06.07.2019 um 15:34 · VeraSchegoleva · 11 620

Top 10 der berühmtesten Porträtmaler, deren Namen jeder kennen sollte

Ein Porträt ist ein Bild einer Gruppe von Personen oder einer Person mit absoluter Genauigkeit. Normalerweise ist dies eine Zeichnung in einem bestimmten Stil.

Ein Porträtkünstler reproduziert ein Bild aus der Erinnerung oder zeichnet eine Person aus dem Leben. Porträtmaler vermitteln durch ihre Bilder nicht nur das Aussehen von Menschen, sondern auch ihre einzigartigen Merkmale, Charakterzüge.

Ein Porträt ist eine individuelle Einstellung des Künstlers zu einer bestimmten Person. Eine solche Interpretation einer Person ist elitär, exklusiv und nicht jedem zugänglich, daher wertvoll und sehr attraktiv.

Betrachten Sie die berühmtesten Porträtmaler, die die spirituelle Essenz der Menschen am besten durch Gemälde offenbarten.

10. Anthony van Dyck

Anthony van Dyck- Grafiker und Meister religiöser Sujets und höfischer Porträts. Seine Heimat ist Belgien.

Dieser Künstler war ein Wunderkind, er schuf sein Selbstporträt im Alter von vierzehn Jahren. Als Van Dyck 18 Jahre alt war, wurde er in die Lukasgilde aufgenommen, die Drucker, Bildhauer und Künstler vereinte.

Van Dyck hatte bereits im Alter von zwanzig Jahren damit begonnen, Porträts von Aristokraten zu schaffen, die sich durch unglaubliches Können auszeichneten. Typischerweise erreichten Porträtmaler dieses Niveau im Alter von vierzig Jahren.

Der Meister hat seinen Händen immer viel Aufmerksamkeit geschenkt: Sie waren schön, anmutig, entspannt, mit langen Fingern. Die Arbeit von Van Dyck ist genau an der Art der Handzeichnung zu erkennen.

Van Dyck lebte in Italien, war Hofmaler in England.

Bemerkenswerte Porträts: "Köpfe eines Ältesten", "Familienporträt", "Porträt von Kardinal Guido Bentivoglio", "Porträt Karls I. auf der Jagd".

9. Hans Holbein

Hans Holbein der Jüngere- Einer der berühmtesten Deutsche Künstler. Das Zeichnen lernte er von Holbein dem Älteren, seinem Vater, der sich auf Altarmalerei spezialisierte.

Der Meister wurde im Alter von einundzwanzig Jahren berühmt. Er war Maler am Hof Heinrichs VIII.

Die von Hans Holbein geschaffenen Porträts sind sehr genau, er vermittelt die Bilder und Charaktere der abgebildeten Personen mit maximaler Klarheit. Der Künstler spielte souverän mit Hell-Dunkel, er hob gerne verschiedene kleine Details hervor, die seine Idee unterstreichen.

Viele Porträts des Meisters sind nicht frei von Sarkasmus und Ironie: Sie verraten seine wahre Einstellung zu den abgebildeten Personen.

Bemerkenswerte Porträts: „Porträt von Thomas More“, „Porträt von Erasmus von Rotterdam“, „Porträt von Heinrich VIII.“.

8. Diego Velázquez

Diego Velázquez- Maler aus Spanien, Hofmaler Philipps IV. Velázquez begann mit zehn Jahren Malerei zu studieren.

Bereits mit achtzehn Jahren gelang es dem Künstler, eine eigene Werkstatt zu eröffnen: Francisco Pacheco, sein Lehrer, half ihm dabei.

Am Anfang kreative Weise Velasquez stellte Stillleben und verschiedene Küchenszenen dar. Farbe und Schattierung, Farbsättigung wurden die Merkmale dieser Gemälde.

Dann zog der Meister in die Hauptstadt und wurde Hofmaler. Er malte nicht nur zeremonielle Porträts nach Maß, sondern versuchte auch, die unglücklichsten, gedemütigtesten Menschen einzufangen: Freaks, Narren, Zwerge.

Berühmte Porträts: „Der Wirt“, „Der alte Koch“, „Bildnis König Philipp IV. von Spanien in Rüstung“, „Bildnis einer Dame mit Fächer“, „Spaßvogel Juan von Österreich“.

7. Ilja Jefimowitsch Repin

Ilja Jefimowitsch Repin- Russischer Künstler, Professor, Lehrer, Mitglied der Kaiserlichen Akademie der Künste. Einer der Hauptvertreter des russischen Realismus.

In seiner Jugend lebte der Künstler in Armut. Er versuchte, mit dem Verkauf seiner Bilder Geld zu verdienen.

Dann bekam Repin für ein gutes Studium die Gelegenheit, nach Europa zu gehen, um ausländische Kunst zu studieren. Zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits ziemlich viel Ruhm erlangt und begann, große Aufträge zu erhalten.

Kennzeichnend für Repins Werk sind häufige Appelle an emotionale Höhepunkte, die Zurschaustellung sozialer Ängste und Aufgaben sowie subtiler Psychologismus.

Berühmte Porträts: "Porträt von Leo Tolstoi", "Porträt von Mussorgsky", "Porträt von Mutter", "Porträt von Konstantin Petrovich Pobedonostsev".

6. Rembrandt van Rijn

Rembrandt- Künstler aus Holland, Meister des Hell-Dunkels, Graveur. Er war einer der größten Vertreter des goldenen Zeitalters der holländischen Malerei.

Seine Bilder verkörperten das gesamte Spektrum menschlicher Erfahrungen. Rembrandt zog es vor, kleine Details wegzulassen und so viel wie möglich preiszugeben Geisteszustand die Person, die porträtiert wird.

Der zukünftige Meister begann mit dreizehn Jahren das Zeichnen zu lernen. Er war ständig auf der kreativen Suche und schuf Gemälde in verschiedenen Genres: Porträts, Genreszenen, Landschaften, Stillleben und so weiter.

Bemerkenswerte Porträts: „Junge Saskia“, „Porträt Jan Utenbogart“, „Flora“, „Porträt Maria Trip“.

5. Peter Paul Rubens

Rubens- Flämischer Maler, Sammler, Diplomat. Er wurde zu einem der Hauptvertreter der Barockkunst. IN Porträtmalerei das Talent des Meisters zeigte sich voll und ganz. Gestik, Blick, Kopfdrehung, Pose des Models waren ihm schon immer sehr wichtig.

Rubens, der das schöne Geschlecht darstellte, genoss sozusagen ihre Sinnlichkeit, Weiblichkeit und Pracht der Körper.

Der Künstler hatte eine sehr hohe Arbeitsfähigkeit: Er konnte von morgens bis abends Bilder schaffen. Während der Arbeit unterhielt sich Rubens sehr gerne mit Studenten und Besuchern.

Berühmte Porträts: „Porträt der Marquise Brigitta Spinola Doria“, „Porträt der Magd Infanta Isabella“, „Porträt Helena Fourman mit zwei Kindern“.

4. Albrecht Dürer

Dürer- Grafiker und Maler aus Deutschland, einer der berühmtesten Vertreter der westeuropäischen Renaissance. Er hinterließ nicht nur Gemälde, sondern auch Traktate und Stiche.

Albrecht Dürer perfektionierte die Kunst des Holzschnitts. Er lebte in Italien, studierte kreative Methoden Italienische Künstler.

Dürer schuf viele Selbstporträts, besonders gerne malte er sich in seiner Jugend. Seine Arbeit ist durchdrungen von dem Wunsch, die Naturgesetze zu kennen, sowie der Faszination für die ideale, harmonische Schönheit. Es ist von einer hohen Intensität der Gefühle durchdrungen, einem rebellischen Geist.

Bemerkenswerte Porträts: „Bildnis Erasmus von Rotterdam“, „Bildnis Bernhard von Riesen“, „Kaiser Maximilian I.“.

3. Tizian

Tizian Vecellio- ein berühmter Maler aus Italien. Seine Arbeit ist mit Ewigkeit und Unsterblichkeit verbunden. Die Pinsel dieses Künstlers wurden zugeschrieben magische Eigenschaften auch zu seinen Lebzeiten.

Tizian schuf wunderbare Porträts: Es schien, als seien die Seelen der abgebildeten Menschen darin verborgen. Er malte viele epische Gemälde zu mythologischen und religiösen Themen.

Tizians Schaffensweg war fruchtbar und lang: Der Künstler lebte fast hundert Jahre. Seine Gemälde wurden wiederholt kopiert, aber niemand konnte jemals das gleiche Niveau erreichen.

Bemerkenswerte Porträts: "Porträt von Petro Aretino", "Porträt von Karl V", "Porträt einer jungen Frau".

2. Raffael Santi

Raffael- Italienischer Grafiker und Maler. Seine Bilder spiegelten die Ideale der Renaissance wider.

Die Welt wurde sauberer und freundlicher, als die Augen der von Raffael dargestellten Madonnen sie zu betrachten begannen: Pasadena, Sixtinische, Orléans, Conestabile.

Er verkörperte gekonnt in den Gemälden eine Vielzahl emotionaler Schattierungen. Raffael galt als einer der „ausgewogensten“ Künstler. Der Meister verstarb sehr früh, im Alter von 37 Jahren, hinterließ jedoch ein kolossales künstlerisches Erbe.

Bemerkenswerte Porträts: "Donna Velata", "Porträt von Castiglione", "Porträt von Julius II", "Porträt von Papst Leo X. mit zwei Kardinälen".

1. Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci – italienischer künstler, Architekt, Bildhauer, Wissenschaftler, Musiker, . Er war ein einzigartiger „universeller Mann“.

Forschungen, Entdeckungen, Kreationen von da Vinci waren der Zeit um mehr als eine Ära voraus. Er half bei der Entwicklung der Stadtplanung, Anatomie.

Auffallend war auch Da Vincis Aussehen: engelhaftes Aussehen, große Statur und unglaubliche Stärke.

Für diesen Künstler war die Malerei eine Ergänzung zur Wissenschaft: Er konzentrierte sich immer darauf, die Realität einzufangen.

Bemerkenswerte Porträts: „Mona Lisa“, „Dame mit dem Hermelin“, „Porträt der Ginerva de Benci“, „Porträt eines Musikers“.

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Nikolai Nikolajewitsch Ge (1831-1894)

Russischer Künstler. Geboren am 15. (27.) Februar 1831 in Woronesch in der Familie eines Gutsbesitzers. Er studierte an den mathematischen Fakultäten der Universitäten Kiew und St. Petersburg (1847-1850), trat dann in die Akademie der Künste ein, die er 1857 abschloss. Er wurde stark von K.P. Bryullov und A.A. Ivanova. Er lebte in Rom und Florenz (1857-1869), in St. Petersburg und ab 1876 auf der Ivanovsky-Farm in der Tschernigow-Provinz. Er war einer der Gründer der Association of the Wanderers (1870). Er hat viele Porträts gemalt. Bereits während seines Studiums an der Akademie der Künste begann er mit der Arbeit an Porträts. Für viele Jahre Kreativität malte er viele seiner Zeitgenossen. Im Grunde waren dies fortgeschrittene Kulturfiguren. MICH. Saltykow - Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoi und andere. Ge besitzt eines der besten Porträts von A.I. Herzen (1867, Staatliche Tretjakow-Galerie) - das Bild eines russischen Revolutionärs, eines feurigen Kämpfers gegen Autokratie und Leibeigenschaft. Doch die Idee des Malers beschränkt sich nicht auf die Übertragung äußerlicher Ähnlichkeit. Herzens Gesicht, wie aus der Dämmerung gerissen, spiegelte seine Gedanken wider, die unbeugsame Entschlossenheit eines Kämpfers für soziale Gerechtigkeit. Lassen Sie sich in diesem Porträt das Spirituelle einfangen historische Persönlichkeit, verkörperte die Erfahrung ihres ganzen Lebens, voller Kampf und Angst.

Seine Werke unterscheiden sich von den Werken Kramskojs in ihrer Emotionalität und Dramatik. Porträt des Historikers N.I. Kostomarov (1870, Staatliche Tretjakow-Galerie) ist ungewöhnlich schön, temperamentvoll, frisch und frei geschrieben. Das Selbstporträt entstand kurz vor seinem Tod (1892-1893, KMRI), das Antlitz des Meisters leuchtet mit schöpferischer Inspiration. Porträt von N.I. Petrunkevich (1893) wurde vom Künstler am Ende seines Lebens gemalt. Das Mädchen ist in fast dargestellt vollständige Höhe am offenen Fenster. Sie ist ins Lesen versunken. Ihr Gesicht im Profil, die Neigung des Kopfes, die Körperhaltung drücken einen Gedankenzustand aus. Wie nie zuvor schenkte Ge dem Hintergrund große Aufmerksamkeit. Die Farbharmonie zeugt von den unverbrauchten Kräften des Künstlers.

Ab den 1880er Jahren wurde Ge ein enger Freund und Anhänger von L.N. Tolstoi. Um den menschlichen Gehalt der Evangeliumspredigt zu betonen, geht Ge zu einer immer freieren Schreibweise über, schärft Farbe und Lichtkontraste bis ans Limit. Der Meister malte wundervolle Porträts voller innerer Spiritualität, darunter ein Porträt von L.N. Tolstoi an seinem Schreibtisch (1884). Im Bild von N.I. Petrunkewitsch vor dem Hintergrund eines zum Garten geöffneten Fensters (1893; beide Porträts in Tretjakow-Galerie). Ge starb am 1. (13.) Juni 1894 auf der Ivanovsky-Farm (Provinz Tschernigow).

Wassilij Grigorjewitsch Perow (1834-1882)

Geboren in Tobolsk am 21. oder 23. Dezember 1833 (2. oder 4. Januar 1834). Er war der uneheliche Sohn des örtlichen Staatsanwalts Baron G.K. Kridener, der Nachname "Perov" wurde dem zukünftigen Künstler in Form eines Spitznamens von seinem Alphabetisierungslehrer, einem Provinzdiakon, gegeben. Er studierte an der Arzamas School of Painting (1846-1849) und der Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (1853-1861), wo einer seiner Mentoren S.K. Zarjanko. Erlebte einen besonderen Einfluss von P.A. Fedotov, Meister der satirischen Zeitschriftengrafik, und von ausländischen Meistern - W. Hogarth und Genremaler der Düsseldorfer Schule. Lebte in Moskau. Er war eines der Gründungsmitglieder der Association of the Wanderers (1870).

Die besten Porträtarbeiten des Meisters gehören zur Wende der 60er-70er Jahre: F.M. Dostojewski (1872, Tretjakow-Galerie) A.N. Ostrovsky (1871, Tretjakow-Galerie), I.S. Turgenjew (1872, Russisches Museum). Dostojewski ist besonders ausdrucksstark, völlig in schmerzliche Gedanken versunken, die Hände nervös auf dem Knie verschränkt, ein Bild höchsten Intellekts und Spiritualität. Aufrichtige Genreromantik verwandelt sich in Symbolik, die von einem traurigen Gefühl der Zerbrechlichkeit durchdrungen ist. Porträts des Meisters (V. I. Dal, A. N. Maikov, M. P. Pogodin, alle Porträts - 1872), die eine für die russische Malerei beispiellose spirituelle Intensität erreichen. Kein Wunder, dass das Porträt von F.M. Dostojewski (1872) gilt zu Recht als der beste in der Ikonographie des großen Schriftstellers.

In den letzten Jahrzehnten seines Lebens entdeckt der Künstler ein herausragendes Talent als Essayist (Geschichten Tante Marya, 1875; Unter dem Kreuz, 1881; und andere; letzte Ausgabe - Geschichten des Künstlers, M., 1960). 1871-1882 lehrte Perov an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, wo N.A. Kasatkin, SA Korovin, M. V. Nesterow, A. P. Rjabuschkin. Perov starb am 29. Mai (10. Juni) 1882 im Dorf Kuzminki (damals - in der Nähe von Moskau).

Nikolai Alexandrowitsch Jaroschenko (1846-1898)

Geboren in Poltawa am 1. (13.) Dezember 1846 in einer Militärfamilie. Er absolvierte die Mikhailovsky Artillery Academy in St. Petersburg (1870), diente im Arsenal und ging 1892 im Rang eines Generalmajors in den Ruhestand. Er studierte Malerei an der Zeichenschule der Society for the Encouragement of Arts unter I.N. Kramskoy und an der Akademie der Künste (1867-1874). Er reiste viel - in die Länder Westeuropas, des Nahen und Mittleren Ostens, des Urals, der Wolga, des Kaukasus und der Krim. Er war Mitglied (seit 1876) und einer der Führer der Association of Wanderers. Er lebte hauptsächlich in St. Petersburg und Kislowodsk.

Seine Werke können als Porträt bezeichnet werden - wie "Stoker" und "Prisoner" (1878, Staatliche Tretjakow-Galerie). "Heizer" - das erste Bild eines Arbeiters in der russischen Malerei. "Gefangener" - ein aktuelles Bild in den Jahren der stürmischen populistischen revolutionären Bewegung. "Studentin" (1880, Russisches Museum) Ein junges Mädchen mit Büchern geht auf dem nassen Bürgersteig von St. Petersburg spazieren. In diesem Bild fand die ganze Ära des Kampfes der Frauen um die Unabhängigkeit des geistigen Lebens ihren Ausdruck.

Jaroshenko war ein hochgebildeter Militäringenieur mit starkem Charakter. Der Wanderer-Künstler diente mit seiner Kunst revolutionären demokratischen Idealen. Meister des sozialen Genres und Porträts im Geiste der Wanderers. Er hat sich mit ausdrucksstarken Bildkompositionen einen Namen gemacht, die Sympathie für die Welt der gesellschaftlich Ausgestoßenen appellieren. Eine besondere Art von besorgtem, "gewissenhaftem" Ausdruck verleiht den besten Porträts von Jaroshenko Leben (P.A. Strepetova, 1884, ebd.; G.I. Uspensky, 1884, Art Gallery, Jekaterinburg; N.N. Ge, 1890, Russisches Museum, St. Petersburg). Jaroschenko starb am 25. Juni (7. Juli) 1898 in Kislowodsk.

Iwan Nikolajewitsch Kramskoi (1837-1887)

1857 landete er in St. Petersburg und arbeitete in einem Fotoatelier. Im Herbst desselben Jahres trat er in die Akademie der Künste ein.

Das vorherrschende Gebiet der künstlerischen Leistung blieb für das Kramskoy-Porträt. Kramskoy im Porträtgenre ist von einer erhabenen, hochspirituellen Persönlichkeit besetzt. Er schuf eine ganze Galerie mit Bildern der größten Persönlichkeiten der russischen Kultur - Porträts von Saltykov - Shchedrin (1879, Staatliche Tretjakow-Galerie), N.A. Nekrasov (1877, Staatliche Tretjakow-Galerie), L.N. Tolstoi (1873, Staatliche Tretjakow-Galerie), P.M. Tretjakow (1876, Staatliche Tretjakow-Galerie), I.I. Shishkin (1880, Russisches Museum), D.V. Grigorowitsch (1876, Staatliche Tretjakow-Galerie). Porträtmalerei künstlerisch

Kramskoys künstlerische Art ist durch eine gewisse Protokolltrockenheit, Monotonie der Kompositionsformen und Schemata gekennzeichnet, da das Porträt die Merkmale der Arbeit als Retuscheur in seiner Jugend zeigt. Das Porträt von A.G. Litovchenko (1878, Staatliche Tretjakow-Galerie) mit malerischem Reichtum und Schönheit von Braun- und Olivtönen. Es wurden auch Sammelwerke von Bauern geschaffen: "Woodsman" (1874, Staatliche Tretjakow-Galerie), "Mina Moiseev" (1882, Russisches Museum), "Bauer mit Zaumzeug" (1883, KMRI). Immer wieder wandte sich Kramskoy dieser Form der Malerei zu, in der sich zwei Genres berührten - Porträt und Alltag. Zum Beispiel die Werke der 80er Jahre: "Unbekannt" (1883, Staatliche Tretjakow-Galerie), "Untröstliche Trauer" (1884, Staatliche Tretjakow-Galerie). Einer der Höhepunkte von Kramskoys Werk ist das Porträt von Nekrasov, Selbstporträt (1867, Staatliche Tretjakow-Galerie) und das Porträt des Agronomen Vyunnikov (1868, Museum der BSSR).

1863-1868 lehrte Kramskoy an der Zeichenschule der Gesellschaft zur Förderung der Künstler. 1870 wurde Kramskoy einer der Gründer des TPHV. Beim Schreiben eines Porträts griff Kramskoy oft auf grafische Techniken zurück (Verwendung von Most, Tünche und Bleistift). So entstehen die Porträts der Künstler A.I. Morozov (1868), G.G. Myasoedov (1861) - Staatliches Russisches Museum. Kramskoy ist ein Künstler mit großem kreativem Temperament, ein tiefer und origineller Denker. Er kämpfte immer für fortgeschrittene realistische Kunst, für ihren ideologischen und demokratischen Inhalt. Er arbeitete erfolgreich als Lehrer (an der Zeichenschule der Society for the Encouragement of Arts, 1863-1868). Kramskoi starb am 24. März (5. April) 1887 in St. Petersburg.

Ilja Jefimowitsch Repin (1844-1930)

Geboren in Chuguev in der Provinz Charkow in der Familie eines Militärsiedlers. Seine erste künstlerische Ausbildung erhielt er an der Typografenschule und bei den lokalen Künstlern I.M. Bunakov und L.I. Persanowa. 1863 kam er nach St. Petersburg, studierte an der Zeichenschule der Society for the Encouragement of Artists bei R.K. Schukowski und I. N. Kramskoy, wurde dann 1864 in die Akademie der Künste aufgenommen.

Repin ist einer der besten Porträtmaler seiner Zeit. Eine ganze Bildergalerie seiner Zeitgenossen wurde von ihm geschaffen. Mit welcher Geschicklichkeit und Kraft sie auf seinen Leinwänden festgehalten werden. In Repins Porträts ist alles bis ins letzte Detail durchdacht, jedes Merkmal ist ausdrucksstark. Repin besaß die größte Fähigkeit des Künstlerinstinkts, in die Essenz psychologischer Merkmale einzudringen, und setzte die Traditionen von Perov, Kramskoy und Ge fort. Er hinterließ Bilder berühmter Schriftsteller, Komponisten und Schauspieler, die die russische Kultur verherrlichten. In jedem Einzelfall fand er unterschiedliche kompositorische und koloristische Lösungen, mit denen er das Bild der abgebildeten Person am ausdrucksstärksten enthüllen konnte. Wie scharf der Chirurg Pirogov blinzelt. Die traurig schönen Augen der Schauspielerin Strepetova (1882, Staatliche Tretjakow-Galerie) huschen umher, und das scharfe, intelligente Gesicht des Künstlers Myasoedov, der nachdenkliche Tretjakow, sind gemalt. Mit gnadenloser Wahrheit schrieb er "Protodeacon" (Kirchenprediger 1877, Russisches Museum). Patient M.P. wurde mit Wärme geschrieben. Mussorgsky (1881, Tretjakow-Galerie), wenige Tage vor dem Tod des Komponisten. Die Porträts des jungen Gorki, des weisen Stasov (1883, Russisches Museum) und anderer sind eindringlich ausgeführt.„Herbststrauß“ (1892, Tretjakow-Galerie) ist ein Porträt von Veras Tochter, wie sonnig das Gesicht der Tochter des Künstlers darin strahlt warmer Schatten eines Strohhutes. Mit großer Liebe vermittelte Repin ein attraktives Gesicht mit seiner Jugend, Fröhlichkeit und Gesundheit. Die weiten Felder, noch blühend, aber berührt vom Gelb des Grases, grünen Bäumen und der Transparenz der Luft, bringen eine belebende Stimmung in die Arbeit.

Das Porträt war nicht nur das führende Genre, sondern auch die Grundlage von Repins Werk im Allgemeinen. Bei der Arbeit an großen Leinwänden wandte er sich systematisch Porträtstudien zu, um das Aussehen und die Eigenschaften der Figuren zu verdeutlichen. Dies ist das Porträt des Buckligen, das mit dem Gemälde „Die religiöse Prozession in der Provinz Kursk“ (1880-1883, Staatliche Tretjakow-Galerie) verbunden ist. Vom Buckligen aus betonte Repin beharrlich das Prosaische, Schmutzige der Kleidung des Buckligen und seiner gesamten Erscheinung, die Gewöhnlichkeit der Figur mehr als ihre Tragik und Einsamkeit.

Die Bedeutung von Repin in der Geschichte der russischen Kunst ist enorm. In seinen Porträts wirkte sich besonders seine Nähe zu den großen Meistern der Vergangenheit aus. In Porträts erreichte Repin den Höhepunkt seiner bildnerischen Kraft.

Repins Porträts sind überraschend lyrisch attraktiv. Er schafft scharf charakteristische Volksfiguren, zahlreiche perfekte Bilder von Kulturfiguren, anmutige weltliche Porträts (Baroness V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Besonders farbenfroh sind die aufrichtigen Bilder der Verwandten des Künstlers: eine Reihe von Gemälden mit Repins Frau N.I. Nordman-Severovoy. Virtuos sind auch seine rein grafischen Porträts, ausgeführt mit Bleistift oder Kohle (E. Duse, 1891; Prinzessin M. K. Tenisheva, 1898; V. A. Serov, 1901). Repin erwies sich auch als hervorragender Lehrer: Er war Professor-Leiter der Werkstatt (1894-1907) und Rektor (1898-1899) der Akademie der Künste, gleichzeitig unterrichtete er an der Schulwerkstatt von Tenisheva.

Nach der Oktoberrevolution 1917 wurde der Künstler von Russland getrennt, als Finnland unabhängig wurde, zog er nie in seine Heimat, obwohl er Kontakt zu dort lebenden Freunden (insbesondere zu K. I. Chukovsky) pflegte. Repin starb am 29. September 1930. 1937 veröffentlichte Chukovsky eine Sammlung seiner Memoiren und Artikel über Kunst (Far Close), die später mehrmals nachgedruckt wurde.

Walentin Alexandrowitsch Serow (1865-1911)

Geboren in St. Petersburg in der Familie des Komponisten A.N. Serow. Seit seiner Kindheit hat V.A. Serov war von Kunst umgeben. Repin war der Lehrer. Serov arbeitete in der Nähe von Repin mit frühe Kindheit und entdeckte sehr bald Talent und Unabhängigkeit. Repin schickt ihn an die Academy of Arts zu P.P. Tschistjakow. Der junge Künstler gewann Respekt und sein Talent erregte Bewunderung. Serov schrieb „Das Mädchen mit den Pfirsichen“. Serows erstes großes Werk. Trotz der geringen Größe wirkt das Bild sehr schlicht. Es ist in Rosa- und Goldtönen geschrieben. Für dieses Gemälde erhielt er eine Auszeichnung der Moskauer Gesellschaft der Kunstliebhaber. Im folgenden Jahr malte Serov ein Porträt seiner Schwester Maria Simonovich und nannte es später „Das von der Sonne erleuchtete Mädchen“ (1888). Das Mädchen sitzt im Schatten, und die Lichtung im Hintergrund wird von den Strahlen der Morgensonne beleuchtet.

Serov wurde ein modischer Porträtmaler. Posierte vor ihm berühmte Schriftsteller, Aristokraten, Künstler, Künstler, Unternehmer und sogar Könige. Im Erwachsenenalter schrieb Serov weiterhin Verwandte, Freunde: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serov führte die Befehle der Gekrönten aus - Alexander III. Und Nikolaus II. Der Kaiser ist in einer einfachen Jacke des Preobraschenski-Regiments dargestellt; Dieses Gemälde (1917 zerstört, aber in der Replik des Autors aus demselben Jahr erhalten; Tretjakow-Galerie) wird oft als das beste Porträt des letzten Romanow angesehen. Der Meister malte sowohl betitelte Beamte als auch Kaufleute. Serov arbeitete an jedem Porträt bis zur Erschöpfung, mit voller Hingabe, als wäre die begonnene Arbeit seine letzte. Der Eindruck einer spontanen, leichten Artistik verstärkte sich in Serovs Bildern auch dadurch, dass er in den unterschiedlichsten Techniken (Aquarell, Gouache, Pastell) frei arbeitete und den Unterschied zwischen Skizze und Malerei minimierte oder sogar aufhob. Auch die Schwarz-Weiß-Zeichnung war eine gleichwertige Form der Kreativität (deren Eigenwert wurde in seinem Werk ab 1895 verankert, als Serov einen Zyklus von Tierskizzen aufführte und an der Illustration der Fabeln von I. A. Krylov arbeitete).

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Serov wird vielleicht der erste Porträtmaler in Russland, wenn jemand in dieser Hinsicht unterlegen ist, dann nur ein Repin.

Am besten gelingen ihm anscheinend intime lyrische Bilder, weiblich und kindlich (N. Ya. Derviz mit einem Kind, 1888-1889; Mika Morozov, 1901; beide Porträts stammen aus der Tretjakow-Galerie) oder Bilder kreativer Menschen (A . Mazini, 1890; K. A. Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; N. A. Leskov, 1894; alle - an derselben Stelle), wo ein bunter Eindruck, ein freier Pinselstrich den Geisteszustand des Modells widerspiegelt. Aber noch offiziellere, säkularere Porträts verbinden auf organische Weise subtile Kunstfertigkeit mit der nicht weniger subtilen Gabe eines Künstlerpsychologen. Unter den Meisterwerken des "weltlichen" Serow - Graf F.F. Sumarokov-Elston (später - Prinz Yusupov), 1903, Russisches Museum; GL Hirschmann, 1907; IN. Hirschmann, 1911; I.A. Morosow, 1910; Prinzessin OK Orlowa, 1911; alles ist da).

In den Porträts des Meisters in diesen Jahren dominiert der Jugendstil mit seinem Kult einer starken und flexiblen Linie, einer monumentalen eingängigen Geste und Pose (M. Gorki, 1904, A.M. Gorki Museum, Moskau; M.N. Ermolova, 1905; F.I. Chaliapin, Kohle, Kreide, 1905, beide Porträts - in der Tretjakow-Galerie, Ida Rubinstein, Tempera, Kohle, 1910, Russisches Museum). Serov hinterließ eine dankbare Erinnerung an sich selbst als Lehrer (in den Jahren 1897-1909 unterrichtete er an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, wo unter seinen Schülern K. F. Yuon, N. N. Sapunov, P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K. S. Petrov waren - Wodkin). Serov starb am 22. November (5. Dezember) 1911 in Moskau.

Unter den vielen russischen und ausländischen Künstlern, die in Russland tätig waren, können die herausragenden Porträtmeister des 18. Jahrhunderts getrost genannt werden

A.P. Antropova, I.P. Argunova, F.S. Rokotova, D.G. Levitsky, V.L. Borowikowski.

Auf seinen Leinwänden A.P. Antropow und I.P. Argunov versuchte, ein neues Ideal einer Person darzustellen - offen und energisch. Fröhlichkeit, Festlichkeit wurde durch helle Farben betont. Die Würde der Dargestellten, ihre Korpulenz wurde mit Hilfe schöner Kleider und feierlicher statischer Posen vermittelt.

A.P.Antropov und seine Bilder

Selbstporträt von A. P. Antropov

In der Arbeit von A.P. Antropov, gibt es immer noch eine spürbare Verbindung zur Ikonenmalerei. Der Meister malt das Gesicht mit kontinuierlichen Strichen und Kleidung, Accessoires, Hintergrund - frei und weit. Der Künstler „kriecht“ nicht vor den edlen Helden seiner Bilder. Er malt sie so, wie sie wirklich sind, egal welche positiven oder negativen Eigenschaften sie nicht besitzen (Porträts von M.A. Rumyantseva, A.K. Vorontsova, Peter III).

Unter den meisten Berühmte Werke Maler Antropov Porträts:

Ismailow;
KI und P.A. Kolichyov;
Elisabeth Petrowna;
Peter I.;
Katharina II. im Profil;
Ataman F. Krasnoshchekov;
Portraitbuch. Trubezkoj

I. P. Argunov - Porträtmaler des 18. Jahrhunderts

I. P. Argunov "Selbstporträt"

Das Konzept des Nationalporträts entwickelnd, hat I.P. Argunov beherrschte schnell und mühelos die Sprache der europäischen Malerei und gab die alten russischen Traditionen auf. Herausragend in seinem Erbe sind die zeremoniellen retrospektiven Porträts, die er nach lebenslangen Bildern der Vorfahren von P.B. Scheremetew. In seinem Werk wird die Malerei des nächsten Jahrhunderts vorausgesehen. Er wird zum Schöpfer eines Kammerporträts, bei dem großer Wert auf die hohe Spiritualität des Bildes gelegt wird. Dies war das intime Porträt, das im 19. Jahrhundert häufiger wurde.

I. P. Argunov "Porträt einer unbekannten Frau in Bauerntracht"

Die bedeutendsten Bilder in seinem Werk waren:

Ekaterina Alekseevna;
P.B. Sheremetev in der Kindheit;
die Scheremetews;
Katharina II.;
Ekaterina Aleksandrovna Lobanova-Rostovskaya;
unbekannt in Bauerntracht.

F. S. Rokotov - Künstler und Gemälde

Eine neue Phase in der Entwicklung dieser Kunst ist mit dem Namen des russischen Porträtmalers F.S. Rokotowa. Er vermittelt das Spiel der Gefühle, die Variabilität des menschlichen Charakters in seinen dynamischen Bildern. Die Welt erschien dem Maler vergeistigt, seine Figuren auch: facettenreich, voller Lyrik und Menschlichkeit.

F. Rokotov "Porträt eines unbekannten Mannes mit Dreispitz"

F. S. Rokotov arbeitete im Genre eines Halbkleidporträts, bei dem eine Person hüfttief vor dem Hintergrund architektonischer Gebäude oder einer Landschaft dargestellt wurde. Zu seinen ersten Werken zählen Porträts von Peter III und Grigory Orlov, dem siebenjährigen Prinzen Pavel Petrovich und Prinzessin E.B. Yusupova. Sie sind elegant, dekorativ, farbenfroh. Die Bilder sind im Stil des Rokoko mit seiner Sinnlichkeit und Emotionalität gemalt. Dank der Werke von Rokotov kann man die Geschichte seiner Zeit kennenlernen. Die gesamte fortgeschrittene Adelselite strebte danach, auf den Leinwänden vom Pinsel des großen Malers eingefangen zu werden.

Kammerporträts von Rokotov zeichnen sich aus durch: Brustbild, Drehung zum Betrachter um ¾, Volumenbildung durch komplexe Licht- und Schattenformung, harmonische Kombination von Tönen. Mit Hilfe von Daten Ausdrucksmittel Der Künstler schafft eine bestimmte Art von Leinwand, die die Ehre, Würde und spirituelle Anmut einer Person darstellt (Porträt des "Unbekannten Mannes mit gespanntem Hut").

F.S. Rokotov "Porträt von A.P. Struyskaya"

Besonders bemerkenswert waren die jugendlichen und weibliche Bilder, und sogar ein bestimmter Rokotovsky-Frauentyp entwickelte sich (Porträts von A. P. Struyskaya, E. N. Zinovieva und vielen anderen).

Neben den bereits erwähnten wurden die Werke von F. S. Rokotov berühmt:

IN UND. Maikow;
Unbekannt in Rosa;
VE Novosiltseva;
P.N. Lanskoi;
Surowzewa;
KI und I.I. Woronzow;
Katharina II.

D. G. Levitsky

D. G. Levitsky Selbstporträt

Es wurde gesagt, dass die Porträts von D. G. Levitsky das ganze Jahrhundert von Catherine widerspiegelten. Wen auch immer Levitsky porträtierte, er handelte als subtiler Psychologe und vermittelte sicherlich Aufrichtigkeit, Offenheit, Traurigkeit sowie nationale Besonderheiten von Leuten.

Seine herausragendsten Werke: ein Porträt von A.F. Kokorinov, eine Reihe von Porträts "Smolyanka", Porträts von Dyakova und Markerovsky, ein Porträt von Agashi. Viele von Levitskys Werken gelten als Mittelding zwischen zeremoniellen und Kammerporträts.

DG Levitsky "Porträt von A.F. Kokorinov"

Levitsky kombinierte in seiner Arbeit die Genauigkeit und Wahrhaftigkeit der Bilder von Antropov und der Texte von Rokotov, wodurch er zu einem der bedeutendsten Meister des 18. Jahrhunderts wurde. . Seine bekanntesten Werke sind:

E. I. Nelidova
M. A. Lemberg
N. I. Novikova
A. V. Krapovitsky
die Mitrofanovs
Bakunina

V.L.Borovikovsky - Meister des sentimentalen Porträts

Porträt von V. L. Borovikovsky, Kunst. Bugaevsky-blagodatny

Die Persönlichkeit des heimischen Meisters dieses Genres V.B. Borovikovsky ist mit der Schöpfung verbunden sentimentales Porträt. Seine Miniaturen und Ölporträts zeigten Menschen mit ihren Erfahrungen, Emotionen und vermittelten die Einzigartigkeit ihrer inneren Welt (Porträt von M. I. Lopukhina). Frauenbilder hatte eine bestimmte Zusammensetzung: Eine Frau wurde hüfttief vor einem natürlichen Hintergrund dargestellt, sie lehnte sich an etwas und hielt Blumen oder Früchte in ihren Händen.

V.L.Borovikovsky "Porträt von Paul I. in der Tracht des Malteserordens"

Im Laufe der Zeit werden die Bilder des Künstlers typisch für die gesamte Epoche (Porträt von General F. A. Borovsky), weshalb der Künstler auch als Historiograph seiner Zeit bezeichnet wird. Der peruanische Künstler besitzt Porträts:

V.A. Schukowski;
„Lizanka und Daschenka“;
GR. Derzhavin;
Paul I.;
AB Kurakina;
"Bartlos mit Töchtern."

Für die Entwicklung des Russischen Gemälde XVIII Jahrhundert geworden Wendepunkt. Das Porträt wird zum führenden Genre . Künstler übernehmen Maltechniken und Grundtechniken von ihren europäischen Kollegen. Aber im Mittelpunkt steht ein Mensch mit seinen eigenen Erfahrungen und Gefühlen.

Russische Porträtmaler versuchten nicht nur die Ähnlichkeit zu vermitteln, sondern auch die Beseeltheit und innere Welt ihrer Modelle auf ihren Leinwänden wiederzugeben. Wenn Antropov und Argunov sich bemühten, Konventionen zu überwinden, um eine Person wahrheitsgemäß darzustellen, gingen Rokotov, Levitsky und Borovikovsky noch weiter. Spirituelle Persönlichkeiten blicken von ihren Leinwänden, deren Stimmung von den Künstlern eingefangen und transportiert wurde. Sie alle strebten nach dem Ideal, sie sangen Schönheit in ihren Werken, aber körperliche Schönheit war nur ein Spiegelbild der dem russischen Volk innewohnenden Menschlichkeit und Spiritualität.

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Einführung

I. Russische Porträtmaler der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts

1.3 Alexej Gawrilowitsch Wenezianow (1780-1847)

II. Verband der Wanderkunstausstellungen

Kapitel IV. Kunst Porträtgemälde

Abschluss

Der Zweck dieser Arbeit ist es, über die Bedeutung des Porträts als eine der Hauptgattungen der Kunst, über seine Rolle in der Kultur und Kunst dieser Zeit zu erzählen, die Hauptwerke der Künstler kennenzulernen und etwas über das russische Porträt zu lernen Maler des 19. Jahrhunderts, über ihr Leben und Werk.

In dieser Arbeit betrachten wir die Porträtkunst im 19. Jahrhundert:

Die größten Meister der russischen Kunst des 19. Jahrhunderts

Verband der Wanderkunstausstellungen.

Was ist ein Porträt?

Die Entstehungsgeschichte des Porträts.

Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts - die Zeit der Hinzufügung des Genresystems in der russischen Malerei. In der Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. die realistische Richtung setzte sich durch. Die Natur des russischen Realismus wurde von jungen Malern bestimmt, die 1863 die Akademie der Künste verließen und gegen den klassischen Stil und die historischen und mythologischen Themen rebellierten, die in die Akademie eingepflanzt worden waren. Diese Künstler organisierten sich 1870

Partnerschaft Wanderausstellungen, deren Aufgabe es war, den Mitgliedern der Partnerschaft die Möglichkeit zu geben, ihre Arbeiten auszustellen. Dank seiner Aktivitäten wurden Kunstwerke einem breiteren Publikum zugänglich. Pawel Michailowitsch Tretjakow (1832–1898) sammelte ab 1856 Werke russischer Künstler, vor allem der Wanderer, und schenkte 1892 seine Gemäldesammlung zusammen mit der Sammlung seines Bruders S. M. Tretjakow Moskau. Im Porträtgenre schufen die Wanderers eine Galerie mit Bildern prominenter Kulturfiguren ihrer Zeit: ein Porträt von Fjodor Dostojewski (1872) von Vasily Perov (1833–1882), ein Porträt von Nikolai Nekrasov (1877–1878) von Ivan Kramskoy (1837–1887), ein Porträt von Modest Mussorgsky (1881) von Ilja Repin (1844–1930), ein Porträt von Leo Tolstoi (1884) von Nikolai Ge (1831–1894) und einige andere. In Opposition zur Akademie und ihrer künstlerischen Politik wandten sich die Wanderers den sogenannten. "niedrige" Themen; Bilder von Bauern und Arbeitern erscheinen in ihren Werken.

Das Wachstum und die Erweiterung des künstlerischen Verständnisses und Bedarfs spiegelt sich in der Entstehung vieler Kunstvereine, Schulen, einer Reihe privater Galerien (Tretjakow-Galerie) und Museen nicht nur in den Hauptstädten, sondern auch in den Provinzen in der Einführung in die Schule wider Ausbildung im Zeichnen.
All dies im Zusammenhang mit dem Erscheinen einer Reihe brillanter Werke russischer Künstler zeigt, dass die Kunst auf russischem Boden Fuß gefasst hat und national wurde. Die neue russische Nationalkunst unterschied sich stark dadurch, dass sie die Hauptströmungen der russischen Kunst klar und stark widerspiegelte. öffentliches Leben.

I. Russische Porträtmaler der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

1.1 Orest Adamowitsch Kiprensky (1782-1836)

Geboren am 13. (24.) März 1782 auf dem Landgut Nezhinskaya (in der Nähe von Koporye, jetzt im Leningrader Gebiet). Er war der natürliche Sohn des Gutsbesitzers A. S. Dyakonov, der in der Familie seines Leibeigenen Adam Schwalbe registriert war. Nach seiner Freilassung studierte er an der St. Petersburger Kunstakademie (1788–1803) bei G. I. Ugryumov u.a. Er lebte in Moskau (1809), Twer (1811), St. Rom und Neapel.

Das allererste Porträt – des Adoptivvaters von A. K. Schwalbe (1804, Russisches Museum, St. Petersburg) – zeichnet sich durch seine emotionale Farbigkeit aus. Im Laufe der Jahre verbesserte sich die Fähigkeit von Kiprensky, die sich in der Fähigkeit manifestierte, nicht nur sozio-spirituelle Typen (die in der russischen Kunst der Aufklärung vorherrschten), sondern auch einzigartige individuelle Bilder zu schaffen. Es ist natürlich üblich, die Geschichte der Romantik in der russischen bildenden Kunst mit den Gemälden von Kiprensky zu beginnen.

Der russische Künstler, ein herausragender Meister der russischen bildenden Kunst der Romantik, ist als wunderbarer Porträtmaler bekannt. Porträts von Kiprensky sind von einer besonderen Herzlichkeit, einer besonderen Einfachheit durchdrungen, sie sind erfüllt von seiner hohen und poetischen Liebe zu einem Menschen. In den Porträts von Kiprensky sind die Züge seiner Zeit immer spürbar. Diese ist jedem seiner Porträts stets eigen – und das romantische Image des jungen V.A. Schukowski und der weise E.P. Rostopchin (1809), Porträts: D.N. Khvostov (1814 Tretjakow-Galerie), der Junge Chelishchev (1809 Tretjakow-Galerie), E.V. Davydov (1809 GRM).

Ein unschätzbarer Teil von Kiprenskys Arbeit sind grafische Porträts, die hauptsächlich in Bleistift mit getönten Pastellkreiden, Wasserfarben und Buntstiften angefertigt werden. Er porträtiert General E.I. Chaplitsa (TG), P.A. Olenina (TG). In diesen Bildern haben wir Russland vor uns, die russische Intelligenz vom Vaterländischen Krieg 1812 bis zum Dezemberaufstand.

Porträts von Kiprensky erscheinen vor uns komplex, nachdenklich, wechselhaft in der Stimmung. Kiprensky entdeckte verschiedene Facetten des menschlichen Charakters und der geistigen Welt eines Menschen und nutzte in seinen frühromantischen Porträts jeweils unterschiedliche Möglichkeiten der Malerei. Seine Meisterwerke, wie eines der besten lebenslangen Porträts von Puschkin (1827 Staatliche Tretjakow-Galerie), ein Porträt von Avdulina (1822 Russisches Museum). Die Traurigkeit und Nachdenklichkeit von Kiprenskys Helden ist erhaben und lyrisch.

"Favorit der leicht beflügelten Mode,

Obwohl nicht britisch, nicht französisch,

Du hast wieder erschaffen, lieber Zauberer,

Ich, ein Haustier reiner Musen. -

Und ich lache am Grab

Für immer von den Fesseln des Todes gegangen.

Ich sehe mich wie in einem Spiegel

Aber dieser Spiegel schmeichelt mir.

Es sagt, dass ich nicht demütigen werde

Die Leidenschaften wichtiger Aoniden.

Von nun an wird mein Aussehen bekannt sein, -

Puschkin schrieb Kiprensky in Dankbarkeit für sein Porträt. Puschkin schätzte sein Porträt und dieses Porträt hing in seinem Büro.

Eine besondere Abteilung bilden Kiprenskys Selbstporträts (mit Quasten hinter dem Ohr, um 1808, Tretjakow-Galerie; und andere), die vom Pathos der Kreativität durchdrungen sind. Er besitzt auch die gefühlvollen Bilder russischer Dichter: K. N. Batyushkov (1815, Zeichnung, Museum des Instituts für russische Literatur der Russischen Akademie der Wissenschaften, St. Petersburg; V. A. Zhukovsky (1816). eine Reihe bemerkenswerter Alltagsfiguren (wie der Blinder Musiker, 1809, Russisches Museum) Kiprensky starb am 17. Oktober 1836 in Rom.

1.2 Wassili Andrejewitsch Tropinin (1776-1857)

Ein Vertreter der Romantik in der russischen bildenden Kunst, ein Meister der Porträtmalerei. Geboren im Dorf Karpovka (Provinz Nowgorod) am 19. (30.) März 1776 in der Familie der Leibeigenen Graf A. S. Minikh; später wurde er dem Grafen II. Morkov als Mitgift für die Tochter von Minich zur Verfügung gestellt. Als Junge zeigte er Zeichenfähigkeit, aber der Meister schickte ihn nach St. Petersburg, um dort Konditor zu studieren. Er besuchte den Unterricht an der Akademie der Künste, zunächst heimlich und ab 1799 - mit Erlaubnis von Morkov; Während seines Studiums lernte er O. A. Kiprensky kennen. 1804 berief der Besitzer den jungen Künstler zu sich nach Hause, und von da an lebte er abwechselnd entweder in der Ukraine, auf dem neuen Morkovo-Anwesen Kukavka, oder in Moskau, in der Position eines leibeigenen Malers, der gleichzeitig zur Ausführung verpflichtet war die Haushaltsaufgaben des Grundbesitzers. 1823 erhielt er seine Freiheit und den Titel eines Akademikers, aber nachdem er seine Karriere in St. Petersburg aufgegeben hatte, blieb er in Moskau.

Ein Künstler aus Leibeigenen, der mit seiner Arbeit in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts viel Neues in die russische Malerei brachte. Erhielt den Titel eines Akademikers und wurde der Beste berühmter Künstler Moskauer Porträtschule der 20-30er Jahre. Später wird die Farbe von Tropinins Malerei interessanter, die Volumen sind meist klarer und skulpturaler geformt, aber vor allem wächst ein rein romantisches Gefühl für die bewegenden Elemente des Lebens, Tropinin ist der Schöpfer einer besonderen Art von Porträt - a malen. Porträts, in denen Merkmale des Genres vorgestellt werden, Bilder mit einer bestimmten Handlung: "Lacemaker", "Spinner", "Gitarrist", "Golden Sewing".

Die besten Porträts von Tropinin, wie das Porträt von Arsenys Sohn (Tretjakow-Galerie 1818), Bulakhov (Tretjakow-Galerie 1823). Tropinin folgt in seiner Arbeit dem Weg der Klarheit, Balance mit einfachen Porträtkompositionen. In der Regel wird das Bild mit einem Minimum an Zubehör auf einem neutralen Hintergrund wiedergegeben. Genau so funktioniert Tropinin A.S. Puschkin (1827) - in freier Position am Tisch sitzend, gekleidet in ein Hauskleid, das das natürliche Erscheinungsbild betont.

Frühe Arbeiten Tropinina sind farblich zurückhaltend und klassisch statisch in der Komposition ( Familienportraits Morkovyh, 1813 und 1815; beide Werke befinden sich in der Tretjakow-Galerie, Moskau). In dieser Zeit schafft der Meister auch ausdrucksstarke lokale, kleinrussische Bilder vom ukrainischen Typus (1810er Jahre, Russisches Museum, St. Petersburg). Bulakow, 1823; K. G. Ravich, 1823; beide Porträts in der Tretjakow-Galerie).

Im Laufe der Jahre nimmt die Rolle der spirituellen Atmosphäre - ausgedrückt durch den Hintergrund, signifikante Details - nur zu. Das beste Beispiel ist das Selbstbildnis mit Pinsel und Palette von 1846, in dem sich der Künstler vor einem Fenster mit spektakulärem Blick auf den Kreml vorstellte. Tropinin widmet eine Reihe von Werken Künstlerkollegen, die in der Arbeit oder in der Betrachtung dargestellt werden (I. P. Vitali, ca. 1833; K. P. Bryullov, 1836; beide Porträts in der Tretjakow-Galerie; und andere). Gleichzeitig ist dem Stil von Tropinin stets eine spezifisch intime, heimelige Note innewohnend. In der beliebten Frau im Fenster (basierend auf M. Yu. Lermontovs Gedicht The Treasurer, 1841) nimmt diese entspannte Aufrichtigkeit einen erotischen Beigeschmack an. Das Spätwerk des Meisters (Knecht mit Damast, Geld zählend, 1850er Jahre, ebd.) zeugt vom Verblassen der Farbbeherrschung, nimmt aber das für die Wanderer charakteristische rege Interesse am dramatischen Alltag vorweg. Ein wichtiges Arbeitsgebiet von Tropinin sind auch seine scharfen Bleistiftskizzen. Tropinin starb am 3. (15.) Mai 1857 in Moskau.

Russischer Künstler, Vertreter der Romantik (bekannt vor allem für seine ländlichen Genres). Geboren am 7. (18.) Februar 1780 in Moskau in einer Kaufmannsfamilie. In seiner Jugend diente er als Beamter. Er studierte Kunst weitgehend alleine und kopierte die Gemälde der Eremitage. 1807–1811 nahm er Malunterricht bei VL Borovikovsky. Er gilt als Begründer der russischen gedruckten Karikaturen. Ausgebildeter Landvermesser, verlässt den Dienst wegen der Malerei. Im Porträtgenre schuf er mit Pastell, Bleistift, Öl erstaunlich poetische, lyrische, romantische Bilder, die von einer romantischen Stimmung umweht wurden - ein Porträt von V.S. Putjatina (TG). Zu seinen schönsten Arbeiten dieser Art gehört sein eigenes Porträt (Museum von Alexander III), reich und kühn gemalt, in angenehmen, dicken Grau-Gelb- und Gelb-Schwarz-Tönen, sowie ein von ihm gemaltes Porträt des alten Malers Golovochy (Kaiserliche Akademie der Künste).

Venetsianov ist ein erstklassiger Meister und ein außergewöhnlicher Mensch; worauf Russland ziemlich stolz sein sollte. Er suchte eifrig junge Talente direkt beim Volk, vor allem unter Malern, und zog sie an sich. Die Zahl seiner Schüler betrug über 60 Personen.

Zur Zeit Vaterländischer Krieg 1812 entstand eine Serie propagandistischer Satirebilder zu den Themen Volkswiderstand gegen die französischen Besatzer.

Er malte Porträts, meist kleinformatig, geprägt von subtiler lyrischer Inspiration (M.A. Venetsianova, die Frau des Künstlers, Ende der 1820er Jahre, Russisches Museum, St. Petersburg; Selbstporträt, 1811, Tretjakow-Galerie). 1819 verließ er die Hauptstadt und lebte seitdem in dem von ihm gekauften Dorf Safonkovo (Provinz Tver), inspiriert von den Motiven der umliegenden Landschaft und des ländlichen Lebens. Die besten Gemälde von Venetsianov sind auf ihre Weise klassisch und zeigen diese Natur in einem Zustand idealisierter, erleuchteter Harmonie; Andererseits überwiegt in ihnen offensichtlich ein romantisches Element, der Charme liegt nicht in Idealen, sondern in einfachen Naturgefühlen vor dem Hintergrund der heimischen Natur und des Lebens. Seine Bauernporträts (Sacharka, 1825; oder Bäuerin mit Kornblumen, 1839) erscheinen als Fragmente derselben aufgeklärten, natürlichen, klassisch-romantischen Idylle.

Neue kreative Suchen werden durch den Tod des Künstlers unterbrochen: Venetsianov starb am 4. (16.) Dezember 1847 im Twer-Dorf Poddubie an Verletzungen - er wurde aus dem Wagen geworfen, als die Pferde auf einer rutschigen Winterstraße rutschten. Das pädagogische System des Meisters, der die Liebe zur einfachen Natur pflegte (um 1824 gründete er seine eigene Kunstschule), wurde zur Grundlage einer speziellen venezianischen Schule, der charakteristischsten und originellsten aller persönlichen Schulen der russischen Kunst des 19. Jahrhunderts.

1.4 Karl Pawlowitsch Brjullow (1799-1852)

Geboren am 29. November (10. Dezember) 1798 in der Familie des Künstlers P. I. Bryullov, Bruder des Malers K. P. Bryullov. Er erhielt seine Grundschulbildung von seinem Vater, einem Meister der dekorativen Schnitzerei, und studierte dann an der Akademie der Künste (1810-1821). Im Sommer 1822 wurden er und sein Bruder auf Kosten der Society for the Encouragement of the Arts ins Ausland geschickt. Nach Besuchen in Deutschland, Frankreich, Italien, England und der Schweiz kehrte er 1830 nach St. Petersburg zurück. Seit 1831 - Professor an der Akademie der Künste. Ein Mann von bemerkenswertem Schicksal, lehrreich und eigenartig. Seit seiner Kindheit ist er umgeben von Eindrücken der russischen Realität. Nur in Rußland fühlte er sich zu Hause, er strebte nach ihr, er sehnte sich nach ihr in einem fremden Land. Bryullov arbeitete mit Inspiration, Erfolg und Begeisterung. Innerhalb von zwei oder drei Monaten erschienen in seinem Atelier solche Meisterwerke der Porträtmalerei, darunter Porträts von Semenova, Dr. Orlov, Nestor und Platon Kukolnik. In den Porträts von Bryullov, die mit gnadenloser Wahrheit und außergewöhnlich hohem Können ausgeführt wurden, kann man die Zeit sehen, in der er lebte, den Wunsch nach echtem Realismus, die Vielfalt, Natürlichkeit und Einfachheit der abgebildeten Person.

Weggehen von Geschichtsmalerei Bryullovs Interessen galten der Porträtmalerei, in der er sein ganzes kreatives Temperament und brillantes Können zeigte. Sein brillantes dekoratives Gemälde "Reiterin" (1832 Tretjakow-Galerie), das eine Schülerin der Gräfin Yu.P. Samoilova Giovanina Pachini. Porträt von Samoilova selbst mit einer anderen Schülerin - Amazilia (1839, Russisches Museum). Im Gesicht des Schriftstellers Strugovshchikov (1840 Tretjakow-Galerie) kann man die Anspannung des Innenlebens ablesen. Selbstporträt (1848 Tretjakow-Galerie) - ein traurig dünnes Gesicht mit einem durchdringenden Blick. Ein sehr lebensechtes Porträt von Prinz Golitsin, der auf einem Sessel in seinem Büro ruht.

Bryullov besitzt eine starke Vorstellungskraft, ein scharfes Auge und eine treue Hand. Er brachte lebendige Schöpfungen hervor, die mit den Kanons des Akademismus vereinbar waren.

Relativ früh abreisen praktische Arbeit, war der Meister aktiv in der Lehre an der Akademie der Künste tätig (ab 1831 - Professor). Er hinterließ auch ein reiches grafisches Erbe: zahlreiche Porträts (von E. P. Bakunina, 1830–1832; N. N. Pushkina, Ehefrau des großen Dichters; A. A. Perovsky, 1834; alle in Aquarell; etc.), Illustrationen etc. .d.; hier zeigten sich die romantischen Züge seines Talents noch unmittelbarer als in der Architektur. Er starb am 9. (21.) Januar 1887 in St. Petersburg.

Ein inspirierendes Beispiel für die Partnerschaft war das "St. Petersburg Artel of Artists", das 1863 von Teilnehmern der "Rebellion der Vierzehn" (I. N. Kramskoy, A. I. Korzukhin, K. E. Makovsky und andere) - Absolventen der Akademie der Künste - gegründet wurde , verließ es trotzig, nachdem der Rat der Akademie verboten hatte, auf einem freien Grundstück ein Konkurrenzbild zu schreiben, anstatt ein offiziell vorgeschlagenes Thema aus der skandinavischen Mythologie. Die "Artels" setzten sich für die ideologische und wirtschaftliche Freiheit des Schaffens ein und begannen, eigene Ausstellungen zu organisieren, aber um die Wende der 1860er und 1870er Jahre waren ihre Aktivitäten praktisch zum Erliegen gekommen. Ein neuer Impuls war die Berufung an den „Artel“ (1869). Mit entsprechender Genehmigung Wanderausstellungen in allen Städten des Imperiums in Form von: a) Bereitstellung der Gelegenheit für die Bewohner der Provinzen, sich mit der russischen Kunst vertraut zu machen und ihre Entwicklung zu verfolgen; b) Entwicklung der Liebe zur Kunst in der Gesellschaft; und c) Erleichterung der Vermarktung ihrer Werke für Künstler.“ So entstand zum ersten Mal in der bildenden Kunst Russlands (mit Ausnahme von Artel) eine mächtige Künstlergruppe, nicht nur ein befreundeter Kreis oder eine Privatschule, sondern eine große Gemeinschaft von Gleichgesinnten, die (trotz der Diktat der Akademie der Künste), um den Entwicklungsprozess der künstlerischen Kultur im ganzen Land nicht nur auszudrücken, sondern auch unabhängig zu bestimmen.

Die theoretische Quelle der kreativen Ideen der "Wanderers" (ausgedrückt in ihrer Korrespondenz sowie in der damaligen Kritik - vor allem in den Texten von Kramskoy und den Reden von V. V. Stasov) war die Ästhetik der philosophischen Romantik. Neue Kunst, befreit von den Kanons akademischer Klassiker. In der Tat, um den Lauf der Geschichte selbst zu öffnen und damit die Zukunft in ihren Bildern effektiv vorzubereiten. Als solcher künstlerischer und historischer „Spiegel“ trat bei den „Wanderern“ überhaupt die Moderne auf: Den zentralen Platz der Ausstellungen nahmen Genre- und Alltagsmotive ein, Russland in seinem vielseitigen Alltag. Der Genreanfang gab den Ton für Porträts, Landschaften und sogar Bilder der Vergangenheit an, die so nah wie möglich an den spirituellen Bedürfnissen der Gesellschaft waren. In der späteren Tradition, auch in der sowjetischen, die den Begriff des "peredwischniki-Realismus" tendenziös verzerrte, wurde die Sache auf gesellschaftskritische, revolutionär-demokratische Themen reduziert, von denen es wirklich etliche gab. Wichtiger ist die beispiellose analytische und sogar visionäre Rolle, die hier nicht so sehr den notorischen gesellschaftlichen Fragen zukommt, sondern der Kunst als solcher, die sich ihr eigenes souveränes Urteil über die Gesellschaft bildet und sich damit in ihr ideelles Selbst spaltet -genügend künstlerischer Bereich. Diese über die Jahre gewachsene ästhetische Souveränität wurde zur unmittelbaren Schwelle der russischen Symbolik und Moderne.

Auf regelmäßigen Ausstellungen (insgesamt 48), die zuerst in St. Petersburg und Moskau und dann in vielen anderen Städten des Reiches, von Warschau bis Kasan und von Nowgorod bis Astrachan, gezeigt wurden, konnte man im Laufe der Jahre mehr und mehr sehen weitere Beispiele nicht nur romantisch-realistischen, sondern auch modernistischen Stils. Die schwierigen Beziehungen zur Akademie endeten schließlich in einem Kompromiss, da Ende des 19. Jahrhunderts. (nach dem Wunsch von Alexander III., „die Spaltung zwischen Künstlern zu beenden“), wurde ein bedeutender Teil der maßgeblichsten Wanderer in die akademische Fakultät aufgenommen. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts in der Partnerschaft verschärften sich die Reibereien zwischen Innovatoren und Traditionalisten, die Wanderer repräsentierten nicht mehr, wie sie selbst früher dachten, alles künstlerisch Fortschrittliche in Russland. Die Gesellschaft verlor rapide an Einfluss. 1909 hörten seine Provinzausstellungen auf. Der letzte bedeutende Aktivitätsschub fand 1922 statt, als die Gesellschaft eine neue Erklärung verabschiedete, in der sie ihren Wunsch zum Ausdruck brachte, das Leben zu reflektieren modernen Russland.

Kapitel III. Russische Porträtmaler der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts

3.1 Nikolai Nikolajewitsch Ge (1831-1894)

Russischer Künstler. Geboren am 15. (27.) Februar 1831 in Woronesch in der Familie eines Gutsbesitzers. Er studierte an den mathematischen Fakultäten der Universitäten Kiew und St. Petersburg (1847-1850) und trat dann in die Akademie der Künste ein, die er 1857 abschloss. Er wurde stark von K. P. Bryullov und A. A. Ivanov beeinflusst. Lebte in Rom und Florenz (1857-1869), in St. Petersburg und seit 1876 auf der Ivanovsky-Farm in der Provinz Tschernihiw. Er war einer der Gründer der Association of the Wanderers (1870). Er hat viele Porträts gemalt. Bereits während seines Studiums an der Akademie der Künste begann er mit der Arbeit an Porträts. Für viele Jahre Kreativität malte er viele seiner Zeitgenossen. Im Grunde waren dies fortgeschrittene Kulturfiguren. MICH. Saltykow - Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoi und andere. Ge besitzt eines der besten Porträts von A.I. Herzen (1867, Staatliche Tretjakow-Galerie) - das Bild eines russischen Revolutionärs, eines feurigen Kämpfers gegen Autokratie und Leibeigenschaft. Doch die Idee des Malers beschränkt sich nicht auf die Übertragung äußerlicher Ähnlichkeit. Herzens Gesicht, wie aus der Dämmerung gerissen, spiegelte seine Gedanken wider, die unbeugsame Entschlossenheit eines Kämpfers für soziale Gerechtigkeit. Ge hat in diesem Porträt eine spirituelle historische Persönlichkeit eingefangen, die die Erfahrung ihres ganzen Lebens voller Kampf und Angst verkörperte.

Seine Werke unterscheiden sich von den Werken Kramskojs in ihrer Emotionalität und Dramatik. Porträt des Historikers N.I. Kostomarov (1870, Staatliche Tretjakow-Galerie) ist ungewöhnlich schön, temperamentvoll, frisch und frei geschrieben. Das Selbstporträt entstand kurz vor seinem Tod (1892-1893, KMRI), das Gesicht des Meisters leuchtet mit schöpferischer Inspiration. Das Porträt von N. I. Petrunkevich (1893) wurde vom Künstler am Ende seines Lebens gemalt. Das Mädchen ist fast in vollem Wachstum am offenen Fenster dargestellt. Sie ist ins Lesen versunken. Ihr Gesicht im Profil, die Neigung des Kopfes, die Körperhaltung drücken einen Gedankenzustand aus. Wie nie zuvor schenkte Ge dem Hintergrund große Aufmerksamkeit. Die Farbharmonie zeugt von den unverbrauchten Kräften des Künstlers.

Ab den 1880er Jahren wurde Ge ein enger Freund und Anhänger von Leo Tolstoi. Um den menschlichen Gehalt der Evangeliumspredigt zu betonen, geht Ge zu einer immer freieren Schreibweise über, schärft Farbe und Lichtkontraste bis ans Limit. Der Meister malte wunderbare Porträts voller innerer Spiritualität, darunter ein Porträt von Leo Tolstoi an seinem Schreibtisch (1884). Auf dem Bild von N. I. Petrunkevich vor dem Hintergrund eines zum Garten offenen Fensters (1893; beide Porträts in der Tretjakow-Galerie). Ge starb am 1. (13.) Juni 1894 auf der Ivanovsky-Farm (Provinz Tschernigow).

3.2 Wassili Grigorjewitsch Perow (1834-1882)

Geboren in Tobolsk am 21. oder 23. Dezember 1833 (2. oder 4. Januar 1834). Er war der uneheliche Sohn eines örtlichen Staatsanwalts, Baron G. K. Kridener, aber der Nachname "Perov" wurde dem zukünftigen Künstler in Form eines Spitznamens von seinem Alphabetisierungslehrer, einem Provinzdiakon, gegeben. Er studierte an der Arzamas School of Painting (1846-1849) und der Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (1853-1861), wo einer seiner Mentoren S. K. Saryanko war. Er wurde besonders von P. A. Fedotov, dem Meister der satirischen Zeitschriftengrafik, und von ausländischen Meistern - von W. Hogarth und Genremalern der Düsseldorfer Schule - beeinflusst. Lebte in Moskau. Er war eines der Gründungsmitglieder der Association of the Wanderers (1870).

Die besten Porträtarbeiten des Meisters gehören zur Wende der 60er-70er Jahre: F.M. Dostojewski (1872, Tretjakow-Galerie) A.N. Ostrovsky (1871, Tretjakow-Galerie), I.S. Turgenjew (1872, Russisches Museum). Dostojewski ist besonders ausdrucksstark, völlig in schmerzliche Gedanken versunken, die Hände nervös auf dem Knie verschränkt, ein Bild höchsten Intellekts und Spiritualität. Aufrichtige Genreromantik verwandelt sich in Symbolik, die von einem traurigen Gefühl der Zerbrechlichkeit durchdrungen ist. Porträts des Meisters (V. I. Dal, A. N. Maikov, M. P. Pogodin, alle Porträts - 1872), die eine für die russische Malerei beispiellose spirituelle Spannung erreichen. Kein Wunder, dass das Porträt von F. M. Dostojewski (1872) zu Recht als das beste in der Ikonographie des großen Schriftstellers gilt.

In den letzten Jahrzehnten seines Lebens entdeckt der Künstler ein herausragendes Talent als Essayist (Geschichten Tante Marya, 1875; Unter dem Kreuz, 1881; und andere; letzte Ausgabe - Geschichten des Künstlers, M., 1960). In den Jahren 1871-1882 lehrte Perov an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, wo unter seinen Schülern N. A. Kasatkin, S. A. Korovin, M. V. Nesterov, A. P. Ryabushkin waren. Perov starb am 29. Mai (10. Juni) 1882 im Dorf Kuzminki (damals - in der Nähe von Moskau).

3.3 Nikolai Alexandrowitsch Jaroschenko (1846-1898)

Geboren in Poltawa am 1. (13.) Dezember 1846 in einer Militärfamilie. Er absolvierte die Mikhailovsky Artillery Academy in St. Petersburg (1870), diente im Arsenal und ging 1892 im Rang eines Generalmajors in den Ruhestand. Er studierte Malerei an der Zeichenschule der Gesellschaft zur Förderung der Künste bei I. N. Kramskoy und an der Akademie der Künste (1867–1874). Er reiste viel - in die Länder Westeuropas, des Nahen und Mittleren Ostens, des Urals, der Wolga, des Kaukasus und der Krim. Er war Mitglied (seit 1876) und einer der Führer der Association of the Wanderers. Er lebte hauptsächlich in St. Petersburg und Kislowodsk.

Seine Werke können als Porträt bezeichnet werden - wie "Stoker" und "Prisoner" (1878, Staatliche Tretjakow-Galerie). "Heizer" - das erste Bild eines Arbeiters in der russischen Malerei. "Gefangener" - ein relevantes Bild in den Jahren der stürmischen populistischen revolutionären Bewegung. „Cursist“ (1880, Russisches Museum) ein junges Mädchen mit Büchern geht auf dem nassen Bürgersteig von St. Petersburg spazieren. In diesem Bild fand die ganze Ära des Kampfes der Frauen um die Unabhängigkeit des geistigen Lebens ihren Ausdruck.

Jaroshenko war ein hochgebildeter Militäringenieur mit starkem Charakter. Der Wanderer-Künstler diente mit seiner Kunst revolutionären demokratischen Idealen. Meister des sozialen Genres und Porträts im Geiste der Wanderers. Er hat sich mit ausdrucksstarken Bildkompositionen einen Namen gemacht, die Sympathie für die Welt der gesellschaftlich Ausgestoßenen appellieren. Eine besondere Art von besorgtem, „gewissenhaftem“ Ausdruck verleiht den besten Porträts von Jaroschenko Leben (P.A. Strepetova, 1884, ebd.; G.I. Uspensky, 1884, Art Gallery, Jekaterinburg; N.N. Ge, 1890, Russisches Museum, St. Petersburg). Jaroschenko starb am 25. Juni (7. Juli) 1898 in Kislowodsk.

3.4 Iwan Nikolajewitsch Kramskoi (1837-1887)

Geboren in der Provinz Woronesch in der Familie eines kleinen Beamten. Von Kindheit an liebte er Kunst und Literatur. Nach dem Abitur an der Bezirksschule im Jahr 1850 diente er als Schreiber, dann als Retuscheur für einen Fotografen. 1857 landete er in St. Petersburg und arbeitete in einem Fotoatelier. Im Herbst desselben Jahres trat er in die Akademie der Künste ein.

Kramskoys künstlerische Art ist durch eine gewisse Protokolltrockenheit, Monotonie der Kompositionsformen und Schemata gekennzeichnet, da das Porträt die Merkmale der Arbeit als Retuscheur in seiner Jugend zeigt. Das Porträt von A.G. Litovchenko (1878, Staatliche Tretjakow-Galerie) mit malerischem Reichtum und Schönheit von Braun- und Olivtönen. Es wurden auch Sammelwerke von Bauern geschaffen: "Woodsman" (1874, Staatliche Tretjakow-Galerie), "Mina Moiseev" (1882, Russisches Museum), "Bauer mit Zaumzeug" (1883, KMRI). Immer wieder wandte sich Kramskoy dieser Form der Malerei zu, in der sich zwei Genres berührten - Porträt und Alltag. Zum Beispiel Werke der 80er Jahre: "Unbekannt" (1883, Staatliche Tretjakow-Galerie), "Untröstliche Trauer" (1884, Staatliche Tretjakow-Galerie). Einer der Höhepunkte von Kramskoys Werk ist das Porträt von Nekrasov, Selbstporträt (1867, Staatliche Tretjakow-Galerie) und das Porträt des Agronomen Vyunnikov (1868, Museum der BSSR).

3.5 Ilja Jefimowitsch Repin (1844-1930)

Repin ist einer der besten Porträtmaler seiner Zeit. Eine ganze Bildergalerie seiner Zeitgenossen wurde von ihm geschaffen. Mit welcher Geschicklichkeit und Kraft sie auf seinen Leinwänden festgehalten werden. In Repins Porträts ist alles bis ins letzte Detail durchdacht, jedes Merkmal ist ausdrucksstark. Repin besaß die größte Fähigkeit des Künstlers, das Wesen der psychologischen Merkmale zu durchdringen, und setzte die Traditionen von Perov, Kramskoy und Ge fort. Er hinterließ Bilder berühmter Schriftsteller, Komponisten und Schauspieler, die die russische Kultur verherrlichten. In jedem Einzelfall fand er unterschiedliche kompositorische und koloristische Lösungen, mit denen er das Bild der abgebildeten Person am ausdrucksstärksten enthüllen konnte. Wie scharf der Chirurg Pirogov blinzelt. Die traurig schönen Augen der Künstlerin Strepetova (1882, Staatliche Tretjakow-Galerie) huschen umher, und das scharfe, intelligente Gesicht des Künstlers Myasoedov, des nachdenklichen Tretjakow, ist gemalt. Mit gnadenloser Wahrheit schrieb er "Protodeacon" (Kirchenprediger 1877, Russisches Museum). Patient M.P. wurde mit Wärme geschrieben. Mussorgsky (1881, Tretjakow-Galerie), wenige Tage vor dem Tod des Komponisten. Die Porträts des jungen Gorki, des weisen Stasov (1883, Russisches Museum) und anderer sind eindringlich ausgeführt.„Herbststrauß“ (1892, Staatliche Tretjakow-Galerie) ist ein Porträt von Veras Tochter, wie sonnig das Gesicht der Tochter des Künstlers darin leuchtet der warme Farbton eines Strohhutes. Mit großer Liebe vermittelte Repin ein attraktives Gesicht mit seiner Jugend, Fröhlichkeit und Gesundheit. Die weiten Felder, noch blühend, aber berührt vom Gelb des Grases, grünen Bäumen und der Transparenz der Luft, bringen eine belebende Stimmung in die Arbeit.

Das Porträt war nicht nur das führende Genre, sondern auch die Grundlage von Repins Werk im Allgemeinen. Bei der Arbeit an großen Leinwänden wandte er sich systematisch Porträtstudien zu, um das Aussehen und die Eigenschaften der Figuren zu verdeutlichen. Dies ist das Porträt des Buckligen, das mit dem Gemälde „Die Prozession im Gouvernement Kursk“ (1880-1883, Staatliche Tretjakow-Galerie) verbunden ist. Vom Buckligen aus betonte Repin beharrlich das Prosaische, Schmutzige der Kleidung des Buckligen und seiner gesamten Erscheinung, die Gewöhnlichkeit der Figur mehr als ihre Tragik und Einsamkeit.

Repins Porträts sind überraschend lyrisch attraktiv. Er schafft scharf charakteristische Volksfiguren, zahlreiche perfekte Bilder von Kulturfiguren, anmutige weltliche Porträts (Baroness V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Besonders farbenfroh und aufrichtig sind die Bilder der Verwandten des Künstlers: eine Reihe von Gemälden mit Repins Frau N. I. Nordman-Severova. Virtuos sind auch seine rein grafischen Porträts, ausgeführt mit Bleistift oder Kohle (E.Duse, 1891; Prinzessin M.K.Tenisheva, 1898; V.A.Serov, 1901). Repin erwies sich auch als hervorragender Lehrer: Er war Professor-Leiter der Werkstatt (1894-1907) und Rektor (1898-1899) der Akademie der Künste, gleichzeitig unterrichtete er an der Schulwerkstatt von Tenisheva.

3.6 Walentin Alexandrowitsch Serow (1865-1911)

Geboren in St. Petersburg in der Familie des Komponisten A.N. Serow. Seit seiner Kindheit hat V.A. Serov war von Kunst umgeben. Repin war der Lehrer. Serov arbeitete von früher Kindheit an mit Repin zusammen und entdeckte sehr bald sein Talent und seine Unabhängigkeit. Repin schickt ihn an die Academy of Arts zu P.P. Tschistjakow. Der junge Künstler gewann Respekt und sein Talent erregte Bewunderung. Serov schrieb „Das Mädchen mit den Pfirsichen“. Serows erstes großes Werk. Trotz der geringen Größe wirkt das Bild sehr schlicht. Es ist in Rosa- und Goldtönen geschrieben. Für dieses Gemälde erhielt er eine Auszeichnung der Moskauer Gesellschaft der Kunstliebhaber. Im folgenden Jahr malte Serov ein Porträt seiner Schwester Maria Simonovich und nannte es später „Das von der Sonne erleuchtete Mädchen“ (1888). Das Mädchen sitzt im Schatten, und die Lichtung im Hintergrund wird von den Strahlen der Morgensonne beleuchtet.

Serov wurde ein modischer Porträtmaler. Berühmte Schriftsteller, Aristokraten, Künstler, Künstler, Unternehmer und sogar Könige posierten vor ihm. Im Erwachsenenalter schrieb Serov weiterhin Verwandte, Freunde: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serov führte die Befehle der Gekrönten aus - Alexander III. Und Nikolaus II. Der Kaiser ist in einer einfachen Jacke des Preobraschenski-Regiments dargestellt; Dieses Gemälde (1917 zerstört, aber in der Replik des Autors aus demselben Jahr erhalten; Tretjakow-Galerie) wird oft als das beste Porträt des letzten Romanow angesehen. Der Meister malte sowohl betitelte Beamte als auch Kaufleute. Serov arbeitete an jedem Porträt bis zur Erschöpfung, mit voller Hingabe, als ob die begonnene Arbeit seine letzte wäre, wobei er den Unterschied zwischen einer Studie und einem Gemälde minimierte oder sogar beseitigte. Die Schwarz-Weiß-Zeichnung war auch eine gleichwertige Form der Kreativität (der Selbstwert des letzteren wurde in seinem Werk ab 1895 verankert, als Serov einen Zyklus von Tierskizzen aufführte und an der Illustration der Fabeln von I. A. Krylov arbeitete).

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Serov wird vielleicht der erste Porträtmaler in Russland, wenn jemand in dieser Hinsicht unterlegen ist, dann nur ein Repin. Am besten gelingen ihm anscheinend intime lyrische Bilder, weiblich und kindlich (N. Ya. Derviz mit einem Kind, 1888–1889; Mika Morozov, 1901; beide Porträts stammen aus der Tretjakow-Galerie) oder Bilder kreativer Menschen (A . Mazini, 1890; K. A. Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; N. A. Leskov, 1894; alle - an derselben Stelle), wo der farbenfrohe Eindruck, der freie Strich den Geisteszustand des Modells widerspiegeln. Aber noch offiziellere, säkularere Porträts verbinden auf organische Weise subtile Kunstfertigkeit mit der nicht weniger subtilen Gabe eines Künstlerpsychologen. Unter den Meisterwerken des "weltlichen" Serov - Graf F. F. Sumarokov-Elston (später - Prinz Yusupov), 1903, Russisches Museum; G. L. Girshman, 1907; V. O. Girshman, 1911; I. A. Morosow, 1910; Prinzessin OK Orlova, 1911; alles ist da).

In den Porträts des Meisters in diesen Jahren dominiert der Jugendstil mit seinem Kult einer starken und flexiblen Linie, einer monumentalen eingängigen Geste und Pose (M. Gorki, 1904, A. M. Gorki Museum, Moskau; M. N. Ermolova, 1905; F.I. .Chaliapin , Kohle, Kreide, 1905; beide Porträts befinden sich in der Tretjakow-Galerie; Ida Rubinstein, Tempera, Kohle, 1910, Russisches Museum). Serov hinterließ eine dankbare Erinnerung an sich selbst als Lehrer (1897–1909 unterrichtete er an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, wo unter seinen Schülern K. F. Yuon, N. N. Sapunov, P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K. S. Petrov - Wodkin). Serov starb am 22. November (5. Dezember) 1911 in Moskau.

Kapitel. Die Kunst der Porträtmalerei

Das Porträt ist eine bedeutende und wichtige Gattung in der Kunst. Schon das Wort „Portrait“ geht auf das altfranzösische Wort „pourtrait“ zurück, was bedeutet: das Bild des Teufels im Teufel; es geht auch auf das lateinische Verb „protrahere“ zurück – also „herausziehen“, „entdecken“; später - "darstellen", "Porträt". Im Russischen entspricht das Wort "Porträt" dem Wort "wie".

In der bildenden Kunst, zu der dieser Begriff ursprünglich gehört, bezeichnet ein Portrait die Abbildung einer bestimmten Person oder Personengruppe, in der das individuelle Erscheinungsbild einer Person wiedergegeben, wiedergegeben wird, ihre innere Welt, die Essenz ihres Charakters sind enthüllt.

Das Bild einer Person ist das Hauptthema der Malerei. Sein Studium beginnt mit Skizzen des Kopfes. Alle formalen Bilder sind der Bilderzeugung, der Übertragung des psychischen Zustands einer Person, untergeordnet. In der Malerei sollte das Abbild eines menschlichen Kopfes aus der Natur unserer gewohnten dreidimensionalen Sicht und Vorstellung von der Welt um uns herum entsprechen.

Die Methoden der Kopfbemalung in der russischen akademischen Schule der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts setzen die Tradition fort, die Form mit Hilfe starker und heißer Schatten zu formen. Wir können die akademischen Methoden anhand der Arbeiten von O. Kiprensky, K. Bryullov und A. Ivanov beurteilen. Es ist unmöglich, wissenschaftliche Methoden für alle Künstler gleich zu halten, aber was den Studenten der Akademie gemeinsam ist, ist die Disziplin der Form.

Ein Porträt kann als durchaus befriedigend angesehen werden, wenn die intimen und persönlichen Züge der abgebildeten Person wiedergegeben werden, wenn das Original mit allen Zügen seines Aussehens und inneren individuellen Charakters, in seiner vertrautesten Pose, mit seinem charakteristischsten Ausdruck, exakt wiedergegeben wird . Diesem Anspruch gerecht zu werden, gehört zum Aufgabenbereich der Kunst und kann zu höchst künstlerischen Ergebnissen führen, wenn sie von begnadeten Meistern ausgeführt werden, die ihren persönlichen Geschmack und Sinn für die Natur in die Wiedergabe der Wirklichkeit einbringen.

Malerei ist in erster Linie ein Bild von Form, Volumen. Daher wird die Form oft in einer Farbe exakt mit allen Details vorgearbeitet. Dann wurden die Lichter kalt, dick und strukturiert gestrichen; Schatten heiß, transparent, mit Lacken, Ölen, Harzen. All dies gilt für die Ölmalerei. Aquarelle dieser Zeit waren nur getönte Zeichnungen, und Tempera wurde für Kirchenmalereien verwendet, weit entfernt von Werken aus der Natur.

Sehr wichtig in der akademischen malerei hatte eine werkfolge, ein system. Trockenes und nasses Glasieren gaben dem Kopf seine endgültige Form, Farbe und Ausdruck. Aber wahrscheinlich einige Köpfe von K.P. Bryullov malte sofort, während er eine strenge Modellierung, kalte Lichter und heiße Schatten beibehielt. Die gleichen heißen Schatten liegen auf den Porträts von I. N. Kramskoy. Ihre Rötung wird durch das meist diffuse Museumslicht abgemildert. Fällt aber ein Sonnenstrahl auf das Portrait, staunt man über die bedingte Helligkeit der roten Schatten.

Die Impressionisten widmeten der Bedeutung von warmem und kaltem Licht bei der Gestaltung eines lebendigen Kopfes die größte Aufmerksamkeit. Entweder sind die Lichter kalt und die Schatten warm oder umgekehrt. In jedem Modell werden die Situationsbedingungen basierend auf dem Teint und der Kleidung des allgemeinen Erscheinungsbilds ausgewählt. Um eine interessante Beleuchtung zu schaffen, werden Bildschirme verwendet - Pappe, Leinwand, Papier. Der Bildschirm kann einen Teil des Hintergrunds oder der Kleidung abdunkeln, wodurch das Gesicht besser zur Geltung kommt.

Aufbewahrung der vorbereitenden Skizze von M. A. Vrubel für das Porträt von N. I. Zabela - Vrubel, wo die Grenzen aller Farbänderungen mit Bleistift gezeichnet sind. Die Gesichtsoberfläche ist wie ein Mosaik in sehr kleine Bereiche unterteilt. Wenn Sie jeden von ihnen mit der entsprechenden Farbe füllen, ist das Porträt fertig.

Das Porträtbild spiegelt nicht nur das Model, sondern auch den Künstler selbst wider. Daher wird der Autor durch seine Werke anerkannt. Dieselbe Person sieht in den Porträts verschiedener Künstler völlig anders aus. Schließlich bringt jeder von ihnen seine Einstellung zum Modell, zur Welt, seine Gefühle und Gedanken, seine Seh- und Gefühlsweise, sein geistiges Lager, seine Weltanschauung in das Portrait ein. Der Künstler kopiert nicht nur das Modell, reproduziert nicht nur sein Aussehen – er teilt seine Eindrücke von ihr mit, vermittelt, drückt seine Vorstellung von ihr aus.

Das Genre des Porträts nahm einen großen Platz im System der akademischen Bildung ein, da die Lehrer des frühen 19. Jahrhunderts es in der Darstellung einer Person als Möglichkeit für den Künstler sahen, sich direkt mit der Natur auseinanderzusetzen.

Mit der Entwicklung und Etablierung demokratischer Tendenzen in der russischen Kunst im Prozess der Lösung gemeinsamer kreativer Probleme kommt es zu einer Konvergenz der Suche in verschiedenen Genres, insbesondere in der Porträtmalerei.

Die Arbeit an einem Porträt bringt den Künstler in engen Kontakt mit Vertretern verschiedener Gesellschaftsschichten. moderne Gesellschaft, und Arbeiten aus der Natur erweitern und vertiefen das Verständnis der Psychologie der im Bild verkörperten Bilder erheblich. Porträtmalerei wird mit typischen angereichert Volksbilder. Die psychologischen Eigenschaften des Porträtierten, sein moralisches, soziales Verständnis werden vertieft. Im Porträt ist nicht nur eine für die Wanderer charakteristische kritische Lebenseinstellung, sondern auch die Suche nach einem positiven Image, das sich am stärksten in den Bildern von Vertretern der Intelligenz manifestiert, spürbar.

Russische Kunst hat eine reiche Tradition der realistischen Porträtmalerei, die bis ins 18. Jahrhundert zurückreicht und ein bedeutendes Erbe hinterlassen hat. Sie entwickelten sich in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts fruchtbar. In diesen Epochen war es das Porträt, relativ frei von der Macht der Kanons, in der realistischen Vollständigkeit seiner Bilder, das sowohl der Handlung vorausging - der historischen als auch der alltäglichen Malerei, die nur die ersten Schritte in der russischen Kunst unternahm.

Die besten Porträtmaler des 18. Jahrhunderts und der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts vermitteln uns die typischen Züge ihrer Zeitgenossen. Doch die Aufgaben der Typisierung bei gleichzeitiger Bewahrung des Individuellen im Menschenbild gerieten bei diesen Porträts in Konflikt mit dem dominierenden klassischen Begriff, in dem das Typische als vom Individuellen abstrahiert verstanden wurde. Im Porträt des Wanderers begegnen wir jedoch einem umgekehrten Verständnis des Typischen: Je tiefer das Eindringen in die Individualität eines Menschen, je konkreter und heller sein Bild nachgebildet wird, desto deutlicher werden die Gemeinsamkeiten, die sich unter dem Einfluss entwickelt haben bestimmte Lebensumstände tauchen in seinem Porträt auf.

Referenzliste

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Die russische Kunstkultur, deren Ursprünge mit dem Klassizismus begannen, erhielt einen kraftvollen Volksklang, als sich der hohe Klassizismus, der sich in der Malerei des 19. Jahrhunderts widerspiegelte, in der russischen bildenden Kunst allmählich von der Romantik zum Realismus bewegte. Die damaligen Zeitgenossen schätzten besonders die Richtung russischer Künstler, in der das historische Genre mit einer Betonung nationaler Themen vorherrschte.

Gleichzeitig gab es jedoch keine besonderen Veränderungen in der Kunst der historischen Richtung im Vergleich zu den Meistern der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts und seit Beginn der Geschichte der russischen Porträtmalerei. Oft widmen sich viele Meister in ihren Werken wahren Helden alte Rus' deren Heldentaten das Schreiben inspirierten historische Gemälde. Russische Maler dieser Zeit billigten ihr eigenes Prinzip der Beschreibung eines Porträts, Gemälde, die ihre eigenen Richtungen bei der Darstellung einer Person, der Natur, entwickelt hatten, was auf ein völlig unabhängiges figuratives Konzept hinweist.

Russische Künstler spiegelten in ihren Gemälden verschiedene Ideale des nationalen Aufschwungs wider und gaben nach und nach die strengen Prinzipien des Klassizismus auf, die von akademischen Prinzipien auferlegt wurden. Das 19. Jahrhundert war geprägt von der Blütezeit der russischen Malerei, in der die Maler Russlands die Geschichte der russischen bildenden Kunst für die Nachwelt unauslöschlich geprägt haben, durchdrungen vom Geist einer umfassenden Reflexion des Volkslebens.

Die größten Forscher der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts insgesamt bemerken eine herausragende Rolle in der Blütezeit des Werks der großen russischen Meister und der bildenden Kunst. Einzigartige Werke einheimischer Meister haben die russische Kultur schon immer bereichert.

Berühmte Künstler des 19. Jahrhunderts

(1782-1836) Hervorragend und subtil gemalte Porträts von Kiprensky brachten ihm Ruhm und wahre Anerkennung unter seinen Zeitgenossen. Seine Werke Selbstporträt, A. R. Tomilova, I. V. Kusova, A. I. Korsakov 1808 Porträt eines Jungen Chelishchev, Golitsina A. M. 1809 Porträt von Denis Davydov, 1819 Mädchen mit einem Kranz aus Mohnblumen, das erfolgreichste Porträt von 1827 von A. S. Puschkin und anderen Porträts spiegeln die Schönheit der Aufregung, die raffinierte innere Welt der Bilder und den Gemütszustand wider. Zeitgenossen verglichen seine Arbeit mit den Genres der Lyrik, der poetischen Hingabe an Freunde. (1791-1830) Meister der russischen Landschaftsromantik und lyrischen Naturauffassung. In mehr als vierzig seiner Gemälde stellte Shchedrin Ansichten von Sorento dar. Darunter befinden sich Gemälde des Stadtteils Sorrento. Abend, Neues Rom"Schloss des Heiligen Engels", der Mergellina-Damm in Neapel, der Grand Harbour auf der Insel Capri usw.

Sich völlig der Romantik der Landschaft und der natürlichen Umgebung der Wahrnehmung hingebend, füllt Shchedrin sozusagen mit seinen Gemälden das gesunkene Interesse seiner damaligen Stammesgenossen an der Landschaft wieder auf. Shchedrin kannte den Beginn seiner Kreativität und Anerkennung.

(1776-1857) Ein bemerkenswerter russischer Porträtmaler, der von Leibeigenen stammte. Seine berühmten Gemäldewerke: Die Spitzenklöpplerin, auch Porträt von Puschkin A.S., Kupferstecher E.O. Skotnikova, Ein alter Mann - ein Bettler, gekennzeichnet durch eine helle Farbe Porträt eines Sohnes, 1826 Spinner, Goldschmied, diese Arbeiten erregten besonders die Aufmerksamkeit der Zeitgenossen. 1846 Tropinin entwickelt seinen eigenen figurativen Porträtstil, der ein spezifisches Moskauer Genre der Malerei charakterisiert. Zu dieser Zeit wurde Tropinin zur zentralen Figur der Moskauer Beau Monde.

(1780-1847) Der Begründer des bäuerlichen Alltagsgenres, Sein berühmtes Porträt des Schnitters, Gemälde > Schnitter, Mädchen mit Kopftuch, Frühling auf Ackerland, Bäuerin mit Kornblumen, Sacharka und andere. Besonders hervorzuheben ist das Gemälde Gumno, das die Aufmerksamkeit von Kaiser Alexander I. erregte, er war berührt lebendige Bilder Bauern, vom Autor wahrheitsgemäß übermittelt. Er liebte gewöhnliche Menschen Darin eine gewisse Lyrik zu finden, spiegelte sich in seinen Gemälden wider, die das schwierige Bauernleben zeigen. seine besten Arbeiten entstanden in den 20er Jahren. (1799-1852) Meister der historischen Malerei, Der letzte Tag von Pompeji in einer Flut von dem Untergang geweihten Bewohnern, die vor der Wut des Vesuvs fliehen. Das Bild hinterließ bei seinen Zeitgenossen einen überwältigenden Eindruck. Er schreibt meisterhaft weltliche Gemälde, wobei er die Reiterin und Porträts in hellen koloristischen Momenten in der Bildkomposition Gräfin Yu P. Samoilova verwendet. Seine Gemälde und Porträts setzen sich aus Licht- und Schattenkontrasten zusammen. . Unter dem Einfluss des traditionellen akademischen Klassizismus verlieh Karl Bryullov seinen Gemälden historische Authentizität, romantischen Geist und psychologische Wahrheit. (1806-1858) Großartiger Meister des historischen Genres. Etwa zwei Jahrzehnte lang arbeitete Ivanov an seinem Hauptgemälde „Die Erscheinung Christi vor den Menschen“, in dem er seinen leidenschaftlichen Wunsch betonte, das Kommen Jesu Christi auf die Erde darzustellen. An Erstphase Dies sind die Gemälde von Apollo, Hyazinthe und Zypresse 1831-1833, die Erscheinung Christi vor Maria Magdalena nach der Auferstehung von 1835. Während seines kurzen Lebens schuf Ivanov viele Werke, für jedes Gemälde malt er viele Skizzen von Landschaften, Porträts. Iwanow, ein Mann von außergewöhnlicher Intelligenz, bemühte sich immer, in seinen Werken die Elemente der Volksbewegungen zu zeigen. (1815-1852) Meister der satirischen Regie, der den Grundstein für den kritischen Realismus im Alltagsgenre legte. Der frische Kavalier 1847 und Die wählerische Braut 1847,