die Liebe ihn von der Aufgabe der Rache ablenken kann.

Hamlet ist einsatzbereit, doch die Situation erweist sich als schwieriger, als man sich vorstellen kann. Der direkte Kampf gegen das Böse wird für einige Zeit zu einer unmöglichen Aufgabe. Der direkte Konflikt mit Claudius und andere Ereignisse, die sich im Stück abspielen, sind in ihrer Bedeutung dem spirituellen Drama von Hamlet unterlegen, das hervorgehoben wird. Es ist unmöglich, seine Bedeutung zu verstehen, wenn wir nur von Hamlets individuellen Daten ausgehen oder seinen Wunsch im Auge behalten, den Mord an seinem Vater zu rächen. Hamlets inneres Drama besteht darin, dass er sich immer wieder wegen Untätigkeit quält, versteht, dass Worte nichts helfen können, aber nichts Konkretes tut.

Hamlets Nachdenken und Zögern, das wurde Kennzeichen Der Charakter dieses Helden wurde durch einen inneren Schock durch das „Meer der Katastrophen“ verursacht, der Zweifel an den moralischen und philosophischen Prinzipien mit sich brachte, die ihm unerschütterlich erschienen.

Der Fall wartet, aber Hamlet zögert mehr als einmal im Laufe des Stücks, Hamlet hatte die Gelegenheit, Claudius zu bestrafen. Warum schlägt er beispielsweise nicht zu, wenn Claudius allein betet? Daher fanden die Forscher heraus, dass in diesem Fall nach altem Glauben die Seele in den Himmel kommt und Hamlet sie in die Hölle schicken muss. Das ist der Punkt! Wenn Laertes Hamlet gewesen wäre, hätte er die Gelegenheit nicht verpasst. „Beide Welten sind für mich verabscheuungswürdig“, sagt er, und das ist die Tragödie seiner Situation.

Die psychologische Dualität von Hamlets Bewusstsein ist historischer Natur: Ihre Ursache ist der duale Zustand eines Zeitgenossen, in dessen Bewusstsein plötzlich Stimmen zu sprechen begannen und die Kräfte anderer Zeiten zu wirken begannen.

„Hamlet“ offenbart die moralische Qual einer Person, die zum Handeln gerufen ist, nach Taten dürstet, aber impulsiv handelt, nur unter dem Druck der Umstände; eine Zwietracht zwischen Denken und Wollen erleben.

Als Hamlet davon überzeugt ist, dass der König Repressalien gegen ihn verüben wird, spricht er anders über die Diskrepanz zwischen Wille und Tat. Jetzt kommt er zu dem Schluss, dass „zu viel über das Ergebnis nachzudenken“ „eine bestialische Vergessenheit oder eine erbärmliche Fähigkeit“ sei.

Hamlet ist mit dem Bösen sicherlich unversöhnlich, aber er weiß nicht, wie er es bekämpfen soll. Hamlet erkennt seinen Kampf nicht als politischen Kampf an. Es hat für ihn eine überwiegend moralische Bedeutung.

Hamlet ist ein einsamer Kämpfer für Gerechtigkeit. Er kämpft mit seinen eigenen Mitteln gegen seine Feinde. Der Widerspruch im Verhalten des Helden besteht darin, dass er zur Erreichung seines Ziels auf dieselben, wenn man so will, unmoralischen Methoden zurückgreift wie seine Gegner. Er täuscht vor, ist gerissen, versucht, das Geheimnis seines Feindes herauszufinden, täuscht und macht sich paradoxerweise für ein edles Ziel des Todes mehrerer Menschen schuldig. Claudius ist für den Tod nur eines ehemaligen Königs verantwortlich. Hamlet tötet (wenn auch unabsichtlich) Polonius, schickt Rosencrantz und Gildenson in den sicheren Tod, tötet Laertes und schließlich den König; er ist auch indirekt für Ophelias Tod verantwortlich. Aber in den Augen aller bleibt er moralisch rein, denn er verfolgte edle Ziele und das Böse, das er beging, war immer eine Reaktion auf die Machenschaften seiner Gegner.

Polonius stirbt durch Hamlets Hand. Dies bedeutet, dass Hamlet als Rächer für genau das fungiert, was er einem anderen antut.

Ein anderes Thema tritt im Stück mit größerer Kraft zum Vorschein: die Zerbrechlichkeit aller Dinge. Der Tod regiert diese Tragödie vom Anfang bis zum Ende. Es beginnt mit dem Erscheinen des Geistes des ermordeten Königs, im Verlauf der Handlung stirbt Polonius, dann ertrinkt Ophelia, Rosenkrantz und Güldensten gehen dem sicheren Tod entgegen, die vergiftete Königin stirbt, Laertes stirbt, Hamlets Klinge erreicht schließlich Claudius. Hamlet selbst stirbt als Opfer des Verrats von Laertes und Claudius. Dies ist die blutigste aller Tragödien Shakespeares. Aber Shakespeare hat nicht versucht, den Zuschauer mit der Geschichte des Mordes zu beeindrucken; der Tod jeder Figur hat ihre eigene besondere Bedeutung. Das Schicksal von Hamlet ist das tragischste, da in seinem Bild wahre Menschlichkeit, gepaart mit der Kraft des Geistes, ihre lebendigste Verkörperung findet. Nach dieser Einschätzung wird sein Tod als Heldentat im Namen der Freiheit dargestellt.

Hamlet spricht oft über den Tod. Schon bald nach seinem ersten Auftritt vor dem Publikum offenbart er einen verborgenen Gedanken: Das Leben sei so abscheulich geworden, dass er Selbstmord begehen würde, wenn es nicht als Sünde betrachtet würde. Im Monolog „Sein oder Nichtsein?“ reflektiert er den Tod. Hier beschäftigt sich der Held mit dem Mysterium des Todes selbst: Was ist das – oder eine Fortsetzung derselben Qualen, von denen das irdische Leben voller ist? Die Angst vor dem Unbekannten, vor diesem Land, aus dem kein einziger Reisender zurückgekehrt ist, lässt die Menschen oft vor dem Kampf zurückschrecken, aus Angst, in diese unbekannte Welt zu fallen.

Hamlet konzentriert sich auf den Gedanken an den Tod, wenn er, angegriffen von hartnäckigen Tatsachen und schmerzhaften Zweifeln, den Gedanken nicht weiter stärken kann, alles um ihn herum bewegt sich in einem schnellen Strom, und es gibt nichts, woran er sich festhalten kann, nicht einmal ein rettender Strohhalm ist sichtbar .

Hamlet ist sich sicher, dass die Menschen die erste Geschichte seines Lebens als Lektion, Warnung und Aufruf brauchen – sein Sterbebefehl an seinen Freund Horatio ist entscheidend: „Enthülle aus allen Ereignissen den Grund.“ Mit seinem Schicksal zeugt es von den tragischen Widersprüchen der Geschichte, ihrem schwierigen, aber immer beharrlicheren Werk zur Humanisierung des Menschen.

Abschluss

Am Beispiel von Shakespeares „Sonetten“, die ein wesentlicher Bestandteil und meiner Meinung nach ein ziemlich eindrucksvolles Beispiel seines Schaffens sind, können wir zu folgenden Schlussfolgerungen kommen:

1). Die von Shakespeare entwickelten und gefestigten Änderungen in der nationalen englischen Version des Sonettkanons, genannt „Shakespearean“, erlauben uns nicht ohne Grund, seine „Sonette“ als Teil seines Werkes, den Höhepunkt der englischen Renaissance, zu betrachten.

2). Traditionen der gesamteuropäischen Renaissancekultur, definiert als Wiederbelebung der antiken Denk- und Gefühlsweise und als Ergebnis der Entwicklung mittelalterliche Kultur, schuf Bedingungen für die Entstehung herausragender kreativer Persönlichkeiten, zu denen zweifellos W. Shakespeare gehört. Das figurativ-thematische System und die Form seiner „Sonette“ spiegeln das anthropozentrische Denken dieser Zeit wider und offenbaren die Komplexität innere Welt der große Dichter, der sein kreatives Konzept brillant verkörpert. Somit kann das Werk von W. Shakespeare als die höchste Synthese der Traditionen der gesamteuropäischen Renaissancekultur angesehen werden.

Trotz des düsteren Endes gibt es in Shakespeares Tragödie keinen hoffnungslosen Pessimismus. Die Ideale des tragischen Helden sind unzerstörbar und majestätisch, und sein Kampf mit der bösartigen, ungerechten Welt sollte anderen Menschen als Vorbild dienen. Dies verleiht Shakespeares Tragödien die Bedeutung von Werken, die jederzeit aktuell sind.

Shakespeares Tragödie hat zwei Enden. Der Ausgang des Kampfes endet unmittelbar und drückt sich im Tod des Helden aus. Und der andere wird in die Zukunft geführt, die als einzige in der Lage sein wird, unerfüllte Ideale wahrzunehmen und zu bereichern.

Erwecke sie wieder und etabliere sie auf der Erde. Shakespeares tragische Helden erleben einen besonderen Aufschwung geistiger Stärke, der umso größer wird, je gefährlicher ihr Gegner ist.

Daher stellt die Zerstörung des sozialen Übels das größte persönliche Interesse, die größte Leidenschaft der Shakespeare-Helden dar. Deshalb sind sie immer modern.

Literatur

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