Az esszé szerzője N. V. Tumanina
Az orosz opera a legértékesebb hozzájárulás a világ zenei színházának kincstárához. Az olasz, francia és német opera klasszikus virágkorának korában született, az orosz opera a XIX. a többi nemzeti operaiskolát nemcsak utolérte, hanem felül is múlta. Az orosz operaszínház fejlődésének többoldalú jellege a XIX. hozzájárult a világrealista művészet gazdagításához. Az orosz zeneszerzők művei az operai kreativitás új területét nyitották meg, új tartalmat vezettek be, új alapelveket vezettek be a zenei dramaturgia felépítéséhez, közelebb hozták az operaművészetet más típusú operaművészetekhez. zenei kreativitás főleg a szimfóniához.
Az orosz klasszikus opera története elválaszthatatlanul kapcsolódik a fejlődéshez publikus élet Oroszország, a fejlett orosz gondolkodás fejlődésével. Ezekkel az összefüggésekkel már a 18. században is kitűnt az opera, amely a hetvenes években, az orosz felvilágosodás korszakában jelent meg nemzeti jelenségként. Az orosz operaiskola kialakulását a felvilágosodás eszméi befolyásolták, amelyek az emberek életének valós ábrázolásának vágyában fejeződtek ki.
Így az orosz opera első lépéseitől fogva demokratikus művészetté formálódik. Az első orosz operák cselekményei gyakran felvetettek a jobbágyság-ellenes gondolatokat, amelyek a 18. század végén az orosz drámaszínházra és az orosz irodalomra is jellemzőek voltak. Ezek a tendenciák azonban még nem alakultak ki egységes rendszerré, empirikusan fejeződtek ki a paraszti élet jeleneteiben, a földbirtokosok általi elnyomásuk bemutatásában, a szatirikus kép nemesség. Ilyenek az első orosz operák cselekményei: V. A. Paskevich (1742-1797 körül) "Szerencsétlenség a kocsiból", Ja. B. Knyazsnyin librettója (bejegyzés, 1779-ben); E. I. Fomina (1761-1800). A "Molnér - varázsló, csaló és párkereső" című operában A. O. Ablesimov szövegével és M. M. Sokolovsky zenéjével (a második változatban - E. I. Fomina) a mű nemességének gondolata. egy gazdát fejezik ki, és kigúnyolják a nemes kevélyt. M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "Szentpétervári Gosztinyij Dvor" című operájában egy uzsorás és egy megvesztegetés szatirikus formában szerepel.
Az első orosz operák zenei epizódokat tartalmazó darabok voltak. Nagyon fontosak voltak bennük a beszélgetési jelenetek. Az első operák zenéje szorosan összefüggött az orosz népdalokkal: a zeneszerzők széles körben használták fel a meglévő népdalok dallamait, dolgozták át, tették az opera alapjává. A „Melnikben” például a karakterek minden jellegzetessége más jellegű népdalok segítségével adható meg. A "Szentpétervári Gostiny Dvor" című operában egy népi esküvői szertartást reprodukálnak nagy pontossággal. A "Kocsisok a kereten" című művében Fomin megalkotta a népi kórusopera első példáját, lefektetve ezzel a későbbi orosz opera egyik tipikus hagyományát.
Az orosz opera a nemzeti identitásáért folytatott harcban fejlődött ki. A királyi udvar és a nemesi társadalom csúcsának külföldi társulatokat pártfogó politikája az orosz művészet demokráciája ellen irányult. Az orosz opera figuráinak operai ismereteket kellett tanulniuk a nyugat-európai opera mintáiról, és egyúttal meg kellett védeniük nemzeti rendezésük függetlenségét. Ez a harc folyik hosszú évek az új színpadokon új formákat öltő orosz opera létezésének feltételévé vált.
Az opera-vígjáték mellett a XVIII. más operai műfajok is megjelentek. 1790-ben „Oleg kezdeti igazgatása” címmel előadást tartottak az udvarban, amelynek szövegét II. Katalin császárné írta, a zenét pedig K. Canobbio, J. Sarti és V. A. Pashkevich zeneszerzők közösen szerezték. Az előadás nem annyira opera, mint inkább oratórium jellegű volt, és bizonyos mértékig a 19. században annyira elterjedt zenetörténeti műfaj első példájának tekinthető. A kiváló orosz zeneszerző, D. S. Bortnyansky (1751-1825) munkásságában az opera műfaját a Sólyom és A rivális fia című lírai operák képviselik, amelyek zenéjét az operai formák és ügyesség szempontjából is fel lehet tenni. egyenrangú a nyugat-európai opera modern példáival.
Az operaházat a 18. században használták. nagy népszerűség. Fokozatosan a fővárosi opera behatolt a birtokszínházakba. Erődszínház a 18. és 19. század fordulóján. egyedi, rendkívül művészi példákat ad az operák és az egyes szerepek előadására. Tehetséges orosz énekeseket és színészeket neveznek, mint például E. Sandunova énekesnőt, aki a fővárosi színpadon lépett fel, vagy a Seremetev Színház jobbágyszínésznőjét P. Zhemchugova.
A 18. századi orosz opera művészi eredményei. század első negyedében lendületet adott a zenés színház rohamos fejlődésének Oroszországban.
Az orosz zenés színház kapcsolatai a korszak szellemi életét meghatározó eszmékkel az években különösen erősödnek Honvédő Háború 1812-ben és a dekabrista mozgalom éveiben. A történelmi és kortárs cselekményekben tükröződő hazaszeretet témája számos drámai ill zenei előadások. A humanizmus eszméi, a társadalmi egyenlőtlenség elleni tiltakozás inspirálja és megtermékenyíti a színházművészetet.
A XIX. század elején. még mindig nem beszélhet az operáról teljes jelentése ez a szó. nagy szerepe az oroszban zenés színház vegyes műfajokat játszanak: tragédia zenével, vaudeville, komikus opera, opera-balett. Glinka előtt az orosz opera nem ismert olyan műveket, amelyek dramaturgiája csak a zenére támaszkodott, minden elhangzott epizód nélkül.
O. A. Kozlovszkij (1757-1831), aki Ozerov, Katenin, Shakhovsky tragédiáihoz alkotott zenét, a "zenei tragédiák" kiemelkedő zeneszerzője volt. A. A. Alyabyev (1787-1851) és A. N. Verstovsky (1799-1862) zeneszerzők sikeresen dolgoztak a vaudeville műfajában, akik számos humoros és szatirikus tartalmú vaudeville-hez komponáltak zenét.
Opera eleje XIX V. fejlesztette az előző időszak hagyományait. Jellegzetes jelenség volt a mindennapi fellépések népdal kíséretében. Ilyen előadások például a „Yam”, „Gatherings”, „Girlfriend” stb., amelyek zenéjét A. N. Titov (1769-1827) amatőr zeneszerző írta. Ez azonban korántsem merítette ki a korszak gazdag színházi életét. Az akkoriban jellemző romantikus irányzatok iránti hajlam a társadalom mesebeli-fantasztikus előadások iránti lelkesedésében nyilvánult meg. Különös sikert aratott a több részből álló Dnyeper sellő (Lesta). Ezeknek az operáknak a zenéjét, amelyek mintegy a regény fejezeteit alkották, S. I. Davydov, K. A. Kavos zeneszerzők írták; részben Cauer osztrák zeneszerző zenéjét használták fel. A "Dnyeper sellő" nem csak a szórakoztató cselekmény miatt hagyta el sokáig a színpadot, amely főbb vonásaiban Puskin "Hableányának" cselekményét vetíti előre, nemcsak a fényűző produkciónak, hanem a dallamos, egyszerű és hozzáférhető zene.
Az olasz zeneszerző, K. A. Kavos (1775-1840), aki fiatal kora óta Oroszországban dolgozott, és sokat tett az orosz operaelőadás fejlesztésébe, tett először kísérletet történelmi-hősopera létrehozására. 1815-ben állította színpadra Szentpéterváron az Ivan Susanin című operát, amelyben az orosz nép 17. század eleji lengyel invázió elleni harcának egyik epizódja alapján nemzeti-patrióta megalkotására törekedett. teljesítmény. Ez az opera a Napóleon elleni szabadságharcot túlélő társadalom hangulatára reagált. Kavos operáját a modern művek közül a hivatásos zenész készsége, az orosz folklórra való támaszkodás, a cselekmény élénksége jellemzi. Ennek ellenére nem emelkedik felül a számos, ugyanazon a színpadon felvonuló francia zeneszerző "mentőoperája" szintjén; Kavos nem tudta megalkotni benne azt a népi-tragikus eposzt, amelyet Glinka húsz évvel később, ugyanezzel a cselekményével alkotott meg.
A XIX. század első harmadának legnagyobb zeneszerzője. Elismerni kell A. N. Verstovskyt, akit a vaudeville zenéjének szerzőjeként emlegettek. „Pán Tvardovszkij” (1828-ban), „Askold sírja” (1835-ben), „Vadim” (1832-ben) és mások új állomást jelentettek az orosz opera fejlődésében Glinka előtt. Verstovsky munkája tükröződött jellemvonások Orosz romantika. Az orosz ókor, a Kijevi Rusz költői hagyományai, mesék és legendák képezik operáinak alapját. fontos szerep van bennük egy mágikus elem. Versztovszkij zenéje mélyen gyökerező, népdalművészetre épülő, felszívódott népi eredet a legtágabb értelemben. Alakjai a népművészetre jellemzőek. Versztovszkij az operadramaturgia mestereként romantikusan színes, fantasztikus tartalmú jeleneteket hozott létre. Stílusára példa az „Askold sírja” című opera, amely a mai napig megmaradt a repertoáron. Megmutatta Verstovsky legjobb tulajdonságait - dallamos ajándékot, kiváló drámai érzéket, élénk és jellegzetes karakterképek létrehozásának képességét.
Versztovszkij művei az orosz opera preklasszikus korszakához tartoznak, bár történelmi jelentőségük igen nagy: mindent összefoglalnak és továbbfejlesztenek. legjobb tulajdonságait az orosz operazene fejlődésének korábbi és mai korszaka.
A 30-as évekből. 19. század Az orosz opera klasszikus korszakába lép. Az orosz operaklasszikusok alapítója, M. I. Glinka (1804-1857) megalkotta az „Ivan Susanin” (1830) történelmi és tragikus operát, valamint a „Ruslan és Ljudmila” (1842) mesés eposzt. Ezek az operák alapozták meg az orosz zenés színház két legfontosabb irányzatát: a történelmi operát és a varázslatos epikát. Glinka alkotói elveit az orosz zeneszerzők következő generációja valósította meg és fejlesztette ki.
Glinka a dekabrizmus eszméi által beárnyékolt korszakban fejlődött művészként, amely lehetővé tette számára, hogy operái ideológiai és művészi tartalmát új, jelentős magasságba emelje. Ő volt az első orosz zeneszerző, akinek művében a népkép általánosított és mélyen az egész mű középpontjába került. Művében a hazaszeretet témája elválaszthatatlanul kapcsolódik a nép függetlenségi harcának témájához.
Az orosz opera korábbi korszaka készítette elő Glinka operáinak megjelenését, de minőségi különbségük igen jelentős a korábbi orosz operákhoz képest. Glinka operáiban a művészi gondolkodás realizmusa nem magánjellegű aspektusaiban nyilvánul meg, hanem holisztikus alkotói módszerként működik, amely lehetővé teszi az opera gondolatának, témájának és cselekményének zenei és drámai általánosítását. Glinka a nemzetiség problémáját újszerű módon értette meg: számára ez nemcsak a népdal zenei fejlődését jelentette, hanem a nép életének, érzéseinek, gondolatainak mély, sokrétű zenei tükrözését, a jellegzetes vonások feltárását is. lelki megjelenéséről. A zeneszerző nem szorítkozott a népi élet tükrözésére, hanem a zenében testesítette meg a népi világkép jellegzetes vonásait. Glinka operái szerves zenei és drámai művek; nincsenek beszélt párbeszédeik, a tartalmat zenei eszközökkel fejezik ki. A komikus opera különálló, kidolgozatlan szóló- és kórusszámai helyett Glinka nagy, részletgazdag operaformákat hoz létre, valódi szimfonikus hozzáértéssel fejleszti azokat.
Az "Ivan Susanin"-ban Glinka Oroszország hősi múltját énekelte. Nagy művészi igazsággal az orosz nép tipikus képei testesülnek meg az operában. A zenei dráma fejlődése a különböző nemzeti zenei szférák szembeállításán alapul.
A "Ruslan és Ljudmila" egy opera, amely a népi epikus orosz operák kezdetét jelentette. A "Ruslan" jelentősége az orosz zene számára nagyon nagy. Az opera nemcsak a színházi műfajokra, hanem a szimfonikusokra is hatással volt. A "Ruslan" fenséges hősies és titokzatosan varázslatos, valamint színes-keleti képei hosszú ideig táplálták az orosz zenét.
Glinkát A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), a 40-50-es évek tipikus művésze követte. 19. század Glinka nagy hatással volt Dargomizsszkijra, ugyanakkor az utóbbi munkásságában új tulajdonságok jelentek meg, amelyek új társadalmi körülményekből, új témákból születtek. orosz művészet. A megalázott személy iránti meleg együttérzés, a társadalmi egyenlőtlenség ártalmasságának tudata, a társadalmi rendhez való kritikus hozzáállás tükröződik Dargomyzhsky munkáiban, amely az irodalom kritikai realizmusának eszméihez kapcsolódik.
Dargomizsszkij operaszerzői útja az „Esmeralda” című opera megalkotásával kezdődött, V. Hugo után (1847-ben), és a zeneszerző központi operaművének a „Hableányt” kell tekinteni (A. S. Puskin drámája alapján), színpadra állítva. 1856-ban Ebben az operában Dargomizsszkij tehetsége teljesen feltárult, és munkásságának iránya meghatározásra került. A molnár Natasa és a Herceg szerető lányai közötti társadalmi egyenlőtlenség drámája a téma relevanciájával vonzotta a zeneszerzőt. Dargomyzhsky a cselekmény drámai oldalát erősítette a fantasztikus elem lekicsinyelésével. A Rusalka az első orosz hétköznapi lírai-pszichológiai opera. Zenéje mélyen népies; dalalapon a zeneszerző élő hősképeket alkotott, a főszereplők részeiben deklamációs stílust alakított ki, együttes jeleneteket dolgozott ki, jelentősen dramatizálva azokat.
Dargomizsszkij Puskin utáni utolsó operája, a Kővendég (1872-ben, a zeneszerző halála után) az orosz opera fejlődésének egy másik korszakához tartozik. Dargomizsszkij azt a feladatot tűzte ki benne, hogy reálisat alkosson zenei nyelv beszéd intonációit tükröző. A zeneszerző itt felhagyott a hagyományos operai formákkal - áriák, együttes, kórus; az opera vokális részei érvényesülnek a zenekari szólam felett, A kővendég alapozta meg az orosz opera következő periódusának egyik irányát, az úgynevezett kamara recitatív operát, amelyet később Rimszkij-Korszakov Mozart és Salieri, Rahmanyinov c. A fösvény lovag és mások. Ezeknek az operáknak az a sajátossága, hogy mindegyik változatlanul íródott teljes szöveg Puskin "kis tragédiái".
A 60-as években. Az orosz opera fejlődésének új szakaszába lépett. A Balakirev-kör zeneszerzőinek („A hatalmas maroknyi”) és Csajkovszkij művei jelennek meg az orosz színpadon. Ugyanebben az években A. N. Serov és A. G. Rubinshtein munkássága bontakozott ki.
A zenekritikusként ismertté vált A. N. Szerov (1820-1871) operai munkássága nem sorolható az orosz színház igen jelentős jelenségei közé. Egy időben azonban operái pozitív szerepet játszottak. A Judit című operában (1863-ban) Szerov hősi-hazafias jellegű művet készített egy bibliai történet alapján; az 1865-ben komponált és színpadra állított Rogneda című operában a Kijevi Rusz korszakához fordult, Ruszlán vonalát akarta folytatni. Az opera azonban nem volt elég mély. Nagy érdeklődésre tarthat számot Szerov harmadik operája, Az ellenséges erő, amely A. N. Osztrovszkij Ne élj úgy, ahogy akarsz című drámája alapján (1871-ben jelent meg). A zeneszerző úgy döntött, hogy daloperát hoz létre, amelynek zenéjét elsődleges forrásokra kell alapozni. Az operának azonban nincs egyetlen drámai koncepciója, zenéje sem emelkedik a realista általánosítás magasságaiba.
A. G. Rubinshtein (1829-1894) operaszerzőként a Kulikovoi csata (1850) című történelmi opera megalkotásával kezdte. megalkotta a Theramors című lírai operát és a Sztyeppék gyermekei című romantikus operát. Rubinstein legjobb operája, A démon Lermontov után (1871) megmaradt a repertoáron. Ez az opera egy példa egy orosz lírai operára, amelyben a legtehetségesebb oldalak a szereplők érzéseinek kifejezésére vannak szentelve. A Démon műfaji jelenetei, amelyekben a zeneszerző a kaukázusi népzenét használta, helyi ízt hoznak. A Démon című opera sikert aratott a kortársak körében, akik a főszereplőben az 1940-es, 1950-es évek emberképét látták.
A hatalmas marék és Csajkovszkij zeneszerzőinek operai munkássága szorosan kapcsolódott a hatvanas évek új esztétikájához. Az új társadalmi viszonyok új feladatok elé állítják az orosz művészeket. A fő probléma korszak a reflexió problémája lett a műalkotásokban népi élet annak teljes bonyolultságában és következetlenségében. A forradalmi demokraták (leginkább Csernisevszkij) eszméinek hatása a zenei kreativitás területén az egyetemes jelentőségű témákhoz és cselekményekhez való vonzódásban, a művek humanista irányultságában, valamint a művészet magas szellemi erejének dicsőítésében tükröződött. emberek. Ebben az időben különösen fontos a történelmi téma.
A népük történelme iránti érdeklődés ezekben az években nem csak a zeneszerzőkre jellemző. Maga a történettudomány széles körben fejlődik; írók, költők és drámaírók fordulnak meg történelmi téma; fejlődik történelem festészet. A puccsok, parasztfelkelések, tömegmozgalmak korszakai érdeklik a legnagyobb érdeklődést. Fontos helyet foglal el a nép és a királyi hatalom viszonyának problémája. M. P. Muszorgszkij és N. A. Rimszkij-Korszakov történelmi operái ennek a témának szentelték.
M. P. Muszorgszkij (1839-1881), Borisz Godunov (1872) és Khovanshchina (Rimszkij-Korszakov 1882-ben fejezte be) operái az orosz klasszikus opera történelmi és tragikus ágához tartoznak. A zeneszerző ezeket "népzenei drámáknak" nevezte, hiszen mindkét mű középpontjában az emberek állnak. fő gondolat"Borisz Godunov" (Puskin azonos nevű tragédiája alapján) - konfliktus: cár - emberek. Ez a gondolat volt az egyik legfontosabb és legégetőbb a reform utáni korszakban. Muszorgszkij a jelennel analógiát akart találni Rusz múltjának eseményeiben. A népi érdekek és az autokratikus hatalom ellentmondása egy nyílt felkelésbe torkolló népmozgalom jeleneteiben mutatkozik meg. A zeneszerző ugyanakkor nagy figyelmet fordít a Borisz cár által átélt "lelkiismereti tragédiára". Sokrétű kép Borisz Godunov a világ operai kreativitásának egyik legnagyobb eredménye.
Muszorgszkij második zenés drámája, a Khovanshchina a 17. század végi Streltsy-felkeléseknek szól. A népmozgalom elemét teljes kiáradó erejében csodálatosan kifejezi az opera zenéje, amely a népdalművészet kreatív újragondolásán alapul. A "Khovanshchina" zenéjét, akárcsak "Boris Godunov" zenéjét, nagy tragédia jellemzi. Mindkét opera dallammérföldjének alapja a dal és a deklamációs kezdetek szintézise. Muszorgszkij felfogásának újszerűségéből fakadó újítása, a zenei dramaturgia problémáinak mélyen eredeti megoldása arra késztet, hogy mindkét operáját a zenés színház legmagasabb teljesítményei közé soroljuk.
A. P. Borodin (1833-1887) operája, az "Igor herceg" is a történelmi zeneművek csoportjához tartozik (a cselekménye "Igor hadjáratának meséje" volt). Az anyaország iránti szeretet gondolatát, az ellenséggel szembeni egyesülés gondolatát a zeneszerző nagy drámával tárja fel (Putivl jelenetek). A zeneszerző operájában ötvözte az epikai műfaj monumentalitását a lírai kezdettel. A polovci tábor költői megtestesülésében Glinka előírásai valósulnak meg; viszont zenei képek Kelet Borodin közelében sok oroszt megihletett és szovjet zeneszerzők keleti képek létrehozásához. Borodin csodálatos dallamos tehetsége az opera széles énekstílusában nyilvánult meg. Borodinnak nem volt ideje befejezni az operát; Az Igor herceget Rimszkij-Korszakov és Glazunov fejezte be, és 1890-ben az ő változatukban állították színpadra.
A történelmi zenedráma műfaját is N. A. Rimszkij-Korszakov (1844-1908) fejlesztette ki. A Rettegett Iván ellen lázadó pszkov szabadosokat (opera A Pszkov asszony, 1872) epikus nagysággal ábrázolja a zeneszerző. A király képe tele van valódi drámaisággal. Az opera lírai eleme, amely a hősnőhöz - Olgához kötődik, gazdagítja a zenét, és a fenségesbe viszi tragikus koncepció a magasztos gyengédség és lágyság vonásai.
P. I. Csajkovszkij (1840-1893), aki leginkább lírai-pszichológiai operáiról ismert, három történelmi opera szerzője volt. Az Oprichnik (1872) és a Mazepa (1883) operákat az orosz történelem drámai eseményeinek szentelik. Az Orléans-i szobalány című operában (1879) a zeneszerző Franciaország történelméhez fordult, és megalkotta Joan of Arc nemzeti francia hősnő képét.
Csajkovszkij történelmi operáira jellemző, hogy rokonságban állnak lírai operáival. A zeneszerző az egyes emberek sorsán keresztül tárja fel bennük az ábrázolt korszak jellegzetes vonásait. Hőseinek képeit az ember összetett belső világának átadásának mélysége és igazságossága különbözteti meg.
A népi-történelmi zenés drámák mellett az orosz operában a XIX. fontos helyet foglalnak el a népi meseoperák, amelyek széles körben képviseltetik magukat N. A. Rimszkij-Korszakov munkásságában. Rimszkij-Korszakov legjobb meseoperája a Hóleány (1881), a Szadko (1896), a Kascsej, a halhatatlan (1902) és az Arany kakas (1907). Különleges helyet foglal el A mese Kitezh láthatatlan városáról és a Fevronia leány című opera (1904), amely a tatár-mongol invázióról szóló népi legendákon alapul.
Rimszkij-Korszakov operái lenyűgözik a népmese műfajának sokféle interpretációját. Ez vagy a természetről szóló ősi népi elképzelések költői értelmezése, amelyet egy csodálatos mese a Snow Maidenről fejez ki, vagy az ókori Novgorod erőteljes képe, vagy a 20. század eleji Oroszország képe. a hideg Kascsejev-királyság allegorikus képében, majd igazi szatíra a rohadt autokratikus rendszerről mesebeli népszerű képekben („Az aranykakas”). A szereplők zenei ábrázolásának módszerei és Rimszkij-Korszakov zenei dramaturgiájának technikái különböző esetekben eltérőek. Azonban minden operájában érezhető a zeneszerző mély alkotói behatolása a népi eszmék, népi hiedelmek világába, a nép világképébe. Operái zenéjének alapja a népdalok nyelve. Támaszkodás népművészet, a szereplők jellemzése a különféle népi műfajok felhasználásával Rimszkij-Korszakov jellegzetes vonása.
Rimszkij-Korszakov munkásságának csúcsa a fenséges eposz a rusz nép hazaszeretetéről a Kitezs láthatatlan város legendája és a Fevronia leány című operában, ahol a zeneszerző a zenei és szimfonikus általánosítás magas fokára jutott. téma.
Az orosz klasszikus opera többi fajtája közül az egyik fő hely a lírai-pszichológiai operáé, amelynek kezdetét Dargomizsszkij Ruszalkája rakta. Ennek a műfajnak a legnagyobb képviselője az orosz zenében Csajkovszkij, a világopera-repertoáron szereplő zseniális művek szerzője: Jevgenyij Onegin (1877-1878), A varázsló (1887), Pákkirálynő (1890), Iolanta (1891). ). Csajkovszkij újítása a humanizmus eszméinek elkötelezett munkájához, az ember megaláztatása elleni tiltakozáshoz, az emberiség jobb jövőjébe vetett hithez kapcsolódik. Belső világ az emberek, kapcsolataik, érzéseik úgy tárulnak fel Csajkovszkij operáiban, hogy a színházi hatást ötvözik a zene következetes szimfonikus fejlődésével. Csajkovszkij operaműve a világ zenei és színházi világának egyik legnagyobb jelensége. Művészet XIX V.
Az orosz zeneszerzők operai művében kisebb számú mű szerepel. Ezt a néhány mintát azonban nemzeti identitása különbözteti meg. Nincs bennük szórakoztató könnyedség, komikum. A legtöbbjük Gogol történetein alapult az Estek egy farmon Dikanka mellett című filmből. Az opera-vígjátékok mindegyike a szerzők egyéni sajátosságait tükrözte. Csajkovszkij „Cserevicski” című operájában (1885; az első változatban – „Vakula kovács”, 1874) a lírai elem érvényesül; Rimszkij-Korszakov "Május éjszakájában" (1878) - fantasztikus és rituális; Muszorgszkij Sorochinskaya vásárában (70-es évek, nincs kész) - tisztán komikus. Ezek az operák példái az emberek életének reális tükrözésének képességének a karakterek komédia műfajában.
Az orosz zenei színházban számos úgynevezett párhuzamos jelenség csatlakozik az orosz operaklasszikusokhoz. Olyan zeneszerzők munkásságára gondolunk, akik nem alkottak maradandó jelentőségű műveket, bár ők is hozzájárultak az orosz opera fejlődéséhez. Itt kell megnevezni Ts. A. Cui (1835-1918), a Balakirev-kör tagja, a 60-70-es évek kiemelkedő zenekritikusa operáit. Cui „William Ratcliffe” és „Angelo” című operái, amelyek nem hagyják el a hagyományosan romantikus stílust, nélkülözik a drámaiságot és időnként a ragyogó zenét. Cui későbbi támogatásai kevésbé fontosak (" A kapitány lánya”, „Mademoiselle Fifi” stb.). A klasszikus operakísérő kiváló karmester munkája és zenei igazgató operák Szentpéterváron E. F. Napravnik (1839-1916). A leghíresebb a Dubrovszkij című operája, amelyet Csajkovszkij lírai operáinak hagyományai szerint komponáltak.
A 19. század végén fellépő zeneszerzők közül. az operaszínpadon meg kell neveznünk A. S. Arenskyt (1861-1906), az Álom a Volgán, a Rafael és a Nal és a Damayanti című operák szerzőjét, valamint M. M. Ippolitov-Ivanovot (1859-1935), akinek Aszja című operája I. S. Turgenyev, Csajkovszkij lírai modorában íródott. Aiszkhülosz szerint S. I. Tanyejev (1856-1915) Oreszteia című orosz operájának történetében kiemelkedik, amely színházi oratóriumnak nevezhető.
Ugyanakkor S. V. Rahmanyinov (1873-1943) operaszerzőként tevékenykedett, és a konzervatórium végére (1892) megkomponálta a Csajkovszkij-hagyományokban megőrzött egyfelvonásos „Aleko”-onét. Rahmanyinov későbbi operái – Francesca da Rimini (1904) és A fösvény lovag (1904) – operakantáta jelleggel íródtak; amennyire lehet összenyomják. színpadi akció a zenei-szimfonikus kezdet pedig nagyon fejlett. Ezen operák tehetséges és fényes zenéje magán viseli a szerző alkotói stílusának eredetiségének lenyomatát.
A 20. század elejének operaművészetének kevésbé jelentős jelenségei közül. nevezzük A. T. Grecsaninov (1864-1956) operáját Dobrynya Nikitichnek, amelyben jellemzők mese-epikus klasszikus opera átadta helyét a romantikus dalszövegeknek, valamint A. D. Kastalsky (1856-1926) „Clara Milic” operájának, amelyben a naturalizmus elemei az őszinte lenyűgöző lírával ötvöződnek.
XIX. század - az orosz opera klasszikusainak korszaka. Az orosz zeneszerzők remekműveket hoztak létre az opera különböző műfajaiban: dráma, eposz, hősi tragédia, vígjáték. Innovatív zenedrámát hoztak létre, amely szoros összefüggésben született az operák újító tartalmával. A népi tömegjelenetek fontos, meghatározó szerepe, a szereplők sokrétű jellemzése, a hagyományos operaformák újszerű értelmezése és az egész mű új zenei egységi elveinek megteremtése az orosz operaklasszikusok jellemzői.
Az orosz klasszikus opera, amely a progresszív filozófiai és esztétikai gondolkodás hatására, a közélet eseményeinek hatására fejlődött ki, az orosz opera egyik figyelemre méltó aspektusává vált. Nemzeti kultúra 19. század Az orosz opera teljes fejlődési útja a múlt században párhuzamosan futott az orosz nép nagy felszabadító mozgalmával; zeneszerzőit a humanizmus és a demokratikus felvilágosodás magas eszméi inspirálták, és műveik számunkra a valóban realista művészet nagyszerű példái.
1836. december 9-én (november 27-én, régi stílusban) a szentpétervári Bolsoj Színház színpadán került sor Mihail Ivanovics Glinka Egy élet a cárnak című operájának ősbemutatójára, amely egy új korszak kezdetét jelentette az orosz operazenében. .
Ezzel az operával megkezdődött az első orosz klasszikus zeneszerző úttörő útja, amely világszintre taszította. Szó lesz Glinka legjelentősebb zenei felfedezéseiről.
Az első Nemzeti Opera
M. I. Glinka európai utazásai során teljes mértékben felismerte valódi célját. A zeneszerző távol volt hazájától, és úgy döntött, hogy igazi orosz operát hoz létre, és megfelelő cselekményt kezdett keresni hozzá. Zsukovszkij tanácsára Glinka hazafias történetet választott - egy legendát Ivan Susanin bravúrjáról, aki életét adta hazája megmentéséért.
A világ operazenéjében először jelent meg ilyen hős - egyszerű eredetű és a legjobb tulajdonságokkal. nemzeti jelleg. Egy ekkora zeneműben először szólal meg a nemzeti folklór leggazdagabb hagyományai, az orosz dalszerzés. A közönség durván fogadta az operát, elismerés és hírnév érte a zeneszerzőt. Glinka anyjának írt levelében ezt írta:
„Tegnap este végre teljesültek a vágyaim, és hosszú munkámat a legragyogóbb siker koronázta. A közönség rendkívüli lelkesedéssel fogadta az operámat, a színészek elvesztették a türelmüket a buzgóságtól… a szuverén császár… megköszönte és hosszan beszélgetett velem…”.
Az operát a kritikusok és a kulturális személyiségek nagyra értékelték. Odojevszkij "egy új elem kezdetének a művészetben - az orosz zene időszakának" nevezte.
A mesebeli eposz megérkezik a zenébe
1837-ben Glinka új operán kezdett dolgozni, ezúttal A. S. Puskin Ruslan és Ljudmila című verséhez fordult. A meseeposz megzenésítésének ötlete a költő életében merült fel Glinkában, akinek a librettóban kellett volna segítenie, ám Puskin halála megzavarta ezeket a terveket.
Az opera ősbemutatója 1842-ben volt - december 9-én, pontosan hat évvel Susanin után, de sajnos nem hozott ugyanolyan átütő sikert. Az arisztokrata társadalom, élén a császári családdal, ellenségesen fogadta a produkciót. Glinka kritikusai, sőt támogatói is kétértelműen reagáltak az operára.
„Az 5. felvonás végén a császári család elhagyta a színházat. Amikor leeresztették a függönyt, elkezdtek hívogatni, de nagyon barátságtalanul tapsoltak, közben buzgón sziszegtek, és főleg a színpadról és a zenekarról.”
– emlékezett vissza a zeneszerző.
Ennek a reakciónak az oka Glinka innovációja volt, amellyel Ruslan és Ljudmila létrehozásához közelített. Ebben a műben a zeneszerző teljesen különböző motívumokat és képeket kombinált, amelyek korábban összeegyeztethetetlennek tűntek az orosz hallgató számára - lírai, epikus, folklór, keleti és fantasztikus. Emellett Glinka az olasz és a francia operaiskola formáját is ismerősen hagyta a néző előtt.
Ez a későbbi mesés eposz megerősödött Rimszkij-Korszakov, Csajkovszkij, Borodin műveiben. De akkoriban a közvélemény egyszerűen nem volt felkészülve az operazene effajta forradalmára. Glinka operáját régóta nem tekintik színpadi műnek. Egyik védelmezője, V. Stasov kritikus még „korunk mártírjának” is nevezte.
Az orosz szimfonikus zene kezdetei
Ruslan és Ljudmila kudarca után Glinka külföldre ment, ahol folytatta az alkotást. 1848-ban megjelent a híres "Kamarinskaya" - egy fantázia két orosz dal - esküvő és tánc - témáiról. Az orosz szimfonikus zene Kamarinszkajaból származik. Mint a zeneszerző felidézte, nagyon gyorsan megírta, ezért nevezte fantáziának.
„Biztosíthatom, hogy ennek a darabnak a megkomponálásakor az egyetlen belső zenei érzés vezérelt, nem arra gondoltam, hogy mi történik az esküvőkön, hogyan járnak ortodox népeink”
– mondta később Glinka. Érdekesség, hogy Alekszandra Fedorovna császárnéhoz közel álló „szakértők” elmagyarázták neki, hogy a munka egyik helyén jól hallható, ahogy „egy részeg ember kopogtat a kunyhó ajtaján”.
Tehát a két legnépszerűbb orosz dalon keresztül Glinka jóváhagyta új típusú szimfonikus zeneés megalapozta további fejlődését. Csajkovszkij a következőképpen kommentálta a művet:
„Az egész orosz szimfonikus iskola, mint az egész tölgyfa a gyomorban, benne van a „Kamarinskaya” szimfonikus fantáziában.
Az orosz zeneszerző iskola, amelynek hagyományait a szovjet és a mai orosz iskola is folytatta, a 19. században olyan zeneszerzőkkel kezdődött, akik az európai zeneművészetet az orosz népi dallamokkal ötvözték, összekapcsolva az európai formát és az orosz szellemet.
Sokat lehet beszélni ezekről a híres emberekről, mindenkinek nem egyszerű, sőt néha még tragikus sorsok, de ebben az áttekintésben megpróbáltuk csak rövid leírás zeneszerzők élete és művei.
1. Mihail Ivanovics Glinka
(1804-1857)
Mihail Ivanovics Glinka a Ruslan és Ljudmila című opera komponálása közben. 1887, Ilja Efimovics Repin művész
"Ahhoz, hogy szépséget alkossunk, tiszta léleknek kell lenni."
Mihail Ivanovics Glinka az orosz klasszikus zene megalapítója és az első hazai klasszikus zeneszerző, aki világhírt szerzett. Az orosz népzene évszázados hagyományaira épülő művei új szót jelentettek hazánk zeneművészetében.
Szmolenszk tartományban született, Szentpéterváron tanult. Mikhail Glinka munkásságának világnézetének és fő gondolatának kialakulását elősegítette a közvetlen kommunikáció olyan személyiségekkel, mint A. S. Puskin, V. A. Zsukovszkij, A. S. Gribojedov, A. A. Delvig. Munkásságának alkotói lendületét az 1830-as évek elején tett hosszú távú európai utazás, valamint a korabeli vezető zeneszerzőkkel - V. Bellinivel, G. Donizettivel, F. Mendelssohnnal, majd később G. Berliozzal, J. Meyerbeer.
M. I. Glinka sikerét 1836-ban érte el, miután színpadra vitte az „Ivan Susanin” („Élet a cárért”) című operát, amelyet mindenki lelkesen fogadott. A világzenében először az orosz kórusművészet, valamint az európai szimfonikus és operagyakorlat. szervesen ötvözve, és megjelent egy Susaninhoz hasonló hős is, akinek képe a nemzeti karakter legjobb vonásait foglalja össze.
VF Odojevszkij úgy jellemezte az operát, mint "új elemet a művészetben, és új korszak kezdődik történetében - az orosz zene időszaka".
A második opera, a Ruslan és Ljudmila című eposz (1842), amely Puskin halála hátterében és a zeneszerző nehéz életkörülményei között készült, a mű mélyen újító jellege miatt, a közönség félreérthetően fogadta, a hatóságokat, és súlyos tapasztalatokat hozott M. I. Glinkának. Ezt követően sokat utazott, felváltva élt Oroszországban és külföldön, anélkül, hogy abbahagyta volna a zeneszerzést. Hagyatékában románcok, szimfonikus és kamaraművek maradtak. Az 1990-es években Mihail Glinka "Hazafias dala" volt az Orosz Föderáció hivatalos himnusza.
Idézet M.I. Glinkáról:„Az egész orosz szimfonikus iskola, mint az egész tölgy a makkban, benne van a „Kamarinskaya” szimfonikus fantáziában. P. I. Csajkovszkij
Érdekes tény: Mihail Ivanovics Glinkát nem jellemezte a jó egészség, ennek ellenére nagyon könnyed volt, és nagyon jól ismerte a földrajzot, talán ha nem lett volna zeneszerző, utazó lett volna. Hat tudott idegen nyelvek, beleértve a perzsát is.
2. Alekszandr Porfirjevics Borodin
(1833-1887)
Alekszandr Porfiryevich Borodin, a 19. század második felének egyik vezető orosz zeneszerzője, zeneszerzői tehetsége mellett vegyész, orvos, tanár, kritikus és irodalmi tehetség is volt.
Szentpéterváron született, gyermekkora óta körülötte mindenki megjegyezte szokatlan tevékenységét, lelkesedését és képességeit különböző irányokban, elsősorban a zene és a kémia területén.
A. P. Borodin orosz rög zeneszerző, nem voltak hivatásos zenész tanárai, minden zenei teljesítményét önálló munkavégzés a komponálás technikájának elsajátítása.
Az A. P. Borodin megalakulását M. I. munkája befolyásolta. Glinka (valamint az összes 19. századi orosz zeneszerző) és két esemény lendületet adott a zeneszerzés sűrű elfoglaltságának az 1860-as évek elején - egyrészt a tehetséges zongoraművésszel, E. S. Protopopovával való ismerkedés és házasságkötés, másrészt a találkozás M.A. Balakirev és csatlakozott az orosz zeneszerzők kreatív közösségéhez, amelyet a "Mighty Handful" néven ismernek.
Az 1870-es, 1880-as évek végén A. P. Borodin sokat utazott és turnézott Európában és Amerikában, találkozott korának vezető zeneszerzőivel, hírneve nőtt, a 19. század végén Európa egyik leghíresebb és legnépszerűbb orosz zeneszerzőjévé vált. század század.
A. P. Borodin munkásságában a központi helyet az "Igor herceg" (1869-1890) című opera foglalja el, amely a nemzeti hősi eposz zenében, és amit ő maga nem volt ideje befejezni (ezt barátai, A. A. Glazunov és N. A. Rimszkij-Korszakov fejezték be). Az "Igor hercegben", fenséges festmények hátterében történelmi események, tükröződik az alapvető ötlet a zeneszerző összes munkájából - a bátorság, a nyugodt nagyszerűség, a legjobb orosz emberek lelki nemessége és az egész orosz nép hatalmas ereje, amely az anyaország védelmében nyilvánul meg.
Annak ellenére, hogy A. P. Borodin viszonylag kevés művet hagyott hátra, munkássága nagyon sokrétű, és az orosz szimfonikus zene egyik atyjaként tartják számon, aki orosz és külföldi zeneszerzők sok generációjára hatott.
Idézet A. P. Borodinról:„Borodin tehetsége egyformán erőteljes és lenyűgöző mind a szimfóniában, mind az operában és a romantikában. Fő tulajdonságai a gigantikus erő és szélesség, a kolosszális kiterjedés, a gyorsaság és lendületesség, elképesztő szenvedéllyel, gyengédséggel és szépséggel párosítva. V. V. Stasov
Érdekes tény: A karbonsavak ezüstsóinak halogénekkel való kémiai reakcióját, amelynek eredményeként halogénezett szénhidrogének keletkeznek, Borodinról nevezték el, amelyet 1861-ben elsőként vizsgált meg.
3. Szerény Petrovics Muszorgszkij
(1839-1881)
„Az emberi beszéd hangjainak, mint a gondolatok és érzések külső megnyilvánulásainak, túlzás és erőszak nélkül kell igaz, pontos, de művészi, rendkívül művészi zenévé válniuk.”
Szerény Petrovics Muszorgszkij a 19. század egyik legzseniálisabb orosz zeneszerzője, a Mighty Handful tagja. Muszorgszkij innovatív munkája messze megelőzte korát.
Pszkov tartományban született. Mint sok tehetséges ember, gyermekkora óta tehetséges a zene terén, Szentpéterváron tanult, a családi hagyomány szerint katona volt. A döntő esemény, amely meghatározta, hogy Muszorgszkij nem erre született katonai szolgálat, a zene miatt pedig találkozott M.A. Balakirevvel és csatlakozott a "Mighty Handful"-hoz.
Muszorgszkij azért nagyszerű, mert grandiózus műveiben - a Borisz Godunov és a Khovanscsina című operákban - az orosz történelem drámai mérföldköveit ragadta meg zenében egy olyan radikális újdonsággal, amelyet az orosz zene előtte nem ismert, bemutatva bennük a tömeges népi jelenetek és a változatos típusgazdagság, az orosz nép egyedi karaktere. Ezek az operák a szerző és más zeneszerzők számos kiadásában a világ legnépszerűbb orosz operái közé tartoznak.
Muszorgszkij másik kiemelkedő alkotása a „Képek egy kiállításon” című zongoradarab-ciklus, a színes és ötletes miniatúrákat áthatja az orosz refréntéma és az ortodox hit.
Muszorgszkij életében volt minden – nagyság és tragédia is, de mindig is őszinte lelki tisztaság és érdektelenség jellemezte.
Utolsó évei nehézek voltak - életzavarok, kreativitás fel nem ismerése, magány, alkoholfüggőség, mindez meghatározta 42 éves korai halálát, viszonylag kevés kompozíciót hagyott hátra, amelyek egy részét más zeneszerzők fejezték be.
Muszorgszkij sajátos dallama és újszerű harmóniája előrevetítette a 20. század zenei fejlődésének néhány jellemzőjét, és fontos szerepet játszott számos világzeneszerző stílusának kialakulásában.
Idézet M. P. Muszorgszkijról:„Eredetileg orosz hangok szólnak mindenben, amit Muszorgszkij csinált.” N. K. Roerich
Érdekes tény: Muszorgszkij élete végén "barátai", Sztaszov és Rimszkij-Korszakov nyomására lemondott művei szerzői jogairól, és Tertij Filippovnak ajándékozta azokat.
4. Pjotr Iljics Csajkovszkij
(1840-1893)
„Művész vagyok, aki tiszteletet tud és kell is hoznia szülőföldjének. Nagy művészi erőt érzek magamban, még a tizedét sem tettem meg annak, amit tudok. És lelkem teljes erejével meg akarom tenni.”
Pjotr Iljics Csajkovszkij, a 19. század talán legnagyobb orosz zeneszerzője soha nem látott magasságokba emelte az orosz zeneművészetet. A világ komolyzene egyik legjelentősebb zeneszerzője.
A Vjatka tartomány szülötte, bár apai gyökerei Ukrajnában vannak, Csajkovszkij gyermekkorától kezdve zenei képességeket mutatott, de első végzettsége és munkája a jog területén volt.
Csajkovszkij az egyik első orosz "profi" zeneszerző – zeneelméletet és zeneszerzést tanult az új szentpétervári konzervatóriumban.
Csajkovszkijt „nyugati” zeneszerzőnek tartották, ellentétben a „Hatalmas maroknyi” népi figuráival, akikkel jó alkotói és baráti kapcsolatokat ápoltak, munkásságát azonban nem kevésbé áthatja az orosz szellem, sikerült egyedülállóan ötvöznie. Mozart, Beethoven és Schumann nyugati szimfonikus öröksége Mihail Glinkától örökölt orosz hagyományokkal.
A zeneszerző aktív életet élt - tanár, karmester, kritikus, közéleti személyiség volt, két fővárosban dolgozott, turnézott Európában és Amerikában.
Csajkovszkij érzelmileg meglehetősen instabil ember volt, lelkesedés, levertség, apátia, indulatosság, heves harag - mindezek a hangulatok gyakran megváltoztak benne, mivel nagyon társasági ember volt, mindig a magányra törekedett.
Csajkovszkij munkái közül nehéz feladat kiemelni a legjobbat, szinte mindegyikben van több egyforma méretű munkája. zenei műfajok Opera, balett, szimfónia, kamarazene. Csajkovszkij zenéjének tartalma pedig egyetemes: utánozhatatlan melodizmussal öleli át élet-halál, szerelem, természet, gyermekkor képeit, új módon tárulnak fel az orosz és a világirodalom alkotásai, tükröződnek benne a lelki élet mély folyamatai. .
Zeneszerző idézet:"Az életnek csak akkor van varázsa, ha az örömök és bánatok váltakozásából, a jó és a rossz harcából, a fény és az árnyék harcából, egyszóval az egység sokféleségéből áll."
"A nagy tehetség nagy kemény munkát igényel."
Zeneszerző idézet: „Éjjel-nappal készen állok arra, hogy díszőrként álljak annak a háznak a tornácán, ahol Pjotr Iljics lakik – annyira tisztelem őt.” A. P. Csehov
Érdekes tény: A Cambridge-i Egyetem távollétében és disszertáció megvédése nélkül a zenetudomány doktora címet adományozta Csajkovszkijnak, valamint a Párizsi Képzőművészeti Akadémia levelező tagjává választotta.
5. Nyikolaj Andrejevics Rimszkij-Korszakov
(1844-1908)
N. A. Rimszkij-Korszakov és A. K. Glazunov tanítványaikkal, M. M. Csernovval és V. A. Szenilovval. Fénykép 1906 Nyikolaj Andrejevics Rimszkij-Korszakov tehetséges orosz zeneszerző, a felbecsülhetetlen értékű hazai zenei örökség megteremtésének egyik legfontosabb alakja. Sajátos világának és a mindenség örök, mindent elborító szépségének imádatának, a lét csodája iránti csodálatnak, a természettel való egységnek nincs analógja a zenetörténetben.
Novgorod tartományban született, a családi hagyomány szerint haditengerészeti tiszt lett, hadihajón bejárta Európa és két Amerika számos országát. Zenei végzettségét először édesanyjától, majd F. Canille zongoraművésztől vett magánórákat. És ismét, hála M.A. Balakirevnek, a Mighty Handful szervezőjének, aki bevezette Rimszkij-Korszakovot a zenei közösségbe és befolyásolta munkásságát, a világ nem veszítette el a tehetséges zeneszerzőt.
Rimszkij-Korszakov hagyatékában a központi helyet az operák foglalják el - 15 mű, amely a zeneszerző műfaji sokszínűségét, stilisztikai, drámai és kompozíciós döntéseit mutatja be, de mégis sajátos stílussal rendelkezik - a zenekari összetevő minden gazdagságával, a dallamos énekvonalakkal. azok a főbbek.
A zeneszerző munkásságát két fő irányvonal különbözteti meg: az első az orosz történelem, a második a mesék és az eposz világa, amiért a „mesélő” becenevet kapta.
Közvetlen független mellett kreatív tevékenység N. A. Rimszkij-Korszakov publicistaként, népdalgyűjtemények összeállítójaként ismert, amelyek iránt nagy érdeklődést mutatott, valamint barátai - Dargomyzhsky, Mussorgsky és Borodin - munkáinak döntőseként. Rimszkij-Korszakov a zeneszerző iskola alapítója volt, tanárként és a Szentpétervári Konzervatórium vezetőjeként mintegy kétszáz zeneszerzőt, karmestert, zenetudóst, köztük Prokofjevet és Sztravinszkijt nevelt.
Zeneszerző idézet:„Rimszkij-Korszakov nagyon orosz ember volt és nagyon orosz zeneszerző. Úgy gondolom, hogy ez az ősi orosz esszenciája, mély folklór-orosz alapja ma különösen értékelendő. Msztyiszlav Rosztropovics
Tények a zeneszerzőről: Nyikolaj Andrejevics így kezdte első leckét az ellenpontozásról:
Most sokat fogok beszélni, te pedig nagyon figyelmesen fogsz hallgatni. Akkor kevesebbet fogok beszélni, te pedig hallgatsz és gondolkodsz, végül pedig egyáltalán nem beszélek, és a saját fejeddel fogsz gondolkodni, és önállóan dolgozol, mert az én feladatom tanárként, hogy szükségtelenné váljak számodra... .
Ma ritka színház nélkülözi az orosz repertoárt: Pjotr Csajkovszkij és Nyikolaj Rimszkij-Korszakov, Modeszt Muszorgszkij és Igor Sztravinszkij, Szergej Prokofjev és Dmitrij Sosztakovics klasszikus operáit állítják színpadra. A "Culture.RF" portál különböző évek plakátjait tanulmányozta háztartási munkák századtól napjainkig szerették Nyugaton.
19. század
1844-ben a Szentpétervári Udvari Énekkápolna igazgatója, Alekszej Lvov zeneszerző bemutatta a Bianca és Gualtiero című operát a Drezdai Királyi Színházban. 10 évvel később Weimarban mutatták be Anton Rubinstein Szibériai vadászok című operáját – vezényelte híres zeneszerzőés Liszt Ferenc zongoraművész. Ezek voltak az első operák, amelyek külföldi elismerésben részesültek. Igaz, ma Rubinstein egy másik operáról - "A démon" -ról ismert, Lvov pedig az "Isten óvja a cárt!" himnusz szerzője.
A 19. század végére az orosz zenét Európa és az USA szinte minden nagyobb csarnokában előadták – Mihail Glinka, Anton Rubinstein és Pjotr Csajkovszkij lett az arca Nyugaton. Az európai közönség 1866-ban és 1867-ben láthatta Glinka „Élet a cárnak” című, illetve „Ruslan és Ljudmila” című darabját – az előadásokat Prágában tartották. Ugyanitt az 1880-as és 1890-es években Pjotr Csajkovszkij Orléans-i szobalány című operáinak európai ősbemutatója, a Jevgenyij Onegin és Pák királynője».
„Glinka, akárcsak Bortnyansky, a basurmanoknál tanult… de csak formában. Alkotásának belső szelleme, zenéjének tartalma teljesen eredeti. Glinka igazi orosz operákat írt, és egy teljesen új, ha nem is iskolát, de legalább egy zeneiskolát hozott létre, amelyhez én is tartozom, és Glinka leszármazottja vagyok.
Pjotr Csajkovszkij. Peter Jurgenson kiadóhoz írt levélből
1887-ben New Yorkban bemutatták Anton Rubinstein Néró című operáját. Egy évvel később pedig a librettó fordításának hagyománya ellenére Londonban eredetiben adták elő saját „Démonját”.
1900-1930-as évek
1910. március 5-én mutatták be először Csajkovszkij Pákkirálynőjét Amerikában a New York-i Metropolitan Operában. német. A premiert Gustav Mahler osztrák zeneszerző vezényelte, a főbb részeket pedig a korabeli sztárok - Leo Slezak és Emmy Destinn - adták elő. 1913-ban Modeszt Muszorgszkij „Borisz Godunov” című operáját mutatták be a Metropolitanben, 1917-ben pedig Alekszandr Borogyin „Igor herceg” című operáját. 1920-ban a New York-i közönségnek bemutatták az "Eugene Onegint" - olaszul, valamint az olasz sztárokkal, Claudia Muzióval és Giuseppe De Lucával. Az európai közönség megnézte Nyikolaj Rimszkij-Korszakov A hóleány című művét és Muszorgszkij Sorochinsky Fair című komikus operáját is.
Az orosz zene ugyanakkor meghódította a fiatal, de már európai hírű Salzburgi Fesztivált: 1928-ban Leningrádból delegáció érkezett Mozart városába. operaénekes Nyikolaj Csesnokov Pancrasio szerepét alakította Bernhard Paumgartner osztrák zeneszerző A Salamancai barlang című kortárs komikus operájában. Az opera orosz nyelvű librettóját Emmanuil Kaplan szovjet rendező és tenor írta. Kascsej szerepét is énekelte Rimszkij-Korszakov Kascsej, a halhatatlan című művében, és színpadra állította. kővendég» Alekszandr Dargomizsszkij. Az 1928-as salzburgi fesztiválon Kascsejevna szerepét a leendő sztár adta elő Akadémiai színház opera és balett (ma - Mariinsky) Sofia Preobrazhenskaya.
1930-1990-es évek
A világháborúk és a vasfüggöny ellenére az orosz zeneszerzők balettjei és zenéi a XX. század folyamán továbbra is megjelentek a külföldi színpadokon. Az operákkal azonban más volt: az 1930-as évektől az 1990-es évekig gyakorlatilag nem szerepeltek az európai színházakban - csak népszerű előadásokat rendeztek. Például a Borisz Godunovot Salzburgban adták elő, a fesztivál vezetője, Herbert von Karajan: az opera három évig futott egymás után - 1965-től 1967-ig. A főszerepben Nikolay Gyaurov bolgár basszusgitár tündökölt, a Bolsoj Színház tenorja, Alekszej Maszlenyikov a tettes - Grigorij Otrepjev szerepét alakította. 1971-ben egy osztrák karmester vezényletével kiadták a "Boris Godunov" felvételét Maszlenyikov Jurodivijként és Galina Visnyevszkaja Marina Mnishek szerepében. Legközelebb a Salzburgi Fesztivál csak 1994-ben mutatott be orosz operát – és ismét Borisz Godunov volt.
A hidegháború idején Amerika fő színháza, a Metropolitan Opera gyakrabban fordult az orosz örökség felé, mint mások. Többször orosz nevekkel nyitotta a szezont: 1943-ban és 1977-ben - "Boris Godunov", 1957-ben és 2013-ban - "Jeugene Onegin". 1950-ben itt mutatták be Modeszt Muszorgszkij Khovanscsináját, igaz angol nyelven. Az előadás díszletét a híres orosz emigráns művész, Mstislav Dobuzhinsky készítette.
A színház eredeti nyelven szeretett volna operákat színre vinni, de Nyugaton nem voltak előkelő oroszul beszélő énekesek, és a Bolsoj Színház szólistáinak egyszeri látogatása sem változtatott az összképen.
„Az orosz nyelv különös problémát jelent, mert az orosz hangok különböznek az olasztól, a franciától vagy a némettől. Az orosz éneknek jellegzetes hangszíne van, amely a mellkasban rezonál, ha helyesen adják elő, úgy hangzik, mint a föld mélyéből.
Steve Coen. A kulturális kritikus
Pedig 1972-ben a Pák királynője az eredeti librettóval szólalt meg. Az előadásban az orosz gyökerekkel rendelkező svéd tenor, Nikolai Gedda és a bolgár szoprán, Raina Kabaivanska szerepelt. A Metropolitan Opera első orosz nyelvoktatója az egykori énekes, Georgij Csehanovszkij volt. Követte a kiejtést, az énekhangot és a díszlettervet.
1974-ben Borisz Godunov oroszul szabadult. A lengyel felvonás polonézét egy szentpétervári származású, az amerikai balett megalapítója, George Balanchine koreográfus koreografálta. 1977 óta Eugene Onegint oroszul éneklik a Metropolitanben, 1979-ben a Bolsoj Színház szólistái, Makvala Kasrashvili és Jurij Mazurok adták elő az előadás főszerepeit. 1985-ben Khovanshchina eredeti nyelven tért vissza a színpadra.
új idő
1991 után Szergej Prokofjev Szerencsejátékos, Az aranykakas és Mozart és Salieri Nyikolaj Rimszkij-Korszakovtól, Alekó, A fösvény lovag és Francesca da Rimini Szergej Rahmanyinovtól, A varázsló »Pjotr Csajkovszkij.
Új címekkel bővült a Metropolitan Opera repertoárja: Sosztakovics Lady Macbeth című operái Mtsensk kerület”és „Orr”, Prokofjev - „Szerencsejátékos” és „Háború és béke”, Csajkovszkij - „Mazepa” és „Iolanta”. Szinte az összes "orosz" ősbemutatón részt vett a főkarmester Mariinsky Színház Valerij Gergiev és a szentpétervári szólisták.
2002-ben a Mariinsky Színház és a Metropolitan Opera közös produkciót hozott létre a Háború és béke címmel, Andrej Koncsalovszkij rendezésében. Aztán a közönséget és a kritikusokat nagyon lenyűgözte a fiatal Anna Netrebko Natasha Rostova szerepében. Andrej Bolkonszkij szerepét Dmitrij Hvorosztovszkij adta elő. 2014-ben, az 1917-es New York-i bemutató óta először került itt színpadra Borodin Igor herceg című operája. Dmitrij Csernyakov lett a rendező, a címszerepet pedig Ildar Abdrazakov, a Mariinszkij Színház basszusgitárja alakította.
Az elmúlt 20 évben a Salzburgi Fesztivál számos orosz operát is bemutatott: Muszorgszkij Borisz Godunov és Khovanscsina, Csajkovszkij Pák királynője és Mazeppa, Prokofjev Háború és béke, Sztravinszkij A csalogánya. 2017 nyarán mutatták be először Salzburgban Dmitrij Sosztakovics Lady Macbeth of the Mcensk District című operáját, 2018 augusztusában pedig a fesztivál történetében másodszor kerül színpadra a Pák királynője. Ebben az évadban a Bécsi Állami Operaház a Khovanshchinát, a Jevgenyij Onegint és a Szerencsejátékost adja elő.
Orosz előadásokat a Párizsi Nemzeti Opera is rendez. Dmitrij Csernyakov orosz rendező 2017 tavaszán a párizsiak előtt nyitotta meg Rimszkij-Korszakov A hóleány című, Európában ritkán bemutatott című darabját, egy évvel korábban pedig Csernyakov előadását Csajkovszkij zenéjére, a Iolanta című operát és a Diótörő című balettet adták elő. este lett az évad fénypontja, premier 1892-ben.
2018 júniusában a Párizsi Opera a híres belga rendező, Ivo van Hove rendezésében bemutatja a „Borisz Godunov” új interpretációját, a 2019/20-as évadban pedig az „Igor herceg” premierjét az ausztrál Barry Kosky állítja színpadra. .
7 világhírű orosz operaKonstantin Korovin orosz művész és író.
Borisz Godunov. Koronázás. 1934. Díszletvázlat M. P. Muszorgszkij „Borisz Godunov” című operájához
A nyugati modellek utánzatából kiinduló orosz opera értékes hozzájárulást adott az egész világkultúra kincstárához. A francia, német és olasz operák klasszikus virágkorának korában megjelent orosz opera a 19. században nemcsak felzárkózott a klasszikus nemzeti operaiskolákhoz, hanem felülmúlta azokat. Érdekes, hogy az orosz zeneszerzők hagyományosan tisztán népi jellegű témákat választottak műveikhez.
1
"Élet a cárnak" Glinka
Az „Egy élet a cárnak” vagy az „Ivan Susanin” című opera 1612-es eseményeket – a dzsentri Moszkva elleni lengyel hadjáratát – meséli el. A librettó szerzője Jegor Rozen báró lett, azonban a szovjet időkben ideológiai okokból a librettó szerkesztését Szergej Gorodetszkijre bízták. Az opera premierje ben volt Bolsoj Színház Pétervárott 1836-ban. Sokáig Susanin szerepét Fjodor Csaliapin adta elő. A forradalom után az Élet a cárnak című film elhagyta a szovjet színteret. Voltak kísérletek a cselekményt az új idők követelményeihez igazítani: így fogadták be Susanint a Komszomolba, az utolsó sorok pedig úgy hangzottak, hogy "Dicsőség, dicsőség, szovjet rendszer". Gorodetszkijnek köszönhetően, amikor az operát 1939-ben a Bolsoj Színházban bemutatták, a "szovjet rendszert" az "orosz nép" váltotta fel. 1945 óta a Bolsoj Színház hagyományosan Glinka Ivan Susanin különböző produkcióival nyitotta meg az évadot. Az opera legnagyszabásúbb külföldi produkciója talán a milánói La Scalában valósult meg.
2
Borisz Godunov Muszorgszkijtól
Az operát, amelyben a cár és a nép két szereplőként választják, Muszorgszkij kezdte el 1868 októberében. A librettó megírásához a zeneszerző Puskin azonos nevű tragédiájának szövegét és Karamzin Az orosz állam története című művéből származó anyagokat használta fel. Az opera témája Borisz Godunov uralkodása volt közvetlenül a bajok ideje előtt. Muszorgszkij 1869-ben fejezte be a Borisz Godunov című opera első kiadását, amelyet a Birodalmi Színházak Igazgatóságának színházi bizottsága elé terjesztettek. A bírálók azonban elutasították az operát, megtagadták a színpadra állítást a fényesség hiánya miatt női szerep. Muszorgszkij egy "lengyel" felvonást vezetett be az operába szerelem vonal Marina Mnishek és hamis Dmitrij. Egy népfelkelés monumentális jelenetét is hozzáadta, ami látványosabbá tette a finálét. Minden kiigazítás ellenére az operát ismét elutasították. Csak 2 évvel később, 1874-ben állították színpadra a Mariinsky Színház színpadán. Külföldön az opera premierjére a Párizsi Nagyopera Bolsoj Színházában került sor 1908. május 19-én.
3
Csajkovszkij Pákdámája
Az operát Csajkovszkij 1890 kora tavaszán fejezte be Firenzében, az első produkcióra pedig még ugyanazon év decemberében került sor a szentpétervári Mariinszkij Színházban. Az operát a zeneszerző a Császári Színház megrendelésére írta, és Csajkovszkij most először nem volt hajlandó átvenni a rendelést, azzal érvelve, hogy a cselekményből hiányzik a "megfelelő színpadi jelenlét". Érdekes, hogy Puskin történetében főszereplő a Hermann vezetéknevet viseli (két n-vel a végén), az operában pedig a fő színész Herman nevű emberré válik – ez nem hiba, hanem szándékos szerzői változás. Az operát 1892-ben mutatták be először Oroszországon kívül, Prágában. Aztán - az első produkció New Yorkban 1910-ben és a premier Londonban 1915-ben.
4
"Igor herceg" Borodin
Az emlékmű volt a librettó alapja ókori orosz irodalom"Igor hadjáratának meséje". A cselekmény ötletét Vlagyimir Sztaszov kritikus javasolta Borogyinnak a Sosztakovics egyik zenei estéjén. Az operát 18 éven keresztül hozták létre, de a zeneszerző soha nem fejezte be. Borodin halála után Glazunov és Rimszkij-Korszakov befejezte a munkát. Van olyan vélemény, hogy Glazunov emlékezetéből vissza tudta állítani az egykor hallott operanyitány szerzői előadását, azonban Glazunov maga cáfolta ezt a véleményt. Annak ellenére, hogy Glazunov és Rimszkij-Korszakov végezte a munka nagy részét, ragaszkodtak ahhoz, hogy az Igor herceg teljes egészében Alekszandr Porfiryevich Borodin operája legyen. Az opera premierje 1890-ben a szentpétervári Mariinszkij Színházban volt, 9 év után Prágában láthatta a külföldi közönség.
5
Arany kakas, Rimszkij-Korszakov
Az aranykakas című operát 1908-ban írták Puskin azonos című meséje alapján. Ez az opera volt Rimszkij-Korszakov utolsó műve. A birodalmi színházak megtagadták az opera színpadra állítását. Ám amint a közönség 1909-ben, a Moszkvai Operaházban, Szergej Ziminben látta először, egy hónappal később a Bolsoj Színházban is bemutatták az operát, majd megkezdte diadalmenetét a világ körül: Londonban, Párizsban, New York, Berlin, Wroclaw.
6
Shestakovich "Lady Macbeth a Mtsensk kerületből".
A Leszkov azonos című regénye alapján készült opera 1930 decemberében készült el, és először 1934 januárjában állították színpadra a leningrádi Mihajlovszkij Színházban. 1935-ben az operát Clevelandben, Philadelphiában, Zürichben, Buenos Airesben, New Yorkban, Londonban, Prágában, Stockholmban mutatták be a közönségnek. A harmincas évek második felétől az 1950-es évekig az operát betiltották Oroszországban, és magát Sestakovichot is elítélte az ország kommunista pártjának vezetése. A művet "zene helyett rendetlenségnek", "szándékosan megcsináltatva" jellemezték, és ösztönzőleg hatott a zeneszerző üldözésére. Az oroszországi előadások csak 1962-ben indultak újra, de a közönség láthatta a Katerina Izmailova című operát.
7
"Kővendég" Dargomyzhsky
Az opera ötlete Alekszandr Dargomizsszkijtől származik 1863-ban. A zeneszerző azonban kételkedett sikerében, és kreatív „felderítésnek”, „Puskin Don Giovannija feletti mulatságnak” tekintette a művet. A kővendég Puskin-szövegéhez írt zenét anélkül, hogy egyetlen szót sem változtatott volna benne. A szívproblémák azonban nem tették lehetővé a zeneszerzőnek, hogy befejezze a művet. Meghalt, végrendeletében arra kérte barátait, Cuit és Rimszkij-Korszakovot, hogy fejezzék be a munkát. Az operát először 1872-ben mutatták be a közönségnek a szentpétervári Mariinszkij Színház színpadán. A külföldi premierre csak 1928-ban, Salzburgban került sor. Ez az opera az egyik „alapkövévé” vált, ismerete nélkül nem lehet megérteni nemcsak az orosz klasszikus zenét, hanem hazánk általános kultúráját is.
