Az akkori Hollandia kiterjedt gyarmati kereskedelmet folytatott, erős flottája volt, a hajógyártás az egyik vezető iparág volt. A szorgalmas gazdáknak, a hollandoknak sikerült viszonylag kis földeken tejtermelő gazdaságot létrehozniuk, amely híressé vált az európai piacon. Hollandia ugyanakkor az európai kultúra legfontosabb központja. A protestantizmus, amely teljesen felváltotta a katolikus egyház befolyását, oda vezetett, hogy a papságnak nem volt olyan befolyása, mint Flandriában. A holland művészeknek más megrendelőjük volt: a polgárok, a magisztrátus, ezért az akkori hollandiai festmények nem voltak olyan méretűek, mint Rubens vagy Jordans vásznai, és főleg nem monumentális és dekoratív feladatokat oldanak meg. A 17. századi holland művészet fő vívmánya a festőállványfestészet. Az ember és a természet a holland művészek megfigyelésének és ábrázolásának tárgya volt. háztartási festés egyik vezető műfajává válik, amelynek alkotói a "kis holland" nevet kapták, akár a cselekmények igénytelensége, akár a festmények kis mérete miatt. Innen ered a széleskörű festészet az egyes témákban: portré, tájkép, csendélet, animalisztikus műfaj.
Frans Hals Hollandia egyik legnagyobb portréfestője volt. Csoportportré műfajában dolgozott, puskás céheket - városok védelmére és védelmére szolgáló tiszti társaságokat - ábrázolt. Az egyes portrékat a kép speciális sajátossága miatt műfajportréknak is nevezik.
táj műfaj különösen érdekes. Ez egyáltalán nem a természet, néhányan összkép az univerzum, hanem a nemzeti, mégpedig a holland táj, amelyet a modern Hollandiában is felismerünk: szélmalmok, sivatagi dűnék, csatornák, nyáron csónakokkal, télen korcsolyázókkal. A szürke égbolt nagy helyet foglal el a kompozíciókban. A tájfestészet virágkora a 17. század közepére nyúlik vissza, a realista tájkép legnagyobb mestere Jacob van Ruisdael (lásd a reprodukciókat). Művei általában mély drámaisággal teltek, legyen szó erdei bozótról, vízesésekkel tarkított tájról vagy romantikus temetős tájról. Ruisdael természete a dinamikában, az örök megújulásban jelenik meg. A természet legegyszerűbb motívumai az ecset alatt Jan van GoyenÉs Salomon van Ruysdael monumentálissá válik. Csak a tengeri tájak Jan Porcellis. A holland tájjal szorosan összefügg az állatias műfaj. Kedvenc motívum Albert Cuyp- tehenek az itatónál. Paul Porter az általános tervek mellett szeret egy vagy több állatot közelről ábrázolni egy táj hátterében.
A ragyogó fejlődés eléri csendélet. A holland csendélet a flamandokkal ellentétben szerény méretű és intim motívumokkal rendelkezik. Peter KlasÉs Willem Kheda gyakrabban ábrázolta az úgynevezett "reggelit": sonkás vagy lepényes ételeket egy viszonylag szerényen felszolgált asztalon. Ügyes elrendezésben a tárgyakat úgy jelenítik meg, hogy az ember úgymond érzi a dolgok belső életét. A színezés visszafogott és kifinomult. A holland társadalom életének változásával a csendéletek természete is megváltozik. A Kheda "reggelijeit" a pazar desszertek váltják fel Kalfa. Az egyszerű edényeket márványasztalok, szőnyegterítők, ezüst serlegek, gyöngyház kagylók és kristálypoharak váltják fel. A Kalf elképesztő virtuozitást ér el az őszibarack, a szőlő és a kristályfelületek textúrájának közvetítésében. Az egykori csendéletek egyetlen tónusát a legkiválóbb színes árnyalatok gazdag gradációja váltja fel.
Franz Hals körében, ahol Adrian Brouwer, a flamand festő kialakult, kifejezetten érdeklődött a témák iránt. háztartási festés
. Adrian van Ostadeáltalában a parasztság életének árnyoldalát ábrázolja. Az 1940-es évek óta munkáiban a szatirikus jegyzeteket egyre inkább felváltják a humorosak. Néha remek lírai érzéssel színesítik ezeket a kis képeket.
A belső tér a "kis hollandok" körében különösen költőivé válik. Ennek a témának az igazi énekese Pieter de Hooch volt. Félig nyitott ablakú, véletlenül kidobott cipővel, vagy otthagyott seprűvel ellátott szobái általában emberi alak nélkül vannak ábrázolva, de itt láthatatlanul jelen van az ember, mindig van kapcsolat a belső tér és az emberek között. Amikor embereket ábrázol, szándékosan egy bizonyos dermedt ritmust hangsúlyoz, az életet úgy ábrázolja, mintha megdermedt volna, olyan mozdulatlanul, mint maguk a dolgok.
A holland realizmus csúcsa, a holland kultúra képi vívmányainak eredménye, Rembrandt munkája. Igazi hollandként nem fél a valósághű részletektől, nagy művészként tudja, hogyan kerülheti el a naturalizmust. A 30-as években Rembrandt először kezdett komolyan foglalkozni a grafikával, különösen a rézkarcokkal. A metszeteket és egyedi rajzokat hagyó grafikus Rembrandt hagyatéka nem kevésbé jelentős, mint a képi örökség. A rézkarcok többnyire bibliai és evangéliumi témák, de a rajzon igazi holland művészként gyakran fordul a hétköznapi műfaj felé. Rembrandt óriási befolyást gyakorolt a művészetre, sok tanítványa volt, néhányan nem lépték túl a tanár külső utánzását, a többség pedig megváltoztatta, az akadémizmus és a flamandok, majd a franciák utánzása pozíciójába került. A 17. század utolsó negyedében megkezdődik a holland festőiskola hanyatlása, nemzeti identitásának elvesztése, a 18. század elejétől pedig a holland realizmus nagy korszakának vége.
17. század kettőt mutatott a világnak művészeti iskolák – holland és flamand. Mindketten örökösei voltak Hollandia művészeti hagyományainak - egy európai országnak, amelynek területén addigra kialakult a katolikus Flandria, amelyet a legjelentősebb tartományról neveztek el (ma Belgium és Franciaország területe). Más tartományok, miután megvédték ragaszkodásukat a reformáció eszméihez, egyesültek, és elkezdték Holland Köztársaságnak vagy egyszerűen Hollandiának nevezni. A 17. században Hollandiában a lakosság mintegy háromnegyede városlakó volt, a főosztályt középosztálynak tekintették. A református egyház felhagyott a dekoráció pompájával, nem voltak koronás megrendelők és törzsi arisztokrácia, ami azt jelenti, hogy a burzsoázia képviselői lettek a művészet fő fogyasztói. A festésre szánt tér a polgárok házaira és középületekre korlátozódott.
A festmények mérete általában nem volt nagy (a palotafestményekhez vagy a templomi oltárkompozíciókhoz képest), a cselekmények kamara jellegűek, magánéleti, hétköznapi jeleneteket ábrázoltak. A 17. századi holland művészet fő vívmánya. - festőállványfestésben. Az ember és a természet a holland művészek megfigyelésének és ábrázolásának tárgya volt. A szorgalom, a szorgalom, a rend és a tisztaság szeretete tükröződik a holland életmódot ábrázoló festményeken. Ezért nevezték el a 17. századi holland mestereket (Rembrandt és Hals kivételével) "kis holland" századi holland festők széles köre. munkájuk kamara jellegével, festményeik kis méretével (táj, enteriőr, hétköznapi jelenetek) kapcsolatban merült fel. A kishollandok festészetét az írás finomsága, az apró részletek kifejezőkészsége, a fény- és színárnyalatok szépsége, az általános komfortérzet, a karakterek közelsége, egysége jellemzi egy tájban vagy belső környezetben. A legtöbb között jeles képviselői- Jan Vermeer, az Ostade fivérek (Adrian van O. és Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu.
A legtöbb művész belül talált témát festményeihez hazájában Rembrandt tanácsát követve: „Tanulja meg mindenekelőtt a gazdag természet követését, és mindenekelőtt azt mutassa meg, amit benne talál. Ég, föld, tenger, állatok, jó és gonosz emberek- minden a gyakorlatunkat szolgálja. Síkságok, dombok, patakok és fák elegendő munkát adnak a művésznek. Városok, piacok, templomok és természeti kincsek ezrei kiáltanak hozzánk, és azt mondják: menjetek, tudásra szomjazva, szemléljetek minket és szaporodjatok. A művészek produktivitása hihetetlen méreteket öltött, ennek eredményeként verseny alakult ki a festők között, ami viszont a mesterek specializálódásához vezetett. És talán emiatt is sokféle műfaji megkülönböztetés volt. Olyan művészek jelentek meg, akik csak a tengeri táj vagy a városkép műfajában dolgoztak, vagy a helyiségek belső tereit (szobák, templomok) ábrázolták. A festészet történetében akadtak példák csendéletekre és tájképekre, de ezek a műfajok még soha nem értek el olyan tömeges jelleget és önellátást, mint Hollandiában a 17. században.
A hollandok az egész sokszínű világot akarták képekben látni. Innen ered az e századi festészet széles skálája, a „szűk specializáció” bizonyos témákban: portré és tájkép, csendélet és állati műfaj. Hollandiában nem volt kapcsolat Olaszországgal, és a klasszikus művészet sem játszott olyan szerepet, mint Flandriában. A realista irányzatok elsajátítása, egy bizonyos témakör kialakítása, a műfajok felosztása egységes folyamatként az 1720-as évekre teljesedett ki.
A holland festészet története a XVII tökéletesen bemutatja Hollandia egyik legnagyobb portréfestőjének munkásságának alakulását Frans Hals(1580-1666) Tevékenysége szinte teljes egészében Harlemben zajlott. Itt már 1616 körül magas rangú portréfestővé léptették elő, és élete végéig megőrizte e területen betöltött szerepét. A Hals megjelenésével éretté válik a szigorúan valósághű és élesen egyéni holland portré. Minden bátortalan, kicsinyes, naturalista, ami elődjeit megkülönbözteti, legyőzik.
A Khals művészet kezdeti szakasza nem tisztázott. Azonnal látjuk, hogy a mester megoldja a csoportportré legnehezebb problémáját. Egymás után fest képeket, amelyeken a St. Adrian és St. George (Harlem, Frans Hals Múzeum), ahol a zsúfolt találkozó élénksége és az egyes jelenlévők típusainak fényessége utánozhatatlan könnyedséggel közvetíthető. A csoportosítások festői készsége és kompozíciós ötletessége ezeken a portrékon kéz a kézben jár a jellegzetességek rendkívüli élességével. Hals nem pszichológus: szellemi élet modelljei általában elhaladnak mellette. Igen, és a legtöbb ember számára ír, akiknek egész élete intenzív, lendületes tevékenység körülményei között zajlik, de nem mélyül el túlságosan a pszichológiai jellegű kérdésekben. De Hals, mint senki más, megragadja ezeknek az embereknek a megjelenését, képes megragadni a legrövidebb, de egyben legjellemzőbbet arckifejezésben, testtartásban, gesztusokban. Természeténél fogva vidám, igyekszik minden képet megörökíteni az újjászületés, az öröm pillanatában, és senki sem adja át a nevetést olyan finoman és változatosan, mint ő. Tiszt portréja (1624, London, Wallace gyűjtemény), széken imbolygó "Geytgeizen" (1630-as évek vége, Brüsszel, művészeti galéria), "Cigány" (1620-as évek vége, Louvre), vagy az ún. "Harlem Witch" - "Malle Bobbe"(Berlin) éles és gyakran hetyke művészetének jellegzetes példáiként említhető. Férfiakat, nőket, gyerekeket ugyanazzal az élőképpel ábrázolja (“ Kesztyűs fiatal férfi portréja", RENDBEN. 1650, Ermitázs). Az elevenség benyomását maga a Hals technika is elősegíti, amely szokatlanul szabad és az évek során egyre szélesebb. A korai alkotások dekoratív csillogása utólag mérséklődik, a szín ezüstössé válik, a fekete-fehér tónusok használatának szabadsága merész képi merészséget megengedő képességről árulkodik.
A késői időszak (50-60-as évek) portréin eltűnik a gondtalan bravúr, az energia, a nyomás. az Ermitázsban férfi portré az alak minden lenyűgözősége ellenére nyomon követhető a fáradtság és a szomorúság. Ezeket a jellemzőket tovább erősíti egy széles karimájú kalapban viselő férfi ragyogóan festett portréja (kasseli múzeum). A Hals ezekben az években megszűnik népszerűsége, mert soha nem hízelget, és idegennek bizonyul a demokratikus szellemüket vesztett gazdag vásárlók újjászülető ízlésétől. De Hals a kreativitás késői időszakában éri el a mesteri tudás csúcsát, és alkotja meg a legmélyebb művet. Egyes művekben a színmegoldások impresszionisztikus technikái körvonalazódnak. Hals élete utolsó évéig számtalan egyéni portrét fest, de ismét visszatér a csoportportrékhoz. 2 portrét fest - a régensek és egy idősek otthonának régensei, az egyikben élete végén maga is menedéket talált. A régensek portréjában nem látszik a korábbi kompozíciók bajtársiassága, a modellek szétesnek, tehetetlenek, borús a kilátásuk, arcukra pusztulás íródott. A komor színezésben (fekete, szürke és fehér) az egyik régens térdén lévő rózsaszínes-piros folt különös feszültséget hoz. Tehát 9 évesen egy beteg, magányos és elszegényedett művész megalkotja legdrámaibb és legkiválóbb mesterségbeli műveit.
Hals művészete nagy jelentőséggel bírt a maga korában, nemcsak a portré, hanem a mindennapi élet műfajának, tájképének, csendéletének alakulására is hatással volt.
táj műfaj Hollandia 17. század különösen érdekes. Ez nem a természet általában, egy bizonyos általános kép az univerzumról, hanem a nemzeti, mégpedig a holland táj, amelyet a modern Hollandiában ismerünk: a híres szélmalmok, sivatagi dűnék. A szürke égbolt nagy helyet foglal el a kompozíciókban. Hollandiát így ábrázolják Jan Van Goyen (1596-1656) és Salomon Van Ruysdael (1600-1670).
Középre utal a tájfestészet hajnala a holland iskolában. 17. század A valósághű táj legnagyobb mestere az volt Jacob van Ruysdael (1628-1682), kimeríthetetlen képzelőerővel rendelkező művész. Művei általában tele vannak mély drámaisággal, legyen szó erdei bozótokról ("Erdei mocsár"), vízesésekkel tarkított tájakról ("Vízesés"), vagy romantikus temetős tájról ("Zsidó temető"). A ruisdaeli természet dinamikában, örök megújulásban jelenik meg. A természet legnehezebb motívumai is monumentális jelleget kapnak a művész ecsetje alatt. Ruisdael hajlamos a gondos írást nagy létfontosságú integritással kombinálni a kép szintetikus karakterével.
Haarlemben született 1628-ban vagy 1629-ben. Legelső, 1646-ban fennmaradt munkája úgy néz ki, mint egy érett mester munkája – és akkor még csak 18 éves volt. Teljes bizalommal kijelenthetjük, hogy 1648-ban Ruisdael a haarlemi művészcéh tagja lett.
Fiatalkorában Ruisdael meglehetősen sokat utazott a természet keresésére – anélkül azonban, hogy több mint száz mérföldet elhagyott volna szülőföldjéről, Haarlemből. Az 1650-es évek közepén a művész Haarlemből Amszterdamba költözött, ahol napjai végéig élt.
Amszterdam nagyvárosa Ruisdael idején feltűnően különbözött a tartományi Haarlemtől (bár e városok közötti távolságot már akkor is két óra alatt sikerült leküzdeni). Ruisdael nem magánrendelésre, hanem ingyenes eladásra festette festményeit, majd 1670 körül a város közepére, a Dam térre költözött, ahol közvetlenül Hieronymus Sveerts festmény- és könyvkereskedő boltja felett bérelt lakást. .
Meindert Hobbema(1638, Amszterdam, - 1709. december 7.) - a holland táj legjelentősebb mestere mentora, Jacob van Ruysdael után.
Ismeretes, hogy Hobbema és Ruisdael együtt utaztak és vázlatokat készítettek a természetből. 1668 novemberében Hobbema feleségül vette Amszterdam polgármesterét, és rajta keresztül megkapta az importborok minőségi felügyelői posztját. Sokáig azt hitték, hogy ezzel véget is ért a festészeti leckéi.
Lehet, hogy kevesebb időt kellett festenie, mint korábban, de legjobb munkája, a The Alley at Middelharnis 1689-ben, egy másik londoni festmény, a Brederode kastély romjai pedig 1671-ben készült. Ezek a későbbi alkotások a holland tájfestészet legsikeresebb eredményei közé tartoznak, és lényegében határvonalat húznak fejlődésében.
A művész szegénységben halt meg, de már a 18. században is sokat utánozták, alkotásai a gyűjtők rivalizálásának tárgyává váltak. Ruisdaellel ellentétben, aki inkább a vadon élő állatokat szerette volna megörökíteni, Hobbemet a csendes vidéki jelenetek vonzották, ahonnan a napfényben fürdő falvakra nyílik kilátás, amelyeket itt-ott tornyosuló facsoportok tesznek változatossá. Ezekben a vidéki idillekben minden nagy gonddal ki van írva, és főleg a lombok.
A holland tájjal szoros kapcsolatban áll állatias műfaj. A tájfestészet számos képviselője érdeklődik az állatok átadása iránt. Ez utóbbiak gyakran tisztán tájelemekkel egyenértékűnek bizonyulnak, és néha a táj nem más, mint háttérként szolgál számukra. Az állat fajtájának, szerkezetének, színének, jellegzetes mozgásainak azonosítása a hollandok egyik feltűnő tulajdonsága. Az atmoszféra és a fény áteresztésének finomsága ezzel a képességgel kombinálva néhány állatfestőnél kivételes tökéletességet ér el. Ezt számos mű bizonyítja Paulus Potter(1625-1654) és Albert Cuyp(1620-1691). Mindketten, a szabadban legelésző vagy pihenő állatokat ábrázoló festmények mellett (Potter-tanya, Ermitázs, 1649) külön-külön közeli másolatot is készítettek róluk. Potter az általános felvételeken kívül szeret egy vagy több állatot közelről ábrázolni egy táj hátterében ("A Dog on a Chain"). Cape kedvenc motívuma a tehenek az itatónál ("Naplemente a folyón", "Tehenek a patak partján"). „Táj csordával, lovassal és parasztokkal” festmény.
A békés vidéki jelenet a naplemente aranyló fényében fürdik. A meleg fény áthatja a kompozíció minden részletét, ragyogó hatást keltve. Ez feltűnően megkülönbözteti a Cape színét kortársai hidegkékétől és zöldjétől, mint pl. Meindert Hobbema. Az állatok elrendezésének látszólagos véletlenszerűségét valójában alaposan átgondolják, hogy megmutassák a fény és az árnyék játékát.
A Fok ráadásul az elsők közé tartozik a tiszta táj képviselői között. Festményeit az arany, napfény közvetítésében való kivételes készség jellemzi, rendkívül változatos motívumok és számos kikötő (tengeri kilátás) található.
Csak tengeri tájkép(marina) eljegyezték Jan Porcellis(1584-1632). Marina nagyon fontos szerepet játszott a 17. századi holland művészetben, és számos első osztályú szakembert hozott létre. A jachtkikötő általános fejlődési pályája megegyezni látszik a holland táj történetében általában megfigyeltekkel. A korai szakaszban a kompozíciók egyszerűek. A művész akkor látja elért célját, ha a legnagyobb valószínűséggel közvetíti a tenger kiterjedését, a rajta ringó hajókat és a vizet. Így írja Jan Porcellis. A következő generációban a tengeri fajok terjedésének jellege nagyobb dinamizmus felé változik. A korábbiakhoz hasonlóan azonban a víz elem nyugalmát ábrázoló festmények születnek, de ez most nem elég; viharok kezdik dobálni a hajókat a sziklákra, az óriási hullámok halállal fenyegetik őket, és a tengerészeket a kikötőbe hajtják. Backhuizen (1631-1709) számára mindkét esetben nincs nehézség. Ecsete ugyanolyan virtuozitással közvetíti az ég felhőtlenségét, ciklonokat, permetet, sziklákat és roncsnyomokat.
A ragyogó fejlődés eléri a csendéletet. A holland csendélet a flamanddal ellentétben méretében és motívumaiban szerény az intim jellegű festményekhez. Peter Klass (1597-1661), Willem Kheda(1594-1680) leggyakrabban az ún. reggelik: sonkával vagy pitével készült ételek viszonylag szerényen felszolgált asztalon. Ügyes elrendezésben a tárgyakat úgy jelenítik meg, hogy az ember úgymond érezze a dolgok belső életét (nem hiába nevezték a hollandok a csendéletet "still leven" - "csendes élet", és nem "nature morte" - "halott természet"). A színezés visszafogott és kifinomult (Heda "Reggeli homárral", 1658; osztály "Csendélet gyertyákkal", 1627)
Willem Heda Haarlemben dolgozott, és Pieter Claesz hatással volt rá. A szerény csendéleteket - Head „reggelit”, amelyek általában egy kis háztartási edénykészletet és egy étkezést ábrázolnak - a dolgok textúrájának finom kézműves közvetítése, diszkrét ezüst-zöld vagy ezüstbarna szín jellemzi ( "Breakfast with Blackberry Pie", 1631, Művészeti Galéria, Drezda; "Sonka és ezüst edények", 1649, Állami Múzeum Képzőművészet, Moszkva).
A holland közösség életében bekövetkezett változással a 2. félévben. A 17. században a burzsoázia arisztokratizálódási vágyának fokozatos erősödésével és korábbi demokráciájának elvesztésével a csendéletek jellege is megváltozik. Kheda "reggelijeit" felváltják a pazar "desszertek" Willem Kalf (1619-1693). Az egyszerű edényeket márványasztalok, szőnyegterítők, ezüst serlegek, gyöngyház kagylók és kristálypoharak váltják fel. A Kalf elképesztő virtuozitást ér el az őszibarack, a szőlő és a kristályfelületek textúrájának közvetítésében. Az egykori csendéletek egyetlen tónusát a legkiválóbb színes árnyalatok gazdag gradációja váltja fel.
holland festő. 1640-1645-ben Franciaországban, 1653-tól Amszterdamban dolgozott. A jövőben Willem Kalf főként Amszterdamban élt és dolgozott. Festményeinek mély, gazdag színvilága, ez a csendéletfestő kortársa, Jan Vermeer munkásságának hatása lehet. Az egyik legnagyobb mester holland iskola csendélet, Kalf szerény festményeket festett szegényes konyhák és hátsó udvarok alapján ("Parasztház udvara", Állami Ermitázs Múzeum, Szentpétervár), és látványos kompozíciókat értékes használati tárgyakkal és egzotikus déli gyümölcsökkel ("Reggeli", Állami Múzeum, Amszterdam; "Csendélet", Állami Ermitázs Múzeum, Szentpétervár). Kalf csendéletfestő virtuozitása a térkonstrukciók klasszikus kifinomultságában, az egyes dolgok eredetiségének és belső értékének finom érzékelésében, a fény-árnyék és a színviszonyok kifinomultságában és gazdagságában, valamint a különböző textúrák látványos kontrasztos összehasonlításában nyilvánult meg. és anyagok.
"Csendélet homárral, borkürttel és poharakkal." Az asztalon elhelyezett egzotikus és fényűző tárgyak kollekciója briliáns kivitelezéssel és mély színérzékkel festett. A homár, a csillogó filigrán ezüst keretű borkürt, az átlátszó poharak, a citrom és a török szőnyeg olyan elképesztő gondossággal készült, hogy az illúzió az igazi, és kézzel is megérintheti őket. Az egyes tárgyak elhelyezésének helyét olyan gondossággal választják ki, hogy a csoport egésze szín, forma és textúra harmóniáját alkossa. A tárgyakat beborító meleg fény az értékes ékszerek méltóságát adja, ritkaságuk, pompájuk és szeszélyességük pedig a 17. századi holland gyűjtők kifinomult ízlését tükrözi – abban az időben, amikor a csendéletek rendkívül népszerűek voltak.
Holland csendélet- egyik művészi megvalósítása a fontos téma Holland művészet - témák magánélet hétköznapi ember. Ez a téma teljes mértékben megtestesült műfaji festészet. A 20-30-as években. 17. század a hollandok a kisméretű kisfigurás festészet speciális típusát alkották meg. 40-60-as évek - a hollandiai nyugodt polgári életet dicsőítő festészet virágzása mérte fel a mindennapi létet. Még a halsi körben, ahol Adrian Brouwer, a flamand festő is kifejlődött, határozott érdeklődés alakult ki a paraszti élet témái iránt. Adrian van Ostade(1610-1685) - a paraszti élet ábrázolásában szerzett képi érdemeit tekintve a legnagyobb volt. Általában árnyoldalait ábrázolja ("Harc") A többi képviselőhöz hasonlóan témáit általában teljesen az uralkodó osztály ideológiájának szellemében közelíti meg, és vagy idealizálja a valóságot, vagy csak vicces lényeket lát a parasztokban, akiknek a szokásaiból kiindulva szokott lenni. nevetés és viccek. („Egy falusi kocsmában” 1660).
Művészete egy későbbi időszakban nyeri el a lírai vonásokat, és a korábbi cselekményeket felváltják a kunyhó küszöbén vagy a falusi kocsma udvarán elhelyezkedő békés pihenés képei, valamint a csendes családi kényelem jeleneteit tartalmazó enteriőrök ("Ország" Koncert”, 1655, Ermitázs). Az ilyen kis alakos festményeken kívül Ostade gyakran festett többet is közelkép szigorúan valósághű félfigurák a különféle mesterségek képviselőiből. Igaz, Ostade „A festő a műteremben” című festménye (1663) a festészet remekének számít, amelyen a művész az emberi munkát dicsőíti anélkül, hogy akár nyilatkozatot, akár pátoszt folyamodna.
De fő téma A "kisholland" még mindig nem paraszti, hanem polgári élet. Általában ezek a képek minden lenyűgöző cselekmény nélkül. Ennek a műfajnak a festményein úgy tűnik, semmi sem történik. Egy nő levelet olvas, egy úriember és egy hölgy zenél. Vagy éppen találkoztak és m / van egy első érzésük, de ez csak körvonalazódik, a néző megkapja a spekuláció jogát. Az ilyen képeken a legszórakoztatóbb mesemondó volt Jan Stan(1626-1679). Stan számára, a legtöbb kortársával ellentétben, a történet oldala nem közömbös. Festményein a narratív kezdethez rendeli fontos szerepés előszeretettel ábrázol bizonyos szórakoztató jeleneteket a kispolgárság mindennapjaiból. A mester éles megfigyelőképességet tár fel bennük, találóan jellemzi a típusokat, és finom vidám humorral meséli el az általa kiválasztott epizódokat. A beteg nő és a doktor című festmény (1660 körül, az Ermitázs) jelzésértékű. Sten tevékenységének késői szakaszában ezek a vonások veszítenek élességükből, és az általános trendet követve a művészet útjára lép, elegánsabban, a való világ tisztán vizuális észlelésének problémáinak szentelve.
Nagy készségeket ért el Gerard Terborch(1617-1681). A legdemokratikusabb alanyokkal kezdte ("Grinderek"). A selymek és szaténok ábrázolásában való legnagyobb készség, az üvegserlegek átlátszósága, bármilyen tárgy felülete kitüntette. Terborch figuráit igen gyakran az ismert arisztokratikus megjelenés jellemzi, amit a nemesi környezetből választott modellek magyaráznak. Terborch művészetének kifinomultsága nagyrészt színének köszönhető, amelyet a remek ezüstös tónusok uralnak. A művész legjobb festményei közé tartozik az "Egy pohár limonádés" (Ermitázs) és a "Koncert" (Berlin, Dahlem).
A belső tér a kis hollandok körében különösen költőivé válik. A hollandok élete főleg a házban zajlott. Ennek a témának az igazi énekese volt Peter de Hooch(1629-1689). A dolgok átadásának illuzórikus jellege háttérbe szorul ennél a mesternél, és az érdeklődés a térbeli viszonyok fejlesztésére irányul, különös tekintettel a belső terek, valamint az udvarok és a mögöttük nyíló utcák ábrázolására („The Mistress with szolga”, az Ermitázs, 1660 körül). félig nyitott ablakú szobáit, ahol a cipők véletlenül odadobtak vagy a seprűt otthagyták, általában emberi alak nélkül ábrázolják, de itt láthatatlanul jelen vannak az emberek, mindig van kapcsolat a belső tér és az emberek között. Amikor embereket ábrázol, szándékosan hangsúlyozza a megdermedt ritmust, úgy ábrázolja az életet, mintha megdermedt volna, olyan mozdulatlanul, mint maguk a dolgok ("Udvar").
Az élet lassú ritmusa, a napi rutin pontossága, a létezés bizonyos monotóniája tökéletesen közvetíti Gabriel Metsu(1629-1667; "Reggeli"). Műfaji képeinek általános jellegében közel áll Terborchhoz, de színeiben élénkebb.
A zsánerfestészet új szakasza az 50-es években kezdődik, és az ún. Delfti iskola, olyan művészek nevével, mint Karel Fabricius, Emmanuel de Witte és Jan Vermeer(1632-1675), a művészettörténet delfti Vermeer néven ismert (beceneve a tevékenysége helyéről). A delfti Vermeer művészete Hollandia fejlődésének késői időszakához tartozik. A hősies, de durva függetlenségi harcosok és józan üzletemberek – a kapitalista gazdaság szervezői – generációja a múlthoz tartozott. Unokáik léptek a történelmi színtérre, akik biztonsággal használhatták a megszerzett juttatásokat. Ilyen körülmények között a Holland Köztársaság fénykorának utolsó szakaszának élénk, örömteli művészete formálódik.
Ehhez a bizonyos korszakhoz tartozik a delfti Vermeer érett, átható és egyben tiszta és egyszerű, a technológia minden kifinomultsága ellenére művészete. Kevés az autentikus Vermeer alkotás, csak néhány múzeumban találhatóak delfti mester apró és mindig értékes festményei. Vermeer témája többé-kevésbé hagyományos; fiatal nők levelet olvasnak, hímznek, egy úriember társaságában, egy festő a festőállvány előtt, egy lány egyszerűen csak álmodik az ablakban ("Lány betűvel", Drezda; "A lovag és a hölgy a spineten" , stb.) - egyszóval mindent, amit nem egyszer ábrázoltak holland festők. Tárgyát tekintve a szó szűk értelmében Vermeernek semmi eredetije nincs. Csak ritkán fordul a szórakoztató cselekmények felé, és cselekményelemet visz be a kompozícióba („A párkeresőnél”, 1656, Drezda). Minden képének azonban teljesen egyéni jellege van. Valamennyi általa ábrázolt szereplőben van valamiféle fény- és könnyűköltészet, s ezzel a költészettel és lágysággal együtt minden művére rányomja bélyegét a súlyos egyszerűség, valami igazán klasszikus érzés.
Vermeer kétségtelenül az egyik legnagyobb színművész a nyugat-európai művészet történetében. Nemcsak a színválasztás finom ízlése, hanem az egymáshoz való viszony megtalálásának képessége is teszi Vermeert a színek egyik legkifinomultabb mesterévé. A legnagyobb arányérzékkel és tapintattal ötvözi a citromsárgát, a kéket, a lilát a legkülönfélébb árnyalatokból, a skarlát és a halványzöld színeket egyetlen hangzatos tónustartományba. A delfti Vermeer munkáiban kapta meg a legtökéletesebb megoldást a hagyományos holland művészeti fényprobléma. Az irizáló gyöngyházfény a delfti mester festményeinek egyik legjellemzőbb vonása. Kétségtelen az is, hogy a delfti Vermeer korának egyik legeredményesebb technikusa volt. Néhány festménye gazdag és változatos textúrájú. Az impresszionisták későbbi technikáját előre meghatározó festékfelviteli módszere lehetővé tette, hogy maga Vermeer is a fényt körülvevő tárgyakat a maga képi konkrétságában ábrázolja. Vermeer festményein a fény nem csupán átlátszó közeg, hanem levegő, amely gazdag ezüstös tónusok finom átmeneteiben.
Wermeer azt tette, amit senki más a 17. században: tájképeket festett a természetből („Utca”, „Delft látképe”). A plein air festészet első példáinak nevezhetők. Az érett, egyszerűségében klasszikus Vermeer művészete nagy jelentőséggel bírt a jövő korszakai számára.
A holland realizmus csúcsa, a 17. századi holland kultúra képi vívmányainak eredménye. Rembrandt munkája. De az R. értéke, mint bármelyik zseniális művész, túlmutat a holland művészeten és a holland iskolán. Rembrandt központi helyet foglal el a legmagasabb virágkorának holland iskolájában, és még mindig kiemelkedik szülőföldjének számos művésze közül. Idegen maradt tőlük Rembrandt művészi érdeklődési körének széles skálája és munkásságának mély pszichologizmusa.
Harmensz van Rijn Rembrandt 1606-ban született Leidenben, és egy gazdag lisztmalom-tulajdonos fia volt. Korán felfedezte a festészet iránti vonzalmat, és a Leideni Egyetemen töltött rövid tartózkodás után teljes egészében a művészetnek szentelte magát. A szokásos hároméves tanulmányi időszak végén, a jelentéktelen helyi művésznél, Jacob Swannenburgnál, Rembrandt Amszterdamba ment fejlesztésre, ahol Lastman tanítványa lett. Lastman, szakképzett mesterember, aki Olaszországban tanult, bemutatta Rembrandtot a chiaroscuro hatásával, amelyet a hangerő közvetítésére és az akció drámaiságának feltárására használnak. Ez a technika lesz a fő dolog a művész munkájában. A következő években Rembrandt Leidenben dolgozott, és a bibliai és mitológiai jelenetek mestereként szerzett hírnevet. Ezért az 1625-1632-es éveket szokás nevezni. Munkásságának leideni időszaka.
1632-ben Amszterdamba költözött, ahol azonnal hírnevet szerzett "Dr. Tulp anatómiai leckéje" megírásával. A 30-as évek a legnagyobb dicsőség ideje, a kt-hoz vezető utat ez a csoportportrénak számító, más néven „Anatómialecke” kép nyitotta meg a festő előtt. Ezen a vásznon az embereket a cselekvés egyesíti, mindenkit természetes pózok mutatnak be, figyelmüket a főszereplő, Dr. Tulp irányítja, aki a holttestben lévő izmok szerkezetét mutatja be. Hendrick van Uylenborch műkereskedővel él együtt, aki pártfogolja, portrérendeléseket intéz, amivel a fiatal művész divatos, sikeres mester hírnevét alapozza meg. Rembrandt 1634-ben sikeresen feleségül vette Hendrik unokahúgát, Saskiát, és 1639-re feleségével együtt egy pompás házat szerzett a fővárosban. Az 1640-es évek elejéig. nagy sikereknek örvend az ügyfelek körében, ez a személyes boldogulás időszaka. Ennek az időszaknak a híres remekében - "Önarckép Saskiával a térdén" (1635 körül, Drezda Művészeti Galéria) Rembrandt fiatal feleségével ábrázolta magát az ünnepi asztalnál. Az arany tónusok gyengéd túlcsordulása, a képbe beszűrődő fényfolyamok egy fiatal és sikeres művész és felesége örömteli hangulatát közvetítik, tele reményekkel és álmokkal.
Ezt az egész időszakot romantika borítja. A festő ugyanis munkáiban kifejezetten arra törekszik, hogy kiszakadjon az unalmas polgári hétköznapokból. Fényűző ruhákban, fantasztikus ruhákban és fejdíszekben festi meg magát és Saskiát, látványos kompozíciókat alkotva, mindenben, pózokban, mozdulatokban a közös - a lét öröme érvényesül. (Saskia mint Flora). Ennek a magas hangulatnak a kifejezéséhez a barokk nyelv áll a legközelebb. Rembrandt ebben az időszakban nagyrészt az olasz barokk hatása alatt áll.
Összetett szögekben jelennek meg előttünk az "Ábrahám áldozata" (1635) festmény szereplői. A kép Ábrahám lelkiállapotát követi nyomon, akinek egy angyal hirtelen felbukkanásával nem volt ideje átérezni sem a szörnyű áldozattól való megszabadulás örömét, sem a hálát, de eddig csak fáradtságot és tanácstalanságot érez.
Rembrandt mindig is nagy figyelmet szentelt a rézkarcnak (metszetnek) és a rajznak, és hamarosan Európa legnagyobb grafikai mesterévé vált. Az általa rézkarctechnikával kivitelezett portrék és tájképek, hétköznapi és vallási jelenetek a művészi technikák újszerűségével, a képek mélypszichologizmusával, a chiaroscuro gazdagságával, a vonalak expresszivitásával és lakonizmusával tűntek ki. Rembrandt körülbelül kétezer rajza jutott el hozzánk. Vannak köztük előkészítő vázlatok, festményekhez készült vázlatrajzok, mindennapi élet jeleneteinek vázlatai és képzeletében született ötletek.
A kreativitás korai időszakának fordulóján megjelenik egyik leghíresebb festménye, az "Éjjeli őrség" - a puskás céh csoportportréja. De a csoportos porter a termék hivatalos neve, amely a vásárlók vágyából fakad. Az Éjjeli őrségben Rembrandt új megközelítést alkalmaz a csoportos portré műfajához, amely hagyományos a holland művészetben. A festmény (1642, Rijks Múzeum, Amszterdam) Banning Cock kapitány lövészcéhének tagjainak csoportos portréja, amelyet a művész igazi utcaképként oldott meg. Rembrandt felhagyott az akkoriban elfogadott összes résztvevő statikus elrendezésével, mozgással teli jelenetet teremtve. A fény és árnyék kontrasztjai, a festmény érzelmessége közvetíti az esemény izgalmát. A kép történelmi jelleget ölt, bátor emberekről mesél, akik fegyverrel a kezükben készek megvédeni szülőföldjük szabadságát és nemzeti függetlenségét. A megrendelők nem értették meg a művész szándékát, és ebből a képből kiindulva a domináns környezettel való konfliktus felerősödik, de ez nem csökkenti a mester energiáját, és Rembrandt továbbra is valósághű, érzelmi hatásukkal figyelemreméltó vásznakat készít. . A látványos, kétségtelenül kissé teátrális, szabad kompozíció, mint már említettük, nem az volt, hogy a megrendelők mindegyikét képviselje. Sok arc egyszerűen rosszul „olvasott” éles chiaroscuro-ban, a vastag árnyékok és az erős napfény kontrasztjaiban egy leválás jön ki a CT-n (a 19. században a kép annyira elsötétült, hogy éjszakai jelenet képének tekintették, ezért a helytelen név. kapitány a hadnagy fényes ruháján, bizonyítja, hogy nem éjszaka van, hanem nappal). Az idegenek megjelenése ebben a jelenetben, különösen egy aranysárga ruhás kislány, érthetetlennek és abszurdnak tűnt a néző számára. Itt minden megzavarta, ingerültséget váltott ki a közvéleményben, és elmondhatjuk, hogy ezzel a képpel kezdődik a konfliktus a művész és a társadalom között. Ugyanebben az évben Saskia halálával Rembrandt természetes szakítása a számára idegen polgári körökkel következik be.
Rembrandt reális készsége az évek során elmélyült. Kerüli a felesleges részleteket és dekoratív hatásokat a nagyobb mélység és érzelmi intenzitás érdekében. művészi kép. A művész munkájában nagyon nagy helyet foglal el egy kamaraportré. Rembrandt az ember lelki életét tárja elénk, mintha térben és időben is maradna. Ez egyfajta portré-életrajz. Ilyen például az „Egy öregasszony portréja”, „Hendrikje az ablaknál”, „Titusz olvasása”, N. Breining, J. Six művész barátai portréi, számos önarckép (több mint száz olajban). és szén).
40-50-es évek - Ez az alkotói érettség ideje. Ez az alkotói rendszerének kiegészítésének ideje, amiből sok minden a múlté lesz, és új, felbecsülhetetlen értékű tulajdonságokat sajátítanak el. Ebben az időszakban gyakran fordul a régi művekhez, hogy új módon készítse újra azokat. Így volt ez Danae esetében is, amelyet még 1636-ban festett. A 40-es évek festményéhez fordulva a művész megerősödött. érzelmi állapot. A központi részt átírta a hősnővel és a szobalánnyal. Danae-nak egy új, felemelt kézmozdulatot adott, nagy izgalmat, örömöt, reményt és vonzerőt mondott neki. A fénynek óriási szerepe van: a fényáram mintegy beborítja Danae alakját, csupa szerelemtől és boldogságtól izzik, ezt a fényt az emberi érzések kifejezéseként érzékelik.
Az 50-es évek elején a művész egyik remekművet hoz létre a másik után. Már kiment a divatból, de a gazdag ügyfeleket nem fordították le.
Ezekben az években az emberi lét leglíraibb, legköltőibb aspektusait választja értelmezésre, az embert, amely örök és minden ember: anyai szeretet, együttérzés. A legnagyobb anyag adja neki Szent Biblia, és belőle - a szent család életének jelenetei. A témájában vallásos, de cselekményértelmezésében tisztán műfaji A Szent család (1645) Remete-festmény rendkívül jellemző erre az időre.
A bibliai műfajú kompozíciók mellett ez az időszak tele van Rembrandt számára egy újfajta valóságábrázolással, a tájképekkel. Egyes esetekben tisztelegve romantikus hajlamai előtt, egy dísztelen holland falu képeit készíti, amelyek a szemlélet szigorú realizmusával lenyűgözőek. A parasztudvart a derült fagyos nap fényében és a fagyos csatorna sima felületén több alakot ábrázoló kis „téli nézet” (1646, Kassel) a holland realista tájkép egyik legtökéletesebb példája. az érzés finomsága és a vizuális észlelés valódisága.
Rembrandt anyagi helyzete az 1650-es évek közepére rendkívül nehéznek bizonyult, annak ellenére, hogy az ebben az időszakban létrejöttek hatalmas és művészi értékei voltak. A megrendelések számának csökkenése, a festmények nehézkes értékesítése és különösen a mester ügyeinek intézésében való hanyagsága miatt Rembrandt nagy anyagi nehézségekkel küzdött. A Saskia életében egy drága ház megvásárlásával kapcsolatos adósság teljes tönkretétellel fenyegetett. Az adósságból való kilábalás csak késleltethette a katasztrófát, de mégis kitört. 1656 nyarán Rembrandt csődbe ment, és minden vagyonát eladták árverésen. Szokásos otthonától megfosztva családjával kénytelen volt a kereskedelmi főváros szegényes zsidónegyedébe költözni, és itt teltek el utolsó napjai akut hiányban.
Ezek a viszontagságok, akárcsak a később Rembrandtot ért szerencsétlenségek – Hendrick halála, egyetlen fia, Titus halála – nem tudták megállítani zsenialitása további növekedését.
Az 1650-es és 1660-as évek R. életének legtragikusabb évei, de tele vannak Rembrandt grandiózus erejű alkotói tevékenységével. Mintha az összes korábbi pszichológiai és képi keresésének szintézise lenne. Ezeken a képeken minden megtisztult az átmenetitől, a véletlentől. A részleteket a lehető legkevesebbre szorítjuk, a gesztusokat, testhelyzeteket, fejdöntést alaposan átgondoljuk és megértjük. A figurák kinagyítottak, közel a vászon elülső síkjához. Még az ezekben az években készült kis méretű alkotások is rendkívüli nagyság és valódi monumentalitás benyomását keltik. Fő kifejező eszközök a fény és a vonalak. A néhai R.-ről helyesebb lenne azt mondani, hogy színe "világító", mert vásznaiban a fény és a szín egy, színei mintha fényt sugároznának. A színnek és a fénynek ez a komplex kölcsönhatása nem öncél, bizonyos érzelmi környezetet és a kép pszichológiai jellemzőit teremti meg.
A portréknál Rembrandt most már szabadabban választja ki a modelleket, és többnyire arcokat fest markáns egyéniséggel. Ezek főleg idős nők és idős zsidók. De ugyanolyan élességgel képes átadni egy fiatal varázsát női arc vagy a fiatalos megjelenés varázsa. Ezeken a portrékon minden kicsinyesség átadja a helyét a kép általánosított, ugyanakkor szokatlanul éles megjelenítésének. Ezt nagymértékben elősegíti a technikai kivitelezés módjának egyre szélesebb köre.
A csoportarckép történetének döntője Rembrandt képe lett a posztóbolt vénéről - az ún. "Syndics" (1662, Amszterdam). méltán tekinthető Rembrandt munkásságának egyik csúcsának). Éles lélektani jellegzetesség, konstrukciós egyszerűség, a vonalak és tömegek ritmusának tévedhetetlenségét rejtő, valamint a színek számának fukarsága, de intenzív színezése foglalja össze Rembrandt portréfestői pályafutását.
Az érettség éveiben (50-es években) Rembrandt készítette legjobb rézkarcait. Megkülönböztető Rembrandt-mélység pszichológiai elemzés, a képek expresszív realizmusa és a művészi technika tökéletessége a csodálatos lapok hosszú sorában tükröződött, tematikailag még a mester festészeténél is változatosabb. A leghíresebbek közé tartozik a "Krisztus gyógyítja a betegeket" (az ún. "száz florin levele", 1649 körül), a "Három kereszt" (1653), Lutma portréi (1656), Haring (1655), Hat. (1647), valamint a Három fa (1643) és az Aranymérleg birtoka (1651) néven ismert tájak.
Nem kevesebb mint jelentős hely Rembrandt grafikai örökségét a rajzok foglalják el. Rembrandtnak a környező világról alkotott felfogásának élessége és eredetisége különös erővel tükröződött ezeken a számos és változatos lapon. A rajzmód, akárcsak Rembrandt festői modora, érezhetően fejlődik végig kreatív fejlődés mesterek. Ha Rembrandt korai rajzait részletesen kidolgozott, kompozícióban meglehetősen bonyolult volt, akkor érettebb korszakában széles festői stílusban, szokatlanul tömören és egyszerűen adta elő azokat. Rembrandt általában liba- vagy nádtollal rajzolt, és a legegyszerűbb technikák segítségével kivételes kifejezőerőt tudott elérni. R. 2000 rajzot hagyott hátra. Rajzai, még ha valami közönséges motívum apró vázlatai is, teljes egészet alkotnak, teljes mértékben átadják a természet sokszínűségét.
R. művének utószavának tekinthetjük grandiózus vásznát: „A visszatérés tékozló fiú” (kb. 1668-1669, Remete), amelyben a művész esztétikai magassága és képi készsége a legnagyobb teljességgel megnyilvánult. Mélyen emberi tartalommal tölti meg a művész az evangéliumi példázatot egy fiatalemberről, aki elhagyta a vagyonát, és nyomorultan, rongyosan, megalázva tért vissza apjához. A szenvedő ember iránti szeretet nemes gondolata itt tárul fel életszerű meggyőzőképességükben feltűnő képekben. Az idős félvak apa arca, kezének gesztusa végtelen kedvességet fejez ki, a piszkos rongyos, apjához tapadt fiú alakja pedig őszinte és mély bűnbánat. Talán egyetlen másik Rembrandt festmény sem vált ki ennyi mély és együttérző érzést. Rembrandt a szeretetre és a megbocsátásra tanította nézőit. Később, be utóbbi évekés hónapokig Rembrandt élete kifelé nyugodtan folyik. Miután túlélte Hendrickjét és Titust, 1669. október 4-én halt meg.
R. óriási hatással volt a művészetre. Hollandiában nem volt festő, aki ne tapasztalta volna meg egy nagy művész hatását, akik közül Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckgout (1621-1674) és Art de Gelder (1645-1727) lett a leghíresebb. A témák, a kompozíciós technikák és a tanártípusok elsajátítása után azonban figurafestészetükben nem jutottak tovább a Rembrandt-technikák külső utánzásán túl. A mester élő hatása éppen ellenkezőleg, határozottan érintette a szomszédos tájfestőket - Philips Koninck (1619-1688), Doomer (1622-1700) és mások. De a többség elárulta, és az akadémizmus pozíciójába került, és az akkoriban divatos flamandokat, majd a franciákat utánozta.
Rembrandt, mint a művészettörténetben gyakran megesik, ragyogó tehetsége ellenére szegénységben és magányban halt meg, egy elfeledett, haszontalan mester. De minél tovább telik az idő, annál értékesebb az emberiség szemében a művész hagyatéka. Túlzás nélkül kijelenthető, hogy Rembrandt az egyik leg a legnagyobb művészek a világművészet történetében. Sokan felülmúlhatatlannak mondanák. Rembrandt sírja elveszett, de munkája évszázadokig élni fog.
A 17. század utolsó negyedében megkezdődik a holland festészet hanyatlása, nemzeti identitásának elvesztése, és a kezdetektől. 18. század közeleg a holland realizmus nagy korszakának vége.
Holland festészet - 17. századi festmények
A holland művészet jelentős jellemzője az volt, hogy minden festészettípusban jelentős mértékben elterjedt. A legfelsőbb hatalmi rétegek képviselői, szegény polgárok, kézművesek és parasztok festményekkel díszítették házaikat. Árveréseken és vásárokon adták el; a művészek néha még számlák fizetésére is használták őket.
Út az erdőben, Meindert Hobbema, 1670
Festő volt bőven, és elég kemény verseny volt, hiszen a művész szakma közös volt. Nem sokan tudtak festészetből megélni. A legtöbb művésznek a legtöbbet kellett fellépnie vegyes munka: Jacob van Ruisdael orvos volt, Meindert Hobbema jövedéki tisztviselőként, Jan Steen pedig fogadós volt.
A 17. században a holland festészet rohamosan fejlődött nemcsak az otthonukat festményekkel díszíteni kívánók iránti növekvő kereslet miatt, hanem amiatt is, hogy áruként, a spekuláció eszközeként és a festmények forrásaként kezdték tekinteni rájuk. nyereség. A művész teljesen a piaci trendektől függött, megszabadítva magát olyan közvetlen vásárlóktól, mint a befolyásos mecénások (feudális urak) és a katolikus egyház. A holland társadalom fejlődési útjai meghatározottak voltak, a velük szemben álló, függetlenségüket kreativitásban védelmező művészek elszigetelődtek és idő előtt belehaltak a magányba és a szegénységbe. A legtöbb esetben ezek csak a legtehetségesebb művészek voltak, mint például Rembrandt és Frans Hals.
A holland festők főként a környező valóságot ábrázolták, amit más festői irányzatok művészei nem mutattak meg olyan teljes mértékben. A realista irányzatok megerősödésében a fő helyet a portrék, a hétköznapi műfajok, a csendéletek és a tájképek foglalták el, ahogy a művészek az élet különböző aspektusai felé fordultak. Olyan mélyen és őszintén ábrázolták az előttük megnyíló való világot, annyira lenyűgözőek voltak a munkáik.
Jan Steen, Találkozás mulatozókkal, 1679
Minden műfajnak megvolt a maga áramlata. A tájábrázolók között voltak tengeri festők és a síkságot vagy erdőt kedvelő festők, akadtak mesterek is téli tájés holdfényt ábrázoló nézetek. A zsánerfestők közül kiemelkedtek azok, akik a városiakat és a parasztokat, a hazai élet és a bulik, a bazárok és a vadászat színtereit ábrázolták. Voltak olyan művészek is, akik templombelsőkre és különféle csendéletekre szakosodtak, mint pl. „bolt”, „desszert”, „reggeli” stb. Az elvégzett feladatok számát befolyásolta a holland festészet olyan jellemzője, mint a korlátozottság. A festő virtuozitását azonban elősegítette, hogy minden művész egy-egy műfajra koncentrált. Csak a legjelentősebb holland művészek festettek különféle műfajokban.
A realista holland festészet kialakulása a manierizmussal és az olasz klasszikus művészetet utánzó irányzattal vívott harcban ment végbe. formálisan kölcsönzött olasz művészek, ezen irányzatok képviselői, a technikák rendkívül természetellenesek voltak a nemzeti holland festészet hagyományaihoz képest. A realisztikus áramlatok a holland festészet 1609-1640 közötti fejlődése során a hétköznapi műfajban és a portrékban világosabban megnyilvánultak.
Jacob van Ruisdael(1628-1682) a táj műfajának kiemelkedő mestere volt (ők festették a klasszikus holland tájat - sivatagi dűnéket, híres szélmalmokat, csatornahajókat, korcsolyázókat és általában nem a természetet), határtalan képzelőerővel rendelkező művész ("Vízesés", " Erdei mocsár ", "Zsidó temető"). A természetet szorgalmasan másoló Ruisdael ugyanakkor monumentalitást ér el.
Szélmalom Wijk bei Dürstedben. 1670. Rijksmuseum. Amszterdam, Jacob van Ruisdael
E korszak egyik legtehetségesebb portréfestőjének nevezhető Frans Hals(kb. 1585-1666). Számos csoportportrét készített, például puskás céheket (a városok védelmét és a védelmi tiszteket tömörítő szövetség). A polgárok meg akarták ragadni magukat, és a művésznek nem szabad megfeledkeznie az egyes modellek iránti tiszteletteljes hozzáállásról. Ezeken a festményeken a fiatal köztársaság eszméinek megjelenítése, a bajtársiasság, az egyenlőség és a szabadság érzése vonz. Önmagukban és a jövőben bízó, tele energiával rendelkező emberek nézik a nézőt a vásznakról („Szent György íjász céh”, „St. Természetesen egy barátságos lakomán ábrázolják őket. A művész egyéni stílusának köszönhetően - széles, magabiztos, gazdag, élénk színekkel (piros, sárga, kék stb.) - kialakulnak ezek az egyedek művészeti dokumentum korszak.
Stefan Gerads portréja, 1652, Királyi Múzeum, Antwerpen
A műfaji festmény körvonalait felvonultató egyéni portrékban sok a vakmerő buzgóság, nyomás, elfojthatatlan energia. Ez a későbbi portrékon eltűnik. Például az Ermitázs férfiportrén látható a hős Khals szomorúsága és fáradtsága, minden lenyűgöző és még döcögősségével együtt. Ezeket a jellemzőket egy másik portré (egy széles karimájú kalapban viselő férfi képe) tovább fokozza. Hals ebben a késői időszakban éri el az elsajátításának felső fokát, munkáiban a tónusok monokromatikussá válnak (általában sötét, fekete ruhák, fehér gallérral és mandzsettával, sötét olíva háttérszínnel). A képi paletta minden tömörsége ellenére rendkívül finom átmeneteken alapul.
Teremtés Rembrandt van Rijn(1606-1669) volt a hollandok végső eredménye művészet XVII század és realizmusának csúcsa.
Feladó: Alena Artyomenko, -
A 17. században a holland festőiskola Európa egyik vezető festőiskolája lett. A világművészet történetében először itt bizonyultak a környező valóság tárgyai az alkotói inspiráció forrásának, és művészi szándék. Az akkori holland művészetben a műfajok egész rendszerének kialakulása, amely a reneszánszban kezdődött, befejeződött. A művészek portrékon, hétköznapi festményeken, tájképeken és csendéletekben ritka ügyességgel és melegséggel közvetítették benyomásaikat a környező természetről és az igénytelen életről. Hollandia kollektív képét tükrözték – egy fiatal köztársaság, amely megvédte függetlenségét a Spanyolországgal vívott háborúban.
"Egy fiatal hölgy reggele" 1660 Frans Miris idősebb. Fa, olaj. Állami Ermitázs
A művészek hétköznapi témájú festményei (vagy műfaji festmények), amelyek egy embert ismerős, hétköznapi környezetben ábrázolnak, a holland társadalom különböző osztályaihoz tartozó emberek kialakult életformáit, viselkedését és kommunikációját tükrözték. A kereskedők, kézművesek vagy gazdag parasztok házainak belső tereinek díszítésére tervezték a holland művészek festményeit, amelyek kis méretűek voltak. A művészek pénzt kerestek olyan festmények eladásával, amelyeket úgy festettek, hogy a közelről részletesen megtekinthetők legyenek. Ez pedig különösen óvatos, finom írásmódot eredményezett.
Terasz Társaság. 1620 Esais Van De Velde. Fa, olaj. Állami Ermitázs
A 17. század során a holland zsánerfestészet jelentős fejlődésen ment keresztül. Megalakulásának időszakában, a század elején gyakoriak voltak a rekreáció, a gazdag hollandok szórakoztatásának témájú cselekmények, vagy a tisztek életéből vett jelenetek. Az ilyen festményeket "banketteknek", "társaságoknak", "koncerteknek" nevezték. Festményüket tarka szín, emelkedett örömteli tónus jellemezte. Esaias van de Velde "Társadalom a teraszon" című festménye az ilyen jellegű művek közé tartozik.
Az 1930-as évek elejére befejeződött a holland műfaji festészet kialakulása. A zsúfolt „társadalmak” átadták a helyüket a kisfigurás kompozícióknak. Az embert körülvevő környezet képe fontos szerepet kezdett játszani. A festészet zsáner-megoszlása társadalmi szempontok szerint történt: cselekmények a burzsoázia életéből, jelenetek a parasztok és a városi szegények életéből. Mind ezek, mind más festmények a belső teret díszítették.
"Harc". 1637 Adrian van Ostade. Fa, olaj. Állami Ermitázs
Az egyik legtöbb híres művészek aki a "paraszt műfajban" dolgozott, Adrian van Ostade volt. A kreativitás korai szakaszában a parasztok képét festményein hangsúlyos, olykor karikatúráig terjedő komikusság jellemezte. Az éles fénnyel megvilágított „A harc” című festményen tehát a harcoló emberek nem élő embereknek, hanem báboknak tűnnek, akiknek az arca olyan, mint a rosszindulat fintorától eltorzult álarc. A hideg és meleg színek ellentéte, a fény és árnyék éles kontrasztja tovább fokozza a jelenet groteszkségének benyomását.
Falusi zenészek. 1635 Adrian Van De Ostade 1635 Olaj, fa. Állami Ermitázs
Az 1650-es években változás következett be Adrian Ostade festészetében. A művész nyugodtabb témák felé fordult, egy személyt a megszokott tevékenységek során, leggyakrabban a pihenés pillanataiban ábrázolt. Ilyen például a „Faluzenészek” belső festmény. Ostade ügyesen közvetíti a foglalkozásuktól elragadtatott „zenészek” koncentrációját, alig észrevehető humorral ábrázolja az ablakon keresztül őket figyelő gyerekeket. A fény és árnyék játékának változatossága, lágysága, a zöldes-barna színvilág egyetlen egésszé egyesíti az embert és környezetét.
"Téli kilátás". 1640 Isaac Van Ostade. Fa, olaj. Állami Ermitázs
Adrian testvére, Isaac van Ostade, aki korán meghalt, szintén a "paraszt műfajban" dolgozott. A vidéki Hollandia életét ábrázolta, amelynek természetében az ember otthon érezte magát. A "Téli kilátás" című festmény egy tipikus holland tájat mutat be, a föld felett erősen lógó szürke égbolttal, egy befagyott folyóval, amelynek partján a falu található.
– A beteg és az orvos. 1660 Jan Steen. Fa, olaj. Állami Ermitázs
Az Ostade fivérek művészetének műfaji témáját Jan Steen, a tehetséges mester folytatta, aki humorérzékkel vette észre a hétköznapok és kapcsolatok jellegzetes részleteit. szereplők festményeiken. A „Revelers” című festményen maga a művész vidáman és ravaszul néz a nézőre, aki a felesége mellett ül, aki egy mulatságos lakoma után elaludt. A „Páciens és az orvos” című filmben a szereplők arckifejezésein és gesztusain keresztül Jan Steen ügyesen feltárja egy képzeletbeli betegség cselekményét.
"Egy szoba egy holland házban". Peter Janssens. Vászon, olaj. Állami Ermitázs
A 17. század ötvenes-hatvanas éveiben a zsánerfestészet témája fokozatosan leszűkült. Változik a festmények figurális szerkezete. Nyugodtabbá, bensőségesebbé válnak, líraibb elmélkedés, csendes gondolat jelenik meg bennük. Ezt a szakaszt olyan művészek munkái képviselik, mint: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens. Műveik az egykor jogaiért és függetlenségéért kiharcolt, mára fenntartható jólétet elérő holland burzsoázia mindennapi életének költői és kissé idealizált képét testesítették meg. Tehát Peter Janssens „Szoba egy holland házban” című belső festményén egy hangulatos, napfénytől elárasztott szoba látható, ahol napsugarak játszanak a padlón és a falakon, Jacob „Az öreg hölgy a kandalló mellett” című festményén. Wrehl, lágy félhomályba merülő kandallóval rendelkező szoba látható. A kompozícióválasztás mindkét művész alkotásaiban az ember és környezete egységét hangsúlyozza.
– Egy pohár limonádét. 1664 Gerard Terborch. Gazda (fából fordítás), olaj. Állami Ermitázs
Ezekben az években a holland zsánerfestők először igyekeztek alkotásaikban tükrözni az ember belső életének mélységét. A mindennapi élethelyzetekben lehetőséget találtak a legfinomabb élmények sokszínű világának tükrözésére. De ezt csak a kép alapos és alapos vizsgálatával láthatja. Gerard Terborch „Egy pohár limonádé” című festményén tehát a gesztusok, a kézérintések és a szemkontaktus finom nyelvezete a szereplők közötti érzések és kapcsolatok egész skáláját tárja fel.
"Reggeli". 1660 Gabriel Metsu. Fa, olaj. Állami Ermitázs
A tárgyi világ kezd nagy szerepet játszani ennek az időszaknak a műfaji festészetében. Nemcsak az ember életének tárgyi és érzelmi környezetét jellemzi, hanem kifejezi az ember külvilággal való kapcsolatának sokszínűségét is. A tárgyak halmaza, elrendezésük, összetett szimbólumrendszer, valamint a szereplők gesztusai - minden szerepet játszik a kép figurális szerkezetének kialakításában.
"Múltatók". 1660 Jan Steen. Fa, olaj. Állami Ermitázs
A holland műfaji festészetet nem különböztette meg a sokféle téma. A művészek a szereplők és foglalkozásaik egy bizonyos körét ábrázolták. De segítségükkel a holland műfaji festészet megbízható képet tudott közvetíteni a 17. századi ember életéről, szokásairól és elképzeléseiről.
A kiadvány elkészítésekor nyílt forrásból származó anyagokat használtak fel.
A 17. században Hollandia kapitalista mintaországgá vált. Kiterjedt gyarmati kereskedelmet folytatott, hatalmas flottája volt, a hajógyártás az egyik vezető iparág volt.
A 17. századi holland festészet története. tökéletesen bemutatja Hollandia egyik legnagyobb portréfestőjének munkásságának alakulását Frans Hals(1580-1666 körül). A 10-30-as években Hals sokat dolgozott a csoportportrék műfajában. Ez alapvetően a puskás céhek ábrázolása – a városok védelmére és védelmére szolgáló tiszti társaságok. A polgárok szerettek volna megörökíteni őket a vásznon, bizonyos mértékben hozzájárultak az ábrázoláshoz való joghoz, és a művésznek emlékeznie kellett arra, hogy minden modellre egyenlő figyelmet kell fordítani. De nem a portrészerű hasonlóság ragad meg bennünket Hals e munkáiban. Kifejezik a fiatal köztársaság eszméit, a szabadság, az egyenlőség és a bajtársiasság érzését. Ezeknek az éveknek a vásznairól derűs, lendületes, vállalkozó kedvű, képességeikben és a jövőben bízó emberek tűnnek ki („Szent Adrián lövészcéh”, 1627 és 1633; „Szent György lövészcéh”, 1627). Khale általában bajtársi lakomában, vidám lakomában ábrázolja őket. A vízszintesen elnyújtott kompozíció nagy mérete, a széles magabiztos írás, az intenzív, telített színek (sárga, piros, kék stb.) monumentális képet alkotnak. A művész egy egész korszak történetírójaként lép fel.m
A tájfestészet virágkora a holland iskolában a 17. század közepére nyúlik vissza. A realista tájkép legnagyobb mestere Jacob van Ruysdael (1628/29-1682), a kimeríthetetlen képzelőerővel rendelkező művész volt. Művei általában tele vannak mély drámaisággal, legyen szó erdei bozótról ("Erdei mocsár"), vízesésekkel tarkított tájról ("Vízesés") vagy romantikus temetős tájról ("Zsidó temető"). A ruisdaeli természet dinamikában, örök megújulásban jelenik meg. A természet legegyszerűbb motívumai is monumentális karaktert kapnak a művész ecsetje alatt. Ruisdael hajlamos a gondos írást nagy vitalitással, szintetikus képpel kombinálni.
Csak Jan Porcellis (kb. 1584-1632) foglalkozott tengeri tájképekkel (marina). A valósághű, tisztán holland táj mellett akkoriban egy másik irány is létezett: mitológiai szereplőkkel, ember- és állatfigurákkal megelevenített olasz karakterű tájképek.
A holland csendélet a holland művészet legfontosabb témájának - egy hétköznapi ember magánéletének témájának - egyik művészi megvalósítása. Ez a téma teljes mértékben megtestesül a műfaji képben. A XVII. század 20-30-as éveiben. a hollandok a kisméretű, kisfigurás festészet sajátos típusát alkották meg. 40-60-as évek - a festészet virágkora, Hollandia nyugodt polgári életét dicsőítő, kimért mindennapi lét.
A 40-50-es évek a kreatív érettség időszaka. Nem csak a külső élet változott meg Rembrandt, Először is megváltoztatta magát. Ez az alkotói rendszerének kialakulásának ideje, amelyből sok minden a múlté lesz, és amely során más, felbecsülhetetlen értékű tulajdonságokat sajátítanak el. Ebben az időszakban gyakran fordul a régi művekhez, hogy új módon készítse újra azokat. Így volt ez például a Danae esetében is, amelyet már 1636-ban írt. Már akkor is a lényeg fejeződött ki ebben a képben: az érzéki princípium, a pogány, bizonyos mértékig „tizianus” csak egy része volt benne a képnek. általános az összetett érzelmi élmények kifejezésében, egyetlen lelki impulzus. A klasszikus, szép, de szépségeszményében is elvont eszményt felváltotta az életigazság kifejezése, a fizikai raktár fényes egyénisége. Ezt a csúnya testet rendkívül valósághűen közvetítették. Rembrandt azonban nem elégedett meg a külső igazsággal. A 40-es években a képhez fordulva a művész erősítette az érzelmi állapotot. A központi részt átírta a hősnővel és a szobalánnyal.
A néhai Rembrandt portréi nagyon különböznek a 30-as, sőt a 40-es évek portréitól. Ezek a rendkívül egyszerű (félalakos vagy generációs) a művészhez belső szerkezetükben közel álló emberek képei mindig egy sokrétű emberi személyiség figuratív kifejeződései, feltűnő a mester bizonytalan, megfoghatatlan lelki mozdulatokat közvetítő képessége.
Rembrandt tudta, hogyan kell portré-életrajzot készíteni; csak az arcot és a kezet emelve ki az egész élettörténetet fejezte ki
A 17. század francia művészete
francia művészet 15. század a francia reneszánsz hagyományain alapul. Fouquet és Clouet festményei és rajzai, Goujon és Pilon szobrai, Ferenc 1. kastélyai, Fontainebleau palota és a Louvre, Ronsard költészete és Rabelais prózái, filozófiai tapasztalatok Montaigne, mindez a klasszicista formafelfogás, a szigorú logika, a racionalizmus, a fejlett eleganciaérzék bélyegét viseli magán, i.e. amely a 15. században hivatott teljes mértékben megtestesülni. Descartes filozófiájában, Corneille és Racine dramaturgiájában, Poussin és Lorrain festészetében.
A képzőművészet területén a klasszicizmus kialakulásának folyamata nem volt ennyire egységes.
Az építészetben az új stílus első vonásai körvonalazódnak, bár ezek nem adódnak össze teljesen. A Salomon de Bros által IV. Henrik özvegyének, Maria Medici régensnek épített luxemburgi palotában sok minden átvett a gótikából és a reneszánszból, de a homlokzatot már a klasszicizmusra jellemző rend tagolja. François Mansart Maisons-Lafitte a kötetek minden összetettségével egyetlen egész, világos konstrukció, amely a klasszicista normák felé hajlik.
A festészetben bonyolultabb volt a helyzet, mert itt összefonódtak a manierizmus, a flamand és az olasz barokk hatásai. A század első felében a francia festészetet a karavadizmus és Hollandia realista művészete egyaránt hatott. Mindenesetre ezek a hatások jól láthatóak a Le Nain testvérek munkásságán. Louis Lenain festményein nincs narratíva, illusztrálás, a kompozíció szigorúan átgondolt és statikus, a részleteket gondosan ellenőrizték és válogatták ki, hogy mindenekelőtt a mű etikai, morális alapjait tárják fel. Nagyon fontos Lenain festményein tájkép van.
BAN BEN Utóbbi időben A művészettörténeti irodalomban annak az iránynak a nevét, amelyhez Louis Le Nain tartozik, egyre inkább a "való világ festészete" kifejezés határozza meg. Georges de Latour művész munkássága ugyanebbe az irányzatba tartozik. Első műfaji témájú munkáiban Latour Caravaggiohoz közel álló művészként jelenik meg. Már Latour korai munkáiban is megnyilvánul az egyik legfontosabb tulajdonság: képeinek kimeríthetetlen változatossága, színpompája, monumentális jelentőségteljes képalkotási képessége a zsánerfestészetben.
A 30-as évek második fele - 40-es évek - Latour alkotói érettségének ideje. Ebben az időszakban kevésbé fordul műfaji témák felé, többnyire vallásos festményeket fest. Latour művészi nyelve a klasszicista stílus előhírnöke: szigorúság, konstruktív tisztaság, kompozíció tisztasága, az általánosított formák plasztikus egyensúlya, a sziluett kifogástalan integritása, statika. Példa erre egyik későbbi „Szent Sebestyén és a szent feleségek” című munkája, amely ideálisan szép, emlékeztető antik szobor Sebastian alakja az előtérben, akinek testében - a mártíromság jelképeként - a művész egyetlen elakadt nyilat ábrázol.
A klasszicizmus a francia nemzet és a francia állam társadalmi fellendülésének csúcsán keletkezett. A klasszicizmus elméletének alapja a racionalizmus volt, Descartes filozófiai rendszere alapján a klasszikus művészet tárgyának csak a szépet és a magasztost hirdették, az antikvitás etikai és esztétikai eszményként szolgált. A klasszicista irányzat megteremtője a 15. századi francia festészetben. Nicolas Poussin volt. Poussin vásznak témái sokfélék: mitológia, történelem, Új- és Ószövetség. Poussin hősei – emberek erős karakterekés fenséges tettek, a társadalom és az állam iránti magas kötelességtudat. A művészet nyilvános célja nagyon fontos volt Poussin számára. Mindezek a jellemzők benne vannak a klasszicizmus feltörekvő programjában. A jelentőségteljes gondolkodás és a tiszta szellem művészete sajátos nyelvet is fejleszt. A mérték és a sorrend, a kompozíciós egyensúly válik alapjává festmény klasszicizmus. A sima és tiszta lineáris ritmus, a szoborszerű plasztik tökéletesen közvetíti az ötletek és a karakterek súlyosságát és fenségét. A színezés az erős, mély tónusok összhangjára épül. Ez önmagában egy harmonikus világ, amely nem lép túl a képi téren, mint a barokkban.
Kreativitás Poussin a század első felére esik, amelyet a francia közélet és művészeti élet felemelkedése és az aktív társadalmi harc jellemez. Innen ered művészetének általános progresszív irányultsága, tartalmi gazdagsága. Más helyzet alakult ki a 17. század utolsó évtizedeiben, az abszolutista elnyomás legnagyobb felerősödésének és a társadalmi gondolkodás progresszív jelenségeinek visszaszorításának időszakában, amikor a centralizáció átterjedt a Királyi Akadémiában egyesült és művészetükkel szolgálni kényszerülő művészekre. a monarchia dicsőítése. Ilyen körülmények között művészetük elvesztette mély társadalmi tartalmát, és a klasszikus módszer gyenge, korlátozott vonásai kerültek előtérbe.
Flandria művészete a 17. században.
A flamand művészet mindenekelőtt Rubens és még egyszer Rubens. Bár ugyanabban az időben Flandriában más kiváló művészek is éltek, mindannyiukat "Rubens körének", "Rubens iskolájának" tekintik, mint a Rubens Napja körül keringő bolygókat.
A tizenhetedik század volt a nemzeti festőművészeti iskola létrehozásának ideje Flandriában. Olaszországhoz hasonlóan itt is a barokk vált a hivatalosan uralkodó irányzattá. A flamand barokk azonban sok tekintetben jelentősen eltér az olasztól. A barokk formákat itt tölti meg a pezsgő élet érzése, és a világ színes gazdagsága, az ember és a természet növekedésének elemi erejének érzékelése. A barokk keretein belül az olaszországinál nagyobb mértékben reális vonások alakulnak ki.
Az alap művészi kultúra Flandria - realizmus, nemzetiség, ragyogó vidámság, ünnepélyes ünnepség - a festészetben fejeződött ki legteljesebben. A flamand festők a világ költői, érzéki szépségét és az egészséggel, kimeríthetetlen energiával teli ember képét örökítették meg vásznaikon.
A családi kastélyok, az arisztokrácia palotái, a katolikus templomok díszítésének feladata hozzájárult a színhatásokon alapuló erőteljes dekorativizmus széles körű elterjedéséhez a festészetben.
A flamand festőiskola vezetője Peter Paul Rubens (1577-1640) volt. Átfogó tehetségű, ragyogóan képzett Rubens hatalmas kreatív hatókörű, viharos temperamentumú művész volt. Született monumentális festő, tehetséges, több nyelvet beszélő diplomata, humanista tudós, nagy becsben tartották a mantovai, madridi, párizsi és londoni hercegi és királyi udvarban. Az élénk képzelőerővel rendelkező művész, Rubens kolosszális patetikus kompozíciók megalkotója volt. A formák dinamizmusa, a plasztikus képzelet ereje, a dekoratív elv diadala alkotja munkásságát. Rubens művészete azonban alapvetően realista. Műveinek lényege az életfelfogás frissessége és az a vágy, hogy minden ábrázoltnak az igazság hitelességét adja.
Flamand csendélet. A 17. században a csendélet önálló műfajként honosodik meg. Az anyagi világ iránti érdeklődést tükrözi, amely a 15. század eleji holland művészetben a "dolgok megfestésében", a magánélet kultuszában keletkezett. A flamand "élőlények boltjai" ámulatba ejtik zajos vidámsággal és ünnepi dekoratív hatással. A nagy méretű, élénk színű vásznak díszítik a flamand nemesség tágas palotáinak falait, dicsőítve a földi lét szépségét, a vidéki élet gazdagságát, a föld, a tenger, a folyók gyümölcseit.
Anthony (Anton, Anthony) van Dyck flamand festő és grafikus, udvari portrék és vallási jelenetek mestere a stílusban barokk.
Van Dyck korán a portré- és festészet mestereként mutatkozott be a vallási és mitológiai tárgyak. VAL VEL 1618 Által 1620 a műhelyben dolgozott Rubens. Vallási témájú műveket készít, gyakran több változatban: Koronázás tövisekkel» « Júdás csókja» "Kereszthordozás" "Szent. Márton és a koldusok", "Szent Mártíromság. Sebastian"
Jacob Jordan ( netherl. Jacob Jordans) ( 1593. május 19, Antwerpen - 1678. október 18, Antwerpen) - flamand művész. 1607-től együtt tanult Adam van Noort. 1616-ban feleségül vette leányát. Egész életét benne élte Dél-Hollandia, csak 1641-ben dolgozott rövid ideig ben Anglia. Festményei minden antwerpeni templomban megtalálhatók. Még a fellebbezése után is kálvinizmus 1645-ben a katolikus egyház továbbra is megbízást adott tőle. Jordanest tartják, különösen a halál után Rubens, aki nagy hatással volt rá, a flamandok egyik jeles képviselőjére barokk.
századi francia festészet
20-as évek 19. század Franciaország számára a romantikus művészet kialakulásának ideje volt. A fiatal művészek igazi háborút hirdettek tanáraiknak. A történészek „romantikus csatának” nevezték előadásukat, és Eugene Ferdinand Victor Delacroix festő lett a hőse. Delacroix - francia festőÉs menetrend, vezető romantikus az európai festészet irányzatait. Romantikus művészek, függetlenül a létező kánonoktól képzőművészet A korábbi korszakok készségesen fordultak szokatlan cselekmények felé, amelyek őrülettel, természetfeletti jelenségekkel, erőszakkal vagy egzotikumokkal (vagyis a "normálison" túlmutatókkal) kapcsolatosak, ennek az irányzatnak a vezetője volt a franciaországi Delacroix. Eugene Delacroix a Párizs melletti Charenton-Saint-Maurice városában született. A leendő művész korán árván maradt. 1815-ben Pierre Narcisse Guerin (1774-1833) műtermébe lépett, aki nemrégiben Theodore Géricaultnál tanult, mint inas. Delacroix kortársai szorosan követték az 1821–1829-es görögországi felszabadító forradalom menetét. (a 15. századtól Görögország Törökország fennhatósága alatt állt). Delacroix a görög eposz talán legtragikusabb oldalát választotta. 1821 szeptemberében török büntetők megsemmisítették a Kis-Ázsia partjainál fekvő görögországi égei-tengeri Khiosz polgári lakosságát. Több mint negyvenezer görögöt öltek meg, és mintegy húszezret rabszolgává tettek. A művész válasza ezekre az eseményekre a "Khiosz mészárlása" (1824) című festmény volt, melynek előterében a halálra ítélt Khiosz alakjai láthatók színes rongyokban; a háttérben a fegyveres törökök sötét sziluettjei. A foglyok többsége közömbös a sorsa iránt, csak a gyerekek könyörögnek hiába szüleiknek, hogy védjék meg őket, Delacroix érdeklődést érzett a modernitás iránt, és 1830-ban elkészítette a „Szabadság vezeti a népet (1830. július 28.)” című festményt. A művész időtlen, epikus hangzást adott az utcai harcok egyszerű epizódjának.1832-ben Delacroix Algériába és Marokkóba ment diplomáciai képviseletre. Párizsba való visszatérése után a művész azonnal hozzálátott az „Algériai nők a kamrájukban” (1833) című festményhez. A 20-as évek vége óta. 19. század a festő számos csataképet készített a középkori francia történelemnek. A nancy-i csatában (1828-1834) a csapatok – szürke, gyülekező tömegek sokszínű arccal és transzparensekkel – ügyetlenül haladnak át a havas síkságon a ködös sárga naplemente égbolt alatt. Eugene Delacroix - a legfüggetlenebb festő Franciaországban először fele XIX V.
JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) K eleje XIX V. A francia művészek körében az általánosan elismert vezető Jacques Louis David volt, a neoklasszicizmus legkövetkezetesebb képviselője a festészetben, viharos korának érzékeny krónikása.Dávid Párizsban született, gazdag polgári családban. 1766-ban belépett a Királyi Festészeti és Szobrászati Akadémiára. Az akkori francia kultúra jellegzetes vonása volt az ókor iránti általános vonzalom. 1781-ben Davidet felvették a Királyi Akadémia tagjává, és megkapta a jogot, hogy részt vegyen kiállításain - a Louvre Szalonokban. Már 1776-ban kidolgoztak egy kormányprogramot, amely nagyméretű festmények készítését bátorította, "az erények és a hazafias érzelmek felélesztésére". Dávidnak felkínáltak egy cselekményt a korai római történelemből - a Horatii nemesi családból származó három testvér bravúrja. A "Horatii eskü" (1784) festményen Dávid Rómába ment. Amikor a vászon elkészült és a művész a nagyközönség előtt kiállította, az egész kompozíció a hármas számra épül: három ív, három karaktercsoport, három kard, három kéz, fegyverkezésre készen. 1795-1799-ben. Dávid tanítványaival együtt dolgozott "A szabinok megállítják a csatát a rómaiak és a szabinok között" című festményen. Elmondása szerint "olyan pontossággal akarta ábrázolni az ókori modort, hogy a görögök és a rómaiak, ha alkalmuk lenne megnézni munkáimat, ne tartsanak idegennek a szokásaiktól". 1799-ben egy újabb államcsíny következtében Bonaparte Napóleon került hatalomra. Dávid, mint sok egykori forradalmár, örömmel üdvözölte ezt az eseményt „I. Napóleon és Josephine császárné koronázása a katedrálisban” című grandiózus festményen Párizsi Notre Dame 1804. december 2. (1807) Dávid egy újabb mítoszt alkotott – az oltár ragyogása és az udvaroncok ruháinak pompája semmivel sem rosszabb hatással van a nézőre, mint Marat nyomorult bútorai és régi lepedői. Napóleon legyőzése után Dávid, aki egykor szavazott a Egyezmény XVI. Lajos halálos ítéletéről, kénytelen volt elhagyni Franciaországot. A művész Brüsszelbe ment (ami akkor a Holland Királysághoz tartozott), ahol haláláig élt. Dolgozott tovább: szorgalmasan, de már lelkesedés nélkül festette a hozzá hasonló száműzöttek portréit, ósdi témákat.
