Leonardo di ser Piero da Vinci (15 aprilie 1452 – 2 mai 1519) a fost un celebru pictor, arhitect, filozof, muzician, scriitor, explorator, matematician, inginer, anatomist, inventator și geolog italian. Cunoscut pentru picturile sale, dintre care cele mai faimoase sunt " Ultima cina” și „Mona Lisa”, precum și numeroase invenții care au fost cu mult înaintea timpului lor, dar au rămas doar pe hârtie. În plus, Leonardo da Vinci a adus o contribuție importantă la dezvoltarea anatomiei, astronomiei și tehnologiei.
Raphael Santi (28 martie 1483 – 6 aprilie 1520) a fost un mare pictor și arhitect italian activ în perioada Renașterii, acoperind perioada de la sfârșitul secolului al XV-lea până la începutul secolului al XVI-lea. Rafael este considerat în mod tradițional unul dintre trei grozave maeștri ai acestei perioade, alături de Michelangelo și Leonardo da Vinci. Multe dintre lucrările sale se află în Palatul Apostolic din Vatican, într-o cameră numită Strofa lui Rafael. Printre altele, iată cea mai cunoscută lucrare a sa - „Școala din Atena”.
Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (6 iunie 1599 - 6 august 1660) a fost un pictor spaniol, portretist, pictor de curte al regelui Filip al IV-lea, cel mai mare reprezentant al epocii de aur a picturii spaniole. Pe lângă numeroasele picturi care înfățișează scene istorice și culturale din trecut, el a pictat multe portrete ale familiei regale spaniole, precum și alte figuri europene celebre. Cea mai cunoscută operă a lui Velasquez este pictura „La Meninas” (sau „Familia lui Filip al IV-lea”) din 1656, aflată în Muzeul Prado din Madrid.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz și Picasso (25 octombrie 1881 - 8 aprilie 1973) este un artist și sculptor spaniol de renume mondial, fondatorul regiei în fine. arte – cubism. Considerat unul dintre cei mai mari artiști influențat dezvoltarea Arte vizualeîn secolul al XX-lea. Experți, a fost recunoscut drept cel mai bun artist dintre cei care au trăit în ultimii 100 de ani, precum și cel mai „scump” din lume. În timpul vieții sale, Picasso a creat aproximativ 20 de mii de lucrări (conform altor surse, 80 de mii).
Vincent Willem van Gogh (30 martie 1853 – 29 iulie 1890) a fost un celebru pictor olandez care și-a câștigat faima abia după moartea sa. Potrivit multor experți, Van Gogh este unul dintre cei mai mari artiști din istoria artei europene, precum și unul dintre cei mai mari artiști din istoria artei europene. Reprezentanți proeminenți Post impresionism. Autor a peste 2.100 de opere de artă, inclusiv 870 de picturi, 1.000 de desene și 133 de schițe. Numeroasele sale autoportrete, peisaje și portrete sunt printre cele mai recunoscute și mai scumpe opere de artă din lume. Cel mai lucrare celebră Vincent van Gogh este probabil considerat o serie de picturi numite „Floarea soarelui”.
Michelangelo Buonarroti (6 martie 1475 - 18 februarie 1564) - sculptorul, artistul, arhitectul, poetul și gânditorul italian de renume mondial, care a lăsat o amprentă de neșters pe ansamblu. cultura mondială. Cea mai cunoscută lucrare a artistului, poate, sunt frescele de pe tavanul Capelei Sixtine. Dintre sculpturile sale, cele mai cunoscute sunt „Pieta” („Plângerea lui Hristos”) și „David”. Dintre lucrările de arhitectură - proiectarea cupolei Bazilicii Sf. Petru. Interesant, Michelangelo a devenit primul reprezentant al artei vest-europene, a cărui biografie a fost scrisă în timpul vieții sale.
Pe locul patru în clasamentul celor mai faimoși artiști din lume se află Masaccio (21 decembrie 1401-1428) - un mare artist italian care a avut un impact uriaș asupra altor maeștri. Masaccio a trăit foarte viata scurta, așa că există puține dovezi biografice despre el. Au supraviețuit doar patru dintre frescele sale, care, fără îndoială, sunt opera lui Masaccio. Alții se crede că au fost distruși. Cea mai faimoasă lucrare a lui Masaccio este fresca Trinității din biserica Santa Maria Novella din Florența, Italia.
Peter Paul Rubens (28 iunie 1577 – 30 mai 1640) a fost un pictor flamand (olandez de sud), unul dintre cei mai mari artiști ai epocii baroc, cunoscut pentru stilul său extravagant. Considerat cel mai versatil artist al timpului său. În lucrările sale, Rubens a subliniat și a întruchipat vitalitatea și senzualitatea culorii. A pictat numeroase portrete, peisaje și picturi istorice cu subiecte mitologice, religioase și alegorice. Cea mai cunoscută lucrare a lui Rubens este tripticul „Coborârea de pe Cruce” scris în perioada 1610-1614 și i-a adus artistului faima mondială.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 septembrie 1571 - 18 iulie 1610) - marele artist italian al perioadei barocului timpuriu, fondatorul realistului european. pictura XVII secol. În lucrările sale, Caravaggio a folosit cu pricepere contrastele de lumină și umbră, concentrându-se pe detalii. Deseori înfățișați romani obișnuiți, oameni de pe străzi și piețe în imaginile sfinților și madonelor. Exemple sunt „Evanghelistul Matei”, „Bacchus”, „Convertirea lui Saul”, etc. Una dintre cele mai cunoscute tablouri ale artistului este „Jucătorul de lăută” (1595), pe care Caravaggio a numit-o cea mai de succes piesă de pictură pentru el. .
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) - faimos pictor și gravor olandez, care este considerat cel mai mare și cel mai mare artist faimos pace. Autor a aproximativ 600 de tablouri, 300 de gravuri și 2 mii de desene. Trăsătura sa caracteristică este un joc magistral cu efecte de lumină și umbre profunde. Cea mai faimoasă operă a lui Rembrandt este pictura de patru metri „Night Watch”, scrisă în 1642 și păstrată acum în Muzeul de Stat din Amsterdam.
Citat mesaj Cele mai faimoase și semnificative picturi ale lumii pentru istoria artei. | 33 de capodopere ale picturii mondiale.
Sub tablourile cu artiștii cărora le aparțin, există link-uri către postări.
Picturile nemuritoare ale marilor artiști sunt admirate de milioane de oameni. Arta, clasică și modernă, este una dintre principalele surse de inspirație, gust și educație culturală a oricărei persoane, și chiar mai creativă.
Există cu siguranță mai multe picturi de renume mondial decât 33. Există câteva sute de ele și toate nu s-ar încadra într-o singură recenzie. Prin urmare, pentru confortul vizionării, am selectat mai multe tablouri care sunt cele mai semnificative pentru cultura mondială și adesea copiate în publicitate. Fiecare lucrare este insotita fapt interesant, o explicație a sensului artistic sau a istoriei creației sale.
Depozitat în Galeria Vechilor Maeștri din Dresda.
Imaginea are un mic secret: fundalul, care arată ca nori de la distanță, la o examinare mai atentă se dovedește a fi capete de îngeri. Iar cei doi îngeri înfățișați în imaginea de mai jos au devenit motivul a numeroase cărți poștale și postere.
Rembrandt „Celul de noapte” 1642
Depozitat la Rijksmuseum din Amsterdam.
Adevăratul nume al tabloului de Rembrandt este „Performanța companiei de puști a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg”. Criticii de artă care au descoperit pictura în secolul al XIX-lea au crezut că figurile stăteau pe un fundal întunecat și l-au numit „Night Watch”. Mai târziu s-a dovedit că un strat de funingine întunecă imaginea, iar acțiunea are loc de fapt în timpul zilei. Cu toate acestea, poza a intrat deja în vistieria artei mondiale sub numele de „Night Watch”.
Leonardo da Vinci „Cina cea de Taină” 1495-1498
Situat în mănăstirea Santa Maria delle Grazie din Milano.
De-a lungul istoriei de peste 500 de ani a existenței lucrării, fresca a fost distrusă în mod repetat: prin pictură a fost făcută o ușă, apoi a fost așezată o ușă, a fost folosită trapeza mănăstirii, unde se află imaginea. ca un arsenal, o închisoare și bombardat. faimoasa frescă restaurat de cel puțin cinci ori, ultima restaurare durând 21 de ani. Astăzi, pentru a vedea opera de artă, vizitatorii trebuie să rezerve bilete în avans și pot petrece doar 15 minute în trapeză.
Salvador Dali „Persistența memoriei” 1931
Potrivit autorului însuși, tabloul a fost pictat ca urmare a asociațiilor care au apărut în Dali la vederea brânzei prelucrate. Revenind de la cinema, unde a mers în acea seară, Gala a prezis destul de corect că nimeni care a văzut „Persistența memoriei” nu va uita o dată.
Pieter Bruegel cel Bătrân Turnul Babel 1563
Depozitat la Kunsthistorisches Museum din Viena.
Potrivit lui Brueghel, eșecul care s-a întâmplat la construcția Turnului Babel nu s-a datorat barierelor lingvistice care au apărut brusc conform poveștii biblice, ci greșelilor comise în timpul procesului de construcție. La prima vedere, uriașa clădire pare suficient de solidă, dar la o inspecție mai atentă, este clar că toate nivelurile sunt așezate neuniform, etajele inferioare fie sunt neterminate, fie se prăbușesc deja, clădirea în sine se înclină spre oraș și perspectivele. pentru întreg proiectul sunt foarte tristi.
Kazimir Malevich „Pătratul Negru” 1915
Potrivit artistului, acesta a pictat tabloul timp de câteva luni. Ulterior, Malevici a făcut mai multe copii ale „Pătratului Negru” (conform unor surse, șapte). Potrivit unei versiuni, artistul nu a reușit să finalizeze lucrarea picturii la momentul potrivit, așa că a trebuit să acopere lucrarea cu vopsea neagră. Ulterior, după recunoașterea publicului, Malevich a pictat noi „Pătrate negre” deja pe pânze goale. Malevici a pictat, de asemenea, tablourile „Pătratul Roșu” (două exemplare) și unul „Pătratul Alb”.
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin „Scăldarea calului roșu” 1912
Situat în Galeria de Stat Tretiakov din Moscova.
Pictată în 1912, tabloul s-a dovedit a fi vizionar. Calul roșu acționează ca destinul Rusiei sau al Rusiei însăși, pe care călărețul fragil și tânăr nu îl poate ține. astfel, artistul a prezis simbolic cu pictura sa soarta „roșie” a Rusiei în secolul XX.
Peter Paul Rubens „Violul fiicelor lui Leucip” 1617-1618
Depozitat în Alte Pinakothek din München.
Pictura „Răpirea fiicelor lui Leucip” este considerată personificarea pasiunii curajoase și a frumuseții trupești. Brațele puternice și musculoase ale bărbaților tineri ridică tinerele femei goale pentru a le urca călare. Fiii lui Zeus și Leda fură miresele verilor lor.
Paul Gauguin „De unde venim? Cine suntem noi? Unde mergem?" 1898
Depozitat la Muzeul de Arte Frumoase din Boston.
La îndrumarea lui Gauguin însuși, imaginea trebuie citită de la dreapta la stânga - cele trei grupuri principale de figuri ilustrează întrebările puse în titlu. Trei femei cu un copil reprezintă începutul vieții; grupa mijlocie simbolizează existența cotidiană a maturității; în grupa finală, potrivit artistei, „o bătrână care se apropie de moarte pare împăcată și predată gândurilor ei”, la picioarele ei „o pasăre albă ciudată... reprezintă inutilitatea cuvintelor”.
Eugene Delacroix „Libertatea conduce poporul” 1830
Depozitat la Luvru din Paris
Delacroix a creat un tablou bazat pe Revoluția din iulie 1830 în Franța. Într-o scrisoare către fratele său din 12 octombrie 1830, Delacroix scrie: „Dacă nu am luptat pentru Patria, atunci măcar voi scrie pentru ea”. Pieptul gol al unei femei care conduce poporul simbolizează abnegația poporului francez de atunci, care cu „pieptul gol” mergea la inamic.
Impresie Claude Monet. Soarele Răsare” 1872
Depozitat la Musée Marmottan din Paris.
Denumirea lucrării „Impression, soleil levant” cu mâna ușoară a jurnalistului L. Leroy a devenit numele. direcție artistică"impresionism". Pictura a fost pictată din natură în vechiul port din Le Havre din Franța.
Jan Vermeer „Fata cu un cercel de perle” 1665
Depozitat în Galeria Mauritshuis din Haga.
Una dintre cele mai faimoase picturi ale artistului olandez Jan Vermeer este adesea denumită Mona Lisa nordică sau olandeză. Se știu foarte puține despre pictură: nu este datată, nu se cunoaște numele fetei înfățișate. În 2003 de către roman cu acelasi nume Tracey Chevalier a filmat lungmetrajul Girl with a Pearl Earring, care a restaurat ipotetic istoria creării pânzei în contextul biografiei și vieții de familie a lui Vermeer.
Ivan Aivazovsky „Al nouălea val” 1850
Depozitat la Sankt Petersburg în Muzeul de Stat al Rusiei.
Ivan Aivazovsky este un pictor maritim rus de renume mondial care și-a dedicat viața înfățișării mării. A creat aproximativ șase mii de lucrări, fiecare dintre ele fiind recunoscută în timpul vieții artistului. Tabloul „Al nouălea val” este inclus în cartea „100 de mari picturi”.
Andrei Rublev „Trinitatea” 1425-1427
Icoana Sfintei Treimi, pictată de Andrei Rublev în secolul al XV-lea, este una dintre cele mai cunoscute icoane rusești. Pictograma este o tablă în format vertical. Țarii (Ivan cel Groaznic, Boris Godunov, Mihail Fedorovich) au „învăluit” icoana cu aur, argint și pietre prețioase. Astăzi, salariul este depozitat în Muzeul-Rezervație de Stat Sergiev Posad.
Mikhail Vrubel „Demonul așezat” 1890
Depozitat în Galeria Tretiakov din Moscova.
Intriga imaginii este inspirată din poezia lui Lermontov „Demonul”. Demonul este o imagine a puterii spiritului uman, a luptei interioare, a îndoielilor. Împreunându-și în mod tragic mâinile, Demonul stă cu ochi triști, uriași îndreptați în depărtare, înconjurat de flori fără precedent.
William Blake „Marele arhitect” 1794
Depozitat la British Museum din Londra.
Numele picturii „The Ancient of Days” se traduce literalmente din engleză ca „Ancient of Days”. Această expresie a fost folosită ca nume al lui Dumnezeu. Personaj principal poze - Dumnezeu în momentul creației, care nu pune ordine, ci limitează libertatea și marchează limitele imaginației.
Edouard Manet „Bar la Folies Bergère” 1882
Depozitat la Institutul de Artă Courtauld din Londra.
Folies Bergère este un spectacol de varietate și cabaret din Paris. Manet a frecventat Folies Bergère și a ajuns să picteze acest tablou, ultimul său înainte de moartea sa în 1883. În spatele barului, în mijlocul unei mulțimi de băuturi, mâncare, discuții și fumat, o barmană este absorbită în propriile gânduri, privind un acrobat trapez, care poate fi văzut în colțul din stânga sus al imaginii.
Tizian „Iubirea pământească și iubirea cerească” 1515-1516
Depozitat în Galleria Borghese din Roma.
Este de remarcat faptul că numele modern al picturii nu a fost dat de artistul însuși, ci a început să fie folosit abia două secole mai târziu. Până atunci, tabloul avea diferite titluri: „Frumusețe înfrumusețată și neîmpodobită” (1613), „Trei tipuri de iubire” (1650), „Femei divine și lumești” (1700) și, în final, „Iubire pământească și Dragoste Cerească » (1792 și 1833).
Mihail Nesterov „Viziunea asupra tineretului Bartolomeu” 1889-1890
Depozitat în Galeria de Stat Tretiakov din Moscova.
Prima și cea mai semnificativă lucrare din ciclul dedicat lui Sergius din Radonezh. Până la sfârșitul zilelor sale, artistul a fost convins că „Viziunea tânărului Bartolomeu” a fost cea mai bună lucrare a lui. La bătrânețe, artistului îi plăcea să repete: „Nu voi trăi. „Tânărul Bartolomeu” va trăi. Acum, dacă peste treizeci, cincizeci de ani de la moartea mea, el va mai spune ceva oamenilor, atunci el este în viață, atunci sunt și eu în viață.
Pieter Brueghel cel Bătrân „Pilda orbului” 1568
Depozitat în Muzeul Capodimonte din Napoli.
Alte nume ale tabloului sunt „Orbul”, „Parabola orbului”, „Orbul care conduce orbul”. Se crede că intriga tabloului se bazează pe pilda biblică a orbului: „Dacă orbii conduc pe orb, atunci amândoi vor cădea în groapă”.
Viktor Vasnetsov "Alyonushka" 1881
Stocat în Galeria de Stat Tretiakov.
Basmul „Despre sora Alyonushka și fratele Ivanushka” este luat ca bază. Inițial, pictura lui Vasnețov s-a numit „Fool Alyonushka”. Orfanii erau numiți „proști” la acea vreme. „Alyonushka”, a spus însuși artistul mai târziu, „de parcă ar fi trăit în capul meu de mult timp, dar în realitate am văzut-o în Akhtyrka când am întâlnit o fată cu părul simplu care mi-a uimit imaginația. Era atât de mult dor, singurătate și tristețe pur rusească în ochii ei... Din ea emana un fel de spirit rusesc special.
Vincent van Gogh Noapte înstelată 1889
Depozitat la Muzeul de Artă Modernă din New York.
Spre deosebire de majoritatea picturilor artistului, Noaptea înstelată a fost pictată din memorie. Van Gogh se afla în acel moment în spitalul Saint-Remy, chinuit de crize de nebunie.
Karl Bryullov „Ultima zi a Pompeii” 1830-1833
Depozitat în Muzeul de Stat al Rusiei din Sankt Petersburg.
Pictura înfățișează celebra erupție a Muntelui Vezuvius în anul 79 d.Hr. e. și distrugerea orașului Pompei de lângă Napoli. Imaginea artistului din colțul din stânga imaginii este un autoportret al autorului.
Pablo Picasso „Fata pe minge” 1905
Depozitat în Muzeul Pușkin, Moscova
Tabloul a ajuns în Rusia datorită industriașului Ivan Abramovici Morozov, care l-a cumpărat în 1913 cu 16.000 de franci. În 1918, colecția personală a lui I. A. Morozov a fost naționalizată. Tabloul se află în prezent în colecție. Muzeul de Stat Artele frumoase poartă numele A.S. Pușkin.
Leonardo da Vinci Madonna Litta 1491
Depozitat în Ermitaj din Sankt Petersburg.
Titlul original al picturii este Madona cu Pruncul. Denumirea modernă a tabloului provine de la numele proprietarului său, contele Litta, proprietarul unei galerii de artă de familie din Milano. Se presupune că figura bebelușului nu a fost pictată de Leonardo da Vinci, ci aparține pensulei unuia dintre elevii săi. Acest lucru este dovedit de poziția bebelușului, care este neobișnuită pentru maniera autorului.
Jean Ingres „Băile turcești” 1862
Depozitat la Luvru din Paris.
Ingres a terminat de pictat acest tablou când avea deja peste 80 de ani. Cu această imagine, artistul rezumă un rezultat deosebit al imaginii scălătorilor, ale căror teme au fost de mult prezente în opera sa. Inițial, pânza avea forma unui pătrat, dar la un an de la finalizare, artistul a transformat-o într-un tablou rotund - un tondo.
Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky „Dimineața într-o pădure de pini” 1889
Depozitat în Galeria Tretiakov din Moscova
„Dimineața în pădure de conifere„- un tablou al artiștilor ruși Ivan Shișkin și Konstantin Savitsky. Savitsky a pictat urși, dar colecționarul Pavel Tretyakov, când a achiziționat pictura, și-a șters semnătura, așa că acum doar Shișkin este indicat ca autor al picturii.
Mihail Vrubel „Prițesa lebădă” 1900
Stocat în Galeria de Stat Tretiakov
Tabloul a fost pictat pe baza imaginii de scenă a eroinei operei „Povestea țarului Saltan” de N. A. Rimsky-Korsakov, bazată pe intriga basmului cu același nume de A. S. Pușkin. Vrubel a creat schițe pentru decor și costume pentru premiera operei în 1900, iar soția sa a cântat rolul Prințesei Lebedei.
Giuseppe Arcimboldo „Portretul împăratului Rudolf al II-lea ca Vertumn” 1590
Situat în Castelul Skokloster din Stockholm.
Una dintre puținele lucrări supraviețuitoare ale artistului, care a realizat portrete din fructe, legume, flori, crustacee, pești, perle, instrumente muzicale și alte instrumente, cărți și așa mai departe. „Vertumnus” este un portret al împăratului, reprezentat ca vechiul zeu roman al anotimpurilor, vegetației și transformării. În imagine, Rudolph este format în întregime din fructe, flori și legume.
Edgar Degas Blue Dancers 1897
Situat în Muzeul de Artă. A. S. Pușkin la Moscova.
Mona Lisa s-ar putea să nu fi câștigat faima mondială dacă nu ar fi fost furată în 1911 de un angajat al Luvru. Pictura a fost găsită doi ani mai târziu în Italia: hoțul a răspuns la un anunț dintr-un ziar și s-a oferit să vândă Gioconda directorului Galeriei Uffizi. În tot acest timp, în timp ce ancheta se desfășura, Mona Lisa nu a părăsit copertele ziarelor și revistelor din întreaga lume, devenind obiect de copiere și de cult. Sandro Botticelli „Nașterea lui Venus” 1486
Depozitat în Florența la Galeria Uffizi
Pictura ilustrează mitul nașterii Afroditei. Zeița goală plutește la țărm într-o carapace deschisă, mânată de vânt. În partea stângă a imaginii, Zephyr (vântul de vest), în brațele soției sale Chlorida, suflă pe o scoică, creând un vânt plin de flori. Pe mal, zeița este întâmpinată de una dintre grații. Nașterea lui Venus este bine conservată datorită faptului că Botticelli a aplicat picturii un strat protector de gălbenuș de ou.
...
Partea 21 -
Partea 22 -
Partea 23 -
Am dat peste un tablou fără titlu cu 100 de oameni celebri. Din curiozitate naturală, am decis să-mi dau seama a cui poză și cine este înfățișat pe ea. S-a dovedit că tabloul a fost pictat de trei artiști chinezi - Dai Dudu, Li Tezzi și Zhang An. Înfățișează 100 de oameni celebri din toate timpurile și popoarele. În colțul din dreapta sus, artiștii s-au înfățișat pe ei înșiși. Cunoscătorii au găsit-o chiar și pe celebra oaie Dolly în imagine.
Deoarece tabloul a fost pictat de chinezi, are în mod natural o anumită părtinire față de istoria chineză. Dar totuși, sa dovedit a fi interesant și informativ pentru a înțelege personalitățile.
Pe diverse site-uri, atât în engleză, cât și în rusă, s-a discutat deja despre această imagine, dar în niciun loc nu am găsit o decodare exactă a cine este cine în imagine. Prin urmare, îndrăznesc să vă ofer versiunea mea. În locurile în care aveam îndoieli, am pus semne de întrebare.
Dacă cineva poate clarifica punctele îndoielnice, aș fi foarte recunoscător. Ma derut la grecii antici, toti sunt cheli si barbosi, trebuie sa folosesc indiciile pe care artistii le dau in poza. Nici măcar nu vorbesc despre chinezi... Da, mai sunt întrebări. De exemplu, de ce Pavka Korchagin are ochii înclinați? În general, ajutor.
Poza se poate face clic(primul clic, într-adevăr, reduce acesta, al doilea îl readuce la dimensiunea inițială, iar doar al treilea îl dublează - dar aceasta este o caracteristică a motorului LJ, nu pot face nimic în privința asta).
1. Bill Gates
2. Aristotel (Socrate?)
3. Cui Jian, fondatorul Chinese Rock
4. Lenin
5. Pele
6. Pavel Korchagin
7. Audrey Hepburn
8. Beethoven
9. Hitler
10 Charlie Chaplin
11. Henry Ford
12. Lei Feng, erou popular China
13. Rudyard Kipling
14. Mussolini
15. Saddam Hussein
16. Maxim Gorki
17. Khubilai, nepotul lui Genghis Khan, care a mutat capitala la Beijing, sau Guan Yu (?)
18. Ramses II
19. Bill Clinton
20. Petru I
21. Margaret Thatcher
22. Charles de Gaulle
23. Sun Yat-sen (în vestă)
24. Deng Xiaoping (purtand un tricou)
25. Pușkin (!!?????)
26. Sigmund Freud
27. Burres Skinner, psiholog și scriitor american.
28. Mike Tyson
29. Putin
30. Hans Christian Andersen (Lewis Carroll?)
31. Chiang Kai-shek (jumătate de tură)
32. Regina Elisabeta II(?)
33. Shirley Temple
34. William Faulkner sau Steinbeck sau Lu Xun (?)
35. Franklin Delano Roosevelt
36. Ulysses Grant
37. Bruce Lee
38. Winston Churchill
39. Hemingway
40. Henri Matisse
41. Robert Oppenheimer
42. Elvis Presley
43. Iosif Stalin
44. Platon
45. William Shakespeare
46. Wolfgang Amadeus Mozart
47. Karl Marx
48. Friedrich Nietzsche
49. Lev Tolstoi
50. Albert Einstein
51. Li Bo - poet chinez al dinastiei Tang (?)
52. Mao Zedong
53. Abraham Lincoln
54. Pablo Picasso
55. Steven Spiberg
56. Genghis Han
57. Napoleon
58. Marie Curie (???)
59. Zhou Enlai
60. Che Guevara
61. Fidel Castro
62. Nașul - Don Corleone - interpretat de Marlon Brando
63. Yasser Arafat.
64. Goethe (?)
65. Laozi
66. Marilyn Monroe
67. Moise
68. Confucius
69. Corneliu Baba - artist roman
70. Mahatma Gandhi
71. Iulius Cezar
72. Claire Lee Chennault - locotenent general US Air Force, în timpul Al doilea razboi mondial a comandat escadronul aerian Flying Tigers din China, în care au luptat voluntari americani.
73. Salvador Dali
74. Luciano Pavarotti
75. Împărăteasa Cixi
76. Ariel Sharon
77. Michael Jordan
78. Michelangelo
79. Dwight Eisenhower (?)
80. Vincent van Gogh
81. Henri Toulouse-Lautrec
82. Masel Duchamp - teoretician al artei, care a stat la originile dadaismului și suprarealismului
83. George W. Bush (Jr.)
84. Liu Xiang - atlet chinez, primul chinez care a câștigat Jocurile Olimpice
85. Prințul Charles
86. Kofi Annan, al 7-lea secretar general al Națiunilor Unite
87. Qi Baishi - artist chinez
88. Hideki Tojo este un politician japonez, lider militar și criminal de război care a fost condamnat la moarte prin spânzurare după înfrângerea Japoniei în al Doilea Război Mondial.
89. Qin Shi Huang - conducător al regatului Qin (din 246î.Hr î.Hr.), care a pus capăt erei veche de secole a Statelor Combatante
90. Mihail Gorbaciov
91. Maica Tereza
92. Kim Il Sung - fondatorul statului nord-coreean și dezvoltatorul versiunii coreene a marxismului- Juche
93. Rabindranath Tagore
94. Demostene
95. Otto von Bismarck
96. Zhang Yimou - actor, regizor, producător, scenarist chinez (?)
97. Lee Sunsin - comandant naval coreean (?)
98. Jean-Jacques Rousseau
99. Osama bin Laden
100. Dante Alighieri
101. Li Tezzi (unul dintre creatorii imaginii)
102. Zhang An (unul dintre creatorii imaginii)
103. Dai Dudu (unul dintre creatorii imaginii)
104. Oaia Dolly - primul animal clonat din lume
Sunt opere de artă care par să lovească privitorul în cap, uluite și uimitoare. Alții te trag în reflecție și în căutare de straturi semantice, simbolism secret. Unele tablouri sunt acoperite de secrete și mistere mistice, în timp ce altele surprind cu un preț exorbitant.
Am analizat cu atenție toate realizările majore din pictura mondială și am selectat două duzini dintre cele mai ciudate picturi dintre ele. Salvador Dali, ale cărui lucrări se încadrează complet sub formatul acestui material și sunt primele care îi vin în minte, nu au fost incluse în această colecție în mod intenționat.
Este clar că „ciudatatea” este un concept destul de subiectiv și pentru toată lumea există picturi uimitoare care ies în evidență dintr-o serie de alte opere de artă. Ne vom bucura dacă le împărtășiți în comentarii și ne spuneți puțin despre ele.
"Ţipăt"
Edvard Munch. 1893, carton, ulei, tempera, pastel.
Galeria Națională, Oslo.
Strigătul este considerat un eveniment expresionist de referință și unul dintre cele mai faimoase picturi din lume.
Există două interpretări ale ceea ce este reprezentat: eroul însuși este cuprins de groază și țipă în tăcere, lipindu-și mâinile de urechi; sau eroul își închide urechile de strigătul lumii și al naturii care răsună în jurul lui. Munch a scris patru versiuni din The Scream, și există o versiune conform căreia această poză este rodul unei psihoze maniaco-depresive de care a suferit artistul. După un curs de tratament la clinică, Munch nu s-a întors să lucreze pe pânză.
„Mă plimbam pe potecă cu doi prieteni. Soarele apunea - deodată cerul s-a înroșit sângele, m-am oprit, simțindu-mă epuizat, și m-am rezemat de gard - m-am uitat la sângele și flăcările deasupra fiordului negru-albăstrui și a orașului. Prietenii mei au continuat, iar eu am stat, tremurând de emoție, simțind strigătul nesfârșit care străpunge natura”, a spus Edvard Munch despre istoria picturii.
„De unde am venit? Cine suntem noi? Unde mergem?"
Paul Gauguin. 1897-1898, ulei pe pânză.
Muzeul de Arte Frumoase, Boston.
La îndrumarea lui Gauguin însuși, imaginea trebuie citită de la dreapta la stânga - cele trei grupuri principale de figuri ilustrează întrebările puse în titlu.
Trei femei cu un copil reprezintă începutul vieții; grupul de mijloc simbolizează existența zilnică a maturității; în grupa finală, potrivit artistei, „o bătrână care se apropie de moarte pare împăcată și predată gândurilor ei”, la picioarele ei „o pasăre albă ciudată... reprezintă inutilitatea cuvintelor”.
O imagine profund filozofică a postimpresionistului Paul Gauguin a fost scrisă de acesta în Tahiti, unde a fugit din Paris. La finalul lucrării, a vrut chiar să se sinucidă: „Cred că această pânză este superioară tuturor celor anterioare și că nu voi crea niciodată ceva mai bun sau chiar asemănător”. A mai trăit cinci ani și așa s-a întâmplat.
"Guernica"
Pablo Picasso. 1937, ulei pe pânză.
Muzeul Reina Sofia, Madrid.
Guernica prezintă scene de moarte, violență, atrocități, suferință și neputință, fără a preciza cauzele lor imediate, dar sunt evidente. Se spune că în 1940 Pablo Picasso a fost chemat la Gestapo din Paris. Conversația s-a îndreptat imediat către tablou. "Ai facut asta?" - "Nu, ai făcut-o."
Uriașa frescă „Guernica”, pictată de Picasso în 1937, povestește despre raidul unității de voluntari Luftwaffe asupra orașului Guernica, în urma căruia al șase mii oraș a fost complet distrus. Tabloul a fost pictat în doar o lună - în primele zile de lucru pe tablou, Picasso a lucrat 10-12 ore și deja în primele schițe se putea vedea Ideea principală. Acesta este unul dintre cele mai bune ilustrații coșmarul fascismului, precum și cruzimea și durerea umană.
„Portretul Arnolfinis”
Jan van Eyck. 1434, ulei pe lemn.
Galeria Națională din Londra, Londra.
tablou faimos plin complet de simboluri, alegorii și diverse referințe - până la semnătura „Jan van Eyck was here”, care a transformat tabloul nu doar într-o operă de artă, ci într-un document istoric care confirmă realitatea evenimentului la care artistul a fost prezent.
Portretul presupus al lui Giovanni di Nicolao Arnolfini și al soției sale este unul dintre cele mai multe lucrări complexeȘcoala occidentală de pictură a Renașterii de Nord.
În Rusia, în ultimii ani, pictura a câștigat o mare popularitate datorită asemănării portretului lui Arnolfini cu Vladimir Putin.
„Demon așezat”
Mihail Vrubel. 1890, ulei pe pânză.
Stat Galeria Tretiakov, Moscova.
„Mâinile îi rezistă”
Bill Stoneham. 1972.
Această lucrare, desigur, nu poate fi clasată printre capodoperele artei mondiale, dar faptul că este ciudată este un fapt.
În jurul imaginii cu un băiat, o păpușă și palmele apăsate de sticlă, sunt legende. De la „din cauza acestei imagini mor” la „copiii din ea sunt în viață”. Poza arată cu adevărat înfiorător, ceea ce dă naștere la o mulțime de temeri și presupuneri la oamenii cu un psihic slab.
Artistul a dat asigurări că poza se înfățișează pe sine la vârsta de cinci ani, că ușa este o reprezentare a liniei de demarcație dintre lumea reală și lumea viselor, iar păpușa este un ghid care îl poate conduce pe băiat prin această lume. Mâinile reprezintă vieți sau posibilități alternative.
Pictura a câștigat notorietate în februarie 2000, când a fost listată spre vânzare pe eBay, cu o poveste de fundal care spunea că tabloul a fost „bântuit”. „Hands Resist Him” a fost cumpărat cu 1.025 de dolari de Kim Smith, care a fost apoi inundat de scrisori cu povești înfiorătoare și solicitări de a arde tabloul.
100 de tablouri grozave (Partea 1)
Pânzele grozave sunt întotdeauna o oglindă a timpului, în orice formă alegorică complexă le-ar îmbrăca artistul. Nu orice imagine este clară pentru privitor la prima vedere, unele dintre ele necesită o atenție deosebită, reflecție, o anumită pregătire și cunoștințe.
Dorim pe site-ul nostru nu numai să spunem despre cele mai multe lucrări celebre de artă mondială, dar pentru a oferi tuturor ocazia de a comanda o reproducere de înaltă calitate pe pânză naturală a unei capodopere preferate.
Jan van Eyck(1390-1441) este considerat a fi cel mai mare pictor olandez al secolului al XV-lea, care a pus bazele tradiției realiste în pictura de altar. Originar dintr-un mic oraș olandez de pe râul Meuse, în 1422, deja un maestru respectat, a intrat în serviciul contelui Ioan de Bavaria și până în 1424 a participat la decorarea palatului contelui de la Haga. În 1425, Van Eyck s-a mutat la Lille, unde a devenit pictorul de curte al ducelui de Burgundia, Filip al III-lea cel Bun. La curtea ducelui, care l-a apreciat foarte mult pe artist, acesta nu numai că a pictat, ci a îndeplinit și multe misiuni diplomatice, călătorind în mod repetat în Spania și Portugalia.
În 1431, Van Eyck s-a mutat la Bruges, unde a trăit până la sfârșitul zilelor sale, lucrând atât ca pictor de curte, cât și ca artist al orașului. Cel mai mare număr de lucrări care au ajuns până la noi a fost scris de maestru pe vremea când era în slujba ducelui de Burgundia.
Una dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Van Eyck, Portretul Arnolfinis, se află în colecția Galerii Naționale din Londra. În imaginea care înfățișează ceremonia de căsătorie a doi tineri bogați, artistul a găsit un loc pentru mai multe simboluri - de exemplu, pentru un câine situat la picioarele proaspăt căsătoriți, simbol al fidelității. Într-o oglindă rotundă agățată pe perete în adâncurile compoziției, se reflectă două persoane - evident, martorii căsătoriei. Într-una dintre ele, artistul s-a înfățișat pe sine, așa cum spune inscripția de deasupra oglinzii. Artista i-a interpretat pe tinerii căsătoriți în plină creștere. Pictorul înfățișează cu dragoste lucrurile din jurul tinerilor căsătoriți. Aceste articole spun multe despre stilul de viață al proprietarilor lor, subliniind virtuțile lor burgheze - economie, modestie, dragoste pentru ordine.
Conținutul picturii descrise mai sus este doar cea mai comună versiune, dar pentru unii cercetători, o alta este atractivă: Acesta este un autoportret al artistului. În 1934, binecunoscutul critic de artă austriac Erwin Panofsky a sugerat că pictura înfățișează nu o căsătorie, ci o logodnă. În plus, s-a stabilit că Giovanni Arnolfini și soția sa nu existau, iar femeia înfățișată în imagine așteaptă în mod clar adăugarea unei familii, iar Margarita van Eyck (sora artistului) la 30 iunie 1434 a născut un fiu.
Deci cine este eroul imaginii? Sau este într-adevăr o scenă de familie și nu un portret personalizat? Întrebarea este încă deschisă...
Van Eyck îi prezintă privitorului intimitate oameni care arată frumusețe viata de zi cu zi. Făcând acest lucru, el a deschis noi posibilități realiste de artă plastică, care au fost realizate pe deplin abia în secolul al XVII-lea, când au fost create multe picturi similare în Olanda.
Această cea mai mare creație a artistului, ca și „Primăvara” lui, de mai bine de trei sute de ani a fost în profundă uitare în vila liniștită din Castello din vecinătatea Florenței. Tabloul a fost remarcat abia la mijlocul secolului trecut, când pictorii prerafaeliți Milles și Rossetti au redescoperit Botticelli ca unul dintre cele mai rare talente ale Italiei în secolul al XV-lea.
Nașterea lui Venus a fost scrisă pentru Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, vărul lui Lorenzo Magnificul și cel mai important patron al lui Botticelli. Florența, unde artistul și-a petrecut cea mai mare parte a vieții, a fost condusă de puternica familie Medici. Intriga imaginii este legată de cultura curții lui Lorenzo Medici, impregnată de filozofia neoplatonismului. De această dată a strofelor lui Poliziano și a sonetele lui Lorenzo Magnificul, timpul turneelor și procesiunilor de carnaval a fost perioada de glorie a lui Botticelli.
În Nașterea, Sandro Botticelli a descris imaginea Afroditei Urania - Venus cerească, fiica lui Uranus, născută din mare fără mamă. Poza surprinde nu atât nașterea în sine, cât momentul care a urmat când, mânată de suflarea geniilor aerului, Venus ajunge la țărmul promis. Frumusețea figurii goale este încoronată de nimfa Ora, care este întruchiparea naturii, ea este gata să o acopere cu o mantie. Ora este unul dintre cei trei Munți, nimfele anotimpurilor. Acest Munte, judecând după florile care îi acoperă hainele, patronează acel moment al anului în care puterea lui Venus atinge apogeul. Poate că această imagine a artistei a fost inspirată de unul dintre imnurile homerice, care descrie modul în care Zephyr, zeul vântului de vest, a adus-o pe Venus pe insula Cipru, unde Munții au acceptat-o.
Potrivit cercului lui Lorenzo Medici, Venus, zeița iubirii, este și zeița umanității. Ea este cea care îi învață pe oameni rațiunea, curajul, este mama Armoniei, născută din unirea materiei și spiritului, naturii și ideilor, dragostei și sufletului.
Cea mai faimoasă pictură din lume, Mona Lisa, de Leonardo da Vinci, se află la Luvru.
Mona Lisa a fost creată între 1503 și 1506 și finalizată în 1510. Încă nu este clar cine a pozat exact pentru marele maestru. Artistul a primit o comandă pentru pictura de la Francesco del Giocondo, un comerciant de mătase florentin, iar majoritatea istoricilor și istoricilor de artă cred că portretul o înfățișează pe Lisa Gherardini, soția lui Giocondo, care a comandat portretul în cinstea nașterii celui de-al doilea fiu al lor, care s-a născut în decembrie 1502. Cu toate acestea, timp de 500 de ani, disputele nu s-au atenuat cu privire la cine este reprezentat cu adevărat în acest tablou faimos.
Cuvântul „Mona” este cel mai probabil o formă prescurtată a „monna” sau „mia donna”, adică „milady” sau „madame”. În franceză se numește „La Joconde”, iar în italiană - „La Gioconda” (vesel), dar acesta este doar un joc de cuvinte, o coincidență cu numele celui care a servit drept prototip al imaginii.
Portretul este un exemplu excelent al tehnicii preferate a lui Leonard, așa-numitul sfumato - „clarobscur fumuriu”, o jumătate de lumină blândă, cu o gamă moale de tonuri care par a fi ușor mânjite și trece lină de la unul la altul. În același timp, Leonardo marchează colțurile gurii și ale ochilor cu atâta precizie și grație încât imaginea capătă o calitate cu adevărat fantastică.
Unii cercetători susțin că imaginea este un autoportret al lui Leonardo însuși, care a dat aspectului său trăsături feminine sau chiar trăsături ale unui hermafrodit. Și într-adevăr, dacă imaginea de Mona Lisa pentru a îndepărta părul, veți obține o față ciudată fără sex. Această ipoteză a fost confirmată de munca depusă de cercetători independenți - Lillian Schwartz de la laboratorul Bell Labs și Digby Quest de la clinica Maudsley din Londra, care au confirmat ipoteza că Leonardo s-ar putea portretiza pe sine în imaginea Monei Lisei. Cercetătorii au comparat folosind special programe de calculator„Mona Lisa” și un autoportret al lui Leonardo, realizat când acesta era deja la o vârstă venerabilă. Rezultatul este uimitor. „Mona Lisa” s-a dovedit a fi aproape o imagine în oglindă a chipului marelui maestru. Aproape toate trăsăturile feței se potriveau perfect, inclusiv vârful nasului, buzele și ochii.
În 1911, Mona Lisa a fost furată de la Luvru de italianul Vincenzo Perugia, care lucra ca tâmplar în muzeu. Pur și simplu a scos pictura din galerie, ascunzând-o sub haine. Celebrul tablou a fost găsit abia în 1913, când răpitorul a încercat să-l vândă unui anume colecționar. Înainte de aceasta, capodopera lui Leonardo a fost păstrată într-o valiză cu fund dublu. Atacatorul a explicat ce a făcut spunând că dorește să returneze în Italia un tablou care fusese exportat ilegal de Napoleon Bonaparte.
De la marii artiști ai lui Robert Cumming:
„Cunoscută în mod obișnuit ca „Venus de la Dresda”, această pictură a fost extrem de originală, de neegalat în arta antichității clasice. Lucrarea demonstrează interesul artistului pentru un nou ideal de frumos, în care starea de spirit poetică prevalează asupra conținutului rațional.
Acest nud înclinat a devenit una dintre cele mai populare imagini ale picturii europene. Giorgione înfățișează o siluetă care doarme sub un copac cu ochii închiși, cufundată în vise și fără să știe că este urmărită. Aproape toate variațiile ulterioare pe această temă o înfățișează trează. În special, Manet în „Olympia” a descris „Venus” oferind servicii sexuale.
Nuanțele moi și formele rotunjite ale lui Venus vorbesc despre influența lui Leonardo da Vinci, care se vede și în soluția pliurilor draperiilor. „Dresden Venus” a fost scrisă într-un deceniu în „Mona Lisa” – și ambele au dat naștere imediat la multe copii și imitații.
Clab-obscurul redat cu pricepere și evidențierea draperiilor de lux demonstrează măiestria lui Giorgione asupra tehnicilor de pictură în ulei.
Contururile netede ale corpului sporesc senzația de somn profund și, parcă, te invită să mângâi silueta cu ochii.
Natura erotică a imaginii indică faptul că pictura a fost comandată pentru un dormitor privat.
Razele X și înregistrările restauratorilor din secolul al XIX-lea indică faptul că Giorgione a descris inițial (sau urma să înfățișeze) figura lui Cupidon pe partea dreaptă a pânzei.
Potrivit zvonurilor, Giorgione nu a avut timp să termine pictura în timpul vieții și este general acceptat că ordinul de finalizare a peisajului i-a fost dat lui Titian. Peisajul „stratificat” și dealurile albastre de la orizont sunt caracteristice stilului timpuriu al lui Tițian. Moartea prematură a unui rival a contribuit la ascensiunea stelei lui Titian”.
I. Bosch s-a dovedit a fi un artist foarte dificil, chiar și acum nu există un punct de vedere stabilit cu privire la interpretarea intrigilor și a imaginilor individuale ale picturilor sale.
Pentru artiștii medievali (precum și pentru privitorii lor), toate obiectele și fenomenele au avut sens simbolic, fiecare articol a primit interpretarea sa simbolică bazată pe textele Bibliei. Deci, de exemplu, pe baza frazei: „Cuvântul lui Dumnezeu este puternic ca un leu”, leul a fost considerat un simbol al atotputerniciei credinței creștine, deoarece figurile de lei împodobesc portalurile multor catedrale romanice din Franța. , iar în Italia, sculptorii din secolele XIII-XIV au așezat lei la poalele amvonurilor bisericilor . Opera lui Bosch, poate, este dificilă și de percepție directă în timpul nostru, deoarece artistul, pe lângă simbolurile medievale tradiționale (cunoscute de toată lumea), a folosit și alte simboluri - mai puțin studiate și greu de descifrat.
Limbajul artistic al lui Bosch nu s-a încadrat niciodată în întregime în interpretările simbolice medievale. Artistul folosea adesea anumite simboluri într-un sens opus celui general acceptat și, de asemenea, a inventat noi simboluri. Poate de aceea a fost numit „scriitorul de science-fiction sumbru”, „profesor onorific de coșmaruri”, dar suprarealiştii moderni și-au văzut în Bosch tatăl spiritual și precursorul lor. Iată o astfel de scenă. Un cuplu iubitor s-a izolat într-o bulă transparentă. Puțin mai sus, un tânăr îmbrățișează o bufniță uriașă, în dreapta bulei din mijlocul bazinului, în apă, un alt bărbat stă pe cap, cu picioarele larg depărtate, între care păsările și-au făcut un cuib. Nu departe de el, un tânăr, aplecat cu iubita lui dintr-un măr roz gol, hrănește un ciorchine monstruos de struguri oamenilor care stau până la gât în apă. Aceasta este „Grădina deliciilor pământești” - una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Hieronymus Bosch.
Hieronymus Bosch și-a creat tripticul „Grădina deliciilor pământești” sau „Grădina desfătărilor” (este adesea numită cea mai „opera Bosch”) în 1503, iar în el s-a manifestat pe deplin viziunea sa deosebită asupra lumii. Titlul picturii este dat în literaturii contemporane, iar în a doua jumătate a secolului al XVI-lea, când a intrat în stăpânirea regelui Filip al II-lea, a fost numită „Diversitatea lumii”, în secolul al XVII-lea avea numele „Deşertăciunea şi Gloria”.
Paradisul este înfățișat în partea stângă a acestui triptic, Iadul este înfățișat în partea dreaptă și o imagine a existenței pământești a fost plasată între ei. Partea stângă Grădina Deliciilor înfățișează scena Creației Evei, iar Paradisul însuși strălucește și strălucește cu culori strălucitoare și strălucitoare. Pe fundalul unui peisaj fantastic al Paradisului. plin de o varietate de animale și plante, maestrul îl arată pe Adam Adam care se trezește, care tocmai s-a trezit, se ridică de la pământ și o privește uimit la Eva, pe care i-o arată Dumnezeu. Cunoscutul istoric de artă C. de Tolnay notează că privirea surprinsă pe care o aruncă Adam primei femei este deja un pas pe calea păcatului. Iar Eva, extrasă din coasta lui Adam, nu este doar o femeie, ci și un instrument de seducție. Contradicția dintre un bărbat calm și fără păcat și o femeie care poartă semințele păcatului în sine este reprodusă în natura din jurul lor. O palmier pipernicit care crește pe o stâncă portocalie misterioasă este în diagonală opusă unei palme înflorite. Mai multe incidente aruncă o umbră întunecată viață liniștită animale: un leu devorează o căprioară, un mistreț urmărește o fiară misterioasă. Și deasupra tuturor se ridică Sursa Vieții, un hibrid între o plantă și o stâncă de marmură, o structură gotică înaltă așezată pe pietrele albastre închise ale unei mici insule. În vârful ei există încă o semilună abia vizibilă, dar deja din interior iese, ca un vierme, o bufniță - un mesager al nenorocirii.
Partea centrală a tripticului - însuși „Grădina deliciilor pământești” - înfățișează un peisaj grandios acoperit cu figuri goale de bărbați și femei. Animale de proporții nenaturale, păsări, pești, fluturi, alge, flori uriașe și fructe ies în evidență în alcătuirea „Grădinii deliciilor pământești”.trei cadre: în prim plan sunt prezentate „diverse bucurii”, a doua este ocupată de o cavalcadă de numeroși călăreți care călăresc diverse animale, a treia (cel mai îndepărtat) este încununată cu un cer albastru. , unde oamenii zboară pe pești înaripați și cu ajutorul propriilor aripi S-ar părea că pe fundal nimic nu poate fi mai cast decât un astfel de peisaj jocuri de dragoste Dar, la fel ca psihanaliza (psihiatrul R. Khaikin chiar a sugerat o analiză psihopatologică a operei lui I. Bosch), cărțile de vis de atunci dezvăluie adevărata semnificație a acestor plăceri pământești: cireșe, căpșuni, căpșuni și struguri, mâncate cu atâta bucurie de către oamenii, simbolizează sexualitatea păcătoasă lipsită de lumina iubirii divine; barca-măr în care se retrag îndrăgostiții are forma unui sân de femeie; păsările devin personificarea poftei și a desfrânării, peștele este un simbol al poftei neliniștite, coaja este principiul feminin.
În partea de jos a imaginii, un tânăr a îmbrățișat o căpșună uriașă. Sensul acestei imagini ne va deveni clar dacă ne amintim că în arta vest-europeană căpșunile au servit ca simbol al purității și virginității. Scena cu un ciorchine de struguri în bazin este un sacrament, iar un pelican uriaș, ridicând o cireșă (un simbol al senzualității) pe ciocul său lung, tachinează oamenii care stau în bobocul unei flori fantastice cu ea. simbolizează iubirea față de aproapele. Artistul conferă adesea simbolurilor artei creștine un sunet senzual concret, reducându-le la planul material și corporal.
Hieronymus Bosch creează o lume uimitoare de dorințe efemere și plăceri senzuale: aloe sapă în carnea goală, coralul strânge ferm corpurile, coaja se închide și transformă cuplul de dragoste în captivi. În Turnul Adulterului, care se ridică din Lacul Poftei și ai cărui pereți galben-portocalii scânteie ca cristalul, soții înșelați dorm printre coarne. Sfera de sticlă de culoarea oțelului în care îndrăgostiții se răsfăț la mângâieri este surmontată de o coroană în formă de semilună și coarne de marmură roz. Sfera și clopotul de sticlă care îi adăpostește pe cei trei păcătoși ilustrează proverbul olandez. „Fericirea și paharul – cât de scurte sunt!” Și ele sunt, de asemenea, simboluri ale naturii eretice a păcatului și ale pericolelor pe care acesta le aduce lumii.
Aripa dreaptă a tripticului - Iadul - este întunecată, mohorâtă, tulburătoare, cu sclipiri separate de lumină străpungând întunericul nopții și cu păcătoși care sunt chinuiți de vreun uriaș. instrumente muzicale. În centrul Iadului se află o figură uriașă a lui Satan, acesta este un fel de „ghid” prin Iad – principalul „povestitor” cu o față palidă de moarte și un zâmbet ironic pe buze subțiri. Picioarele sale sunt trunchiuri goale de copac și se sprijină pe două nave. Trupul lui Satan este o coajă de ou deschisă, pe marginea pălăriei sale, demonii și vrăjitoarea fie umblă, fie dansează cu sufletele păcătoase... Sau conduc oamenii vinovați de un păcat nefiresc în jurul unei cimpoi uriașe (un simbol al principiului masculin). stăpânitorul Iadului, pedeapsa apare păcatele: au răstignit un păcătos, străpungându-l cu coarde de harpe; lângă el, un demon cu trupul roșu conduce o repetiție a unei orchestre infernale din note scrise pe fesele altui păcătos. Un demon stă pe un scaun înalt, pedepsind pe lacomi și pe lacomi. Și-a pus picioarele în ulcioare de bere și i se pune o pălărie melon pe capul păsării. Și pedepsește pe păcătoși devorându-i.
Poarta Iadului reprezintă a treia etapă a căderii, când pământul însuși s-a transformat în iad. Elementele care slujeau înainte păcatului au devenit acum instrumente de pedeapsă. Aceste himere ale conștiinței proaste au toate semnificațiile specifice simbolurilor sexuale ale viselor. Iepurele (în imagine depășește dimensiunea unei persoane) în creștinism era un simbol al nemuririi sufletului. La Bosch, el cântă la corn și coboară capul păcătosului în focul infernal. Urechile uriașe servesc ca un semn de nenorocire. O cheie uriașă, atașată de ax de către un călugăr, trădează dorința de căsătorie a acestuia din urmă, care este interzisă membrilor clerului. În interiorul monstrului se află o tavernă, peste care flutură un banner - aceeași cimpoi. La o oarecare distanță, un bărbat stă într-o stare de melancolie, aplecat peste haos. Dacă vedeți în ea trăsăturile lui Hieronymus Bosch însuși, atunci întreaga imagine poate apărea în fața privitorului într-o lumină diferită: artistul însuși a inventat acest coșmar, toate aceste agonie și chin sunt comise în sufletul său. Unii istorici de artă insistă asupra acestui lucru, de exemplu, Charles de Tolnay, deja menționat. Cu toate acestea, Bosch era o persoană profund religioasă și nici nu se putea gândi să se plaseze în Iad. Cel mai probabil, artistul ar trebui căutat printre acele imagini care poartă Lumină și Bunătate în picturile sale, nu fără motiv a aparținut Frăției Fecioarei.
Pentru contemporanii noștri, acțiunile personajelor din Grădina deliciilor sunt în mare măsură de neînțeles, dar pentru contemporanii lui Bosch (așa cum am menționat deja mai sus), acestea au fost pline de semnificație simbolică profundă. Picturile sale (inclusiv Grădina deliciilor pământești) sperie deseori privitorul cu compatibilitatea nefirească dintre oameni și animale, vii și morți într-un singur personaj și, în același timp, pot distra. Personajele sale sunt asemănătoare cu imaginile de coșmar ale Apocalipsei și, în același timp - cu dracii veseli ai carnavalului. Cu toate acestea, cu toate multele interpretări ale semnificației Grădinii Pământului, niciuna dintre ele nu poate
acoperiți complet toate imaginile imaginii.
Acest retablo este ultima dintre principalele lucrări ale lui Rafael despre subiectul său preferat. Chiar și în perioada timpurie a creativității, a apelat la imaginea Madonei cu Pruncul, căutând de fiecare dată o nouă abordare. Natura predominantă a geniului lui Rafael s-a exprimat în dorința de divinitate, de transformare a pământului, umanului în etern, divin.
Se pare că cortina tocmai s-a despărțit și o viziune cerească s-a deschis în ochii credincioșilor - Fecioara Maria mergând pe un nor cu Pruncul Iisus în brațe. Madona se agață cu încredere de Isus ei într-un mod matern, cu grijă și cu grijă. Geniul lui Rafael părea să fi închis pruncul divin într-un cerc magic format din mâna stângă a Madonei, vălul ei care cădea și mâna dreaptă a lui Isus. Privirea ei, îndreptată către privitor, este plină de o previziune tulburătoare. soartă tragică fiul. Chipul Madonei este întruchiparea idealului antic de frumusețe combinat cu spiritualitatea idealului creștin.
Papa Sixtus al II-lea, martirizat în 258 d.Hr și numărat printre sfinți, îi cere Mariei mijlocire pentru toți cei care se roagă ei în fața altarului. Poza Sfintei Barbara, chipul și ochii coborâți exprimă smerenie și reverență. În adâncurile imaginii, în fundal, abia distinse într-o ceață aurie, chipurile îngerilor sunt vag ghicite, sporind atmosfera sublimă de ansamblu. Ochii și gesturile celor doi îngeri din prim plan sunt îndreptate spre Madona. Prezența acestor băieți înaripați, care amintesc mai mult de cupidonii mitologici, conferă pânzei o căldură și umanitate aparte.
„Madona Sixtina” a fost comandată de Rafael în 1512 ca altar pentru capela mănăstirii Sfântul Sixtus din Piacenza. Papa Iulius al II-lea, pe atunci încă cardinal, a strâns fonduri pentru construirea unei capele în care se păstrau moaștele Sf. Sixtus și Sf. Barbara.
În Rusia, mai ales în prima jumătate a secolului al XIX-lea, „Madona Sixtina” a lui Rafael a fost foarte venerată, ei îi sunt dedicate linii entuziaste ale unor scriitori și critici atât de diferiți precum V. A. Jukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev. Belinsky i-a scris din Dresda lui V.P. Botkin, împărtășindu-i impresiile despre „Madona Sixtina”: „Ce noblețe, ce grație a pensulei! Nu poți să te uiți! Mi-am amintit involuntar de Pușkin: aceeași noblețe, aceeași grație a expresiei, cu aceeași severitate a conturului! Nu e de mirare că Pușkin l-a iubit atât de mult pe Rafael: este înrudit cu el prin fire. Doi mari scriitori ruși, L. N. Tolstoi și F. M. Dostoievski, aveau în birourile lor reproduceri ale Madonei Sixtine. Soția lui F. M. Dostoievski a scris în jurnalul ei: „Fiodor Mihailovici a pus lucrările lui Rafael mai presus de orice altceva în pictură și a recunoscut-o pe Madona Sixtină ca fiind cea mai înaltă lucrare a sa”.
Carlo Maratti și-a exprimat surprinderea față de Rafael în felul acesta: „Dacă mi-ar arăta o poză cu Rafael și nu aș ști nimic despre el, dacă mi-ar spune că aceasta este creația unui înger, aș crede.”
Mintea mare a lui Goethe nu numai că l-a apreciat pe Rafael, dar l-a și găsit expresie potrivită pentru evaluarea sa: „El a creat întotdeauna ceea ce alții doar visau să creeze”.
Acest lucru este adevărat, pentru că Rafael a întruchipat în lucrările sale nu doar dorința unui ideal, ci chiar idealul disponibil unui muritor.
Din cartea „100 de poze grozave” de Ionina N.A.:
Augsburg, unde la acea vreme s-a adunat întreaga curte spaniolă și mulți prinți germani. La Augsburg, Tizian a pictat un uriaș portret ecvestru al lui Carol al V-lea în dimineața dinaintea bătăliei în care monarhul a câștigat una dintre cele mai strălucitoare victorii ale sale. Acest portret i-a frapat pe contemporanii lui Tizian prin neașteptarea lui: era ciudat să-l vezi pe împărat - un diplomat subtil de fotoliu și melancolic - sub forma unui cavaler și a unui erou cu sulița în mână, cu viziera ridicată, galopând singuratic printre câmpuri. . Dar aceasta a fost voința monarhului.
La bătălia de la Mühlberg, acest fanatic al catolicismului părea mânat de un fel de extaz: nu a condus bătălia de la distanță, stând într-o targă sub protecția fortificațiilor. S-a repezit înaintea trupelor sale pentru a ataca și chiar a traversat vadul periculos al Elbei, târându-și colonii cu el. Această zi memorabilă și singura faptă eroică a împăratului trebuia să fie imortalizată de Titian. Portretul nu îl înfățișează pe Carol al V-lea sumbru, tăcut și bolnav, așa cum se spune despre el în narațiunile contemporanilor săi. Acesta nu este Karl, care a fost înfățișat de același Tițian într-un portret aflat acum în Pinakothek din München. Aceasta nu este o ruină mizerabilă, nici un viclean viclean, nici un trist „conducător al universului”, nu fiul nebunului Ioana și al magnificului Filip ... Acesta este nepotul „ultimului cavaler” - Maximilian și, prin urmare, Tițian înfățișat în portret un bliț separat, și nu un întreg personaj psihologic.
A fost izbitoare și cea mai îndrăzneață dintre toate lucrările lui Tițian. În ceața roșiatică a unei dimineți de primăvară, singur pe o câmpie întinsă care se întinde până la dealurile Elbei, împăratul, îmbrăcat în oțel gonit și aurit, cu un blocaj înălțat deasupra unui chip palid și hotărât, iese în galop din pădure cu un sulița cu fața în față. Cât de impresionant și maiestuos arată călărețul! Dar cât de îngrozitor de singur este în acest domeniu. Și unde s-a repezit pe un cal cavalabil frumos. Comanda popoarelor, pedepsirea recalcitranților cu foc și sabie, doborând armate de trupe asupra inamicilor, un om al cărui gest chiar și leneș ar putea ridica sau distruge - este înfățișat în portret obosit și singur.
Spectatorul își privește chipul caracteristic, voinic, cu bărbia ascuțită proeminentă, și deodată distinge limpede în privirea împăratului o tristețe difuză, un fel de oboseală interioară, care se transmit întregii sale siluete și par chiar și în mersul măsurat al lui. un cal. Apariția lui dă impresia unui spirit rău, iar această viziune ia prin surprindere și sperie. Până și culorile portretului conțin ceva sinistru, militant. În fața lui Carol al V-lea, se vede ceva groaznic, „fantomă”: unul pe câmp, unul în lume, unul cu sufletul zdrobit. Așa l-a înțeles și l-a portretizat Tițian pe împărat. Poate că el însuși încă nu și-a dat seama de marea sa oboseală, iar artistul i-a arătat propriul suflet - fără înfrumusețare.
Titian în acest portret nu a lăsat să se dezvolte pasiunea sa, sfera sa de solemnitate, ci s-a îngăduit în limitele cerințelor clientului, tratând sarcina cu o răceală rară pentru el însuși. Poate de aceea unii cercetători notează atât în portret, cât și în ipostaza împăratului o oarecare nefiresc, ca pe manechinele din arsenalul de arme vechi. Dar pătrunderea psihologică a lui Titian a atins cea mai înaltă limită în acest portret. Prin încredere tehnici artistice acest portret este izbitor, prin expresia caracterului și spiritului epocii - nimic nu se poate compara cu el. Se pare că însăși Clio, muza Istoriei, a condus mâna artistului în acele vremuri.
Perseus - în Mitologia greacă fiul lui Danae, care a suferit de Jupiter când s-a transformat într-un curent de ploaie aurie. Faptele sale eroice au inclus tăierea capului pe Medusa, una dintre Gorgonele cu păr de șarpe, și salvarea frumoasei Andromeda de la un monstru marin. ultimul subiect- o legendă comună non-nativă. Perseus este descris fie ca un erou tipic al antichității clasice, fie ca un războinic în armură. El ține în mână o sabie rotunjită - un cadou de la Mercur - și un scut strălucitor dat de Minerva, protectorul său.
Ovidiu, în Metamorfozele sale, povestește cum Andromeda, fiica unui rege etiopian, a fost înlănțuită de o stâncă de pe mal ca sacrificiu pentru un monstru marin. Perseus, zburând pe cer, s-a îndrăgostit de ea la prima vedere. S-a repezit la timp, a ucis monstrul și a eliberat-o pe Andromeda. Imaginea „Perseus și Andromeda” creată de Rubens într-un moment în care munca sa era deosebit de emoționantă și veselă. Prin perfecțiunea picturii și înalta pricepere a execuției, această lucrare este una dintre capodoperele artistului. Și aici pentru Rubens principalul rămâne pentru ce omul se naște: lupta, victorie si iubire.
Rubens nu era interesat de isprava lui Perseus în sine, nu de luptă și rezistență, ci de jubilare față de victoria deja realizată, când s-au auzit strigăte de bucurie de pe mal și toată lumea l-a lăudat pe puternicul erou. În această imagine, Perseu apare ca un triumfător, zeița înaripată Victoria (Gloria) cu o ramură de palmier și o coroană de laur în mâinile ei încununează câștigătoarea. Apoteoza lui Perseu devine triumful vieții, nemai umbrită de nimic, frumoasă și veselă. Iar Rubens rezolvă această sarcină artistică cu atâta completitudine, cu o putere atât de captivantă, pe care până acum a întâlnit-o cu greu. Dinamica internă intensă a fiecărei linii, a fiecărei forme, ritmul lor de creștere ajung aici la o expresivitate excepțională. O forță irezistibilă, izbucnind ca un vârtej, de undeva din afară, dă întregii compoziții și mișcărilor învolburate, ca într-un vârtej, o singură direcție.
S.M. Sandomirsky
Robert Wallace în carte Lumea lui Leonardo, M., 1997 scrie: „Din cele două probleme cu care s-au confruntat autorii Cina cea de taină timp de secole, Leonardo a rezolvat problema identificării lui Iuda cu cea mai mare ușurință. L-a așezat pe Iuda pe aceeași parte a mesei cu toți ceilalți, dar l-a separat psihologic de ceilalți cu o singurătate care este mult mai albă zdrobitoare decât simpla separare fizică. Sumbru și concentrat, Iuda s-a retras de la Hristos. Pe el, parcă, un sigiliu vechi de vinovăție și singurătate.
Iuda stă cu toată lumea, ca un apostol în rândul apostolilor. Hristos este singur, de aceea este trist, dar cine este cel mai puțin singur este Iuda. De aici puterea lui încrezătoare. Și nu este vinovat, pentru că conversația din imagine nu este despre trădare, ci despre salvarea sufletelor oamenilor care sunt cel mai puțin preocupați de acest lucru.
Luați în considerare apostolii, deși după cele spuse nu mai hotărăsc nimic.
12 11 10 9 8 7 Hristos 1 2 3 4 5 6
Bartolomeu Ioan Toma Filip Matei
Petru Iacob Simeon
Iuda
1.Foma în prag pe un fundal deschis. Mâna dreaptă este comprimată, degetul arătător în sus: „Dumnezeu nu va îngădui o astfel de crimă”.
2. Iacov privește cu groază sângele noului legământ care țâșnește din încheietura mâinii lui. Brațele și mâinile larg răspândite rețin cuvintele lui Hristos și încearcă să-i protejeze pe cei din spatele lui.
3. Philip își apasă degetele la piept și în fața unei cereri: „Ai încredere în mine, este imposibil din partea mea”.
4. Ambele mâini acceptă cuvintele lui Hristos și cu o privire îl întreabă pe a 6-a: „Este posibil ce spune el?”.
5. Simeon acceptă cuvintele lui Hristos cu palma dreaptă și întreabă pe 6.
6. Matei, ambele palme sunt îndreptate către Hristos, - își întoarce cuvintele: „Este imposibil!”
7. Ioan. Degetele sunt strânse și zac pe masă, dând dovadă de angoasă, slăbiciune. S-a rotit brusc spre stânga, cu ochii închiși. Capul se sprijină neputincios pe umăr.
8. Petru. Mâna stângă acceptă cuvintele lui Hristos și îl liniștește pe al 7-lea. În mâna lui dreaptă este un cuțit - este gata să-l omoare pe trădător.
9. Iuda: putere scăzută stabilă, neprihănire de sine, determinare, energie.
10. Palmele ridicate la nivelul pieptului: „Cine este trădătorul?” Privirea îi miji la cuțit.
11. Mana dreapta pe umărul zilei de 10: este de acord cu el. Ea acceptă cuvintele lui Hristos.
12. Bartolomeu s-a ridicat hotărât și este gata să acționeze.
În general, grupul potrivit de apostoli nu permite trădarea; cel stâng admite o asemenea posibilitate şi este hotărât să-l pedepsească pe trădător.
În cât de mult s-a legănat Ioan spre stânga, eliberând complet fereastra – lumina adevărului lui Hristos, iar Toma, fiind în fereastră la nivelul lui Hristos, dar bizuindu-se nu pe sine, ci pe Dumnezeu; cum s-a aruncat al 2-lea apostol la dreapta, cum restul ucenicilor s-au amestecat, s-au încurcat, s-au agitat mărunt, dau gândul lui Leonardo da Vinci că ideile de jertfă și mântuire, poruncile noului testament al lui Hristos prin apostolii - acești oameni slabi - nu vor fi împliniți și jertfa lui va fi în zadar. Acesta este motivul descurajării lui Hristos. Mai mult decât atât, artistul însuși aduce un omagiu înaltei aspirații și sacrificiului Dumnezeului pământesc.
