Die russische Malerei der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ist ein völlig neues Phänomen, unabhängig von westeuropäischen Tendenzen in der Malerei vom Klassizismus bis zur Romantik, es ist der Realismus der Frührenaissance, die Klassik der Renaissance, was besonders deutlich wird, wenn hohe Klassiker in Malerei, Architektur und Literatur erscheinen in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts nicht zögerlich.

Für all das gibt es eine Erklärung. Da der Künstler seinen Blick vom Gesicht des Erlösers und der Muttergottes auf das Gesicht des Menschen richtete - am meisten charakteristisch Die Weltanschauung und Kunst der Renaissance, damals natürlich die führende Gattung, im 18. Jahrhundert fast die einzige, wird zum Porträt, mit dem höchste künstlerische Errungenschaften verbunden sind.

Der Mensch in all seiner zitternden Vitalität – das begeistert und beschäftigt den Künstler, sei es als Vorbild bürgerlicher Tugenden oder an sich, die Persönlichkeit eines Menschen ist an sich wertvoll, sie verdient alle Achtung, Aufmerksamkeit und Bewunderung. Diese Menschlichkeit der Gefühle und des Selbstbewusstseins des Einzelnen tritt bereits in Matveevs „Selbstbildnis mit seiner Frau“ hervor und wird Kennzeichen Russisches Porträt in den Werken von F. S. Rokotov, D. G. Levitsky und V. L. Borovikovsky.

Die Renaissance ist wie die Renaissance in Italien ein Appell an die Antike und an den Menschen, wie er ist, außerhalb der religiösen Reflexion.

Und eine solche Atmosphäre entstand in Russland zum ersten Mal, vielleicht sogar in der Zeit von Peters Kindheit, und seine Spiele mit dem "Amüsanten", seine Lehre und Arbeit wurden von dieser Vorahnung und einem Gefühl eines neuen Lebens angefacht. Kein Wunder, dass Peter, nachdem er ein Schiff gebaut und zu Wasser gelassen hatte, Künstler aufforderte, es auf Papier, Leinwand oder Kupfer festzuhalten, um Stiche zu drucken. So ist es mit der wachsenden Stadt, so ist es mit den Menschen.

Die Renaissance ist Kultur, ihre Schöpfung, das Studium der Natur und der menschlichen Natur durch Anatomie und die Kunst der Porträtmalerei. Bisher war die Beziehung des Menschen zum Anderen vermittelt durch Gott, die Präsenz des Heiligen, jetzt vermittelt der Mensch selbst diese Beziehung zum Anderen und zur Welt, was Humanismus in seiner allgemeinsten und unmittelbarsten Form ist. Eine Person erscheint vor sich selbst - durch eine andere, als würde sie in einen Spiegel schauen, in unserem Fall ein Künstler. Das Neue an dieser Situation ist eines der Phänomene des neuen Lebens, der Renaissance.
Und das sehen wir, wir fühlen es, wir fühlen es in den Porträts von Rokotov, der gleichzeitig den Pinsel meisterhaft beherrscht und einen einzigartigen Sinn für Farbe hat. Dies ist selbst unter den größten Renaissance-Künstlern Italiens ein seltener Meister.

Herrlich und männliche Porträts Rokotowa. „Porträt von A.M. Rimsky-Korsakov“ (Ende der 1760er Jahre.) Der Künstler fängt nicht nur das Aussehen des Modells ein, sein lebendiges Aussehen zeigt sich in der ganzen Neuheit seines Eindrucks und Lebens selbst, wie es im Frühling geschieht, während sowohl die Frisur und ein Kaftan mit dezenten Feinschliffen - alles ist auch neu, und das Neue schafft ein Gefühl von Leichtigkeit. Das ist die Jugend des Modells und das erstaunliche Können des Künstlers, der mühelos den Pinsel eines Genies führt.

"Porträt des Grafen A. I. Woronzow." (Um 1765.) Hier kommt das Unterscheidungsmerkmal von Rokotovs Porträts noch deutlicher zum Vorschein - dies ist die Kunstfertigkeit, die sowohl dem Künstler als auch seinen Modellen innewohnt. In Bezug auf die Kreationen von Raffael sprechen sie von "Gnade", sie ist zweifellos in Rokotov vorhanden. Wir wissen von Graf AI Vorontsov als Patenonkel von Puschkin in der Zukunft. Dies bedeutet, dass Puschkin als Kind in seiner Jugend ein Porträt seines Paten und sogar seines Autors sehen konnte.	"Porträt von V. I. Maikov" (zwischen 1775 und 1778). Es ist bekannt, dass Vasily Ivanovich Maykov im Semyonovsky-Regiment diente, und eine militärische Karriere war für ihn selbstverständlich, ebenso wie das Schreiben von Gedichten, weil Derzhavin auch auf diese Weise begann. Doch der junge Offizier oder Dichter zeigte „Faulheit“ und ging 1761 in den Ruhestand. Er ließ sich in Moskau nieder, woher er wahrscheinlich stammte, und, in seinen Worten, "mit der Wärme meiner eigenen Anziehungskraft erkannte ich Apollo und wurde mit den Musen vertraut." 1763 veröffentlichte er das heroisch-komische Gedicht The Ombre Player. Er schrieb Fabeln, Satiren, seine Tragödien wurden inszeniert.	"Porträt von N. E. Struysky" (1772). Dies ist ein weiterer Dichter aus dem Kreis der Familien, in denen Rokotov offensichtlich geschätzt wurde. Nikolai Eremeevich diente im Preobraschenski-Regiment; Nachdem er 1771 in den Ruhestand getreten war, lebte er auf seinem Anwesen Ruzaevka in der Provinz Pensa. Er gründete eine eigene Druckerei, um seine Gedichte auf teures Papier zu drucken, und, so heißt es, bestrafte mit der gleichen Entschlossenheit die Bauern in der Kunsthalle namens "Parnassus", wo sich Porträts von Rokotov befanden, die der hochverehrte Dichter ansprach ihn in Versen und Prosa als Freund.

"Porträt von A. P. Struyskaya" (1772). Disharmonie in der Gestalt eines Mannes erscheint in der Gestalt seiner Frau als konzentrierte Harmonie. Sie können nichts über diese Frau wissen, die Künstlerin hat ihr Bild mit fesselnder Fülle eingefangen, dies ist die Verkörperung von Anmut und weibliche Schönheit. Der gedämpfte kostbare Glanz des Kleides auf den Schultern, wie müde gesenkt. In großen Augen mit hervortretenden Pupillen gibt es keine Offenheit, als ob der innere Schleier gesenkt würde, mit einem vom Künstler erratenen Tränenschleier.	"Bildnis eines unbekannten Mannes mit Dreispitz" (Anfang 1770er Jahre). Es hing im Haus der Struyskys. Dies ist ein junger Mann oder eine junge Frau in einem Kostüm, denn auf den Röntgenbildern erscheint ein weibliches Porträt, dh eine hohe Frisur, Ohrringe, ein tief ausgeschnittenes Kleid, während das Gesicht unverändert bleibt. Hier ist ein Mysterium, aber höchstwahrscheinlich nur ein Maskenspiel des Künstlers und seiner Freunde.

Aber die Arbeit von Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822) ist in dieser Hinsicht besonders bedeutsam. Er wurde in der Ukraine in der Familie eines Priesters geboren, der gleichzeitig ein berühmter Kupferstecher war. Er studierte von 1758 bis 1762 in St. Petersburg bei A. P. Antropov und war in seinem Team mit der Dekoration der Triumphtore beschäftigt, die anlässlich der Krönung von Kaiserin Katharina II. in Moskau errichtet wurden.

Porträt des Architekten Alexander Filippovich Kokorinov (1769) Es ist sehr bedeutsam, dass im ersten von Berühmte Werke Levitsky, "Porträt von A. F. Kokorinov" (1769-1770), wir sehen den Architekten, Erbauer des Gebäudes der Akademie der Künste und seinen Rektor. „Kokorinov steht vor einem bronzebesetzten, dunkel lackierten Sekretär, darauf Zeichnungen des Gebäudes der Akademie der Künste, Bücher, Papiere“, schreibt der Forscher, „Kokorinov trägt eine hellbraune Uniform, dicht bestickt mit Goldborte , darüber ein seidener Kaftan, herabgelassen mit hellbraunem Fell“.	Porträt von Fürst Alexander Michailowitsch Golitsyn (1772)	Porträt des Adjutanten Alexander Dmitrievich Lansky (1782)

"Porträt von P.A. Demidov" (1773), einem berühmten Bergarbeiter. Er steht am Tisch auf der Terrasse, den linken Ellbogen auf die Gießkanne gestützt; Am Fuß der Säulen, hinter denen das Waisenhaus in der Ferne sichtbar ist, Töpfe mit Pflanzen - ihr Besitzer hat sie anscheinend gegossen, als er morgens angezogen, aber mit Schlafrock und Schlafmütze herauskam. Satinkleider, scharlachrot und silbern, funkeln. Eine große Figur, ein großes Gesicht – die Energie und Kraft sind nur zu erahnen, und die Handbewegungen zu den Zeichnungen auf dem Tisch und der Ausdruck der Augen zeigen versteckte Müdigkeit oder Traurigkeit. Und das zeremonielle Porträt mit ausgereiften Techniken und notwendigen Accessoires offenbart die Persönlichkeit in ihrer ganzen Lebensunmittelbarkeit.	"Porträt von N.A. Sezemov" (1770), "das Dorf des Dorfbewohners Vyzhigin", lautet die Inschrift auf der Rückseite der Leinwand. Bärtig, korpulent, in einem langen, pelzgefütterten Kaftan, unter einem hervorstehenden Bauch gegürtet, ein Mann? Dies ist der Leibeigene von Graf P. B. Sheremetev, einem Bauern, der ein riesiges Vermögen gemacht hat, dh einem Kaufmann einer neuen Formation. Er spendete zwanzigtausend Rubel zugunsten des Moskauer Waisenhauses, und bei dieser Gelegenheit wurde Levitsky für sein Porträt beauftragt, formell, aber mit dunklem Hintergrund, ohne besondere Accessoires, nur Papier an der gesenkten Hand, und die andere Hand weist darauf hin , Papier mit einem Plan des Waisenhauses, mit einem Bild eines Babys und Text aus Heilige Schrift. Das ist ein Zeichen der Zeit. Zwei Porträts, zwei Helden – schon ihre Nachbarschaft ist einzigartig, aber sie ist charakteristisch für die Epoche der Renaissance.	"Porträt von D. Diderot" (1773). Der Philosoph besuchte 1773-1774 auf dringende Einladung von Katharina II. Russland. Kopf ohne Perücke, mit Haarresten am Hinterkopf, sauber abfallende Stirn; der Kopf ist nicht zurückgeworfen, und doch ist der Eindruck, als blicke Diderot nicht nur zur Seite, sondern in die Höhe, dh offenbar macht sich das innere Streben des Denkens in die Ferne bemerkbar.
Drei Porträts von allem – und eine ganze Ära der Verwandlungen Peters des Großen auf einer neuen Stufe der gesellschaftlichen Entwicklung erhebt sich mit eigenen Augen.

Inhalt: 20 Folien, Handbuch

Der Dia-Satz erzählt von der Arbeit des ersten russischen Porträtmalers F.S. Rokotova, D.G. Levitsky und V. L. Borowikowski. Bilder von Porträts von A.P. Struyskaya, Khrushcheva und Khovanskaya, P.A. Demidova, M.I. Lopukhina, Katharina II. bei einem Spaziergang im Zarskoje-Selo-Park und andere tragen objektive und genaue psychologische Merkmale, drücken fortgeschrittene Ansichten über das Individuum, seinen menschlichen und sozialen Wert aus.

Die visuelle Serie des Handbuchs umfasst die folgenden Folien

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1. F. Rokotow. Porträt von Prinz Grigory Volkonsky. 1780
2. F. Rokotov. Porträt von Varvara Surovtseva. 1780
3. F. Rokotov. Porträt einer unbekannten Frau in einem rosafarbenen Kleid. 1770er
4. F. Rokotow. Porträt der Gräfin Elizabeth Santi. 1785
5. F. Rokotov. Porträt von Alexandra Petrovna Struiskaya. 1772
6. F. Rokotov. Porträt eines nackten Mädchens. 1780er
7. D. Levitsky. Porträt von Chruschtschow und Chowanskaja. 1773
8. D. Levitsky. Porträt von Ekaterina Molchanova. 1776
9. D. Levitsky. Alexander Kokorinov, Direktor und erster Rektor der Akademie der Künste. 1769
10. D. Levitsky. Porträt von Prinzessin Praskovya Repnina. 1781
11. D. Levitsky. Porträt des Adjutanten der Kaiserin Alexander Lanskoy. 1782
12. D. Levitsky. Porträt von Prokofy Akinfievich Demidov. 1773
13. D. Levitsky. Porträt von Maria Alekseevna Dyakova. 1778
14. W. Borowikowski. Porträt der Schwestern der Prinzessinnen A.G. und V.G. Gagarins. 1802
15. W. Borowikowski. Porträt von Ekaterina Arsenjewa. 1790
16. W. Borowikowski. Porträt von Skobeeva. 1790
17. W. Borowikowski. Porträt von Generalmajor Fjodor Borowski. 1799
18. W. Borowikowski. Gräfin Anna Bezborodko mit ihren Töchtern Luba und Cleopatra 1803
19. W. Borowikowski. Porträt von Maria Iwanowna Lopuchina
20. W. Borowikowski. Katharina II bei einem Spaziergang im Tsarskoye Selo Park. 1794

35. Kunst Russlands des 18. Jahrhunderts. Malerei (Lomonosov, Nikitin, Matveev, Vishnyakov, Antropov, Argunov, Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Losenko).

Russische Maler des 18. Jahrhunderts beherrschten allmählich die lineare Perspektive, die es ermöglichte, die Tiefe von Raum und Ebene zu vermitteln, und das Hell-Dunkel, das zur Schaffung beitrug volumetrisches Bild. Künstler studierten Anatomie, um den menschlichen Körper und Ölmaltechniken genauer zu reproduzieren.

Ab dem Beginn des 18. Jahrhunderts wurde der Hauptplatz in der Staffeleimalerei in Öl auf Leinwand von einem Porträt eingenommen: Kammer, Front, Büste, In vollständige Höhe, doppelt. Ihm gingen die Pfarrhäuser des 17. Jahrhunderts voraus. Das Interesse an einer Person ist sehr charakteristisch für die russische Kunst. In der ersten Hälfte und Mitte des 18. Jahrhunderts wurden so berühmte Porträtmaler wie I. Nikitin, A. Matveev, I.Ya. Vishnyakov, A.P. Antropow und I.P. Argunow.

Einen außergewöhnlichen Beitrag zur russischen Kultur der Mitte des 18. Jahrhunderts leistete Michail Wassiljewitsch Lomonossow (1711-1765). Er hat an der Entwicklung mitgewirkt bildende Kunst, was sich auf das damals vergessene Gebiet bezieht - das Mosaik. Lomonosov selbst entwickelte die Technik zur Herstellung von smaltfarbenen Glasmassen in hellen Farbtönen, da sie von westeuropäischen Meistern streng vertraulich behandelt wurde. Er schuf über 40 Mosaike, darunter Porträts von Peter 1, Elizabeth Petrovna und ein grandioses Mosaikgemälde „Die Schlacht von Poltawa“.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts wurde die Tätigkeit der Akademie der Künste, die 1757 in St. Petersburg eröffnet wurde, entscheidend für die Entwicklung der russischen Kunst. Hier bildeten sie systematisch professionelle Künstler aus, hauptsächlich auf der Grundlage der griechischen Klassiker. kopiert künstlerische Bilder, Handlungen, Gesetze der Mise-en-Scenes-Konstruktion, Posen, Gesichtstypen, übernommene Ideen, Interpretation von Nacktheit, Accessoires und Symbole.

Einer der ersten russischen Künstler des New Age war ein „Meister der persönlichen Angelegenheiten“ (d. h. ein Porträtmaler) Ivan Nikitich Nikitin (um 1680 - nicht vor 1742). Wir kennen vier von ihm signierte Porträts: die Nichten von Peter Praskovya Ioannovna (1714), Graf Sergei Strogonov (1726) und zwei zeremonielle Porträts von Peter 1 und Catherine (1717), die kürzlich in Italien gefunden wurden.

In den 20er Jahren des 18. Jahrhunderts malte Nikitin nach seiner Rückkehr aus Italien „Porträt des Hetman im Freien“ und „Porträt von S.G. Strogonov“. Es wird vermutet, dass die Art des Künstlers sehr unterschiedlich sein könnte. Leicht und natürlich modelliert er die Form, schafft frei und selbstbewusst die Illusion von Raum.

Das Gemälde „Peter 1 auf seinem Sterbebett“ ist von tiefer, persönlicher Trauer des Künstlers durchdrungen und von majestätischer Feierlichkeit. Es ist mit virtuosen leichten Strichen geschrieben, durch die der rotbraune Grund durchschimmert. Unter der Bürste des Meisters malen klingt wie ein Requiem.

Nikitin zeigte in den Porträts seiner Zeitgenossen Vertreter verschiedener Peterszeiten, vermittelte genau ihre Charaktere und schuf so das Bild dieser turbulenten Ära.

Künstler Andrey Matveevich (oder Merkurievich) Matveev (1701/1702-1739) bereicherte die heimische Kunst mit den Errungenschaften der europäischen Malschule Mehrere seiner Gemälde sind uns überliefert: "Allegorie der Malerei" - das erste Russische Arbeit Staffeleifigur auf einer allegorischen Handlung, Porträts von Peter 1, Prinzessin A.P. Golitsyna, "Selbstbildnis mit seiner Frau", etc.

Am meisten berühmtes Bild Matveev "Selbstporträt mit seiner Frau" - das erste poetisches Bild Eheschließung in der russischen Staffeleimalerei. Aufrichtigkeit und Einfachheit, Leichtgläubigkeit und Offenheit, außergewöhnliche Keuschheit sind seine Hauptmerkmale. Matveevs Malerei ist transparent, reich an Lasuren, mit feinsten Übergängen vom Bild zum Hintergrund, verschwommenen Hell-Dunkel-Verläufen, als ob die Auflösung der Konturen in diesem Werk zur Vollendung gelangt und von der Blüte der Schaffenskraft des Künstlers zeugt.

Nikitin und Matveev haben es geschafft, in ihren Porträts die Einzigartigkeit der menschlichen Individualität zu offenbaren, und zwar jeder auf seine eigene Weise: Nikitin - mutiger und scharfsinniger, Matveev - weicher und poetischer. Matveev gründete eine Kunstschule, die sich auf die gesamte nationale Kunst dieser Zeit auswirkte, und bereitete den Auftritt von Malern wie I.Ya Vishnyakov und A.P. Antropov, dessen Werk hauptsächlich in die Mitte des 18. Jahrhunderts fällt.

Iwan Jakowlewitsch Wischnjakow (1699-1761) besaß nicht nur ein malerisches, sondern auch ein organisatorisches Talent. Er überwachte tatsächlich alle bildnerischen Arbeiten im Zusammenhang mit dem Bau in St. Petersburg und in den Landsitzen der Adligen. Er malte riesige Plafonds, Wandtafeln, Porträts, bemalte Banner und Dekorationen.

Die Anziehungskraft auf Privatpersonen ist eines der Merkmale der Porträtmalerei von Vishnyakov und allgemein von Künstlern der Mitte des Jahrhunderts.

Vishnyakov war der erste, der die Merkmale des aufstrebenden Rokoko in Russland sensibel erfasste und ihm eine nationale Identität verlieh. Vishnyakovs Werk erinnert am stärksten an Watteau, da beide von leichter Ironie geprägt sind. Vishnyakov vermittelt brillant den dekorativen Luxus der zeremoniellen Kostüme seiner Zeit, betont jedoch etwas ironisch ihre Sperrigkeit, die die Bewegung behindert. Anstelle der den Rokoko-Werken innewohnenden Lichtpalette verwendet der Künstler helle und klangvolle Farben, die der altrussischen Kunst näher kommen. Ihm fehlt die Fragmentierung der Formen, scharfe Winkel, Asymmetrie, Beweglichkeit und die Illusion von Raum.

Wie die alten russischen Meister widmete Vishnyakov das Hauptaugenmerk dem Gesicht, das sich ausdrückt Spirituelle Welt einer Person, und der Körper wurde flach und schematisch geschrieben. Porträts von Vishnyakov sind von hoher Spiritualität, Wärme und Aufrichtigkeit durchdrungen.

Die besten Werke von Vishnyakov sind zeremonielle Porträts von Fermors Kindern, von denen das „Porträt von S. E. Fermor“ besonders bedeutsam ist. Sarah Fermor scheint das flüchtige 18. Jahrhundert zu verkörpern, das sich am besten in den Klängen des Menuetts ausdrückt. Sie wird unter der Bürste von Vishnyakov zur Verkörperung eines Traums.

Eines der letzten Werke Wischnjakows ist ein Porträt des Fürsten Fjodor Nikolajewitsch Golizyn „im neunten Lebensjahr“. In diesem Porträt lebt ein mit Liebe gemaltes Gesicht mit einem tiefen Einblick in die Kinderpsychologie. Vishnyakov zeigt mehr denn je seine Anziehungskraft auf die Traditionen der russischen Malerei.

Alexej Petrowitsch Antropow (1716-1795) Er malte hauptsächlich Kammerbrust- oder Halbfiguren. Die charakteristischen Merkmale seiner Malerei sind: die Steifheit der Pose, die dreidimensionale Modellierung des Kopfes, die Nähe der gesamten Figur zum Vordergrund, der taub neutrale Hintergrund und die sorgfältige Wiedergabe von Details. Der Künstler betonte vor allem die Standesherkunft des Modells. Würde, Korpulenz, Stärkung der feierlichen statischen Haltung sind in allen Porträts sichtbar. Die Farbgebung basiert auf Kontrast große Flecken. Auch die Form wird durch Licht-Schatten-Kontraste geformt.

Die besten Porträts von Antropov: Staatsdamen A.M. Izmailova, Damen des Staates Gräfin M.A. Rumyantseva, A. V. Buturlina, Feldataman der Don-Armee F. I. Krasnoshchekov. Dem Künstler gelang es bemerkenswert, die Gesichter älterer Menschen zu zeigen, auf denen er Spuren eines gelebten Lebens zeigte. Antropov konnte die wichtigsten Merkmale im Modell festhalten, sodass seine Porträts von einer überzeugenden Lebendigkeit sind. Porträts von Kirchenpersonen (F. Ya. Dubyansky und andere) werden feierlich gelöst. In den Porträts königlicher Personen war Antropov durch ein bestimmtes Schema verbunden, aber trotzdem zeugen sie von der Fähigkeit, nicht nur eine Figur in voller Länge unter Accessoires zu komponieren, sondern auch eine genaue Beschreibung des Modells zu geben (Peter 3 , Katharina 2).

Zeremonielle Porträts von Antropov sind immer dekorativ und passen perfekt in das barocke Interieur des 18. Jahrhunderts.

Iwan Petrowitsch Argunow (1729-1802) war Antropov sowohl zeitlich als auch in kreativen Ansichten am nächsten. Der Leibeigene Maler des Grafen P.B. Sheremetyev schrieb er viele Male an seine Meister: Pyotr Borisovich, Varvara Alekseev und ihre Kinder.

In den Porträts des Ehepaares K.A. und H.M. Khripunov Argunov zeigte Menschen, die nicht sehr vornehm, aber zweifellos würdig waren. Die Betonung des intellektuellen Prinzips in einem Frauenporträt ist für dieses Genre im 18. Jahrhundert ziemlich ungewöhnlich.

Argunovs Selbstporträt, das Ende der 1750er Jahre entstand, zeichnet sich durch die Unmittelbarkeit und Perfektion der bildnerischen Darstellung aus.

Argunov hatte nicht die gnadenlose Objektivität, die für Antropov charakteristisch ist, aber V. A. Sheremetyevas Wipe (1760er Jahre) kommt Antropovs Bild sehr nahe. Ihr luxuriöses Outfit verbirgt nicht die Eigensinnigkeit und Prahlerei dieser stolz sitzenden Dame.

In Anlehnung an Vishnyakov malte Argunov Kinder- und Jugendmodelle mit Wärme. Argunovs Porträts, insbesondere die zeremoniellen, sind immer datiert, genau wie die von Antropov. Antropov malte jedoch im Barockstil, während Argunov sich der Leichtigkeit und Eleganz des Rokoko zuwandte, es mit nationalen Merkmalen bereicherte und ein rein nationales Konzept des Porträts entwickelte.

Eines der besten und poetischsten Werke Argunows ist das Porträt der „Unbekannten Bäuerin in russischer Tracht“ (1784). Der Künstler vermittelt nicht nur das Äußere, sondern auch innere Schönheit einfache russische Frau. Sie sieht majestätisch aus, sieht mit großer Würde aus. Ihre festliche Kleidung ist auch meisterhaft geschrieben.

Fedor Stepanowitsch Rokotow (1735/36-1808) war ein bekannter Porträtmaler. Das einzige nicht porträtierte Werk des Künstlers ist "I. I. Shuvalov's Study" (um 1757) - das erste Bild eines russischen Interieurs.

Porträt von Ivan Orlov - Rokotovs erster Versuch, eine subtile Beschreibung der "Bewegung der Seele" zu geben - eine natürliche Entwicklung des Interesses russischer Künstler an der Psychologisierung des Bildes, beginnend mit Nikitins "Floor Hetman". Die fast den gesamten Bildraum einnehmende Inszenierung der Figur, die fehlende Luftigkeit, der neutrale Hintergrund zeugen von der Verbundenheit mit der Kunst der Mitte des Jahrhunderts.

Für Rokotov der späten 1760er und insbesondere der 1770er Jahre ist normalerweise ein Brustbild charakteristisch. Er entwickelt einen bestimmten Typ des Kammerporträts (und seiner Spielarten - intimes) Porträt und eine eigentümliche Malweise, eine individuelle Wahl der künstlerischen Mittel. Mit pittoresken Mitteln transportiert Rokotov verschiedene Charakterzüge und Gemütsverfassungen: Der Spott des Skeptikers V.I. Maykov, das träge Lächeln und die Nachdenklichkeit von "The Unknown Man in the Cocked Hat", Traurigkeit, die Unsicherheit der inneren Welt auf dem schönen Gesicht von A.P. Struyskaya, einige Unsicherheit des Lächelns "Unbekannt in einem rosa Kleid." Spiritualität und Fragilität von Bildern, Understatement von Gefühlen, Wandelbarkeit von Stimmungen – all das sind Merkmale eines Kammerportraits.

Die Farbgebung ist eines von Rokotovs wichtigsten Mitteln zur Charakterisierung des Modells. Um die Farbeinheit zu erreichen, verwendet der Künstler eine Warmtongrundierung. Das Bild baut in einer bestimmten Tonart auf der harmonischen Verschmelzung enger Farbnuancen, leichter, transparenter Striche, feinster Lasuren auf. Die Dynamik der Pinselbewegung erweckt den Eindruck einer schimmernden Farbschicht, verstärkt durch einen transparenten Schleier, eine Art „Sfumato“ von Rokotov, der eine luftige Umgebung um den Kopf des Modells schafft. Rokotov reißt sein Gesicht sozusagen aus der Dunkelheit und lässt alles andere im Schatten oder Halbschatten. Dadurch wird die entsprechende moralische Ideale und der Meister selbst und seine Zeit.

Im Porträt von Alexandra Petrovna Struyskaya die Komplexität geistiges Leben und Anmut des Modells werden durch subtile Kombinationen aus Aschrosa-, Perl- und Zitronengelbtönen vermittelt. Das Oval des Gesichts wird durch den ovalen Ausschnitt und die Linien der Kleiderfalten aufgegriffen (genau wie Ingres auf dem Porträt von Mademoiselle Riviere, nur mehr als 30 Jahre zuvor).

Um die Wende der 1770er und 1780er Jahre fanden Änderungen in der Rokotov-Manier statt. Die Offenheit und Direktheit der Gesichter der Porträtierten wird abgelöst von einem Ausdruck von Undurchdringlichkeit und Zurückhaltung, einem Bewusstsein des Besitzes geistiger Exklusivität. Modelle zeichnen sich durch eine stolze Haltung und eine statische Haltung aus. An die Stelle von Struyskaya und „Unknown in a pink dress“ mit zitternden und frostigen Seelenwelten tritt das Bild einer entschlosseneren Frau.

Seit den 1780er Jahren kann man vom "Rokotov-Frauentyp" sprechen: ein stolz aufgesetzter Kopf, ein langgestreckter Schlitz aus leicht zusammengekniffenen Augen, ein geistesabwesendes halbes Lächeln. Die Figuren sind meist in ein Oval eingeschrieben. Diese Merkmale werden bereits in den Porträts von E. N. Orlova und Countess E. V. beobachtet. Santi. Noch steht das Gesicht vor dunklem Hintergrund, seine Konturen verschmelzen, wie aus der Dunkelheit gerissen.

Von besonderer Bedeutung ist die dekorative Seite der Malerei, während der Künstler hauptsächlich lokale Farben verwendet, die Textur glättet und das Können zur Perfektion bringt.

Rokotovs großer Verdienst für die russische Kunst liegt darin, dass er ein Porträt geschaffen hat, das auf dem Spiel von Gefühlen und momentanen Stimmungen, einer besonderen Spiritualität der Bilder und einem Gemälde von exquisiter Farbe aufbaut.

Dmitri Grigorjewitsch Levitsky (1735-1822)- der große Meister der Prunk- und Kammerporträts - war ein Künstler, der für die Züge seiner Modelle ungewöhnlich feinfühlig war.

Das Porträt von "P.A. Demidov" zeigt einen reichen Mann, der sich um Blumen kümmert. Laut Komposition handelt es sich um ein zeremonielles klassisches Porträt, aber Demidov zeigt mit majestätischer Geste auf einen Blumentopf. Sein gesamtes Erscheinungsbild entspricht nicht der Tradition eines repräsentativen Porträts, und vor allem entspricht sein Gesichtsausdruck ihr nicht: Er hat weder weltliche Arroganz noch Standesstolz. Levitsky zeigte Demidov vor der Kulisse des von ihm gegründeten Waisenhauses in Moskau. In diesem Porträt zeigte der Künstler ein erstaunliches Formgefühl, die Fähigkeit, Raum zu bauen. Das Gemälde ist saftig, materiell, dicht, die Farbe kommt der lokalen nahe - das sind große Farbflecken in einem grünlich-braunen Ton. Im Porträt von Demidov erweiterte Levitsky die Möglichkeiten des zeremoniellen Porträts.

Zwischen 1772 und 1776 malte Levitsky Porträts von Schülern des Smolny-Instituts für edle Mädchen - Smolyanka. (Am Institut studierten die Mädchen Musik, Sprachen, Tänze, Gesang, weltliche Umgangsformen. Sie waren meist Kinder des mittleren und kleinen Adels.)

Der Maler versuchte, seine Modelle in den für sie charakteristischsten Posen, Rollen und Bildern darzustellen. Infolgedessen stellte sich heraus, dass es sich um eine Single handelte künstlerisches Ensemble, vereint durch ein strahlendes Gefühl der Lebensfreude und ein gemeinsames Dekorationssystem. Einige Modelle sind vor einem neutralen Hintergrund platziert, andere vor dem Hintergrund einer Theaterkulisse, einer bedingten Theaterlandschaft, die die Parknatur darstellt. Porträts von Smoljankas sind bunte Leinwände, deren Dekorativität aus einem bestimmten plastischen und linearen Rhythmus, einer kompositorischen und koloristischen Lösung besteht.

Levitsky erreichte seinen größten Ruhm in den 1780er Jahren. In diesem Jahrzehnt malte er Porträts fast der gesamten St. Petersburger High Society. In seinen Kammerporträts ist die Haltung zum Modell spürbar. Das Merkmal der Individualität wird verallgemeinert, typische Merkmale werden darin betont. Levitsky bleibt ein großartiger Psychologe und ein brillanter Maler, zeigt aber nicht seine Haltung gegenüber dem Modell. Die Monotonie der künstlerischen Ausdrucksmittel erscheint: die gleiche Art von Lächeln, zu helles Erröten auf den Wangen, eine Methode zum Anordnen von Falten. Daher wird die fröhliche Dame E.A. einander auf subtile Weise ähnlich. Bakunin (1782) und die steife und trockene Deutsche Dorothea Schmidt (Anfang der 1780er Jahre).

Levitsky arbeitete viel an Porträts der Kaiserin. Als bekanntestes gilt ihr Bildnis als Gesetzgeberin: „Catherine 2 in the Temple of the Goddess of Justice“ (1783). Die allegorische Sprache des Porträts ist eine Hommage an den Klassizismus. Catherine zeigt auf den Altar, wo Mohnblumen geräuchert werden, ein Symbol für Schlaf und Frieden. Das bedeutet, dass sie sich unter Opferung ihres eigenen Friedens dem Altar des Dienstes für das Vaterland im Namen des Wohlergehens ihrer Untertanen hingibt. Über der Kaiserin befindet sich eine Statue der Gerechtigkeit, zu ihren Füßen ein Adler, ein Symbol der Weisheit und göttlicher Macht, in der Öffnung der Säulen ein Schiff als Symbol der Seemacht. Farbintensität mit Dominanz lokaler Töne, skulpturale Formen, betonte Plastizität, klare Gliederung in Pläne - all dies sind Merkmale des reifen Klassizismus.

Gleichzeitig ist Levitsky als Künstler in seinen neuesten Arbeiten sehr sensibel für die Anforderungen seiner Zeit und spiegelt die Tendenzen des aufkommenden Empire-Porträts und vorromantischer Trends wider.

Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825)- ein hervorragender Porträtmaler des späten 18. bis frühen 19. Jahrhunderts. Nach und nach entwickelte er einen eigenen kompositorischen Kanon von Frauenporträts: ein halbfiguriger (selten generationsübergreifender) Ausschnitt einer Figur, die sich an einen Baum, einen Bordstein etc Kulisse der Natur. Die Figur ist sozusagen an der Kreuzung von Hell (Himmel) und Dunkel (Baumballen) platziert. Manchmal wiederholte sich nicht nur die Inszenierung, sondern sogar das Kleid und die Dekoration von Porträt zu Porträt, wie in den Bildern von E.N. Arsenjewa und Skobejewa. Beide tragen weiße Kleider, Perlenarmbänder, einen Apfel in der Hand, aber die Muster sind völlig unterschiedlich. Beide Porträts zeichnen sich durch malerische Qualitäten aus: eine klare Plastizität der Form, eine schön entwickelte Luftumgebung.

In den 1790er Jahren, in Übereinstimmung mit den Ideen des Sentimentalismus, populär um die Jahrhundertwende, Borovikov Geisteszustand Mann, seine subtilen Erfahrungen.

Borovikovsky malte im Gegensatz zu den Meistern der ersten Hälfte und Mitte des Jahrhunderts immer auf weißem Grund, wodurch eine besondere Farbtönigkeit erzielt werden konnte.

Sentimentale Stimmungen manifestierten sich in der Darstellung des Monarchen. Das Porträt von Catherine 2 bei einem Spaziergang im Tsarsky Park (zwei Möglichkeiten: vor dem Hintergrund der Chesme-Säule und vor dem Hintergrund des Rumyantsev-Obelisken) wurde nicht im Auftrag der Kaiserin gemalt. Es ist auch bekannt, dass sie Borovikovskys Arbeit nicht billigte. Der Künstler schuf ein für diese Zeit ungewöhnliches Bild. Ekaterina wird in einem Morgenmantel (Robe) und einer Mütze mit ihrem italienischen Lieblings-Greyhound zu ihren Füßen gezeigt. Sie erscheint vor dem Betrachter als einfache kasanische Landbesitzerin, in der sie gerne auftrat letzten Jahren Leben. Denken Sie daran, dass Puschkin sie genau so in Erinnerung hatte " Tochter des Kapitäns". Das Bild von Borovikovsky ähnelt in keiner Weise Katharina 2 - der Gesetzgeberin. So ändert sich der künstlerische Geschmack im Laufe des Jahrzehnts - von einem klassischen erhabenen Ideal zu einer fast Genreinterpretation des sentimentalen Bildes einer Landfrau.

Ende 1790 - Anfang des 19. Jahrhunderts - die Blütezeit von Borovikovskys Werk. Er porträtiert wie Levitsky den gesamten St. Petersburger Adel, sogar die Könige. In Porträts von Politikern, Militärs und Kirchenvätern gelingt es Borovikovsky, die wahrheitsgetreue Charakterisierung des Modells mit der Konventionalität der Komposition zu verbinden. Wie Levitsky wird er wahrhaftig zum „Historiographen der Ära“, in mehr versucht, ihre Typen als helle Persönlichkeiten darzustellen. Die besten von ihnen sind diejenigen, die das bürgerliche Ideal, den hohen Geist der ersten beiden Jahrzehnte des 19. Jahrhunderts widerspiegeln.

Zu Beginn des neuen Jahrhunderts tritt das Ergebnis seiner bisherigen Arbeit unter dem Pinsel von Borovikovsky hervor und eröffnet neue Wege: Dies ist ein Doppelporträt der Schwestern A.G. und V.G. Gagarins (1802), geschrieben vor dem Hintergrund der Natur, aber schon in einer bestimmten Alltagssituation – mit Noten und einer Gitarre.

Anton Pawlowitsch Losenko (1737-1773) Aufgrund seines Talents und seiner hohen Professionalität war er dazu bestimmt, der erste russische Historienmaler des 18. Jahrhunderts zu werden. Öffentliche Anerkennung erlangte er ab dem Gemälde „Wladimir und Rogneda“ (1770). Bei all der Deklamation und dem Pathos in Losenkos Bild gibt es viele aufrichtiges Gefühl. Er strebt auch nach maximaler Zuverlässigkeit der Details, studierte das Wenige, was über die altrussische Tracht bekannt war. Das Kleid einer der Dienstmädchen, die Perlenstickerei ihres Stirnbandes, Vladimirs Stiefel und Hemd, die Gewänder der Soldaten – alles zeugt von der Aufmerksamkeit für die Elemente der Tracht der vorpetrinischen Ära. Gleichzeitig erinnert Vladimirs fantastischer Kopfschmuck, der eine gezackte Krone mit einem mit Fell und Straußenfedern besetzten Hut kombiniert, eher an eine Theaterrequisite.

Die Farbe des Bildes besteht aus Kombinationen von warmen Rot- und Goldtönen mit schwarzen und weiß-grauen Farben. Große Lokalflecken, ein klar umrissenes Zentrum der Komposition, das im Gegengestus der Hände der Hauptfiguren kulminiert, die statuarische Plastizität der Figuren sprechen vom Sieg klassizistischer Züge über barocke.

Barocken Prinzipien entspricht auch die gesteigerte Dekorativität des Gemäldes „Tod des Adonis“ (1764).

Hauptsächlich Ausdrucksmittel klassische Werke werden zu Zeichnung und Hell-Dunkel. Farbe malt die Form, nicht umsonst heißt sie lokal. Das Volumen wird weniger von Farbe als von Hell-Dunkel geprägt.

Am Beispiel von Losenkos letztem Werk "Der Abschied von Hektor und Andromache" (1773), für dessen Vollendung der Künstler keine Zeit hatte, kann man nachvollziehen, wie klassische Prinzipien in die russische Malerei eingeführt wurden. Hier entspricht bereits alles dem Programm des Klassizismus: Gehen - vaterländischer Dienst am Vaterland, Helden- und Opferbereitschaft; "Fries"-Komposition einer mehrfigurigen Inszenierung mit einem klar definierten Zentrum, das sich am Schnittpunkt der Bilddiagonalen befindet; Einfärbung lokaler Farbflecken.

Tiefe ideologischer Inhalt Werke und die Beherrschung der Ausführung machten Losenko zu einer bedeutenden Figur in der russischen Kultur des 18. Jahrhunderts.

Ein Besucher des Russischen Museums, der von der ikonografischen Ausstellung in die Halle von Peter I. geht, erlebt ähnliche Empfindungen wie Neo im Film The Matrix, der Morpheus eine rote Pille entnahm. Gerade jetzt waren wir von vergeistigten Bildern, leuchtenden Farben und harmonischen Linien umgeben, die nur entfernt dem glichen, was ringsum sichtbar war, aber mit ihrer körperlosen Schönheit in unserer Welt das Gesetz und die Ordnung repräsentierten, die während der Erschaffung des Universums etabliert wurden. Willkommen in der Realität – beim Überschreiten der Schwelle steigen wir hinab in diese Welt aus dunklen Farben und bewusster Körperlichkeit, geformt durch das Licht von Reliefgesichtern, als würden sie sich von schwarzen Hintergründen ablösen. Wir kamen, um zu schauen, standen aber selbst im Kreuzfeuer der Ansichten: Fast alle Exponate hier sind Porträts. Von nun an und für das ganze kommende Jahrhundert wird das Porträt zum Synonym für die russische Malerei.

Die Geschichte des russischen Porträts des 18. Jahrhunderts ist ein Bild des visuellen Selbstbewusstseins der Nation, des zeitlich entfalteten Prozesses der Aneignung eines „Gesichts“ durch eine russische Person. In der petrinischen Ära gewöhnt man sich an das Aussehen eines Individuums, das in die soziale Hierarchie eingebaut ist. Vom Standesstandard, fixiert auf ein eher begrenztes Repertoire an Posen und Mimik, geht das Porträt hin zum Aufbau subtilerer Beziehungen zwischen Erscheinung und innere Welt Charakter. Mit dem Aufkommen der Sentimentalität wird das Seelenleben zu einem Wert, einem Zeichen einer Persönlichkeit, die Natur und Zivilisation harmonisch verbindet. Schließlich lassen die Romantik und die Ära um 1812 - wohl zum ersten Mal in der russischen Kunst - das Bild eines innerlich freien Menschen entstehen.

Apropos Porträt, es gibt ein paar Dinge, an die man sich erinnern sollte. Erstens ist er in einer Klassengesellschaft ein Privileg, ein Marker und gleichzeitig ein Garant für den Status eines Models. In der überwiegenden Mehrzahl der Fälle wurden Vertreter der höchsten Gesellschaftsschichten zu den Helden der Porträts. Ein Porträt, bei dem die notwendigen Konventionen des Bildes (Pose, Kostüm, Entourage und Attribute) eingehalten und vereinbart werden, bestätigt automatisch den hohen gesellschaftlichen Status seiner Figur. Das Porträt spiegelt und sendet die Standards des sozialen Verhaltens. Er scheint zu sagen: „Vor dir edler Mann. Sei wie er!" So repräsentiert ein Adelsporträt seit Jahrhunderten nicht nur eine Adelsfigur, sondern auch eine Person, die sich durch anmutige Leichtigkeit auszeichnet, also ein Eigentum, das seit langem als körperlicher Ausdruck von Adel und Erziehung dient und daher, Zugehörigkeit zur Elite.

Porträtmalerei ist eine Art Industrie. Die Natur des Porträtmarktes deutet auf ein hohes Maß an Vereinheitlichung hin. Porträts werden ganz klar in feierliche (zeremonielle) und intimere (private) unterteilt. Sie implizieren wiederum ein bestimmtes Set an Formaten, Posen und Attributen sowie eine entsprechende Preisliste, die berücksichtigt, ob der Künstler das Porträt von Anfang bis Ende selbst ausgeführt oder weniger wichtige Arbeitsbereiche Lehrlingen anvertraut hat.

Von seinen ersten Schritten in der Antike an spielte das Porträt eine magische Rolle: Es ersetzte buchstäblich das Dargestellte und verlängerte seine Existenz nach dem Tod. Die Erinnerung an diese archaischen Funktionen begleitete das Porträt auch, als es zu einer der Gattungen der Malerei und Skulptur der Neuzeit wurde. Übertragen wurde insbesondere literarische Werke der die imaginäre Kommunikation mit einem Porträt beschrieb: poetische "Interviews" mit ihm, Geschichten über das Verlieben in Porträts und in der Ära der Romantik - Gruselgeschichten über lebendig werdende Bilder. Sie sagen notwendigerweise, dass das Porträt „wie lebendig“ ist, er „atmet“, ihm fehlt nur die Gabe der Sprache usw. In der Regel waren die von den Dichtern beschriebenen Bilder die Frucht ihrer Vorstellungskraft. Die Tradition selbst, die die Literatur über Jahrhunderte bewahrt hat, hat jedoch den Weg für die Wahrnehmung des Porträts geebnet und daran erinnert, dass es nicht nur zur Welt der Kunst gehört, sondern in direktem Zusammenhang mit dem Problem der menschlichen Existenz steht.

Die klassische Kunsttheorie legt wenig Wert auf das Porträt. Auch in der akademischen Hierarchie nimmt dieses Genre einen angemessenen Platz ein. So glaubte man Ende des 18. Jahrhunderts, dass „in der Porträtart ... immer nur eine Figur gemacht wird, und zwar meist in der gleichen Stellung ... Diese Art kann nicht ... sein verglichen mit dem historischen ... ". Zu dieser Zeit sollte die Porträtmalerei, verbunden mit der Nachahmung der unvollkommenen Natur, kein prestigeträchtiger Beruf werden. Inzwischen hat sich in Russland eine andere Situation entwickelt: Das von der Gesellschaft nachgefragte Porträt ist zu einem der sichersten Erfolgswege des Künstlers geworden. Beginnend mit Louis Caravaque, Ivan Nikitin oder Georg Groot gehörte die Erstellung von Porträts zu den Hauptaufgaben der Hofmaler. Aber der Künstler der ersten Hälfte - Mitte des 18. Jahrhunderts ist immer noch ein Arbeiter mit mehreren Stationen: Der Leibeigene von Sheremetev, Ivan Argunov, erfüllte die verschiedenen Launen des Besitzers und beendete seine Karriere als Verwalter, indem er die Malerei verließ; Andrei Matveev und Ivan Vishnyakov beaufsichtigten die Architekten und Dekorateure der Kanzlei von den Gebäuden aus; Alexei Antropov hatte ähnliche Aufgaben in der Synode. Für nur eine vom Senat in Auftrag gegebene Kopie seines eigenen Krönungsporträts von Peter III. erhielt der Künstler jedoch 400 Rubel - nur ein Drittel weniger als sein jährliches Synodengehalt.

Alexej Antropow. Porträt von Peter III. 1762

Mit der Gründung der Akademie der Künste im Jahr 1757 begann sich die Situation zu ändern. Zuvor erlernte der russische Porträtmaler wie ein Lehrling der Renaissance sein Handwerk in der Werkstatt eines praktizierenden Künstlers oder nahm Unterricht bei einem prominenten Gast. Der vierzigjährige Antropov verbesserte sich unter der Anleitung von Pietro Rotari, einem Maler mit europäischem Ruf, der nach Russland zog. Argunov studierte bei Groot und unterrichtete auf Geheiß der Kaiserin selbst das Malen von Sängern, die „von ihren Stimmen schlafen“, darunter der zukünftige Historienmaler Anton Losenko. Grundlage der Künstlerausbildung war nun eine seit Generationen bewährte ganzheitliche Methode. Die Porträtklasse an der Akademie wurde 1767 gegründet.

Trotz des scheinbar niedrigen Status des Genres haben von neun Studenten der ersten Zulassung, die die Akademie abgeschlossen haben, fünf einen Abschluss als Porträtmaler und nur zwei haben sich auf Historienmalerei spezialisiert. Porträts nahmen einen wichtigen Platz in akademischen Ausstellungen ein und ermöglichten dem Künstler, eine vollwertige Karriere zu machen - ein "ernanntes" (dh ein korrespondierendes Mitglied) oder sogar ein Akademiker zu werden. Borovikovsky erhielt 1794 den ersten Titel für das Bild von Ekaterina II. Bei einem Spaziergang im Tsarskoselsky-Park und ein Jahr später den zweiten für das Porträt von Großherzog Konstantin Pawlowitsch. Das Porträt einer Person eines kreativen Berufes an sich könnte seinen Status symbolisch erhöhen. Levitsky hat den Architekten Kokorinov 1769 nach dem Standard eines Staatsmannporträts dargestellt: Der Rektor der Akademie der Künste mit Schwert und in einem luxuriösen Anzug, der sein Jahresgehalt wert ist, weist mit einer noblen Geste auf einen Sekretär mit einer akademischen Schatzkammer, Eine Robbenakademie und ihr Plan. Vier Jahre später wird der Künstler dieses Schema in einem Porträt des Vizekanzlers Prinz Golitsyn buchstäblich reproduzieren.

Wladimir Borowikowski. Katharina II bei einem Spaziergang im Tsarskoye Selo Park. 1794Staatliche Tretjakow-Galerie

Wladimir Borowikowski. Porträt des Großherzogs Konstantin Pawlowitsch. 1795Tschuwaschisches Staatliches Kunstmuseum

Dmitri Levitsky. Porträt von A. F. Kokorinov. 1769

Dmitri Levitsky. Porträt von Vizekanzler Prinz A. M. Golitsyn. 1772Staatliche Tretjakow-Galerie

Die zweite Hälfte des Jahrhunderts eröffnet dem Porträtmaler eine Alternative - die Arbeit im Privatauftrag. Fjodor Rokotow stammte höchstwahrscheinlich von Leibeigenen, aber er diente dem Adel in der Militärabteilung. Als seine Karriere an der Akademie der Künste nicht zum Erfolg führte, zog er 1766-1767 nach Moskau, und der wohlgeborene Adel der alten Hauptstadt bildete den umfangreichen Kundenkreis des Künstlers. An seinem Beispiel können wir uns ein Bild von der Position des gefragten Malers machen. Für das auf eigene Initiative gemalte königliche Porträt verlieh Ekaterina Rokotov 500 Rubel. Der erste Historiograph der russischen Kunst des 18. Jahrhunderts, Jacob Shtelin, bezeugt, dass der Künstler selbst in St. Petersburg „so geschickt und berühmt war, dass er nicht alle ihm bestellten Werke allein bewältigen konnte ... Er hatte etwa 50 Porträts in seiner Wohnung, ganz ähnlich, nichts war daran fertig, außer dem Kopf [das setzte wohl die Mitarbeit von Lehrlingen voraus].“ Wenn sein Standardporträt in den 1770er Jahren 50 Rubel kostete, wurde es in den 1780er Jahren bereits auf hundert geschätzt. Damit konnte der Künstler ein Grundstück für 14.000 Rubel kaufen, darauf ein zweistöckiges Steinhaus bauen, Mitglied des englischen Clubs werden und sich die genervte Bemerkung eines Zeitgenossen verdienen: „Rokotov wurde arrogant und wichtig für den Ruhm.“

Fjodor Rokotow. Krönungsportrait von Katharina II. 1763 Staatliche Tretjakow-Galerie

Der Kontrast zwischen der Ikonographie und dem Porträt des 18. Jahrhunderts zeigt deutlich die Radikalität der petrinischen Revolution. Doch die Europäisierung der Bildformen setzte früher ein. Im 17. Jahrhundert schufen die Meister der Waffenkammer und andere Ikonographen eine Mischung aus Ikone und Porträt - Parsuna (vom Wort "Person", das in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts das Wort "Porträt" in Russland ersetzte) . Am Ende des 17. Jahrhunderts nutzte die Parsuna bereits mit Nachdruck das Schema der europäischen Front Port-tre-ta, das durch Polen und die Ukraine entlehnt wurde. Aus dem Porträt entstand die Aufgabe - das Erscheinen einer Person in ihrer sozialen Rolle. Aber die Bildmittel bleiben in vielerlei Hinsicht ikonisch: die Flächigkeit von Form und Raum, die Konventionalität der Körperstruktur, der erklärende Text im Bild, die ornamentale Interpretation von Gewändern und Attributen. Diese Merkmale haben sich im 18. Jahrhundert im provinziellen Adelsporträt, in den Porträts der Kaufleute und des Klerus lange erhalten.

Porträt von Zar Alexei Michailowitsch. Parsuna von einem unbekannten russischen Künstler. Ende der 1670er - Anfang der 1680er Jahre Staatliches Historisches Museum

Petrovsky-Rentner Ivan Nikitin, der in Italien studierte, ist der erste russische Meister, der die Parsuna „vergessen“ hat. Seine Porträts sind recht einfach in der Komposition, er verwendet nur wenige ikonografische Typen, malt selten von Hand und bevorzugt dunkle Farben. Seine Porträts zeichnen sich oft durch eine besondere Glaubwürdigkeit aus, das Gesicht wird mit betonter Erleichterung behandelt, Wiedererkennung siegt über Idealisierung. Kanzler Gavriil Golovkin ist ein Idealbild der meritokratischen Monarchie von Peter: Die langgestreckte Pyramide der vom Licht erfassten Figur wird von einem ovalen Gesicht gekrönt, das von einer Perücke umrahmt wird. Ruhige Würde, Stolz und Selbstbewusstsein werden dem Helden sowohl durch eine zurückhaltende, aber natürliche Pose als auch durch einen direkten Blick, der den Betrachter trifft, vermittelt. Das zeremonielle Mieder mit Orden und Schleife verschmilzt fast mit dem Hintergrund, sodass Sie alle Aufmerksamkeit auf das Gesicht richten können. Die dunkle Umgebung drängt Golovkin hinaus, der Pinsel seiner linken Hand markiert die Grenze des Leinwandraums, und der filigrane blaue Schärpenbogen scheint ihn zu durchbrechen und in unseren Raum einzutreten. Dieser malerische Trick, der die Illusion von Präsenz erzwingt, trägt gleichzeitig dazu bei, die psychologische und soziale Distanz zwischen Modell und Betrachter zu verringern, die im vorpetrinischen Pfarrer unüberwindbar war.

Iwan Nikitin. Porträt des Staatskanzlers Graf G. I. Golovkin. 1720er Staatliche Tretjakow-Galerie

Aus den Niederlanden zurückgekehrt, schuf Andrei Matveev um 1729 sein Porträt mit seiner jungen Frau. Wenn wir dieser heute allgemein akzeptierten Identifizierung zustimmen, dann haben wir nicht nur das erste bekannte Selbstporträt eines russischen Malers vor uns. In diesem Bild des Raznochintsy wird für Russland zu dieser Zeit ein unerwartetes Gleichgewicht zwischen einem Mann und einer Frau präsentiert. Mit der linken Hand nimmt der Künstler feierlich die Hand seines Begleiters; rechts, gönnerhaft umarmend, richtet sie auf den Betrachter. Aber alle formale Bedeutung dieser Gesten der Dominanz und Aneignung ist plötzlich ausgelöscht. Auf einer sehr unkompliziert organisierten Leinwand kommt die weibliche Figur nicht nur zu kurz rechte Hand von einem Mann, nimmt aber auch genau den gleichen Bildraum ein wie er, und die Köpfe der Ehegatten stehen strikt in einer Linie, als ob die Waage auf gleicher Höhe eingefroren wäre.

Andrej Matwejew. Selbstporträt mit seiner Frau. Vermutlich 1729 Staatliches Russisches Museum

Das Mid-Century-Porträt ist größtenteils keine Darstellung der Persönlichkeit, sondern des Status. Ein typisches Beispiel sind die Lobanov-Rostov-Ehegatten von Ivan Argunov (1750 und 1754). Trotz der Wiedererkennbarkeit der Figuren stehen vor dem Betrachter zunächst der „edle Edelmann“ und die „liebenswerte Schöne“, deren Position durch eine einheitliche Uniform, einen Hermelinmantel und ein Kleid mit Silberstickerei ein für alle Mal fixiert ist . Ein Künstler aus der Mitte des 18. Jahrhunderts – russischer und ausländischer – vermittelt äußerst sorgfältig die Tracht und ihre Elemente: Stoff, Stickerei, Spitze; schreibt Schmuck und Auszeichnungen detailliert aus. In diesen Porträts von Argunov ist der Körper der Figur durch den Raum begrenzt, entlang der Leinwandebene angeordnet, und die Stoffe und Dekorationen sind so detailliert bemalt, dass sie mit ihrer dekorativen Wirkung und ihrem besonderen, oberflächlichen Blick an die Parsuna erinnern . menschlicher Körper.

Iwan Argunow. Porträt von Prinz I. I. Lobanov-Rostovsky. 1750Staatliches Russisches Museum

Iwan Argunow. Porträt von Prinzessin E. A. Lobanova-Rostovskaya. 1754Staatliches Russisches Museum

Heute schätzen wir mehr jene Werke des russischen Porträts des 18. Jahrhunderts, in denen das konventionelle Bild seine Integrität verloren zu haben scheint und das Anstand (das Gleichgewicht zwischen Ideal und Realität im Porträt) zugunsten der Plausibilität verletzt wird. Offensichtlich kommt daher der Charme, mit dem das Bild der zehnjährigen Sarah Fermor (1749) für den modernen Betrachter ausgestattet ist. Ivan Vishnyakov, der Untergebene ihres Vaters in Kancelaria aus Gebäuden, präsentierte das Kind in Form eines erwachsenen Mädchens und schrieb eine zerbrechliche Figur in eine zeremonielle Komposition mit einer Säule und einem Vorhang im Hintergrund. Daher die Anziehungskraft solcher Bilder, bei denen ein Gesicht ohne äußerliche Schönheit der Schlüssel zu einer wahrhaftigen Charakterübertragung zu sein scheint: wie die Anthropo-Porträts der Staatsdame Anastasia Izmailova (1759) oder Anna Buturlina (1763).

Iwan Wischnjakow. Porträt von Sarah Eleonora Fermor. 1749Staatliches Russisches Museum

Alexej Antropow. Porträt einer Staatsdame A. M. Izmailova. 1759Staatliche Tretjakow-Galerie

Alexej Antropow. Porträt von A. V. Buturlina. 1763Staatliche Tretjakow-Galerie

Diese Reihe enthält auch Porträts der Chripunovs von Argunov (1757). Kozma Khripunov, ein älterer Mann mit einer massiven Nase, hält ein gefaltetes Blatt Papier in seinen Händen und hält den Betrachter mit einem scharfen Blick an, als würde er vom Lesen aufblicken. Seine junge Frau hält ein aufgeschlagenes Buch in den Händen und blickt uns mit ruhiger Würde an (Feodosia Khripunova ist laut Bekenntnisbüchern kaum älter als zwanzig Jahre: die Charaktere Porträts XVIII Augenlider sehen oft älter aus als sie sind). Im Gegensatz zum modernen Frankreich, wo das Buch in der Ära der Enzyklopädie selbst in einem Adelsporträt keine Seltenheit war, werden die Charaktere russischer Gemälde des 18. Jahrhunderts nur sehr selten lesend dargestellt. Die Porträts der Chripunovs in Europa, nicht reich an Attributen und zurückhaltend in der Art, würden als Porträts des dritten Standes eingestuft, die die Werte der Aufklärung widerspiegeln. Bei ihnen kommt es - wie etwa bei dem Porträt des Arztes Leroy von Jacques Louis David (1783) - nicht auf den Status an, sondern auf die Aktivität des Helden, nicht auf das gute Aussehen, sondern auf den ehrlich präsentierten Charakter.

Iwan Argunow. Porträt von K. A. Chripunov. 1757

Iwan Argunow. Porträt von Kh. M. Khripunova. 1757Moskauer Museums-Nachlass "Ostankino"

Jaques Louis David. Porträt von Dr. Alphonse Leroy. 1783 Musée Fabre

Die Namen von Rokotov und Levitsky sind zum ersten Mal im Russland des New Age mit der Idee einer streng individuellen Art und Weise verbunden, die Modelle zu unterwerfen scheint: Jetzt können wir sicher von einer Dame sprechen, die „von Rokotovs Leinwand abstammt“. “, über einen Herrn „aus einem Porträt von Levitsky“. Unterschiedlich in Stil und Geist, lassen uns beide Maler in ihren Porträts nicht nur Bilder bestimmter Personen sehen, sondern auch Malerei als solche spüren, die sich auf Strich, Textur, Farbe auswirkt – unabhängig von der Handlung. Offensichtlich ist dies ein Beweis für eine allmähliche Veränderung des Status des Künstlers, seines Selbstwertgefühls und des aufkommenden öffentlichen Interesses an der Kunst.

Rokotov ist der erste Meister des emotionalen Porträts in Russland. Die Entstehung seiner Manier ist mit dem Einfluss des italienischen Rotary verbunden, dessen mädchenhafte „Köpfe“ als pikante Rokoko-Schmuckstücke gelten. Aber Rokotov konnte in ihnen ein Beispiel für vielfältige, subtile, schwer fassbare Intonationen sehen - was die Bilder des russischen Künstlers selbst auszeichnet. Vom dunklen Hintergrund seiner Vorgänger geht Roko-tov zu einem unbestimmten Hintergrund über, wie ein Schleier, der die Figur nicht so sehr dem Betrachter näher bringt, sondern sie absorbiert. In eine Uniform oder ein Kleid gekleidet, erhält der Körper eine untergeordnete Bedeutung, das Gesicht dominiert nun vollständig. Es lohnt sich, genauer zu betrachten, wie Rokotov die Augen malt: In Dingen wie dem berühmten Porträt von Alexandra Struyskaya (1772) wird die Pupille mit verschmolzenen Strichen enger Farben mit hellem Glanz gemalt - der Blick verliert jedoch an Klarheit erhält Tiefe. Die Undeutlichkeit der Umgebung, die Glätte der Konturen, zusammen mit dem verschwommenen, aber reichen Blick der Figuren, schaffen ein Gefühl der Multidimensionalität des Charakters, das keine Analogien in der russischen Porträtmalerei hat, in der, besonders für Frauen, Emotionen eine entscheidende Rolle spielen . In dieser Hinsicht sind Rokotovs Charaktere Menschen der Sentimentalität, bei denen nicht soziale Rollen und Ambitionen im Vordergrund stehen, sondern die emotionale Tiefe und geistige Mobilität einer Person.

Fjodor Rokotow. Porträt von A. P. Struiskaya. 1772 Staatliche Tretjakow-Galerie

Es scheint kein Zufall zu sein, dass Rokotovs raffinierter, aber von Außenwirkungen freier Stil in Moskau mit der von ihr gepflegten Tradition Gestalt annahm Privatsphäre, Familie und Freundschaft. Zur gleichen Zeit blühte in der aristokratischen und höfischen Hauptstadt Katharina, den künstlerischen Moden der Welt folgend, der brillanteste Maler auf Russland XVIII Jahrhundert - Dmitri Levitsky. Im Werk dieses aus der Familie eines ukrainischen Priesters stammenden Absolventen der St. Petersburger Kunstakademie erreichte die russische Malerei erstmals europäisches Niveau. Er war mit der Gabe ausgestattet, vollblütige und edle Bilder zu schaffen, die Fähigkeit, verschiedene Texturen betörend genau zu übertragen - Stoffe, Stein, Metall, den menschlichen Körper. Gleichzeitig wurden einige seiner Werke vorgestellt Russische Kunst im Kontext der fortgeschrittenen geistigen Bewegungen der Ära.

So verkörperte Levitsky die für die russische Aufklärung relevanten Ideen der Unterordnung der Autokratie unter das Gesetz in dem Gemälde „Katharina II. – Gesetzgeberin im Tempel der Göttin der Gerechtigkeit“ (1783). Das zeremonielle Porträt des Herrschers verkörpert immer sein offizielles Image. Levitskys Leinwand ist ein einzigartiger Fall, wenn das Bild des Monarchen, das den Kanons des Genres vollständig entspricht, eine Botschaft der Gesellschaft an den Souverän ist und die Bestrebungen des aufgeklärten Adels vermittelt.

Dmitri Levitsky. Porträt von Katharina der Gesetzgeberin im Tempel der Göttin der Gerechtigkeit. 1783 Staatliches Russisches Museum

Die Kaiserin, die einen Lorbeerkranz und eine Bürgerkrone trägt und ihren Frieden opfert, verbrennt Mohnblumen auf einem Altar, der unter der Statue von Themis mit der Aufschrift "für das Gemeinwohl" steht. Auf dem Sockel der Skulptur ist das Profil von Solon, dem athenischen Gesetzgeber, eingemeißelt. Der Kaiseradler sitzt auf Gesetzesbüchern, und in der Meeresöffnung hinter der Königin ist die russische Flotte unter der Flagge des Heiligen Andreas mit dem Merkurstab sichtbar, ein Zeichen des geschützten Handels, dh des Friedens und des Wohlstands. Neben dem aufklärerischen Rechtsstaatsgedanken sind hier auch andere politische Anklänge möglich. Es wurde vorgeschlagen, dass die Leinwand das Zentrum des Ensembles von Porträts der Duma der Ritter des Ordens des Heiligen Wladimir werden und sich in Zarskoje Selo Sofia befinden sollte, um so in den ideologischen Apparat von Katharina einzutreten.

Dieses Porträt, dessen Programm Nikolai Lvov gehört, und dessen Auftrag Alexander Bezborodko gehört, war wahrscheinlich das erste Werk der russischen Malerei, das sich als gesellschaftliches Ereignis herausstellte. Es stimmt mit der Ode von Derzhavin "" überein, die im selben Jahr 1783 erschien. Dann druckte Ippolit Bogdanovich dem Künstler eine Strophe, auf der Levitsky, nachdem er das ideologische Programm des Porträts eingesetzt hatte, der erste Fall eines direkten Aufrufs eines russischen Malers an die Öffentlichkeit ist. Damit übernahm das Porträt die Funktion einer Erzählung historische Leinwand, die die Ideen formt, die die Gesellschaft begeistern, und zu einem Ereignis für ein relativ breites Publikum wird. Dies ist eines der ersten Anzeichen eines neuen Prozesses für Russland: Die bildende Kunst dient nicht mehr den utilitaristischen Bedürfnissen der Elite (Repräsentation politischer und persönlicher Ambitionen, Dekoration des Lebens, Visualisierung von Wissen usw.) und wird allmählich zu einem wichtigen Element der nationalen Kultur, Organisation eines Dialogs zwischen verschiedenen Teilen der Gesellschaft.

Sieben Gemälde der „Smolyanki“-Serie, gemalt in den Jahren 1772-1776, zeigen neun Schüler des Smolny-Instituts für edle Mädchen unterschiedlichen „Alters“ (Studienzeiten). Dies ist ein Denkmal für ein Experiment, das die Schlüsselideen der europäischen Aufklärung widerspiegelte: die Erziehung eines neuen Menschen, die Weiterbildung für Frauen. Sie weisen auch deutlich auf eine allmähliche Änderung der Einstellung zur Periode hin. Menschenleben: Wenn ein Kind in einem russischen Porträt in der Regel als kleiner Erwachsener dargestellt wurde, zeigt Smolyanki Schritte auf dem Weg zur Pubertät, die in dieser Porträtserie erstmals als separate, unabhängige Stufe fungiert. Die Mädchen tanzen, spielen Theaterrollen, aber die beiden Bilder der „älteren Studentinnen“ Glafira Alymova und Ekaterina Molchanova, die die Serie abschließen, scheinen zusammenzufassen und verkörpern die beiden Hypostasen einer erleuchteten Frau. Alymova spielt das Ar-fe und repräsentiert die Künste, die mit der sinnlichen Natur des Menschen verbunden sind. Mol-cha-nova repräsentiert das intellektuelle Prinzip. Sie posiert mit einem Buch und einer Vakuumpumpe – einem modernen Werkzeug, mit dem Sie die materielle Natur der Welt erforschen können. Von einem Porträtattribut wird es hier zu einem Zeichen fortgeschrittenen Wissens, das auf einem wissenschaftlichen Experiment basiert.

Dmitri Levitsky. Porträt von Feodosia Rzhevskaya und Nastasya Davydova. 1771–1772Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Ekaterina Nelidova. 1773Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Ekaterina Khrushcheva und Ekaterina Khovanskaya. 1773Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Alexandra Levshina. 1775Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Ekaterina Molchanova. 1776Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Glafira Alymova. 1776Staatliches Russisches Museum

Dmitri Levitsky. Porträt von Natalia Borshchova. 1776Staatliches Russisches Museum

Die Werke von Vladimir Borovikovsky, Levitskys Schüler und Landsmann, zeigen deutlich, dass sentimentale Werte in den letzten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts zur Grundlage für die Darstellung einer Privatperson wurden. Jetzt ist das Porträt deutlich in vorne und privat geschichtet. Bewusster Luxus glänzt mit dem Bild des "Diamantenprinzen" Kurakin (1801-1802), der wegen seiner Liebe zu Schmuck und prunkvollem Glanz so genannt wird. Wie einige Gemälde von Goya zeigt es, dass die Pracht der Malerei zu einem der letzten Argumente für die Größe der Aristokratie wird: Die Modelle selbst können dem Pathos, das das Genre diktiert, nicht mehr immer standhalten.

Wladimir Borowikowski. Porträt von Prinz A. B. Kurakin. 1801-1802 Staatliche Tretjakow-Galerie

Ein hybrides Merkmal der „Epoche der Sensibilität“ ist ein Bild von Katharina II. in Zarskoje Selo (siehe oben). Das ganzfigurige Porträt vor dem Hintergrund des Denkmals des militärischen Ruhms ist betont kammerbildlich gehalten: Es zeigt die Kaiserin im Schlafrock im Moment eines einsamen Spaziergangs in den Gassen des Parks. Catherine mochte das Porträt nicht, aber höchstwahrscheinlich schlug sie Puschkin die Inszenierung von Masha Mironovas Treffen mit der Kaiserin in The Captain's Daughter vor. Mit Borovikovsky wird die Landschaft zum ersten Mal unter russischen Künstlern zum dauerhaften Hintergrund des Porträts und bezeichnet eine ganze Reihe von Ideen, die mit den Ideen von Natürlichkeit, Sensibilität, Privatsphäre und der Einheit verwandter Seelen verbunden sind.

Die Natur als Projektion emotionaler Erfahrungen ist ein charakteristisches Merkmal der Kultur der Sentimentalität, die darauf hinweist, dass die innere Welt eines Menschen zu einem unbedingten Wert wird. Zwar erhält in vielen Arbeiten von Borovikovsky die „Einbindung in die Natur“ der Figur den Charakter eines Klischees, das darauf hindeutet, dass Sensibilität und Natürlichkeit zur Mode geworden sind. Besonders deutlich wird dies in den meisterhaft ausgeführten Frauenporträts, die dem Ideal junger „natürlicher“ Schönheit folgen und den Posen und Attributen des Modells nachspüren. Andererseits ermöglichte dieser pastorale Porträtrahmen die Aufnahme von Leibeigenen in die Figuren. So sind zum Beispiel „Lizinka und Dashinka“ (1794) - Hofmädchen von Lemberg, die den Maler unterstützten und im Aussehen kaum von jungen Adligen zu unterscheiden waren.

Wladimir Borowikowski. Lizynka und Dashinka. 1794 Staatliche Tretjakow-Galerie

Wenn sich die russische Malerei in der Person von Levitsky und Borovikovsky den zeitgenössischen künstlerischen Trends anpasste, dann löste die nächste Generation russischer Hafenreferenten ein neues Problem: Ihre Kunst baute endlich einen Dialog mit ihnen auf tolle Malerei Europa des XVI-XVII Jahrhunderts, dessen Tradition im vorpetrinischen Russland fehlte. Voraussetzungen dafür waren der Aufbau der Eremitage-Sammlung von einzigartiger Qualität bereits in der Katharinenzeit sowie lange Auslandsreisen der Absolventen der Akademie junger Künstler. Karl Bryullov entwarf sein eigenes Bildnis nach den Mustern des „alten Meisters“ und erschuf gleichzeitig auf russischem Boden die Pracht des Vandijk-Zeremonialporträts mit seinem symphonischen Farbluxus („Reiterin“, 1831; Porträt der Schischmarjow-Schwestern). , 1839).

Orest Kiprensky. Porträt des Vaters des Künstlers Adam Karlovich Schwalbe. 1804 Staatliches Russisches Museum

Im Porträt von Puschkin (1827) wird der Dialog mit der Tradition auf der Ebene der Ikonographie aufgebaut, die für Europäer um die Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert noch verständlich ist. Die vor der Brust verschränkten Arme und der ins Leere gerichtete Blick des Dichters sind ein Echo auf die personifizierte Melancholie – ein Temperament, das seit der Renaissance als Zeichen des Genies galt.

Orest Kiprensky. Porträt von A. S. Puschkin. 1827 Staatliche Tretjakow-Galerie

Der kollektive Held von Kiprenskys Werken war die Generation von 1812. Diese Porträts zeichnen sich durch die ungehemmte Natur des „Verhaltens“ der Charaktere aus, die in der russischen Kunst beispiellos ist. Es ist wichtig, das "formelle" Porträt von Oberst Evgraf Davydov (1809) und eine Reihe von grafischen Porträts der Teilnehmer zu vergleichen Vaterländischer Krieg 1812-1814 (Alexey Lansky, Mikhail Lansky, Alexei Tomilov, Yefim Chaplits, Pyotr Olenin und andere, alle - 1813). Die erste variiert die Art des Adelsporträts, das im 18. und frühen 19. Jahrhundert für Europa charakteristisch war. Davydovs Pose zeugt nicht nur von distanzierter Leichtigkeit, sie veredelt die Figur ikonografisch, geht sie doch auf den berühmten „Ruhenden Satyr“ von Praxiteles zurück: Die Perfektion der klassischen Statue garantiert die Würde des Helden der Leinwand. Aber die sinnliche körperliche Ruhe der Satire ist nur die Kehrseite seiner tierischen Natur, und Kiprensky nutzt diese Erinnerung an den Prototyp (sowohl symbolisch als auch plastisch) perfekt, um das Bild eines Helden zu schaffen, der sich in einem entspannten Zustand des Friedens befindet fähig, sich wie eine Feder zu begradigen. Jedes der Bleistiftporträts junger „Veteranen“ ordnet sich ein Stück weit auch einem Porträtklischee unter, aber zusammen demonstrieren sie eine nie dagewesene grafische Freiheit und eine Vielfalt an formalen Lösungen: Körperdrehungen, Kopfneigungen, Gesten und Blicke. Der Künstler ging in jedem einzelnen Fall nicht von vorgegebenen Rollen aus, sondern von der Persönlichkeit, die sich vor ihm entfaltete. Diese Leichtigkeit der Charaktere, zusammen mit der demonstrativen Leichtigkeit der Darbietung, wirken als sichtbare Verkörperung des inneren „Selbststandes“ der Generation – ein in der russischen Geschichte bis dahin beispielloses Freiheitsgefühl.

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Russische Malerei der zweiten HälfteXVIIIJahrhundert
Das 18. Jahrhundert ist in Russland nicht nur die Zeit des Aufstiegs des öffentlichen Selbstbewusstseins, des sozialen und philosophischen Denkens, sondern auch die Zeit des Aufblühens der Kunst. Neben den Namen der Koryphäen der russischen Wissenschaft und Literatur - Lomonosov, Fonvizin, Radishchev, Derzhavin - stehen die Namen russischer Künstler - Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Losenko, Shibanov.
Im 18. Jahrhundert begann sich die realistische Richtung in der Malerei durchzusetzen. Ein lebender und denkender Mensch wird zum Helden der Kunst, zum Träger gesellschaftlicher und ästhetischer Ideale. Zu dieser Zeit entstanden neue Genres der Malerei: Historisch, Landschaft, Alltag. Die Vielfalt und Vollständigkeit der Gattungsstruktur entwickelte sich in den letzten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts. Die Malerei ist weit verbreitet: königliche Sammlungen werden bereichert, Familiensammlungen werden in den Hauptstädten gebildet, Provinzstädte und Anwesen. Erhalten Sie öffentliche Anerkennung für die Rolle des Malers, Dichters, Künstlers. Die ersten Kunstausstellungen und der Verkauf von Werken, die Rolle der professionellen Meinung zur Kunst, die ersten ästhetischen Abhandlungen sind mit der gleichen Zeit verbunden.
Die erste und größte Figur auf dem Gebiet Geschichtsmalerei war Anton Pawlowitsch Losenko (1737-1773). Er malte nur wenige Gemälde, darunter „Wladimir und Rogneda“ zum Thema russische Geschichte und „Abschied von Hektor an Andromache“ zum Thema Homers Ilias. Beide Gemälde wirken heute in vielerlei Hinsicht archaisch, waren aber einst sehr berühmt und wurden die ersten thematischen Kompositionen in der russischen Kunst.
Fjodor Stepanovich Rokotov (1735-1808) - ein herausragender Meister des Kammerporträts, d.h. Brustbild des Models, bei dem die ganze Aufmerksamkeit des Künstlers auf das Gesicht der Porträtierten gerichtet ist. Die Hauptsache für Rokotov ist es, die inneren Erfahrungen eines Menschen, seine spirituelle Exklusivität, zu zeigen. Rokotov war ein ausgezeichneter Meister des weiblichen Porträts. Die weiblichen Bilder der Künstlerin sind erfüllt von innerer Würde und spiritueller Schönheit, sie sind majestätisch und menschlich. Sein Werk war geprägt von poetischen Bildern, der Subtilität von Bildbeziehungen, der Leichtigkeit und Weichheit des Pinselstrichs. Seine Pinsel gehören zu den Porträts von N.E. und A. P. Struisky (1772, Tretjakow-Galerie), „Unbekannt im Dreispitz“ (Anfang der 1770er Jahre, Tretjakow-Galerie), „Unbekannt im rosa Kleid“ (1770er, Tretjakow-Galerie).
In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts begannen Künstler, sich der Darstellung des Lebens und der Lebensweise der Bauern zu widmen. Der leibeigene Künstler des Grafen Potemkin, Mikhail Shibanov, widmete seine Werke dem bäuerlichen Thema.
Unter anderen Künstlern des 18. Jahrhunderts kann man das Werk von Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825) erwähnen, der der dritte der führenden Porträtmeister der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts war. Seine Leinwände zeichnen sich durch ihre unterstrichene Lyrik, Kontemplation und Aufmerksamkeit für die Welt der persönlichen Erfahrungen einer Person aus. Er malte solche Gemälde wie "Catherine II for a walk in Tsarskoye Selo Park" (1794, Tretjakow-Galerie) und "Porträt von D. A. Derzhavina" (1813, Tretjakow-Galerie) als heimische Version des englischen "Porträt - Spaziergang". Sentimentalismus geprägt weibliche Bilder Künstler - Porträts von M.I. Lopukhina (1797), E.A. Naryschkina (1799), E.G. Temkina (1798, alle in der Staatlichen Tretjakow-Galerie). Bei der Komposition der Leinwände wies der Künstler der Landschaft eine große Rolle zu.
Die Porträtmalerei des 18. Jahrhunderts wurde maßgeblich durch den zeitgenössischen F.S. Rokotova Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822). In der Arbeit von Levitsky wurde die Essenz des russischen Zeitalters der Aufklärung verkörpert, dessen Blütezeit auf Katharinas Regierungszeit fällt.
Kreativität Levitsky zeigt, dass Russland endlich in den europäischen Kreis eingetreten ist. Die für das westliche Kulturbewusstsein relevanten aufklärerischen Ideale von Würde, Vernunft und Natürlichkeit sind für ihn von großer Bedeutung. Seine Porträts stehen in Sachen Malkunst den Werken der besten Franzosen und Franzosen in nichts nach Englische Zeitgenossen. Niemand malt die materielle Welt so saftig und taktil und bewundert ihre Kostbarkeit und Vielfalt: die Brillanz von Bronze, die Schwere und das Schillern von Stoffen.
Levitsky stammt aus einer Familie kleinrussischer Priester und hat seit seiner Kindheit eine Vorliebe für das Zeichnen entwickelt. Sein Vater Grigory Kirillovich war neben dem Klerus der berühmteste Kupferstecher der Ukraine, "Referenzbeamter" der Druckerei des Kiewer Höhlenklosters. Ein aufgeklärter Mann, ein Amateurdichter, erhielt er eine Kunstausbildung im Westen. Nach der Familientradition half der Sohn nach dem Abschluss des Priesterseminars und der Kiewer Theologischen Akademie seinem Vater bei der Aufführung allegorischer Programme für theologische Debatten. Seine Ausbildung in "Kunst" sollte fortgesetzt werden, als er die Gemälde im im Bau befindlichen Gebäude nach dem Projekt von F.B. Rastrelli St.-Andreas-Kathedrale in Kiew im Jahr 1752 kam Alexei Petrovich Antropov. Beide Levitskys standen bei ihm "in den Startlöchern". Antropov schätzte ihre Bemühungen und empfahl den Ältesten für die Position des Tempelprüfers - um Ikonen des "ungeschickten Schnitzens" zu ergreifen, und 1758 lud er den Jüngeren ein, sein Schüler zu sein.
Antropov war Porträtmaler - das hat er gelehrt. Levitsky bekam die ersten Befehle: Das Handwerk machte nicht nur Freude, sondern versprach auch zu füttern, und das war wichtig, da eine Tochter in der Familie aufwuchs. Anschließend wird Levitsky der "modischste" Künstler - er wird buchstäblich mit privaten Aufträgen überschwemmt. Schon aus eigener Initiative, um „seinen Stil zu polieren“, nimmt er mehrere Stunden Unterricht bei fachkundigen Ausländern – J.-L. Lagrenet Sr. und J. Valeriani. Und 1770 kam ein echter Erfolg - für das "Porträt von A. F. Kokorinov" (1769), das auf der Ausstellung der Akademie der Künste gezeigt wurde, erhielt der Künstler, der dort nicht studierte, den Titel eines Akademikers und wurde ein Jahr später dazu eingeladen einen Porträtkurs leiten.
Levitsky malte Porträts in der Weise, wie es die ästhetischen und ethischen Standards der Zeit erforderten. Modelle mussten in einem überzeugenden Licht präsentiert werden. Sie verschweigen nicht, dass sie für den Künstler posieren. Daher ihre stolze Haltung, bedingte Gesten, herablassende Blicke. Die Porträts wurden normalerweise in luxuriöser Kleidung, zeremoniellen Uniformen, Sternen und Schärpen dargestellt. Durch diese Extravaganz von Reichtum und Rangparade kann ein aufmerksamer Betrachter jedoch lebendige und vollblütige Bilder herausragender Menschen sehen.
Takov A.M. Golitsyn, dessen Porträt 1772 von Levitsky geschaffen wurde. Ein Staatsmann, ein Würdenträger, er wird nach den Gesetzen eines zeremoniellen Porträts dargestellt. Dafür wählte der Künstler ein großes Leinwandformat und eine Sicht von unten, gab der Figur einen Generationenschnitt. Mit einer breiten Geste von vice-k usw. ....................