Skulptur, Skulptur, Plastik (von lat. sculptura, von sculpo – schneiden, schnitzen) – Ansicht bildende Kunst, deren Produkte eine volumetrische, dreidimensionale Form haben.
Skulpturen können in jedem Genre hergestellt werden. Die häufigsten Genres sind figurative (Porträt, historische, Genrekomposition, Akt, religiöse, mythologische) und tierische Genres. Die Materialien zur Herstellung von Skulpturen sind vielfältig: Metall, Stein, Ton und gebrannter Ton (Fayence, Porzellan, Terrakotta, Majolika), Gips, Holz, Knochen usw. und andere
Es gibt zwei Hauptarten von Kunststoffen: runde Skulpturen (frei im Raum platziert) und Reliefs (volumetrische Bilder befinden sich auf einer Ebene).

runde Skulptur

Der Bypass ist eine der wichtigsten Voraussetzungen für die Wahrnehmung runder Plastizität. Das Bild der Skulptur wird aus verschiedenen Blickwinkeln unterschiedlich wahrgenommen und es entstehen neue Eindrücke.
Die runde Skulptur wird in monumentale, monumental-dekorative, Staffelei- und kleine Formen unterteilt. Monumentale und monumental-dekorative Skulpturen sind eng mit der Architektur verbunden.

Staffelei-Skulptur- eine Art Skulptur mit eigenständiger Bedeutung, die für die Wahrnehmung aus nächster Nähe konzipiert ist und nicht mit Architektur und Objektumgebung in Verbindung gebracht wird. Normalerweise ist die Größe der Staffelei-Skulptur nahezu lebensgroß. Die Staffelei-Skulptur zeichnet sich durch Psychologismus aus, häufig wird eine narrative, symbolische und metaphorische Sprache verwendet. Es umfasst verschiedene Arten skulpturaler Kompositionen: Kopf, Büste, Rumpf, Figur, Gruppe. Eines der wichtigsten Genres der Staffeleiskulptur ist das Porträt, das eine einzigartige Wahrnehmungsmöglichkeit bietet – die Betrachtung der Skulptur aus verschiedenen Blickwinkeln, die große Möglichkeiten zur vielseitigen Charakterisierung der dargestellten Person bietet.

Die Staffelei-Skulptur umfasst:

	Brust-, Taillen- oder Schulterbild einer Person in einer runden Skulptur.
	Kleine skulpturale Werke zur Dekoration des Innenraums. Zu den Skulpturen kleiner Formen gehören Genrefiguren, Desktop-Porträts und Spielzeug.
	Eine Art kleine Skulptur – eine Statue in Tischgröße (Schrankgröße), viel kleiner als ihre natürliche Größe, die zur Dekoration des Innenraums dient.
	Statue- freistehend volumetrisches Bild eine menschliche Figur in großer Größe oder ein Tier oder eine fantastische Kreatur. Normalerweise wird die Statue auf einen Sockel gestellt.
	Skulptur eines menschlichen Körpers ohne Kopf, Arme und Beine. Der Torso kann ein Fragment einer antiken Skulptur oder eine eigenständige skulpturale Komposition sein.

monumentale Skulptur- Skulptur steht in direktem Zusammenhang mit der architektonischen Umgebung und zeichnet sich durch ihre Größe und Bedeutung der Ideen aus. In einer städtischen oder natürlichen Umgebung gelegen, organisiert es ein architektonisches Ensemble, fügt sich organisch in die Naturlandschaft ein, schmückt Plätze und architektonische Komplexe und schafft räumliche Kompositionen, die architektonische Strukturen umfassen können.

Zu den monumentalen Skulpturen gehören:

	Denkmal
	Monument- ein Denkmal von beträchtlicher Größe zu Ehren eines bedeutenden historischen Ereignisses, einer herausragenden Persönlichkeit des öffentlichen Lebens usw.
	monumentale Skulptur, konzipiert für die Wahrnehmung aus großer Entfernung, besteht aus langlebigen Materialien (Granit, Bronze, Kupfer, Stahl) und wird in großen Freiflächen (auf natürlichen Erhebungen, auf künstlich angelegten Böschungen) installiert.
	Statue- ein Kunstwerk, das zum Gedenken an Personen oder historische Ereignisse geschaffen wurde. Ein- und mehrfigurige Kompositionen, Büsten, Reiterdenkmäler
	Stele- eine senkrecht stehende Steinplatte mit einer Inschrift, einem Relief oder einem Bild.
	Obelisk- eine tetraedrische, sich nach oben verjüngende Säule, gekrönt von einer scharfen Spitze in Form einer Pyramide.
	Rostralsäule- eine freistehende Säule, deren Stamm mit skulpturalen Bildern des Schiffsbugs verziert ist
	Triumphbogen, Triumphtore, Triumphsäule – ein feierliches Gebäude zu Ehren militärischer Siege und anderer bedeutender Ereignisse.

Museen auf der ganzen Welt stehen jedem offen, der sich mit der Bildhauerkunst vertraut machen möchte. Figuren von Menschen und Tieren wurden in verschiedenen Jahrhunderten aus unterschiedlichen Materialien hergestellt. Zu den berühmtesten Skulpturen zählen Statuen von Göttern und antike Skulpturen. Was hat die Meister inspiriert und was sind die berühmtesten Skulpturen?

Berühmte antike Skulpturen

Am bekanntesten sind antike Skulpturen. Wir sehen ihr Bild überall, auch in Alltagsleben.

„Venus von Milo“

Vielleicht gibt es keine erkennbarere Skulptur als die Skulptur der Venus von Milo. Viele Institutionen schmücken ihre Säle mit Kopien davon. Weder das Entstehungsdatum noch der Autor selbst sind bekannt.

Wissenschaftler haben den Zeitpunkt der Entstehung nur ungefähr bestimmt. Ihnen zufolge wurde die Venus im Jahr 130 v. Chr. gemeißelt. e. Heute ist es im Louvre ausgestellt.

"David"

Der Autor der Bronze „David“ ist der Bildhauer Danatello. Sein Werk ist eine Skulptur in vollständige Höhe Stehen ohne Unterstützung. Nach der Vorstellung des Autors blickt ein lächelnder, nackter David auf den Kopf von Goliath, den er gerade abgeschlagen hatte.

Das Entstehungsdatum dieser Skulptur ist eintausendvierhundertvierzig. „David“ wird vom Florentiner Nationalmuseum demonstriert.

"Diskuswerfer"

Eine weitere der berühmtesten antiken Skulpturen ist der Discobolus. Zunächst goss der Autor eine Bronzeskulptur. Entstehungsdatum - etwa 450 Jahre vor Christus. e. Später erschienen mehrere Exemplare, allerdings bereits aus Marmor.

Die berühmtesten Statuen der Götter

Götterstatuen gibt es in fast jedem Land. Irgendwo haben sie eine Standardgröße und werden in Museen ausgestellt, irgendwo sind sie einfach riesig und ein Wahrzeichen der Stadt.

Statue von Christus dem Erlöser

Die riesige Christus-Erlöser-Statue steht in Rio de Janeiro und ist eine der wichtigsten nationalen Sehenswürdigkeiten. Jedes Jahr kommen fast zwei Millionen Menschen, um es zu sehen.

Diese Statue ist ein heiliges Symbol Brasiliens. Die Christusfigur erhebt sich siebenhundert Meter über dem Meeresspiegel. Seine Höhe beträgt achtunddreißig Meter. Die Skulptur wurde 1931 mit Spenden der Bevölkerung und der Kirche errichtet.

Maitreya-Buddha-Statue

Die größte Statue der Welt ist die Maitreya-Buddha-Statue in China. Diese rekordverdächtige Statue ist direkt in den Felsen gehauen. Seine Höhe beträgt einundsiebzig Meter.

Es ist bekannt, dass die Arbeiten daran im 713. Jahr begonnen wurden und neunzig Jahre dauerten. Zahlreiche Touristen, die nach China kommen, streben danach, die Gottesstatue zu sehen, die etwa tausend Jahre lang als die höchste der Welt galt.

Shiva-Statue

Die moderne Statue des Gottes Shiva erschien bereits im 21. Jahrhundert in Nepal. Der Bau dauerte sieben Jahre. Shiva ist mit einer Höhe von 43,5 Metern die höchste Statue des Gottes Shiva auf der Welt. Das Interesse der Touristen daran ist verständlich.

Andere erkennbare Statuen

Die Kunst der Bildhauerei ist mehrere tausend Jahre alt. Im Laufe der Jahre haben Bildhauer vielfältige Werke geschaffen. Einige der Skulpturen sind echte Sehenswürdigkeiten.

moai

Auf der Osterinsel gibt es 850 monolithische Steinstatuen. Überraschenderweise sind sie alle der Inselmitte zugewandt. Einige von ihnen sind über sechs Meter lang und wiegen zwanzig Tonnen.

Eine der Expeditionen fand dort eine riesige unvollendete Statue. Sein Gewicht beträgt etwa zweihundertsiebzig Tonnen und seine Höhe beträgt zwanzig Meter.

„Manneken Pis“

Es ist nicht genau bekannt, wann die Manneken-Pis-Statue in Brüssel erschien und wer ihr Schöpfer war. Diese Miniatur-Brunnenstatue besteht aus Bronze: ein nackter Junge, der in den Pool pinkelt. Es wird angenommen, dass die Statue im fünfzehnten Jahrhundert geschaffen wurde.

Der Bronze Boy wurde wiederholt entführt. An seiner Stelle erschienen Kopien. Von Zeit zu Zeit trägt die Statue je nach dem denkwürdigen Datum oder Feiertag unterschiedliche Kostüme.

Große Sphinx

Die älteste in Gizeh erhaltene Skulptur ist die Große Sphinx, die am Ufer des Nils liegt. Dies ist eine monolithische Arbeit. Die Sphinx ist aus einem Felsen kalkhaltigen Ursprungs geschnitzt. Zwischen seinen nach vorne ausgestreckten Pfoten befand sich einst ein Zufluchtsort. Das Gesicht der Löwenstatue ähnelt im Porträt einem der ägyptischen Pharaonen. Die Sehenswürdigkeiten sind die ägyptischen Pyramiden selbst. Die Seite enthält eine Seite über ägyptische und andere wundervolle Pyramiden.

Die berühmteste Skulptur der Welt

Das am häufigsten nachgebildete und bekannteste Bild der Skulptur auf der Welt ist „Der Denker“. Diese berühmte Skulptur ist in Paris ausgestellt. Sein Autor ist Rodin.

Rodin erhielt 1880 einen Großauftrag. Das Werk sollte „The Gates of Hell“ heißen. Es wurde davon ausgegangen, dass der Autor mehrere Skulpturen schaffen würde, die am Eingang des Museums aufgestellt würden. Dieses Projekt blieb unvollendet, Rodin beschloss jedoch, eine Reihe von Skulpturen groß zu machen. Dank dessen sah die Welt den „Denker“. An den genialen Meister gelang es, den tiefgründigen Denkprozess eines Mannes, der auf einem Stein sitzt, genau wiederzugeben.
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Der Begriff der Skulptur

Skulptur(von lateinisch sculptura, von sculpo – ich schnitze, schneide aus) – Skulptur, Plastik – eine Art Kunst, deren Werke die umgebende Realität in dreidimensionalen, körperlich dreidimensionalen Bildern unter Verwendung verschiedener plastischer Materialien widerspiegeln.

Lange Zeit galten die Begriffe „Skulptur“ und „Kunststoff“ als Synonyme, ihre semantische Belastung ist jedoch unterschiedlich. Skulptur ist ein umfassenderes Konzept. Kunststoff ist einerseits eine Technik der Skulptur aus weichen Materialien (Ton, Plastilin, Wachs, Eglin), andererseits ist es ein künstlerisches und visuelles Mittel, das es ermöglicht, Skulpturen eine Bildsprache zu verleihen. Im Gegensatz zur Malerei umfasst die grafische Skulptur einen kleineren Bereich von Objekten, Phänomenen, die zu Objekten für das Bild werden könnten. Ausdrucksmittel in der Bildhauerei werden mit größerer Sorgfalt entwickelt. Skulptur hat in vielerlei Hinsicht etwas mit Architektur gemeinsam. Da sich beide Kunstarten mit Volumen und Raum befassen, den Gesetzen der Tektonik gehorchen 1 , sind sie materieller Natur und ergänzen sich oft. Es gibt jedoch einen erheblichen Unterschied. Architektur hat einen funktionalen Zweck, sie organisiert in gewisser Weise den Raum für das menschliche Leben, was man von der Skulptur nicht sagen kann. Reale und nicht bildhafte Dreidimensionalität, Körperlichkeit ist das Hauptmerkmal dieser Kunst.

Bildhauer reagieren am empfindlichsten auf Volumen und Form. Diese Fähigkeit ist ein notwendiger Bestandteil der plastischen Kreativität, wie der „Farbsinn“ eines Malers oder die „absolute Tonhöhe“ eines Musikers. Das Verständnis von Volumen erfolgt nicht nur beim Bildhauer, sondern auch beim Betrachter. Um das Wesen eines skulpturalen Werkes zu verstehen, ist es notwendig, das „Spiel“ der Oberflächen zu verstehen, die Formgebung und ihre Bildsprache zu erfühlen, denn Skulptur ist kein körperloses Volumen, sondern ein in einem bestimmten Material ausgedrücktes, geschaffenes Bild in einer bestimmten Technik und enthüllt eine bestimmte Idee. Eine vollständige „Lesung“ der Skulptur ist möglich, wenn das Wesen des Materials verstanden wird – seine physikalischen Eigenschaften und Fähigkeiten, Schönheit und Vielfalt der Textur.

1. Tektonik (aus dem Griechischen tektonik6s – bezogen auf den Bau).

Die Kühle und Zartheit von Porzellan kann Männlichkeit, Schnelligkeit, Entschlossenheit und Mut nicht vollständig vermitteln, ebenso wie die Wärme und Einfachheit von Holz nicht dazu geeignet sind, ein Bild von Majestät, Wichtigkeit, Königlichkeit und Ehrgeiz zu erzeugen. Wie Lao Tzu sagte: „Töpfe bestehen aus Ton, aber der Ton hört auf, Ton zu sein und verwandelt sich in einen Topf.“ Es ist diese Eigenschaft, die das Material zum materiellen Träger des Bildes werden lässt und die Skulptur zu einer prägnanten Kunst macht. Der Lakonismus liegt in der Fähigkeit, die Form zu verallgemeinern und den Inhalt des künstlerischen Bildes zu konzentrieren. Dies ist eines der Hauptparadoxe der Skulptur: Einerseits ist sie leicht wahrnehmbar, da in ihr die Formen verallgemeinert und konkretisiert werden, andererseits ist sie komplex, da die Verallgemeinerung auf die Symbolik zurückzuführen ist, was sie erschwert sein Verständnis. Sehr oft enthalten einfache Formenkombinationen den tiefsten Gedanken, und umgekehrt betonen dekorative Exzesse die Leere und den Mangel an Inhalt.

Skulptur als Kunstform ist interessant, weil es wie in der echten Kunst viel Understatement gibt und dies zur Entwicklung des fantasievollen Denkens des Betrachters beiträgt und ihn zum Mitgestalten ermutigt. Um an diesem Prozess teilnehmen zu können, ist es jedoch notwendig, zumindest ein Mindestmaß an Wissen zu beherrschen, das bestimmte Gesetze und Regeln der Bildhauerei offenbart. Die Kenntnis dieser Muster und Ausdrucksmerkmale der Skulptur ist sowohl für Kinder als auch für Lehrer (gegenwärtig und zukünftig) notwendig. In diesem Zusammenhang erscheint es wichtig, eine Reihe von Fragen zu berücksichtigen, die zum Verständnis der Besonderheiten der Skulptur beitragen.

Arten von Skulpturen

Unter Skulptur versteht man eine Kunstform, die für den Menschen zunehmend unmerklich in den Alltag eingebunden wird. Oft merken wir gar nicht, dass wir von Dingen umgeben sind, die Teil der Skulptur sind. Zum Beispiel Talisman-Schlüsselanhänger, Medaillons, Münzen, Figuren auf einem Regal, Kameen usw. All dies zeugt von der Vielfalt der Skulptur und zugleich von ihrer Integrität.

Die in der Arbeit verwendeten Ausdrucksmittel und Materialien ermöglichen es dem Bildhauer, sowohl ein majestätisches Denkmal für den Helden als auch einen kleinen Reliefanhänger zu schaffen. Zwischen ihnen gibt es viele unterschiedliche bildhauerische Werke in Aussehen und Genre.

Auf der Grundlage des dreidimensionalen Volumens:

- runde Skulptur, deren Produkte sich frei im Raum befinden, d. h. sie implizieren eine kreisförmige Sichtweise, ein Spiel mit Volumen und Raum. Die runde Skulptur hat mehrere Sorten:

Statue(die Figur ist in vollem Wachstum);

Skulpturengruppe (zwei oder mehr Figuren, die eine Idee offenbaren und ein einziges Ganzes bilden);

Statuette(eine skulpturale Figur von geringer Größe, viel kleiner als ihre tatsächliche Größe);

Torso (skulpturales Bild menschlicher Torso)

Büste(Brustbild einer Person);

Kopf(skulpturales Porträt einer Person, begrenzt durch das Bild des Kopfes).

Eine andere Art runder Skulptur erschien - kinästhetisch, das keinen Umweg erfordert, es zeigt sich durch die Bewegungen, die es macht;

- Erleichterung (Das Bild befindet sich auf einer Ebene, die als Hintergrund dient, übersetzt als „erhaben“, „konvex“). Der Hauptunterschied zwischen dem Relief und der Rundskulptur besteht darin, dass darin nur der vordere Teil des Blocks wahrgenommen wird, da dieser mit der Wand verbunden ist. Das Relief hat mehrere Sorten, sie variieren je nach Zweck und Position auf der architektonischen Ebene ( Frontalkomposition, Fries, Decke, Fliesen, fragmentarisch).

Die Lage des Reliefs beeinflusst seine Höhe:

Basrelief- ein Relief mit geringer Höhe, das weniger als die Hälfte des Gesamtvolumens überragt. Das tatsächliche Volumen im Flachrelief kommt kaum zum Ausdruck, es ist in einer flachen Zone zwischen dem Hintergrund und der dazu parallelen Frontebene eingeschlossen;

Hochrelief - Relief, das eine große Höhe hat, ragt es um mehr als die Hälfte des Volumens aus der Oberfläche hervor. Die Hochrelieffiguren ähneln Statuen, die dicht an die Wand geschoben werden. Das Hochrelief kann von drei Seiten betrachtet werden; es scheint die skulpturale Form zu umarmen und frei bis in den Hintergrund vorzudringen;

Gegenrelief- tiefes Relief, das nicht über die Oberfläche hinausragt, sondern der Oberfläche Volumen nimmt;

gemischte Erleichterung weist Elemente verschiedener Reliefarten auf. Auf der Platte befindet sich beispielsweise ein konvexes Reliefbild, dessen Kontur mit Hilfe tiefer Rillen erstellt wird.

-monumental und dekorativ, in direktem Zusammenhang mit einer bestimmten architektonisch-räumlichen oder natürlichen Umgebung stehen. Ihr Hauptunterschied zu anderen Skulpturenarten liegt in der gemeinsamen, untrennbaren Existenz mit einer architektonischen Struktur, zum Beispiel Reliefgiebel, Friese, Statuen auf Giebeln, Balustraden, Portalen, in Nischen, Säulen in Form von Skulpturen (Karyatiden, Atlanten);

- dekorativ, Entwickelt, um Parks, Gärten, Straßen, Plätze, Boulevards und Brunnen zu dekorieren. Zusammen mit der Architektur schafft es ein bestimmtes Bild der Stadt, ist nicht an ein einzelnes Gebäude gebunden, sondern konzentriert sich auf die Landschaft oder das architektonische Ensemble. In der dekorativen Skulptur kann man solche unterscheiden Arten:

Landschaftsgestaltung- in Erholungsgebieten (Plätze, Parks, Gärten, Gassen, Raststätten, Sanatorien usw.) platziert;

urban- auf den Straßen der Stadt gelegen, macht die gesichtslosen Straßen manchmal feierlich, interessant, manchmal lustig.

In der Stadtskulptur gibt es mehrere Richtungen:

Monumente verschiedenen Kulturschaffenden, Helden, Staatsmännern gewidmet;

Kunststoffarbeiten mit der Biographie einer bestimmten Figur verbunden (zum Beispiel eine Skulptur in der Nähe des nach Yu. V. Nikulin benannten Moskauer Zirkus; die Skulpturengruppe „Natalie und A. S. Puschkin“ auf dem Arbat in Moskau);

allegorische Skulptur, das eine abstrakte Idee durch ein Bild vermittelt. Skulpturen gewidmet Märchenfiguren, historische Ereignisse (zum Beispiel die Skulpturengruppe „Samson, der einem Löwen das Maul zerreißt“ in Peterhof, die den Sieg Russlands über Schweden im Großen Nordischen Krieg verkörpert; eine Handlung aus der Folklore „Permyak – salzige Ohren“ in Perm; „Chizhik -pyzhik“ in St. Petersburg);

Skulptur, die ein kollektives Bild darstellt jeder Beruf oder jedes soziale Phänomen (zum Beispiel ein Denkmal für einen in der U-Bahn brutal getöteten Hund, die Skulptur „Klempner“ auf dem Bürgersteig, die Skulptur „Kuss“ von C. Brancausi; die Skulptur „Haushälterin“ am Fenster eines Wohngebäudes);

- Staffelei, eine eigenständige Bedeutung und eine intimere Natur haben, die nicht direkt mit Architektur oder Landschaft zusammenhängt. Es ist nicht für einen bestimmten Ort bestimmt, seine Wahrnehmung wird nicht durch den Ort beeinflusst, an dem es sich befindet.

Der Name leitet sich vom Wort „Maschine“ ab – einem rotierenden Ständer, auf den der Meister die Skulptur während der Arbeit stellt. Daher kommt die Größe der Staffelei-Skulptur der natürlichen Größe der abgebildeten Objekte (Menschen, Objekte, Tiere) nahe. Vor allem befindet es sich in den Sälen von Museen, Wohnräumen und auf Ausstellungen, die seine übliche Umgebung darstellen;

- Skulptur kleine Form, seinem Wesen nach vielfältig und umfasst ein breites Spektrum an Werken unterschiedlicher Art, Funktion und Genre. Es ist üblich, eine Skulptur kleiner Form als kleinformatige Werke eines Genrethemas zu bezeichnen, die für Wohnräume und Kultstätten bestimmt sind.

- kleines Plastik(Werke in kleiner „Miniatur“-Größe). Die älteste Art kleiner plastischer Kunst gilt als Kunst. Glyptik (Schnitzerei auf massiven Halbedelmineralien). Einige dieser Werke hatten mehrere Einkerbungen, die eine Verwendung als Siegel ermöglichten. Die Bilder selbst wurden aufgerufen Intaglio , die in verschiedenen kulturellen und historischen Epochen unterschiedliche Formen hatten. Eine andere Art von kleinem Plastik - Knochenschnitzerei (Elefant, Walross), deren Werke ebenfalls kleinformatig sind. Trotz der Tatsache, dass diese Fischerei in verschiedenen Teilen der Welt betrieben wurde, wurden nur wenige zu den berühmtesten. Darunter sind Figuren von Severo-Kholmogory-Meistern und japanische Miniaturen – Netsuke.

Die Vielfalt an kleinen Plastikarbeiten ist groß. Diese können zugeschrieben werden kleine Figuren aus Halbedelsteinen, Holz, Bronze, Porzellan, Fayence, Glas; geprägte Platten, die die Funktionen von Broschen (Verschlüssen), Broschen, Amuletten, Kameen, Münzen, Medaillen usw. erfüllen. Einerseits sind Werke der kleinen plastischen Kunst utilitaristisch und haben keinen Zweck von großer Wichtigkeit im menschlichen Leben (Schlüsselanhänger in Form von Reliefbildern) tragen sie hingegen ernsthafte religiöse, bürgerliche Ideen. Eine Medaille ist beispielsweise ein Reliefbild bestimmter Symbole auf beiden Seiten der Platte oder Figuren von im Heidentum verehrten Götzen, ein Kreuz mit dem Bild des gekreuzigten Christus.

Nach dem Grad der Annäherung Skulpturen zu echte Objekte Folgende Realitätstypen werden unterschieden:

- realistisch- durch plastische Bilder spiegelt es Objekte und Phänomene einer real existierenden Realität wider;

- allegorisch- ähnelt einem einfachen Bildrebus, der ein System von Erkennungszeichen enthält, mit denen Sie es lösen können. Die Allegorie enthält bestimmte Attribute, die die Skulptur leicht erkennbar machen. Beispielsweise repräsentiert eine Skulptur, die eine Frau mit verbundenen Augen und einer Waage in den Händen darstellt, Gerechtigkeit.

Art Allegorie Personifikation, bezeichnet die Verkörperung eines abstrakten Konzepts in Form einer menschlichen Figur. Zum Beispiel Nike, das den Sieg verkörpert; Fortune bedeutet Schicksal; Libertas kennzeichnet Freiheit.

Im Rahmen personalisierter Skulpturenwerke treten sehr häufig geografische Personifikationen auf, in denen das Bild von Flüssen, Bergen, Städten und sogar Ländern entsteht. Damit das Wesen dieser Werke bei der Wahrnehmung verstanden werden kann, muss ihnen eine Erläuterung beigefügt werden, die das Wesen der Symbolik erläutert;

- abstrakt- besteht darin, ein kollektives plastisches Bild zu schaffen, das nur das innere Wesen des abgebildeten Objekts, Objekts, Phänomens oder Konzepts offenbart. Äußerliche Ähnlichkeit ist nicht wichtig. Einige einzelne Elemente ähneln möglicherweise entfernt der realen Form, sonst wäre es äußerst schwierig, die Idee der Skulptur zu „lesen“. Generell ist das plastische Bild mit Symbolen und Attributen gefüllt, die einen anderen Blick auf Vertrautes ermöglichen. In der abstrakten Skulptur werden die entscheidenden Momente dieses oder jenes Phänomens heller, klarer und dünner wahrgenommen (z. B. „Frau kämmt ihr Haar“ von A. Arkhipenko; „Liegende Figur“ von G. Moore; „Variationen“ von N. Gabo; K. Brancusi).

Basierend auf der Form Folgende Skulpturentypen werden unterschieden:

- Monument- die häufigste Form der Skulptur, deren Hauptaufgabe darin besteht, im „ewigen“ Material eine Erinnerung an eine historische Figur oder ein bedeutendes Ereignis zu bewahren. Dank der Denkmäler haben wir lange Jahre Wir erinnern uns an Verstorbene und vergangene Ereignisse. In diesem Fall fungiert das Denkmal nicht als Echo der Vergangenheit, es ist für jede Generation relevant, da es in jeder kulturellen und historischen Epoche etwas Eigenes symbolisiert;

- Monument ganz in der Nähe des Denkmals. Es soll die Menschen auch an einige wichtige Ereignisse erinnern. Auf den ersten Blick ist es sehr schwierig, eine Grenze zwischen einem Denkmal und einem Denkmal zu ziehen. Jeder von ihnen hat jedoch seine eigenen Besonderheiten. Erstens hat das Denkmal mehr Kammerausdrucksformen und das Denkmal ist immer majestätisch. Zweitens wird das Denkmal so gestaltet, dass das abgebildete Objekt erkennbar ist. Dazu werden die Realitäten der Zeit und die für eine bestimmte Person charakteristischen Attribute verwendet. Das Denkmal benötigt solche Details jedoch nicht, da sich hinter den Attributen eine tiefe Bedeutung verbirgt, die außerhalb von Zeit und Raum verständlich ist (zum Beispiel das Mutterland-Denkmal in Wolgograd; die Freiheitsstatue in New York, das Denkmal von O. Zadkin „The Ruined City“ (erinnert an die Bombardierung der niederländischen Stadt Rotterdam im Jahr 1940).

Es gibt noch einen weiteren Unterschied zwischen einem Denkmal und einem Denkmal: Sein Standort wird immer durch die architektonische Umgebung der Stadt bestimmt. Das Denkmal hingegen erfordert eine sorgfältige Auswahl des Standorts, da es eine stadtbildende Rolle spielt, einen der zentralen Teile der Stadtlandschaft einnimmt und den Stil des umgebenden Raums bestimmt. Ein Denkmal braucht Abstand zum Betrachter, um seine Größe zu spüren. Der Effekt der Erhebung wird durch einen Sockel (Stütze, Ständer) erreicht, der das Denkmal gewissermaßen in einen anderen Raum versetzt, es vom Boden trennt und es zum Erkennungszeichen der Trennung von der Alltagsrealität macht.

Mit dem Begriff „Sockel“ ist auch eine gewisse Stütze bzw. „Fuß“ gemeint. Der Sockel ist jedoch mit dem Denkmal und das Denkmal mit dem Sockel verbunden. Der Sockel stellt zwar eine Distanz zwischen dem Denkmal und dem Betrachter her, diese ist jedoch nicht so ausgeprägt wie beim Denkmal. Der Sockel des Denkmals verfügt über eine eigene Bildsprache in Form von Statuen und Reliefs, die den Inhalt des gesamten Bildes offenbaren.

Der Sockel des Denkmals, der Sockel des Denkmals, der Ständer für die Staffeleiskulptur, der Sockel der Büste haben eine gemeinsame Eigenschaft; Sie markieren die Grenze dazwischen auf künstlerische Weise und der Betrachter, zwischen der Welt der Realität und der Welt der Kunst;

- Grabstein- In seiner Funktion dem Denkmal und dem Denkmal sehr ähnlich, ist die Art der Skulptur auch mit dem Thema Ewigkeit verbunden. Anders als ein Denkmal und ein Denkmal berührt ein Grabstein die Themen Leben und Tod, Unsterblichkeit und Sterben;

- Genreskulptur unterscheidet sich von allen bisherigen Typen. Es bezieht sich nicht auf das Thema der ewigen Erinnerung, sondern spiegelt verschiedene Lebenssituationen und Phänomene in ihrer ganzen Vielfalt wider. Die Form kann realistisch, allegorisch und sogar abstrakt sein. Seine Besonderheit liegt in der Widerspiegelung des Lebens in einem plastischen Bild unter Verwendung verschiedener Kunstgattungen.

Skulpturengattungen

Tiergenre. Die Werke dieses Genres offenbaren das Bild eines Tieres durch Plastik.

Obwohl Menschen schon seit der Antike Tiere darstellten, nahm dieses Genre 2010 Gestalt an Anfang des 19. Jahrhunderts in., als bereits mehrere Richtungen existierten.

Erste Richtung Die zweite ist mit der Bewahrung des Naturalismus in Tierbildern verbunden und zeichnet sich durch Werke aus, in denen Tiere zur Personifizierung menschlicher Qualitäten werden. Die Form des Bildes ist unterschiedlich – von Stilisierung bis Abstraktion, von Typisierung bis Allegorie.

Porträt- Erstellen eines Bildes einer Person im Allgemeinen oder einer bestimmten Person. Das Genre ist einfach und schwierig zugleich, da die Bildhauerei begrenzt ist Ausdrucksmittel, was den Prozess der plastischen Formgebung erschwert.

Manche Bildhauer streben nach Naturalismus (ein Mensch wird so dargestellt, wie er ist); andere idealisieren das Modell (die Person wird so dargestellt, wie sie sich selbst gerne in den Augen anderer sehen würde).

Die Entwicklung des Porträtgenres in verschiedenen kulturellen und historischen Epochen hatte ihre eigenen Merkmale (es entstand das Bild eines Vertreters von Volk, Stand, Epoche), die zur Auswahl mehrerer führten Sorten:

- Kammer Das Porträt zeichnet sich durch äußere Einfachheit und Verborgenheit aus Innere Modelle. Es zeigt am deutlichsten die informelle Haltung des Autors gegenüber dem Modell;

- Haustür das Porträt wirkt feierlicher und gleichzeitig vom Betrachter losgelöst, als würde es sich durch die Vielzahl dekorativer Elemente (Kostümelemente, Accessoires, Attribute usw.) über das Gewöhnliche und Alltägliche erheben;

- Porträt-Genre - nicht nur ein Porträt einer Person, sondern die Verwirklichung einer bestimmten Idee eines Porträts basierend auf der Synthese mit einem anderen Genre. Beispielsweise vereint das Bild einer historischen Figur zwei Genres: Porträt und historisches Genre, Statue von Apollo - Porträt und mythologisches Genre.

In der Bildhauerei sind alltägliche, mythologische und historische Genres weniger verbreitet.

Haushaltsgenre beinhaltet die Offenlegung der Themen des Alltags in der Skulptur, die Bekanntschaft mit den Realitäten des Alltags. Die inhaltliche Seite der Werke Haushaltsgenre berührt sehr tiefgreifende Themen mit philosophischen Wurzeln und regt den Betrachter zum Nachdenken über komplexe Lebensthemen an.

Historische und mythologische Genres haben eine längere Entwicklungsgeschichte. Die Themen Geschichte, Mythologie und Religion beschäftigen Bildhauer schon seit langem, denn jede Epoche zeichnet sich durch ihre eigene Interpretation historischer Ereignisse, mythologischer oder religiöser Themen aus.

Stillleben und Landschaft. Ursprünglich wurden sie nur in Verbindung mit einem anderen führenden Genre verwendet. Aber in In letzter Zeit Als das Objekt und die Natur zu einer separaten Handlung für Werke der plastischen Kunst wurden, erschienen Skulpturen, die dem Betrachter die Möglichkeit gaben, sie zu betrachten die Umwelt wie ein lebender Organismus. Voraussetzung für die Entwicklung dieser Genres waren Experimente mit skulpturaler Form, die es ermöglichten, die Lebendigkeit des Dargestellten loszuwerden und die Wirkung einer Puppe zu vermeiden.

Fragment-Genre. Es enthält einzelne Elemente menschlicher Körper, Fragmente von Naturobjekten und Objekten.

Den künstlerischen Anstoß für die Entwicklung dieses Genres gaben die dabei gefundenen Fragmente antiker Skulpturen archäologische Ausgrabungen die trotz ihrer Unvollständigkeit ausdrucksstark und interessant blieben. Aufgrund ihrer Untypischkeit sind sie zu Sammlerstücken geworden. Nach und nach erlangten die Fragmente in der Skulptur Eigenständigkeit.

Hervorragende Vertreter Dieses Genre wird zu Recht von O. Rodin betrachtet, der die Aufmerksamkeit seiner Umgebung auf den erstaunlichen plastisch-künstlerischen Klang von Teilen des menschlichen Körpers lenkte, und U. Boccioni, der die Dinge futuristisch betrachtete und sie von innen untersuchte.

(Eine konvexe Figur ragt weniger als die Hälfte hervor);

Hochrelief (eine konvexe Figur ragt zur Hälfte hervor);

Gegenrelief (die Figur ist nicht konvex, sondern im Gegenteil vertieft)

Je nach Verwendungszweck wird die Skulptur unterteilt in:

• monumentale Skulptur (Denkmäler, Denkmäler), die mit der architektonischen Umgebung verbunden sind. Unterscheidet sich in der Bedeutung von Ideen, einem hohen Grad an Verallgemeinerung und einem großen Umfang;
• Die monumentale und dekorative Skulptur umfasst alle Arten der Dekoration architektonischer Strukturen und Komplexe (Atlanten, Karyatiden, Friese, Giebel, Brunnen, Garten- und Parkskulpturen);
• Die Staffelei-Skulptur hat, unabhängig von der Umgebung, naturnahe oder kleinere Abmessungen und einen spezifischen, tiefgehenden Inhalt. Entwickelt für die Betrachtung aus nächster Nähe.

Die Art und Weise, eine Skulptur zu erhalten, hängt vom Material ab:

• Kunststoff – Vergrößerung des Volumens der Skulptur durch Zugabe von weichem Material (Ton, Wachs)
• Bildhauerei – überschüssige Teile aus festem Material (Stein und andere Materialien) abschneiden
• Gießen – die Arbeit entsteht durch das Eingießen von geschmolzenem Metall in die Form (z. B. Bronze)

In Bezug auf das Material und die Art der Ausführung des Bildes lässt sich die Skulptur im weitesten Sinne des Wortes in mehrere Zweige unterteilen: Modellieren oder Modellieren – die Kunst, mit weichem Material, also Wachs und Ton, zu arbeiten; Gießerei oder Toreutik – die Herstellung von Reliefarbeiten aus Metall durch Prägen, Prägen oder Gießen; Glyptik – die Kunst des Schnitzens von Edelsteinen; Zu den Zweigen der Bildhauerei zählen Arbeiten aus Stein, Holz, Metall und Feststoffen im Allgemeinen. außerdem die Herstellung von Stempeln für Münzen und Medaillen (Medaillenkunst).

Skulptur kleiner Formen

Die Höhe und Länge des Werkes kann auf bis zu 80 Zentimeter und einen Meter gebracht werden. Es kann industriell nachgebildet werden, was für Staffeleiskulpturen nicht typisch ist. Dekorative und angewandte Kunst sowie Skulpturen kleiner Formen gehen eine Symbiose miteinander ein, da die Architektur des Gebäudes mit der ihn schmückenden runden Skulptur ein einziges Ensemble bildet. Die Skulptur kleiner Formen entwickelt sich in zwei Richtungen – als Kunst der Massendinge und als Kunst einzigartiger Einzelwerke. Genres und Richtungen der Kleinplastik – Porträt, Genrekompositionen, Stillleben, Landschaft. Kleine, raumfüllende Formen, Landschaftsgestaltung und kinetische Skulptur.

Andere Arten von Skulpturen

Kinetische Skulptur- eine Art kinetische Kunst, bei der die Auswirkungen realer Bewegung nachgespielt werden. Eisskulptur - künstlerische Komposition aus Eis gemacht. Sandskulpturen sind künstlerische Kompositionen aus Sand. Skulpturenmaterialien – Metall, Stein, Ton, Holz, Gips, Sand, Eis usw.; Methoden ihrer Verarbeitung - Modellieren, Schnitzen, Kunstguss, Schmieden, Ziselieren usw.

Technik

Bei jeder Arbeit fertigt der Bildhauer zunächst eine Zeichnung oder ein Foto an und führt dann eine mathematische Berechnung der Arbeit durch (bestimmt den Schwerpunkt des Produkts, berechnet die Proportionen); Anschließend formt er aus Wachs oder nassem Ton ein Modell in kleiner Form und vermittelt so die Idee seiner zukünftigen Arbeit. Manchmal, insbesondere wenn die gewünschte Skulptur groß und komplex sein muss, muss der Künstler ein anderes, größeres und detaillierteres Modell anfertigen. Anschließend beginnt er, geleitet vom Layout oder Modell, mit der Arbeit am eigentlichen Werk. Wenn eine Statue ausgeführt werden soll, dann nimmt man ein Brett als Fuß und befestigt darauf einen Stahlrahmen, der so gebogen und angebracht wird, dass kein einziger Teil davon über die zukünftige Figur hinausragt und er selbst als diente Skelett dafür; außerdem werden an den Stellen, an denen der Körper der Figur eine erhebliche Dicke haben sollte, Holzkreuze mit Stahldraht am Rahmen befestigt; In den gleichen Teilen der Figur, die in die Luft ragen, zum Beispiel in den Fingern, Haaren, hängenden Kleiderfalten, werden Holzkreuze durch gedrehten Draht oder Hanf ersetzt, mit Öl gesättigt und in Form von Bündeln aufgerollt. Durch das Platzieren eines solchen Skeletts einer Statue auf einem Stativ, einer stationären oder horizontal rotierenden Maschine, nennt man Stutfohlen, beginnt der Künstler, den Rahmen mit Stucklehm zu überziehen, so dass eine Figur entsteht, die im Großen und Ganzen dem Vorbild ähnelt; Dann entfernt er an einer Stelle den übermäßig aufgetragenen Ton, fügt an einer anderen den fehlenden Ton hinzu und vollendet die Figur Stück für Stück, bis sie nach und nach die gewünschte Ähnlichkeit mit der Natur erreicht. Für diese Arbeit wird ihm Palm- bzw Stahlwerkzeuge verschiedene Formen, genannt Stapel, sondern noch mehr die Finger seiner eigenen Hände. Während der gesamten Modellierung ist es notwendig, um das Auftreten von Rissen im trocknenden Ton zu vermeiden, die Luftfeuchtigkeit konstant aufrechtzuerhalten und die Figur dazu von Zeit zu Zeit zu befeuchten oder mit Wasser zu besprühen und die Arbeit zu unterbrechen Am nächsten Tag umhüllen Sie es mit einer nassen Leinwand. Ähnliche Techniken werden auch bei der Herstellung von Reliefs von beträchtlicher Größe verwendet – mit dem einzigen Unterschied, dass anstelle des Rahmens große Stahlnägel und -bolzen zur Verstärkung des Tons verwendet werden, die in ein Brettschild oder einen flachen Kasten getrieben werden, der als dient die Basis des Reliefs. Nachdem die Modellierung vollständig abgeschlossen ist, kümmert sich der Bildhauer darum, ein genaues Foto seines Werkes aus einem Material anzufertigen, das stärker als Ton ist, und greift zu diesem Zweck auf die Hilfe eines Modellierers zurück. Letzteres entfernt aus dem Tonoriginal das sogenannte schwarze Uniform (ein crux perdu) aus Alabaster, auf den ein Gipsabdruck des Werkes gegossen wird. Möchte der Künstler einen Guss nicht in einem, sondern in mehreren Exemplaren haben, so erfolgt der Guss nach dem sogenannten reiner Form (ein Bon Crux), dessen Herstellung viel schwieriger ist als die vorherige (siehe Formen).

Keine einzige mehr oder weniger große Skulptur kann ohne vorherige Modellierung eines Tonoriginals und Abguss seines Gipsabdrucks – sei es aus Stein oder Metall – geschaffen werden. Zwar gab es Bildhauer wie Michelangelo, die direkt aus Marmor arbeiteten; aber die Nachahmung ihres Beispiels erfordert vom Künstler außerordentliche technische Erfahrung, und dennoch läuft er Gefahr, bei solch kühner Arbeit auf Schritt und Tritt in irreparable Fehler zu verfallen.

Mit dem Erhalt eines Gipsabdrucks kann ein wesentlicher Teil der künstlerischen Aufgabe des Bildhauers als abgeschlossen betrachtet werden: Es bleibt nur noch die Reproduktion des Abgusses, je nach Wunsch, in Stein (Marmor, Sandstein, Vulkantuff usw.) oder in Metall (Bronze, Zink, Stahl usw.), bei dem es sich bereits um eine halbhandwerkliche Arbeit handelt. Bei der Herstellung von Marmor- und Steinstatuen im Allgemeinen wird die Oberfläche des Gipsoriginals mit einem ganzen Netz von Punkten bedeckt, die mit Hilfe eines Zirkels, eines Lots und eines Lineals auf dem zu fertigenden Block wiederholt werden . Geleitet von dieser Zeichensetzung entfernen die Assistenten des Künstlers unter seiner Aufsicht mit Meißel, Meißel und Hammer unnötige Teile des Blocks; in einigen Fällen verwenden sie das sogenannte gepunkteter Rahmen, bei dem sich gegenseitig kreuzende Fäden die Teile angeben, die abgeschlagen werden sollen. So entsteht aus einem unbearbeiteten Block nach und nach die allgemeine Form der Statue; Unter den Händen erfahrener Arbeiter wird es immer feiner bearbeitet, bis schließlich der Künstler selbst ihm den letzten Schliff verleiht und das Polieren mit Bimsstein den verschiedenen Teilen der Oberfläche des Werkes eine mögliche Ähnlichkeit mit dem verleiht, was die Natur selbst darin darstellt respektieren. Um dem optisch näher zu kommen, rieben die alten Griechen und Römer ihre Marmorstatuen mit Wachs ein und bemalten sie sogar leicht und vergoldeten sie (siehe Polychromie).

Verwendung von Materialien

Bronze

Das wichtigste Material für Skulpturen ist neben Marmor Bronze; Marmor eignet sich am besten zur Reproduktion zarter, idealer, meist weiblicher Formen; Bronze – um die Formen von Mut und Energie zu vermitteln. Darüber hinaus ist es ein besonders praktischer Stoff, wenn das Werk kolossal ist oder eine starke Bewegung darstellt: Die durch eine solche Bewegung belebten Figuren benötigen, wenn sie aus Bronze gefertigt sind, keine Stützen für Beine, Arme und andere Teile, die Bei ähnlichen Figuren sind aus brüchigem Stein gemeißelte Figuren notwendig. Schließlich noch für Werke, die zum Stehen bestimmt sind draußen Insbesondere in nördlichen Klimazonen wird Bronze bevorzugt, da sie nicht nur durch atmosphärische Einflüsse nicht beschädigt wird, sondern durch ihre Oxidation auch einen für das Auge angenehmen grünlichen oder dunklen Überzug auf ihrer Oberfläche erhält, genannt Patina. Eine Bronzestatue wird entweder durch Gießen von geschmolzenem Metall in eine vorbereitete Form hergestellt oder mit einem Hammer aus Metallplatten herausgeschlagen.

Eine Möglichkeit zur Herstellung von Bronzeskulpturen ist das Hohlbronzegussverfahren. Sein Geheimnis liegt darin, dass die Ausgangsform der Figur aus Wachs hergestellt wird, dann eine Tonschicht aufgetragen und das Wachs geschmolzen wird. Und erst dann wird das Metall gegossen. Bronzeguss ist die Sammelbezeichnung für diesen gesamten Prozess.

Was die Knock-out-Arbeit (die sogenannte repousse), dann besteht es aus Folgendem: Man nimmt ein Blech, erweicht es durch Erhitzen im Feuer und schlägt mit einem Hammer auf die Innenseite des Blechs, um ihm zunächst in grober Form und dann die gewünschte Ausbuchtung zu verleihen , mit der schrittweisen Fortsetzung der gleichen Arbeit, mit allen Details, nach dem bestehenden Modell. Diese Technik, für die der Künstler über besondere Geschicklichkeit und langjährige Erfahrung verfügen muss, wird hauptsächlich bei der Ausführung von Flachreliefs verwendet, nicht besonders große Größe; bei der Herstellung von Groß- und komplexe Werke Bei Statuen, Gruppen und Hochreliefs wird derzeit nur dann darauf zurückgegriffen, wenn ein relativ geringes Gewicht erforderlich ist. In diesen Fällen wird das Werk in Teilen ausgeschlagen, die dann mit Schrauben und Verbindungselementen zu einem Ganzen verbunden werden. Seit dem 19. Jahrhundert wurden die Auswerfarbeiten und das Gießen in vielen Fällen durch die Abscheidung von Metall in Formen mittels Galvanoformung ersetzt.

Baum

Geschichte

Antike Welt

Erste Manifestationen künstlerische Kreativität im Bereich der Bildhauerei sind sie im Dunkel der Urzeit verborgen; Es besteht jedoch kein Zweifel, dass sie, wie sie später bei jungen Stämmen verursacht wurden, durch das Bedürfnis einer Person verursacht wurden, die den wilden Staat noch nicht verlassen hatte, die Idee einer Gottheit mit einem sinnlichen Zeichen auszudrücken oder um die Erinnerung daran zu bewahren liebe Leute. Auf diesen Grund deutet die poetische Legende der alten Griechen über die Erfindung des Kunststoffs hin Bellen Tochter eines Korinthers Wutada Als sie sich von ihrem Geliebten trennte und sein Bild als Andenken behalten wollte, zeichnete sie im Schatten der Sonne die Kontur seines Kopfes nach, und ihr Vater füllte diese Silhouette mit Ton. Was waren die ersten Erfahrungen mit der Skulptur in der prähistorischen Zeit? Lassen Sie uns die Idole beurteilen, die europäische Reisende bei ihrem ersten Besuch auf den Inseln des Pazifischen Ozeans, beispielsweise auf den Hawaii-Inseln, fanden. Es handelt sich um einfache Säulen mit schwachen, monströsen Anspielungen auf ein menschliches Gesicht und menschliche Gliedmaßen. Die Geschichte der Bildhauerei beginnt etwa dreißig Jahrhunderte vor Christus. h., vom ältesten Kulturvolk der Antike, den Ägyptern.

Antikes Ägypten

Die Skulptur Ägyptens blieb während ihres gesamten historischen Lebens ein untrennbarer Begleiter der Architektur, gehorchte ihren Prinzipien und diente dazu, ihre Bauwerke mit Statuen von Göttern, Königen, fantastischen Kreaturen und plastischen Gemälden zu schmücken, die dem Zweck des Gebäudes entsprachen. Zu Beginn (in der Memphis-Zeit) zeigte sie unter dem Einfluss der populären Vorstellung vom Jenseits eine starke Neigung zum Realismus (Porträtstatuen in der Mastaba und den Grabgrotten, die Statue des Pharao Khafre und des „Scheich el Beled“ des Ägyptischen Museums Kairo, die „Schreibe“ des Louvre usw.), erstarrten dann aber in bedingten, einst etablierten Formen, die bis zum Untergang des ägyptischen Königreichs fast keiner Veränderung unterworfen waren. Erstaunliche Geduld und Geschicklichkeit bei der Überwindung technischer Schwierigkeiten bei der Arbeit mit so harten Materialien wie Diorit, Basalt und Granit, charakteristische Reproduktion des Stammestyps, Majestät durch Kolossalität und streng proportionale Figurensymmetrie und feierliche Ruhe – das sind die besonderen Eigenschaften der ägyptischen Statuen der Theben- und Sais-Zeit, die jedoch unter dem Mangel an Ausdruck eines individuellen Charakters leiden wahres Leben(riesige Figuren von Ramses II. in Abu Simbel, Statuen von Memnon usw.). Die ägyptischen Bildhauer konnten bei der Darstellung der Götter sehr geschickt kombinieren menschliche Formen mit den Formen der Tierwelt, reproduzierten sie jedoch noch geschickter die Tierfiguren (ein Löwenpaar auf der Treppe des Kapitols in Rom). Reliefs, koloriert verschiedene Farben, reichlich bedeckt, wie Teppiche, die Wände ägyptischer Gebäude, die die Heldentaten der Pharaonen und denkwürdige Ereignisse der nationalen Geschichte darstellen – in Tempeln und Palästen, Episoden aus dem Alltagsleben und der Ehrung der Götter – in Grabstrukturen. Die Art und Weise, wie diese Reliefs ausgeführt wurden, war besonders: Die darin enthaltenen Figuren ragten entweder leicht aus dem vertieften Hintergrund heraus (flach-konvexe Reliefs, Koilanaglyphen), oder umgekehrt, sie traten etwas tiefer in den Hintergrund (flach eingelassene Reliefs). Der Mangel an Perspektive, die Konventionen der Komposition und Zeichnung sowie andere Mängel hindern diese Bilder nicht daran, eine detaillierte Geschichte über das Leben, den Glauben und die Geschichte der Menschen bis ins kleinste Detail zu sein.

Mesopotamien

Aus den ersten Jahrhunderten nach der Invasion der Dorier auf dem Peloponnes sind dann keine verlässlichen Informationsquellen und Denkmäler mehr erhalten, sondern ab dem Ende des 7. Jahrhunderts v. Chr. e. Es gibt Hinweise auf die umfangreiche künstlerische Tätigkeit der Griechen, die sich hauptsächlich auf die Herstellung luxuriöser Altaropfer für Tempel, Weingefäße und anderer Haushaltsgegenstände konzentrierte. Ihre Herstellung wurde insbesondere von Handwerkern aus Samos und Chios durchgeführt, die große Erfolge in der Technik der Metallverarbeitung erzielten.

Auch die Fähigkeit, die Formen des menschlichen Körpers nachzubilden, nimmt zu, insbesondere bei den Personifikationen von Göttern und Helden. Früher wurden die Götter in Form grober hölzerner Idole (sog.) dargestellt xoans), mit steifen, manchmal kaum sichtbaren und nicht vom Körper getrennten Gliedern. Dann wurden die Statuen lebendiger und ihre Körper waren aus Holz und ihre Köpfe und Hände waren aus Marmor (solche Statuen werden genannt). Akrolithen). Es gab auch erste Experimente mit Chrysoelephantin-Kunststoffen. Marmor und Bronze verbreiten sich nach und nach: Bronze kam ursprünglich in der ionischen und kleinasiatischen Politik vor, Marmor in den übrigen griechischen Städten.

Der Prozess der Schaffung von Statuen, die zu Ehren der Gewinner von Turnwettbewerben errichtet wurden und kein skulpturales Porträt, sondern idealisierte Figuren darstellten, zwang griechische Bildhauer, den nackten menschlichen Körper sorgfältig zu studieren. Überall, auf Ägina, in Argos, Sikion, Athen und anderen Orten entstehen Bildhauerschulen, und unter den Bildhauern sind Deepoin und Skillides, Kallon, Onat, Agelad und einige andere berühmt.

VI-V Jahrhunderte v. Chr. e.

VI. Jahrhundert und Anfang des V. Jahrhunderts – die griechische Skulptur verliert ihren orientalischen Einfluss und beginnt sich selbstständig zu entwickeln. Zu den bedeutendsten Denkmälern dieser Epoche zählen die Metopen des ältesten Selinunt-Tempels auf Sizilien, die in der Münchner Glyptothek aufbewahrten Giebelgruppen des Athenentempels von Ägina, die Szenen aus dem Kampf der Griechen mit den Trojanern darstellen.

Ein anderer großer Meister derselben Schule, Praxiteles, liebte es, wie Skopas, tiefe Empfindungen und Bewegungen darzustellen, die durch Leidenschaft hervorgerufen wurden, obwohl ihm idealerweise schöne jugendliche und halbkindliche Figuren mit einem Hauch kaum erwachter oder noch verborgener Leidenschaft am besten gefielen (Apollo Saurokton, Aphrodite Knidus, Hermes mit dem kleinen Dionysos im Arm, gefunden in Olympia usw.

Im Gegensatz zu den athenischen idealistischen Meistern arbeiteten die Bildhauer der peloponnesischen Schule derselben Zeit in Argos und Sikyon in einem naturalistischen Geist und schufen hauptsächlich starke und schöne männliche Figuren sowie Porträts berühmter Persönlichkeiten. Unter diesen Künstlern ragte Lysippus heraus, ein Bronzebildhauer, ein Zeitgenosse und Liebling Alexanders von Makedonien, der durch seine Porträtbilder berühmt wurde, der mit seiner Statue eines Apoxiomene-Athleten (d. h. Putzens) einen neuen Kanon der Proportionen des menschlichen Körpers schuf aus dem Staub von Palästra) und schuf übrigens ein typisches Bild des Herkules.

In der letzten Zeit der unabhängigen Existenz des griechischen Volkes, von der Ära Alexanders des Großen bis zur Eroberung Griechenlands durch die Römer, kam es zu einem Rückgang der Kreativität der Bildhauer. Sie verlieren weder das von den ehemaligen Bildhauern geerbte Wissen noch das technische Können, sie verfeinern dieses Können sogar, führen aber wesentlich neue Elemente in die Kunst ein, eröffnen ihr keine neuen Richtungen, sondern wiederholen, kombinieren und Er modifiziert das Alte und achtet nur darauf, den Eindruck auf den Betrachter zu reproduzieren, der durch die kolossale Größe seiner Werke und die Bildhaftigkeit einer komplexen Figurengruppierung entsteht, und die Werke zeichnen sich oft durch übertriebenes Pathos und Theatralik aus.

Zu dieser Zeit blühten die Bildhauerschulen von Rhodos und Pergamon auf: Die erste gehört zur berühmten Laokoon-Gruppe (im Vatikanischen Museum, ein Werk von Agesander und seinen Söhnen Athenodor und Polydor) und der Farnese-Stier im Neapolitanischen Museum (ein Werk von Apollonius). und Taurisk); das zweite – „Sterbendes Gallien“ der Kapitolinischen Museen, „Killing Gallien“ der Villa Ludovisi (Italienisch) Russisch und ein prächtiger Relieffries des monumentalen Pergamonaltars (befindet sich im Berliner Pergamonmuseum).

Antikes Rom

In dieser letzten Phase ihrer Entwicklung ist die Kunst Griechische Skulptur an die Römer übergeben. Das Volk, das dazu berufen war, die Grundlagen des Staatslebens zu entwickeln und die Ökumene zu beherrschen, war der Kunst und den ästhetischen Genüssen zunächst nicht gewachsen; Daher war er zunächst zufrieden mit dem, was er an Kunst von den Etruskern erhielt und was die einheimischen Meister von ihnen hervorbrachten. In der etruskischen Kunst spiegelten sich zunächst östliche und dann griechische Einflüsse wider; aber diese Kunst hat für immer einen Teil ihrer ursprünglichen Trockenheit und Grobheit bewahrt, obwohl sie technisch gesehen bedeutende Erfolge erzielt hat – sie hat Techniken zur Herstellung von Terrakottafiguren und -reliefs und zum Gießen verschiedener Gegenstände aus Bronze entwickelt; vor allem war es für sein Kunsthandwerk und sein industrielles Handwerk berühmt. Nachdem Griechenland gefallen war und die Werke seiner Bildhauer in großen Mengen nach Rom gebracht wurden, wohin darüber hinaus seine Künstler zu strömen begannen, war es ganz natürlich, dass die perfekte hellenische Kunst verdrängt wurde Ewige Stadt mittelmäßige Kunst Etruriens. Griechische Meister begannen für die Römer zu arbeiten und fanden unter ihnen Schüler und Nachahmer. Allerdings sind die Werke, die damals sowohl aus griechischer als auch aus römischer Hand entstanden sind, größtenteils nur von untergeordneter Bedeutung: Sie sind mehr oder weniger gelungene Kopien der berühmten Schöpfungen griechischer Plastizität oder deren Nachahmung. Als die besten dieser Werke kann man die Statuen der Venus – Medical, der Venus – Kapitolinisch, der Vatikanischen Ariadne, des Apollo – Belvedere und anderer nennen. Die römischen Bildhauer beschränkten sich jedoch nicht auf die Rolle bloßer Nachahmer: Sie legten wenig Wert auf Idealisierung und versuchten, die Natur mit Genauigkeit und Kraft darzustellen. Das ist der Charakter ihrer historischen Statuen und Büsten moderne Museen(zum Beispiel die Statuen von Augustus im Vatikan, Marcus Aurelius und Agrippina in den Kapitolinischen Museen). Der gleiche Wunsch spiegelt sich in den Skulpturen wider, mit denen die Römer öffentliche Denkmäler schmückten, um die glorreichen Ereignisse der nationalen Geschichte, die Heldentaten und Siege, die die Herrschaft Roms auf ferne Länder ausdehnten, fortzusetzen (Reliefs auf den Triumphbögen von Titus, Septimius Severus, Marcus). Aurelius, auf den Säulen von Trajan, Antoninus und Konstantin).

Es gab kaum ein anderes Volk, das so viel Marmor für Skulpturen ausgegeben hätte wie die Römer; aber das Ergebnis ihrer Arbeit erwies sich oft als sehr mittelmäßig, und sie selbst achteten in ihrer Eile, ihre Werke zu vervielfachen, offenbar mehr auf deren Quantität als auf deren Qualität, die in der Ära Konstantins des Großen schnell abnahm fiel sehr tief.

In dieser Position fand das Christentum die Skulptur und siegte über das Heidentum. Die neue Religion bot keine günstigen Bedingungen für die Entwicklung dieses Kunstzweigs: Plastische Bilder und Formen schienen den ersten Christen zu materiell, zu sinnlich und darüber hinaus gefährlich, da sie die Gläubigen zum Heiden zurückführen könnten Kult. Daher spielte die Bildhauerei in den ersten Jahrhunderten des Christentums, nachdem sie ihre Vormachtstellung gegenüber Malerei und Mosaiken abgetreten hatte, nur noch eine untergeordnete Rolle und diente hauptsächlich dekorativen Zwecken.

Skulptur von Schwarzafrika

Skulptur aus Mesoamerika

Mittelalter

Die wichtigsten Denkmäler, die uns aus dieser Zeit überliefert sind, sind Sarkophage mit Reliefs, die symbolisch eine neue Weltanschauung verkörpern oder biblische Szenen wiedergeben. Es sind jedoch auch mehrere antike christliche Statuen erhalten geblieben (die Bronzestatue des Heiligen Petrus im Petersdom in Rom, die Marmorstatuen des Heiligen Hippolytus im Lateranmuseum). Im Aussehen unterscheiden sich alle diese Denkmäler kaum von spätheidnischen Denkmälern; Ihre technische Ausführung ist sehr schwach, aber sie spüren den Atem neuer Ideen und aufrichtigen Glauben.

In den dunklen Zeiten des frühen Mittelalters befand sich die Bildhauerei im völligen Niedergang: In Byzanz und im Osten im Allgemeinen wurde sie aus der Verwendung für große Unternehmen verbannt und produzierte nur noch kleine Dinge wie Diptychen aus Elfenbein, Kreuze und Gehälter heiliger Bücher und Ikonen, und im Westen, wo er ebenfalls fast ausschließlich die Bedürfnisse eines religiösen Kultes befriedigen musste, der auf der Grundlage vager, verfallener alter Traditionen wuchs.

In der romanischen Epoche der Kunstgeschichte lassen sich mehrere merkwürdige Phänomene feststellen. So etwa die Bronzetüren des Hildesheimer Doms im 11. Jahrhundert – ein Werk des geschickten Gießers Bischof Bernwald, im 12. Jahrhundert – ein großes Taufbecken in der Kirche St. Bartholomäus in Lüttich, das kolossale Exter-Relief auf einer Steinmauer in Westfalen und die Plastikdekorationen der Kathedralen von Bourges und Chartres in Frankreich; im 13. Jahrhundert - das sogenannte Goldene Tor in Freiberg, das Taufbecken des Berner Münsters und andere.

Die ersten Versuche, die Kunst durch direkte Beobachtung der Natur und das Studium der Antiquitäten wiederzubeleben, wurden in Sachsen unternommen, und noch erfolgreicher in Italien, wo Nicolo Pisano Mitte des 13. Jahrhunderts sofort die Skulptur auf eine beträchtliche Höhe brachte (die Stühle des Baptisterium von Pisa und Dom von Siena, der Brunnen vor dem Rathaus in Perugia). Die spätere Vorherrschaft des gotischen Baustils eröffnete der Bildhauerei ein breiteres Betätigungsfeld: Um die komplizierten Fassaden, Türme, Wände und alle Teile der Tempel dieses Stils zu schmücken, war die starke Unterstützung von Kunststoffen erforderlich, und sie stattete sie mit ihnen aus zahlreiche geschnitzte Verzierungen, Reliefs und Statuen und führte sie im Geiste der Gotik selbst aus – mystisch und verträumt. Werke dieser Art gibt es zunächst in Frankreich (Skulpturen von Reims, Paris, Amiens und anderen Kathedralen) und dann in Deutschland (Skulpturen der Frauenkirche in Trier, Bamberg, Naumburg, Straßburg und anderen Kathedralen). Im zweiten dieser Länder, zu Beginn des 15. Jahrhunderts, zeichnen sich Steinskulpturen menschlicher Figuren bereits durch große Schönheit und Harmonie aus, und ihre Drapierung ist malerisch und bedeutungsvoll gestaltet, wie aus den Statuen des Kölner Doms hervorgeht. Die weitere Entwicklung der deutschen Plastik tendiert in eine noch lebendigere, individualisierendere Richtung und lässt in vielerlei Hinsicht den Stil der Renaissance ahnen. Adam Kraft (um 1500) und der Gießer Peter Fischer, beide aus Nürnberg, müssen als Vertreter dieser Strömung gelten. Neben der Stein- und Metallskulptur macht auch die deutsche Holzschnitzerei große Fortschritte, für die im Berichtszeitraum eine große Nachfrage bestand, insbesondere für Altar- und andere Kirchendekorationen. Die berühmtesten Meister der Holzschnitzerei waren anwesend XVI Jahrhundert die Nürnberger Veit Shtos und Hans Brüggemann und der Tiroler Michael Pacher.

Renaissance

Italien

Im Gegensatz zu den nordischen Ländern entwickelte sich in Italien die Skulptur der Gotik unabhängig von der Architektur. Ihren dortigen Erfolg verdankte sie vor allem dem Sohn des bereits erwähnten Nicolo Pisano, Giovanni (Kanzel in der Kirche St. Eine Reihe anderer toskanischer Bildhauer, seine direkten Schüler oder Nachahmer, schlossen sich der Richtung dieses Künstlers an, von denen die berühmtesten sind: Giotto, Andrea Pisano und Orcagna. Dank der Bemühungen dieser und anderer Meister wirft die italienische Kunst zu Beginn des 15. Jahrhunderts die letzten Überreste mittelalterlicher Trockenheit und Konventionalität ab. geht zu neu Autobahn- der Weg der Individualität der Kreativität, der lebhaften Ausdruckskraft, des tiefen Verständnisses der Natur, kombiniert mit einem kritischen Studium der Antiquitäten. Mit einem Wort: Die Renaissance steht vor der Tür.

Die Toskana ist immer noch das wichtigste Zentrum künstlerischer Tätigkeit und ihre Künstler schaffen Werke, die nicht nur ihre Zeitgenossen, sondern auch die entfernte Nachwelt begeistern. Die wichtigsten Förderer der neuen Bewegung sind Jacopo della Quercia, der wegen des hervorragenden Brunnens, den er in Siena errichtete, den Spitznamen „della Fonte“ erhielt; Luca della Robbia, der sich vor allem mit Reliefs aus gebranntem und glasiertem Ton einen Namen gemacht hat, und der hochbegabte Donatello. Ihnen folgt eine Phalanx mehr oder weniger begabter Handwerker. Während der Regierungszeit von Papst Leo X. erreichte die italienische Bildhauerei wie andere Kunstzweige ihren Höhepunkt in den Werken von Gian Francesco Rustici, Andrea Contucci (Sansovino) und schließlich dem Genie Michelangelo Buonarroti. Letzterer hatte jedoch bei aller Ungeheuerlichkeit seines Talents und auch dadurch einen fatalen Einfluss auf den weiteren Verlauf der Bildhauerei: Sein kraftvoller, aber zu individueller und freier Stil überstieg die Macht seiner zahlreichen Schüler und Nachahmer , von denen nur Giovanni ja Bologna, Benvenuto Cellini und Jacopo Tatti hervorstechen; Die meisten Bildhauer verfielen, der Anweisung des großen Florentiners folgend, in launische Willkür und auf der Suche nach einem einzigen äußeren Effekt. Je weiter, desto mehr verlor die Skulptur ihre frühere Einfachheit und Aufrichtigkeit, so dass bereits im 17. Jahrhundert in Italien die Manierismen von Lorenzo Bernini, Alessandro Algardi und ihren unzähligen Anhängern diesen Kunstzweig dominierten. Dieser als Barock bezeichnete Stil setzte sich bis ins 18. Jahrhundert fort, in dem es manchmal Werke gab, die nicht ohne Majestät waren und von der reichen Fantasie ihrer Interpreten zeugten, häufiger aber nur wegen ihrer Anmaßung neugierig waren.

Frankreich

Außerhalb Italiens spiegelte die Bildhauerei ab dem 16. Jahrhundert den Einfluss der italienischen Bildhauerei wider und stellte im Allgemeinen nur wenige bedeutende Phänomene dar. Einige von ihnen verdienen es jedoch, erwähnt zu werden. So wurde beispielsweise in Frankreich die Bildhauerschule Fontainebles gegründet, deren Vertreter Jean-Goujon, Germain-Pillon und andere der Nachwelt sehr talentierte Werke hinterließen. Darüber hinaus ist es unmöglich, Pierre Puget, Francois Girardon und Antoine Coisevo nicht zu erwähnen – französische Bildhauer, die in der Ära Ludwigs XIV. lebten und arbeiteten; aber ihre Arbeit ist stark von der Theatralik gesündigt, die im 18. Jahrhundert in Frankreich den Punkt der leeren, widerlichen Affektiertheit erreichte.

Niederlande

Zu den niederländischen Künstlern, die Aufmerksamkeit verdienen, gehört Frans du Quenois, den die Italiener nennen Der Fiammingo, der zur Zeit Berninis in Rom lebte und dabei frei von italienischen Manierismen blieb. Noch naiver und reiner in seinem Blick auf die Natur ist der Schüler des Art Quellinus du Quesnoy. Der dritte bedeutende niederländische Bildhauer, Adrian de Vries, ein Schüler von Giovanni da Bologna, ist als Autor wunderschön konzipierter und meisterhaft ausgeführter Bronzewerke bekannt.

Deutsche Länder

In der deutschen Renaissance wurden Skulpturen fast ausschließlich für Grabsteine ​​sowie für architektonische und dekorative Zwecke verwendet. Unter den Bildhauern Deutschlands im 18. Jahrhundert ragen jedoch talentierte Meister heraus, die über das Niveau der Mittelmäßigkeit hinausgehen: Andrei Schlüter in Berlin (ein Denkmal für den großen Kurfürsten in dieser Stadt) und Raffael Donner in Österreich (der Brunnen am Neuen Markt in Wien).

Übergang zum Neuen Zeitalter

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts erwacht ein Verständnis für die gesellschaftliche Bedeutung und Würde der Kunst; Es führt einerseits zu einer direkten Nachahmung der Natur, die nicht durch vorgefasste Prinzipien getrübt wird, und andererseits zu einer sorgfältigen Untersuchung, wie und auf welche Weise eine solche Sicht auf die Natur in den künstlerischen Schöpfungen von ausgedrückt wurde die Blütezeit Griechenlands. Einen starken Anstoß für den zweiten dieser Bestrebungen gab Winckelmann, der in seinen Schriften über die antike Kunst ihre hohe Bedeutung eloquent darlegte und eine glühende Liebe zu ihnen predigte. Der von diesem Wissenschaftler vorbereitete Boden begann jedoch erst später Früchte zu tragen, als das allgemeine Interesse an der griechischen Antike zunahm und Veröffentlichungen über ihre Kunstdenkmäler zu erscheinen begannen und europäische Museen entweder mit echten Werken ihrer Plastiken oder Gipsabgüssen davon bereichert wurden . Die ersten Versuche, die Skulptur durch eine Rückführung auf die Prinzipien der antiken Kunst zu aktualisieren, wurden zu Beginn des 19. Jahrhunderts von dem Schweden I. T. Sergel und dem Italiener Antonio Canova unternommen. Vor allem Letzterer erlangte auf diesem Weg Berühmtheit, obwohl seine zahlreichen technisch meisterhaften Werke dem vorangegangenen italienischen Manierismus noch nicht fremd sind und oft nur äußerlich in Prunk oder zuckersüße Sentimentalität verfallen. Viele andere gingen bald den gleichen Weg wie diese Bildhauer, meist ihre direkten Nachahmer. Als die besten unter diesen Künstlern sind der Franzose Chaudet (die Statue von „Amor und der Schmetterling“ im Louvre, Paris), der Spanier X. Alvarez (die Gruppe „Antiloch verteidigt Nestor“, bekannt unter dem Namen: „Verteidigung von Zaragoza“), dem Engländer John  Flaxman und den Deutschen Trippel (Statue „Bacchante“ usw.) und Dannecker (die berühmte „Ariadne auf dem Panther“, bei Betman, in Frankfurt am Main). Aber niemand hat so brillante Ergebnisse erzielt wie der Däne Bertel Thorvaldsen. Mit einer unerschöpflichen Fantasie schuf er eine Reihe vielfältiger Werke, die in einem rein griechischen Geist konzipiert waren, durch eine rein antike Formenadel bestichten und dennoch völlig originell, manchmal erhaben, manchmal naiv idyllisch und anmutig waren.

neue Zeit

In Frankreich hielt Plastik weiterhin an der zeremoniellen Hofordnung der Ära Ludwigs XIV. fest und geriet immer mehr ins Affekt. Der beste Bildhauer dieser Zeit war Jean-Baptiste Lemoine (1704–1778; zahlreiche Büsten und Statuen zeitgenössischer Berühmtheiten). Sein Schüler Falcone (1716-1791), der begabte Autor des St. Petersburger Denkmals für Peter den Großen. Bouchardon (1698–1762) und Pigalle (1714–1785; eine Statue des Marschalls Moritz von Sachsen in Straßburg) versuchten, im Geiste der antiken Kunst zu arbeiten. Die französische Schule warf vor anderen das Joch des absoluten Klassizismus ab und beschritt mutig den Weg des Realismus. Houdon (1741-1828) brachte große Einfachheit und Vitalität in die französische Skulptur ein; Seine berühmte Statue von Voltaire in der Comedie Francaise (eine weitere Kopie befindet sich in der kaiserlichen Eremitage) vermittelt mit erstaunlicher Genauigkeit das Aussehen und den sarkastischen Charakter des Ferney-Philosophen. Weitere Bildhauer des Ersten Kaiserreichs, Cartelier, der bereits erwähnte Chaudet, F. Bozio (Reliefs der Vendome-Säulen, Reiterstatue Ludwigs XIV. auf dem Siegesplatz in Paris), F. Lemo (Statue Heinrichs IV. auf der Neuen Brücke in Paris), J. Cortot (Giebel der Abgeordnetenkammern, die Apotheose Napoleons I. am Triumphtor, die Sterne in Paris) und ihre unmittelbaren Schüler, korrekt und elegant, immer noch kalt in ihren Kompositionen; Aber drei Künstler arbeiten bereits neben ihnen und bringen frischen Wind in die französische Bildhauerei. Dies sind F. Ryud, J. Pradier und J. David of Angers. Die erste davon („Merkur bindet Flügel an seine Füße“, „Junger neapolitanischer Fischer“, „Jungfrau von Orleans“, Statuen im Louvre-Museum und insbesondere „Freiwillige im Jahr 1792“, eine Gruppe an den Triumphtoren des Sterns) legte großen Wert auf die direkte Beobachtung der Natur, drückte Bewegungen und Gefühle stark und wahrheitsgetreu aus und zeichnete sich gleichzeitig durch eine erstaunliche Subtilität der Dekoration aus. Am Anfang. 19. Jahrhundert David von Angers und Pradier versuchten, alte Traditionen mit der Romantik in Einklang zu bringen. Pradiers Talent war eher äußerlich und manifestierte sich vor allem in der eleganten Verarbeitung von Formen. Weiblicher Körper, indem er bezaubernde, lebendige, aber sinnliche Figuren schafft („Easy Poetry“, „Flora“, „Graces“, „Bacchante and Satyr“ usw.). Als entschiedener Anhänger des Realismus und Feind aller Konventionen legte David Anzhersky weniger Wert auf die Schönheit der Linien und in komplexen Kompositionen auf eine klare Gruppeneinteilung, sondern vielmehr auf die genaue Charakterisierung des Dargestellten; Seine Werke (das Tympanon des Pariser Pantheons, die Statue von Condé in Versailles, viele Porträtstatuen, Büsten und Medaillons) sind stets von einer tiefen Idee und einer hohen Ausdruckskraft durchdrungen, die den stärksten Eindruck erwecken, als seien sie in direkt übernommenen Formen eingebettet Wirklichkeit. Diese Tugenden machten David zum einflussreichsten Bildhauer der Generation, die kürzlich die Bühne verlassen hat, nicht nur in Frankreich, sondern auch in Belgien. Neben den drei Anführern der französischen Bildhauerei der Moderne wurde auch F. Duret erwähnt, ein würdiger Anhänger von Ryud und David von Angers („Neapolitanischer Improvisator“, „Neapolitanischer Tänzer“, eine Statue von Rachel in der Rolle der Phaedra in der Französisches Komödientheater in Paris), der wiederum ein talentierter Schüler von E. Delaplanche („ Mutterliebe“, „Musik“, Porträt von Aubert). Zahlreiche Schüler und Anhänger von Pradier arbeiteten im Allgemeinen in seinem Geist, manchmal gingen sie sogar noch weiter als er, mit einer Vorliebe für die Sinnlichkeit, manchmal milderten sie diese durch den Wunsch nach einem reineren Ideal und edlerer Anmut und waren ständig darauf bedacht, die technische Ausführung ihrer Arbeit voranzutreiben in höchster Perfektion. Zur Gruppe dieser Künstler gehören: O. Kurte („Faun und Centauri“, „Leda“, schönes Porträt Adrienne Lecouvreur am Französischen Komödientheater in Paris), A. Eteks („Kain“, „Herkules und Antei“ und zwei Gruppen an den Triumphtoren des Sterns: „Widerstand“ und „Frieden“), C. Simard („Orest Von den Furien verfolgt“, E. Guillaume (Gruppe „Musik“ an der Neuen Oper in Paris, viele Porträtbüsten und Statuen), Idrac („Verwundeter Amor“ und „Salambo“ im Luxembo-Museum), J. B. Klezinger („ Sappho“, „Ariadne mit dem Tiger“, „Die betrunkene Bacchantin“) und A. Chapu („Jeanne d’Arc“ im Luxemburger Museum und „Jugend“ am Regnault-Denkmal in der Pariser Schule der Schönen Künste). Eine umfangreiche und ständig wachsende Schule arbeitet in dieser realistischen Richtung, die von David von Anzhers stark vorangetrieben wurde. Zu den Vertretern dieser Schule zählen D. Foyatier (das Denkmal für Jeanne d'Arc in Orleans, die Statuen von Cincinnatus und Spartacus im Tuileriengarten in Paris), E. Millet („Apollo“, auf dem Dach des Grand Opera-Gebäudes, und „Cassandra“ im Luxemburger Museum) in Paris), A. Preo („Mord“ und „Schweigen“, kolossale Büsten auf dem Lachaise-Friedhof in Paris) und A. Carrier-Belez, der produktivste von Davids Schülern und ihm am nächsten ihn mit Stil ("Madonna" im Pariser Zentrum S.-Vinseny-de-Paul). Ab dem zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts V. der realistische und naturalistische Trend herrscht vor: Barrias, Bartolomé, Carpeau, Delaplanche, Dubois, Falter, Fremier, Garde, Mercier, der brillante Rodin. Naturalismus der Moderne Französische Schule fand in den Werken von J.-B. einen letzten, lebendigen Ausdruck. Carlo, ein Schüler von David, Ryud und Duret, der von jedem von ihnen das Beste in ihnen entlehnte und ihre Tugenden mit dem verband, was ihnen vielleicht fehlte – mit einem eigentümlichen, kraftvollen, sogar ungezügelten Talent, ähnlich dem Talent Michelangelos und , gleichzeitig Rubens („Junger neapolitanischer Fischer“, plastische Verzierungen des Flora-Pavillons im Louvre, der berühmten Tanzgruppe an der Grand Opera in Paris). Trotz des frühen Todes dieses besonderen Meisters hinterließ er tiefe Spuren in der Kunst und bildete eine Schar von Schülern, darunter J. Dali und Gräfin Colonna, bekannt unter dem Pseudonym Marcello („Pythia“ auf der Treppe der Großen Oper in Paris). ), verdienen Erwähnung. Der Realismus, der damals in der französischen Bildhauerei vorherrschte, schließt jedoch nicht aus, dass darin auch andere Bestrebungen bestanden. Der Leiter der klassischen Schule war 1839 F. Juffroy („Das Mädchen, das Amor ihr Geheimnis gesteht“ im Luxemburger Museum), zu dessen Anhängern L. Barrias („Der Eid des Spartacus“ und „Mozart stimmt die Geige“) gehörte. und R. de Saint-Marceau („Das Genie, das das Geheimnis des Sarges hütet“ im Luxemburger Museum); Aber der beste Schüler von Jouffroy, A. Falguiere, zeigt eine klare Neigung zum Realismus („Ägyptische Tänzerin“, „Diana“ und andere), P. Dubois und A. Mercier lassen sich von den skulpturalen Denkmälern der blühenden Poren des Italieners inspirieren Renaissance, auf der Suche nach Harmonie und Schönheit in ruhigen Posen (aus den Werken des ersten sind besonders die Gruppen auf dem Denkmal für Lamoricière hervorzuheben: „Militärischer Mut“ und „Christliche Liebe“ sowie „Neapolitanischer Sänger des 15. Jahrhunderts“. “ und „Eva“; aus den Werken des zweiten – „David“ im Luxemburger Museum, ein Denkmal für Michele auf dem Friedhof Lachaise in Paris und die Quand même-Gruppe). Schließlich hat Frankreich das Recht, stolz auf mehrere Bildhauer zu sein, die Tiere perfekt reproduzieren. Der prominenteste unter diesen Künstlern ist L. L. Barry (Löwe verschlingt eine Schlange, ruhender Löwe und kleine Bronzegruppen), der als der wahre Begründer und Meister dieser Kunststoffindustrie angesehen werden kann. Neben ihm waren E. Fremier, O. Caen, L. Navale und A. Bartholdi zu nennen, von denen letzterer, unabhängig von Werken in seinem Fachgebiet, auch durch die kolossale Freiheitsstatue berühmt wurde, die 1886 von der französischen Regierung mitgebracht wurde als Geschenk an die Vereinigten Staaten von Amerika.

Die belgische Bildhauerei ist nichts anderes als ein Abkömmling der französischen – eine Tatsache, die sich leicht dadurch erklären lässt, dass die meisten belgischen Bildhauer ihre künstlerische Ausbildung in Paris erhielten oder abschlossen. Zu den bedeutendsten Bildhauern dieses Landes zählen: Guillaume (Willem) Gefs (Nationaldenkmal auf dem Märtyrerplatz in Brüssel, Rubensdenkmal in Antwerpen), sein Bruder Joseph Gefs (Denkmäler für Leopold I. in Brüssel usw.) Wilhelm II. in Den Haag), Frankin (Denkmal für Egmont und Horn in Brüssel) und Simonis (Denkmal für Gottfried von Bouillon in Brüssel).

In Deutschland ist nach Thorvaldsen unter den Bildhauern, die seiner idealistischen Richtung anhingen, besonders L. Schwanthaler hervorzuheben, für dessen Tätigkeit unter dem bayerischen König Ludwig I. ein weites Betätigungsfeld zur Ausschmückung Münchens eröffnet wurde (Kolossalstatuen Bayerns, Skulpturenfriese in den Palästen des Königs und Herzogs Maximilian, Reliefs und Statuen in der Glyptothek usw.). Viele Schüler verdanken diesem Künstler ihre Ausbildung, unter anderem M. Wiedimann (Schiller-Denkmal in München u. a.), L. Schaller (Herder-Denkmal in Weimar, Reliefs in der Münchner Pinakothek zu Szenen aus dem Leben von J. van Eyck, A. Dürer und Holbein, allegorische Statuen von vier Sternen usw.), F. Bruggen (Statuen von Gluck, Kurfürsten Maximilian Emanuel und Gertner in München, Gruppen: „Chiron lehrt Achilles“, „Merkur und Calypso“ usw. ), K. Zumbusch (Monum Maximilian II. in München, das Beste von allen, das diese Stadt schmückt; das Denkmal für Maria Theresia in Wien und andere) und M. Wagmüller („Mädchen mit Schmetterling“, „Mädchen mit Eidechse“, ausgezeichnet Porträtbüsten). Der Einfluss Schwanthalers, der von Gasser und Fernkorn (Reiterstatuen von Erzherzog Karl und Prinz Eugen) nach Wien gebracht wurde, spiegelt sich noch immer in den Werken lokaler Bildhauer wider, darunter K. Kundeman, der Autor des Denkmals für Pater Dr. Schubert und V. Tilgner, der sich mit Porträtstatuen und Büsten einen schmeichelhaften Ruf erworben hat. Eine andere Art von Bewegung nahm in Berlin Gestalt an, wo sich I. K. Schadow zu Beginn des 19. Jahrhunderts, ohne die Antiquitäten nicht zu vernachlässigen, die Reproduktion der Moderne und der realen Welt (Wagen und Metopen auf dem Brandenburger Tor, Denkmäler) zur Hauptaufgabe machte an Ziten und Fürst Leopold von Dessau in Berlin, Blücher in Rostock, Luther in Wittenberg und andere). Seine Bestrebungen wurden in der langen und einflussreichen Tätigkeit von X. Rauch voll entfaltet (Denkmäler für Friedrich den Großen in Berlin, A. Dürer in Nürnberg, Kant in Königsberg, berühmte Persönlichkeiten „Victorius“, Grabsteine Königin Louise und Friedrich Wilhelm III. im Charlottenburger Mausoleum). Die von diesem Künstler gegründete Berliner Schule brachte viele mehr oder weniger hervor ausgebildete Handwerker, die sind: Φ. Drake (Flachreliefs am Denkmal für Friedrich Wilhelm III. im Zoologischen Garten Berlin, das Reiterstandbild Kaiser Wilhelms am Bahnhof in Köln und andere), Schifelbein („Zerstörung von Pompeji“, großer Fries im neuen Berliner Museum, Flachreliefs auf der Brücke in Dirschau), Bleser (das Reiterstandbild Wilhelms IV. auf der Rheinbrücke in Köln), A. Kis, der Tiere hervorragend reproduzierte und auch im Bereich der historischen Bildhauerei erfolgreich arbeitete (Statuen des Erzengels Michael und des Heiligen Georg, markanter Drache, Reiterstatuen Friedrich Wilhelms III. in Königsberg und Breslau), T. Kalide, A. Wolf und andere. Unter den Berliner Bildhauern des New Age sticht besonders der starke und leidenschaftliche R. Begas hervor (das Berliner Schiller-Denkmal, die Mendel-Büste in der Nationalgalerie; „Pan tröstet die Psyche“, „Familie des Fauns“, „Venus“) und Amor“ und anderen Gruppen, voller Leben und Bewegung) und R. Siemering (eine Marmorstatue König Wilhelms in der Berliner Börse; die Gruppen „Nymphe bringt dem jungen Bacchus das Tanzen bei“ und „Faun gibt dem Knaben Bacchus zu trinken“; „Siegesdenkmal“ in Leipzig). Zwei erstklassige Bildhauer wirkten gleichzeitig in Dresden: E. Ritschel, ein Rauch-Schüler, der dessen realistischer Richtung folgte (Hauptwerke: das majestätische Lutherdenkmal in Worms, das Schiller- und Goethe-Denkmal in Weimar, die Lessing-Statue in Braunschweig) und E. Gänel, ein Anhänger der idealistischen Schule (die besten Werke sind die dekorativen Statuen der Fassade der Dresdner Kunsthalle, das Denkmal für Fürst Schwarzenberg in Wien, die Beethoven-Statue in Bonn). Unter anderen Dresdner Bildhauern sind mehr als andere hervorzuheben: I. Schilling, ein Schüler und Anhänger von Ganel (Gruppen „Nacht“ und „Tag“ auf der Bryulevskaya-Terrasse, Denkmäler für Ritschel in Dresden und Schiller in Wien) und A. Donndorf , Erbe der lebhaften und edlen Art Ritschels, sein Mitarbeiter am Lutherdenkmal in Worms, der Autor des Reiterstandbildes von Karl August in Weimar und der Denkmäler für Schumann in Bonn und Cornelius in Düsseldorf.

In England fand die Bildhauerei, insbesondere die monumentale Bildhauerei, keinen günstigen Boden; hierzulande spiegelt es stark den italienischen Einfluss wider. Der begabteste englische Bildhauer, Gibson, ein Schüler Canovas, arbeitete in Rom und ist der dortigen klassischen Schule zuzurechnen (Marmorgruppen „Psyche tormented by Cupid“, „Gilas and the Nymphs“ in der Londoner National Gallery, „ Königin Victoria auf dem Thron, zwischen den Figuren der Barmherzigkeit und der Gerechtigkeit“ im Parlamentsgebäude, der Grabstein der Herzogin von Leicester in Longford und andere). Die Art von Canova erinnert an die Werke vieler anderer englischer Künstler, die die Handlungen interpretierten alter Mythos in anmutigen, streichelnden Formen, wie zum Beispiel P. McDaull („Virginius und seine Tochter“, „Washing Dream“), R. Westmacot (Statuen von Addison, Pitt, Fox und Percival in der Westminster Abbey, Lords Erskine auf Lincoln -Inne und Nelson an der Liverpool Exchange, Figuren auf dem Giebel Britisches Museum) und R.-J. Watt („Flora“, „Penelope“, „Musidora“ und andere).

In Italien wichen die Bestrebungen der Kunststoffindustrie überhaupt nicht wesentlich von den Idealen Canovas ab. Die begabten Künstler P. Tenerani, die ihm folgten (Grabsteine ​​des Herzogs und der Herzogin von Torlonia in S. Giovanni in Laterano, Pius VIII. im Petersdom in Rom, „Psyche“ und „Liegende Venus mit Amor“ in der kaiserlichen Eremitage) und L . Bartolini (die Statue von Napoleon I. in Bastia auf Korsika und Machiavelli in den Uffizien in Florenz) arbeitete im edelklassischen Geist dieses Meisters. Bartolinis Schüler G. Dupre vollzog eine gewisse Hinwendung zum Naturalismus („Unsere Liebe Frau beklagt den toten Erlöser“ auf dem Friedhof in Siena, das Cavour-Denkmal in Turin, „Kain“ und „Abel“ in der kaiserlichen Eremitage). G. Bastiani versuchte, den Stil der italienischen Bildhauerei des 15. Jahrhunderts („Bacchantinnengruppe“, „Vier Jahreszeiten“, wunderschöne Porträtbüsten) wiederzubeleben. Damals richteten zahlreiche italienische Bildhauer ihre Aufmerksamkeit vor allem auf die technische Bearbeitung von Marmor, bei der sie eine hohe Perfektion erreichten und mit besonderer Liebe Motive schufen, die der modernen Realität entlehnt waren. Der bedeutendste Künstler dieser Richtung war V. Vela (die Gruppe „Frankreich und Italien“ und „Der sterbende Napoleon“ im Versailles-Museum in Paris, die Statuen von Viktor Emanuel im Turiner Rathaus, „Correggio“ in seinem Heimatort, Philosoph Rosmani und „Frühling“). Zu den Vertretern der italienischen Bildhauerei zählen neben einheimischen Künstlern auch viele Ausländer, wie der bereits erwähnte Engländer Gibson, der in Rom lebte und arbeitete; So sind übrigens der Niederländer M. Kessel („St. Sevastan“, „Paris“, „Disco Thrower“, Szenen aus Weltuntergang), Bayerischer M. Wagner (Fries in Walhalla bei Regensburg; „Minerva“, Schirmherrin der künstlerischen Tätigkeit auf dem Giebel der Münchner Glyptothek), Bremer K. Steingeyser („Held und Leander“, „Goethe mit Psyche“ im Weimarer Museum , „Geiger“ und andere) und der Preuße E. Wolf („Nereide“ und „Amazone“ in der kaiserlichen Eremitage, „Venus“, „Judith“ und andere).

Neueste Zeit

Skulptur in Russland

Russisches Reich

In vorpetrinischer Zeit hatte die Kunst in Russland ausschließlich dazu bestimmt, religiösen Zwecken zu dienen, und da die orthodoxe Kirche Skulpturen menschlicher Figuren verabscheut, konnte dies bei Skulpturen im eigentlichen Sinne des Wortes nicht der Fall sein alte Rus' nicht nur entwickeln, sondern auch existieren. Zwar wurden an manchen Orten, insbesondere in den ehemaligen Gebieten von Nowgorod, geschnitzte und bemalte Heiligenbilder respektiert, aber sie waren jedem fremd künstlerischer Wert und stellte Produkte her, die unter dem Einfluss des Westens entstanden. Tatsächlich beschränkten sich die Erscheinungsformen der plastischen Kunst in Russland auf das Gießen kleiner Kreuze, gefalteter Bilder, das Ausschlagen von Gehältern für Bilder und das Schnitzen von figürlichen Ikonostasen. Zu den Früchten der westeuropäischen Zivilisation zählte Peter der Große, der hierher Skulpturen übertrug, die sich jedoch zu Zeiten dieses Herrschers und noch lange nach ihm in den Händen von Ausländern befanden, die ihn besuchten. Die Hauptfigur auf dem Gebiet der Bildhauerei in der Regierungszeit von Peter dem Großen und Anna Ioannowna war K. B. Rastrelli, der Vater des später berühmten Architekten, der zum Kanonenguss nach St. Petersburg berufen wurde. Sein manierierter Stil wird durch eine Bronzestatue der Kaiserin Anna und ein Denkmal für Peter den Großen vor dem Ingenieurschloss in St. Petersburg bezeugt.

Tatsächlich begann die russische Bildhauerei erst unter Katharina II., nach der Gründung der Akademie, wo der erste Professor dieser Kunst N. F. Gillet war, der 1757 aus Paris eingeladen wurde. Er bildete mehrere Studenten aus, unter denen F. I. Shubin der begabteste war (sein Hauptwerk ist die Katharinenstatue an der Akademie der Künste). Die Charta der Akademie sah vor, dass die besten ihrer Schüler nach Abschluss ihres Kurses mehrere Jahre lang mit Unterstützung der Regierung in fremde Länder gehen konnten, um sich weiter zu verbessern, und dieses Recht wurde zuerst von dem jungen Bildhauer Shubin genutzt. Damit beginnt eine lange Reihe russischer Bildhauer, die im Ausland, hauptsächlich in Italien, gelebt und gearbeitet haben und bis in unsere Zeit andauern. Hier ließen sie sich natürlich von den damals populären Meistern beeinflussen und assimilierten die damals vorherrschende künstlerische Leitung. Daher spiegelte die Bildhauerei in Russland, die bis vor kurzem wenig Unabhängigkeit gezeigt hatte, in sich die Bewegungen wider, die in diesem Kunstzweig im Westen stattfanden: Ende des 18. Jahrhunderts trug sie die Prägung des Französischen und dann des Italienischen – mehr oder weniger auffällige Merkmale des Stils von Canova, Thorvaldsen, Dupre, Tenerani und anderen. Dennoch gab es unter seinen Vertretern viele Künstler, die jedem Land Ehre erwiesen hätten. Im Katharinenjahrhundert gab es neben Shubin, der in seinen Werken den Naturalismus bewahrte und durch Respekt vor den Antiquitäten geadelt wurde, den rutinisch-eklektischen F.G. Gordeev (Samsons Gruppe für den Peterhof-Brunnen dieses Namens) und den begabten, etwas manierhaften M.I in St. Petersburg, die Statue „Amor nimmt einen Pfeil aus einem Köcher“ in der Eremitage und andere). Zur Zeit Alexanders I. und teilweise Nikolajews waren herausragende Vertreter der russischen Bildhauerei: V. I. Demut-Malinovsky (Statue des Apostels Andreas in der Kasaner Kathedrale in St. Petersburg, „Russische Scaevola“ an der Akademie der Künste, Porträtbüsten und andere ), S. S. Pimenov (zwei Gruppen am Eingang des Bergbauinstituts in St. Petersburg), I. P. Prokofjew (Statue des laufenden Aktäon, Tritonen des Peterhof-Brunnens), I. P. Martos (Denkmäler für Minin und Fürst Poscharski in Moskau, Herzog Richelieu in Odessa, Lomonossow in Archangelsk, eine kolossale Statue von Katharina II. in der Moskauer Adelsversammlung und andere) und einige andere.

Die russische Bildhauerei erlebte in der zweiten Hälfte der Regierungszeit von Kaiser Nikolaus I. dank der Liebe dieses Herrschers zur Kunst und der Schirmherrschaft, die er einheimischen Künstlern gewährte, sowie einem so großen Unternehmen wie dem Bau und der Dekoration der St . Isaakskathedrale in St. Petersburg und die Christ-Erlöser-Kathedrale in Moskau. Alle russischen Bildhauer, sowohl der älteren als auch der jüngeren Generation, erhielten damals bedeutende Regierungsaufträge und versuchten, ermutigt durch die Aufmerksamkeit des Monarchen für ihre Arbeit, darin einander zu übertreffen. Die Hauptfiguren im betrachteten Bereich waren damals: Graf F. P. Tolstoi (Medaillons zu Themen aus Vaterländischer Krieg 1812-1814, Statue „Nymphe, die Wasser aus einem Krug gießt“ in Peterhof, Modelle für die Figuren verschiedener Heiliger, für die Türen der Erlöserkirche), S. I. Galberg (Statue von Katharina II. an der Akademie der Künste, Statue „Erfindung der Musik“ in der Eremitage), B. I. Orlovsky („Engel“ auf der Alexandersäule, Denkmäler für Kutuzov und Barclay de Tolly vor der Kasaner Kathedrale, Statuen „Paris“, „Satyr spielt Geige“, „Faun und Bacchantin“. “ in der Eremitage), I. P. Vitali (zwei Giebel der St. Isaaks-Kathedrale: „Anbetung der Könige“ und „Der heilige Isaak segnet Kaiser Theodosius“, Reliefs unter den Portiken dieses Tempels, Skulpturen seiner Eingangstüren und andere; eine Statue der Venus in der Eremitage), Baron P. K. Klodt („Bändigerpferde“, vier Gruppen auf der Anichkovsky-Brücke, ein Denkmal für den Fabulisten Krylov, im Sommergarten; die Figur von Kaiser Nikolaus I. zu Pferd, in das St. Petersburger Denkmal für diesen Herrscher; kleine Pferdestatuen), N. S. Pimenov (Gruppen „Auferstehung“ und „Verklärung“ auf den Ikonostasen der kleinen Seitenschiffe der St. Isaaks-Kathedrale, die Statuen „Omas spielen“ und „Junge“. um Almosen bitten“), P. Stavaser (Statuen „Meerjungfrau“ und „Von einem Faun beschuhte Nymphe“ in der Eremitage), K. Klimchenko („Nymphe nach dem Baden“ in der Eremitage), A. A. Ivanov („Der Junge Lomonossow“ und „Paris“ in der Eremitage), S. I. Ivanov („Der kleine Badegast“), A. V. Loganovsky („Das Pile-Spiel“; Reliefs unter den Portiken der St. Isaaks-Kathedrale „Das Massaker an den Unschuldigen“ und „Die Erscheinung eines Engels vor den Hirten“; Hochreliefs an den Außenwänden der Erlöserkirche) und N. I. Ramazanov (Hochreliefs an den Außenwänden desselben Tempels).

Es ist jedoch zu beachten, dass diese begabten Künstler aufgrund der Natur der ihnen übertragenen Aufgaben in den meisten Fällen in ihrer Arbeit gebunden waren und der Fantasie und dem bereits erwachten Wunsch nach Realismus und Nationalität nicht den vollen Spielraum lassen konnten in ihrer Mitte. Diese Weite öffnete sich mit dem Aufkommen der Ära der großen Reformen Alexanders II. – einer Ära, in der die darstellenden Künste Russlands, ihrer Literatur folgend, zu Sprechern des in der russischen Gesellschaft erwachten Selbstbewusstseins wurden, auf das sie unfreiwillig reagierten seine Zweifel, Wünsche und Hoffnungen. Die Angelegenheit konnte nicht ohne Zögern und falsche Ausflüchte voranschreiten; Dennoch gewann die neueste russische Skulptur in ihrer allgemeinen Bewegung, nachdem sie einen großen Schritt nach vorne gemacht hatte, die Sympathie nicht nur der Oberschicht, sondern auch der Masse ihrer einheimischen Gesellschaft und zwang Ausländer, die Existenz einer ursprünglichen russischen Schule anzuerkennen. Von den Künstlern, die mehr oder weniger dazu beigetragen haben und die Würde der russischen Skulptur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts unterstützten, können wir nennen: M. M. Antokolsky (Statuen „Johannes der Schreckliche“, „Christus vor dem Menschen“, „Tod des Sokrates“, „Mephistopheles“ in der Eremitage; eine Statue von Peter dem Großen in Peterhof), N. R. Bach (Statue „Pythia“), R. R. Bach (Statue „Ondine“; Hochreliefs „Elf“ und „ Idylle"), A. R. von Bock (Gruppe „Minerva“ auf der Kuppel der Akademie der Künste, Denkmäler für Graf Paskewitsch in Warschau und M. Glinka in Smolensk; Statue „Psyche“ und Gruppe „Venus und Amor“), P. A. Velionsky (Statue „Gladiator“, Flachrelief „Venus stellt Amor-Olympioniken dar“), P. P. Zabello (eine Statue von Puschkin im kaiserlichen Alexander-Lyzeum, „Tatyana, die Heldin von Puschkins Roman“ von E. I. V. Kaiserin Maria Fjodorowna und „Meerjungfrau“ für a Brunnen in Kasan), G. R. Zaleman (die Statue Orestes, der von den Furien verfolgt wird, die Cimbri-Gruppe, das Basrelief Styx), F. F. Kamensky (die Statuen Der Bildhauerjunge und das Pilzsammlermädchen und die Gruppe „Erster Schritt“ in der Eremitage), V. P Kreytan (Porträtbüsten), N. A. Laveretsky (Gruppen „Frühe Koketterie“ in der Eremitage und „Junge und Mädchen mit einem Vogel“; die Rhodopen-Statue), E. E. Lansere (kleine Gruppen und Statuetten mit Kampf- und häuslichem Inhalt mit hervorragenden Pferdefiguren), N. I. Liberich (Figuren und kleine Gruppen mit Militär- und Jagdszenen), L. L. Ober (Werke der gleichen Art), A. M. Opekushina (ein Denkmal für Puschkin in Moskau), I. I. Podozerova (Statuen „Amor mit Schmetterling“ und „Eva“; Porträtbüsten), M. P. Popova (Statue „Neapolitanischer Fischer, der Mandoline spielt“, „Flirty Girl“, „Phryne“) , A. V. Snigirevsky (die Statue „Curiosity“, die Gruppe „Into the Storm“; kleine Gruppen mit Genrecharakter), M. A. Chizhov (die Gruppen „Peasant in Need“, „Playing Blind Man's Bluff“, „Mother Teaching Child the Native“. Wort“; „Erste Liebe“; Statue „Rezvushka“) und schließlich I. N. Schroeder (Denkmäler für Fürst P. G. Oldenburgsky und Kruzenshtern in St. Petersburg; Peter der Große in Petrosawodsk).

Es hat seinen Ursprung in der Antike und ist bis heute eine sehr beliebte Dekoration von Städten und Tempeln sowie eine Möglichkeit zur Selbstdarstellung des Meisters. Viele der Skulpturen sind selbst Attraktionen. Es gibt viele Beispiele weltberühmter Statuen, die jedes Jahr von Millionen Touristen besucht werden.

Heutzutage gibt es verschiedene Arten von Skulpturen, die in diesem Artikel besprochen werden.

Definition

Bevor Sie über Skulptur als Kunstform sprechen, müssen Sie verstehen, was es ist, und den Begriff definieren. Skulptur ist nicht nur eine der Formen der bildenden Kunst, sondern eines ihrer wichtigsten Elemente, deren Hauptmerkmal darin besteht, dass die Werke eine dreidimensionale Form aus festen oder plastischen Materialien haben.

Malerei, Grafik und Bildhauerei sind Kunstformen, die in vielerlei Hinsicht sehr nahe beieinander liegen. Deshalb waren viele Künstler und Maler auch hervorragende Bildhauer.

Ein bisschen Geschichte

Wie oben erwähnt, entstand die Skulptur seit undenklichen Zeiten. Die ersten Figuren und Kleinskulpturen tauchten bereits in der prähistorischen Zeit der Steinzeit auf. Damals wurden Skulpturen als religiöse Idole verwendet.

Jeder kennt auch die antiken Skulpturen, die von enormer Größe sind und sich auf ca. Ostern. Es ranken sich noch immer viele Gerüchte und Legenden um sie.

Mit dem Aufkommen der ersten antiken Zivilisationen (altes Ägypten, Sumer, Phönizien usw.) wurden Skulpturen zu einem häufigeren Attribut. Sie waren nicht nur ein religiöser Gegenstand, sondern wurden oft auch zur Dekoration großer Tempel, Herrscherpaläste und zur Dekoration von Städten.

Die Skulptur als Form der bildenden Kunst erlebte in der Antike eine unglaubliche Blüte. Die alten Griechen und Römer schätzten dieses Handwerk sehr. Sie schmückten ihre Städte, Häuser und Tempel mit Skulpturen und ihre Handwerker waren die besten der damals bekannten Welt.

Im frühen Mittelalter herrschte in dieser Gegend eine gewisse Flaute, doch am Ende dieser historischen Phase begann sich die Bildhauerei mit neuer Kraft zu entwickeln. Ein besonders starker Aufschwung begann in der Renaissance, als Malerei und Bildhauerei einen wahren Aufschwung erlebten.

Von der Neuzeit bis heute ist die Skulptur eine der markantesten und gefragtesten Kunstformen.

Arten von Skulpturen (Klassifizierung)

Es gibt verschiedene Arten und Prinzipien, nach denen die Einteilung der Skulptur in Sorten erfolgt. Nach Genre unterteilt gibt es: Porträt, symbolisch, allegorisch, historisch und andere.

Es gibt auch kreisförmige Skulpturen, die von allen Seiten betrachtet werden können, und Reliefskulpturen (Hochrelief, Flachrelief, Gegenrelief), bei denen nur ein Teil der Figur Volumen hat.

Skulpturen können nach den Materialien, aus denen sie hergestellt sind, nach historischen Epochen, geografischen Merkmalen usw. in Typen eingeteilt werden. Es gibt viele Klassifizierungen.

Skulptur und Architektur

Fast sofort, als Zivilisationen zu entstehen begannen und große Tempel- und Palastgebäude entstanden, begannen diese beiden Kunstarten zu einer Symbiose zu verschmelzen. Architektur und Skulptur sind oft Bestandteile ein einzelnes Objekt.

Darüber hinaus drückt sich ihre „Zusammenarbeit“ nicht nur darin aus, dass die Skulpturen häufig als Dekoration des Gebäudeinneren verwendet werden. Es lohnt sich, sich Gebäude im gotischen oder barocken Stil anzuschauen, da wird alles klar. Erinnern Sie sich zum Beispiel an die bekannte Kathedrale Notre Dame von Paris, das vollständig mit verschiedenen Skulpturen übersät ist, nicht nur Flachreliefs, sondern auch kreisförmig.

Und solche Beispiele gibt es viele. In der modernen Architektur werden Skulpturen nicht mehr oft als Dekoration für Gebäude verwendet, aber es gibt viele Bauwerke, die zwar nominell Gebäude sind, in Wirklichkeit aber Skulpturen sind. Ein Beispiel ist die Freiheitsstatue, in deren Inneren sich eine Aussichtsplattform befindet (heute ist der Zutritt verboten) und nicht nur das.

Skulptur in Form einer menschlichen Figur

Die Menschen haben sich schon immer für die Menschheit interessiert, daher ist es nicht verwunderlich, dass Bildhauer am häufigsten versuchten, die menschliche Figur oder einen Teil des Körpers einzufangen oder ihrer Schöpfung eine anthropomorphe Form zu geben. Erst im 20. Jahrhundert zeichneten sich immer mehr Tendenzen ab, die von diesem Grundsatz abwichen.

Die besten Meister der Menschendarstellung galten als die alten Griechen, Römer und Meister der Renaissance. Unter den berühmten Kreationen kann man die Skulptur „Laokoon und seine Söhne“ hervorheben, die von den antiken griechischen Meistern Agesander, Polydorus und Athenodorus geschaffen wurde. Bekannt ist auch die Schöpfung „Der sterbende Gallier“, deren Autor als Epigon gilt, genaue Angaben hierzu gibt es jedoch nicht.

Natürlich gibt es noch viele weitere Beispiele. Es gibt berühmtere, aber Tatsache ist, dass viele Bildhauer auch heute noch gerne Skulpturen von Menschen schaffen.

Moderne Bühne

Heutzutage tauchen zunehmend extravagante Stile und Arten der Malerei und Skulptur auf, dank derer neue Meister versuchen, Aufmerksamkeit zu erregen und das Publikum zu schockieren. Dadurch ist die Welt der Skulptur jedoch vielfältiger, interessanter und moderner geworden.

Es genügt, an die Kreationen des berühmten kolumbianischen Bildhauers und Künstlers Fernando Botero zu erinnern, dessen Produkte heute in vielen Großstädten und Hauptstädten der Welt zur Schau gestellt werden. Sein „Chubby“ sorgte in der Kunstwelt für Furore.

Neben ihm gibt es natürlich auch andere moderne Meister, deren Skulpturen extravagant, aber gleichzeitig etwas Frisches und Neues in der Kunst sind. Dies ist der Haupttrend in der jüngeren Geschichte der Menschheit.

Es ist kein Geheimnis, dass herausragende Kunstwerke auf Kunstauktionen für viel Geld verkauft werden, aber nur wenige wissen, dass die teuerste Skulptur einen Wert von 141 Millionen 800.000 US-Dollar hatte. Es heißt „Pointing Man“ und wurde 1947 vom berühmten Bildhauer Alberto Giacometti geschaffen.

Abgesehen davon, dass die Skulpturen sehr teuer sein können, sind sie teilweise auch sehr groß. Die höchste Statue der Welt ist der Shakyamuni-Buddha in Myanmar. Seine Höhe beträgt etwa 130 Meter, wenn man den Sockel mitrechnet. Ohne sie beträgt die Höhe mehr als 115 Meter.

Moderne Menschen sind es gewohnt, antike Skulpturen in ihrer natürlichen Farbe zu sehen, aber wie neuere Studien gezeigt haben, haben die Griechen und Römer sie in verschiedenen Farben und recht leuchtend bemalt. Es ist nur so, dass die Farbe mit der Zeit in der Sonne und unter dem Einfluss anderer verblasst ist. Naturphänomen gelöscht.

Viele antike Skulpturen sind bis heute mit unterschiedlichen Mängeln überliefert: Chips, fehlende Teile usw. Kunstkritiker, Museen und Bildhauer des 19.-20. Jahrhunderts versuchten zunächst, die fehlenden Teile selbst zu restaurieren, scheiterten jedoch Mit der Zeit, nach zahlreichen gescheiterten Restaurierungen, wurde den Menschen klar, dass es besser ist, die Werke der Antike nicht zu restaurieren, sondern sie in der Form zu belassen, in der sie vorgefunden wurden.

Auswirkungen auf die Kultur

Um welche Art von Skulptur es sich auch handelt, sie ist immer noch Gegenstand der Kunst und hat daher einen direkten Einfluss auf diese. Es ist eines der stärksten Mittel zur Selbstdarstellung, zur Dekoration von Städten, Innen- und Außenbereichen usw.

Skulpturen haben seit der Antike einen großen Einfluss auf Kunst und Kultur im Allgemeinen und sind Teil davon. Sie gelten auch heute noch als wichtiger Bestandteil im Leben der Menschheit.

Viele berühmte Statuen sind heute ein Symbol einer Religion, einer Stadt oder sogar eines anderen das ganze Land. Erinnern Sie sich zumindest an die berühmte Christusstatue, die heute nicht nur Rio de Janeiro, sondern ganz Brasilien symbolisiert.

Ungefähr das Gleiche gilt für die Freiheitsstatue in New York oder die Mutterlandsstatue in Wolgograd. Und solche Beispiele gibt es viele. Fast jede größere Stadt hat ihre eigene oder mehrere bemerkenswerte Skulpturen.

Neben den berühmten und symbolischen Statuen gibt es gewöhnliche städtische Skulpturen, die keinen großen historischen oder kulturellen Wert darstellen, sondern ausschließlich zur Dekoration der Straßen der Stadt geschaffen wurden. Sie werden in der Regel aus kostengünstigen Materialien wie Bronze, Eisen usw. hergestellt.

Abschließend

Malerei, Grafik und Bildhauerei sind Kunstformen, die vor sehr langer Zeit entstanden sind, aber bis heute existieren. Darüber hinaus nimmt das Interesse an ihnen überhaupt nicht ab, sondern nimmt teilweise sogar zu.

IN moderne Gesellschaft Es gibt viele Kunstinteressierte und die Werke alter Meister stehen in der Regel unter dem Schutz von Staat und Gesellschaft.

Die Menschen haben schon immer gerne über das Schöne nachgedacht, was nicht nur den Augen, sondern auch dem Gehirn Freude bereitet und ihm Anlass zum Nachdenken gibt. Daher stellen viele Skulpturen nicht nur etwas dar, sondern demonstrieren eine Art Handlung, Idee und Gedanke. Beim Betrachten solcher Kunstwerke beginnt man unwillkürlich darüber nachzudenken, was der Autor den Menschen vermitteln und vermitteln wollte.

Die Skulptur ist als Kunstform nicht nur nicht verschwunden, sondern entwickelt sich auch heute noch aktiv weiter. Es gibt völlig neue Typen, Stile, Materialien usw. Bildhauer aus aller Welt geben ihr Bestes, um hervorzustechen und ihre Kreativität zu fördern.

Angesichts der harten Konkurrenz müssen moderne Bildhauer in ihrer Arbeit oder ihrem Hobby kreativer sein. Dies ist nach Ansicht vieler der Motor der zeitgenössischen Kunst im Allgemeinen und nicht nur der Bildhauerei.