A kezembe akadt egy 100 híres embert ábrázoló, cím nélküli festmény. Természetes kíváncsiságból úgy döntöttem, kiderítem, kinek a képe és ki van rajta ábrázolva. Kiderült, hogy a képet három kínai művész – Dai Dudu, Li Tezzi és Zhang An – festette. Minden idők és népek 100 híres emberét ábrázolja. A jobb felső sarokban a művészek önmagukat ábrázolták. Az ínyencek még a híres bárány Dollyt is megtalálták a képen.
Mivel a képet kínaiak festették, természetesen van benne némi elfogultság a kínai történelem felé. De mégis érdekesnek és informatívnak bizonyult a személyiségek megértése.
Különféle oldalakon, angolul és oroszul is volt már szó erről a képről, de sehol nem találtam pontos dekódolást, hogy ki kicsoda a képen. Ezért meg merem ajánlani az én verziómat. Azokon a helyeken, ahol kétségeim voltak, kérdőjeleket tettem.
Ha valaki tudna tisztázni a kétséges pontokat, nagyon megköszönném. Az ókori görögökben összezavarodok, mind kopasz, szakállas, használnom kell azokat a célzásokat, amiket a művészek adnak a képen. A kínaiakról nem is beszélek... Igen, vannak még kérdések. Például Pavka Korcsaginnak miért van ferde szeme? Általában segítség.
A kép kattintható(első kattintás, tényleg, csökkenti azt, a második visszaállítja az eredeti méretét, és csak a harmadik duplázza meg - de ez az LJ motor sajátossága, nem tudok mit tenni).
1. Bill Gates
2. Arisztotelész (Szókratész?)
3. Cui Jian, a kínai rock alapítója
4. Lenin
5. Pele
6. Pavel Korcsagin
7. Audrey Hepburn
8. Beethoven
9. Hitler
10 Charlie Chaplin
11. Henry Ford
12. Lei Feng, népi hős Kína
13. Rudyard Kipling
14. Mussolini
15. Szaddám Huszein
16. Makszim Gorkij
17. Khubilai, a fővárost Pekingbe költöztető Dzsingisz kán unokája, vagy Guan Yu (?)
18. Ramszesz II
19. Bill Clinton
20. I. Péter
21. Margaret Thatcher
22. Charles de Gaulle
23. Szun Jat-szen (mellényben)
24. Teng Hsziao-ping (pólót visel)
25. Puskin (!!?????)
26. Sigmund Freud
27. Burres Skinner, amerikai pszichológus és író.
28. Mike Tyson
29. Putyin
30. Hans Christian Andersen (Lewis Carroll?)
31. Csang Kaj-sek (félfordulat)
32. Erzsébet királyné II(?)
33. Shirley templom
34. William Faulkner vagy Steinbeck vagy Lu Xun (?)
35. Franklin Delano Roosevelt
36. Ulysses Grant
37. Bruce Lee
38. Winston Churchill
39. Hemingway
40. Henri Matisse
41. Robert Oppenheimer
42. Elvis Presley
43. Joszif Sztálin
44. Platón
45. William Shakespeare
46. Wolfgang Amadeus Mozart
47. Marx Károly
48. Friedrich Nietzsche
49. Lev Tolsztoj
50. Albert Einstein
51. Li Bo - a Tang-dinasztia kínai költője (?)
52. Mao Ce-tung
53. Abraham Lincoln
54. Pablo Picasso
55. Steven Spiberg
56. Dzsingisz kán
57. Napóleon
58. Marie Curie (???)
59. Zhou Enlai
60. Che Guevara
61. Fidel Castro
62. A keresztapa - Don Corleone - Marlon Brando előadásában
63. Jasszer Arafat.
64. Goethe (?)
65. Laozi
66. Marilyn Monroe
67. Mózes
68. Konfuciusz
69. Corneliu Baba - román művész
70. Mahatma Gandhi
71. Julius Caesar
72. Claire Lee Chennault - altábornagy Az Egyesült Államok légiereje közben Második világháború Kínában a Flying Tigers légiszázad parancsnoka volt, amelyben amerikai önkéntesek harcoltak.
73. Salvador Dali
74. Luciano Pavarotti
75. Cixi császárné
76. Ariel Sharon
77. Michael Jordan
78. Michelangelo
79. Dwight Eisenhower (?)
80. Vincent van Gogh
81. Henri Toulouse-Lautrec
82. Masel Duchamp - művészetteoretikus, aki a dadaizmus és a szürrealizmus eredeténél állt
83. George W. Bush (Jr.)
84. Liu Xiang - kínai sportoló, az első kínai, aki megnyerte az olimpiai játékokat
85. Károly herceg
86. Kofi Annan, az Egyesült Nemzetek Szervezetének 7. főtitkára
87. Qi Baishi - kínai művész
88. Hideki Tojo japán politikus, katonai vezető és háborús bűnös, akit akasztás általi halálra ítéltek Japán második világháborús veresége után.
89. Qin Shi Huang - a Qin királyság uralkodója (246 óta időszámításunk előtt Kr. e.), amely véget vetett a hadviselő államok évszázados korszakának
90. Mihail Gorbacsov
91. Teréz anya
92. Kim Ir Szen - az észak-koreai állam alapítója és a marxizmus koreai változatának kidolgozója- Juche
93. Rabindranath Tagore
94. Démoszthenész
95. Otto von Bismarck
96. Zhang Yimou - kínai színész, rendező, producer, forgatókönyvíró (?)
97. Lee Sunsin - koreai haditengerészeti parancsnok (?)
98. Jean-Jacques Rousseau
99. Oszama bin Laden
100. Dante Alighieri
101. Li Tezzi (a kép egyik alkotója)
102. Zhang An (a kép egyik alkotója)
103. Dai Dudu (a kép egyik alkotója)
104. Dolly, a bárány – a világ első klónozott állata
100 nagyszerű festmény (1. rész)
A nagy vásznak mindig az idő tükrei, bármilyen összetett allegorikus formába öltöztetheti is őket a művész. Nem minden kép tiszta a néző számára első látásra, némelyik fokozott odafigyelést, elmélkedést, bizonyos felkészültséget, tudást igényel.
Weboldalunkon nem csak a világművészet leghíresebb alkotásairól szeretnénk beszélni, hanem lehetőséget biztosítani, hogy mindenki megrendelhesse kedvenc remekművének natúr vászonra készült minőségi reprodukcióját.
Jan van Eyck(1390-1441) a 15. század legnagyobb holland festőjének tartják, aki megalapozta az oltárfestészet realista hagyományát. Eredetileg egy Maas-parti holland kisvárosból származott, 1422-ben már tekintélyes mesterként Bajor János gróf szolgálatába állt, és 1424-ig részt vett a hágai grófi palota díszítésében. 1425-ben Van Eyck Lille-be költözött, ahol III. Jó Fülöp burgundi herceg udvari festője lett. A művészt nagyra értékelő herceg udvarában nemcsak festett, hanem számos diplomáciai küldetést is teljesített, többször utazott Spanyolországba és Portugáliába.
1431-ben Van Eyck Brugge-be költözött, ahol napjai végéig élt, udvari festőként és a város művészeként is dolgozott. A legtöbb hozzánk eljutott művet a mester írta a burgundi herceg szolgálatában.
Van Eyck egyik leghíresebb alkotása, az Arnolfinis portréja a Londoni Nemzeti Galéria gyűjteményében található. A két gazdag fiatal házasságkötési szertartását ábrázoló képen a művész több szimbólumnak is helyet talált - például az ifjú házasok lábánál elhelyezkedő kutyának, a hűség szimbólumának. A kompozíció mélyén, a falon lógó kerek tükörben két ember tükröződik – nyilván a házasság tanúi. Az egyikben a művész magát ábrázolta, ahogy a tükör feletti felirat is mondja. A művész teljes növekedésben adta elő az ifjú házasokat. A festő szeretettel ábrázolja az ifjú házasokat körülvevő dolgokat. Ezek a tárgyak sokat elárulnak tulajdonosaik életmódjáról, kiemelve polgári erényeiket - takarékosság, szerénység, rendszeretet.
A festmény fent leírt tartalma csak a leggyakoribb változat, de egyes kutatók számára egy másik vonzó: ez a művész önarcképe. Még 1934-ben az ismert osztrák művészetkritikus, Erwin Panofsky javasolta, hogy a festmény ne házasságot, hanem eljegyzést ábrázoljon. Emellett megállapították, hogy Giovanni Arnolfini és felesége nem létezett, és a képen látható nő egyértelműen a család gyarapodására vár, Margarita van Eyck (a művész nővére) pedig 1434. június 30-án szült. egy fiú.
Szóval ki a kép hőse? Vagy tényleg családi jelenet, és egyáltalán nem egyedi portré? A kérdés még nyitott...
Van Eyck bemutatja a nézőnek magánélet szépséget mutató emberek mindennapi élet. Ez új, reális lehetőségeket nyitott meg. vizuális művészetek, csak a 17. században valósult meg teljesen, amikor sok hasonló festmény született Hollandiában.
A művész e legnagyobb alkotása, akárcsak a "Tavasz", több mint háromszáz éven át mélyen a feledés homályába merült Castello csendes villájában, Firenze közelében. A képre csak a múlt század közepén figyeltek fel, amikor a preraffaelita festők, Milles és Rossetti újra felfedezték Botticellit, mint Olaszország egyik legritkább tehetségét a 15. században.
A Vénusz születését Lorenzo di Pierfrancesco de' Medicinek írták, aki Lorenzo the Magnificent unokatestvére és Botticelli legfontosabb pártfogója. Firenzét, ahol a művész élete nagy részét töltötte, a hatalmas Medici család uralta. A kép cselekménye Lorenzo Medici udvarának kultúrájához kapcsolódik, átitatva a neoplatonizmus filozófiájával. A Poliziano versszakok és Lorenzo the Magnificent szonettjei, a versenyek és a karneváli felvonulások ideje volt Botticelli virágkora.
A Születésben Sandro Botticelli Aphrodite Urania képét ábrázolta - a mennyei Vénuszt, Uránusz lányát, aki anya nélkül született a tengerből. A kép nem annyira magát a születést örökíti meg, hanem az azt követő pillanatot, amikor a levegő géniuszainak leheletétől hajtva a Vénusz eléri a megígért partot. A meztelen figura szépségét Ora nimfa koronázza meg, aki a természet megtestesítője, készen áll arra, hogy köpenybe borítsa. Ora egyike a három hegynek, az évszakok nimfáinak. Ez a hegy, a ruháit borító virágokból ítélve, pártfogolja az évnek azt az időszakát, amikor a Vénusz ereje eléri a csúcsát. Talán a művésznő képét az egyik homéroszi himnusz ihlette, amely leírja, hogy Zephyr, a nyugati szél istene hogyan vitte Vénuszt Ciprus szigetére, ahol a hegyek befogadták.
Lorenzo Medici köre szerint Vénusz, a szerelem istennője egyben az emberiség istennője is. Ő tanítja az embereket az észre, a vitézségre, ő a Harmónia anyja, aki az anyag és a szellem, a természet és az eszmék, a szeretet és a lélek egyesüléséből született.
A világ leghíresebb festménye, a Mona Lisa, Leonardo da Vinci a Louvre-ban látható.
A Mona Lisa 1503 és 1506 között készült, és 1510-ben készült el. Még mindig nem világos, hogy pontosan ki pózolt a nagy mesternek. A művész Francesco del Giocondo firenzei selyemkereskedőtől kapott megrendelést, és a legtöbb történész és művészettörténész úgy véli, hogy a portré Lisa Gherardinit, Giocondo feleségét ábrázolja, aki a portrét második fiuk születése tiszteletére rendelte. 1502 decemberében született. Mindazonáltal 500 éve nem csitulnak a viták arról, hogy valójában kit ábrázol ez a híres festmény.
A „Mona” szó valószínűleg a „monna” vagy „mia donna”, azaz „milady” vagy „madame” rövidített formája. Franciául "La Joconde"-nak, olaszul pedig "La Gioconda"-nak (vidám) hívják, de ez csak játék a szavakkal, egybeesés a kép prototípusaként szolgáló nevével.
A portré kiváló példája Leonard kedvenc technikájának, az úgynevezett sfumato - "füstös chiaroscuro" -nak, egy gyengéd félfénynek, lágy tónusválasztékkal, amely enyhén elkenődött és simán átmegy egyikből a másikba. Ugyanakkor Leonardo olyan pontosan és kecsesen jelöli meg a száj és a szem sarkait, hogy a kép valóban fantasztikus minőséget nyer.
Egyes kutatók azzal érvelnek, hogy a kép maga Leonardo önarcképe, aki nőies vagy akár hermafrodita vonásokat adott a megjelenésének. És valóban, ha a kép Mona Lisa, hogy távolítsa el a szőrt, akkor kap egy furcsa nemtelen arc. Ezt a hipotézist megerősítették független kutatók – Lillian Schwartz a Bell Labs laboratóriumától és Digby Quest a londoni Maudsley klinikától – végzett munkája, akik megerősítették azt a hipotézist, hogy Leonardo meg tudja magát ábrázolni Mona Lisa képében. A kutatók speciális használatával hasonlították össze számítógépes programok"Mona Lisa" és Leonardo önarcképe, amely akkor készült, amikor már tiszteletre méltó korban volt. Az eredmény elképesztő. A "Mona Lisa" szinte tükörképe a nagy mester arcának. Szinte minden arcvonás tökéletesen passzolt, beleértve az orrhegyet, az ajkakat és a szemeket is.
1911-ben az olasz Vincenzo Perugia ellopta a Louvre-ból a Mona Lisát, aki asztalosként dolgozott a múzeumban. Egyszerűen kivitte a festményt a galériából, a ruhája alá rejtve. A híres festményt csak 1913-ban találták meg, amikor az emberrabló megpróbálta eladni egy bizonyos gyűjtőnek. Ezt megelőzően Leonardo remekét egy dupla fenekű bőröndben tartották. A támadó azzal magyarázta tettét, hogy vissza akart küldeni Olaszországba egy festményt, amelyet Bonaparte Napóleon illegálisan exportált.
Robert Cumming nagy művészeiből:
"A „Drezdai Vénusz" néven közismert festmény rendkívül eredeti, a klasszikus ókor művészetében páratlan volt. Az alkotás a művész érdeklődését egy új szépségeszmény iránt mutatja, ahol a költői hangulat érvényesül a racionális tartalommal szemben.
Ez a fekvő akt az európai festészet egyik legnépszerűbb képe lett. Giorgione egy fa alatt alvó alakot ábrázol csukott szemmel, elmerülve az álmokban, és nem tudja, hogy figyelik. Szinte minden későbbi változat ebben a témában ébren ábrázolja. Konkrétan Manet az "Olympiájában" szexuális szolgáltatásokat kínáló "Vénuszt" ábrázolta.
A Vénusz lágy árnyalatai és lekerekített formái Leonardo da Vinci hatásáról beszélnek, ami a drapériák redőinek megoldásán is meglátszik. A "Drezdai Vénusz" egy évtized alatt íródott a "Mona Lisában" - és mindkettő azonnal számos másolatot és utánzást eredményezett.
Az ügyesen renderelt chiaroscuro és a fényűző drapériák kiemelései bemutatják Giorgione mesterségét az olajfestési technikák terén.
A test sima körvonalai fokozzák a mély alvás érzetét, és mintegy arra invitálnak, hogy szemeddel simogasd az alakot.
A kép erotikus jellege arra utal, hogy a festményt egy privát hálószobába rendelték.
A röntgenfelvételek és a 19. századi restaurátorok feljegyzései azt mutatják, hogy Giorgione eredetileg Ámor alakját ábrázolta (vagy ábrázolni akarta) a vászon jobb oldalán.
A pletykák szerint Giorgionének élete során nem volt ideje befejezni a festményt, és általánosan elfogadott tény, hogy a tájkép elkészítését Tizian kapta. Tizian korai stílusára jellemző a "réteges" táj és a láthatáron lévő kék dombok. Egy rivális idő előtti halála hozzájárult Tizian csillagának felemelkedéséhez."
I. Bosch nagyon nehéz művésznek bizonyult, festményeinek cselekményeinek és egyes képeinek értelmezésére még most sincs kialakult nézőpont.
A középkori művészek (és nézőik) számára minden tárgy és jelenség megvolt szimbolikus jelentése, minden tétel megkapta szimbolikus értelmezését a Biblia szövegei alapján. Így például a következő mondat alapján: „Isten Igéje erős, mint az oroszlán”, az oroszlánt a keresztény hit mindenhatóságának szimbólumának tekintették, mivel az oroszlánfigurák számos franciaországi román stílusú katedrális portálját díszítik. , Olaszországban pedig a 13-14. századi szobrászok oroszlánokat helyeztek el a templomi szószékek tövében. Bosch munkái talán korunkban is nehezen érzékelhetőek, mert a művész a hagyományos (mindenki által ismert) középkori szimbólumok mellett más – kevésbé tanulmányozott és nehezen megfejthető – szimbólumokat is használt.
Bosch művészi nyelve soha nem illeszkedett teljesen a középkori szimbolikus értelmezésekbe. A művész gyakran használt bizonyos szimbólumokat az általánosan elfogadotttól eltérő jelentésben, és új szimbólumokat is kitalált. Talán ezért is nevezték "komor tudományos-fantasztikus írónak", "a rémálmok tiszteletbeli professzorának", de a modern szürrealisták Boschban látták szellemi atyjukat és előfutárukat. Itt van egy ilyen jelenet. Egy szerető pár elzárkózott egy átlátszó buborékban. Kicsit feljebb egy fiatalember ölel át egy hatalmas baglyot, a medence közepén, a buboréktól jobbra, a vízben egy másik férfi áll a fején, széttárt lábakkal, amelyek közé a madarak fészket raktak. Nem messze tőle egy fiatal férfi, aki kedvesével kihajol egy rózsaszín üreges almából, szörnyű szőlőfürttel eteti a vízben nyakig álló embereket. Ez a "Földi örömök kertje" - Hieronymus Bosch egyik leghíresebb festménye.
Hieronymus Bosch 1503-ban készítette el "Földi gyönyörök kertje" vagy "Gyönyörök kertje" triptichonját (ezt szokták a leginkább "Bosch" műnek nevezni), és ebben teljes mértékben megnyilvánult sajátos világlátása. A festmény címe benne van kortárs irodalom, a 16. század második felében pedig II. Fülöp király birtokába kerülve „A világ sokszínűsége”, a 17. században „Hiúság és dicsőség” nevet viselte.
Ennek a triptichonnak a bal oldalán a Paradicsom, a jobb oldalon a Pokol látható, közéjük pedig a földi lét képe került. Bal oldal A Gyönyörök kertje Éva teremtésének jelenetét ábrázolja, maga a Paradicsom pedig ragyogó, csillogó színekben csillog és csillog. A Paradicsom fantasztikus tájának hátterében. tele van különféle állatokkal és növényekkel, a mester megmutatja az ébredező Ádám Ádámot, aki most ébredt fel, felemelkedik a földről, és csodálkozva néz Évára, akit Isten megmutat neki. Az ismert művészettörténész, C. de Tolnay megjegyzi, hogy az a meglepett pillantás, amit Ádám az első nőre vet, már egy lépés a bűn útján. Az Ádám bordájából kivont Éva pedig nemcsak nő, hanem a csábítás eszköze is. Az ellentmondás egy nyugodt és bűntelen férfi és egy nő között, aki magában hordozza a bűn csíráját, az őket körülvevő természetben újratermelődik. A titokzatos narancssárga sziklán termő satnya pálma átlósan szemben áll egy virágzó pálmával. Számos esemény vetett rá sötét árnyékot békés életállatok: az oroszlán felfal egy szarvast, egy vaddisznó egy titokzatos fenevadat üldöz. És mindezek fölött magasodik az Élet Forrása, egy növény és egy márványszikla hibridje, egy szárnyaló gótikus építmény, amely egy kis sziget sötétkék kövein áll. A legtetején még egy alig észrevehető félhold, de már belülről kikandikál, mint egy féreg, egy bagoly - a szerencsétlenség hírnöke.
A triptichon központi része - maga a "Földi gyönyörök kertje" - egy grandiózus tájat ábrázol, amelyet meztelen férfi- és nőalakokkal borítanak be. a "Földi Örömök Kertje" kompozíciója. három felvétel: az előtérben "különféle örömök" láthatók, a másodikat számos lovas kavalkádja foglalja el, akik különféle állatokon lovagolnak, a harmadikat (legtávolabbi) kék ég koronázza , ahol az emberek szárnyas halakon és saját szárnyaik segítségével repülnek Úgy tűnik, a háttérben semmi sem lehet szelídebb egy ilyen tájnál szerelmi játékok De a pszichoanalízishez hasonlóan (R. Khaikin pszichiáter még I. Bosch munkájának pszichopatológiai elemzését is javasolta), az akkori álomkönyvek felfedik e földi élvezetek valódi jelentését: cseresznye, eper, eper és szőlő, amelyeket olyan örömmel esznek emberek, a bűnös szexualitást szimbolizálják, amely nélkülözi az isteni szeretet fényét; az almahajó, amelyben a szerelmesek visszavonulnak, olyan, mint egy női mell; a madarak a vágy és a romlottság megszemélyesítőivé válnak, a hal a nyugtalan vágy szimbóluma, a héj a női princípium.
A kép alján egy fiatalember ölelt egy hatalmas epret. Ennek a képnek a jelentése világossá válik számunkra, ha emlékezünk arra, hogy a nyugat-európai művészetben az eper a tisztaság és a szüzesség szimbólumaként szolgált. A medencében egy szőlőfürtös jelenet szentség, és egy óriás pelikán, aki hosszú csőrére felkap egy cseresznyét (az érzékiség szimbólumát), ugratja vele az embereket, akik egy fantasztikus virág bimbójában ülnek.Maga a pelikán a felebarát iránti szeretetet jelképezi. A művész gyakran konkrét érzéki hangzást ad a keresztény művészet szimbólumainak, anyagi és testi síkra redukálva azokat.
Hieronymus Bosch a mulandó vágyak és az érzéki élvezetek elképesztő világát teremti meg: az aloe a meztelen húsba mélyed, a korall szilárdan markolja a testet, a kagyló becsapódik, és foglyaivá változtatja a szerelmespárt. A házasságtörés tornyában, amely a Vágy tavából emelkedik ki, és amelynek sárgás-narancssárga falai kristályként csillognak, megtévesztett férjek alszanak a szarvak között. Az acél színű üveggömböt, amelyben a szerelmesek simogatják, félholdkorona és rózsaszín márványszarvak teszik felül. A három bűnösnek menedéket adó gömb és üvegharang a holland közmondást illusztrálja. – Boldogság és pohár – milyen rövid életűek! És egyben a bűn eretnek természetének és a világra hozó veszélyeknek a szimbólumai is.
A triptichon jobb szárnya - Pokol - sötét, komor, nyugtalanító, külön fényvillanások ütik át az éjszaka sötétjét, és bűnösök, akiket valami óriás gyötör. hangszerek. A Pokol közepén a Sátán hatalmas alakja áll, ez egyfajta „kalauz” a pokolban – a fő „narrátor”, halálsápadt arccal, vékony ajkakon ironikus mosollyal. Lábai üreges fatörzsek, két hajón nyugszanak. A Sátán teste nyitott tojáshéj, kalapja karimáján démonok és boszorkányok vagy sétálnak, vagy táncolnak a bűnös lelkekkel... Vagy egy hatalmas duda (a férfias elv szimbóluma) köré vezetik a természetellenes bűnben elkövetett embereket. a pokol uralkodója, a bûnök bûnök: keresztre feszítettek egy bûnöst, átszúrták hárfahúrokkal; mellette egy vörös testű démon egy pokoli zenekar próbáját vezényli egy másik bűnös fenekére írt hangjegyekből. Egy démon ül egy etetőszékben, és megbünteti a falánkokat és falánkokat. Lábát söröskorsókba tette, madárfejére tányérkalapot tesznek. A bűnösöket pedig azzal bünteti, hogy felfalja őket.
A pokol kapuja a bukás harmadik szakaszát jelképezi, amikor maga a föld pokollá változott. A korábban bűnt szolgáló tárgyak mára a büntetés eszközeivé váltak. Ezek a rossz lelkiismeret kimérák az álmok szexuális szimbólumainak összes sajátos jelentésével rendelkeznek. A nyúl (a képen meghaladja az ember méretét) a kereszténységben a lélek halhatatlanságának szimbóluma volt. A Boschnál kürtöl, és leengedi a bûnös fejét a pokoltûzbe. Az óriási fülek a szerencsétlenség előjeleként szolgálnak. Egy hatalmas kulcs, amelyet egy szerzetes a tengelyre erősített, elárulja az utóbbi házassági vágyát, ami a papság tagjai számára tilos. A szörny belsejében egy kocsma található, amely fölött egy transzparens lobog - ugyanaz a duda. Bizonyos távolságban egy férfi ül melankolikus állapotban, és a káosz fölé hajol. Ha maga Hieronymus Bosch vonásait látja benne, akkor a teljes kép más megvilágításban jelenhet meg a néző előtt: a művész maga találta ki ezt a rémálmot, mindezek a kínok és kínok lelkében vannak lekötve. Egyes művészettörténészek ehhez ragaszkodnak, például a már említett Charles de Tolnay. Bosch azonban mélyen vallásos ember volt, és eszébe sem jutott, hogy a pokolba helyezze magát. Valószínűleg a Fényt és Jóságot hordozó képek között kell keresni a művészt, nem ok nélkül a Szűz Testvériséghez tartozott.
Kortársaink számára a Gyönyörök kertje szereplőinek cselekedetei nagyrészt érthetetlenek, de Bosch kortársai számára (ahogy fentebb már említettük) mély szimbolikus jelentéssel töltötték el őket. Festményei (köztük A földi gyönyörök kertje is) sokszor megijesztik a nézőt az ember és állat, élő és holt egy szereplőben való természetellenes összeegyeztethetőségével, ugyanakkor mulatságra is képesek. Karakterei hasonlítanak az Apokalipszis lidérces képeihez és egyben - a karnevál vidám ördögeihez. A Földi Örömök Kertje jelentésének sokféle értelmezésével azonban egyikük sem képes
teljesen lefedi a kép összes képét.
Ez az oltárkép Raphael kedvenc témájával foglalkozó fő művei közül az utolsó. Már a kreativitás korai szakaszában is a Madonna és a Gyermek képe felé fordult, minden alkalommal új megközelítést keresve. Raphael géniuszának uralkodó természete egy istenség utáni vágyban, a földi, az emberi örökkévalóvá, istenivé való átalakulásában fejeződött ki.
Úgy tűnik, a függöny éppen csak szétnyílt, és mennyei látomás tárult a hívők szeme elé - a felhőn sétáló Szűz Mária a kis Jézussal a karjában. A Madonna anyai módon, óvatosan, óvatosan, bizalmasan ragaszkodik Jézusához. Úgy tűnt, Raphael zsenije egy varázskörbe zárta az isteni babát, amelyet Madonna bal keze, lehulló fátyla és Jézus jobb keze alkotott. A nézőn keresztül irányított tekintete tele van nyugtalanító előrelátással. tragikus sors fiú. A Madonna arca az ősi szépségeszmény megtestesülése a keresztény eszmény szellemiségével kombinálva.
Sixtus pápa, i.sz. 258-ban mártírhalált halt és a szentek közé sorolják, Mária közbenjárását kéri mindazokért, akik az oltár előtt imádkoznak hozzá. Szent Borbála póza, arca és lesütött szeme alázatot és tiszteletet fejez ki. A kép mélyén, a háttérben, az arany ködben alig kivehető angyalarcok homályosan sejthetők, fokozva az általános fenséges atmoszférát. Az előtérben lévő két angyal szeme és gesztusai a Madonna felé irányulnak. Ezeknek a szárnyas fiúknak a jelenléte, amelyek inkább a mitológiai amorokra emlékeztetnek, különleges melegséget és emberséget kölcsönöz a vászonnak.
A "Sixtus Madonnát" Raphael rendelte meg 1512-ben a piacenzai Szent Sixtus kolostor kápolnájának oltárképének. II. Julius pápa, aki akkor még bíboros volt, pénzt gyűjtött egy kápolna építésére, ahol Szent Sixtus és Szent Borbála ereklyéit őrizték.
Oroszországban, különösen a 19. század első felében, Raphael "Sixtus Madonna" című művét nagyon tisztelték, olyan különböző írók és kritikusok lelkes sorait szentelték neki, mint V. A. Zsukovszkij, V. G. Belinszkij, N. P. Ogarev. Belinsky Drezdából írt V. P. Botkinnak, megosztva vele a „Sixtus Madonnával” kapcsolatos benyomásait: „Micsoda előkelőség, micsoda kefe! Nem nézhetsz! Önkéntelenül is eszembe jutott Puskin: ugyanaz a nemesség, ugyanaz a kifejezési kecsesség, ugyanolyan szigorú körvonalakkal! Nem csoda, hogy Puskin annyira szerette Raphaelt: természeténél fogva rokonságban áll vele. Két nagy orosz író, L. N. Tolsztoj és F. M. Dosztojevszkij a Sixtus Madonna reprodukcióit tartotta irodáiban. F. M. Dosztojevszkij felesége ezt írta naplójában: „Fjodor Mihajlovics Rafael műveit mindenek fölé helyezte a festészetben, és a Sixtusi Madonnát ismerte el legmagasabb alkotásaként.”
Carlo Maratti így fejezte ki meglepetését Raphaelről: "Ha megmutatnának egy képet Raphaelről, és nem tudnék róla semmit, ha azt mondanák, hogy ez egy angyal teremtménye, elhinném."
Goethe nagy elméje nemcsak méltányolta Raphaelt, hanem megtalálta is találó kifejezésértékeléséhez: "Mindig azt teremtette, amiről mások csak álmodoztak."
Ez igaz, mert Raphael munkáiban nemcsak az ideál utáni vágyat testesítette meg, hanem a halandó számára elérhető eszményt is.
Ionina N.A. "100 nagyszerű kép" című könyvéből:
Augsburg, ahol akkoriban az egész spanyol udvar és sok német herceg összegyűlt. Augsburgban Tizian hatalmas lovasportrét festett V. Károlyról azon a csata előtti reggelen, amelyben az uralkodó aratta egyik legragyogóbb győzelmét. Ez a portré váratlanságával hatotta meg Tizian kortársait: furcsa volt látni a császárt - finom foteldiplomatát és melankolikust - lovag és hős alakjában, lándzsával a kezében, felemelt szemellenzővel, magányosan vágtázva a mezők között. . De ez volt az uralkodó akarata.
A katolicizmusnak ezt a fanatikusát a mühlbergi csatában mintha valamiféle eksztázis hajtotta volna: nem távolról vezette a csatát, hordágyon ült az erődítmények védelme alatt. Csapatait megelőzve rohant támadni, és még az Elba veszélyes gázlóján is átkelt, magával rántva ezredeseit. Ezt az emlékezetes napot és a császár egyetlen hőstettét Tiziannak kellett volna megörökítenie. A portré nem a komor, hallgatag és beteg V. Károlyt ábrázolja, ahogyan kortársai elbeszéléseiben mondják róla. Ez nem Karl, akit ugyanaz a Tizian ábrázolt a müncheni Pinakothek portréján. Ez nem egy nyomorult rom, nem egy ravasz ravasz, nem egy szomorú „univerzum uralkodója”, nem az őrült Joanna és a csodálatos Philip fia ... Ez az „utolsó lovag” - Maximilian, tehát Tizian unokája. a portré egy külön villanást ábrázol, és nem egy teljes lélektani karaktert.
Feltűnő volt és a legmerészebb Tizian művei közül. Egy tavaszi reggel vöröses ködében, egyedül az Elba dombjaiig húzódó, hatalmas síkságon, a császár űzött és aranyozott acélba öltözve, sápadt és elszánt arc fölé emelt torlódással vágtat ki az erdőből. lándzsa előre néz. Milyen lenyűgöző és fenséges a lovas! De milyen rettenetesen magányos ezen a téren. És hol rohant egy szépen ágaskodó lovon. Parancsolni a népeknek, tűzzel és karddal megbüntetni a kelletleneket, csapatok armadáit lerombolni az ellenségre, olyan embert, akinek még lusta gesztusa is felemelhet vagy elpusztíthat – fáradtan és magányosan ábrázolja a portrét.
A néző ránéz jellegzetes, akaraterős arcára élesen kiálló állal, és a császár tekintetében hirtelen világosan megkülönbözteti a szétszórt szomorúságot, valamiféle belső fáradtságot, amely egész alakjára átragad, és még a kimért futásban is látszik. egy ló. Megjelenése egy gonosz szellem benyomását kelti, és ez a látomás meglepi és megrémíti az embert. A portré színeiben is van valami baljós, harcos. V. Károly arcában az ember valami szörnyűt, „szellemszerűt” lát: egyet a mezőn, egyet a világon, egyet megtört lélekkel. Tizian így értette és ábrázolta a császárt. Talán ő maga még nem vette észre nagy fáradtságát, és a művész megmutatta neki saját lelkét - díszítés nélkül.
Tizian ezen a portrén nem engedte kibontakozni szenvedélyét, ünnepélyességét, hanem a megrendelő követelményeinek határain belül béklyózta magát, ritka hidegséggel kezelve a feladatot. Talán ez az oka annak, hogy egyes kutatók mind a portréban, mind a császár pózában bizonyos természetellenességet észlelnek, mint például a régi fegyverek arzenáljában található próbababáknál. De Tizian pszichológiai behatolása elérte a legmagasabb határt ezen a portrén. Bizalommal művészi technikák feltűnő ez a portré, a kor karakterének és szellemiségének kifejezésében - semmi sem hasonlítható hozzá. Úgy tűnik, hogy akkoriban maga Clio, a történelem múzsája vezette a művész kezét.
Perseus – be görög mitológia Danae fia, aki a Jupitertől szenvedett, amikor aranyeső folyamává változtatta magát. Hőstettei közé tartozott Medúza, az egyik kígyószőrű Gorgon lefejezése és a gyönyörű Androméda megmentése egy tengeri szörnytől. utolsó téma- gyakori nem őshonos legenda. Perseust vagy a klasszikus ókor tipikus hőseként, vagy páncélos harcosként ábrázolják. A kezében van egy lekerekített kard - Merkúr ajándéka - és egy fényes pajzs, amelyet Minerva, a védelmezője adott neki.
Ovidius a Metamorphoses című művében elmeséli, hogy Andromédát, egy etióp király lányát hogyan láncolták egy sziklához a parton, mint áldozatot egy tengeri szörnynek. Az égen repülő Perseus első látásra beleszeretett. Éppen időben rohant le, megölte a szörnyet, és kiszabadította Andromédát. A „Perseus és Andromeda” című képet Rubens készítette abban az időben, amikor munkája különösen érzelmes és vidám volt. A festészet tökéletessége és a kivitelezés magas színvonala révén ez az alkotás a művész egyik remekműve. És itt Rubens számára a lényeg marad, hogy minek ember születik: küzdelem, győzelem és szerelem.
Rubenst nem maga Perseus bravúrja érdekelte, nem a küzdelem és az ellenállás, hanem a már elért győzelem feletti ujjongás, amikor örömteli kiáltások hallatszottak a partról, és mindenki dicsérte a hatalmas hőst. Ezen a képen Perszeusz diadalmaskodóként jelenik meg, a szárnyas Viktória (Glory) istennő pálmaággal és babérkoszorúval a kezében koronázza meg a győztest. Perszeusz apoteózisa az élet diadala lesz, amelyet többé semmi nem árnyékol be, szép és örömteli. Rubens pedig olyan teljességgel, olyan magával ragadó erővel oldja meg ezt a művészi feladatot, amivel eddig alig találkozott. Az egyes sorok, formák intenzív belső dinamikája, növekvő ritmusa itt kivételes kifejezőképességet ér el. Valahonnan kívülről forgószélként betörő, ellenállhatatlan erő egyetlen irányt ad az egész kompozíciónak és a kavargó mozgásoknak, akár egy örvényben.
S. M. Szandomirszkij
Robert Wallace a könyvben Leonardo világa, M., 1997: „A két probléma közül, amellyel az Utolsó vacsora szerzői évszázadokon át szembesültek, Leonardo a Júdás azonosításának problémáját oldotta meg a legkönnyebben. Júdást ugyanarra az asztalra helyezte, mint mindenki mást, de pszichológiailag elválasztotta őt másoktól olyan magányossággal, amely sokkal fehérebb megsemmisítő, mint a puszta fizikai elszakadás. Komor és koncentrált Júdás visszariadt Krisztustól. Rajta a bűntudat és a magány ősrégi pecsétje.
Júdás mindenkivel ül, mint egy apostol az apostolok sorában. Krisztus magányos, ezért szomorú, de aki a legkevésbé magányos, az Júdás. Innen a magabiztos ereje. És nem bűnös, mert a képen látható beszélgetés nem az árulásról szól, hanem az emberek lelkének megmentéséről, akiket ez a legkevésbé foglalkoztat.
Gondoljunk az apostolokra, bár az elmondottak után már nem döntenek semmit.
12 11 10 9 8 7 Krisztus 1 2 3 4 5 6
Bartholomew John Thomas Philip Matthew
Peter Jacob Simeon
Júdás
1.Foma az ajtóban világos alapon. A jobb kéz össze van nyomva, a mutatóujj felfelé: "Isten nem enged ilyen bűncselekményt."
2. Jákob rémülten nézi az új szövetség vérét, amely a csuklójából csordogál. Széles körben széttárt karok és kezek tartják vissza Krisztus szavait, és próbálják megvédeni a mögötte állókat.
3. Fülöp a mellkasára szorítja az ujjait, és egy könyörgésre néz: "Bízz bennem, ez lehetetlen részemről."
4. Mindkét kéz elfogadja Krisztus szavait, és egy pillantással kérdezze meg a 6.: "Lehetséges, amit mond."
5. Simeon a jobb tenyerével elfogadja Krisztus szavait, és 6-án kér.
6. Máté, mindkét tenyere Krisztusra irányul, - viszonozza szavait: "Lehetetlen!"
7. János. Az ujjak összekulcsolódnak, és az asztalon fekszenek, gyötrelmet, gyengeséget mutatva. Élesen balra lendült, csukott szemmel. A fej tehetetlenül támaszkodik a vállon.
8. Péter. Bal kéz elfogadja Krisztus szavait és megnyugtatja a 7. Jobb kezében kés van - készen áll, hogy megölje az árulót.
9. Júdás: stabil alacsony erő, önigazság, elszántság, energia.
10. Felemelt tenyér a mellkas szintjén: "Ki az áruló?" Tekintete a késre szegeződött.
11. Jobb kéz a 10. vállán: egyetért vele. Elfogadja Krisztus szavait.
12. Bartholomew eltökélten felállt és tettre kész.
Általában az apostolok megfelelő csoportja nem engedi meg az árulást; a baloldal elismeri ezt a lehetőséget, és elhatározza, hogy megbünteti az árulót.
János mennyit imbolygott balra, teljesen felszabadítva az ablakot – Krisztus igazságának fényét, Tamást pedig, Krisztus szintjén az ablakban tartózkodva, de nem önmagára, hanem Istenre támaszkodva; hogyan dobták jobbra a 2. apostolt, hogyan keveredtek össze, zavartak, kicsinyeskedik a többi tanítvány, adja ki Leonardo da Vinci gondolatát, hogy az áldozat és az üdvösség eszméi, Krisztus újszövetségének parancsolatai az apostolokat - ezeket a gyenge embereket - nem viszik ki, és az ő áldozata hiábavaló lesz. Ez az oka Krisztus csüggedésének. Sőt, maga a művész is tiszteleg a földi Isten magas törekvése és áldozata előtt.
Ma húsz festményt mutatunk be, amelyek figyelemre és elismerésre méltók. Ezeket a képeket festették híres művészek, és nem csak a művészettel foglalkozó embernek kellene ismernie őket, hanem a hétköznapi halandó embereknek is, hiszen a művészet megfesti életünket, az esztétika elmélyíti a világnézetünket. Adj helyet a művészetnek az életedben...
1. „Az utolsó vacsora”. Leonardo Da Vinci, 1495-1498
Leonardo da Vinci monumentális festménye, amely Krisztus utolsó étkezésének jelenetét ábrázolja tanítványaival. 1495-1498 között készült a milánói Santa Maria delle Grazie domonkos kolostorban.
A festményt Leonardo rendelte meg patrónusától, Lodovico Sforza hercegtől és feleségétől, Beatrice d'Este-től. A festmény feletti lunettákra Sforza címere van festve, amelyet három íves mennyezet alkot. A festést 1495-ben kezdték el és 1498-ban fejezték be; a munka szaggatott volt. A munkálatok megkezdésének dátuma nem pontos, mert "a kolostor archívuma megsemmisült, és az általunk ismert dokumentumok jelentéktelen része 1497-re, amikor a festés már majdnem elkészült."
A festmény mérföldkő lett a reneszánsz történetében: a helyesen reprodukált perspektíva mélysége megváltoztatta a nyugati festészet fejlődési irányát.
Úgy gondolják, hogy sok titkot és tippet rejt ez a kép - például feltételezik, hogy Jézus és Júdás képei egy személyről vannak leírva. Amikor Da Vinci megfestette a képet, látomásában Jézus a jóságot személyesítette meg, míg Júdás a tiszta gonosz volt. És amikor a mester megtalálta „Júdáját” (egy részeg az utcáról), kiderült, hogy a történészek szerint ez a részeg néhány évvel korábban prototípusként szolgált Jézus képének megfestéséhez. Így elmondhatjuk, hogy ez a kép egy embert örökített meg életének különböző időszakaiban.
2. "Napraforgó". Vincent van Gogh, 1887
Vincent van Gogh holland művész két festményciklusának neve. Az első sorozat 1887-ben készült Párizsban. A fekvő virágoknak szentelték. A második sorozat egy évvel később, Arles-ban készült el. Egy csokor napraforgót ábrázol egy vázában. Két párizsi festményt van Gogh barátja, Paul Gauguin szerzett.
A művész tizenegyszer festett napraforgót. Az első négy festmény Párizsban készült 1887 augusztusában-szeptemberében. A nagy vágott virágok úgy hevernek a szemünk előtt, mint valami furcsa lény, aki meghal.
3. "A kilencedik hullám". Ivan Konstantinovics Aivazovsky?, 1850.
Az egyik legtöbb híres festmények Ivan Aivazovsky orosz tengerfestő, az Orosz Múzeumban őrzik.
A festő a legerősebb éjszakai vihar utáni tengert és a hajótörést szenvedett embereket ábrázolja. A nap sugarai megvilágítják a hatalmas hullámokat. Közülük a legnagyobb - a kilencedik akna - készen áll az árboc roncsain menekülni próbáló emberekre.
Annak ellenére, hogy a hajó megsemmisült, és csak az árboc maradt meg, az árbocon lévő emberek életben vannak, és folytatják a harcot az elemekkel. A kép meleg tónusai a tengert nem annyira durvává teszik, és reményt adnak a nézőnek, hogy az emberek megmenekülnek.
Az 1850-ben készült "A kilencedik hullám" festmény azonnal a leghíresebb kikötőjévé vált, és I. Miklós szerezte meg.
4. "Meztelen Maja". Francisco Goya, 1797-1800
Francisco Goya spanyol művész festménye, 1797-1800 körül. Páros a "Maja öltözött" (La maja vestida) festménnyel. A festmények Maja - a 18-19. századi spanyol városlakót - ábrázolják, a művész egyik kedvenc tárgyát a képen. "Nude Maja" az egyik korai művek Nyugati művészet, amely egy teljesen meztelen nőt ábrázol mitológiai vagy negatív konnotáció nélkül.
5. "Szerelmesek repülése". Marc Chagall, 1914-1918
A „Város felett” festmény munkálatai 1914-ben kezdődtek, és a mester csak 1918-ban végezte el az utolsó simításokat. Ez idő alatt Bella szeretettből nemcsak imádott házastárssá, hanem lányuk, Ida édesanyjává is vált, örökre a festő fő múzsájává vált. Egy örökletes ékszerész gazdag lányának és egy egyszerű zsidó fiatalembernek a szövetsége, akinek apja heringkirakásból élt, csak tévszövetségnek nevezhető, de a szerelem erősebb volt, és minden konvenciót legyőzött. Ez a szeretet inspirálta őket, és a mennybe emelte őket.
Karina egyszerre ábrázolja Chagall két szerelmét - Bellát és a kedves Vitebszket. Az utcákat magas, sötét kerítés választja el, házak formájában. A néző nem fogja azonnal észrevenni a kép közepétől balra legelésző kecskét, előtérben pedig egy egyszerű férfit lehúzott nadrággal – a festő humora, kiszakadva a mű általános kontextusából és romantikus hangulatából, de ez az egész Chagall...
6. "A háború arca". Salvador Dali, 1940
Salvador Dali spanyol művész festménye, 1940-ben.
A festmény az USA-ba vezető úton készült. A világban kitört tragédia, a politikusok vérszomja lenyűgözve a mester munkába áll a hajón. A rotterdami Boijmans-van Beuningen Múzeumban található.
Minden reményt elvesztve normális élet Európában a művész szeretett Párizsából Amerikába indul. A háború az óvilágot fedi le, és a világ többi részének uralma alá igyekszik. A mester még nem tudja, hogy nyolc évig az Újvilágban való tartózkodásával valóban híressé válik, alkotásai pedig a világművészet remekei.
7. "Sikoly". Edvard Munch, 1893
A Sikoly (norvégul Skrik) Edvard Munch norvég expresszionista festő 1893 és 1910 között készített festménysorozata. Kétségbeesetten sikoltozó emberi alakot ábrázolnak vérvörös égbolt és erősen általánosított táj háttér előtt. 1895-ben Munch litográfiát készített ugyanerről a témáról.
A vörös, tűzforró égbolt borította a hideg fjordot, ami viszont egy fantasztikus árnyékot vet fel, valamiféle tengeri szörnyeteghez hasonló. A feszültség torzítja a teret, a vonalak megszakadnak, a színek nem egyeznek, a perspektíva megsemmisül.
Sok kritikus úgy véli, hogy a kép cselekménye egy mentálisan beteg ember beteg fantáziájának gyümölcse. Valaki egy ökológiai katasztrófa előérzetét látja a műben, valaki azt a kérdést oldja meg, hogy milyen múmia ihlette a szerzőt ennek a műnek a elkészítésére.
8. "Lány gyöngy fülbevalóval." Jan Vermeer, 1665
A "Lány gyöngyfülbevalóval" (hollandul. "Het meisje met de parel") festmény 1665 körül készült. Jelenleg a Mauritshuis Múzeumban, Hágában, Hollandiában tárolják, és a múzeum fémjele. A holland Mona Lisa vagy az Északi Mona Lisa becenévre hallgató festmény a Tronie műfajában íródott.
Peter Webber 2003-as Girl with a Pearl Earring című filmjének köszönhetően rengeteg, a festészettől távol álló ember értesült a csodálatos holland művészről, Jan Vermeerről, valamint leghíresebb festményéről, a Girl with a Pearl Earring-ről.
9. "Bábel tornya". Pieter Brueghel, 1563
Pieter Brueghel híres festménye. A művész legalább két festményt készített erről a témáról.
A festmény a bécsi Kunsthistorisches Museumban található.
A Bibliában van egy történet arról, hogy Babilon lakói megpróbáltak magas tornyot építeni, hogy feljussanak az égre, de Isten különböző nyelveken szólaltatta meg őket, nem értették egymást, és a torony befejezetlen maradt.
10. "Algériai nők". Pablo Picasso, 1955
"Algériai nők" - Picasso 1954-1955 között Eugene Delacroix festményei alapján készített 15 festményből álló sorozat; a festményeket a művész által A-tól O-ig rendelt betűk különböztetik meg. Az "O verzió" 1955. február 14-én készült; egy ideig a 20. század híres amerikai műgyűjtőjé, Victor Ganzé volt.
Pablo Picasso "Algíri nők (O verzió)" című filmjét 180 millió dollárért adták el.
11. „Új bolygó”. Konstantin Yuon, 1921
orosz szovjet festő, tájkép mester, színházművész művészetteoretikus. A Szovjetunió Művészeti Akadémiájának akadémikusa. A Szovjetunió népművésze. Az I. fokozatú Sztálin-díj kitüntetettje. 1951 óta az SZKP tagja.
Ez a csodálatos, 1921-ben készült, és egyáltalán nem jellemző Yuon realista művészre, az „Új bolygó” festmény az egyik legfényesebb alkotás, amely megtestesítette az októberi forradalom változásainak képét a 20. század második évtizedében. Új rendszer, új mód és Új kép az újonnan kialakuló szovjet társadalomra gondolva. Mi vár most az emberiségre? Fényes jövő? Erre akkor még nem gondoltak, de az a tény, hogy Szovjet-Oroszország és az egész világ a változások korszakába lép, nyilvánvaló, ahogy egy új bolygó gyors születése is.
12. "Sixtus Madonna". Raphael Santi, 1754
Raphael festménye, amely 1754 óta a drezdai Old Masters Galleryben található. A magas reneszánsz általánosan elismert csúcsaihoz tartozik.
Hatalmas méretű (265 × 196 cm, ahogyan a festmény mérete a Drezdai Galéria katalógusában szerepel) a vásznat Raphael készítette a piacenzai Szent Sixtus kolostor templomának oltárához, pápa megbízásából. Julius II. Feltételezések szerint a festményt 1512-1513-ban festették az olasz háborúk során Lombardiát megszálló franciák felett aratott győzelem és Piacenza későbbi bekebelezése a pápai államokhoz.
13. „Bűnbánó Mária Magdolna”. Tizian (Tiziano Vecellio), 1565 körül festett
Titian Vecellio olasz művész 1565 körül festett festménye. A szentpétervári Állami Ermitázs Múzeumhoz tartozik. Néha a létrehozás dátuma „1560-as évek”-ként szerepel.
A festmény modellje Giulia Festina volt, aki aranyszínű hajjal ütötte meg a művészt. Az elkészült vászon nagy benyomást tett Gonzaga hercegére, és úgy döntött, hogy megrendeli a másolatot. Később Tizian a hátteret változtatva és a nőt pózolva festett még pár hasonló alkotást.
14. Mona Lisa. Leonardo Da Vinci, 1503-1505
Lisa del Giocondo asszony portréja (ital. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - Leonardo da Vinci festménye, amely a Louvre-ban (Párizs, Franciaország) található, az egyik híres művek festmény a világon, amelyről úgy tartják, hogy Lisa Gherardini, Francesco del Giocondo firenzei selyemkereskedő feleségének 1503-1505 körül festett portréja.
Az egyik előterjesztett változat szerint a "Mona Lisa" a művész önarcképe.
15. „Reggel a fenyőerdőben”, Shishkin Ivan Ivanovics, 1889.
Ivan Shishkin és Konstantin Savitsky orosz művészek festményei. Savitsky megfestette a medvéket, de a gyűjtő, Pavel Tretyakov kitörölte az aláírását, így gyakran egy festmény szerepel a szerzőként.
A festmény ötletét Savickij javasolta Shishkinnek, aki később társszerzőként tevékenykedett, és a kölykök alakjait ábrázolta. Ezek a medvék némi testtartásbeli és számbeli eltéréssel (eleinte kettő volt) az előkészítő rajzokon és vázlatokon jelennek meg. Az állatok annyira jól sikerültek Savitskynak, hogy még Shishkinnel is aláírta a festményt.
16. "Nem vártunk." Ilja Repin, 1884-1888
Ilja Repin (1844-1930) orosz művész festménye, 1884-1888-ban. Az Állami Tretyakov Galéria gyűjteményének része.
Festmény látható a XII vándorkiállítás, szerepel az orosz populista forradalmár sorsának szentelt narratív ciklusban.
17. Bál a Moulin de la Galette-ben, Pierre-Auguste Renoir, 1876.
Pierre-Auguste Renoir francia művész festménye 1876-ban.
A festmény helye a Musée d'Orsay. A Moulin de la Galette egy olcsó taverna Montmartre-ban, ahol Párizs diákjai és dolgozó fiataljai gyűltek össze.
18. Csillagos éjszaka. Vincent van Gogh, 1889
De sterrennacht- Vincent van Gogh holland művész 1889 júniusában írt festménye, amely a művész Saint-Remy-de-Provence-i lakóházának keleti ablakából a hajnal előtti égboltra néz egy kitalált város felett. 1941 óta a Múzeumban őrzik Kortárs művészet NYC-ben. Az egyiknek tekinthető a legjobb művek Van Gogh és a nyugati festészet egyik legjelentősebb alkotása.
19. „Ádám teremtése”. Michelangelo, 1511.
Michelangelo freskója, 1511 körül festette. A freskó a negyedik a Sixtus-kápolna mennyezetén található kilenc központi kompozíció közül.
Az Ádám teremtése a Sixtus-kápolna egyik legkiemelkedőbb falfestménye. A végtelen űrben repül az Atyaisten, szárnyatlan angyalokkal körülvéve, libbenő fehér tunikával. A jobb keze Ádám keze felé van nyújtva, és szinte megérinti. Ádám teste zöld sziklán fekve fokozatosan mozogni kezd, életre ébred. Az egész kompozíció két kéz mozdulatára koncentrálódik. Isten keze adja az impulzust, Ádám keze pedig fogadja, életenergiát adva az egész testnek. Michelangelo azzal a ténnyel, hogy a kezük nem érintkezik, hangsúlyozta az isteni és az emberi összekapcsolásának lehetetlenségét. Isten képében a művész szerint nem egy csodás elv érvényesül, hanem egy gigantikus teremtő energia. Ádám képében Michelangelo az erőről és a szépségről énekel emberi test. Valójában nem maga az ember alkotása jelenik meg előttünk, hanem az a pillanat, amikor lelket kap, az isteni szenvedélyes keresését, tudásszomjat.
20. "Csók a csillagos égen." Gustav Klimt, 1905-1907
Gustav Klimt osztrák művész festménye, 1907-1908 között. A vászon Klimt művének „aranynak” nevezett időszakához tartozik, a szerző utolsó alkotása „aranykorszakában”.
Egy sziklán, egy virágos rét szélén, arany aurában állnak szerelmesek teljesen egymásba merülve, elkerítve az egész világtól. A történések helyének bizonytalansága miatt úgy tűnik, hogy a képen ábrázolt pár minden történelmi és társadalmi sztereotípián és kataklizmán túl egy időnek és térnek nem alávetett kozmikus állapotba kerül. A teljes magány és a férfi hátrafordult arca csak az elszigeteltség és a távolságtartás benyomását erősíti a szemlélővel szemben.
Forrás - Wikipédia, muzei-mira.com, say-hi.me
20 festmény, amit mindenkinek tudnia kell (a festészet története) frissítette: 2016. november 23-án: weboldal
Vannak olyan műalkotások, amelyek megdöbbenve és elképesztően fejbe vágják a nézőt. Mások belerángatják a reflexióba és a szemantikai rétegek, a titkos szimbolika keresésébe. Egyes festményeket titkok és misztikus rejtélyek borítják, míg mások borzasztó áron lepnek meg.
Gondosan áttekintettük a világfestészet összes főbb vívmányát, és kiválasztottunk közülük két tucat legfurcsább festményt. Salvador Dali, akinek munkái teljes egészében ennek az anyagnak a formátumába esnek, és elsőként jutottak eszébe, nem szándékosan került bele ebbe a gyűjteménybe.
Nyilvánvaló, hogy a „furcsaság” meglehetősen szubjektív fogalom, és mindenki számára vannak csodálatos festmények, amelyek kiemelkednek számos más műalkotás közül. Örülünk, ha megosztod őket a megjegyzésekben, és mesélsz róluk egy kicsit.
"Sikoly"
Edvard Munch. 1893, karton, olaj, tempera, pasztell.
Nemzeti Galéria, Oslo.
A Sikoly mérföldkőnek számító expresszionista eseménynek és a világ egyik leghíresebb festményének számít.
Kétféle értelmezése van az ábrázoltnak: magát a hőst elfogja a rémület, és némán sikoltozva, kezét a füléhez szorítja; vagy a hős becsukja a fülét a körülötte hangzó világ és természet kiáltása elől. Munch négy változatot írt A sikolyból, és van egy verzió, hogy ez a kép egy mániás-depresszív pszichózis gyümölcse, amelytől a művész szenvedett. A klinikán végzett kezelés után Munch nem tért vissza a vásznon dolgozni.
„Két barátommal sétáltam az ösvényen. A nap lemenőben volt – hirtelen vérvörössé vált az ég, kimerültnek éreztem magam, és a kerítésnek dőltem – néztem a vért és a lángokat a kékesfekete fjord és a város felett. Barátaim folytatták, én pedig álltam, remegve az izgalomtól, éreztem a végtelen kiáltást, amely áthatol a természetben” – mesélte Edvard Munch a festmény történetéről.
„Honnan jöttünk? Kik vagyunk mi? Hová megyünk?"
Paul Gauguin. 1897-1898, olaj, vászon.
Szépművészeti Múzeum, Boston.
Maga Gauguin utasítására a képet jobbról balra kell olvasni - a három fő ábracsoport illusztrálja a címben feltett kérdéseket.
Három gyermekes nő az élet kezdetét jelenti; középső csoport az érettség mindennapi létét szimbolizálja; a végső csoportban a művész szerint "a halálhoz közeledő öregasszony megbékéltnek és átadottnak tűnik a gondolatainak", lábánál "furcsa fehér madár... a szavak hiábavalóságát képviseli".
Mélyen filozófiai képet írt a posztimpresszionista Paul Gauguinról Tahitin, ahová Párizsból menekült. A munka végén még öngyilkos akart lenni: "Hiszem, hogy ez a vászon minden eddiginél jobb, és soha nem fogok jobbat vagy akár hasonlót alkotni." Még öt évet élt, és így történt.
"Guernica"
Pablo Picasso. 1937, olaj, vászon.
Reina Sofia Múzeum, Madrid.
A Guernica halál, erőszak, atrocitások, szenvedés és tehetetlenség jeleneteit mutatja be, anélkül, hogy megnevezné közvetlen okukat, de nyilvánvalóak. Azt mondják, 1940-ben Pablo Picassót beidézték a párizsi Gestapóba. A beszélgetés azonnal a festményre terelődött. – Te csináltad? - "Nem, te csináltad."
A Picasso által 1937-ben festett hatalmas "Guernica" freskó a Luftwaffe önkéntes egységének Guernica város elleni rajtaütéséről mesél, amelynek eredményeként a hatezredik város teljesen elpusztult. A képet mindössze egy hónap alatt festették meg - a képen való munka első napjaiban Picasso 10-12 órát dolgozott, és már az első vázlatokon lehetett látni. fő gondolat. Ez az egyik a legjobb illusztrációk a fasizmus rémálma, valamint az emberi kegyetlenség és gyász.
"Arnolfinis portréja"
Jan van Eyck. 1434, olaj, fa.
Londoni Nemzeti Galéria, London.
A híres festmény teljesen tele van szimbólumokkal, allegóriákkal és különféle utalásokkal – egészen a „Jan van Eyck itt volt” aláírásig, amely a festményt nemcsak műalkotássá, hanem az esemény valóságát igazoló történelmi dokumentummá változtatta. amelyen a művész részt vett.
Giovanni di Nicolao Arnolfiniről és feleségéről készült portré az egyik összetett munkák Az északi reneszánsz nyugati festőiskolája.
Oroszországban az elmúlt években a festmény nagy népszerűségre tett szert, mivel Arnolfini portréja hasonlít Vlagyimir Putyinra.
"Démon ül"
Mihail Vrubel. 1890, olaj, vászon.
Állapot Tretyakov Galéria, Moszkva.
"A kezek ellenállnak neki"
Bill Stoneham. 1972.
Ez az alkotás persze nem sorolható a világművészet remekei közé, de hogy furcsa, az tény.
A kép körül egy fiúval, egy babával és az üveghez nyomott tenyerekkel legendák keringenek. Az „e kép miatt halnak meg”-től kezdve egészen az „élnek a gyerekek”-ig. A kép nagyon hátborzongatóan néz ki, ami sok félelmet és sejtést kelt a gyenge pszichével rendelkező emberekben.
A művész biztosította, hogy a kép ötévesen önmagát ábrázolja, az ajtó a való világ és az álomvilág közötti választóvonalat ábrázolja, a baba pedig egy útmutató, amely átvezetheti a fiút ezen a világon. A kezek alternatív életeket vagy lehetőségeket képviselnek.
A festmény 2000 februárjában vált ismertté, amikor felvették az eBay-re egy olyan háttértörténettel, amely szerint a festmény "kísértetjárta". A "Hands Resist Him" című filmet 1025 dollárért vásárolta meg Kim Smith, akit aztán elárasztanak a hátborzongató történeteket tartalmazó levelek és a festmény elégetését követelő levelek.
Leonardo di ser Piero da Vinci (1452. április 15. – 1519. május 2.) híres olasz festő, építész, filozófus, zenész, író, felfedező, matematikus, mérnök, anatómus, feltaláló és geológus. Festményeiről ismert, amelyek közül a leghíresebbek " Az utolsó vacsora” és a „Mona Lisa”, valamint számos olyan találmány, amelyek messze megelőzték korukat, de csak papíron maradtak. Ezenkívül Leonardo da Vinci jelentős mértékben hozzájárult az anatómia, a csillagászat és a technológia fejlődéséhez.
Raphael Santi (1483. március 28. – 1520. április 6.) – nagyszerű olasz művészés a reneszánszban dolgozó építész a 15. század végétől a 16. század elejéig terjedő időszakot öleli fel. Raphaelt hagyományosan az egyik három nagyszerű ennek az időszaknak a mesterei, Michelangelo és Leonardo da Vinci mellett. Számos műve a vatikáni Apostoli Palotában található, a Raphael's Stanza nevű helyiségben. Többek között itt található a leghíresebb műve - "Az athéni iskola".
Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (1599. június 6. – 1660. augusztus 6.) spanyol festő, portréfestő, IV. Fülöp király udvari festője, a spanyol festészet aranykorának legnagyobb képviselője. Számos múltbéli történelmi és kulturális jeleneteket ábrázoló festménye mellett számos portrét festett a spanyol királyi családról, valamint más híres európai személyiségekről. Velasquez leghíresebb alkotása a "La Meninas" (vagy "IV. Fülöp családja") 1656-ban, amely a madridi Prado Múzeumban található.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz és Picasso (1881. október 25. – 1973. április 8.) világhírű spanyol művész és szobrász, az irányvonal alapítója. művészetek - kubizmus. Az egyiknek tekinthető a legnagyobb művészek században befolyásolta a képzőművészet fejlődését. Szakértők, elismerték a legjobb művész között, akik éltek az elmúlt 100 évben, valamint a "legdrágább" a világon. Picasso élete során mintegy 20 ezer művet hozott létre (más források szerint 80 ezret).
Vincent Willem van Gogh (1853. március 30. – 1890. július 29.) híres holland festő, aki csak halála után szerzett hírnevet. Sok szakértő szerint Van Gogh az egyik legnagyobb művész az európai művészet történetében, és az egyik jeles képviselői posztimpresszionizmus. Több mint 2100 műalkotás, köztük 870 festmény, 1000 rajz és 133 vázlat szerzője. Számos önarcképe, tájképe és portréja a világ legismertebb és legdrágább műalkotásai közé tartozik. A legtöbb híres alkotás Vincent van Goghot talán a "Napraforgók" nevű festménysorozatnak tekintik.
Michelangelo Buonarroti (1475. március 6. – 1564. február 18.) - a világhírű olasz szobrász, művész, építész, költő és gondolkodó, aki kitörölhetetlen nyomot hagyott az egészben világkultúra. A művész leghíresebb alkotásai talán a Sixtus-kápolna mennyezetén látható freskók. Szobrai közül a leghíresebbek a "Pieta" ("Krisztus siralma") és a "Dávid". Az építészeti alkotások közül - a Szent Péter-bazilika kupolájának tervezése. Érdekes módon Michelangelo lett a nyugat-európai művészet első képviselője, akinek életrajzát még életében írta.
A világ leghíresebb művészei rangsorában a negyedik helyen Masaccio (1401-1428. december 21.) áll – egy nagyszerű olasz művész, aki óriási hatással volt más mesterekre. Masaccio nagyon élt rövid élet, így kevés életrajzi bizonyíték van róla. Csak négy freskója maradt fenn, amelyek kétségtelenül Masaccio munkái. Másokat vélhetően elpusztítottak. Masaccio leghíresebb alkotása a Szentháromság-freskó a firenzei Santa Maria Novella templomban, Olaszországban.
Peter Paul Rubens (1577. június 28. – 1640. május 30.) flamand (dél-holland) festő, a barokk korszak egyik legnagyobb művésze, aki extravagáns stílusáról ismert. Korának legsokoldalúbb művészének tartják. Rubens műveiben a színek vitalitását és érzékiségét hangsúlyozta és megtestesítette. Számos portrét, tájképet és történelmi festmények mitológiai, vallási és allegorikus témákkal. Rubens leghíresebb alkotása az 1610-től 1614-ig tartó időszakban írt „Keresztről alászállás” című triptichon, amely világhírnevet hozott a művésznek.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571. szeptember 29. – 1610. július 18.) a kora barokk kor nagy olasz művésze, a 17. századi európai realista festészet megalapítója. Caravaggio műveiben ügyesen alkalmazta a fény és árnyék kontrasztjait, a részletekre koncentrálva. Gyakran ábrázoltak hétköznapi rómaiakat, embereket az utcákról és a piacokról a szentek és madonnák képén. Ilyenek például a „Máté evangélista”, „Bacchus”, „Saul megtérése” stb. A művész egyik leghíresebb festménye a „Lantos” (1595), amelyet Caravaggio a számára legsikeresebb festménynek nevezett. .
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) - híres holland festő és metsző, akit a legnagyobb és a legtöbb híres művész béke. Mintegy 600 festmény, 300 rézkarc és 2 ezer rajz szerzője. Jellemzője a mesteri játék fényeffektusokkal és mély árnyékokkal. Rembrandt leghíresebb alkotása az 1642-ben írt négyméteres "Éjjeli őrség" festmény, amelyet jelenleg Állami Múzeum Amszterdam.
