Leonardo di ser Piero da Vinci (15. April 1452 – 2. Mai 1519) war ein berühmter italienischer Maler, Architekt, Philosoph, Musiker, Schriftsteller, Entdecker, Mathematiker, Ingenieur, Anatom, Erfinder und Geologe. Bekannt für seine Gemälde, von denen die berühmtesten sind: Das letzte Abendmahl“ und „Mona Lisa“ sowie zahlreiche Erfindungen, die ihrer Zeit weit voraus waren, aber nur auf dem Papier blieben. Darüber hinaus leistete Leonardo da Vinci einen wichtigen Beitrag zur Entwicklung von Anatomie, Astronomie und Technik.
Raphael Santi (28. März 1483 – 6. April 1520) war ein großer italienischer Maler und Architekt, der während der Renaissance tätig war und den Zeitraum vom Ende des 15. Jahrhunderts bis zu den frühen Jahren des 16. Jahrhunderts abdeckte. Raphael gilt traditionell als einer von ihnen drei großartig Meister dieser Zeit, neben Michelangelo und Leonardo da Vinci. Viele seiner Werke befinden sich im Apostolischen Palast im Vatikan, in einem Raum namens Raffaels Strophe. Unter anderem ist hier sein berühmtestes Werk – „Die Schule von Athen“.
Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (6. Juni 1599 – 6. August 1660) war ein spanischer Maler, Porträtmaler und Hofmaler von König Philipp IV., dem größten Vertreter des goldenen Zeitalters der spanischen Malerei. Neben zahlreichen Gemälden, die historische und kulturelle Szenen aus der Vergangenheit darstellen, malte er zahlreiche Porträts der spanischen Königsfamilie sowie anderer berühmter europäischer Persönlichkeiten. Das berühmteste Werk von Velasquez ist das Gemälde „La Meninas“ (oder „Familie Philipps IV.“) aus dem Jahr 1656, das sich im Prado-Museum in Madrid befindet.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz und Picasso (25. Oktober 1881 – 8. April 1973) ist ein weltberühmter spanischer Künstler und Bildhauer, der Begründer der Kunstrichtung Kunst - Kubismus. Gilt als einer von die größten Künstler beeinflusste die Entwicklung bildende Kunst im 20. Jahrhundert. Experten galten als der beste Künstler unter denen, die in den letzten 100 Jahren gelebt haben, sowie als der „teuerste“ der Welt. Im Laufe seines Lebens schuf Picasso etwa 20.000 Werke (nach anderen Quellen 80.000).
Vincent Willem van Gogh (30. März 1853 – 29. Juli 1890) war ein berühmter niederländischer Maler, der erst nach seinem Tod Berühmtheit erlangte. Nach Ansicht vieler Experten ist Van Gogh einer der größten und auch einer der bedeutendsten Künstler in der Geschichte der europäischen Kunst prominente Vertreter Post-Impressionismus. Autor von mehr als 2.100 Kunstwerken, darunter 870 Gemälde, 1.000 Zeichnungen und 133 Skizzen. Seine zahlreichen Selbstporträts, Landschaften und Porträts gehören zu den bekanntesten und teuersten Kunstwerken der Welt. Am meisten berühmtes Werk Vincent van Gogh gilt vielleicht als Gemäldeserie mit dem Titel „Sonnenblumen“.
Michelangelo Buonarroti (6. März 1475 – 18. Februar 1564) – der weltberühmte italienische Bildhauer, Künstler, Architekt, Dichter und Denker, der insgesamt einen unauslöschlichen Eindruck hinterlassen hat Weltkultur. Das vielleicht berühmteste Werk des Künstlers sind die Fresken an der Decke der Sixtinischen Kapelle. Zu seinen bekanntesten Skulpturen zählen „Pieta“ („Beweinung Christi“) und „David“. Von den Werken der Architektur - die Gestaltung der Kuppel des Petersdoms. Interessanterweise wurde Michelangelo der erste Vertreter der westeuropäischen Kunst, dessen Biografie zu seinen Lebzeiten geschrieben wurde.
An vierter Stelle im Ranking der berühmtesten Künstler der Welt steht Masaccio (21. Dezember 1401-1428) – ein großer italienischer Künstler, der andere Meister stark beeinflusste. Masaccio lebte ein sehr kurzes Leben, daher gibt es kaum biografische Hinweise über ihn. Nur vier seiner Fresken sind erhalten geblieben, die zweifellos ein Werk von Masaccio sind. Andere gelten vermutlich als zerstört. Masaccios berühmtestes Werk ist das Dreifaltigkeitsfresko in der Kirche Santa Maria Novella in Florenz, Italien.
Peter Paul Rubens (28. Juni 1577 – 30. Mai 1640) war ein flämischer (südniederländischer) Maler, einer der größten Künstler des Barock, der für seinen extravaganten Stil bekannt war. Gilt als der vielseitigste Künstler seiner Zeit. Rubens betonte und verkörperte in seinen Werken die Lebendigkeit und Sinnlichkeit der Farbe. Er malte zahlreiche Porträts, Landschaften und historische Gemälde mit mythologischen, religiösen und allegorischen Themen. Das berühmteste Werk von Rubens ist das Triptychon „Kreuzabnahme“, das in der Zeit von 1610 bis 1614 entstand und dem Künstler weltweite Berühmtheit verschaffte.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. September 1571 – 18. Juli 1610) – der große italienische Künstler des Frühbarock, der Begründer des europäischen Realismus Gemälde XVII Jahrhundert. In seinen Werken nutzte Caravaggio gekonnt die Kontraste von Licht und Schatten und konzentrierte sich dabei auf Details. Oft werden gewöhnliche Römer, Straßen- und Marktmenschen in Heiligen- und Madonnenbildern dargestellt. Beispiele sind „Der Evangelist Matthäus“, „Bacchus“, „Bekehrung des Saulus“ usw. Eines der berühmtesten Gemälde des Künstlers ist „Der Lautenspieler“ (1595), das Caravaggio als das für ihn erfolgreichste Gemälde bezeichnete .
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) – berühmter niederländischer Maler und Kupferstecher, der als der größte und bedeutendste gilt berühmter Künstler Frieden. Autor von etwa 600 Gemälden, 300 Radierungen und 2.000 Zeichnungen. Sein charakteristisches Merkmal ist ein meisterhaftes Spiel mit Lichteffekten und tiefen Schatten. Das berühmteste Werk von Rembrandt ist das vier Meter hohe Gemälde „Nachtwache“, das 1642 entstand und heute im Staatlichen Museum von Amsterdam aufbewahrt wird.
Zitatnachricht Die berühmtesten und bedeutendsten Gemälde der Welt für die Kunstgeschichte. | 33 Meisterwerke der Weltmalerei.
Unter den Gemälden mit den Künstlern, zu denen sie gehören, finden Sie Links zu Beiträgen.
Die unsterblichen Gemälde großer Künstler werden von Millionen Menschen bewundert. Kunst, ob klassisch oder modern, ist eine der Hauptquellen der Inspiration, des Geschmacks und der kulturellen Bildung eines jeden Menschen und noch kreativer.
Es gibt sicherlich mehr weltberühmte Gemälde als 33. Es sind mehrere Hundert davon, und alle würden nicht in eine Rezension passen. Aus Gründen der Übersichtlichkeit haben wir daher einige Gemälde ausgewählt, die für die Weltkultur von größter Bedeutung sind und häufig in der Werbung kopiert werden. Jedes Werk wird begleitet interessante Tatsache, eine Erläuterung der künstlerischen Bedeutung bzw. der Entstehungsgeschichte.
Aufbewahrt in der Galerie Alte Meister in Dresden.
Das Bild birgt ein kleines Geheimnis: Der Hintergrund, der aus der Ferne wie Wolken aussieht, entpuppt sich bei näherer Betrachtung als Engelsköpfe. Und die beiden im Bild unten dargestellten Engel sind zum Motiv zahlreicher Postkarten und Plakate geworden.
Rembrandt „Die Nachtwache“ 1642
Im Rijksmuseum in Amsterdam aufbewahrt.
Der wahre Name des Gemäldes von Rembrandt lautet „Der Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenburg“. Kunstkritiker, die das Gemälde im 19. Jahrhundert entdeckten, meinten, die Figuren stünden vor einem dunklen Hintergrund und nannten es „Nachtwache“. Später stellte sich heraus, dass eine Rußschicht das Bild verdunkelt und die Handlung tatsächlich tagsüber stattfindet. Unter dem Namen „Nachtwache“ ist das Bild jedoch bereits in die Schatzkammer der Weltkunst gelangt.
Leonardo da Vinci „Das letzte Abendmahl“ 1495-1498
Befindet sich im Kloster Santa Maria delle Grazie in Mailand.
Im Laufe der mehr als 500-jährigen Geschichte des Bestehens des Werkes wurde das Fresko immer wieder zerstört: Durch das Gemälde wurde eine Türöffnung geschaffen, und dann wurde eine Türöffnung verlegt, das Refektorium des Klosters, in dem sich das Bild befindet, wurde genutzt als Waffenkammer, als Gefängnis und bombardiert. berühmtes Fresko mindestens fünfmal restauriert, wobei die letzte Restaurierung 21 Jahre dauerte. Um das Kunstwerk zu besichtigen, müssen Besucher heute Tickets im Voraus buchen und dürfen sich nur 15 Minuten in der Mensa aufhalten.
Salvador Dali „Die Beständigkeit der Erinnerung“ 1931
Nach Angaben des Autors selbst entstand das Bild aufgrund von Assoziationen, die in Dali beim Anblick von Schmelzkäse entstanden. Als sie aus dem Kino zurückkehrte, in das sie an diesem Abend ging, sagte Gala ganz richtig voraus, dass niemand, der „The Persistence of Memory“ einmal gesehen hatte, es vergessen würde.
Pieter Bruegel der Ältere Der Turmbau zu Babel 1563
Im Kunsthistorischen Museum in Wien aufbewahrt.
Das Scheitern des Turmbaus zu Babel sei laut Brueghel nicht auf plötzlich aufgetretene Sprachbarrieren zurückzuführen, so die biblische Erzählung, sondern auf Fehler beim Bau. Auf den ersten Blick scheint das riesige Gebäude solide genug zu sein, doch bei näherer Betrachtung wird klar, dass alle Etagen ungleichmäßig verlegt sind, die unteren Stockwerke entweder unvollendet sind oder bereits einstürzen, das Gebäude selbst neigt sich zur Stadt und den Aussichten hin für das gesamte Projekt sind sehr traurig.
Kasimir Malewitsch „Schwarzes Quadrat“ 1915
Nach Angaben des Künstlers hat er das Bild mehrere Monate lang gemalt. Anschließend fertigte Malewitsch mehrere Kopien des „Schwarzen Quadrats“ an (einigen Quellen zufolge sieben). Einer Version zufolge war der Künstler nicht in der Lage, die Arbeit an dem Gemälde rechtzeitig abzuschließen, sodass er die Arbeit mit schwarzer Farbe überdecken musste. Anschließend, nach der Anerkennung der Öffentlichkeit, malte Malewitsch neue „Schwarze Quadrate“ bereits auf leere Leinwände. Malewitsch malte auch die Gemälde „Rotes Quadrat“ (zwei Exemplare) und ein „Weißes Quadrat“.
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin „Das rote Pferd baden“ 1912
Befindet sich in der Staatlichen Tretjakow-Galerie in Moskau.
Das 1912 entstandene Bild erwies sich als visionär. Das rote Pferd fungiert als das Schicksal Russlands oder Russlands selbst, das der zerbrechliche und junge Reiter nicht halten kann. So sagte der Künstler mit seinem Gemälde symbolisch das „rote“ Schicksal Russlands im 20. Jahrhundert voraus.
Peter Paul Rubens „Der Raub der Töchter des Leukipp“ 1617-1618
Aufbewahrt in der Alten Pinakothek in München.
Das Gemälde „Die Entführung der Töchter des Leukipp“ gilt als Verkörperung mutiger Leidenschaft und körperlicher Schönheit. Die starken, muskulösen Arme junger Männer heben junge nackte Frauen hoch, um sie aufs Pferd zu setzen. Die Söhne von Zeus und Leda stehlen die Bräute ihrer Cousins.
Paul Gauguin „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?" 1898
Im Museum of Fine Arts in Boston aufbewahrt.
Auf Anweisung Gauguins selbst ist das Bild von rechts nach links zu lesen – die drei Hauptfigurengruppen veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen. Drei Frauen mit einem Kind stellen den Beginn des Lebens dar; Mittelgruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife; In der letzten Gruppe, so die Künstlerin, „scheint eine alte Frau, die sich dem Tod nähert, versöhnt und ihren Gedanken überlassen“, zu ihren Füßen „ein seltsamer weißer Vogel ... stellt die Sinnlosigkeit von Worten dar.“
Eugene Delacroix „Die Freiheit führt das Volk“ 1830
Im Louvre in Paris aufbewahrt
Delacroix schuf ein Gemälde, das auf der Julirevolution von 1830 in Frankreich basiert. In einem Brief an seinen Bruder vom 12. Oktober 1830 schreibt Delacroix: „Wenn ich nicht für das Mutterland gekämpft habe, dann werde ich zumindest für sie schreiben.“ Der nackte Oberkörper einer Frau, die das Volk anführt, symbolisiert die Selbstlosigkeit des damaligen französischen Volkes, das mit „nacktem Oberkörper“ zum Feind ging.
Claude Monet-Impression. Aufgehende Sonne“ 1872
Im Musée Marmottan in Paris aufbewahrt.
Der Name des Werkes „Impression, soleil levant“ wurde mit der leichten Hand des Journalisten L. Leroy zum Namen künstlerische Leitung"Impressionismus". Das Gemälde wurde im alten Hafen von Le Havre in Frankreich nach dem Vorbild der Natur gemalt.
Jan Vermeer „Mädchen mit Perlenohrring“ 1665
Aufbewahrt in der Mauritshuis-Galerie in Den Haag.
Eines der berühmtesten Gemälde des niederländischen Künstlers Jan Vermeer wird oft als „Nördliche oder niederländische Mona Lisa“ bezeichnet. Über das Gemälde ist sehr wenig bekannt: Es ist nicht datiert, der Name des abgebildeten Mädchens ist nicht bekannt. Im Jahr 2003 von gleichnamiger Roman Tracey Chevalier drehte den Spielfilm „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“, der hypothetisch die Entstehungsgeschichte der Leinwand im Kontext von Vermeers Biografie und Familienleben wiederherstellte.
Ivan Aivazovsky „Die neunte Welle“ 1850
In St. Petersburg im Staatlichen Russischen Museum aufbewahrt.
Ivan Aivazovsky ist ein weltberühmter russischer Marinemaler, der sein Leben der Darstellung des Meeres gewidmet hat. Er schuf etwa sechstausend Werke, von denen jedes zu Lebzeiten des Künstlers Anerkennung fand. Das Gemälde „Die neunte Welle“ ist im Buch „100 Great Paintings“ enthalten.
Andrei Rublev „Dreifaltigkeit“ 1425-1427
Die von Andrei Rublev im 15. Jahrhundert gemalte Ikone der Heiligen Dreifaltigkeit ist eine der berühmtesten russischen Ikonen. Das Symbol ist eine Tafel im Hochformat. Die Zaren (Iwan der Schreckliche, Boris Godunow, Michail Fedorowitsch) „umhüllten“ die Ikone mit Gold, Silber und Edelsteinen. Heute wird das Gehalt im Sergiev Posad State Museum-Reserve aufbewahrt.
Mikhail Vrubel „Sitzender Dämon“ 1890
In der Tretjakow-Galerie in Moskau aufbewahrt.
Die Handlung des Bildes ist von Lermontovs Gedicht „Der Dämon“ inspiriert. Der Dämon ist ein Bild der Stärke des menschlichen Geistes, des inneren Kampfes und der Zweifel. Tragischerweise die Hände gefaltet, sitzt der Dämon mit traurigen, großen Augen in die Ferne gerichtet, umgeben von beispiellosen Blumen.
William Blake „Der große Architekt“ 1794
Im British Museum in London aufbewahrt.
Der Name des Gemäldes „The Ancient of Days“ bedeutet wörtlich aus dem Englischen „Ancient of Days“. Dieser Satz wurde als Name Gottes verwendet. Hauptfigur Bilder - Gott im Moment der Schöpfung, der keine Ordnung schafft, sondern die Freiheit einschränkt und die Grenzen der Vorstellungskraft markiert.
Edouard Manet „Bar im Folies Bergère“ 1882
Gespeichert im Courtauld Institute of Art in London.
Das Folies Bergère ist eine Varieté- und Kabarettshow in Paris. Manet besuchte häufig die Folies Bergère und malte schließlich dieses Gemälde, sein letztes vor seinem Tod im Jahr 1883. Hinter der Bar, inmitten einer Menschenmenge aus Trinken, Essen, Reden und Rauchen, beobachtet eine Bardame in Gedanken versunken einen Trapezakrobaten, der in der oberen linken Bildecke zu sehen ist.
Tizian „Irdische Liebe und himmlische Liebe“ 1515-1516
Aufbewahrt in der Galleria Borghese in Rom.
Bemerkenswert ist, dass der moderne Name des Gemäldes nicht vom Künstler selbst gegeben wurde, sondern erst zwei Jahrhunderte später verwendet wurde. Bis zu diesem Zeitpunkt trug das Gemälde verschiedene Titel: „Schönheit verschönert und schmucklos“ (1613), „Drei Arten von Liebe“ (1650), „Göttliche und weltliche Frauen“ (1700) und schließlich „Irdische Liebe und Liebe“. Himmlische Liebe » (1792 und 1833).
Mikhail Nesterov „Vision an die Jugend Bartholomäus“ 1889-1890
Aufbewahrt in der Staatlichen Tretjakow-Galerie in Moskau.
Das erste und bedeutendste Werk aus dem Sergius von Radonesch gewidmeten Zyklus. Bis an sein Lebensende war der Künstler davon überzeugt, dass „Die Vision des jungen Bartholomäus“ sein bestes Werk sei. Im Alter wiederholte der Künstler gerne: „Ich werde nicht leben. „Der junge Bartholomäus“ wird leben. Wenn er nun dreißig, fünfzig Jahre nach meinem Tod noch etwas zu den Menschen sagen wird, dann lebt er, dann lebe auch ich.
Pieter Brueghel der Ältere „Das Gleichnis vom Blinden“ 1568
Im Capodimonte-Museum in Neapel aufbewahrt.
Andere Namen des Gemäldes sind „Der Blinde“, „Parabel des Blinden“, „Der Blinde führt den Blinden“. Es wird angenommen, dass die Handlung des Bildes auf dem biblischen Gleichnis vom Blinden basiert: „Wenn der Blinde den Blinden führt, werden beide in die Grube fallen.“
Viktor Wasnezow „Aljonuschka“ 1881
In der Staatlichen Tretjakow-Galerie aufbewahrt.
Als Grundlage dient das Märchen „Von Schwester Aljonuschka und Bruder Iwanuschka“. Ursprünglich hieß Vasnetsovs Gemälde „Der Narr Aljonuschka“. Waisen wurden damals „Narren“ genannt. „Aljonuschka“, sagte der Künstler selbst später, „als ob sie schon lange in meinem Kopf gelebt hätte, aber in Wirklichkeit sah ich sie in Achtyrka, als ich ein einfachhaariges Mädchen traf, das meine Fantasie beflügelte.“ In ihren Augen lag so viel Sehnsucht, Einsamkeit und rein russische Traurigkeit ... Eine Art besonderer russischer Geist ging von ihr aus.
Vincent van Gogh Sternennacht 1889
Im Museum of Modern Art in New York aufbewahrt.
Im Gegensatz zu den meisten Gemälden des Künstlers wurde „Sternennacht“ aus dem Gedächtnis gemalt. Van Gogh befand sich zu dieser Zeit im Saint-Remy-Krankenhaus und wurde von Wahnsinnsanfällen geplagt.
Karl Bryullov „Der letzte Tag von Pompeji“ 1830-1833
Im Staatlichen Russischen Museum in St. Petersburg aufbewahrt.
Das Gemälde zeigt den berühmten Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. e. und die Zerstörung der Stadt Pompeji in der Nähe von Neapel. Das Bild des Künstlers in der linken Bildecke ist ein Selbstporträt des Autors.
Pablo Picasso „Mädchen auf einem Ball“ 1905
Im Puschkin-Museum in Moskau aufbewahrt
Nach Russland gelangte das Gemälde dank des Industriellen Iwan Abramowitsch Morosow, der es 1913 für 16.000 Franken kaufte. 1918 wurde die persönliche Sammlung von I. A. Morozov verstaatlicht. Das Gemälde befindet sich derzeit in der Sammlung. Landesmuseum Bildende Kunst benannt nach A.S. Puschkin.
Leonardo da Vinci Madonna Litta 1491
In der Eremitage in St. Petersburg aufbewahrt.
Der Originaltitel des Gemäldes lautet Madonna mit Kind. Der moderne Name des Gemäldes leitet sich vom Namen seines Besitzers ab – Graf Litta, Besitzer einer Familienkunstgalerie in Mailand. Es besteht die Vermutung, dass die Figur des Babys nicht von Leonardo da Vinci gemalt wurde, sondern zum Pinsel eines seiner Schüler gehört. Davon zeugt die für die Art des Autors ungewöhnliche Pose des Babys.
Jean Ingres „Türkische Bäder“ 1862
Im Louvre in Paris aufbewahrt.
Ingres beendete das Malen dieses Bildes, als er bereits über 80 Jahre alt war. Mit diesem Bild bringt der Künstler ein eigentümliches Ergebnis des Bildes von Badegästen auf den Punkt, dessen Themen seit langem in seinem Werk präsent sind. Zunächst hatte die Leinwand die Form eines Quadrats, doch ein Jahr nach ihrer Fertigstellung verwandelte der Künstler sie in ein rundes Bild – ein Tondo.
Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky „Morgen im Kiefernwald“ 1889
In der Tretjakow-Galerie in Moskau aufbewahrt
„Morgen drin Kiefernwald"- ein Gemälde der russischen Künstler Ivan Shishkin und Konstantin Savitsky. Savitsky malte Bären, aber der Sammler Pavel Tretyakov löschte seine Unterschrift, als er das Gemälde erwarb, sodass nur noch Shishkin als Autor des Gemäldes angegeben wird.
Michail Vrubel „Die Schwanenprinzessin“ 1900
In der Staatlichen Tretjakow-Galerie aufbewahrt
Das Bild wurde auf der Grundlage des Bühnenbildes der Heldin der Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“ von N. A. Rimsky-Korsakov nach der Handlung des gleichnamigen Märchens von A. S. Puschkin gemalt. Für die Uraufführung der Oper im Jahr 1900 fertigte Vrubel Skizzen für Bühnenbild und Kostüme an und seine Frau sang die Rolle der Schwanenprinzessin.
Giuseppe Arcimboldo „Bildnis Kaiser Rudolfs II. als Vertumn“ 1590
Befindet sich im Schloss Skokloster in Stockholm.
Eines der wenigen erhaltenen Werke des Künstlers, der Porträts aus Früchten, Gemüse, Blumen, Krebstieren, Fischen, Perlen, Musik- und anderen Instrumenten, Büchern usw. anfertigte. „Vertumnus“ ist ein Porträt des Kaisers, dargestellt als altrömischer Gott der Jahreszeiten, der Vegetation und der Transformation. Auf dem Bild besteht Rudolph ausschließlich aus Früchten, Blumen und Gemüse.
Edgar Degas Blue Dancers 1897
Befindet sich im Kunstmuseum. A. S. Puschkin in Moskau.
Die Mona Lisa wäre möglicherweise nicht weltweit bekannt geworden, wenn sie nicht 1911 von einem Mitarbeiter des Louvre gestohlen worden wäre. Das Gemälde wurde zwei Jahre später in Italien gefunden: Der Dieb reagierte auf eine Anzeige in einer Zeitung und bot dem Direktor der Uffizien-Galerie an, die Gioconda zu verkaufen. Die ganze Zeit über, während die Ermittlungen liefen, verließ die Mona Lisa nicht die Titelseiten von Zeitungen und Zeitschriften auf der ganzen Welt und wurde zum Objekt des Kopierens und der Verehrung. Sandro Botticelli „Die Geburt der Venus“ 1486
In den Uffizien in Florenz aufbewahrt
Das Gemälde illustriert den Mythos von der Geburt der Aphrodite. Die nackte Göttin schwebt in einer offenen Muschel, vom Wind getrieben, ans Ufer. Auf der linken Seite des Bildes bläst Zephyr (der Westwind) in den Armen seiner Frau Chlorida auf eine Muschel und erzeugt so einen mit Blumen gefüllten Wind. Am Ufer wird die Göttin von einer der Grazien empfangen. Die Geburt der Venus ist gut erhalten, da Botticelli das Gemälde mit einer schützenden Schicht Eigelb überzog.
...
Teil 21 -
Teil 22 -
Teil 23 -
Ich bin auf ein Gemälde ohne Titel gestoßen, das 100 berühmte Menschen zeigt. Aus natürlicher Neugier beschloss ich herauszufinden, wessen Bild und wer darauf abgebildet ist. Es stellte sich heraus, dass das Bild von drei chinesischen Künstlern gemalt wurde – Dai Dudu, Li Tezzi und Zhang An. Es zeigt 100 berühmte Persönlichkeiten aller Zeiten und Völker. In der oberen rechten Ecke stellten die Künstler sich selbst dar. Kenner fanden auf dem Bild sogar das berühmte Schaf Dolly.
Da das Bild von Chinesen gemalt wurde, weist es natürlich einen gewissen Bezug zur chinesischen Geschichte auf. Dennoch erwies es sich als interessant und aufschlussreich, die Persönlichkeiten zu verstehen.
Auf verschiedenen Seiten, sowohl auf Englisch als auch auf Russisch, wurde dieses Bild bereits besprochen, aber nirgendwo habe ich eine genaue Entschlüsselung dessen gefunden, wer auf dem Bild wer ist. Deshalb wage ich es, Ihnen meine Version anzubieten. An Stellen, an denen ich Zweifel hatte, habe ich Fragezeichen gesetzt.
Wenn jemand zweifelhafte Punkte klären kann, wäre ich sehr dankbar. Ich bin verwirrt über die alten Griechen, sie sind alle kahl und bärtig, ich muss mich an die Hinweise halten, die die Künstler auf dem Bild geben. Ich spreche nicht einmal von den Chinesen ... Ja, es gibt noch Fragen. Warum hat Pavka Korchagin zum Beispiel schräge Augen? Im Allgemeinen helfen.
Das Bild ist anklickbar(erster Klick, wirklich, reduziert es, der zweite stellt es auf seine ursprüngliche Größe zurück und erst der dritte verdoppelt es - aber das ist eine Funktion der LJ-Engine, da kann ich nichts dagegen tun.
1. Bill Gates
2. Aristoteles (Sokrates?)
3. Cui Jian, Gründer des Chinese Rock
4. Lenin
5. Pelé
6. Pawel Kortschagin
7. Audrey Hepburn
8. Beethoven
9. Hitler
10 Charlie Chaplin
11. Henry Ford
12. Lei Feng, Volksheld China
13. Rudyard Kipling
14. Mussolini
15. Saddam Hussein
16. Maxim Gorki
17. Khubilai, Enkel von Dschingis Khan, der die Hauptstadt nach Peking verlegte, oder Guan Yu (?)
18. Ramses II
19. Bill Clinton
20. Peter I
21. Margaret Thatcher
22. Charles de Gaulle
23. Sun Yat-sen (in einer Weste)
24. Deng Xiaoping (trägt ein T-Shirt)
25. Puschkin (!!?????)
26. Sigmund Freud
27. Burres Skinner, amerikanischer Psychologe und Schriftsteller.
28. Mike Tyson
29. Putin
30. Hans Christian Andersen (Lewis Carroll?)
31. Chiang Kai-shek (halbe Drehung)
32. Königin Elisabeth II(?)
33. Shirley-Tempel
34. William Faulkner oder Steinbeck oder Lu Xun (?)
35. Franklin Delano Roosevelt
36. Ulysses Grant
37. Bruce Lee
38. Winston Churchill
39. Hemingway
40. Henri Matisse
41. Robert Oppenheimer
42. Elvis Presley
43. Josef Stalin
44. Platon
45. William Shakespeare
46. Wolfgang Amadeus Mozart
47. Karl Marx
48. Friedrich Nietzsche
49. Leo Tolstoi
50. Albert Einstein
51. Li Bo – chinesischer Dichter der Tang-Dynastie (?)
52. Mao Zedong
53. Abraham Lincoln
54. Pablo Picasso
55. Steven Spiberg
56. Dschingis Khan
57. Napoleon
58. Marie Curie (???)
59. Zhou Enlai
60. Che Guevara
61. Fidel Castro
62. Der Pate – Don Corleone – gespielt von Marlon Brando
63. Jassir Arafat.
64. Goethe (?)
65. Laozi
66. Marilyn Monroe
67. Moses
68. Konfuzius
69. Corneliu Baba – rumänischer Künstler
70. Mahatma Gandhi
71. Julius Cäsar
72. Claire Lee Chennault - Generalleutnant US Air Force, während Zweiter Weltkrieg befehligte das Fliegergeschwader Flying Tigers in China, in dem amerikanische Freiwillige kämpften.
73. Salvador Dalí
74. Luciano Pavarotti
75. Kaiserin Cixi
76. Ariel Scharon
77. Michael Jordan
78. Michelangelo
79. Dwight Eisenhower (?)
80. Vincent van Gogh
81. Henri Toulouse-Lautrec
82. Masel Duchamp – Kunsttheoretiker, der an den Ursprüngen des Dadaismus und Surrealismus stand
83. George W. Bush (Jr.)
84. Liu Xiang – chinesischer Athlet, der erste Chinese, der die Olympischen Spiele gewann
85. Prinz Charles
86. Kofi Annan, 7. Generalsekretär der Vereinten Nationen
87. Qi Baishi – chinesischer Künstler
88. Hideki Tojo ist ein japanischer Politiker, Militärführer und Kriegsverbrecher, der nach der Niederlage Japans im Zweiten Weltkrieg zum Tode durch Erhängen verurteilt wurde.
89. Qin Shi Huang – Herrscher des Qin-Königreichs (seit 246 Chr Chr.), der die jahrhundertealte Ära der Streitenden Reiche beendete
90. Michail Gorbatschow
91. Mutter Teresa
92. Kim Il Sung – Gründer des nordkoreanischen Staates und Entwickler der koreanischen Version des Marxismus- Juche
93. Rabindranath Tagore
94. Demosthenes
95. Otto von Bismarck
96. Zhang Yimou – chinesischer Schauspieler, Regisseur, Produzent, Drehbuchautor (?)
97. Lee Sunsin – koreanischer Marinekommandant (?)
98. Jean-Jacques Rousseau
99. Osama bin Laden
100. Dante Alighieri
101. Li Tezzi (einer der Schöpfer des Bildes)
102. Zhang An (einer der Schöpfer des Bildes)
103. Dai Dudu (einer der Schöpfer des Bildes)
104. Dolly das Schaf – das erste geklonte Tier der Welt
Es gibt Kunstwerke, die den Betrachter verblüfft und verblüfft zu treffen scheinen. Andere ziehen Sie in die Reflexion und auf die Suche nach semantischen Schichten, geheimer Symbolik. Einige Gemälde sind voller Geheimnisse und mystischer Mysterien, während andere mit einem exorbitanten Preis überraschen.
Wir haben alle wichtigen Errungenschaften der Weltmalerei sorgfältig geprüft und daraus zwei Dutzend der seltsamsten Gemälde ausgewählt. Salvador Dali, dessen Werke vollständig in das Format dieses Materials fallen und mir als erstes in den Sinn kommen, wurden absichtlich nicht in diese Sammlung aufgenommen.
Es ist klar, dass „Fremdheit“ ein eher subjektiver Begriff ist, und für jeden gibt es erstaunliche Gemälde, die sich von vielen anderen Kunstwerken abheben. Wir freuen uns, wenn Sie sie in den Kommentaren teilen und uns ein wenig darüber erzählen.
"Schrei"
Edward Munch. 1893, Karton, Öl, Tempera, Pastell.
Nationalgalerie, Oslo.
Der Schrei gilt als wegweisendes expressionistisches Ereignis und als eines der berühmtesten Gemälde der Welt.
Es gibt zwei Interpretationen des Dargestellten: Es ist der Held selbst, der von Entsetzen erfasst wird und lautlos schreit und die Hände an die Ohren presst; oder der Held verschließt seine Ohren vor dem Schrei der Welt und der Natur, der um ihn herum erklingt. Munch hat vier Versionen von „Der Schrei“ geschrieben, und es gibt eine Version, dass dieses Bild die Frucht einer manisch-depressiven Psychose ist, unter der der Künstler litt. Nach einer Behandlung in der Klinik kehrte Munch nicht mehr zur Arbeit an der Leinwand zurück.
„Ich ging mit zwei Freunden den Weg entlang. Die Sonne ging unter – plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich hielt erschöpft inne und lehnte mich an den Zaun – ich blickte auf das Blut und die Flammen über dem blauschwarzen Fjord und der Stadt. Meine Freunde gingen weiter, und ich stand zitternd vor Aufregung da und spürte den endlosen Schrei, der die Natur durchdringt“, sagte Edvard Munch über die Geschichte des Gemäldes.
„Woher kamen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?"
Paul Gauguin. 1897-1898, Öl auf Leinwand.
Museum der Schönen Künste, Boston.
Auf Anweisung Gauguins selbst ist das Bild von rechts nach links zu lesen – die drei Hauptfigurengruppen veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen.
Drei Frauen mit einem Kind stellen den Beginn des Lebens dar; die mittlere Gruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife; In der letzten Gruppe, so die Künstlerin, „scheint eine alte Frau, die sich dem Tod nähert, versöhnt und ihren Gedanken überlassen“, zu ihren Füßen „ein seltsamer weißer Vogel ... stellt die Sinnlosigkeit von Worten dar.“
Ein zutiefst philosophisches Bild des Postimpressionisten Paul Gauguin schrieb er auf Tahiti, wohin er aus Paris floh. Am Ende der Arbeit wollte er sogar Selbstmord begehen: „Ich glaube, dass diese Leinwand allen meinen vorherigen überlegen ist und dass ich nie etwas Besseres oder auch nur Ähnliches schaffen werde.“ Er lebte noch fünf Jahre und so geschah es.
„Guernica“
Pablo Picasso. 1937, Öl auf Leinwand.
Reina Sofia Museum, Madrid.
Guernica präsentiert Szenen von Tod, Gewalt, Gräueltaten, Leid und Hilflosigkeit, ohne ihre unmittelbaren Ursachen zu benennen, aber sie sind offensichtlich. Es heißt, dass Pablo Picasso 1940 zur Gestapo in Paris vorgeladen wurde. Das Gespräch kam sofort auf das Bild. "Hast du das gemacht?" - „Nein, du hast es geschafft.“
Das riesige Fresko „Guernica“, 1937 von Picasso gemalt, erzählt vom Überfall der Freiwilligeneinheit der Luftwaffe auf die Stadt Guernica, bei dem die sechstausendste Stadt völlig zerstört wurde. Das Bild wurde in nur einem Monat gemalt – in den ersten Tagen der Arbeit an dem Bild arbeitete Picasso 10-12 Stunden, und schon in den ersten Skizzen konnte man sehen Hauptidee. Dies ist einer von die besten Illustrationen der Albtraum des Faschismus sowie menschliche Grausamkeit und Trauer.
„Porträt der Arnolfinis“
Jan van Eyck. 1434, Öl auf Holz.
Londoner Nationalgalerie, London.
berühmtes Gemälde vollständig gefüllt mit Symbolen, Allegorien und diversen Bezügen – bis hin zur Signatur „Jan van Eyck war hier“, die das Bild nicht nur zu einem Kunstwerk, sondern zu einem historischen Dokument machte, das die Realität des Ereignisses bestätigt, bei dem der Künstler anwesend war gegenwärtig.
Das Porträt angeblich von Giovanni di Nicolao Arnolfini und seiner Frau ist eines der bedeutendsten komplexe Werke Westliche Malschule der nördlichen Renaissance.
In Russland erfreute sich das Gemälde in den letzten Jahren aufgrund der Porträtähnlichkeit Arnolfinis an Wladimir Putin großer Beliebtheit.
„Sitzender Dämon“
Michail Wrubel. 1890, Öl auf Leinwand.
Zustand Tretjakow-Galerie, Moskau.
„Hände widerstehen ihm“
Bill Stoneham. 1972.
Dieses Werk kann natürlich nicht zu den Meisterwerken der Weltkunst gezählt werden, aber die Tatsache, dass es seltsam ist, ist eine Tatsache.
Um das Bild mit einem Jungen, einer Puppe und an das Glas gepressten Handflächen ranken sich Legenden. Von „Wegen diesem Bild sterben sie“ bis zu „Die Kinder darin leben.“ Das Bild sieht wirklich gruselig aus, was bei Menschen mit einer schwachen Psyche viele Ängste und Vermutungen hervorruft.
Der Künstler versicherte, dass das Bild ihn selbst im Alter von fünf Jahren darstellt, dass die Tür die Trennlinie zwischen der realen Welt und der Welt der Träume darstellt und die Puppe ein Führer ist, der den Jungen durch diese Welt führen kann. Die Hände repräsentieren alternative Leben oder Möglichkeiten.
Das Gemälde erlangte im Februar 2000 Berühmtheit, als es bei eBay zum Verkauf angeboten wurde, mit einer Hintergrundgeschichte, die besagte, dass das Gemälde „heimgesucht“ wurde. „Hands Resist Him“ wurde für 1.025 US-Dollar von Kim Smith gekauft, die daraufhin mit Briefen mit gruseligen Geschichten und der Forderung, das Gemälde zu verbrennen, überschwemmt wurde.
100 großartige Gemälde (Teil 1)
Große Leinwände sind immer ein Spiegel der Zeit, in welche komplexe allegorische Form der Künstler sie auch kleiden mag. Nicht jedes Bild erschließt sich dem Betrachter auf den ersten Blick, manche erfordern Aufmerksamkeit, Reflexion, eine gewisse Vorbereitung und Wissen.
Wir möchten auf unserer Seite nicht nur das meiste erzählen Berühmte Werke der Weltkunst, sondern um jedem die Möglichkeit zu bieten, eine hochwertige Reproduktion eines Lieblingsmeisterwerks auf natürlicher Leinwand zu bestellen.
Jan van Eyck(1390–1441) gilt als der größte niederländische Maler des 15. Jahrhunderts, der den Grundstein für die realistische Tradition der Altarmalerei legte. Ursprünglich aus einer kleinen niederländischen Stadt an der Maas stammend, trat er 1422, bereits ein angesehener Meister, in die Dienste des Grafen Johann von Bayern und beteiligte sich bis 1424 an der Dekoration des gräflichen Palastes in Den Haag. Im Jahr 1425 zog Van Eyck nach Lille, wo er Hofmaler des Herzogs von Burgund, Philipp III. des Guten, wurde. Am Hofe des Herzogs, der den Künstler sehr schätzte, malte er nicht nur, sondern führte auch viele diplomatische Missionen durch und reiste immer wieder nach Spanien und Portugal.
Im Jahr 1431 zog Van Eyck nach Brügge, wo er bis an sein Lebensende lebte und sowohl als Hofmaler als auch als Künstler der Stadt tätig war. Die meisten uns überlieferten Werke stammen aus der Zeit des Meisters, als er im Dienste des Herzogs von Burgund stand.
Eines der berühmtesten Werke Van Eycks, das Porträt der Arnolfinis, befindet sich in der Sammlung der London National Gallery. In dem Bild, das die Trauung zweier wohlhabender junger Menschen zeigt, fand der Künstler Platz für mehrere Symbole – zum Beispiel für einen Hund zu Füßen des Brautpaares, ein Symbol der Treue. In einem runden Spiegel, der in den Tiefen der Komposition an der Wand hängt, spiegeln sich zwei Personen – offensichtlich die Trauzeugen der Trauung. Auf einem davon stellte der Künstler sich selbst dar, wie die Inschrift über dem Spiegel besagt. Der Künstler zeigte das Brautpaar in vollem Wachstum. Der Maler stellt liebevoll die Dinge rund um das Brautpaar dar. Diese Gegenstände erzählen viel über den Lebensstil ihrer Besitzer und betonen ihre bürgerlichen Tugenden – Sparsamkeit, Bescheidenheit, Ordnungsliebe.
Der Inhalt des oben beschriebenen Gemäldes ist nur die häufigste Version, für einige Forscher ist jedoch eine andere attraktiv: Es handelt sich um ein Selbstporträt des Künstlers. Bereits 1934 schlug der bekannte österreichische Kunstkritiker Erwin Panofsky vor, dass das Gemälde keine Ehe, sondern eine Verlobung darstellt. Darüber hinaus wurde festgestellt, dass Giovanni Arnolfini und seine Frau nicht existierten und die auf dem Bild dargestellte Frau eindeutig auf den Familienzuwachs wartete. Und Margarita van Eyck (die Schwester des Künstlers) brachte am 30. Juni 1434 ein Kind zur Welt einen Sohn.
Wer ist also der Held des Bildes? Oder handelt es sich wirklich um eine Familienszene und überhaupt nicht um ein individuelles Porträt? Die Frage ist noch offen...
Van Eyck stellt dem Betrachter vor Privatsphäre Menschen, die Schönheit zeigen Alltagsleben. Dadurch eröffnete er der bildenden Kunst neue, realistische Möglichkeiten, die erst im 17. Jahrhundert voll ausgeschöpft wurden, als in Holland viele ähnliche Gemälde entstanden.
Diese größte Schöpfung des Künstlers geriet wie sein „Frühling“ mehr als dreihundert Jahre lang in tiefer Vergessenheit in der ruhigen Villa Castello in der Nähe von Florenz. Das Bild wurde erst Mitte des letzten Jahrhunderts wahrgenommen, als die präraffaelitischen Maler Milles und Rossetti Botticelli als eines der seltensten Talente Italiens im 15. Jahrhundert wiederentdeckten.
Die Geburt der Venus wurde für Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici geschrieben, Cousin von Lorenzo dem Prächtigen und Botticellis wichtigstem Förderer. Florenz, wo der Künstler den größten Teil seines Lebens verbrachte, wurde von der mächtigen Medici-Familie regiert. Die Handlung des Bildes ist mit der Kultur des Hofes von Lorenzo Medici verbunden, die von der Philosophie des Neuplatonismus durchdrungen ist. Diese Zeit der Strophen von Poliziano und der Sonette von Lorenzo dem Prächtigen, die Zeit der Turniere und Karnevalsumzüge war die Blütezeit Botticellis.
In „Die Geburt“ stellte Sandro Botticelli das Bild der Aphrodite Urania dar – der himmlischen Venus, der Tochter des Uranus, die ohne Mutter aus dem Meer geboren wurde. Das Bild fängt nicht so sehr die Geburt selbst ein, sondern den darauf folgenden Moment, als Venus, angetrieben vom Atem der Genies der Luft, das versprochene Ufer erreicht. Die Schönheit der nackten Figur wird von der Nymphe Ora gekrönt, die die Natur verkörpert und bereit ist, sie mit einem Umhang zu bedecken. Ora ist eines der drei Berge, die Nymphen der Jahreszeiten. Den Blumen, die ihre Kleidung bedecken, nach zu urteilen, schützt dieser Berg die Jahreszeit, in der die Macht der Venus ihren Höhepunkt erreicht. Vielleicht wurde dieses Bild des Künstlers von einem der homerischen Hymnen inspiriert, der beschreibt, wie Zephyr, der Gott des Westwinds, Venus auf die Insel Zypern brachte, wo die Berge sie akzeptierten.
Laut dem Umfeld von Lorenzo Medici ist Venus, die Göttin der Liebe, auch die Göttin der Menschheit. Sie ist es, die den Menschen Vernunft und Tapferkeit lehrt, sie ist die Mutter der Harmonie, geboren aus der Vereinigung von Materie und Geist, Natur und Ideen, Liebe und Seele.
Das berühmteste Gemälde der Welt, die Mona Lisa von Leonardo da Vinci, befindet sich im Louvre.
Die Mona Lisa wurde zwischen 1503 und 1506 geschaffen und 1510 fertiggestellt. Es ist immer noch unklar, wer genau für den großen Meister posierte. Der Künstler erhielt einen Auftrag für das Gemälde von Francesco del Giocondo, einem Florentiner Seidenhändler, und die meisten Historiker und Kunsthistoriker glauben, dass das Porträt Lisa Gherardini, Giocondos Frau, darstellt, die das Porträt zu Ehren der Geburt ihres zweiten Sohnes in Auftrag gab wurde im Dezember 1502 geboren. Dennoch gibt es seit 500 Jahren keinen Streit darüber, wer in diesem berühmten Gemälde wirklich dargestellt ist.
Das Wort „Mona“ ist höchstwahrscheinlich eine Kurzform von „monna“ oder „mia donna“, also „Mylady“ oder „Madame“. Auf Französisch heißt es „La Joconde“ und auf Italienisch „La Gioconda“ (fröhlich), aber das ist nur ein Wortspiel, ein Zufall mit dem Namen dessen, der als Prototyp des Bildes diente.
Das Porträt ist ein hervorragendes Beispiel für Leonards Lieblingstechnik, das sogenannte Sfumato – „rauchiges Hell-Dunkel“, ein sanftes Halblicht mit einer weichen Palette von Tönen, die leicht verwischt zu sein scheinen und fließend in einen anderen übergehen. Gleichzeitig markiert Leonardo die Mund- und Augenwinkel so präzise und anmutig, dass das Bild eine wirklich fantastische Qualität erhält.
Einige Forscher argumentieren, dass es sich bei dem Bild um ein Selbstporträt von Leonardo selbst handelt, der seinem Aussehen weibliche Züge oder sogar Züge eines Hermaphroditen verlieh. Und tatsächlich, wenn man dem Bild von Mona Lisa die Haare entfernt, erhält man ein seltsames, geschlechtsloses Gesicht. Diese Hypothese wurde durch die Arbeit unabhängiger Forscher bestätigt – Lillian Schwartz vom Bell Labs-Labor und Digby Quest von der Maudsley-Klinik in London, die die Hypothese bestätigten, dass Leonardo sich im Bild von Mona Lisa darstellen konnte. Die Forscher verglichen mit speziellen Computerprogramme„Mona Lisa“ und ein Selbstporträt von Leonardo, angefertigt, als er bereits in einem ehrwürdigen Alter war. Das Ergebnis ist erstaunlich. Es stellte sich heraus, dass „Mona Lisa“ fast ein Spiegelbild des Gesichts des großen Meisters war. Fast alle Gesichtszüge stimmten perfekt überein, auch die Nasenspitze, die Lippen und die Augen.
1911 wurde die Mona Lisa vom Italiener Vincenzo Perugia, der als Zimmermann im Museum arbeitete, aus dem Louvre gestohlen. Er trug das Gemälde einfach aus der Galerie und versteckte es unter seiner Kleidung. Das berühmte Gemälde wurde erst 1913 gefunden, als der Entführer versuchte, es an einen bestimmten Sammler zu verkaufen. Zuvor wurde Leonardos Meisterwerk in einem Koffer mit doppeltem Boden aufbewahrt. Der Angreifer begründete seine Tat damit, dass er ein von Napoleon Bonaparte illegal exportiertes Gemälde nach Italien zurückgeben wollte.
Aus Robert Cummings großen Künstlern:
„Dieses Gemälde, das allgemein als ‚Venus von Dresden‘ bekannt ist, war äußerst originell und in der Kunst der klassischen Antike beispiellos. Das Werk zeigt das Interesse des Künstlers an einem neuen Schönheitsideal, bei dem die poetische Stimmung über den rationalen Inhalt siegt.“
Dieser liegende Akt ist zu einem der beliebtesten Bilder der europäischen Malerei geworden. Giorgione stellt eine Figur dar, die mit geschlossenen Augen unter einem Baum schläft, in Träume versunken ist und nicht weiß, dass sie beobachtet wird. Fast alle späteren Variationen dieses Themas zeigen sie im Wachzustand. Insbesondere stellte Manet in seiner „Olympia“ die „Venus“ dar, die sexuelle Dienste anbot.
Die sanften Farbtöne und abgerundeten Formen der Venus zeugen vom Einfluss Leonardo da Vincis, der sich auch in der Lösung der Falten der Vorhänge zeigt. „Dresdner Venus“ entstand in einem Jahrzehnt in „Mona Lisa“ – und beides sorgte sofort für zahlreiche Kopien und Nachahmungen.
Gekonnt wiedergegebenes Hell-Dunkel und Glanzlichter auf luxuriösen Vorhängen demonstrieren Giorgiones Meisterschaft in der Technik der Ölmalerei.
Die sanften Körperkonturen verstärken das Gefühl des Tiefschlafs und laden gleichsam dazu ein, die Figur mit den Augen zu streicheln.
Der erotische Charakter des Bildes weist darauf hin, dass das Gemälde für ein privates Schlafzimmer in Auftrag gegeben wurde.
Röntgenaufnahmen und Aufzeichnungen von Restauratoren des 19. Jahrhunderts weisen darauf hin, dass Giorgione ursprünglich die Figur des Amor auf der rechten Seite der Leinwand dargestellt hat (oder darstellen wollte).
Gerüchten zufolge hatte Giorgione zu seinen Lebzeiten keine Zeit, das Gemälde fertigzustellen, und es wird allgemein angenommen, dass Tizian den Auftrag zur Vollendung der Landschaft erhielt. Die „geschichtete“ Landschaft und die blauen Hügel am Horizont sind charakteristisch für Tizians frühen Stil. Der vorzeitige Tod eines Rivalen trug zum Aufstieg von Tizians Stern bei.“
I. Bosch erwies sich als sehr schwieriger Künstler, bis heute gibt es keinen etablierten Standpunkt zur Interpretation von Handlungen und Einzelbildern seiner Gemälde.
Für mittelalterliche Künstler (sowie für ihre Betrachter) galten alle Objekte und Phänomene symbolische Bedeutung Jeder Gegenstand erhielt seine symbolische Interpretation basierend auf den Texten der Bibel. So galt der Löwe beispielsweise in Anlehnung an den Satz: „Das Wort Gottes ist stark wie ein Löwe“ als Symbol der Allmacht des christlichen Glaubens, denn die Portale vieler romanischer Kathedralen in Frankreich schmücken Löwenfiguren Und in Italien platzierten Bildhauer des 13. und 14. Jahrhunderts Löwen am Fuß von Kirchenkanzeln. Boschs Werk ist in unserer Zeit vielleicht auch schwer direkt wahrzunehmen, weil der Künstler neben traditionellen mittelalterlichen Symbolen (die jedem bekannt sind) auch andere Symbole verwendete – weniger erforscht und schwer zu entziffern.
Boschs künstlerische Sprache passte nie ganz in mittelalterliche Symboldeutungen. Der Künstler verwendete bestimmte Symbole oft in einer Bedeutung, die der allgemein akzeptierten Bedeutung entgegengesetzt war, und erfand auch neue Symbole. Vielleicht wurde er deshalb als „düsterer Science-Fiction-Autor“, „Ehrenprofessor für Albträume“ bezeichnet, aber moderne Surrealisten sahen in Bosch ihren geistigen Vater und Vorläufer. Hier ist eine solche Szene. Ein Liebespaar hat sich in einer durchsichtigen Blase zurückgezogen. Etwas höher umarmt ein junger Mann eine riesige Eule, rechts neben der Blase in der Mitte des Beckens, im Wasser, steht ein anderer Mann auf dem Kopf, die Beine weit auseinander, zwischen denen die Vögel ein Nest gebaut haben. Nicht weit von ihm beugt sich ein junger Mann mit seiner Geliebten aus einem rosafarbenen, hohlen Apfel und füttert Menschen, die bis zum Hals im Wasser stehen, mit einer monströsen Weintraube. Dies ist der „Garten der Lüste“ – eines der berühmtesten Gemälde von Hieronymus Bosch.
Hieronymus Bosch schuf 1503 sein Triptychon „Garten der Lüste“ oder „Garten der Lüste“ (es wird oft als das „Bosch“-Werk bezeichnet) und darin kam seine eigentümliche Vision der Welt voll zum Ausdruck. Der Titel des Gemäldes ist angegeben zeitgenössische Literatur, und in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts, als es in den Besitz von König Philipp II. gelangte, wurde es „Die Vielfalt der Welt“ genannt, im 17. Jahrhundert trug es den Namen „Eitelkeit und Ruhm“.
Auf der linken Seite dieses Triptychons ist das Paradies dargestellt, auf der rechten Seite die Hölle und dazwischen wurde ein Bild der irdischen Existenz platziert. Links Der Garten der Freuden zeigt die Szene der Erschaffung Evas, und das Paradies selbst glitzert und schimmert in hellen, funkelnden Farben. Vor der Kulisse einer fantastischen paradiesischen Landschaft. gefüllt mit einer Vielzahl von Tieren und Pflanzen zeigt der Meister den erwachenden Adam. Der gerade erwachte Adam erhebt sich vom Boden und blickt staunend auf Eva, die ihm Gott zeigt. Der bekannte Kunsthistoriker C. de Tolnay stellt fest, dass der überraschte Blick, den Adam der ersten Frau zuwirft, bereits ein Schritt auf dem Weg zur Sünde ist. Und Eva, aus Adams Rippe gewonnen, ist nicht nur eine Frau, sondern auch ein Instrument der Verführung. Der Widerspruch zwischen einem ruhigen und sündlosen Mann und einer Frau, die den Samen der Sünde in sich trägt, spiegelt sich in der sie umgebenden Natur wider. Eine verkümmerte Palme, die auf einem geheimnisvollen orangefarbenen Felsen wächst, steht schräg gegenüber einer blühenden Palme. Mehrere Vorfälle werfen einen dunklen Schatten darauf friedliches Leben Tiere: Ein Löwe verschlingt ein Reh, ein Wildschwein verfolgt ein geheimnisvolles Tier. Und über allem erhebt sich die Quelle des Lebens, eine Mischung aus einer Pflanze und einem Marmorfelsen, ein hoch aufragendes gotisches Bauwerk auf den dunkelblauen Steinen einer kleinen Insel. Ganz oben ist noch eine kaum wahrnehmbare Mondsichel zu sehen, doch schon von innen lugt sie hervor, wie ein Wurm, eine Eule – ein Unglücksbote.
Der zentrale Teil des Triptychons – der „Garten der Lüste“ selbst – stellt eine grandiose Landschaft dar, die mit nackten Figuren von Männern und Frauen bedeckt ist. Tiere von unnatürlichen Ausmaßen, Vögel, Fische, Schmetterlinge, Algen, riesige Blumen und Früchte stechen darin hervor Komposition des „Gartens der Lüste“. Drei Einstellungen: Im Vordergrund sind „verschiedene Freuden“ zu sehen, die zweite wird von einer Kavalkade zahlreicher Reiter besetzt, die auf verschiedenen Tieren reiten, die dritte (am weitesten entfernte) wird von einem blauen Himmel gekrönt , wo Menschen auf geflügelten Fischen und mit Hilfe ihrer eigenen Flügel fliegen. Es scheint, dass vor dem Hintergrund nichts keuscher sein könnte als eine solche Landschaft Liebesspiele Aber wie die Psychoanalyse (der Psychiater R. Khaikin schlug sogar eine psychopathologische Analyse des Werks von I. Bosch vor) enthüllen die damaligen Traumbücher die wahre Bedeutung dieser irdischen Freuden: Kirschen, Erdbeeren, Erdbeeren und Weintrauben, die von ihnen mit solcher Freude gegessen werden Menschen symbolisieren die sündige Sexualität ohne das Licht der göttlichen Liebe; das Apfelboot, in dem sich Liebende zurückziehen, hat die Form einer Frauenbrust; Vögel werden zur Verkörperung von Lust und Ausschweifung, der Fisch zum Symbol rastloser Lust, die Muschel zum weiblichen Prinzip.
Unten im Bild umarmte ein junger Mann eine riesige Erdbeere. Die Bedeutung dieses Bildes wird uns klar, wenn wir uns daran erinnern, dass Erdbeeren in der westeuropäischen Kunst als Symbol für Reinheit und Jungfräulichkeit dienten. Die Szene mit einer Weintraube im Pool ist ein Sakrament, und ein Riesenpelikan, der eine Kirsche (ein Symbol der Sinnlichkeit) mit seinem langen Schnabel aufhebt, neckt damit Menschen, die in der Knospe einer fantastischen Blume sitzen. Der Pelikan selbst symbolisiert die Liebe zum Nächsten. Der Künstler verleiht den Symbolen der christlichen Kunst oft einen konkreten sinnlichen Klang und reduziert sie auf die materielle und körperliche Ebene.
Hieronymus Bosch erschafft eine erstaunliche Welt vergänglicher Wünsche und sinnlicher Freuden: Aloe gräbt sich in nacktes Fleisch, Korallen umklammern Körper fest, die Muschel schlägt zu und macht das Liebespaar zu ihren Gefangenen. Im Turm des Ehebruchs, der sich aus dem See der Lust erhebt und dessen gelb-orange Wände wie Kristall funkeln, schlafen betrogene Ehemänner zwischen den Hörnern. Die stahlfarbene Glaskugel, in der sich Liebende liebkosen, wird von einer Mondsichelkrone und rosafarbenen Marmorhörnern gekrönt. Die Kugel und die Glasglocke, die die drei Sünder beherbergt, veranschaulichen das niederländische Sprichwort. „Glück und Glas – wie kurzlebig sie doch sind!“ Und sie sind auch Symbole für die ketzerische Natur der Sünde und die Gefahren, die sie für die Welt mit sich bringt.
Der rechte Flügel des Triptychons – die Hölle – ist dunkel, düster, beunruhigend, mit einzelnen Lichtblitzen, die die Dunkelheit der Nacht durchdringen, und mit Sündern, die von einem Riesen gequält werden Musikinstrumente. Im Zentrum der Hölle steht eine riesige Gestalt Satans, eine Art „Führer“ durch die Hölle – der Haupt-„Erzähler“ mit totenbleichem Gesicht und einem ironischen Lächeln auf dünnen Lippen. Seine Beine sind hohle Baumstämme und sie ruhen auf zwei Schiffen. Satans Körper ist eine offene Eierschale, auf der Krempe seines Hutes wandeln oder tanzen Dämonen und Hexen mit sündigen Seelen ... Oder sie führen Menschen, die einer unnatürlichen Sünde schuldig sind, um einen riesigen Dudelsack (ein Symbol des männlichen Prinzips). der Herrscher der Hölle, Strafe kommt für Sünden: Sie kreuzigten einen Sünder und durchbohrten ihn mit Harfensaiten; Neben ihm leitet ein Dämon mit rotem Körper eine Probe eines höllischen Orchesters anhand von Notizen, die auf dem Gesäß eines anderen Sünders geschrieben wurden. Ein Dämon sitzt in einem Hochstuhl und bestraft Vielfraß und Fresser. Er steckt seine Füße in Bierkrüge und auf den Kopf seines Vogels wird eine Melone gesetzt. Und er bestraft Sünder, indem er sie verschlingt.
Das Tor zur Hölle stellt die dritte Stufe des Sündenfalls dar, bei der sich die Erde selbst in die Hölle verwandelte. Gegenstände, die früher der Sünde dienten, sind nun zu Instrumenten der Bestrafung geworden. Diese Chimären des schlechten Gewissens haben alle spezifischen Bedeutungen der sexuellen Symbole der Träume. Der Hase (auf dem Bild übersteigt die Größe eines Menschen) war im Christentum ein Symbol für die Unsterblichkeit der Seele. Bei Bosch spielt er das Horn und senkt den Kopf des Sünders in das höllische Feuer. Riesige Ohren gelten als Omen des Unglücks. Ein riesiger Schlüssel, den ein Mönch am Schaft befestigt hat, verrät dessen Wunsch nach einer für Geistliche verbotenen Heirat. Im Inneren des Monsters befindet sich eine Taverne, über der ein Banner weht – derselbe Dudelsack. In einiger Entfernung sitzt ein Mann in einem Zustand der Melancholie und beugt sich über das Chaos. Wenn Sie darin die Züge von Hieronymus Bosch selbst sehen, erscheint das gesamte Bild möglicherweise in einem anderen Licht vor dem Betrachter: Der Künstler selbst hat diesen Albtraum erfunden, all diese Qualen und Qualen sind in seiner Seele begangen. Darauf bestehen einige Kunsthistoriker, zum Beispiel der bereits erwähnte Charles de Tolnay. Bosch war jedoch ein zutiefst religiöser Mensch und konnte nicht einmal daran denken, sich in die Hölle zu begeben. Höchstwahrscheinlich sollte der Künstler unter den Bildern gesucht werden, die in seinen Gemälden Licht und Güte tragen, nicht ohne Grund gehörte er der Bruderschaft der Jungfrau an.
Für unsere Zeitgenossen sind die Handlungen der Figuren im „Garten der Lüste“ weitgehend unverständlich, für Boschs Zeitgenossen waren sie jedoch (wie oben bereits erwähnt) von tiefer symbolischer Bedeutung. Seine Gemälde (darunter „Der Garten der Lüste“) erschrecken den Betrachter oft durch die unnatürliche Vereinbarkeit von Mensch und Tier, Leben und Tod in einer Figur, und gleichzeitig können sie amüsieren. Seine Charaktere ähneln den albtraumhaften Bildern der Apokalypse und zugleich den fröhlichen Teufeln des Karnevals. Bei all den vielen Interpretationen der Bedeutung des Gartens der irdischen Freuden kann jedoch keine davon
Decken Sie alle Bilder des Bildes vollständig ab.
Dieses Altarbild ist das letzte Hauptwerk Raffaels zu seinem Lieblingsthema. Schon in der Frühphase seines Schaffens wandte er sich dem Bild der Madonna mit Kind zu, immer auf der Suche nach einem neuen Ansatz. Die vorherrschende Natur des Genies Raffaels drückte sich in dem Wunsch nach einer Gottheit aus, nach der Umwandlung des Irdischen, Menschlichen in das Ewige, Göttliche.
Es scheint, als hätte sich der Vorhang gerade geöffnet und eine himmlische Vision habe sich vor den Augen der Gläubigen geöffnet – die Jungfrau Maria, die mit dem Jesuskind im Arm auf einer Wolke wandelt. Die Madonna hält sich vertrauensvoll und mütterlich an ihren Jesus geklammert, behutsam und behutsam. Das Genie Raffaels schien das göttliche Baby in einen magischen Kreis eingeschlossen zu haben, der aus der linken Hand der Madonna, ihrem fallenden Schleier und der rechten Hand Jesu gebildet wurde. Ihr durch den Betrachter gerichteter Blick ist voller verstörender Weitsicht. tragisches Schicksal Sohn. Das Gesicht der Madonna ist die Verkörperung des antiken Schönheitsideals, verbunden mit der Spiritualität des christlichen Ideals.
Papst Sixtus II. starb 258 n. Chr. als Märtyrer und zu den Heiligen gezählt, bittet Maria um Fürsprache für alle, die vor dem Altar zu ihr beten. Die Haltung der Heiligen Barbara, ihr Gesicht und ihr gesenkter Blick drücken Demut und Ehrfurcht aus. In den Tiefen des Bildes, im Hintergrund, im goldenen Dunst kaum zu erkennen, sind die Gesichter von Engeln vage zu erahnen, was die insgesamt erhabene Atmosphäre verstärkt. Die Blicke und Gesten der beiden Engel im Vordergrund sind auf die Madonna gerichtet. Die Anwesenheit dieser geflügelten Jungen, die eher an mythologische Amoretten erinnern, verleiht der Leinwand eine besondere Wärme und Menschlichkeit.
Die „Sixtinische Madonna“ wurde 1512 von Raffael als Altarbild für die Kapelle des Klosters St. Sixtus in Piacenza in Auftrag gegeben. Papst Julius II., damals noch Kardinal, sammelte Geld für den Bau einer Kapelle, in der die Reliquien des Heiligen Sixtus und der Heiligen Barbara aufbewahrt wurden.
In Russland wurde Raffaels „Sixtinische Madonna“ vor allem in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts sehr verehrt, ihr sind begeisterte Zeilen so unterschiedlicher Schriftsteller und Kritiker wie V. A. Schukowski, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev gewidmet. Belinsky schrieb aus Dresden an V. P. Botkin und teilte ihm seine Eindrücke von der „Sixtinischen Madonna“ mit: „Welcher Adel, welche Anmut des Pinsels! Du kannst nicht hinsehen! Ich erinnerte mich unwillkürlich an Puschkin: der gleiche Adel, die gleiche Anmut des Ausdrucks, die gleiche Strenge der Konturen! Kein Wunder, dass Puschkin Raffael so sehr liebte: Er ist von Natur aus mit ihm verwandt. Zwei große russische Schriftsteller, L. N. Tolstoi und F. M. Dostojewski, hatten Reproduktionen der Sixtinischen Madonna in ihren Büros. Die Frau von F. M. Dostojewski schrieb in ihr Tagebuch: „Fjodor Michailowitsch stellte die Werke Raffaels in der Malerei über alles und erkannte die Sixtinische Madonna als sein höchstes Werk an.“
Carlo Maratti drückte seine Überraschung über Raffael folgendermaßen aus: „Wenn sie mir ein Bild von Raffael zeigen würden und ich nichts über ihn wüsste, wenn sie mir sagen würden, dass dies die Schöpfung eines Engels sei, würde ich es glauben.“
Der große Geist Goethes schätzte Raffael nicht nur, sondern fand ihn auch treffender Ausdruck zu seiner Einschätzung: „Er hat immer das geschaffen, wovon andere nur geträumt haben.“
Das stimmt, denn Raffael verkörperte in seinen Werken nicht nur den Wunsch nach einem Ideal, sondern das Ideal selbst, das einem Sterblichen zur Verfügung steht.
Aus dem Buch „100 tolle Bilder“ von Ionina N.A.:
Augsburg, wo sich damals der gesamte spanische Hof und viele deutsche Fürsten versammelten. In Augsburg malte Tizian am Morgen vor der Schlacht, in der der Monarch einen seiner glänzendsten Siege errang, ein riesiges Reiterporträt von Karl V. Dieses Porträt beeindruckte Tizians Zeitgenossen mit seiner Unerwartetheit: Es war seltsam, den Kaiser – einen subtilen Sesseldiplomaten und Melancholiker – in Gestalt eines Ritters und Helden mit einem Speer in der Hand und erhobenem Visier einsam durch die Felder galoppieren zu sehen . Aber das war der Wille des Monarchen.
In der Schlacht bei Mühlberg schien dieser Fanatiker des Katholizismus von einer Art Ekstase getrieben zu sein: Er führte die Schlacht nicht aus der Ferne, sondern saß auf einer Trage im Schutz der Befestigungsanlagen. Er stürmte seinen Truppen zum Angriff voraus und überquerte sogar die gefährliche Furt der Elbe, wobei er seine Obersten mit sich zog. Dieser denkwürdige Tag und die einzige Heldentat des Kaisers sollte von Tizian verewigt werden. Das Porträt stellt nicht den düsteren, schweigsamen und kranken Karl V. dar, wie es in den Erzählungen seiner Zeitgenossen über ihn heißt. Dies ist nicht Karl, den derselbe Tizian auf einem Porträt darstellte, das sich heute in der Münchner Pinakothek befindet. Dies ist keine elende Ruine, kein schlauer Schlaumeier, kein trauriger „Herrscher des Universums“, nicht der Sohn der verrückten Joanna und des großartigen Philip ... Dies ist der Enkel des „letzten Ritters“ – Maximilian und damit Tizian Im Porträt wird ein separater Blitz dargestellt und nicht ein ganzer psychologischer Charakter.
Es war beeindruckend und das gewagteste aller Werke Tizians. Im rötlichen Nebel eines Frühlingsmorgens, allein auf einer weiten Ebene, die sich bis zu den Hügeln der Elbe erstreckt, galoppiert der Kaiser, gekleidet in ziselierten und vergoldeten Stahl, mit einer erhobenen Blockade über einem blassen und entschlossenen Gesicht, mit einem Speer nach vorne gerichtet. Wie beeindruckend und majestätisch der Reiter aussieht! Aber wie schrecklich einsam er auf diesem Gebiet ist. Und wo er auf einem wunderschön tänzelnden Pferd raste. Er befehligte die Völker, bestrafte die Widerspenstigen mit Feuer und Schwert, ließ Truppenarmeen über die Feinde niedergehen, ein Mann, dessen selbst träge Geste erheben oder zerstören konnte – er wird auf dem Porträt müde und einsam dargestellt.
Der Betrachter blickt auf sein charakteristisches, willensstarkes Gesicht mit stark hervortretendem Kinn und erkennt im Blick des Kaisers plötzlich deutlich eine diffuse Traurigkeit, eine Art innere Müdigkeit, die sich auf seine gesamte Figur überträgt und sogar im gemessenen Laufen erscheint ein Pferd. Sein Erscheinen erweckt den Eindruck eines bösen Geistes, und diese Vision überrascht und erschreckt einen. Sogar die Farben des Porträts haben etwas Unheimliches, Militantes. Im Angesicht Karls V. sieht man etwas Schreckliches, „Geisterhaftes“: einer auf dem Feld, einer in der Welt, einer mit gebrochener Seele. So verstand und schilderte Tizian den Kaiser. Vielleicht war ihm selbst seine große Müdigkeit noch nicht bewusst, und der Künstler zeigte ihm seine eigene Seele – ohne Ausschmückung.
Tizian ließ in diesem Porträt seine Leidenschaft, seinen feierlichen Rahmen nicht zur Entfaltung, sondern beschränkte sich auf die Anforderungen des Kunden und behandelte die Aufgabe mit einer für ihn seltenen Kälte. Vielleicht bemerken einige Forscher deshalb sowohl im Porträt als auch in der Pose des Kaisers eine gewisse Unnatürlichkeit, wie bei Schaufensterpuppen im Arsenal alter Waffen. Doch die psychologische Durchdringung Tizians erreichte in diesem Porträt ihre höchste Grenze. Durch Vertrauen künstlerische Techniken Dieses Porträt ist beeindruckend, da es den Charakter und den Geist der Zeit zum Ausdruck bringt – nichts ist damit vergleichbar. Es scheint, dass Clio selbst, die Muse der Geschichte, damals die Hand des Künstlers geführt hat.
Perseus - in griechische Mythologie der Sohn von Danae, der unter Jupiter litt, als er sich in einen Strom goldenen Regens verwandelte. Zu seinen Heldentaten gehörte die Enthauptung von Medusa, einer der schlangenhaarigen Gorgonen, und die Rettung der schönen Andromeda vor einem Seeungeheuer. letztes Thema- eine weit verbreitete nicht-einheimische Legende. Perseus wird entweder als typischer Held der klassischen Antike oder als Krieger in Rüstung dargestellt. Er hält ein abgerundetes Schwert – ein Geschenk von Merkur – und einen glänzenden Schild, den ihm Minerva, seine Beschützerin, geschenkt hat.
Ovid erzählt in seinen Metamorphosen, wie Andromeda, die Tochter eines äthiopischen Königs, als Opfer für ein Seeungeheuer an einen Felsen am Ufer gekettet wurde. Perseus, der am Himmel flog, verliebte sich auf den ersten Blick in sie. Er stürzte gerade noch rechtzeitig herunter, tötete das Monster und befreite Andromeda. Das Bild „Perseus und Andromeda“ schuf Rubens zu einer Zeit, als sein Werk besonders emotional und fröhlich war. Durch die Perfektion der Malerei und die hohe Meisterschaft in der Ausführung zählt dieses Werk zu den Meisterwerken des Künstlers. Und hier bleibt für Rubens die Hauptsache: Was Der Mensch wird geboren: Kampf, Sieg und Liebe.
Rubens interessierte sich nicht für die Leistung von Perseus selbst, nicht für den Kampf und den Widerstand, sondern für den Jubel über den bereits errungenen Sieg, als vom Ufer freudige Schreie zu hören waren und alle den mächtigen Helden lobten. Auf diesem Bild erscheint Perseus als Sieger, die geflügelte Göttin Victoria (Herrlichkeit) mit einem Palmzweig und einem Lorbeerkranz in den Händen krönt den Sieger. Die Apotheose des Perseus wird zum Triumph des Lebens, von nichts mehr überschattet, schön und freudig. Und Rubens löst diese künstlerische Aufgabe mit einer solchen Vollständigkeit, mit einer so fesselnden Kraft, wie sie ihm bisher kaum begegnet ist. Die intensive innere Dynamik jeder Linie, jeder Form, ihr wachsender Rhythmus erreichen hier eine außergewöhnliche Ausdruckskraft. Eine unwiderstehliche Kraft, die wie ein Wirbelwind von irgendwo draußen hereinbricht, gibt der gesamten Komposition und den wirbelnden Bewegungen, wie in einem Strudel, eine einzige Richtung.
S. M. Sandomirsky
Robert Wallace im Buch Welt von Leonardo, M., 1997 schreibt: „Von den beiden Problemen, mit denen die Autoren des Letzten Abendmahls jahrhundertelang konfrontiert waren, löste Leonardo das Problem der Identifizierung von Judas mit der größten Leichtigkeit.“ Er stellte Judas auf die gleiche Seite des Tisches wie alle anderen, trennte ihn jedoch psychologisch von den anderen mit einer Einsamkeit, die viel erdrückender ist als die bloße physische Trennung. Düster und konzentriert wich Judas von Christus zurück. Darauf liegt sozusagen ein uraltes Siegel der Schuld und Einsamkeit.
Judas sitzt bei allen wie ein Apostel in der Reihe der Apostel. Christus ist einsam, deshalb ist er traurig, aber am wenigsten einsam ist Judas. Daher seine selbstbewusste Stärke. Und er ist nicht schuldig, denn in dem Gespräch auf dem Bild geht es nicht um Verrat, sondern um die Rettung der Seelen von Menschen, die sich darüber am wenigsten Sorgen machen.
Betrachten Sie die Apostel, obwohl sie nach dem Gesagten nichts mehr entscheiden.
12 11 10 9 8 7 Christus 1 2 3 4 5 6
Bartholomäus John Thomas Philip Matthew
Peter Jacob Simeon
Judas
1.Foma in der Tür auf hellem Hintergrund. Die rechte Hand ist zusammengedrückt, der Zeigefinger ist nach oben gerichtet: „Gott wird ein solches Verbrechen nicht zulassen.“
2. Jakob blickt mit Entsetzen auf das Blut des neuen Bundes, das aus seinem Handgelenk strömt. Weit ausgebreitete Arme und Hände halten die Worte Christi zurück und versuchen, die Menschen hinter ihm zu schützen.
3. Philip drückt seine Finger auf seine Brust und angesichts einer Bitte: „Vertrau mir, es ist für mich unmöglich.“
4. Nehmen Sie die Worte Christi mit beiden Händen entgegen und fragen Sie mit einem Blick den 6.: „Ist es möglich, was er sagt?“
5. Simeon nimmt die Worte Christi mit seiner rechten Handfläche an und bittet am 6..
6. Matthäus, beide Handflächen sind auf Christus gerichtet, – er erwidert seine Worte: „Das ist unmöglich!“
7. Johannes. Die Finger sind gefaltet und liegen auf dem Tisch und zeigen Angst und Schwäche. Mit geschlossenen Augen schwang er scharf nach links. Der Kopf ruht hilflos auf der Schulter.
8. Peter. Linke Hand nimmt die Worte Christi an und beruhigt den 7. In seiner rechten Hand hält er ein Messer – er ist bereit, den Verräter zu töten.
9. Judas: stabile niedrige Stärke, Selbstgerechtigkeit, Entschlossenheit, Energie.
10. Auf Brusthöhe erhobene Handflächen: „Wer ist der Verräter?“ Sein Blick schielte auf das Messer.
11. Rechte Hand auf der Schulter des 10.: er stimmt ihm zu. Sie akzeptiert die Worte Christi.
12. Bartholomäus stand entschlossen auf und ist bereit zu handeln.
Im Allgemeinen lässt die rechte Apostelgruppe keinen Verrat zu; Der Linke gibt eine solche Möglichkeit zu und ist entschlossen, den Verräter zu bestrafen.
Wie sehr Johannes nach links schwankte und das Fenster völlig freigab – das Licht der Wahrheit Christi, und Thomas, der im Fenster auf der Ebene Christi stand, sich aber nicht auf sich selbst, sondern auf Gott verließ; wie der 2. Apostel nach rechts geworfen wurde, wie der Rest der Jünger durcheinander geriet, verwirrt, kleinlich belästigt wurde, den Gedanken von Leonardo da Vinci zum Ausdruck brachte, dass die Ideen von Opfer und Erlösung, die Gebote des neuen Testaments Christi durch Die Apostel – diese schwachen Menschen – werden nicht ausgeführt und sein Opfer wird umsonst sein. Dies ist der Grund für die Verzagtheit Christi. Darüber hinaus würdigt der Künstler selbst das hohe Streben und Opfer des irdischen Gottes.
