Predecesori Nu există nicio îndoială că o operă de artă poartă amprenta personalității și activității creatorului ei.În plus, în fiecare caz în felul său, influența poeților predecesori participă și la construirea unei opere poetice.

Predecesorii lui Wright Adevăratul pionier al zborurilor mai grele decât aerul a fost Sir George Cayley (1773–1857), care, în cuvintele lui Orville Wright, „știa mai multe despre principiile aeronauticii decât oricare dintre predecesorii săi și la fel de mult. ca oricare dintre urmaşii săi." ". În acelea

(făcător de mănuși), adesea ales în diferite funcții publice. Nu a participat la slujbele bisericești, pentru care a plătit amenzi mari (e posibil să fi fost catolic secret).

Mama lui Shakespeare, născută Mary Arden (1537--1608), aparținea uneia dintre cele mai vechi familii de sași.

Se crede că Shakespeare a studiat la „școala gramaticală” din Stratford („școala gramaticală” în engleză), unde a primit o educație serioasă: profesorul de latină și literatură de la Stratford a scris poezie în latină. Unii savanți susțin că Shakespeare a urmat școala regelui Edward al VI-lea din Stratford-upon-Avon, unde a studiat opera unor poeți precum Ovidiu și Plautus, dar jurnalele școlare nu au supraviețuit, iar acum nu se poate spune nimic sigur.

Bustul lui Shakespeare în St. Trinity din Stratford

Toate semnăturile supraviețuitoare ale lui Shakespeare pe documente (-) se disting printr-o scriere de mână foarte slabă, pe baza căreia unii cercetători cred că el era grav bolnav la acea vreme. Shakespeare a murit pe 23 aprilie 1616. În mod tradițional, se presupune că a murit de ziua lui, dar nu este sigur că Shakespeare s-a născut pe 23 aprilie.

Autograful lui Shakespeare pe testamentul său

Trei zile mai târziu, trupul lui Shakespeare a fost îngropat în St. Treime. Pe piatra funerară este înscris un epitaf:

În biserică a fost ridicat și un bust pictat al lui Shakespeare, lângă care mai sunt două epitafuri - în latină și în engleză. Epitaful latin compară Shakespeare cu înțeleptul rege Pylos Nestor, Socrate și Virgil.

Lui Shakespeare i-au supraviețuit o văduvă, Anne (m. 1623) și ambele fiice. Ultimul descendent direct al lui Shakespeare a fost nepoata sa Elizabeth Barnard (1608-1670), fiica lui Susan Shakespeare și a doctorului John Hall. Trei fii ai lui Judith Shakespeare (căsătorită cu Queenie) au murit tineri, fără descendență.

Creare

Moștenirea literară a lui Shakespeare este împărțită în două părți inegale: poetică (poezii și sonete) și dramatică. V. G. Belinsky a scris că „ar fi prea îndrăzneț și ciudat să-i acordăm lui Shakespeare un avantaj decisiv asupra tuturor poeților omenirii, ca poet propriu-zis, dar ca dramaturg el rămâne acum fără un rival al cărui nume ar putea fi pus lângă numele său. ” .

Dramaturgie

Drama și teatrul englez pe vremea lui William Shakespeare

La începutul domniei Elisabetei (Elizabeth I a Angliei, 1533-1603), care a urcat pe tron ​​în 1558, nu existau clădiri speciale pentru spectacole, deși atunci existau deja destul de multe trupe de actorie. În aceste scopuri s-au folosit hanuri sau săli ale instituțiilor de învățământ și case particulare. În 1576, antreprenorul James Burbage (1530-1597), care a început ca actor în trupa bărbaților din Leicester, a construit prima clădire specială pentru spectacole de teatru - Teatrul. A fost ridicată în afara orașului, la periferia orașului Shoreditch (Shoreditch). William Shakespeare a făcut parte din Burbage's Chamberlain's Men, care a fost format din actori care aparțineau anterior la trei companii diferite, cel puțin din 1594. Când James Burbage a murit în 1597, contractul de închiriere a terenului pe care se afla Teatrul a expirat. În timp ce se decidea problema noilor sediu, spectacolele trupei au avut loc la Teatrul Cortina (The Curtain, 1577-1627) din apropiere, fondat de Henry Lanman. Între timp, Thearte a fost demontată și transportată bucată cu bucată pe malul celălalt al râului. La începutul anului 1599, construcția a fost finalizată și teatru nou, care se numea „The Globe” (The Globe). Fiii lui Burbage, Cuthbert și Richard (Cuthbert Burbage și Richard Burbage, 1567-1619), au devenit proprietarii unei jumătăți din clădire, s-au oferit să împartă restul valorii acesteia între mai mulți acționari ai trupei. Așa că Shakespeare a devenit unul dintre coproprietarii Globului. În 1613, în timpul spectacolului „Henric al VIII-lea”, acoperișul de paie al teatrului a izbucnit și a ars din temelii. Un an mai târziu, pe același loc a fost construit „al doilea Glob” (Al doilea Glob), cu acoperiș de țiglă. La acea vreme, în mediul teatral englez, crearea de noi piese a avut loc adesea pe baza utilizării textelor existente, care au fost modificate și completate. În lucrarea sa, William Shakespeare a folosit și el această metodă, îmbunătățind materialele găsite în diverse surse. În perioada 1595-1601, are loc o dezvoltare activă a acesteia cariera de scriitor. Îndemânarea lui Shakespeare aduce glorie operelor și trupei sale.

Dramaturgi englezi, predecesori și contemporani ai lui William Shakespeare

În epoca lui Shakespeare, împreună cu teatrul de succes Globe din Londra, au existat câteva alte teatre notabile care au concurat între ele. Teatrul „Rose” (The Rose, 1587-1605), construit de omul de afaceri Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). Teatrul Swan (The Swan, 1595-1632), care a fost construit de bijutierul și comerciantul Francis Langley (Francis Langley, 1548-1602), Teatrul Fortune, a cărui construcție a început în 1600 și altele. Unul dintre cei mai faimoși dramaturgi ai lui Shakespeare a fost talentatul poet Christopher Marlowe (1564-1593), sub influența căruia Shakespeare a căzut, fără îndoială, chiar de la începutul operei sale, și ale cărui piese au fost apoi puse în scenă la Teatrul Rose. A fost unul dintre dramaturgii – „universitari” care aveau diplome Oxford sau Cambridge, printre care și Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lyly (John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567-). 1601), George Peele (1556-1596) și Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558-1625). Alături de ei au lucrat și alți scriitori, care nu aveau studii universitare, ale căror scrieri au influențat într-un fel sau altul opera lui Shakespeare. Acesta este Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594), care a scris o piesă anterioară despre Hamlet, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, d. 1599), autor al piesei „Doi shrews from Abingdon” (The Two Angry Women of Abingdon), pe baza căreia a fost creată comedia lui Shakespeare „The Merry Wives of Windsor” (The Merry Wives of Windsor, 1597-1602).

Tehnica teatrală în epoca lui William Shakespeare

Tehnica teatrală în epoca lui Shakespeare - teatrul shakespearian corespunde, fără îndoială, sistemului piesei, pusă inițial în scenă de grupuri de comedianți ambulanți în hanuri și curțile hotelurilor; aceste curți de hotel constau de obicei dintr-o clădire înconjurată la etajul al doilea de un balcon deschis, de-a lungul căruia se aflau camerele și intrările în ele. O trupă rătăcitoare, intrând într-o astfel de curte, a pus în scenă o scenă lângă unul dintre dreptunghiurile pereților săi; spectatorii erau așezați în curte și pe balcon. Scena era amenajată sub forma unei platforme de lemn pe capre, din care o parte ieșea în curtea deschisă, iar cealaltă, spatele, rămânea sub balcon. O perdea a căzut de pe balcon. Astfel, s-au format imediat trei platforme: cea din față - în fața balconului, cea din spate - sub balconul din spatele perdelei, iar cea de sus - chiar balconul de deasupra scenei. Același principiu stă la baza formei de tranziție a teatrului englez din secolul al XVI-lea și începutul secolului al XVII-lea. Primul teatru public staționar a fost construit în Londra (sau mai degrabă în afara Londrei, în afara limitelor orașului, deoarece teatrele nu erau permise în oraș) în 1576 de către familia de actori Burbage. În 1599, a fost creat Teatrul Globe, cu care este asociată cea mai mare parte a operei lui Shakespeare. Teatrul lui Shakespeare nu cunoaște încă auditoriul, dar cunoaște curtea ca pe o reminiscență a curților hotelului. Un astfel de auditoriu deschis, fără acoperiș, era înconjurat de o galerie sau două galerii. Scena era acoperită cu un acoperiș și reprezenta aceleași trei platforme ale curții hotelului. Partea din față a scenei a pătruns aproape o treime în sală - un parter în picioare (care își poartă literalmente numele "par terre" - pe pământ). Partea democratică a publicului, care a umplut parterul, a înconjurat și ea scena într-un inel dens. Partea mai privilegiată, mai aristocratică a publicului s-a așezat - întinsă și pe scaune - pe scena însăși de-a lungul marginilor ei. Istoria teatrului din acest timp consemnează ostilitatea și cearta constantă, uneori chiar transformându-se într-o luptă, între aceste două grupuri de spectatori. Vrăjmășia de clasă a meșteșugarilor și muncitorilor împotriva aristocrației a avut aici un efect destul de zgomotos. În general, acea tăcere, pe care o știe auditoriul nostru, nu a fost în teatrul lui Shakespeare. Spatele scenei era despărțit de o perdea glisantă. Scenele intime erau de obicei jucate acolo (de exemplu, în dormitorul Desdemonei), ele jucau și acolo când era necesar să transferați rapid acțiunea într-un alt loc și să arătați personajul într-o poziție nouă (de exemplu, în drama lui Marlo „Tamerlane” acolo este o notă: „cortina este trasă înapoi, iar Zenocrat stă în pat, Tamerlan stă lângă ea”, sau în „ basm de iarnă» Shakespeare: „Pauline trage înapoi perdeaua și o dezvăluie pe Hermione, stând în formă de statuie”). Puntea din față era scena principala, era folosită și pentru procesiuni, pe atunci favorită în teatru, pentru spectacolul de scrimă, care era extrem de popular la acea vreme (o scenă din ultimul act al lui Hamlet). Aici au jucat și clovni, jongleri, acrobați, distrând publicul între scenele piesei principale (nu au existat pauze în teatrul shakespearian). Ulterior, în timpul prelucrării literare ulterioare a dramelor shakespeariane, unele dintre aceste interludii de clovn și replici clovnești au fost incluse în textul tipărit. Fiecare reprezentație s-a încheiat în mod necesar cu o „jiga” - un fel special de cântec cu un dans interpretat de un clovn; scena groparilor din Hamlet pe vremea lui Shakespeare era o clownerie, a fost plină de patos mai târziu. În teatrul shakespearian încă nu există nicio diferență clară între un actor dramatic și un acrobat, un bufon. Adevărat, această diferență este deja în curs de dezvoltare, se simte, este în devenire. Dar marginile nu au fost încă șterse. Legătura care leagă actorul shakespearian de bufonul, histrionul, jonglerul, „diavolul” clovnesc al misterului medieval, de bufonul fars, nu a fost încă ruptă. Este destul de înțeles de ce boilerul din „Îmblânzirea scorpiei” la cuvântul „comedie” amintește în primul rând de trucurile jonglerului. Scena de sus a fost folosită atunci când acțiunea trebuia înfățișată după logica evenimentelor de mai sus, de exemplu, pe zidurile cetății ("Coriolanus"), pe balconul Julietei ("Romeo și Julieta"). În astfel de cazuri, scenariul are o remarcă „mai sus”. De exemplu, s-a practicat un astfel de aspect - partea de sus înfățișa un zid de fortăreață, iar perdeaua platformei din spate trasă înapoi în partea de jos însemna în același timp deschiderea porților orașului în fața câștigătorului. Un asemenea sistem de teatru explică și structura dramelor lui Shakespeare, care încă nu cunosc nicio împărțire în acte (această împărțire s-a făcut după moartea lui Shakespeare, în ediția din 1623), nici istoricism exact, nici realism pictural. Paralelismul intrigilor dintr-o singură piesă, atât de caracteristică dramaturgilor elisabetani, este explicat în În ultima vreme o aranjare deosebită a scenei, deschisă publicului din trei părți. Așa-zisa lege a „continuității temporale” domină această scenă. Dezvoltarea unei intrigi a făcut posibil ca celălalt să continue, așa cum ar fi, „în spatele scenei”, ceea ce a umplut intervalul corespunzător de „timp teatral” dintre segmentele acestei intrigi. Construită pe episoade scurte de joc activ, acțiunea este transferată dintr-un loc în altul cu o viteză relativă. Acest lucru se reflectă și în tradiția scenelor de mister. Deci, o nouă ieșire a aceleiași persoane, sau chiar doar câțiva pași de-a lungul scenei cu o explicație textuală corespunzătoare, indicau deja un nou loc. De exemplu, în Much Ado About Nothing, Benedict îi spune băiatului: „Am o carte pe fereastra din camera mea, adu-o aici în grădină” - asta înseamnă că acțiunea are loc în grădină. Uneori, în operele lui Shakespeare, un loc sau un timp este indicat nu atât de simplu, ci de o întreagă descriere poetică a acestuia. Acesta este unul dintre trucurile lui preferate. De exemplu, în „Romeo și Julieta”, în imaginea care urmează scenei unei nopți luminate de lună, Lorenzo intră și spune: „Un zâmbet clar al unui Gloomy cu ochi cenușii care răsare deja conduce noaptea și aurește norul estului cu dungi. de lumină...” Sau cuvintele prologului la primul act al lui „Henric al V-lea”: „... Închipuiți-vă că aici se întind larg câmpiile celor două regate, ale căror țărmuri, Aplecate atât de aproape unul de celălalt, Se desparte. oceanul Mighty îngust, dar periculos. Câțiva pași Romeo cu prietenii au însemnat că s-a mutat de pe stradă în casă. Pentru a desemna un loc, s-au folosit și „titluri” - tăblițe cu o inscripție. Uneori scena înfățișa mai multe orașe deodată, iar inscripțiile cu numele lor erau suficiente pentru a orienta privitorul în acțiune. Odată cu sfârșitul scenei, personajele au părăsit scena, uneori chiar au rămas - de exemplu, oaspeții deghizați care mergeau pe stradă până la casa Capuleților („Romeo și Julieta”) nu au părăsit scena, iar apariția lacheilor cu șervețele. însemna că sosiseră deja și se află în camerele Capuleților. Drama în acest moment nu era văzută ca „literatură”. Dramaturgul nu a urmărit calitatea de autor și nu a fost întotdeauna posibil. Tradiția dramei anonime a venit din Evul Mediu prin trupe itinerante și a continuat să funcționeze. Deci numele lui Shakespeare apare sub titlurile pieselor sale abia în 1593. Ceea ce a scris dramaturgul de teatru, el nu a intenționat să fie publicat, ci a avut în vedere exclusiv teatrul. O parte semnificativă a dramaturgilor din epoca elisabetană a fost atașată unui anumit teatru și s-a angajat să livreze un repertoriu acestui teatru. Concursul trupelor a cerut un număr mare de piese de teatru. Pentru perioada 1558-1643, numărul lor în Anglia este estimat la peste 2.000 de nume. De foarte multe ori aceeași piesă este folosită de un număr de trupe, reluând fiecare în felul său, adaptându-l la trupă. Paternitatea anonimă a exclus plagiatul literar și nu puteam vorbi decât de metode de competiție „pirate”, când o piesă este furată după ureche, după o înregistrare aproximativă etc. Și în opera lui Shakespeare cunoaștem o serie de piese care au fost de folos a intrigilor din drame preexistente. Astfel, de exemplu, Hamlet, Regele Lear și alții. Publicul nu a cerut numele autorului piesei. Aceasta, la rândul său, a condus la faptul că piesa scrisă a fost doar „baza” spectacolului, textul autorului fiind alterat în orice fel în timpul repetițiilor. Spectacolele bufonilor sunt adesea notate prin remarca „bufonul spune”, oferind teatrului conținutul scenei bufonului sau improvizațiilor bufonului însuși. Autorul și-a vândut manuscrisul teatrului și, ulterior, nu a revendicat niciun drept de autor sau drepturi asupra acestuia. Lucrarea comună și, prin urmare, foarte rapidă a mai multor autori la o piesă a fost foarte comună, de exemplu, unii au dezvoltat o intriga dramatică, alții - o parte comică, bufonii de bufon, alții au descris tot felul de efecte „teribile”, care erau foarte populară atunci etc. e. Până la sfârșitul epocii, la începutul secolului al XVII-lea, drama literară începea deja să-și facă loc pe scenă. Înstrăinarea dintre autori „învățați”, „amatori” seculari și dramaturgi profesioniști devine din ce în ce mai puțin. Autorii literari (de exemplu, Ben Jonson) încep să lucreze pentru teatru, dramaturgii de teatru, la rândul lor, încep să fie publicati din ce în ce mai mult.

Problema periodizării

Cercetătorii operei lui Shakespeare (criticul literar danez G. Brandes, editorul operelor complete rusești ale lui Shakespeare S. A. Vengerov) la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX, pe baza cronologiei lucrărilor, au prezentat evoluția sa spirituală dintr-un „dispoziție veselă”, credință în triumful dreptății, idealuri umaniste la începutul drumului către dezamăgire și distrugerea tuturor iluziilor la sfârșit. Cu toate acestea, în anul trecut a existat opinia că concluzia despre identitatea autorului asupra operelor sale este o greșeală.

În 1930, savantul Shakespeare E. K. Chambers a propus o cronologie a operei lui Shakespeare pe gen, ulterior a fost corectată de J. McManway. Au fost patru perioade: prima (1590-1594) - timpurie: cronici, comedii renascentiste, „tragedie de groază” („Titus Andronicus”), două poezii; a doua (1594-1600) - comedii renascentiste, prima tragedie matura ("Romeo si Julieta"), cronici cu elemente de tragedie, tragedie antica ("Iulius Caesar"), sonete; a treia (1601-1608) - mari tragedii, tragedii antice, „comedii negre”; a patra (1609-1613) - drame de basm cu un început tragic și un final fericit. Unii dintre savanții Shakespeare, inclusiv A. A. Smirnov, au combinat prima și a doua perioadă într-o singură perioadă timpurie.

Prima perioadă (1590-1594)

Prima perioadă este de aproximativ 1590-1594 ani.

După metode literare poate fi numită o perioadă de imitație: Shakespeare este încă complet la mila predecesorilor săi. După dispoziție această perioadă a fost definită de susținătorii abordării biografice a studiului operei lui Shakespeare ca o perioadă de credință idealistă în cele mai bune aspecte ale vieții: „Tânărul Shakespeare pedepsește cu entuziasm viciul în tragediile sale istorice și cântă cu entuziasm sentimente înalte și poetice – prietenia. , sacrificiul de sine și mai ales iubirea” (Vengerov).

Probabil că primele piese ale lui Shakespeare au fost cele trei părți ale lui Henric al VI-lea. Cronicile lui Holinshed au servit drept sursă pentru aceasta și pentru cronicile istorice ulterioare. Tema care unește toate cronicile shakespeariane este schimbarea într-o serie de conducători slabi și incapabili care au condus țara la lupte civile și război civilşi restabilirea ordinii odată cu urcarea dinastiei Tudor. La fel ca Marlowe în Edward al II-lea, Shakespeare nu descrie pur și simplu evenimente istorice, ci explorează motivele din spatele acțiunilor personajelor.

S. A. Vengerov a văzut trecerea la a doua perioadă „în absenta jucărie poezia tinereții, care este atât de caracteristic primei perioade. Eroii sunt încă tineri, dar au trăit deja o viață decentă și principalul lucru pentru ei în viață este plăcerea. Porția este picant, plin de viață, dar deja farmecele blânde ale fetelor celor Două Veroniene, și cu atât mai mult Julieta, nu sunt deloc în ea.

În același timp, Shakespeare creează un tip nemuritor și cel mai interesant, care până acum nu avea analogi în literatura mondială - Sir John Falstaff. Succesul ambelor părți Henric al IV-lea„Nu în ultimul rând este meritul acestui personaj cel mai frapant din cronică, care a devenit imediat popular. Personajul este, fără îndoială, negativ, dar cu un caracter complex. Un materialist, un egoist, un om fără idealuri: onoarea nu este nimic pentru el, un sceptic observator și perspicace. Neagă onorurile, puterea și bogăția: are nevoie de bani doar ca mijloc de a obține hrană, vin și femei. Dar esența comicului, boabele imaginii lui Falstaff nu este doar inteligența lui, ci și un râs vesel la adresa lui însuși și a lumii din jurul lui. Puterea lui este în cunoașterea naturii umane, tot ceea ce leagă o persoană este dezgustător pentru el, el este personificarea libertății spiritului și a lipsei de scrupule. Un om al erei care trece, nu este nevoie de el acolo unde statul este puternic. Dându-și seama că un astfel de personaj este deplasat într-o dramă despre un conducător ideal, în " Henric V Shakespeare îl îndepărtează: publicul este pur și simplu informat despre moartea lui Falstaff. Potrivit tradiției, se crede că la cererea reginei Elisabeta, care a vrut să-l vadă pe Falstaff din nou pe scenă, Shakespeare l-a înviat în " Soțiile vesele din Windsor» . Dar aceasta este doar o copie palidă a fostului Falstaff. Și-a pierdut cunoștințele despre lumea din jurul lui, nu mai există ironie sănătoasă, râsul de sine. A rămas doar un ticălos mulțumit de sine.

Mult mai reușită este încercarea de a reveni la tipul Falstaff în jocul final din perioada a doua - "Noaptea a doisprezecea". Aici, în persoana lui Sir Toby și a anturajului său, avem, parcă, o a doua ediție a lui Sir John, deși fără inteligența lui sclipitoare, dar cu aceeași cavalerism molipsitor și bun. De asemenea, se încadrează perfect în cadrul perioadei „Falstaffiane”, în cea mai mare parte, o batjocură grosolană a femeilor din "Îmblânzirea scorpiei".

A treia perioadă (1600-1609)

A treia perioadă a activității sale artistice, acoperind aproximativ 1600-1609 ani, susținătorii abordării biografice subiectiviste a operei lui Shakespeare numesc perioada „întunericului spiritual profund”, considerând apariția personajului melancolic Jacques în comedie ca un semn al unei viziuni schimbate asupra lumii. „Așa cum îți place”și numindu-l aproape predecesorul lui Hamlet. Cu toate acestea, unii cercetători cred că Shakespeare, după imaginea lui Jacques, a ridiculizat doar melancolia, iar perioada de presupuse dezamăgiri din viață (după susținătorii metodei biografice) nu este de fapt confirmată de faptele biografiei lui Shakespeare. Epoca în care dramaturgul a creat cele mai mari tragedii coincide cu înflorirea puterilor sale creatoare, soluționarea dificultăților materiale și atingerea unei poziții înalte în societate.

În jurul anului 1600 Shakespeare creează "Cătun", conform multor critici, este opera sa cea mai profundă. Shakespeare a păstrat intriga cunoscutei tragedii a răzbunării, dar și-a îndreptat toată atenția către discordia spirituală, drama interioară a protagonistului. Un nou tip de erou a fost introdus în drama tradițională de răzbunare. Shakespeare a fost înaintea timpului său - Hamlet nu este eroul tragic obișnuit, care se răzbune de dragul dreptății divine. Ajungând la concluzia că este imposibil să restabiliți armonia dintr-o singură lovitură, el trăiește tragedia înstrăinării de lume și se condamnă la singurătate. Conform definiției lui L. E. Pinsky, Hamlet este primul erou „reflexiv” al literaturii mondiale.

Eroii „marilor tragedii” ale lui Shakespeare sunt oameni remarcabili în care binele și răul se amestecă. Confruntați cu dizarmonia lumii din jurul lor, fac o alegere dificilă - cum să existe în ea, își creează propriul destin și poartă întreaga responsabilitate pentru el.

În același timp, Shakespeare creează o dramă.În primul folio din 1623, este clasificată ca o comedie; aproape că nu există comic în această operă serioasă despre un judecător nedrept. Numele său se referă la învățătura lui Hristos despre milă, în cursul acțiunii unul dintre eroi se află în pericol de moarte, iar sfârșitul poate fi considerat condițional fericit. Această lucrare problematică nu se încadrează într-un gen anume, ci există în pragul genurilor: revenind la morală, ea este îndreptată spre tragicomedie.

• Sonete dedicate unui prieten: 1 -126
• Cântând un prieten: 1 -26
• Încercări de prietenie: 27 -99
• Amărăciunea despărțirii: 27 -32
• Prima dezamăgire a unui prieten: 33 -42
• Dor și temeri: 43 -55
• Înstrăinare și melancolie în creștere: 56 -75
• Rivalitate și gelozie față de alți poeți: 76 -96
• „Iarna” despărțirii: 97 -99
• Sărbătorirea prieteniei reînnoite: 100 -126
• Sonete dedicate unui iubit negru: 127 -152
• Concluzie - bucuria și frumusețea iubirii: 153 -154

Sonet 126 încalcă canonul - are doar 12 linii și un model de rimă diferit. Uneori este considerată o secțiune între două părți condiționate ale ciclului - sonete dedicate prieteniei (1-126) și adresate „doamnei întunecate” (127-154). Sonet 145 scris în tetrametru iambic în loc de pentametru și diferă ca stil de celelalte; uneori este atribuită perioadei timpurii și eroina sa este identificată cu soția lui Shakespeare, Anna Hathaway (al cărei nume de familie, poate ca un joc de cuvinte „hate away” este prezentat în sonet).

Probleme de întâlniri

Primele publicații

Se estimează că jumătate (18) din piesele lui Shakespeare au fost publicate într-un fel sau altul în timpul vieții dramaturgului. Cea mai importantă publicație a moștenirii lui Shakespeare este considerată a fi folio din 1623 (așa-numitul „Primul Folio”), publicat de Edward Blount și William Jaggard ca parte a așa-numitului. „Colecția Chester”; imprimantele Worrall și Col. Această ediție a inclus 36 de piese ale lui Shakespeare - toate cu excepția „Pericles” și „Două rude nobile”. Această ediție stă la baza tuturor cercetărilor din domeniul lui Shakespeare.

Acest proiect a fost posibil prin eforturile lui John Heminge și Henry Condell (1556-1630 și Henry Condell, d.1627), prieteni și colegi ai lui Shakespeare. Cartea este precedată de un mesaj către cititori în numele lui Heminge și Condell, precum și de o dedicație poetică pentru Shakespeare - Pentru memoria iubitului meu, Autorul - a dramaturgului Ben Jonson (Benjamin Jonson, 1572-1637), care a fost în același timp adversarul său literar, critic și prieten care a contribuit la publicarea Primului Folio, sau cum se mai spune - „Marele Folio” (Marele Folio din 1623).

Compoziții

Piese considerate în mod obișnuit shakespeariane

• Comedia erorilor (g. - prima ediție, - anul probabil al primei producții)
• Titus Andronicus (g. - prima ediție, autorul este discutabil)
• Romeo si Julieta
• Visul unei nopți de vară
• Negustorul de la Veneția (r. - prima ediție, - anul probabil al scrierii)
• Regele Richard al III-lea (r. - prima ediție)
• Măsura pentru Măsură (g. - prima ediție, 26 decembrie - prima producție)
• Regele Ioan (r. - prima ediție a textului original)
• Henric al VI-lea (r. - prima ediție)
• Henric al IV-lea (r. - prima ediție)
• Love's Labour's Lost (g. - prima ediție)
• După cum vă place (scriere - - gg., d. - prima ediție)
• A douăsprezecea noapte (scris - nu mai târziu, d. - prima ediție)
• Iulius Caesar (scris -, g. - prima ediție)
• Henric al V-lea (r. - prima ediție)
• Mult zgomot despre nimic (r. - prima ediție)
• The Merry Wives of Windsor (g. - prima ediție)
• Hamlet, Prinț al Danemarcei ( r. - prima ediție, r. - a doua ediție)
• Totul e bine care se termină cu bine (scris - - gg., g. - prima ediție)
• Othello (creare - nu mai târziu de an, prima ediție - an)
• Regele Lear (26 decembrie
• Macbeth (creație - c., prima ediție - c.)
• Anthony și Cleopatra (creație - d., prima ediție - d.)
• Coriolanus (r. - anul scrierii)
• Pericle (g. - prima ediție)
• Troilus și Cressida (d. - prima publicație)
• Tempest (1 noiembrie - prima producție, oraș - prima ediție)
• Cymbeline (scris - g., g. - prima ediție)
• Povestea de iarnă (g. - singura ediție care a supraviețuit)
• The Taming of the Shrew (d. - prima publicație)
• Doi Veronieni (d. - prima publicație)
• Henric al VIII-lea (r. - prima publicație)
• Timon din Atena (d. - prima publicație)

Apocrife și lucrări pierdute

Articolul principal: Apocrife și opere pierdute ale lui William Shakespeare

Într-un scris de mână foarte asemănător cu semnăturile lui Shakespeare, sunt scrise (necenzurate) trei pagini dintr-o piesă comună, niciodată montată, „Sir Thomas More”. Ortografia manuscrisului coincide cu edițiile tipărite ale pieselor lui Shakespeare (la acea vreme încă nu apăruse un sistem comun de ortografie engleză). A confirmat paternitatea lui Shakespeare și analiza stilistică.

Există o serie de altele atribuite lui Shakespeare (sau echipe creative cu participarea sa) piese de teatru și poezii.

• Domnia Regelui Edward al III-lea, posibil în colaborare cu Thomas Kyd (1596).
• Eforturile iubirii răsplătite (1598) - o piesă fie pierdută, fie cunoscută sub un alt titlu („Totul e bine, care se termină cu bine” sau „Îmblânzirea scorpiei”).
• Cardenio ("Double Lies, or Lovers in Distress") - în colaborare cu John Fletcher (1613, ed. 1728 de Lewis Theobald). Potrivit viziunii tradiționale, publicația din 1728 este un fals, în timp ce textul la care a contribuit Shakespeare este pierdut. Recent, însă, o serie de cercetători consideră că binecunoscutul text „Cardenio” nu este un fals și poate conține replici shakespeariane.
• Yorkshire Tragedy (n/a, ed. 1619, Jaggard)
• Sir John Oldcastle (n/a, ed. 1619, Jaggard)

falsuri

• Vortigern și Rowena - autor. William Henry Irlanda

„Întrebare Shakespeare”

Viața lui Shakespeare este puțin cunoscută - el împărtășește soarta marii majorități a celorlalți dramaturgi englezi ai epocii, ale căror vieți personale au fost de puțin interes pentru contemporani. Există un punct de vedere, așa-numitul anti-Stratfordianism, sau non-Stratfordianism, ai cărui susținători neagă paternitatea lui Shakespeare (Shakspere) din Stratford și consideră că „William Shakespeare” este un pseudonim sub care o altă persoană sau un grup de persoane. se ascundea. Îndoielile cu privire la validitatea concepției tradiționale sunt cunoscute cel puțin din 1848 (și unii anti-Stratfordieni văd indicii în acest sens și în literatura anterioară). În același timp, nu există nicio unitate între non-Stratfordieni cu privire la cine a fost exact autorul real al operelor lui Shakespeare. Numărul de candidați probabili propuși de diverși cercetători se ridică în prezent la câteva zeci.

Scriitorul rus Lev Nikolaevici Tolstoi în eseul său critic „Despre Shakespeare și dramă” se bazează pe o analiză detaliată a unora dintre cele mai populare opere ale lui Shakespeare, în special: „Regele Lear”, „Othello”, „Falstaff”, „Hamlet” , etc. - a supus criticilor ascuțite abilității lui Shakespeare ca dramaturg.

Bernard Shaw a criticat cultul romantic al lui Shakespeare în secolul al XIX-lea, folosind cuvântul „cult-bardo” (ing. bardolatrie).

Lucrările lui Shakespeare în alte forme de artă

Noua dramaturgie, care a înlocuit teatrul din Evul Mediu - mistere, morală alegorică și farse populare primitive, s-a dezvoltat treptat.

În anii treizeci ai secolului al XVI-lea, episcopul Bayle, un protestant înflăcărat, a scris o piesă îndreptată împotriva catolicismului. El și-a ilustrat gândurile cu un exemplu din istoria Angliei - lupta regelui Ioan Fără pământ (a domnit între 1199 și 1216) împotriva Papei. În realitate, acest rege era o persoană nesemnificativă, dar era drag inimii episcopului protestant pentru că era în dușmănie cu papa. Bayle a scris o morală în care acționau virtuți și vicii personificate. Figura centrală a piesei se numea Virtutea. Dar în același timp a fost numit Regele Ioan. Printre figurile sumbre care personifică viciile, numele unuia era Puterea ilegală, ea este și Papa; numele celuilalt este Incitare la revoltă, ea este și legatul Papei. „Regele Ioan” a lui Bayle este un fel de piesă în care alegoriile vechii morale medievale au fost combinate cu noul gen istoric, care a înflorit ulterior în piesele istorice ale lui Shakespeare. „Regele Ioan” al lui Bayle a fost comparat de istoricii literari cu un cocon: nu mai este o omidă, dar nu este încă un fluture.

În același timp, în anii treizeci ai secolului al XVI-lea, așa-numita dramă „școlară” a început să se dezvolte în Anglia. Se numește așa pentru că a fost creată între zidurile universităților și școlilor: piesele au fost scrise de profesori și profesori, jucate de elevi și școlari. Dar poate fi numită și o dramă „școlară” în sensul că dramaturgii care au creat-o ei înșiși încă învățau să scrie piese de teatru studiind autorii antici și imitându-i. În anii treizeci ai secolului al XVI-lea a fost scrisă prima comedie în limba engleză, Ralph Royster-Deuster; autorul ei era un profesor cunoscut la acea vreme, Nicholas Youdl, directorul Școlii Eton. În anii cincizeci, avocații științi Sackville și Norton au scris prima tragedie în limba engleză - Gorboduk.

Dar toate acestea au fost doar „școală”. Lucrările dramatice adevărate, pline de viață au apărut abia atunci când oameni de la universități – „mințile universitare” – au început să dea piesele lor actorilor profesioniști. Acest lucru s-a întâmplat în anii optzeci ai secolului al XVI-lea.

În 1586 apar două piese care merită o atenție deosebită. Autorul primei este Thomas Kidd (care a scris și prima piesă despre Hamlet, care, din păcate, nu a ajuns până la noi).

Jocul pentru copii este o „tragedie a tunetului și sângelui” tipică, așa cum se spunea atunci. Titlul în sine este elocvent - „Tragedia spaniolă”. Aceasta este o încercare, încă primitivă, de a descrie puterea sentimentelor umane. Pe scenă apare teribila figură a Răzbunării, amintind de imaginile unei vechi morale. Imediat iese Spiritul Andreei ucise, care, plângându-se de ucigașii ticăloși, îl strigă pe însoțitorul său teribil. Acțiunea începe. Tânărul Horatio o iubește pe frumoasa fată Belimperia, iar ea îl iubește. Dar Belimperia este iubită și de Balthazar, fiul regelui portughez. Balthasar este luat să-l ajute pe fratele Belimperia - criminalul Lorenzo. Într-o noapte cu lună, când tinerii, așezați în grădină, își declară dragostea unul altuia, ucigașii mascați vin pe scenă și îl ucid pe Horatio cu pumnale. Pe scena engleză de atunci, le plăcea să înfățișeze crime și alte „orori”: unui actor i s-a pus o sticlă de oțet roșu sub o mantie albă; pumnalul a străpuns bula și pe mantia albă au apărut pete roșii. După ce l-au înjunghiat pe Horatio cu pumnale, ucigașii îi atârnă cadavrul de un copac - aparent, pentru a arăta mai clar publicului cadavrul pătat de sânge. Asasinii iau apoi cu forța Belimperia. Tatăl lui Horatio, bătrânul Jeronimo, fuge la țipetele ei - într-o cămașă, cu o sabie în mâini. Văzând cadavrul fiului său agățat de un copac, rostește un monolog tunător, chemând la răzbunare... Tot ce se întâmplă pe scenă este observat de Răzbunare și Spiritul Andreei asasinate, care, bucurându-se, așteaptă răzbunare, pentru că ucigașii lui Horatio sunt și ucigașii lui. Dar bătrânul Jeronimo ezită: nu este ușor să te răzbuni pe fiul regelui. Bătrânul nefericit se gândește cu dor la viață. „O lume! exclamă el. „Nu, nu lumea, ci o colecție de crime!” Se compară cu un călător singuratic care și-a pierdut drumul într-o noapte cu zăpadă... Spiritul Andreei este cuprins de anxietate. Se întoarce către Vengeance, dar vede că ea doarme. — Trezește-te, Răzbunare! exclamă el disperat. Răzbunarea se trezește. Și apoi un gând îl lovește pe bătrânul Jeronimo. Pentru a-și atinge scopul, plănuiește să pună o piesă la curte (cititorul a observat deja unele asemănări între această tragedie și Hamlet al lui Shakespeare; ne amintim încă o dată că Kidd a fost autorul primei piese despre Hamlet). În spectacolul pus în scenă de Hieronimo, Belimperia, inițiat în planul său, precum și Balthazar și Lorenzo participă. Pe parcursul piesei, personajele trebuie să se omoare între ele. Bătrânul Jeronimo face astfel încât, în loc de crime „de teatru”, să aibă loc crime reale. Spectacolul se termină, dar actorii nu se ridică de la pământ. Regele spaniol cere o explicație de la Jeronimo. Hieronimo refuză să răspundă și, pentru a confirma refuzul său, își mușcă propria limbă și o scuipă. Atunci regele ordonă să-i dea un stilou ca să scrie o explicație. Hieronimo cere cu semne să-i dea un cuțit pentru a-și ascuți stiloul și se înjunghie cu acest cuțit. O răzbunare jubiloasă apare peste un morman de cadavre însângerate, ceea ce sugerează că adevărata răzbunare urmează să vină: începe în iad.

Totul în această piesă este teatral, condiționat, melodramatic până la capăt. „Tragedia spaniolă” a lui Thomas Kidd este strămoșul acelei tendințe „romantice” din dramaturgia epocii shakespeariane, care a dat naștere unor tragedii precum „Diavolul alb” sau „Ducesa de Malfi” de contemporanul lui Shakespeare - Webster.

În același an, 1586, a fost scrisă o piesă de teatru cu totul diferită. Titlul său este „Arden din orașul Feversham” (autorul său este necunoscut pentru noi). Aceasta este o dramă de familie. Povestește cum o tânără, Alice Arden, și iubitul ei Moseby l-au ucis pe soțul lui Alice. Crima în sine este înfățișată cu mare forță, când Alice încearcă în zadar să spele petele de sânge (acest motiv a fost dezvoltat cu o forță grandioasă de Shakespeare în acea scenă celebră în care Lady Macbeth rătăcește pe jumătate adormită, biruită de amintiri). Totul în această piesă este vital, realist. Și complotul în sine a fost împrumutat de autor din viața reală. În epilog, autorul cere publicului să-l ierte pentru faptul că în piesă nu există „decorări”. Potrivit autorului, „adevărul simplu” este suficient pentru artă. Această piesă poate fi numită strămoșul acestei tendințe în dramaturgia epocii shakespeariane, care s-a străduit să înfățișeze viața de zi cu zi, cum ar fi minunata dramă a lui Thomas Heywood „A Woman Killed by Kindness”. Opera lui Shakespeare îmbină ambele curente - romantic și realist.

Acesta a fost prologul. Evenimentele reale încep cu apariția pe scena londoneze a pieselor lui Christopher Marlowe. Marlowe s-a născut, ca și Shakespeare, în 1564 și era cu doar două luni mai mare decât el. Patria lui Marlo a fost orașul antic Canterbury. Tatăl lui Christopher Marlo deținea un magazin de pantofi. Părinții și-au trimis fiul la Universitatea Cambridge, sperând să-l facă preot. Cu toate acestea, după ce a absolvit facultatea, în locul altarului bisericii, Marlo a ajuns pe scena scenei londoneze. Dar nu era destinat să devină actor. Potrivit legendei, și-a rupt piciorul și a trebuit să renunțe la actorie. Apoi s-a apucat de scris piese de teatru. Epopeea sa grandioasă în două părți și zece acte „Tamerlan cel Mare” a apărut în 1587-1588. În această epopee, Marlo povestește despre viața, războaiele și moartea celebrului comandant al secolului al XIV-lea.

„Păstorul scit”, „tâlharul din Volga” este numit Tamerlane în piesa lui Marlo de către regii estici, pe care îi dă jos de pe tron, capturându-le regatele. Armata lui Tamerlan, conform lui Marlo, este formată din „băieți simpli de la țară”. Marlo îl înfățișează pe Tamerlan ca pe un gigant musculos. Acesta este un om cu o forță fizică fenomenală, o voință indestructibilă și un temperament elementar. Seamănă cu figurile puternice create de dalta lui Michelangelo. Motivul proslăvirii vieții pământești, atât de tipic Renașterii, răsună tare în această grandioasă epopee dramatică; de pe scenă se aud cuvinte: „Cred că plăcerile cerești nu pot fi comparate cu bucuria regală de pe pământ!”

Tamerlane, ca și Marlo însuși, este un liber gânditor pasionat. Într-unul din monologuri furtunoase și tunetoase ale sale, el spune că scopul omului este „să se ridice pentru totdeauna la cunoașterea infinită și să fie pentru totdeauna în mișcare, precum sferele cerești care nu cunosc odihna”. Acest erou fabulos este plin de un exces de forță. Urcă pe scenă într-un car, la care sunt înhămați în loc de cai regii pe care i-a făcut prizonieri. „Hei, ai răsfățat ciucuri asiatici!” strigă el, îndemnându-i cu biciul.

Următoarea piesă a lui Marlo a fost Istoria tragică a doctorului Faust. A fost prima adaptare dramatică a celebrei legende. Piesa lui Marlo a reflectat dorința umană de a cuceri forțele naturii, atât de caracteristică Renașterii. Faust își vinde sufletul lui Mefistofel pentru a „primi darurile de aur ale cunoașterii” și „pătrunde în vistieria naturii”. Visează să-și închidă orașul natal cu un zid de cupru și să-l facă inaccesibil inamicului, să schimbe cursul râurilor, să arunce un pod peste Oceanul Atlantic, să umple Gibraltar și să conecteze Europa și Africa într-un singur continent... „Ce grandios este. totul este!" - a remarcat Goethe, care a folosit unele dintre trăsăturile tragediei lui Marlo pentru Faustul său.

Amploarea grandioasă a fanteziei, presiunea puternică a forțelor, parcă cu greu, caracterizează opera lui Marlo. „Versul puternic al lui Marlo”, a scris Ben Jonson. Shakespeare vorbește și despre „spusul puternic” al lui Marlowe.

Puritanii, care au creat codul noii morale burgheze, erau indignați de pasionatul liber gânditor care îi propovăduia deschis părerile. Una după alta, denunțurile au venit la Consiliul Privat al Reginei. Și chiar și oamenii de rând, deși piesele lui Marlowe au avut un succes uriaș printre ei, se uitau uneori la ceea ce se întâmpla pe scenă nu fără teamă superstițioasă. A existat chiar și un astfel de zvon la Londra. Odată, după interpretarea lui Faust, s-a dovedit că actorul care a jucat rolul lui Mefistofel era bolnav și nu a mers la teatru. Atunci cine l-a jucat pe Mefistofele în ziua aceea? Actorii s-au repezit în dressing și abia atunci, după mirosul de sulf, au ghicit că diavolul însuși a jucat pe scena londoneze în acea zi.

Marlo a mai scris câteva piese de teatru (cea mai bună piesă a sa în ceea ce privește vioicitatea portretelor umane pe care le-a creat este cronica istorică „Regele Edward al II-lea”). Dar talentul lui uimitor nu era destinat să se dezvolte cu forță. La 30 mai 1593, Christopher Marlowe, în al treizecilea an, a fost ucis într-o tavernă. Puritanii s-au bucurat. „Domnul a plantat acest câine care lătră pe cârligul răzbunării”, a scris unul dintre ei.

În jurul morții lui Marlo s-au dezvoltat multe legende. Unele legende spuneau că Marlo a murit într-o ceartă în stare de ebrietate, după ce s-a certat cu ucigașul său pentru o prostituată; altele că a căzut apărând onoarea unei fete nevinovate. Aceste legende au fost ascultate cu seriozitate până de curând. Și abia în 1925, profesorul american Leslie Hotson a reușit să găsească în arhivele engleze documente care să arunce o lumină nouă asupra circumstanțelor morții lui Marlo (descoperirile lui Hotson sunt expuse în cartea: Leslie Hotson. Moartea lui Cristopher Marlowe, 1925). Și s-a dovedit că uciderea lui Marlo a fost opera Consiliului Privat al Reginei Elisabeta; la uciderea lui Marlo, un anume Field a fost prezent - un agent al Consiliului Privat.

Astfel a murit, fără să-și dezvăluie pe deplin puterile creatoare, „părintele dramei engleze” Christopher Marlowe. Și tocmai în acel an, când steaua lui, arzând cu o strălucire strălucitoare, pasională și neuniformă, a apucat, steaua lui William Shakespeare a început să se ridice pe cerul teatral al Londrei. Spre deosebire de predecesorii săi, care aveau studii universitare, „mințile universitare”, acest nou dramaturg era un simplu actor.

Am menționat doar câțiva dintre predecesorii lui Shakespeare. În realitate, Shakespeare a folosit pe scară largă întregul trecut literar al patriei sale. A împrumutat mult de la Chaucer (de exemplu, poezia lui Shakespeare „Lucreția” cu rădăcinile sale intriga ne duce la „Legendele femeilor bune” a lui Chaucer; imaginile lui Tezeu și Hippolyta din comedia „Visul unei nopți de vară” au fost probabil inspirate de „ Povestea cavalerului” din celebrele povești de Canterbury ale lui Chaucer, poemul lui Chaucer Troilus și Cressida au influențat comedia omonimă a lui Shakespeare etc.). Shakespeare îi datora mult lui Edmund Spenser, autorul cărții The Faerie Queene, și altor poeți ai școlii sale. Din „Arcadia” de Philip Sidney, Shakespeare a împrumutat complotul, pe care l-a întruchipat în imaginea lui Gloucester, trădat de fiul său Edmund („Regele Lear”) – Shakespeare a adus și el omagiu eufismului. În cele din urmă, printre predecesorii lui Shakespeare, ar trebui amintiți naratorii fără nume ai baladelor populare engleze. În balada populară engleză se naște drama tragică a acțiunii, care este atât de tipică operei lui Shakespeare și a contemporanilor săi. Multe gânduri și sentimente care au existat de mult timp în rândul oamenilor și care s-au reflectat în balade și cântece populare au găsit o întruchipare artistică strălucitoare în opera lui Shakespeare. Rădăcinile acestei creativități merg adânc în pământul popular.

Dintre operele literaturii străine, Shakespeare a fost influențat în primul rând de povestirile italiene Boccaccio și Bandello, de la care Shakespeare a împrumutat o serie de intrigi pentru piesele sale. O colecție de povestiri italiene și franceze traduse în engleză, intitulată The Hall of Delights, a fost manualul lui Shakespeare. Pentru „tragediile sale romane” („Iulius Caesar”, „Coriolanus”, „Antony și Cleopatra”) Shakespeare a preluat comploturi din Viețile oamenilor celebri a lui Plutarh, pe care le-a citit în traducerea engleză a lui North. Printre cărțile sale preferate s-au numărat și Metamorfozele lui Ovidiu într-o traducere în engleză de Golding.

Opera lui Shakespeare a fost pregătită de mulți poeți, scriitori și traducători.